“Para cantarte toda la vida, /pero mi estrella me dio este acento/ y así te siento, tierra querida”. Los entrañables versos de las canciones de Atahualpa Yupanqui –bajo la forma de milongas, zambas, chacareras, bagualas…– siguen resonando en oídos argentinos, aunque el folklore no esté en la actualidad particularmente de moda. Y desde luego no solo se oyen a través de la inconfundible voz del poeta cantor, sino también de los numerosos intérpretes de valía que han entonado, que siguen entonando sus temas, acá y en el mundo, cuyos escenarios recorrió Don Ata. Algunas líneas de esas canciones, como sucede con ciertos tangos que no pierden vigencia, se han incorporado al habla popular. Por caso, se suele decir “las vaquitas son ajenas”, sin que haga falta completar la primera parte ni explicar el sentido de esa frase. 

Marcos Montes es un gran actor que, aparte de este oficio que ejerce sin descanso y con suma versatilidad –además de habilidades vinculadas a cuestiones idiomáticas– cultiva el canto: en otros tiempos, jazz en inglés; y, desde que lo flechó la milonga campera El aromo de Yupanqui, en la voz de Suma Paz en el teatro Cervantes, no dudó en retomar la guitarra para para entonar esos poemas a la Argentina profunda, al paisanaje, a los pueblos originarios, a los marcos naturales de ese trovador que desde muy joven creció en talento y sabiduría. Y que eligió cambiar su nombre en los papeles por esas dos palabras que lo representan y que significan en –la sangre de su padre– “el que viene de tierras lejanas a decir algo”.

 Entre otros frutos de su pasión por Atahualpa Yupanqui, Montes tuvo que ver con distintos espectáculos desde hace dos décadas, entre los cuales un unipersonal con texto y música que arrancó en 2009, paralelamente a sus trabajos de actor, que fue ofreciendo cada tanto, acá y en ciudades europeas, con variaciones en su contenido y cambiando de título. Hasta convertirse en el ¡Yupanqui! que brindará en tres funciones a partir de mañana sábado en la Biblioteca Café.

Andando y cantando, su modo de alumbrar

Aunque cualquiera que escuche Luna tucumana sin conocer sus datos biográficos, podría deducir que Don Ata nació en esa provincia, lo cierto es que su origen es bonaerense, zona de Pergamino, 1908. De niño aprendió a tocar el violín con el cura del lugar, instrumento que trocó por la guitarra bajo la guía de un amigo de su padre. A la muerte de este, prueba varios oficios –todavía adolescente–, recorre lugares con su guitarra y un poncho por equipaje, descubre con mucha empatía la orfandad de los campesinos, de los descendientes de pueblos originarios. 

A los 20 ya está cumpliendo labores periodísticas en la Capital, viaja a Bolivia, se reconoce en y se siente muy inspirado por los paisajes, las culturas ancestrales. Radical por herencia paterna, en su anhelo de justicia social adhiere al Partido Comunista, al que renunciará decepcionado en los años’50. Pero antes -luego de un casamiento temprano con una prima- conoce en 1942 a la pianista y compositora nacida en un territorio francés cerca de Canadá, Antoinette Paule Pepin- Fitzpatrick. Es decir, Nenette, el amor de su vida que participará en la creación de la música de muchas canciones, con quien convive desde 1946.

 Fichado por su compromiso político, es encarcelado “en averiguación de antecedentes” en más de una ocasión. Y cada vez, ella gestiona su liberación, hasta que Atahualpa decide exiliarse en París, 1949, ciudad donde encuentra refugio en la casa de Paul Éluard. Y durante una reunión de amigos del poeta galo, sucede el milagro: Edith Piaf lo escucha cantar y lo amadrina para que debute en el teatro Athenée. De ahí en más, la trayectoria exitosa de Yupanqui se dispara en Francia, en otros países europeos, llega al Japón. Y, a partir de los ’50 regresa regularmente a su patria, donde ofrece recitales, es entrevistado, compone la música de un par de películas, recibe el afecto del gran público. Establecido en París, deja de visitar la Argentina durante la dictadura. En la década de 1980 recibe distinciones: el Konex de Brillantes, la condecoración francesa como Caballero de la Orden de las Artes y las Letras.

 Su salud declinaba cuando estuvo en el Festival de Cosquín, 1990. Volvió a París por compromisos de actuación y a fines de mismo ese año, muere en Buenos Aires su adorada Nenette. Muy afectado, Atahualpa Yupanqui la sobrevivirá dos años.

Mercedes Sosa, Jorge Cafrune, Marie Laforêt, Suma Paz, Daniel Viglietti, Violeta Parra, Chavela Vargas, Elis Regina, Jairo, Divididos, Juan Carlos Baglietto figuran entre los incontables intérpretes que han merecido las canciones del poeta autor de El payador perseguido, que gustaba presumir con orgullo de sus rasgos aindiados, de sus ojos entornados. Pero Marcos Montes se los va a contar y cantar de la mejor manera.

Arrimándole coplas y textos a la esperanza

La trayectoria de Marcos Montes es de intensidad y diversidad poco frecuentes. Entre otros hitos, estuvo en la fundación del notable grupo teatral (H)umoris Dramatis, junto al destacado colega Juan Carlos Portaluppi y al director Adrián Ghío. Compañía que, por citar apenas uno de sus altos logros, brindó en 2005 una memorable puesta en escena de El homosexual o la dificultad de expresarse, de Copi, en el Anfitrión. Convocado por Alfredo Arias, Marcos trabajó con este artista en París y en Buenos Aires, arrancando con Tatuaje, joya escénica que remitía libremente a la leyenda de Miguel de Molina, exiliado en Buenos Aires en tiempos del franquismo (Montes se lucía cantando y Sandra Guida hacía una shockeante aparición como Evita, vestida por Pablo Ramírez). Últimamente, siempre con Arias, sobresalió en Bela Vamp y en James Brown usaba ruleros. 

En estos días, MM ya inició la cuarta temporada de El hombre de acero en Espacio Callejón, escrita y dirigida por Juan Francisco Dasso, acerca de un padre que desea conectar con su hijo adolescente autista; repone en mayo Mi querido señor Mozart, en el Borges. Y se apresta valerosamente a comenzar los ensayos de Ricardo III, de Shakespeare, con puesta del siempre controversial español Calixto Bieito, en el San Martín, como parte del gran elenco en el que están Joaquín Furriel, Alejandra Flechner, Ingrid Pelicori, Luciano Suardi, Belén Blanco, Iván Moschner.

En paralelo y dando pruebas de su afán de saberes vinculados a las lenguas, Marcos, sin hacer alarde, es Master en Lexicografía Hispánica por la Real Academia Española. Y asimismo Corrector Internacional de Lengua Española. De él se podría decir que es uno de Los justos del poema de Borges –tan admirado por Yupanqui– porque “descubre con placer una etimología” y, en otro orden de cosas, bichero a pleno, sin duda es una de las personas “que acaricia a un animal dormido”.

“Conversatorio musicalizado”, define Montes su espectáculo ¡Yupanqui! donde cita al trovador cuando responde: “A un folklorista no se le pregunta si trae algo nuevo. Pregúntele qué trae de viejo”. Y entre los temas que canta con su voz cálida y bien estrenada no podía faltar la milonga del peón de campo, ese que nunca tuvo tropilla propia, siempre montado en ajeno: “A veces me entra tristeza/ y otros veces, rebelión./ En más de una ocasión, quisiera hacerme perdiz (…)/ Pero la verdad, paisano, me gusta el aire de aquí”. La economía, la elocuente simplicidad hechas poesía.

Marcos Montes no imita con su canto a Atahualpa: da su personal versión contemporánea de los temas, desde su condición de actor, de fan incondicional. Y muy probablemente haga El aromo, árbol al que le pegan todos los vientos: “Pero con un alma tan linda/ que no le brota la queja,/ que en vez de morirse triste/ hace flores con sus penas”.

En ¡Yupanqui! hay citas a las cartas a Nenette escritas durante muchos años por el poeta cantor y publicadas por Sudamericana. Sucederá en un sitio tan hospitalario como la Biblioteca Café, Marcelo T. de Alvear 1155, los próximos sábados 12, 19 y 26 de abril, a las 17, con merienda incluida en la entrada.

MS/MG

“Estábamos a la orilla de un río chiquito y pasó un paisano arreando una tropita de veinte vacas. Iba yendo por la costa de una sendita sin alambre. Punteaba un novillo viejo y los demás lo seguían, mansos. Se llamaba, el arriero, Antonio Fernández. Le decían ‘Don Anto’, según lo supe cuando el cuidador del cerro lo reconoció y lo saludó con sus buenos días. ‘Buenos días, buen provecho’, contestó el hombre. Nosotros no habíamos comido todavía así que lo del ‘provecho’ nos sonó a insinuación. ‘Bájese don Anto’, le dijimos. –No –dijo él. Ya voy a venir más tarde en todo caso. Voy llevando esta hacienda para la finca. -¿Y por qué anda tan apurado? –le preguntamos. Encogiéndose de hombros el arriero contestó: –Es que tengo que andar no más. Ajenas culpas pagando y ajenas vacas arreando”. Así contaba Atahualpa Yupanqui el origen de “El arriero” y de su frase más famosa, citado por Norberto Galasso en Atahualpa Yupanqui, el canto de la patria profunda. “Las penas y las vaquitas/ se van por la misma senda./ Las penas son de nosotros,/ las vaquitas son ajenas”, grababa el 27 de diciembre de 1944, a solas con su instrumento, ese hombre misterioso. Un guitarrista virtuoso y original, ex estudiante de violín y poeta notable que parecía, por un lado, fundar todos los mitos acerca de la sabiduría popular y la lúcida sencillez del hombre de campo y, por otro, desmentirlos uno a uno.

 El disco, que tenía del otro lado “A orillas del Yi”, era el decimocuarto de su carrera. El primero, con “Caminito del indio” y “Mangruyando”, había sido publicado en 1936. Hubo, en los ’60 argentinos, algo llamado “boom del folklore”. Y, desde 1950, un consumo creciente de canciones e intérpretes asociados con tradiciones rurales, fácilmente relacionable con las políticas sociales del peronismo y el crecimiento de la migración interna hacia centros urbanos. Pero, obviamente, el Caso Yupanqui es muy anterior y muy poco asimilable al peronismo, sobre todo si se tiene en cuenta que durante el primer gobierno de Perón el artista fue prohibido, en razón de su afiliación al Partido Comunista, y, luego de ser arrestado en varias ocasiones, acabó escapando a Montevideo en 1948 y exilándose definitivamente en París a partir del año siguiente. “En tiempos de Perón estuve varios años sin poder trabajar en la Argentina. Me acusaban de todo, hasta del crimen de la semana que viene”, contó a Galasso . “Desde esa olvidable época tengo el índice de la mano derecha quebrado. Una vez más pusieron sobre mi mano una máquina de escribir y luego se sentaban arriba, otros saltaban. Buscaban deshacerme la mano, pero no se percataron de un detalle: me dañaron la mano derecha y yo, para tocar la guitarra, soy zurdo. Todavía hoy, a varios años de ese hecho, hay tonos como el si menor que me cuesta hacerlos. Los puedo ejecutar porque uso el oficio, la maña; pero realmente me cuestan”.

En el ámbito de la música, primó –seguramente sin que nadie lo decidiera de antemano– el viejo concepto de Ricardo Rojas, luego discutido por Jorge Luis Borges, Juan Alonso Carrizo y Bruno Jacovella según el cual gauchesca y folklore eran la misma cosa. Borges, en sus discusiones con Rojas, asegura que lo que los gauchos cantaban era “un lenguaje hispano”, y que un mexicano podía entender el folklore bonaerense, pero que necesitaría un glosario para comprender a Hilario Ascasubi (el autor de Santos Vega o los mellizos de la Flor, en1851, y, dos años después, de Aniceto el Gallo). Borges introdujo, en un texto de 1932 dedicado a “El escritor argentino y la tradición”, uno de los mejores chistes de la historia cultural argentina. “He encontrado días pasados una curiosa confirmación de que lo verdaderamente nativo suele y puede prescindir del color local”, escribe allí; “encontré esta confirmación en la Historia de la declinación y caída del Imperio Romano de Gibbon. Gibbon observa que, en el libro árabe por excelencia, en el Alcorán, no hay camellos; yo creo que, si hubiera alguna duda sobre la autenticidad del Alcorán, bastaría esta ausencia de camellos para probar que es árabe”. Lo que Borges plantea, con ironía salvaje, es la relación inversa entre localismos y autenticidad. O la técnica del conteo de camellos para dirimir, en sus términos, si se trata de gauchesca ­–una construcción artificial, debida a poetas urbanos y letrados– o de folklore –la verdadera tradición–.

El problema es que, en el folklore musical, por lo menos en la mayoría de lo producido a partir del “boom”, casi todo es gauchesca. También en este aspecto Atahualpa Yupanqui es excepcional. En su caso no oculta el lado erudito y, más bien, el uso de los localismos, que le resulta inevitable, es pudoroso. Él hace realidad, eventualmente, la idea de la música folklórica (equivalente a lo gauchesco literario) como “un uso letrado de la cultura popular”, formulada por Josefina Ludmer en El género gauchesco. Un tratado sobre la patria. Yupanqui, él mismo con aspecto de arriero, era tan inevitablemente criollo que, de la misma manera en que el Mahoma de Borges no debía preocuparse por parecer árabe, estaba mucho más allá de la necesidad de pintoresquismo como señal de identidad. Lo que se destacaba, en cambio, era el refinamiento de esa tradición: su manera de tocar la melodía a dos voces paralelas, en la guitarra, el escepticismo, la dureza y hasta el cinismo de sus letras, el pequeño –y también virtuoso– desplazamiento rítmico entre su voz y el acompañamiento. Ese refinamiento fue, en todo caso, lo que sedujo a Edith Piaf, que lo invitó a cantar con él en 1950 y dio lugar al comienzo de su deslumbrante carrera francesa.

“El arriero” es, en muchos aspectos, una canción ejemplar. Hay allí dos voces, la del narrador y la del personaje (que Yupanqui canta con un timbre distinto, más apretado y con una colocación en un registro más agudo) y que es quien repite, como una letanía, “Las penas y las vaquitas/ se van por la misma senda./ Las penas son de nosotros,/ las vaquitas son ajenas”. Está, por supuesto, el paisaje: “En las arenas bailan los remolinos,/ el sol juega en el brillo del pedregal...”. Y están las imágenes extraordinarias, desmesuradas, como “un degüello de soles muestra la tarde”. Pero tal vez el momento central, aquel donde el hombre de campo hace realidad aquello dicho por Borges en relación con la payada del Martín Fierro –el único momento en que, según él, hablan por sí mismos y de lo que realmente les interesa: la soledad, el amor, la muerte). No importan los aperos ni las espuelas ni si el caballo es alazán o tobiano. Hay un hispanismo, “amalaya”, derivado de tres palabras, “ah”, “mal” y “haya”, usado como expresión de deseo (y no, como también es frecuente, como maldición). Y cuando el arriero va, “como sombra en la sombra por esos cerros”, las palabras articulan un ruego que nada tiene de idealización ni de postal: que “la noche traiga un recuerdo que haga menos pesada la soledad”.

Diego Fischerman es autor del blog “El sonido de los sueños”: https://xn--sonidodesueos-skb.com/

La Fundación Atahualpa Yupanqui organiza los días 7, 8 y 9 de septiembre el 1º Congreso Internacional Yupanquiano, dedicado a la obra del músico y poeta de Atahualpa Yupanqui y la pianista y compositora Nennette Pepin Fitzpatrick, su compañera musical y de vida. 

Los objetivos de este encuentro, con entrada libre y gratuita, son abordar aspectos de la obra del compositor y guitarrista y de su pensamiento filosófico, valorar el aporte musical de Nennette Pepin Fiztpatrick, que firmó muchas composiciones con él bajo el seudónimo de Pablo del Cerro, y fomentar la producción de nuevos compositores de la música de raíz folklórica argentina. 

La cita es en el Centro Cultural Córdoba (Av. Poeta Lugones 401 - Córdoba Capital) los días 7 y 8 de septiembre y en el Centro Cultural Casa - Museo “Agua Escondida” (Cerro Colorado), donde vivieran Yupanqui y su esposa, el 9 de septiembre. 

El congreso, que abrirá Roberto Chavero, hijo del músico y presidente de la Fundación Atahualpa Yupanqui, abarca exposiciones de especialistas, presentación de trabajos de investigación y/o ensayos, presentación de nuevas obras de compositores, una Feria del Libro Yupanquiano y del Folklore, conclusiones y un cierre con un recital con importantes figuras del folklore y la presencia del ministro de Cultura Tristán Bauer. 

Aún está abierta la inscripción para ponencias. Más información en la web de la Fundación Atahualpa Yupanqui.

“Don Ata” nació el 31 de enero de 1908, en Campo de la Cruz, provincia de Buenos Aires, y murió el 23 de mayo de 1992 en Nimes, Francia. Es considerado uno de los mayores referentes de la historia del folklore argentino.

El escenario del Festival Folklórico de Cosquín, el más importante de Argentina, fue bautizado con su nombre en 1972. En 1986 Francia lo condecoró como Caballero de la Orden de las Artes y las Letras.

Entre sus obras más conocidas figuran “Camino del indio”, “Coplas del payador perseguido”, “El arriero va”, “La añera”, “La pobrecita”, “Los ejes de mi carreta”, “Los hermanos”, “Luna tucumana”, “Piedra y camino” y “Viene clareando”.

CRM

Los integrantes de Allpa Munay tenían unos pocos años cuando Atahualpa Yupanqui moría en Nimes, en el sur de Francia. Este 23 de mayo se cumplen 30 años de la partida del máximo referente del folklore argentino, ese hombre sobrio, de gesto serio, que con su guitarra al hombro recorrió el mundo cantándole a la tierra argentina y a quienes la trabajan.

Unas 10 o 15 de sus canciones son conocidísimas y forman parte del acervo popular. “Luna tucumana”, por ejemplo, es un clásico. Pero don Ata compuso alrededor de 500 obras que aparecen poco en los repertorios de los cantores y las cantoras de la actualidad.

A sus veintipico, los integrantes de Allpa Munay se conocieron y empezaron a interesarse por la obra del músico y escritor y se propusieron difundir lo menos conocido. Le pusieron tanta pasión a su cometido que se toparon con Roberto “El Kolla” Chavero, hijo del folklorista, que les acercó unas partituras inéditas. De ahí surgió el primer disco de este cuarteto, Yupanqui Inédito, de 2018. Ahora, a sus treinta y pico, la conocen en profundidad y siguen transitando la senda yupanquiana.

En diálogo con elDiarioAR, tres de los integrantes de este cuarteto -Ferni de Gyldenfeldt (voz), Nicolás Kamienkowski (guitarra) y Pablo Palacios (piano)- contaron de dónde les vino esta afición por Don Ata y cuáles son sus próximos proyectos. Completa el grupo Nahuel Villegas en percusión.  

-¿Cómo surgió este vínculo con Yupanqui siendo tan jóvenes?

-Ferni de Gyldenfeldt: Ya no somos tan jóvenes (risas). Tenemos treinta y pico de años. Sí es cierto que nos comenzamos a interesar ya hace mucho tiempo en la obra de Atahualpa y que desde la juventud de cada une, la adolescencia, la infancia, incluso, de una u otra manera nos ha acompañado. Creo que por legado familiar, por la cercanía de los intereses musicales de cada une, por habernos sentido interpelades alguna vez, como seguramente gran parte del pueblo argentino, con alguna letra de Atahualpa Yupanqui, en algún momento tuvimos la necesidad de juntarnos. En principio, yo como cantora me acuerdo de llamarlo a Nico, después a Pablo. Luego se sumó Nahuel. Y en los cuatro nació ese consenso, ese pacto musical de dar vida y reversionar la obra de Atahualpa. Luego vino el condimento maravilloso de conectarnos con el hijo y que nos acercara de forma directa obra inédita. Eso ya dio otro vuelo. Fue un potenciador casi inmediato que tuvimos. Entonces Allpa Munay nace con Yupanqui Inédito. Ya no con la tarea solamente de reversionar obra de Atahualpa, sino de reversionar aquella obra poco difundida o inédita. Y ahora, lógicamente, fue cambiando. Llevamos ocho años como grupalidad. 

-Nicolás Kamienkowski: El grupo edita el disco Yupanqui Inédito en 2018 y hubo un proceso previo bastante grande porque veíamos que la obra tenía distintos ejes. Por un lado, obviamente el más paisajístico, no como idea de paisaje, sino de territorio o espacio simbólico desde otra perspectiva más campesina, más indígena. Cuando Yupanqui habla de la piedra o del río es desde el punto de vista de alguien que lo vivió. Después veíamos que había una mirada filosófica bastante profunda y hasta metafísica, la mirada desde esa otra filosofía, esa otra América, que también se ve por ejemplo en autores como (Rodolfo) Kusch. Otra filosofía que él reivindicaba mucho frente a la mirada blanca o colonizadora. Y, por otro lado, Yupanqui tiene también obras de mucha crítica social, que no se queda solo en la mera crítica como cantor de protesta, sino que más bien es una obra desde del sufrimiento del campesino, del peón, del trabajador y la trabajadora, desde quien lo ha vivido y quien ha recorrido esos espacios. Entonces, cuando tuvimos el encuentro con Roberto “Kolla” Chavero, el hijo de Yupanqui, y nos acerca ese puñado de partituras inéditas, nos abocamos a esa obra y a otras que nos gustaron. Y ahora decidimos seguir con la obra de Yupanqui pero ya no solo lo inédito, sino también lo poco difundido u obras que creemos que son interesantes también para el grupo.

-Pablo Palacios: En el mundo del folklore hay mucha juventud también, aunque no sea lo mainstream. Cada une del grupo entró por eso, cada une está ligado desde distintas trayectorias con la música y el folklore. Ahí fue el primer acercamiento. El grupo se fue ensamblando a medida que nos conocíamos. Alguien tiraba: “¿podemos hacer este tema?” “¿Cuál es este tema? No lo conozco”. Y así es como que íbamos viendo que había más repertorio del que se suele cantar, difundir y conocer de Yupanqui. Entonces creo que eso es algo pilar en nuestra formación de grupo que, antes de conocer al “Kolla”, ya teníamos una inquietud por buscar temas que no fueran los más difundidos. Y así fue que fuimos armando una lista. En el medio, nos terminamos cruzando y conociendo al “Kolla” Chavero y ahí sucede que él nos entrega partituras inéditas. Y el disco terminó siendo una combinación de partituras inéditas y algunas como “Preguntitas sobre dios”, “Canción del cañaveral”, “Te dicen poeta”, que han sido versionadas pero quizá no tanto. Lo que nos gustó es que había un universo mucho más grande de Yupanqui que las canciones más conocidas, la “Luna tucumana” y lo que quizá se conoce en el mundo del folklore. Nos dimos cuenta que tiene 500 o más canciones y que están una mejor que la otra. 

-¿Cómo llevaron la música de Yupanqui a esta instrumentación?

-PP: En realidad fuimos encontrándonos al principio medio tocando, zapando, improvisando. Y después en el primer disco empezamos a juntarnos bastante desde los instrumentos armónicos, la guitarra y el piano, a probar cosas. Ya después fuimos decidiendo trabajar sobre la escritura formal de una canción. Entonces ahí ya hicimos arreglos para partitura. Fuimos encontrando de qué manera podíamos combinar lo que tenemos: dos instrumentos armónicos, una percusión muy amplia para la sonoridad y la voz de Ferni. Lo que hacemos es darle otros colores, reversionar, darle otras miradas propias, artísticas de cada uno.

-¿A qué le llaman reversionar?

-NK: Algo que hablamos mucho nosotres tiene que ver con una mirada sobre el folklore y la cultura que tenemos y que tiene que ver con un folklore que no es un folklore muerto sino algo que está vivo. Y también una forma de darle vida a estas obras es, desde nuestra forma de verlo, tocarlas como las sentimos actualmente y no tratar de hacer una interpretación historicista, que no nos interesa ni es la búsqueda que tenemos. Por suerte la mirada sobre el folklore está cambiando mucho y eso quiere decir que es un folklore que se mueve, que tiene vida.

-Suelen nombrar en los conciertos a Nenette Pepin Fitzpatrick, la mujer de Yupanqui, que aparece como coautora de varios temas bajo el seudónimo de Pablo del Cerro.

-NK: Sí, la nombramos porque ella fue coautora de varias de las obras y por su tiempo histórico, machismo mediante, como ha pasado con muchas mujeres o diversidades, ha sido invisibilizada. Entonces me parece fundamental resaltar la importancia de Nenette como compositora sobre todo en lo que tiene que ver con lo musical y ojalá que haya estudios que pongan en relevancia cuál fue la tarea en esa composición y en esa coautoría. 

-FdG: Es volver a echar luz o nombrar aquellas cosas que fueron invisibilizadas, soslayadas, alrededor de lo que significaba ser músico hombre hace 70, 60, 50 años. Y todo lo que esa figura, por el sistema machista de la época, ocultaba, lo que quedaba en las sombras. Nosotres sabemos la importancia que tuvo Nenette en la vida de Atahualpa. La tarea que tuvo Nenette en la crianza del hijo mientras Atahualpa hacía su carrera como guitarrista solista por el mundo, levantando el agua del pozo en las nevadas, limpiando esa casa, criando al “Kolla” en los inviernos más duros de Cerro Colorado. Luego vemos la importancia que tuvo en la coautoría de muchas obras. Y luego también en la transcripción a pentagrama de muchas de esas músicas, ya que ella era pianista y concertista. Empezar a visibilizar eso no es para contrarrestar lo grandes que fueron ciertos genios, pero sí para mirar qué había atrás de esa genialidad, del hombre omnipotente. Si bien vamos por la deconstrucción de un sistema, a veces se piensa que esto es atacar la figura de alguien. Es todo lo contrario. Es completar, mostrar otros colores, otra paleta, de lo que ya conocemos. Que Atahualpa es un genio lo sabemos. Ahora es importantísimo entender todo esto otro, que está sustentado incluso en la propia admiración que tenía Atahualpa hacia Nenette. En Cartas a Nenette (de Víctor Pintos), libro que recopila cartas de Atahualpa hacia ella, vemos con qué admiración se refiere a ella, cómo destaca su labor musical. Entonces como grupo de músiques del siglo XXI estamos atravesades también por este transfeminismo y por este momento y hacer visibles estas cosas me parece que es algo sustancial. Creo que Allpa Munay no está alejado de esa lectura crítica hacia el patriarcado. Y no solamente me estoy refiriendo a esto yo como una cantora trans no binaria. No tiene que ver con eso. Tiene que ver con la relectura que hacemos de la obra de hace 70 años que tenía, en su caso, también en muchos temas la coautoría de una mujer que firmaba con seudónimo de varón.

-¿Qué proyectos tienen para estos próximos tiempos?

-NK: Son dos proyectos. Durante la pandemia nos presentamos a mecenazgo cultural de la Ciudad y fuimos seleccionades. Es un proyecto relacionado con trabajar el folklore en las escuelas, en establecimientos educativos, jardín, primaria, secundaria, escuela de adultos, escuela de músicos. Poder llevar esta obra de Atahualpa Yupanqui y Nenette e interpretarla ahí. El proyecto consiste en hacer conciertos didácticos. Puede ser de distintas maneras de acuerdo a las características de cada proyecto educativo. Y poder realizar conciertos donde está la base de nuestra sociedad que son las infancias. Nos parece que está bueno llevar un concierto de la misma dimensión que haríamos en un gran anfiteatro al patio de una escuela o a un aula. 

-¿Y se viene otro disco?

-PP: Todavía no estamos con fechas cerradas. El año pasado grabamos algunas canciones nuevas. Hace poco salió un video, que es “Tierra Querida”. Allpa Munay significa en quechua “tierra querida” y recién para esta segunda tanda de canciones se viene una zamba que tiene ese título. Dentro de poco van a salir algunos videos nuevos y grabaciones nuevas. Estamos en el medio de la cocina. 

-FdG: Se viene la “Zamba del Grillo” también, histórica zamba de Atahualpa, en versión allpamunayesca. También unas milongas poco versionadas, en las que aparece la filosofía yupanquiana más profunda. Para mi forma de entender, en la milonga Atahualpa se explaya de una manera política muy filosófica, ahondando en cosas de la vida más espirituales.

-¿Se animan a decirme cuál es para cada une la canción favorita de Yupanqui?

-FdG: Yo elijo “Tú que puedes, vuélvete”. Me gusta muchísimo desde adolescente.

-PP: Voy a decir una que está incluida en el primer disco y que sorprende a mucha gente que quizá no está tan metida con el mundo yupanquiano. Nosotros logramos una versión especial. Lo que él hace con la guitarra lo orquestamos en nuestra banda. La canción es “El niño duerme sonriendo”, que es como una canción de cuna pero a la vez se transforma en una canción dramática. En el medio mete una poesía de un poeta español. Esa profundidad que aparece en esa canción me parece que representa también bastante a Yupanqui. Y si bien Yupanqui tiene cosas más picarescas o más románticas, es uno de los tópicos yupanquianos que a mí me parece que está bueno, esa profundidad que es medio oscura, dramática, pero es parte del ser humano y me representa muy bien.

-NK: Podría mencionar muchas solo de la obra guitarrística, como la “Danza del maíz maduro”. Soy muy fanático de la obra guitarrística. Pero voy a decir una que para mí es la más representativa, no solo por la poesía, sino también por la musicalidad, que es “El payador perseguido”. Y mirá que dura más de media hora, según la interpretación. Pero yo pongo play y la escucho hasta el final varias veces. Como que me lleva a un mundo y a un relato y a una historia no solo escenográfico, sino también filosófico. Para mí es incluso una superación del “Martín Fierro” súper interesante, la otra perspectiva. Dialoga con esa obra.

 CRM