Los portales de temas generales y las redes sociales suelen embriagarse con imágenes de la alfombra roja pletóricas de estrellas de Hollywood y del cine europeo (y con polémica del estilo de por qué el festival prohibió la desnudez entre quienes se pasean por esa red carpet y las míticas escaleras que llevan hasta la inmensa Sala Lumière), pero Cannes es también el epicentro de las películas más políticas, de las declaraciones más provocadoras que tienen su impacto más allá del mundillo audiovisual. Casi no hay día en que alguna figura (este año han sido Robert De Niro, Pedro Pascal, Spike Lee, Wes Anderson y siguen las firmas) salga con los tapones de punta sobre todo contra el gobierno de Donald Trump, más ahora que el presidente estadounidense pretende imponerle aranceles a las películas que no se filmen en su país.

Cannes abrió con el “Día de Ucrania”, durante el que se proyectaron tres películas sobre el conflicto con Rusia: “Zelensky”, de Yves Jeuland, Lisa Vapné y Ariane Chemin; “Notre Guerre”, de Bernard-Henri Lévy y Marc Roussel; y “2000 Meters to Andriivka”, de Mstyslav Chernov, mientras que la sección paralela Quincena de Cineastas (que surgió al calor del Mayo del '68 y tiene una larga tradición de films políticos) programó “Militantropos”, documental de los ucranianos Simon Mozgovyi, Yelizaveta Smith y Alina Gorlova en el que con imponentes planos fijos se muestran desde los trenes que desplazan a miles de ciudadanos hacia zonas menos conflictivas y, en sentido inverso, a los militares hacia el frente de guerra, gigantescas palas mecánicas que mueven toneladas de escombros tras los bombardeos o cómo la sociedad civil es entrenada para usar armas y sumarse a los combates.

Pero si hay una película que combinó la excelencia artística con una denuncia punzante pero nunca subrayada esa es “Un simple accidente”, nuevo largometraje del iraní Jafar Panahi y uno de los favoritos para ganar la Palma de Oro o alguno de los premios principales. Se trata del primer proyecto legal tras haber estado detenido e impedido de trabajar (lo hizo de forma clandestina) por criticar al régimen de su país hasta que finalmente en abril de 2023 se le levantó la condena y ahora también se le permitió viajar a Cannes.

Con mínimos recursos (buena parte del film transcurre a bordo de una camioneta y la mayoría de los actores son no profesionales), Panahi aborda en “Un simple accidente” los dilemas de unas víctimas cuando reconocen (y luego secuestran) a un represor que los torturó cuando estuvieron en prisión. Una fábula de una potencia y unas implicancias asombrosas en un auténtico descenso a los infiernos de una sociedad rota (como dice uno de los personajes, “cuanto más profundo vayas, más te hundirás”). Es, queda claro, una película muy personal porque el director de “El globo blanco”, “Crimson Gold” y “3 Faces” ha pasado varios años por la cárcel y ha tenido que lidiar varias veces con sus captores, pero también tiene muchos momentos de humor físico y diálogos punzantes (es una gran comedia de enredos) que funcionan a la perfección y que sacan a la historia de la mera denuncia.

Se trata, en definitiva, de una exploración despiadada, sin concesiones, de las miserias, contradicciones y angustias que corroen el alma del Irán contemporáneo, contado por un artista singular, inteligente y talentoso, que desde adentro –habiendo soportado las presiones más horrorosas– sigue indagando, provocando y conmoviendo.

“Cuando pasás ocho horas al día con los ojos vendados, sentado frente a una pared, siendo interrogado por alguien desde atrás todos los días –dijo aquí el también realizador de ”El círculo“, ”Offside“, ”Esto no es una película“ y ”Taxi“– no podés dejar de preguntarte qué tipo de conversación podrías tener con ese hombre”. Y agregó: “De esas circunstancias específicas nace la reflexión: ¿cuál sería tu relación con un ser humano así si lo volvieras a encontrar? Como cineasta, siempre estás influenciado por tu entorno, y cuando te sacan de tu vida y tu sociedad para encerrarte en una prisión, por supuesto que surgen estas reflexiones e ideas. Pero aun así, no era mi intención hacer una película sobre ello. Incluso cuando fui liberado, cada vez que caminaba o pasaba cerca de la prisión, me preguntaba: '¿Qué ha pasado con todas esas personas que estaban conmigo y ahora están del otro lado de este muro? ¿Qué están haciendo? ¿Qué están viviendo ahora que yo estoy fuera?’ Y fue solo poco a poco que todas esas reflexiones se unieron y me dieron la idea de escribir este guion y hacer una película”.

Consultado sobre el tema de la reconciliación, el realizador iraní respondió: “No se trata de guerra y paz. Se trata del ciclo de la violencia. Somos cineastas con conciencia social, y como tales, no creemos en personajes absolutamente buenos o absolutamente malos. Nadie es completamente bueno ni completamente malo. Todos forman parte del sistema, y todos son producto de una estructura que impone sus propias reglas y valores a estas personas. Entonces, el problema va más allá de la reconciliación. Es una cuestión de entender cómo, cuando este sistema colapsa, las personas que han sido bombardeadas con propaganda medieval durante casi medio siglo pueden convivir en paz y expresar sus necesidades y deseos de manera auténtica”.

Recorrido por un mundo en llamas

También en la Competencia Oficial se proyectaron “O Agente Secreto”, thriller psicológico en el que el brasileño Kleber Mendonça Filho ahonda en la connivencia entre militares y empresarios durante la larga dictadura en aquel país con cuestiones ligadas con la memoria y la identidad que llegan hasta hoy; y “Aigles of the Republic”, de Tarik Saleh, que expone la maquinaria estatal de persecución, censura y amenaza del gobierno egipcio a partir de las penurias de una estrella del cine que se ve forzado a protagonizar una hagiografía sobre el presidente de ese país. Por su parte, en la segunda competencia, Un Certain Regard, compite  “Once Upon a Time in Gaza”, de los hermanos Arab y Tarzan Nasser, una ficción ambientada en 2007 en una de las zonas más arrasadas del planeta.

El nazismo –en estos tiempos de negacionismo y auge de las nuevas derechas– también reapareció en varios proyectos, como “Amrum”, de Fatih Akin, ambientado en una isla cuando la derrota de Hitler ya era irreversible; y en “The Disappearance of Josef Mengele”, film del ruso (exiliado) Kirill Serebrennikov sobre el médico que fue clave en la máquina de matar en los campos de concentración y que luego se refugió en Brasil y la Argentina (hay varias escenas rodadas en nuestro país y otras que recrean la Buenos Aires de la década de 1950, tras la caída del peronismo).

El movimiento feminista en Chile fue exaltado en “La Ola”, de Sebastián Lelio (ganador del premio Oscar por “Una mujer fantástica”), mientras que el colonialismo es desde siempre un tema recurrente en Cannes (el pasado de Francia así lo impone) y este año fue abordado desde lo histórico (la notable “Magalhâes”, del filipino Lav Diaz, con Gael García Bernal) y desde la actualidad (la monumental “O riso e a faca”, del portugués Pedro Pinho, que dura casi cuatro horas).

En la recta final del festival llegó “The Six Billion Dollar Man”, film del prestigioso director Eugene Jarecki, que reconstruye la controvertida historia de Julian Assange, un ícono contemporáneo del derecho a la información, cuya reciente liberación ha reavivado el debate global sobre la libertad de prensa. Gracias al acceso privilegiado a las imágenes y archivos de Wikileaks y a pruebas inéditas, este documental se puede ver como un thriller internacional de alta tecnología.

Todavía queda por estrenarse “Yes!”, del siempre contestatario director israelí Nadav Lapid, que está ligado a los ataques ocurridos el 7 de octubre de 2023 y narra la historia de un músico de jazz en crisis al que le encargan componer un nuevo himno nacional. Se comenta en los pasillos del Palais des Festivals de Cannes que fue rechazada por los programadores de la Sección Oficial para finalmente ser seleccionada por la Quincena de Cineastas y –aseguran quienes ya la vieron en funciones previas– podría generar protestas a ambos lados de la grieta palestino-israelí por lo incómoda que resulta para ambos extremos ideológicos.

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Durante los próximos 12 días (desde este martes 13 al sábado 24) los habitantes del Planeta Cine se trasladarán en masa a la Costa Azul francesa, más precisamente al balneario de Cannes, para participar en el principal evento artístico e industrial del año. Es que durante esas casi dos semanas conviven el festival más influyente con el Marché du Film, el mercado más importante de la temporada. Prestigio, glamour y dinero, trípode que sostiene un andamiaje organizativo sin igual para contener a 4.000 periodistas y otros 15.000 acreditados que viajan para hacer negocios. Una bacanal de proyecciones en las mejores salas, reuniones en stands, cócteles en hoteles de lujo y fiestas en playas privadas, discotecas o a bordo de yates que parecen ciudades flotantes.

Si en el Marché se presentan cada año cientos de películas en desarrollo, en rodaje, en postproducción o ya finalizadas, el festival –en cambio– se reduce a unos pocos títulos. Entrar a Cannes no es fácil y la selección de un film puede cambiar la carrera no solo de ese proyecto sino también de su director o sus productores. Sin contar cortometrajes ni clásicos restaurados, en esta 78ª edición se estrenarán 73 largometrajes en la Sección Oficial (21 de ellos en la lucha por la Palma de Oro) y otros 40 en las tres secciones paralelas e independientes: Quincena de Cineastas, Semana de la Crítica y ACID. Al revés que en otras muestras, como Berlín o Toronto, Cannes apuesta por menos películas para que tengan mayor exposición y repercusión.

Incidencia en el año cinematográfico

Cannes siempre fue un festival que marcó tendencias, pero en el último lustro su influencia ha crecido de forma exponencial. Desde que la coreana “Parasite” ganó la Palma de Oro y luego el Oscar a Mejor Película en 2020, el festival francés se consolidó como el evento de referencia.

Veamos, por ejemplo, lo que ocurrió en los dos últimos años: en 2023 la Palma fue para “Anatomía de una caída”, de la local Justine Triet, que terminó consiguiendo cinco nominaciones al Oscar y la estatuilla a Mejor Guion, mientras que otros títulos de esa edición de Cannes también dominaron la discusión cinéfila: desde “Los asesinos de la luna”, de Martin Scorsese; hasta “Zona de interés”, de Jonathan Glazer. En 2024 la incidencia fue aún mayor: “Anora”, de Sean Baker, hizo doblete como “Parasite” (primero la Palma, luego los Oscar más importantes), mientras que “Emilia Pérez”, “La sustancia” y “El aprendiz” también fueron protagonistas de la temporada de premios.

La gran pregunta que todos se hacen en la Croisette, por lo tanto, es cuáles serán las películas con las que Cannes 2025 invadirá el resto del año cinematográfico que se extenderá hasta marzo del año próximo. 

Festival de autores y autoras

En la Competencia Oficial de esta edición habrá, como siempre, mucho cine francés y estadounidense, pero también del resto de Europa. En cambio, la presencia latinoamericana será bastante escasa (el brasileño Kleber Mendonça Filho estrenará “O agente secreto”) y España tendrá dos representantes: “Romería”, de Carla Simón (cierre del tríptico que inició con “Verano 1993” y “Alcarràs”) y “Sirât”, de Oliver Laxe (rodada en los desiertos del norte de Africa).

Este año regresan los hermanos belgas Luc y Jean-Pierre Dardenne (dos veces ganadores de la Palma de Oro) con “Jeunes mères” (ambientada en un refugio para madres adolescentes) y la local Julia Ducournau con “Alpha”, su esperado nuevo film luego de ganar el máximo premio en Cannes 2021 por la provocativa “Titane”. Habrá que ver qué opina el jurado presidido por una estrella local Juliette Binoche.

A Hollywood con amor

El cine estadounidense, ya sea a gran escala o más independiente, tiene siempre un lugar de privilegio en Cannes. En la disputa por la Palma estarán, por ejemplo, los más recientes largometrajes de Wes Anderson (“The Phoenician Scheme”), Kelly Reichardt (“The Mastermind”), Ari Aster (“Eddington”) y Richard Linklater con “Nouvelle Vague”, una historia en francés que transcurre durante el rodaje de “Sin aliento”, de Jean-Luc Godard, película clave para el surgimiento de esa nueva ola a la que refiere el título.

Fuera de Competencia se exhibirán desde “Misión: Imposible - Sentencia final” con Tom Cruise seguramente protagonizando alguna presentación espectacular en medio del estreno mundial, hasta lo nuevo de Spike Lee con Denzel Washington (“Highest 2 Lowest”, inspirada en “El cielo y el infierno”, de Akira Kurosawa). También volverá a Cannes Robert De Niro para recibir una Palma a la carrera en la ceremonia inaugural (luego se proyectará la comedia francesa “Partir un jour”, ópera prima de Amélie Bonnin) y para al día siguiente dar una charla pública sobre su trayectoria.

Cine argentino en crisis

El cine nacional suele tener una importante presencia tanto en la sección oficial como en las muestras paralelas, pero este año contará con una representación muy reducida por la drástica caída en la producción de películas a nivel local por las restrictivas políticas de fomento del INCAA durante la gestión libertaria de Carlos Pirovano. “Drunken Noodles”, de Lucio Castro, se proyectará en ACID, mientras que “Tres”, de Juan Ignacio Ceballos, será parte de la competencia oficial de cortos La Cinef.

Más allá de esos títulos, hay presencia argentina directa o indirecta en varias producciones. Por ejemplo, la muy esperada “Die My Love”, de la escocesa Lynne Ramsay, con Jennifer Lawrence, Robert Pattinson, Nick Nolte y Sissy Spacek, está basada en la novela “Matate amor”, de Ariana Harwicz.

Ucrania, Gaza y las búsquedas políticas

Cannes dedicará buena parte de su primera jornada al “Día de Ucrania”, durante la que se proyectarán tres películas sobre el conflicto con Rusia: “Zelensky”, de Yves Jeuland, Lisa Vapné y Ariane Chemin; “Notre Guerre”, de Bernard-Henri Lévy y Marc Roussel; y “2000 Meters to Andriivka”, de Mstyslav Chernov.

Pero también habrá registros sobre otras regiones del planeta en crisis: desde “Once Upon a Time in Gaza”, de Arab y Tarzan Nasser; hasta “Yes!”, del siempre contestatario director israelí Nadav Lapid, que está ligado a los ataques ocurridos el 7 de octubre de 2023 y narra la historia de un músico de jazz en crisis al que le encargan componer un nuevo himno nacional.

Trump y un golpe de (al) mercado

La decisión del presidente estadounidense Donald Trump de imponer aranceles a las películas extranjeras para así favorecer los rodajes en su propio país alteró lo que prometía ser un Marché du Film con buen clima de negocios.

En las últimas horas, más de 100 organizaciones de cine y televisión de todo el mundo lanzaron un llamamiento a las instituciones de la Unión Europea y a los gobiernos de los diferentes países titulado “Nuestras historias, nuestras voces: una declaración global por la libertad artística, la diversidad cultural y la soberanía cultural”. En Francia, quedó dicho, se admirará como en pocas otras partes a la cultura estadounidense, pero no están dispuestos a bajar la guardia frente a una ofensiva como la lanzada de forma imprevista y brutal por Donald Trump.

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Un grupo comando especializado irrumpe a las patadas en la casa de dos plantas de la familia Miller, en una ciudad pequeña al norte de Inglaterra. Entre mamá, papá, hija e hijo, buscan al varón. El sospechoso es un nene rubiecito de 13 años que se hace pis encima, como se haría cualquier nene si entran inesperadamente agentes con armas largas a su habitación para llevárselo. A Jamie Miller lo acusan de haber matado a su compañera de escuela, Katie. Hasta ahí, en esos minutos iniciales de la primera escena de Adolescence presenta un drama criminal a resolver, un thriller psicológico narrado en un insoportable, extenso y bello plano secuencia que empieza y termina con cada uno de los cuatro episodios. 

La historia se abre como una mamushka y como en la mayoría de los casos policiales, detrás del hecho a resolverse en sí, en su interior, late el contexto social y político que muchas veces puede presentarse como un enigma más grande a descifrar. Los hechos policiales son, muchas veces, retratos de épocas. Aunque es ficción, Adolescence es perturbadora porque tiene una incógnita contemporánea. ¿Por qué un nene mata a su compañera de escuela a cuchilladas? Desde el argentino Cayetano Sanchez Godino, de carne y hueso, hasta el personaje que interpreta el joven actor inglés Owen Cooper, hay un historial de niños asesinos empujados a matar por distintas fuerzas y móviles. Pero en este caso en particular, en la miniserie que acaba de estrenar Netflix, el tema de fondo son las identidades masculinas bajo la lupa y en crisis, su desconexión con el mundo analógico y su enganche cada vez más sólido con el universo digital atravesado por la misoginia radical, la hipersexualización y el masculinismo. 

La construcción de nuevas subjetividades masculinas en el subsuelo y en la superficie de Internet no es una novedad. Es un tema recurrente que está en la conversación social, en algunos productos periodísticos y de ficción. Esta miniserie quizás lo que trae como golpe de rayo es la incidencia de esa atmósfera en chicos cada vez más chicos y el divorcio con el universo adulto que no entiende su lenguaje, sus preocupaciones, sus dramas, sus mundos. 

La familia, los amigos, la escuela y las redes sociales: son los sujetos y los territorios en los que va a indagar la investigación judicial que se desprende de la detención de Jamie. La historia empieza con el crimen casi resuelto por la contundencia de la evidencia pero como otros enigmas más inquietantes a resolver. Un crimen puede reconstruirse con elementos de prueba (en este caso, las cámaras de seguridad que registran el asesinato son imágenes inapelables), pericias científicas y psicológicas (en el episodio 3 la entrevista de la psicóloga de la defensa en el centro de detención es uno de los capítulos más asfixiantes), testimonios y otras piezas. La investigación policial y judicial puede acercarse, reuniendo todos estos componentes a una versión cercana a la verdad. ¿Qué pasó la noche que mataron a Katie? es un interrogante que se despeja con mirar el primer episodio.

El detective Luke Bascombe (interpretado por Ashley Walters) se obsesiona con una pieza faltante del rompecabezas, el arma homicida: un cuchillo. Sin embargo, en esa búsqueda lo que va a develarse es que aquí no importa quién ni cómo sino más bien el por qué de ese femicidio infantil y es su hijo, otro chico que va a la misma escuela que víctima y victimario, quien lo ayudará a develar el crimen a través de emojis y posteos de Instagram. Ahí emergen las disputas entre géneros en la niñez y adolescencia atravesadas por las guerras del sexo-género. 

Jamie es un nene que está ingresando en la adolescencia y que va a una escuela privada con uniforme, protocolos y una check list de políticas inclusivas en su composición de recursos humanos. Una escuela con clases de educación sexual. Sin embargo, el ámbito educativo se presenta, especialmente en el segundo episodio, en un espacio desbordado sin herramientas ni capacidad para actuar. 

Jamie podría ser cualquier nene un poco tímido y otro poco retraído de una clase de un colegio privado en cualquier país del mundo. Cualquier nene que no hace deportes y pasa más horas frente a la pantalla de su computadora encerrado en su cuarto en cualquier país del mundo. Cualquier nene con una identidad virtual que su familia desconoce y no comprendería en cualquier país del mundo. Cualquier nene que no trae problemas a casa en cualquier país del mundo.  

Cualquier nene que pronto será adulto que nadie conoce y no es una frase hecha: dos tercios de los varones jóvenes en Estados Unidos de entre 18 y 23 años sienten que “nadie los conoce realmente”. El dato se desprende de “The manosphere, rewired”, un completísimo informe de 2024 de la organización Equimundo uno de los pocos estudios actualizados que intentó comprender las masculinidades en línea y las rutas posibles para una conexión sana en ese país. Durante seis meses acompañaron a los jóvenes encuestados para tratar de entenderlos en su ámbito: una variada colección de sitios web, blogs y foros en línea que promueven la masculinidad, la misoginia y la oposición al feminismo. 

“En medio de los rápidos cambios sociales, políticos y económicos a nivel macro, los hombres jóvenes recurren a Internet y encuentran una comunidad y una pertenencia que responden a sus identidades, intereses y temores únicos”, describe el informe y ubica a los varones jóvenes en “una espiral descendente de soledad, confusión, inestabilidad económica y dificultades en sus relaciones, lo que lleva a muchos a buscar consuelo en espacios misóginos y a confiar en personas influyentes”. 

Esta “crisis de conexión” choca con la realidad de que hoy nadie parece estar realmente de acuerdo sobre cómo es ser un “buen hombre” o cómo llegar a serlo. Ningún nene nace femicida pero ¿cuántos Jamies pasarán la noche en su habitación hoy y sus familias creerán que están en un lugar seguro?

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Smiley es la nueva serie española LGTBIQ+ de Netflix. Protagonizada por Carlos Cuevas y Miki Esparbé, la ficción adapta la obra homónima teatral de Guillem Clua, y se estrena en la plataforma de streaming este miércoles 7 de diciembre.

La serie cuenta la historia de Álex y Bruno. Álex (Carlos Cuevas) sufre de desamor después de haber tenido una cita con un chico que le gustaba de verdad. Sin embargo, este parece haber desaparecido del panorama terrenal, y no contesta a ninguno de sus mensajes. Por ello, Álex decide llamarle para desahogarse y expresar todo lo que sentía por él.

Sin embargo, marca el número incorrecto, y por cosas del destino, el mensaje acaba en el buzón de voz de Bruno (Miki Esparbé), quien lo escucha y decide devolverle la llamada. Siendo este gesto el inicio de encuentros y desencuentros amorosos entre ambos personajes que tendrán que hacer frente a problemas personales y de comunicación para poder darse una primera oportunidad para estar juntos.

La liberación de las cadenas

Dirigida por David Martín Porras y Marta Pahissa, la serie parece prometer inicialmente mucho más de lo que acaba ofreciendo. Su estructura amorosa arquetípica de desencuentros y encuentros termina difuminando cualquier buena intención de diferenciarse de otras series en lo que a calidad de guion se refiere. Su duración de 8 episodios termina siendo un “estirar el chicle” con dificultades repetidas hasta la saciedad que podrían solucionarse con una palabra: Comunicándose. Y es que los problemas de comunicación entre los personajes de la ficción es la principal traba a la que tienen que hacer frente en sus distintos niveles y tramas.

Sin embargo, si hay algo que la serie trata de conseguir y sí parece que lo hace, es la ruptura de estereotipos que rodean a la comunidad LGTBIQ+. Lo consigue principalmente con su trama protagonista, la de Álex y Bruno, mientras que las secundarias tratan de poner su granito de arena.

Es por ello que su trabajo principal parece centrarse en la ruptura de cadenas y clichés dentro de la comunidad, alejándose de estereotipos para tratar de contar una historia de amor que represente la realidad, y que se aleje de prejuicios y de la toxicidad de las apps de citas que catalogan a sus usuarios con etiquetas. Así es como Álex y Bruno se presentan a sí mismos como clichés, cada uno muy distinto al otro. Y es la progresiva eliminación de las capas superiores las que les permiten acercarse mutuamente, destruyendo toda esa coraza de prejuicios que se parecía observar al inicio.

Este es un objetivo más que conseguido por la serie, que respira naturalidad y frescura en sus historias que se van elaborando de manera orgánica. Y pese a ello, aunque la destrucción de clichés dentro de la comunidad es una tarea más que lograda, las relaciones de amor acaban cayendo en los estereotipos cotidianos de las historias románticas.

Tropezar con la misma piedra

Smiley tropieza, y lo hace en numerosas ocasiones, con la misma piedra. La historia de ambos protagonistas, en cuanto al amor se refiere, supone una réplica de otras comedias románticas que hemos visto en numerosas ocasiones. No logra diferenciarse de estos productos, y su conocida estructura termina por difuminar la experiencia en lo que a empatizar con los protagonistas se refiere, ya que el tropiezo una y otra vez en clichés amorosos conocidos termina llevando a la desesperación y al agotamiento.

Por ese motivo, no es una ficción realmente innovadora, más bien podría resumirse como un producto ligero y simple, perfecto para aquel espectador que busque comerse el mismo turrón de cada Navidad. Quien disfrute de los encuentros y desencuentros amorosos típicos de las comedias románticas, sin duda disfrutará la serie como al abrir un regalo de Navidad del que ya conoces el contenido. Para quién busque algo más, puede que tras finalizar el producto no acabe realmente saciado.

A pesar de ello, la historia de Álex y Bruno funciona, y juntos tienen varias escenas que lucen con un brillo particular de emoción, como un cálido abrazo al espectador que sonreirá levemente al verlas en pantalla.

Una equilibrada balanza de errores y aciertos

La dirección de David Martín Porras y Marta Pahissa consigue ofrecer una balanza equilibrada entre aciertos y errores. Su labor se luce a la hora de planificar los movimientos de cámara para dar cabida a los distintos relatos entre las multitudes, logrando un gran control del foco y la puesta en escena, y a la vez conseguir narrar sin pausa y de forma ligera sin que el resultado parezca metódico y demasiado artificioso.

En estas escenas tan pobladas de gente se logra transmitir el sentimiento de inmediatez del teatro, logrando que la secuencialidad de las acciones no parezcan planificadas, sino naturales y realizadas en el instante, logrando meter de lleno al espectador en el universo de la escena.

No obstante, no todo es positivo, y es que la ficción peca de recursos artificiales que le restan naturalidad al relato. Este se llena de elementos barrocos, como flashforwards, que no funcionan una vez que ya repites el recurso, y más si encima lo haces al instante. Estos se ejecutan en apoyo a la narrativa interior de los personajes, en lo que acaba siendo una inmensa sobre-explicación de sus sentimientos. En su lugar, haber confiado más en la labor interpretativa de sus protagonistas hubiera sido más útil y remaría más en favor de la historia que estas herramientas que, aunque el lenguaje cinematográfico permita su empleo, en esta ocasión acaba afectando a la naturaleza de la narración.

Por otro lado, el añadir nuevas tramas le permite a la obra teatral alargar su duración lo suficiente para convertirse en una serie de Netflix. Pero el valor reside en la creación de estas para sumar a la historia principal, o para apoyar la crítica social de la serie. En ese aspecto, las tramas se sienten bien incrustadas en la narración, y suman al conjunto.

Un tándem perfecto

Smiley goza de una buena interpretación por parte de todo su elenco, que consigue en numerosas ocasiones provocar algunas que otras carcajadas en el espectador. Sin embargo, la labor de sus dos actores protagonistas, Carlos Cuevas y Miki Esparbé, logra ponerse en el foco por su posición privilegiada.

El dúo de intérpretes funciona a la perfección, y a pesar de su notable diferencia de edad, su relación amorosa resulta convincente y no se siente extraña. Ambos gozan de carisma y cierta conexión que logra traspasar la pantalla, convirtiendo dichas escenas en algo especial y con magia. En conjunto, consiguen comunicar muy bien con la mirada, en particular Carlos Cuevas, quien en numerosas ocasiones traslada una mirada pura, humilde y con cierto brillo al espectador.

El trabajo de ambos se resume en un perfecto tándem para esta serie de Netflix, siendo ellos el principal motor de una serie que, sin mucho que aportar al género romántico, consigue ser entretenida y ligera para aquellos que busquen un producto con el que distraerse esta Navidad, pero sin ser muy trascendental.

Contenido de verTele! para elDiario.es