Los cantantes famosos, al menos en Europa y Norteamérica, parecen morir unos cuatro años antes que quienes no alcanzan esa notoriedad y, precisamente la propia fama, podría ser un factor asociado a un mayor riesgo de mortalidad.

Esa es la conclusión de un estudio observacional, es decir que no establece causalidad, encabezado por la Universidad Witten/Herdecke (Alemania), que publica Journal of Epidemiology & Community Health, del grupo BMJ.

“Al comparar cantantes famosos y menos famosos con antecedentes similares, este estudio sugiere que la fama, en sí misma, puede contribuir a un mayor riesgo de mortalidad, más allá de los riesgos asociados con ser músico profesional”, indica el artículo.

Los resultados mostraron que “los cantantes famosos tenían un riesgo de mortalidad un 33% mayor” en comparación a los menos famosos.

Para la investigación se comparó retrospectivamente el riesgo de muerte de 648 cantantes, la mitad de los cuales habían alcanzado el estatus de celebridad y la otra mitad, no.

La muestra de famosos se extrajo de la base de datos acclaimedmusic.net, y los investigadores eligieron a cantantes activos entre 1950 y 1990 para recopilar suficiente información de seguimiento sobre el riesgo de muerte a finales de diciembre de 2023.

El análisis indica que en promedio los cantantes famosos sobrevivían hasta los 75 años, mientras que los menos famosos lo hacían hasta los 79, destaca la revista.

El equipo considera que “ser famoso parece tan perjudicial que anula cualquier beneficio potencial asociado con un estatus socioeconómico elevado”.

En conjunto, los análisis indican que “el riesgo elevado surge específicamente después de alcanzar la fama”, lo que destaca este factor “como un posible punto de inflexión temporal para los riesgos para la salud, incluida la mortalidad”.

Una explicación de los resultados podría residir en “el estrés psicosocial único que acompaña a la fama, como el intenso escrutinio público, la presión por el rendimiento y la pérdida de privacidad”, escriben los autores.

Esos factores estresantes “pueden alimentar el malestar psicológico y los comportamientos de afrontamiento perjudiciales, lo que convierte la fama en una carga crónica que amplifica el riesgo laboral existente”.

Cada una de las 324 estrellas seleccionadas se emparejó por año de nacimiento, sexo, nacionalidad, etnia, género musical y condición de solista o cantante principal de una banda con sus compañeros menos conocidos.

La mayoría (83,5%) eran hombres; más de la mitad (61%) procedían de Norteamérica, y el resto de Europa o el Reino Unido. La mayoría eran blancos (77%), solo el 19% negros y el 4% pertenecían a otras etnias o eran mestizos.

El 65% hacía rock; el 14% por el R&B; 9% pop; 6% new wave; 4% trap y 2% electrónica .

Los investigadores reconocen como limitaciones de su estudio que no era global y se limitaba a cantantes, lo que significa que sus observaciones podrían no ser aplicables a otras regiones del mundo o a otros ámbitos de la fama, como la actuación o el deporte.

EFE

Este lunes 10 de marzo es una fecha trascendental para la música argentina, ya que se celebra el Día Nacional del Guitarrista. Se conmemora el nacimiento de Norberto Aníbal Napolitano, más conocido como Pappo, uno de los íconos musicales del país. El fallecido artista nació el 10 de marzo de 1950 en La Paternal, Buenos Aires, y fue un influyente guitarrista, cantante y compositor de rock y blues.

Pappo fue de los primeros en incursionar en el blues, heavy metal y hard rock en Argentina. Muchos, incluido B.B. King, lo consideran uno de los grandes guitarristas de nuestros tiempos.

Día del Guitarrista: la historia de Pappo

El músico creó canciones inolvidables dentro del rock, participó de Los Gatos, Los Abuelos de la Nada, Engranaje, Conexión Nº 5, Aeroblus y La pesada del Rock and Roll. 

Fundó Pappo’s Blues en la década de 1970, y Riff en los 80, uno de los principales grupos de hard rock en español y uno de los grupos que más desafió los cánones sociales de la dictadura cívico-militar.

Hacia el año 2000 editó un disco tributo a Pappo’s Blues, llamado “Pappo & Amigos” acompañado por gran cantidad de músicos amigos, entre ellos, A.N.I.M.A.L., Divididos, Andrés Calamaro, La Renga, Viejas Locas, Vicentico, Adrian Otero (Memphis) y Moris, entre otros.

En octubre de 2003, editó su último disco de estudio llamado “Buscando un amor” que presentó en vivo el viernes 18 de junio de 2004, en un show memorable de mas de dos horas en “El Teatro”.

Murió trágicamente en un accidente de tránsito en Luján, Buenos Aires, el 25 de febrero de 2005.

Tres exbailarinas del equipo de la cantante Lizzo demandaron a la rapera y a su compañía por, supuestamente, haberlas acosado sexualmente y haber creado un “ambiente de trabajo hostil”, entre 2021 y 2023. Las tres alegaron que la estadounidense, que se posicionó en numerosas ocasiones a favor de respetar la diversidad corporal, hizo comentarios sobre el aumento de peso de una de ellas.

La denuncia fue presentada este martes ante el Tribunal Superior del Condado de Los Ángeles contra Melissa Viviane Jefferson (Lizzo), su productora Big Grrrl Touring, Inc. y la capitana del equipo de baile Shirlene Quigley, según informaron los medios nacionales.

Las bailarinas que firmaron el escrito, Arianna Davis, Crystal Williams y Noelle Rodríguez; actuaron junto a la intérprete de About Damn Time en festivales y conciertos desde septiembre de 2021 hasta abril de 2022, durante la gira 'The Special Tour'. Las tres continuaron posteriormente como parte del elenco de la gira europea de este año. Precisamente, el pasado mes de julio pasaron por España, como parte del cartel del Mad Cool de Madrid.

Davis describió a su vez que, en su visita a Ámsterdam el pasado mes de febrero, dos de las demandantes salieron de fiesta con Lizzo y el resto del equipo por el Barrio Rojo. Allí, entraron en un club de striptease en el que fue presionada para tocar los pechos de una de las bailarinas en contra de su voluntad.

Acoso sexual, racial y religioso

Las profesionales dejaron igualmente constancia de que experimentaron otros episodios de acoso sexual, racial y religioso durante su estancia en la compañía regentada por Lizzo. A Quigley se le acusa de intentar convertir a su religión a los diferentes miembros del equipo, y de hacer comentarios incómodos a aquellas que mantenían relaciones sexuales antes del matrimonio.

Según expresaron, la capitana cuestionó abiertamente la virginidad de una de las demandantes en la grabación del programa Watch Out for the Big Grrrls, liderado por Lizzo, en el que las litigantes participaron. Otra de las acusaciones expuestas tuvo que ver con desencuentros por parte del equipo directivo de la empresa tras pedir que les adelantaran ciertos pagos y que sus respuestas estuvieran plagadas de “animadversión racial y gordofobia”.

La demanda recoge que Williams no fue renovada, aludiendo a recortes presupuestarios que no afectaron a otros compañeros, mientras que Davis fue despedida por grabar una reunión en la que Lizzo daba instrucciones a sus bailarines. Rodríguez decidió renunciar en un acto de solidaridad con las otras dos bailarinas.

Lizzo abandonó Twitter por recibir comentarios gordófobos

Hace apenas unos meses, Lizzo decidió cerrar su cuenta de Twitter tras la oleada de comentarios gordófobos que recibió con su homenaje a la entonces recién fallecida Tina Turner en uno de sus conciertos. La cantante interpretó una versión del mítico tema Proud Mary y la respuesta en redes fue demoledora. “Acabo de entrar en la aplicación y este es el tipo de mierda que veo sobre mí a diario... Y está empezando a hacer que odie el mundo”, comenzó diciendo en respuesta a una publicación que decía: “¿Cómo puede Lizzo estar así de gorda cuando está constantemente moviéndose en el escenario? Me pregunto qué debe estar comiendo”.

“Estoy cansada de tener que estar constantemente explicándome, solo quiero meterme en la app sin ver mi nombre entre tanta mierda”, indicó. “No estoy intentando estar gorda ni ser más pequeña. Tan solo intento vivir y estar sana. Así es cómo luce mi cuerpo incluso cuando como super saludable y hago ejercicio. No hacen más que hablar basura de aquello que no tenéis ni idea y me está empezando a enojar”, zanjó.

LC

Tina Turner fue una gigante en una década que nos trajo los peinados de Elnett y el deslumbrante pop de los grandes estadios. Su fanfarronería, su sensualidad, el tono grave de su voz y su imparable energía fueron las señas de identidad de Turner y todavía evocan la euforia del rock and roll.

Pero a mediados de los ochenta, en el comienzo de su segunda carrera como solista, Turner también hizo historia por lograr todo eso siendo una artista afroamericana de mediana edad que había superado graves obstáculos personales y profesionales antes de llegar a la cima.

En colaboración con un grupo de compositores, productores y estrellas de rock británicos y blancos, entre los que figuran Mark Knopfler, Jeff Beck, o Ian Craig Marsh y Martyn Ware (miembros de Heaven 17), Turner se convirtió en una artista poco común capaz de traspasar las fronteras raciales y de género, emulando la universalidad conseguida por las tres superestrellas de los ochenta, Michael Jackson, Madonna y Prince, así como la de su amigo David Bowie, que en aquellos años también regresaba a la fama.

Tina Turner, la atrevida. La feroz. La sui generis. Tina Turner, no es un regreso, lleva años aquí. La Tina Turner de 1984 es la que muchos conocemos mejor, una tempestad en forma de pop. Pero a menudo, la radical vida en el rock que vivió antes de esos años queda oculta por su heroica e inspiradora biografía.

Es fácil recordar solo la parte del triunfo, absolutamente real, de su historia sentimental. Angela Bassett la convirtió en mito cuando la interpretó en Tina con unos atléticos bíceps que se adelantaron a los de Michelle Obama. En aquella película de 1993, la resistente Tina Turner escapa de un marido monstruoso. Pero la historia de su asombrosa inventiva en el mundo de la música se pierde por el camino.

Su singularidad como artista es innegable. Turner fusionó sonido y movimiento en un momento crítico de la historia del rock, explorando y reflejando las innovaciones tecnológicas de la nueva era de la música pop en los años 60 y 70. Turner se proyectó a sí misma en la vanguardia de una revolución musical que durante mucho tiempo había marginado y pasado por alto las pioneras contribuciones de las mujeres afroamericanas. Y se volvió a hacer a sí misma en una época en que la mayoría de los músicos pop entraban en el circuito de la música para viejos.

El carácter musical de Turner siempre estuvo compuesto por una fuerte combinación de misterio y luz, por una sensación de melancolía mezclada con una feroz vitalidad que a menudo flirtea con el peligro. Ideal para un musical de gran presupuesto.

El equipo creativo detrás de Tina: The Musical incluye a la galardonada dramaturga Katori Hall y a la directora Phyllida Lloyd, nominada a los premios Tony de teatro. Su colaboración representa lo que podría ser una nueva y bienvenida tendencia femenina en la cultura popular: mujeres contando historias de artistas musicales negras. Se me vienen a la cabeza la película biográfica que en 2015 hizo Dee Rees para HBO sobre la cantante de blues Bessie Smith (Bessie, protagonizada por Queen Latifah), y el documental nominado al Oscar de Liz Garbus sobre Nina Simone (What Happened, Miss Simone?).

Hall y Lloyd tienen la ventaja añadida de contar con los aportes de la propia Turner. Tener en el papel principal a Adrienne Warren, nominada a los premios Tony, promete una Tina llena de matices y registros.

Del público a la fama

Detrás de la volatilidad, del placer, del drama y de la audacia de Turner hay una historia. Nacida como Anna Mae Bullock el 26 de noviembre de 1939 en Nutbush (Tennessee), se mudó con su familia a Saint Louis cuando tenía 11 años. De adolescente frecuentaba con su hermana los clubes de rhythm & blues. Pasó de ser una de las fans del público a compartir el escenario con Ike y sus Kings of Rhythm en esa alianza que se convertiría en una historia de infamia del rock and roll, llena de abusos y de explotación física y emocional. Por no hablar de las frecuentes demostraciones públicas de dominación que hacía Ike.

Doblando a Tina y vistiéndola con pelucas de pelo largo para evocar la estética de los filmes de Tarzán, el personaje escénico que el controlador y dominador Ike buscaba para su futura esposa bebía deliberadamente del primitivismo usado por la vieja escuela de Hollywood en sus adornos. Ike quería ser el chulo de una Turner animal, silvestre, salvaje, y desenfrenada.

En aquellos años embriagadores, a algunas personas les costó entender por qué se resistía Turner, atrapada entre dos tipos de patriarcado, el de su propio hogar y el de un mercado del rock and roll que racializaba la sexualidad.

Tina Turner se sumergió con aquel espectáculo en la bohemia del rock de finales de los 60. Hubo actuaciones notables como cuando tocaron de teloneros de los Rolling Stones con una dolorosa interpretación de I've Been Loving You Too Long, de Otis Redding (registrada en Gimme Shelter, la película de los hermanos Maysles de 1970 sobre el concierto de Altamont).

En una secuencia insoportable, la cámara se centra en Tina cantando una canción de sufrimiento y de adicción al amor mientras acaricia el micrófono y pronuncia el sadomasoquista estribillo (“¡Pégame!”) con Ike merodeando en torno a la escena. A un lado, Mick Jagger observa lo que la profesora feminista negra Saidiya Hartman llamaría una “escena de sometimiento” interpretada para las masas.

Quince años después, durante una actuación de Turner y Jagger en el Live Aid, el cantante de los Rolling Stones le arrancaría su minifalda marca registrada en un movimiento que sintetizaba las vulnerabilidades raciales y de género a las que la artista se había enfrentado a lo largo de su vida.

En este contexto, la coreografía abandonada de go-go y de los pícaros pasos en alto (movimientos característicos y definitorios de Turner) pueden ser interpretados como estrategias personales de huida, una contundente articulación en la que Turner manifestaba el control sobre su propio cuerpo dentro de la estructura de dominio patriarcal.

Ella y sus hermanas de baile, las Ikettes, introdujeron una nueva forma de danza rock and roll que un día daría lugar al llamado “moverse como Jagger”, libre de la tradicional rigidez en las coreografías para grupos de mujeres.

Pero fue en la voz de Turner donde la palabra liberación se hizo presente de forma aún más evidente. En ella también cristalizaron los rebeldes cambios que vivía el rock and roll cantado de la época. Mientras Little Richard chillaba sus raros placeres y James Brown lanzaba sus gritos de rebelión funk (imitados por los británicos que los idolatraban), Turner convertía su áspero timbre y su valiente entrega en esa voz llena del nuevo y osado espíritu del fenómeno pop en evolución.

Como dice Kurt Loder en I, Tina, el bestseller de las memorias que escribió junto a ella, la voz de Turner “combinaba la fuerza emocional de los grandes cantantes de blues con pura potencia capaz de rasgar el papel de las paredes, y parecía hecha a medida para la era de la amplificación”.

Su voz era lo bastante robusta como para igualar el alto voltaje del rock, esa nueva disciplina musical que ponía el volumen de la guitarra eléctrica al máximo. Como dijo la antropóloga Maureen Mahon, necesitaba que se “distinguieran las voces negras” del acompañamiento vocal femenino interpretado por artistas negras como Sweet Inspirations y como la notable Merry Clayton, de Gimme Shelter.

El poder de la voz de Tina

Turner se negó a quedarse en el acompañamiento. Su estilo de canto disonante era un rechazo total a ese papel y una declaración aparentemente deliberada de que, en vez de eso, ella podía fusionar su voz con los cautivadores sonidos modernos. Su voz incorporó a la música popular un nuevo tipo de efectos. “Saltos, desvíos, lapsus, uso del espacio y de la arquitectura... ambientes y modismos antagónicos, traídos desde momentos aleatorios de la historia del pop; el efecto es psicodelia”, describió el crítico Simon Reynolds.

En las memorias de Turner, Jagger diría lo mismo: “La voz de Tina era muy poderosa, y también muy auténtica, fácil de distinguir. El disco River Deep - Mountain High fue excelente porque ella tenía la voz necesaria para prevalecer sobre la llamada pared de sonido de Phil Spector”.

Al igual que su decidido baile, la voz de Turner era su puerta de escape, su arma y su brújula. Sabemos que brilló en la libertad de trabajar junto a Spector. “Ike siempre me tenía gritando y chillando en sus canciones, vendiéndolas”, escribió Turner en sus memorias. En contraste, Spector le pedía ceñirse a la melodía. “Sólo quería que cantara la canción. Era mi voz la que le gustaba, no los gritos. Me dijo que mi voz era extremadamente inusual... y que por eso quería grabarme”.

Ella atribuye a Spector haberse animado a usar su voz para contar una historia y no solo para generar el espectáculo que necesitaba la billetera de Ike.

Al final, la identidad que Turner se construyó en el rock and roll fue su puerta para salir del matrimonio con Ike y comenzar su carrera en solitario. Si bien el circuito del rock había sido un lucrativo mecanismo para ampliar la base de fans en el show de Ike y Tina (con versiones de bandas como los Beatles y la Creedence Clearwater Revival), fue Tina la que se volvió completamente hacia el rock cuando solicitó su divorcio en 1976. La cantante exigía su derecho a interpretar una música en la que las reinas del blues de los años 20 (Bessie Smith y Ma Rainey) habían allanado el camino. Una música que las rompecorazones de los años 40 y 50 (Sister Rosetta Tharpe y Big Mama Thornton) habían ayudado a inventar.

Turner hizo su propia interpretación del sonido negro y de la feminidad durante sus actuaciones de los años 70. En la adaptación que hizo de la ópera rock Tommy (1975) encontró un nuevo registro para su voz como “la reina de los ácidos”. Dirigió su atención hacia un nuevo conjunto de portadas (Under My Thumb, Let's Spend the Night Together, I Can See for Miles, Whole Lotta Love) para transformar esos relatos masculinos y a menudo misóginos de poder, deseo, independencia y destreza sexual en el sonido de una mujer valiente y sin límites, que se afirmaba sexual y socialmente.

Durante mucho tiempo, la heredera al trono de Turner ha sido Beyoncé, que en el año 2005 rindió homenaje a su antecesora durante la ceremonia anual de Premios del Kennedy Center: “De vez en cuando, cuando pienso en mi inspiración, pienso en las dos Tinas de mi vida, mi madre, Tina, y por supuesto, la increíble Tina Turner”.

Tres años después, durante la apertura del espectáculo de los Grammy 2008, esa celebración del amor continuó con una Beyoncé homenajeando la historia de las artistas musicales negras y terminando su popurrí presentando a la “reina” (un título que Aretha Franklin disputaría), que se balanceaba “agradable y suavemente” junto a ella. Es menos apropiado el tributo de Drunk in Love, la canción de Beyoncé y Jay-Z, cuando el rapero hace referencia a una escena de la biografía de Turner en la que Ike abusa de ella: “¡Cómete el pastel, Anna Mae!”.

Más allá de Beyoncé, el legado de Turner en el mundo del pop sigue siendo rico y variado. Desde el melancólico neosoul de Meshell Ndegocello (que recientemente lanzó una versión reflexiva, oscura y lúgubre de Private Dancer) a la subestimada cantante blanca de funk Nikka Costa. En la versión de 2005 que Costa hizo del hit Funkier Than a Mosquito's Tweeter, de Ike y Tina, la cantante logró replicar lo que era una de las marcas registradas del dúo, un funk combativo y frontal, desagradable, todo sudor y enfrentamiento.

Reconocemos el atrevido y sofisticado pavoneo de Turner cada vez que Rihanna sube al escenario. La incondicional gesticulación y sensación de impredecibilidad de la rapera Cardi B también debe algo a Turner. En esta era del #MeToo en que las mujeres del pop reclaman su lugar sin pedir disculpas, Tina: The Musical nos recuerda a la hermana que, piernas incluidas, abrió de una patada la puerta para que llegara este momento.

Daphne A. Brooks es profesora de Estudios Afroamericanos en la Universidad de Yale

Traducido por Francisco de Zárate

La cantante Tina Turner, estrella internacional de la música y dueña de una de las voces más potentes del pop y del rock, murió a los 83 años, en Suiza, país donde se estableció hace algunos años y donde atravesó una enfermedad, según anunció Bernard Dogherty, vocero británico de la intérprete.

“Tina Turner, la Reina del Rock and Roll, falleció serenamente hoy a la edad de 83 años después de una larga enfermedad en su casa en Ksnacht cerca de Zúrich, Suiza. Con ella, el mundo pierde una leyenda de la música y un modelo a seguir”, señaló el encargado de dar la triste noticia.

La de Turner fue una vida marcada por el temprano apogeo; una brutal caída personal y artística, al ser víctima de violencia por parte de su marido y mentor Ike Turner; y un resurgimiento gracias a su talento y su espectacular despliegue escénico.

Anna Mae Bullock, popularmente conocida como Tina Turner, fue una de las principales estrellas del mundo de la música estadounidense. Además de cantar, también se desempeñó como compositora, actriz, bailarina y coreógrafa. Después de una carrera de más de cinco décadas, la artista se había retirado de los escenarios en 2013, cuando adquirió la nacionalidad suiza y se mudó a ese país.

Entre otros grandes hits, será recordada por temas como Proud Mary, We Don't Need Another Hero, Whats Love Got to do With It, The Best y Don't Wanna Lose You.

En 2021 se estrenó el documental Tina (actualmente disponible en HBO Max) donde la cantante recorrió su vida a través de imágenes de los años ‘60 y ‘70 –con la artista dando muestras de un talento arrasador para el rock, el soul y el rhythm and blues arriba de cualquier escenario– que van configurando a la estrella pop que resucitó después, a partir de los ‘80.

“Con gran tristeza anunciamos el fallecimiento de Tina Turner. Con su música y su pasión ilimitada por la vida, encantó a millones de fans alrededor del mundo e inspiró a las estrellas del mañana. Hoy despedimos a una querida amiga que nos deja todo su mayor trabajo: su música. Toda nuestra sincera compasión va con su familia. Tina, te extrañaremos mucho”, se informó en las redes oficiales de la cantante.

Desde su retiro en Suiza enfrentó varios problemas de salud, un cáncer de intestino en 2016 y un trasplante de riñón al año siguiente. Allí también soportó el el suicidio de su hijo Craig Raymond. Desde entonces casi no se la vio en público. El año pasado, en diciembre, falleció el menor de sus hijos, Ronnie, víctima de un cáncer.

Tina Turner giró por el mundo, vendió millones de discos, posicionó en la lista de éxitos una gran cantidad de canciones como Typical male o Steamy windows. Pero también tuvo sus intervenciones memorables en la pantalla grande, en películas como “Mad Max”, en donde además interpretó el tema central We don't another hero; y, de manera indirecta, en la autobiográfica What's love got to do with it?, en donde su figura fue encarnada por Angela Basset.

En 2021, la gran Tina pasó a ser parte del Salón de la Fama del Rock And Roll. Esa fue la segunda vez que la “Reina del Rock And Roll” fue incorporada al Salón, luego de que en 1991 fuera aceptada como parte del dúo de blues y funk que conformaba con su marido.

AL con información de agencias

El foso es la frontera. Un hueco que separa al artista de su público en los conciertos. A veces se transgrede ese espacio de seguridad, tanto de un lado como de otro, pero durante las primeras canciones, el foso —un nombre que hace pensar en castillo, agua y cocodrilos— es el lugar de trabajo de los fotógrafos y, lo que ocurre allí, más allá de los codazos respetuosos, a veces también es otra transgresión, invisible: la línea roja de la profesión periodística. Los fotoperiodistas han consentido exigencias “abusivas” por parte de los músicos, hasta ahora.

“Las condiciones para cubrir un concierto de Rufus Wainwright son tan abusivas que solo salen fotos oficiales de sus conciertos”, señala un veterano fotógrafo del mundo musical, Alfredo Arias. La web especializada en fotografía Photolari publicó el contrato de cesión de derechos y revisión previa de las imágenes (fijas y en movimiento) antes de su publicación que el artista exige firmar a los fotógrafos: una cesión “a perpetuidad” y de las imágenes tomadas “antes, durante y después” del concierto. Según el contrato, Wainwright paga al fotógrafo un dólar por esos derechos y puede utilizar las fotos para su propia promoción. “Esta exigencia es un chantaje, porque si no la aceptan no les acreditan para cubrir informativamente el acto”, ha dicho la Federación de Sindicatos de Periodistas sobre este tipo de actuaciones.

La restricción habitual es que un fotógrafo solo pueda trabajar durante las tres primeras canciones de un concierto, es decir, tiene apenas unos diez o quince minutos para conseguir la mejor instantánea posible, que ni siquiera será el mejor momento de la noche, por lo que el criterio periodístico decae en favor de, sencillamente, aquello que haya pasado al principio de la actuación. Como novedad, “este año en el Azkena y en el BBK Live se gestionó con los artistas que los fotógrafos oficiales pudieran estar durante todo el concierto. No todos aceptaron pero sí una gran mayoría”, indica otro fotógrafo especializado en conciertos, Óscar L. Tejeda, que hace un repaso a cómo se está trabajando este verano. “En cambio, con Patti Smith en el festival Azkena nos tuvimos que posicionar a izquierda y derecha del foso y fue bastante restrictivo el resto del concierto. Con Pet Shop Boys en el BBK Live, nos colocaron en el FOH (Front of the house)”, la mesa de control de sonido frente al escenario, en medio del público, un lugar al que también mandan a los fotógrafos en los conciertos de Kraftwerk. “Desconozco los motivos de esto aunque puedo intuir que el artista quiere que se retrate el espectáculo en su conjunto”, señala Tejeda. De nuevo, una decisión editorial tomada por el artista y no por el periodista. Además, el fotógrafo señala que en muchas ocasiones el 'no' más rotundo se lo llevan las agencias de información, que sirven de imágenes y textos a los medios, como es el caso de EFE o Europa Press: “Las bandas presuponen que las agencias van a hacer negocio con las imágenes, que las van a vender, y el artista de turno no pasa por ello”.

Control de imagen

Este año, Tejeda ha sufrido la exigencia de algunas bandas en festivales de dar su aprobación antes de la publicación, un trámite realizado por el departamento de comunicación del evento y que ha provocado que “en algunos casos ni se publican las fotografías por falta de una respuesta”. “Entiendo que el artista quiera gestionar su imagen. The Killers, por ejemplo, son una banda que lleva sus propios fotógrafos y distribuyen las fotos a los medios. El rumor es que a Brandon Flowers no le gusta su barbilla”, dice el fotógrafo.

“Contratos abusivos de derechos que no tienen validez y que no te entregan copia ni se cumplen las condiciones es algo ya muy habitual, en su mayoría infringen la legislación nacional y la europea porque suelen ser redactados por bufetes estadounidenses y contemplan cesiones de derechos que son impensables en la legislación europea”, señala Alfredo Arias. “Hay muchos contratos de bandas inglesas en los que especifican que al darte acceso a una zona de trabajo durante el concierto te pagan una libra por tu trabajo y les cedes tu trabajo, pero esa libra no la he visto en más de 25 años de carrera”, añade. 

La Federación de Sindicatos de Periodistas ha respaldado este verano la petición de los fotoperiodistas y ha calificado estas actuaciones de “censura previa”. “Estas prácticas no son nuevas, pero cada vez son más frecuentes incluso por parte de artistas que no son precisamente de reconocido prestigio internacional”, ha dicho la federación sindical en un comunicado. “Es un gesto de prepotencia y una humillación para un colectivo que merece el máximo respeto personal y profesional, y también un ataque al derecho a la información de la ciudadanía”, señalan, indicando que la Federación Internacional de Periodistas (FIP) y la Federación Europea de Periodistas (FEP) han constatado estas prácticas en otros países. Hace unos años, el diario quebequés Le Soleil se negó a firmar un contrato que restringía derechos de su fotógrafo para cubrir un concierto del grupo Foo Fighters y envió a un dibujante. En su concierto en el WiZink Center de Madrid de 2019, Bryan Adams exigió por contrato ver las fotografías antes de ser publicadas y prohibió los primeros planos, una exigencia que visibilizó el diario ABC.

Qué pueden hacer medios y fotógrafos

Ambos fotoperiodistas, tanto Arias como Tejeda, coinciden en que ellos no deben firmar contratos restrictivos. “Si un artista solicita las fotos para decir cuál se puede publicar y cuál no, yo no voy a su concierto”, indica Arias. “Yo soy el editor de mi trabajo y respondo a la línea editorial del medio que me contrata, que es quien decide qué publica y a quién quiere de fotógrafo por su enfoque. Si piden fotos para su promoción y uso libres de derechos, tampoco voy. Los medios con los que colaboro entienden mi postura y suelen respaldarla”, añade.

Los fotógrafos especializados en conciertos no son muchos en España. Alfredo Arias, en su dilatada carrera, considera que no llegan a 20 personas las que tengan una experiencia superior a los 10 años. “La profesión está plagada de ‘paracaidistas’, personas que tienen otro trabajo remunerado y hacen esto por pasión, muchas veces gratis y por el mero placer de contar que han estado allí”, dice, lo cual merma la “profesionalidad” del sector y, a su juicio, impide que haya la suficiente “solidaridad” para poder organizar plantes y otras medidas de presión.

Pero, además, ambos señalan que lo que daría fuerza a su petición es un respaldo más decisivo por parte de las cabeceras. “De nada sirve que nos plantemos si el medio luego publica la foto del fotógrafo oficial que, además, le sale gratis. Sería muy sencillo si los medios fueran solidarios con sus colaboradores”, dice Arias. “Lo que no puede ser es sacar una nota diciendo que no hay foto por las condiciones abusivas pero sí hablar del artista y hacer una crítica de lo maravilloso que fue su concierto”, opina. “El medio debería rechazar cubrir el concierto y no darle ‘publicidad’ al artista”, coincide Tejeda. “Cuando los medios en Suecia se plantaron en la gira de Foo Fighters, los grupos con contratos abusivos desaparecieron del contenido editorial y el resultado fue que en seis meses allí ya no había contratos abusivos en las giras”, recuerda Arias.

Los sindicatos reclaman “una respuesta decidida de los medios de comunicación” en defensa de sus profesionales y les emplaza “a buscar soluciones”. “Soy pesimista respecto a la solución”, señala Alfredo Arias, “sobre todo viendo lo precario del periodismo cultural y musical que tenemos en España. Pero, aunque sea pesimista, no voy a dejar de luchar por una ética periodística y una profesionalidad en los fosos, por intentar dialogar con promotores, festivales, artistas y salas. Hay que intentar educar, y entender, entre todos, que sin las imágenes y los medios no hay grandes artistas y nunca los ha habido, sin los periodistas no se cuenta lo que ocurre en las salas que son el germen de la música, antes de los grandes espacios. Nos necesitamos todos y cuanto antes lo entendamos, antes podremos mejorar el ecosistema musical”, concluye.