Con la reciente nominación al Oscar por la música para The Fabelmans (el film autobiográfico de Steven Spielberg), John Williams, a los 91 años recién cumplidos, alcanzó la cifra de 53 postulaciones. Es, lejos, el compositor que más veces fue candidato a este premio. Pero ostenta también un extraño récord. Es, proporcionalmente quien menos lo ha ganado. Apenas cinco veces y la primera de ellas, en 1971, por mejor adaptación (con El violinista en el tejado). Las bandas de sonido premiadas como mejores en sus respectivos años fueron Tiburón (1975), La guerra de las galaxias (1977), E.T. (1982) y La lista de Schindler (1993). Con un poco más de cincuenta años de carrera, en los últimos treinta el Oscar le fue esquivo. 

No es que esa estatuita con la que la industria estadounidense del cine se premia a si misma signifique demasiado. Ya se sabe, Nino Rota, el autor de las músicas que definieron en gran medida la estética de Federico Fellini –como las de La strada,  8 ½, Amarcord o La dolce vita– y de piezas magistrales como la banda de sonido de Romeo y Julieta de Franco Zeffirelli, apenas ganó uno solo por El padrino II –ni siquiera por la primera parte, donde definió los temas musicales característicos de la saga–. Y Jerry Goldsmith, posiblemente el autor más osado entre los estadounidenses (y con seguridad uno de los más talentosos), autor de piezas fundamentales en la historia del género, apenas ganó el Oscar de 1976 por La profecía. Así que mejor dejar de hablar de ese premio y empezar a hacerlo sobre música, comenzando por John Williams y por algo que (aun) nada tenía que ver con el cine. Todavía como John T. Williams (para diferenciarse de otro John Williams que en esos mismos años tocaba con Stan Getz, aparecía la T de Towner, su segundo nombre) el futuro héroe de la industria tocaba jazz con los mejores músicos de la Costa Oeste –como él, haciendo sus primeras armas en Hollywood– y grabó tres excelentes LPs de jazz, agrupados en un álbum del sello Fresh Sound llamado Jazz Beginnings. El disco no se encuentra en Spotify ni Tidal ni aparece en ITunes pero pueden escucharse un par de temas por Youtube. Aquí, en “Aunt”, grabado en 1956 con Howard Roberts en guitarra eléctrica, Curtis Counce en contrabajo y Jerry Williams en batería, y aquí, en “I can’t Get Started”, en registro de 1958, con gran orquesta y el cantante Johnny Desmond (Giovanni Alfredo De Simone). Y para hablar de Goldsmith, no se debería soslayar su trabajo para El planeta de los simios, en 1968. Es posible que al ver la película pase desapercibido pero se trata ni más ni menos que de una banda de sonido enteramente atonal y, en parte, dodecafónica. Si Godard, o el notable Leonardo Favio, en la lejana Argentina, recurrían a Vivaldi, este film “para todo público”, alejado de cualquier idea de vanguardia, tenía la música más moderna y desafiante a la que el cine se había atrevido hasta el momento:

Si se saca del camino al cine propiamente musical –sus reglas son bien otras– la relación de la imagen con el sonido es obviamente anterior al cine. Puede rastrearse sin dificultad a la ópera y el ballet y más atrás a los autos sacramentales pero, aún en las músicas pretendidamente más abstractas y autónomas, no se puede negar el efecto en aquello que se escucha de la visión de un o una intérprete o un grupo de ellos en escena. Pero si se piensa en el cine propiamente dicho hay dos ejemplos tempranos que deben ser tenidos en cuenta y, sobre todo, por el interés que sus músicas poseen más allá de su función originaria. Uno es la obra compuesta por Camille Saint-Saëns para acompañar la proyección de El asesinato del Duque de Guise, un film de 1908 dirigido por André Calmettes y Charles Le Bargy:

El otro es la composición de Sergei Prokofiev para Alexander Nevsky, la película que Sergei Eisenstein realizó en 1938 junto con Dmitri Vassiliev:

No son los únicos casos en que compositores célebres del mundo de la tradición clásica escribieron especialmente para el cine. Uno de ellos, Erich Wolfgang Korngold, prodigio de la escena vienesa y saludado por la crítica  como el nombre más importante después de Richard Straus –estrenó su notable ópera La ciudad muerta en 1920, a los 23 años– no sólo se mudó a Hollywood (y al cine) sino que inauguró la concepción de grandes composiciones, con peso estético propio, de la que serían herederos Goldsmith y Williams (para decirlo con elegancia, el tema de La guerra de las galaxias no existiría sin Korngold) y, antes que ellos, Miklos Rosza y Bernard Hermann. Aquí pueden escucharse, en forma de suites sinfónicas, varias de las músicas compuestas por Korngold para el cine, con la dirección de otro gran músico ligado a ese arte, André Previn. De Hermann es casi imposible elegir una sola obra.

Aquí van dos de épocas bien diferentes, la de Psycho, dirigida por Alfred Hitchcock y estrenada en 1960 (que fue, de ahí en más, el modelo de toda la música asociada al terror e inspiró, seis años después, las cuerdas de George Martin en “Eleanor Rigby” de The Beatles) y la de de Taxi Driver, el film de Martin Scorsese en 1976, una auténtica obra maestra del género.

Una de las grandes estafas del mundo musical toca tangencialmente al cine y le hubiera encantado, de haberla conocido, al director involucrado. Orson Welles fue el verdadero introductor del famoso Adagio de Albinoni, bastante antes de que la interpretación de I Musici lo convirtiera en un hit. La música de El proceso, de 1962, lo toma como base. Incluye la primera versión grabada de esa obra, por la Asociación de Conciertos de la Chambre de París, con dirección de André Girard, y dos versiones jazzísticas notables, por el trío del pianista Martial Solal y por la banda de Paul Lemel. Ese adagio, supuestamente, había sido completado por Remo Giazotto a partir de un movimiento de Albinoni encontrado en la Biblioteca de Dresde luego de los bombardeos sufridos en la Segunda Guerra Mundial. Pero la Biblioteca negó haber poseído tal fragmento, jamás se encontró nada de Albinoni que se le pareciera –aunque sí el bajo de varios pasajes de obras de Bach y Vilvaldi– y el Adagio acabó siendo una invención absoluta del bueno de Giazotto. 

Una de las bandas de sonido más bellas es la de Orfeu Negro, el film de Marcel Camus estrenado en 1959. Sus autores son Luis Bonfá y Antonio Carlos Jobim e incluye dos de las canciones más extraordinarias que puedan imaginarse, “A felicidade” y “Manha de carnaval”. Entre muchos otros ecos, hay uno que vale la pena recordar, las Jazz Impressions of Black Orpheus grabadas en 1962 por el trío del pianista Vince Guaraldi, con Monte Budwig en contrabajo y Colin Bailey en batería, que acaban de reeditarse en versión extendida y con muy buen sonido.

El cine produjo, por otra parte, dos grandes clásicos en sus respectivos géneros. En el terreno del soul, la música de Isaac Hayes para Shaft y en el del jazz, la de Miles Davis para Ascensor al cadalso.

Como toda lista, esta es incompleta y arbitraria. Y, sobre todo, se espera que sea apenas el punto de partida de nuevas búsquedas –y nuevas listas–. Pero esa inevitable incompletud no podría cerrarse –ni siquiera provisoriamente– sin cuatro pequeños agregados y una recomendación. Los primeros son el tema original de Lalo Schifrin para la serie televisiva Misión imposible, la música compuesta por Toru Takemitsu para Ran, de Akira Kurosawa, la banda de sonido de Jonny Greenwood para El poder del perro (ya mencionada alguna vez en esta columna de elDiarioAr) y el temita de David Shire, solo al piano, para La conversación de Francis Ford Coppola. La recomendación es prestar especial atención –si es que la ven– al tratamiento sonoro de la serie 1899 y, por supuesto, de Dark, su antecedente más inmediato, que incluye, en varios momentos, un fragmento de la Partita para 8 voces de la compositora Caroline Shaw, por el magnífico coro de cámara Roomful of Teeth, del que forma parte.

DF

Completamos a continuación la lista de las diez mejores bandas de sonido de series de televisión.

Homeland (2011 - 2020)

Calificación IMDb: 8.3

Sean Callery es un veterano y afamado compositor de música de películas y series. Sus créditos de obras para TV incluyen 24; Jessica Jones, de Marvel; La Femme Nikita; Bones; Elementary; The Kennedys y más recientemente Designated Survivor. Todas con altas calificaciones. Pero la nota más alta de su carrera se la llevó por su excelente trabajo para Homeland,  la serie que describe las aventuras de la agente de contrainteligencia de la CIA Carrie Mathison (Claire Danes). Sus creadores, Howard Gordon, Chip Johannessen y Alex Gansa, le encomendaron a Callery un trabajo especial: las composiciones debían reflejar el trastorno bipolar que sufre Carrie, un serio problema por el cual es medicada y del que ella busca escapar escuchando jazz en su walkman.

En las composiciones de Callery se escucha por momentos a la orquesta tocando la misma melodía al unísono. Pero en otros fragmentos del mismo tema una parte de la orquesta parece estar tocando una cosa y otra parte, otra, como si estuvieran en la cabeza de Carrie. Esa característica distingue al Tema Central de Homeland, la serie de Showtime que capturó cinco Premios Globos de Oro y ocho Premios Primetime Emmy, en ocho temporadas de 12 capítulos cada una.

Muchas de las canciones que escucha Carrie en su walkman han sido compiladas. Un fan de la serie la amplió exageradamente ¡a 966 temas! En su mayoría son composiciones clásicas de jazz de artistas consagrados, como Duke Ellington, John Coltrane, Miles Davis, Chet Baker, Louis Armstrong, Ella Fitzgerald, Dizzy Gillespie, Wynton y Branford Marsalis, Stan Getz, Bill Evans, Charles Mingus, Thelonius Monk, Herbie Hancock, Charlie Parker, Astor Piazzolla, y un largo etcétera. Para fanáticos del jazz.

Black Mirror (2016 - 2019)

Calificación IMDb: 8.8

Esta serie distópica y de ficción británica creada por Charlie Brooker tuvo dos etapas, una en Channel 4, y la segunda en Netflix. En ambas se muestra el disconformismo de los personajes con el mundo moderno y se describe cómo la tecnología puede afectar a la sociedad.

Una de sus características es que no existe relación entre un capítulo y otro: cada episodio es una historia individual que empieza y termina. Y como resultado la serie tiene altibajos, con algunos episodios que sobresalen y otros que no tanto.

Lo que no desentona es su banda sonora. Puestos uno al lado del otro, los temas de Black Mirror, conforman una gran muestra representativa de la New Wave de los 80, en la que prácticamente ningún género y subgénero del fenómeno quedó sin incluir.

La lista de artistas incluye el rock alternativo británico de Radiohead; a la reina del pop, Madonna (“La Isla Bonita”); el synth pop británico de Frankie Goes To Hollywood (“Relax”); el rock duro bostoniano de Pixies; la avant garde de Laurie Anderson; el pop de Simple Minds (“Don’t You”); el tecnopop de Depeche Mode; el post grunge de Alanis Morissette; el aporte australiano de INXS (“Need You Tonight”) y Kylie Minogue; el pop rock de Pretenders; el punk de The Stranglers; el R&B y pop de Janet Jackson; el hip hop de Salt-N-Pepa, el tecnopop del dúo suizo Yello (“Oh, Yeah!”); las cantantes pop Whitney Houston y Belinda Carlisle; los rapperos Run-DMC (haciendo “Walk This Way” con Aerosmith); Public Enemy y Beastie Boys (“Fight For Your Right”); la multiinstrumentista Tori Amos y el pop ácido de XTC (“Plans for Nigel”). Un tema mejor que el otro.

Fuera del fenómeno New Wave, la lista de 62 canciones incluye también al New Age de Enya (“Orinocco Flow”); el pop romántico de los australianos Bee Gees y dos clásicos de la música disco estadounidense “That's The Way”, de KC & The Sunshine Band, y “Funkytown”, de Lipps Inc, utlizados para ambientar momentos muy específicos de la trama.

The Americans (2013 - 2018)

Calificación IMDb: 8.7

Infiltrados en el seno de la clase media estadounidense, dos espías rusos (los geniales Keri Russell y Matthew Rhys) cumplen las peligrosas tareas encomendadas por la KGB durante el gobierno de Ronald Reagan, en plena Guerra Fría. Sus dos hijos desconocen la doble vida del matrimonio ¿Una serie donde los héroes son los soviéticos y los villanos, estadounidenses? Sí. Y el resultado es una de las mejores creaciones disponibles para ver en Fox y Netflix en los últimos años.

Para ambientar musicalmente la obra en esa época turbulenta del Mundo su creador, Joe Wiesberg, contrató al gran músico Nathan Barr (True Blood, Carnival Row y The Great) para que compusiera los temas instrumentales, en los que predominan las cuerdas con aroma a música rusa.

Pero además los 75 capítulos distribuidos en 6 temporadas están salpicados por 88 canciones que bien podrían agregarse a las de Black Mirror para armar una gigantesca playlist de la New Wave. Característica precisamente de la década del 80 que envuelve toda la obra. Las canciones transportan inevitablemente al espectador a la época en la que se desarrolla la trama.

Entre ellas sobresalen “With Or Without You” (U2); “Brothers In Arms” (Dire Straits); “Listening Wind” (Talking Heads); “Games Without Frontiers” y “Here Comes The Flood” (Peter Gabriel); “Slave” (The Rolling Stones); “More Than This” (Roxy Music); “Under Pressure” (Queen con David Bowie), “Siamese Twins” (The Cure), “Tainted Love” (Soft Cell), “Ideas As Opiates” (Tears For Fears); “Gold Dust Woman” (Fleetwood Mac); “So. Central Rain” (R.E.M.); “All Out of Love” (Air Supply); “Rough Boys” (Pete Townshend); “Pictures on My Wall” (Echo & the Bunnymen); “Passion” (Rod Stewart); “Rock This Town” (The Straycats) e “In The Air Tonight” (Phil Collins).

El soundtrack de la serie también incluye obras de Mozart, Tchaikovsky y Chopin.

The Sopranos (1999 – 2007)

Calificación IMDb: 9.2

La multipremiada serie creada por David Chase tuvo en la música una aliada fundamental para ambientar las tropelías de la familia mafiosa. Todos los capítulos de las seis temporadas comienzan con el mismo tema, “Woke up this morning” de la banda inglesa de house, blues, country y góspel Alabama. Pero uno de los rasgos fundamentales de la serie es que cada capítulo termina con una canción especialmente elegida para representarlo que se extiende desde antes del final hasta que terminan los créditos.

Para eso el director David Chase trabajó con el productor Martin Bruestle y el editor musical Kathryn Dayak pero siempre con el consejo de Steven Van Zandt, guitarrista de Bruce Springsteen, quien en la serie interpreta a Silvio Manfred Dante, consegliere de Tony Soprano. Dato adicional: su mujer en la vida real, Maureen, también lo es en la ficción (Gabriela Dante).

El resultado es una de las colecciones de canciones más aclamada de la historia y un conjunto representativo de lo mejor de la música estadounidense del siglo XX mechado con algo de música clásica. De Frank Sinatra y Chuck Berry a AC/DC y Lynyrd Skynyrd, de The Doors y The Rolling Stones a Pretenders, pasando por cientos de autores e intérpretes, las 404 canciones que suenan en los 86 capítulos de la serie tienen todas un motivo especifico para haber sido incluidas en la lista, ya sea como cierre de cada capítulo o como parte de la trama: a Tony le encanta poner música y cantar mientras maneja su camioneta.

Chase contó que en algunos episodios, si la relación entre una canción elegida y el guión no estaba del todo clara, se filmaban escenas adicionales para que no hubiera dudas. Hay dos episodios que no tienen tema de cierre: en la temporada 2, el capítulo 8 y el último de la 6°, el final de Los Sopranos.

La producción de HBO tuvo 308 nominaciones y ganó 91 premios, entre ellos 21 Emmy y 5 Golden Globes. Cada vez que se estrenaba un capítulo, 12 millones de personas en Estados Unidos dejaban todo y se reunían frente a las pantallas para seguir la historia: un número extremadamente alto en esa época para un producto hecho para la televisión por cable.

Antes de comenzar la producción de la 5° temporada, el creador y productor Matthew Weiner le presentó a David Chase el guión de un piloto para un proyecto que aún no tenía nombre. A Chase le gustó tanto que lo contrató para escribir los guiones de las temporadas 5 y 6 de Los Sopranos. La anécdota da pie al siguiente y último capítulo de la lista.

Mad Men (2007 – 2015)

Calificación IMDb: 8.7

El título de la serie creada por Matthew Weiner tiene un doble significado: Hombres Locos y Hombres de Madison. En esa avenida de Nueva York se concentraban las principales agencias de publicidad de la Gran Manzana. Y el mundo de las agencias de publicidad es el marco donde se apoya uno de los mejores retratos, sino el mejor, de la sociedad estadounidense de la década del 60, en el que no faltan el acoso sexual y laboral, las infidelidades, el alcoholismo y el tabaquismo propios de la época.

De su trabajo con David Chase, Weinert obtuvo suficiente información adicional sobre cómo producir una serie y trabajar los personajes, además de la importancia que la música tenía para una producción y cómo utilizarla para realzar el drama de época que se disponía a rodar.

A diferencia de Los Sopranos, Mad Men sí tiene música incidental escrita especialmente por David Carbonara, una mezcla de jazz y música lounge de los 50 y 60. Pero lo que caracteriza a la serie es la más increíble y representativa colección de temas del cancionero popular estadounidense de la época distribuidos en 7 temporadas y 92 episodios.

Semejante producción utilizó un total de 411 canciones. La lista de artistas incluye a grandes cantantes mujeres, como Etta James, Ella Fitzgerald, Nancy Sinatra, Dusty Springfield y Judy Collins; y también hombres, como Frank Sinatra, Elvis Presley, Roy Orbison, Tom Jones, Ricky Nelson y Bing Crosby. Dúos famosos, como Sonny & Cher y Dinah Washington y Brook Benton; creadores de grandes éxitos como Chubby Checker, The Platters, The Tornadoes y The Monkees; monstruos del blues y el soul como Freddie King, Marvin Gaye y Fats Domino;  incipientes (entonces) bandas y solistas de rock, como The Rolling Stones, The Kinks, The Beach Boys, Bob Dylan; grandes del jazz como Miles Davis, John Coltrane, Bill Evans y las orquestas de Percy Faith, Glenn Miller, y Herb Alpert. Aparecen también notables actores como Doris Day, Dean Martin, Marilyn Monroe y Ann-Margret, como cantantes, un rol en el que no se destacaron tanto.

Hay algunas perlitas, como las francesas “Zou Bisou Bisou”, de Gillian Hills, y “Dominique”,  de las monjas Soeur Sourire, y la brasileña “Água de beber”, interpretada por Astrud Gilberto y Antonio Carlos Jobim, entre varias canciones extranjeras que fueron suceso en Estados Unidos. Y un merecido homenaje fuera de contexto a Amy Winehouse con su inolvidable “You Know I’m No Good”.

Cada canción utilizada es un trazo grueso que refuerza el retrato de época de Weiner, quien se propuso describir las costumbres sociales de los Estados Unidos en la década de 1960, trabajo por el que cosechó quince premios Emmy y cuatro Globos de Oro.

Otras series cuyas destacadas bandas de sonido podrían haber sido incluidas en la lista: Ozark, Succesion, This is Us, Borgen, Twin Peaks, Luke Cage, Lost, Trapped, 24, House of Cards, Dontown Abbey, The Good Wife, Vikings, Tokyo Vice, Merlina y siguen los nombres. Quedan para la próxima temporada.

JF

La TV y la música viven un romance cada vez más intenso. El vestuario, la escenografía y la fotografía son aspectos tan importantes como los temas que se eligen para ilustrar cada escena de una producción.

Puede ser música original o temas ya existentes. O la combinación de ambos, puestos específicamente como piezas de un rompecabezas a lo largo de las distintas temporadas con las que los realizadores pretenden cautivar a los espectadores.

La música ya no es solamente un tema romántico para reforzar una escena de amor, o un ritmo frenético para ilustrar una de acción. Puede servir para transportar al espectador a una época, a un país o región. Para darle un tinte oscuro o alegre a un fragmento o la totalidad de una serie. O para delinear mejor la psicología de un personaje. Los recursos son ilimitados. Y cada vez aparecen más.

Carmela Soprano (la genial Edie Falco) era fanática del tenor italiano Andrea Bocelli; en This is Us, Becca toca el piano, canta y es fanática de Joni Mitchell, su marido, de Bruce Springsteen; más recientemente en Stranger Things cada vez que Max Mayfield se pone los auriculares suena “Running Up That Hill”, un clásico de Kate Bush de la década del 80 que recientemente trepó al número 1 en Inglaterra y varios países 44 años después de su edición gracias al éxito de la serie. Originalmente el tema se llamaba “A Deal with God” (Un pacto con Dios) y su letra está íntimamente vinculada con la trama de la serie. Algo similar había ocurrido en la primera temporada cuando dos de los chicos escuchaban frecuentemente “Should I Stay or Should I Go”, de The Clash.

En la actualidad, en el primer capítulo de Merlina, inspirada en Los Locos Addams, la protagonista interpreta “Paint It Black” (Píntalo de Negro) de los Rolling Stones con su violonchelo en la terraza gótica de su nueva escuela. El negro es, claro, su color favorito. La música puede ser también la carta de presentación de un personaje.

El tema de apertura de una serie cumple un rol fundamental para lo que se quiere relatar. Qué decir de “Falling”, la composición de Angelo Badalamenti con la incomparable voz de la desaparecida Julee Cruise que da inicio a cada capítulo de Twin Peaks,  de David Lynch. O el piano virtuoso de Succesion, el zumbido de cuerdas con aire ruso de The Americans, o las cuerdas y timbales de Borgen, por mencionar algunas. Todas esas piezas han sido compuestas cuidadosamente y con una evidente intención dramática.

Un tema ya existente puede hasta darle el título al capítulo de una serie y ser el leit motiv de toda la pieza. Como en el caso de “Hang the DJ” (Black Mirror temporada 4 capítulo 4), inspirado en “Panic”, el tema de The Smiths de la década del 80, que además cierra el episodio con Morrisey cantando repetidamente el título en el estribillo.

Un clásico de los años 70 como “California Dreamin’”, de los Beach Boys, puede tener un resignificado con el simple agregado del sonido de unos truenos en su introducción. Otro truco.

La siguiente es una lista incompleta y en orden arbitrario de bandas sonoras de series top a tener en cuenta, con algunas consideraciones sobre la manera en que la música fue utilizada en cada una de ellas. Podría ampliarse ilimitadamente, como los recursos que aparecen a diario cada vez que uno enciende la pantalla.

Game of Thrones (2011 - 2019)

Calificación IMDb: 9.2

La música de la superproducción de HBO fue íntegramente compuesta por el iraní-alemán Ramin Djawadi en sus 8 temporadas. Fue su trabajo cumbre, por el que recibió dos premios Emmy en 2018 y 2019. Anteriormente había sido candidato por la música de Westworld y Prision Break y había llamado la atención por sus composiciones para Iron Man, Clash of the Titans y Batman comienza, entre muchos otros títulos.

Su mayor virtud fue haber puesto sobre el pentagrama los climas necesarios para ambientar cada escena de los 73 capítulos con maestría. Cada reino, cada personaje y cada situación de la intrincada serie tuvo en Djawadi un sostén musical esencial.

A medida que se acumulaban los capítulos las composiciones se fueron ajustando y fueron cobrando mayor protagonismo llegando a su máxima expresión en la última temporada.

La banda de sonido de Djawadi, un especialista obras de ficción,  es mayormente orquestal, aunque también incluye arreglos vocales en algunas de sus piezas.

El Tema Principal de Game of Thrones es uno de los más reconocidos en la historia de la producción de series.

Breaking Bad/Better Call Saul (2008 – 2013/2015 - 2022)

Calificación IMDb: 9.5/8.8

Lo más relevante que hizo Dave Porter en su carrera como compositor fue la música de las creaciones de Vince Gilligan y equipo para Netflix. La ambientación oscura de Breaking Bad apuntaba a sostener la metamoforsis de Walter White en el narcotraficante Heisenberg. En Better Call Saul se libera un poco de los tonos dark para ilustrar otra transformación, la de Jimmy McGill en Saul Goodman. Nunca se aleja de los paisajes áridos y polvorientos de Nuevo México.

Porter compuso 20 de las 102 canciones que suenan en Breaking Bad. Las restantes conforman una colección de lo más ecléctica de temas que puestos uno al lado del otro hasta pueden desentonar. Pero colocados en la serie cobraban un significado crucial. De los mexicanos Molotov y Los Cuates de Sinaloa, a Nancy Sinatra y The Platters; de Yellowman y Beastie Boys, a The Pretenders y J.J. Cale; de Tchaikovsky a Nat King Cole, todos encontraron un lugarcito importante en la banda de sonido.

No menos variada es la lista de Better Call Saul (134 canciones) donde aparecen nombres tan diversos como Creedence Clearwater Revival (“It Came Out Of The Sky”), Edi Palmieri (“Mi Guajira”), The Gipsy Kings (con una versión gitana de “My Way”) los suecos ABBA (“The Winner Takes It All”), The Pixies (“Letter To Memphis”), Deep Purple (“Smoke Over Water”) y Vicente Fernández (“Hermoso Cariño”), entre otros. La cercanía con la frontera de México siempre está presente en la música de ambas series.

Peaky Blinders (2013 - 2022)

Calificación IMDb: 8.8

Uno de los mejores dramas producidos por la BBC en los últimos años se basa en la historia real de una banda de gánsters que asoló Birmingham en los años 20, y de allí en adelante guiados por su líder, Tomas Shelby (Cillian Murphy). La serie ha recibido 10 premios de los 30 por los que estuvo nominada por su cuidada ambientación, sus guiones y la actuación de su reparto.

En la paleta musical de Peaky Blinders prevalecen los tonos oscuros. La temática está presente en las 6 temporadas de 6 capítulos cada una, que produjo su creador, Steven Knight.

En la última, se aprecia patentemente un recurso de Knight. Algunas escenas aparecen separadas por largos fragmentos de música de artistas como PJ Harvey, Artic Monkeys y Nick Cave & the Bad Seeds sonando bien arriba con imágenes de una fotografía espectacular. Y como resultado cada capítulo incluye una suerte de minivideoclips de alto vuelo artístico.

Los artistas que más canciones aportaron a la banda de sonido son:

PJ Harvey (16), Nick Cave & The Bad Seeds (12), 3. The White Stripes y Artic Monkeys (9), Radiohead (5) y Tom Waits (4).

Fargo (2014 - 2020)

Calificación IMDb: 8.9

Noah Hawley fue el responsable de la adaptación para la TV de la célebre película policial, con notas de humor negro, realizada en 1996 por los hermanos Coen. Y el responsable de la composición de los temas originales fue Jeff Russo, autor de la música de más de una decena de films y más de 30 series: su trabajo para Fargo le valió un premio Emmy.

A los temas de Russo se le suman otros 91 clásicos de lo más variados de la música del siglo XX, como “Crawlin' King Snake” (John Lee Hooker), “Oh Well” (Fleetwood Mac), “Ain't That A Shame” (Fats Domino), “Topsy” (Count Basie), “On the Run” (Pink Floyd), “Locomotive Breath” (Jethro Tull), “Run Through The Jungle” (Creedence Clearwater Revival), “War Pigs” (Black Sabbath), “Swing From Paris” (Django Reinhardt), “The Christmas Song” (Frank Sinatra con Bing Crosby), “Jingo” (Santana) y “Deck The Halls” (Nat King Cole).

La playlist también incluye obras de música clásica de Gustav Mahler, Johannes Brahms y Ludwig Van Beethoven.

Stranger Things (2016 - )

Calificación IMDb: 8.7

Los hermanos Duffer crearon esta suerte de homenaje al cine de ciencia ficción con referencias explícitas a películas de Steven Spielberg,​ Wes Craven,​ John Carpenter,​ Stephen King, Rob Reiner​ y George Lucas. Ya se emitieron cuatro temporadas y es posible que Netflix anuncie más.

Para ilustrar musicalmente la obra los Duffer seleccionaron una lista muy ecléctica de temas en las distintas temporadas.

Pero entre las 180 canciones se destaca una colección de hits de los 80 como “Psychokiller” (Talking Heads), “Rock Me Amadeus” (Falco), “Material Girl” (Madonna), “Wake Me Up Before You Go-Go” (Wham!), “Goldrush Two” (Yello), “Heroes” (Peter Gabriel y David Bowie), “Time After Time” (Cyndi Lauper), “Every Breath You Take” (The Police), “The Ghost in You” (The Psychedelic Furs), “Twist of Fate” (Olivia Newton-John), “Girls on Film” (Duran Duran), “Thriller” (Michael Jackson), “Africa” (Toto), “Atmosphere” (Joy Division), “Elegia” (New Order), “Nocturnal Me” (Echo & the Bunnymen), además de las mencionadas anteriormente  “Should I Stay Or Should I Go” (The Clash) y “Running Up That Hill” y “A Deal With God” (Kate Bush). El compositor de música clásica minimalista estadounidense Philip Glass también aporta algunos temas al soundtrack. Cada pieza musical está ubicada estratégicamente en el rompecabezas dramático de la serie.

Para las últimas temporadas los creadores convocaron al dúo de música electrónica Survive (Kyle Dixon y Michael Stein) quienes compusieron 59 de las 142 canciones incluidas en esa etapa.

JF