Bajo el abarcador título En claves menores –que remite a explorar temas como la reconexión del el cuerpo y los sentidos con la Tierra y los elementos–, se pone en marcha oficialmente el próximo sábado la 61ª Bienal de Venecia. Lo hace en medio de protestas por la participación de Rusia, pero siguiendo de cerca la propuesta en la que trabajó la camerunesa Koyo Kaouoh, descollante curadora de arte y gestora cultural designada para organizar esta enorme muestra en 2024, que falleciera repentinamente en mayo de 2025. No sin haber dejado asentados los lineamientos generales de esta exhibición internacional que ha invitado a más de 100 artistas de todo el mundo. “Hay quienes quieren colonizar la luna y quienes prefieren bailar alrededor”: frase del gran escritor afroestadounidense James Baldwin que Kaouoh adoptó como una de sus fuentes de inspiración.

Una exhibición de pinturas, instalaciones, performances, itinerarios y otros eventos que, según las actuales autoridades, vuelve a poner al ser humano en el centro, redescubriendo el sentido de estar en el planeta. Provenientes de manera equitativa de Occidente y el Sur Global, la selección de artistas cuenta con una mayoría de mujeres: 64, frente a 48 varones, más dos participantes que emplean pronombres neutros. 

Argentina presente

Entre las expos que ya abrieron en la semana en curso, vale mencionar en primer término Oscuridad visible. La larga sombra de la Dictadura, (Darkness Visible. The Long Shadow of Dictatorship), una presentación del Ministerio de Cultura porteño, impulsada por el Museo de Arte Moderno que llama a una reflexión sobre los 50 años del último golpe de Estado.

Con este fin, se reunió –entre otros nombres– a artistas tan diversos como Marta Minujín, León Ferrari, Guillermo Kuitka, Liliana Maresca, Ana Gallardo. Con curaduría de Victoria Noorthoorn y Patricio Orellana, más la colaboración de Augusto Maurandi, para establecer un recorrido por obras que pusieron de manifiesto las marcas del terrorismo de Estado y sus resonancias en el presente; asimismo, que acompañaron el regreso de la democracia y continuaron cuestionando formas actuales de exclusión y autoritarismo. Inexplicablemente, no fue incluida la destacada pintora Diana Dowek, cuyas series alusivas, durante (Atrapado con salida, 1977) y después de la Dictadura, son incomparables. Este proyecto se inscribe en uno de los ejes de la programación del Moderno, Memoria y Futuro, sobre los vínculos entre arte y democracia que se continuarán en la muestra prevista para junio en el Parque de la Memoria.

Pabellón italiano: Contigo todo

En sintonía con los temas propuestos y disponiendo del gran tamaño de los astilleros convertidos en galerías de arte, Chiara Camoni (1974) elige narrar historias transversales en su muestra Te con Tutto, que se divide en dos partes. La primera consagrada a la escultura con grandes figuras clásicas en terracota, una procesión de deidades a las que la creadora califica de “menores”, siguiendo la tonalidad de la Bienal. Figuras antropomórficas que insinúan una cierta majestuosidad, de una altura que supera los dos metros. En el segundo espacio, Camoni interactúa en forma horizontal con otros/as artistas, integrando a algunos que han fallecido. Así, junto a Fiammetta Griccioli y Lucia Aspesi, figuran creadores afines como Medardo Rosso, Felice Casorati, Luciano Fabro, Alessandra Spranzi. Dentro de las “casitas” (armarios de madera) se puede acceder a tesoros ocultos: por ejemplo, un video especialmente realizado por la cineasta Alice Rohrwacher.

Una austríaca impacta en la ciudad de los canales

El proyecto de la siempre zarpada performer, coreógrafa, teatrista experimental Florentina Holzinger (Viena, 1986), SeaWorldVenice, ya abierto al público, como era de esperar ha causado conmoción con su acentuada audacia, ya instalando a una mujer desnuda como badajo de una gran campana, ya con su tratamiento de aguas residuales o con su parque subacuático: un pabellón con vida propia el suyo, donde la desnudez y el agua como elemento vital a veces envenenado por la acción humana, es protagonista palpable, entendida como materia y símbolo político. E incita a pensar sobre las tensiones entre naturaleza y tecnología, apela a la mitología habitada por criaturas acuáticas con sus implicaciones en el presente. Una exploración que Holzinger viene haciendo desde 2020 en sitios públicos y que se ahonda en esta Bienal, en un sitio tan marcado por su frágil relación con el agua.

Hildegarda y Patti, un solo corazón musical

Dos artistas distantes en el tiempo y cercanas en su enfoque de las sonoridades musicales. Ocho siglos separan a Hildegarda de Bingen, de Patti Smith. 800 años que no son nada porque las hermana la música y un misticismo personalizado que, para sorpresa de mucha gente, se pone en evidencia en el Pabellón del Vaticano, con la curaduría del suizo Hans Ulrich Obrist.

Hildegarda fue una abadesa renana benedictina que durante el siglo XII –a semejanza de Patti en el XX y el XXI–, concibió la música como una resonancia entre la vida humana terrenal y el cosmos. Se salió de los límites de su época, de su género y de su condición de monja. Mujer sabia y genial que intuyó que el canto de los ángeles, escuchado por Adán antes de la Caída, no se había perdido como se daba por sentado, sino que permanecía en el interior de los seres humanos y podía aflorar a través de la música. Una convicción que comparte Patti en su propia época. Además de compositora, la abadesa fue herborista, lingüista, consejera de papas. Hermosas sus composiciones litúrgicas. La precursora del movimiento punk, nacida en 1946, es una persona de muchas facetas: cantautora, poeta, fotógrafa. Y al igual que Bingen, considera la música como una práctica sanadora, una forma de expresar lo sagrado, una plegaria. 

Así es que el Pabellón de la Santa Sede se llama El oído es el ojo del alma, y ofrece a Patti Smith encabezando a 24 artistas invitados a componer obras en consonancia con los cánticos sagrados y las visiones de Hildegarda, cuyas celestiales obras también pueden escucharse, así como aspirar el perfume de hierbas en la Bienal 61 que apela a todos los sentidos. Una unión mística, entonces.

Japón, Chile, Nigeria

Sin ánimo –ni posibilidades– de que esta nota resulte suficientemente abarcadora, vale cerrar con tres artistas que están exponiendo, de países lejanos entre sí, culturalmente tan diferentes como Japón, Chile y Nigeria. Yoshiko Shimada (959), fotógrafa, videasta, pintora que expone en sus cuadros una reinterpretación de la iconografía oficial desde una perspectiva feminista. Alfredo Jaar (1956), en una crítica a la brutalidad de las prácticas extractivistas propone El fin del mundo, obra a la que se accede –trasponiendo una gruesa cortina– a una habitación iluminada rojo intenso, un nítido olor metálico en el aire; en una suerte de altar vitrina, un cubo hecho de capas de cobalto, litio, manganeso, cobre, estaño… Finalmente, el Pabellón Central se abre con la nigeriana Otobong NKanga (1974), cuatro columnas de su fachada recubiertas de ladrillos artesanales, cristales, y plantas trepadoras.

MS/MG 

Con el fin de “desafiar el paisaje multisensorial” de uno de los puntos más turísticos y transitados de Nueva York, la argentina Marta Minujín instaló una gigantesca escultura inflable y colorida en el Times Square de esa ciudad estadounidense que puede verse verse hasta el 21 de noviembre, en coincidencia con la muestra que la artista del pop tendrá en el Museo Judío de esa localidad. El título de la imponente obra a cielo abierto es “La escultura de los sueños”.

Con la colaboración de Times Square Alliance, el organismo que gestiona esa plaza, y el Museo Judío de Nueva York, Minujín (1943) definió a la figura como una “anti-escultura que trabaja la dureza y la perpendicularidad”.

De vibrantes colores y de carácter inflable, esta escultura cuenta con 16 piezas y se enmarca dentro de su serie de obras lúdicas.

“Es la primera escultura pública de la artista pop conceptual argentina Marta Minujín en la ciudad de Nueva York, y una de las mayores instalaciones artísticas acogidas en Times Square hasta la fecha”, anunciaron los organizadores.

¿Por qué “La escultura de los sueños”? La artista explicó que se trata de “un lugar para que el espectador pueda soñar y tener un minuto de paz, de belleza, de color y de vida”, informó la agencia Télam.

Se trata de una propuesta inmersiva en la que los visitantes pueden pasear por el interior de la escultura y dejarse envolver por un torrente de colores convergentes. También se pedirá a los visitantes que susurren sus esperanzas y deseos en el cavernoso interior antes de salir, dejando que la obra encarne y reciba simbólicamente sus sueños y deseos.

La artista contó que eligió exponer la escultura en Times Square para “competir con los colores” de la plaza y desafiar su paisaje multisensorial: “Lo que más me gusta es que tiene formas redondas en un lugar donde todo es perpendicular”, comentó.

“Times Square es el mayor escenario pop de todos los tiempos. Para mí es como estar en Alicia en el País de las Maravillas. Mi Escultura de los Sueños -una escultura voladora, inflable y blanda- estará rodeada de luces, videos y gente de todo el mundo que viene a ver las atracciones. Es el lugar perfecto para esta obra. ¡Me encanta!”, declaró Minujín.

El Museo Judío de Nueva York también mostrará una exposición de la artista, titulada Marta Minujín: ¡Arte! ¡Arte! ¡Arte!, que contará con alrededor de 100 obras de la argentina, elaboradas a lo largo de sus 60 años de trayectoria artística.

Reconocida por proyectos artísticos innovadores en los que explora con materiales poco convencionales como motocicletas, comidas o torres de libros, la argentina asegura que “trabaja directamente para los demás”.

La presentación de este trabajo de Minujín tuvo lugar la misma semana en la que, también en Nueva York, se inauguró la “Esquina Charly García”, en homenaje al músico argentino. Ocurrió a 40 años del lanzamiento del disco Clics modernos, en el cruce de las calles Walker St. y Cortlandt Alley.

AL con información de Télam

La subasta anual de la Asociación Amigos del Museo Sívori, que se organiza ininterrumpidamente desde 1999, se llevará a cabo del 22 al 29 de junio de modo virtual y reunirá destacadas piezas de arte argentino, tanto clásico como contemporáneo y el mejor arte emergente. Según informó la agencia Télam, se ofrecerán a la venta más 100 obras de artistas argentinos reconocidos como Liliana Golubinsky, Marta Minujín y Rogelio Polesello, entre otros.

Debido al éxito de las ediciones anteriores, los organizadores señalaron que la subasta se llevará a cabo de manera online, un formato que le dará la oportunidad de participar a cualquier persona interesada, sin importar en qué lugar se encuentre.

El evento se abrirá el jueves 22 de junio a las 00.00 horas de forma virtual, y se podrán realizar ofertas hasta el jueves 29 de junio a las 20.00, cuando se cerrarán los lotes uno por uno en orden de catálogo.

La participación en el evento es libre y gratuita, y el catálogo completo de obras se podrá visualizar en los próximos días en este enlace.

En la plataforma virtual del Remate en el Sívori, los interesados podrán encontrar información detallada sobre las obras y la biografía de los artistas, así como los certificados de autenticidad que acompañan a cada una de las piezas

Desde sus inicios, el propósito de esta subasta es recaudar fondos para apoyar la labor del Museo Sívori, que apunta a promocionar el arte argentino.

Para la presidenta de la Asociación, Irma Muslera, cada remate ofrece una oportunidad atractiva para coleccionistas que desean colaborar con la institución. 

“La subasta nace con la idea de recaudar fondos para apoyar la labor del Museo Sívori de una forma profundamente ligada al contenido específico de promover el arte argentino. Una propuesta convocante para coleccionistas que desean colaborar con este museo tan importante para la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, y el país”, señaló.

Conocido como “el remate del Sívori”, la subasta anual que realiza el museo se ha convertido en un clásico en el ambiente del arte porque ha mantenido un alto nivel de obras a lo largo de los años y ha buscado la diversidad y heterogeneidad en la oferta, incluyendo diferentes disciplinas artísticas, corrientes estéticas y artistas tanto clásicos como contemporáneos y emergentes. Además, se ha procurado ofrecer obras para diferentes posibilidades de compra.

Telma Satz, curadora y organizadora del remate, destaca que a lo largo del tiempo han surgido muchos nuevos coleccionistas a través de este evento.

Los fondos recaudados durante la subasta, tal como informaron desde la institución, se destinarán a las necesidades de producción de diversas propuestas museográficas, la edición de libros que muestran el acervo patrimonial del museo, la creación de cursos y actividades para la comunidad, la donación de obras que enriquezcan la visión de la historia del arte argentino en el acervo del museo, la restauración de obras patrimoniales y la actualización constante de la plataforma digital.

AL con información de Télam

La artista Marta Minujín cumplió 80 años y lo celebró este martes en el Malba con un “casamiento con la eternidad”, una fiesta a la que llegó acompañada de numerosos performers con las caras pintadas de colores y con máscaras, un absoluto “total black” para el dress code, que se extendió no solo a la vestimenta de todos los invitados sino también a los globos, las copas de champagne, los manteles y hasta la torta de varios pisos completamente negra.

Pasadas las 20, un colectivo de la línea 67 trasladó exclusivamente a a Minujín (1943) hasta la puerta del museo, donde caminó por una alfombra roja, rodeada de una veintena de actores-voluntarios, vestidos de negro algunos, otros con máscaras de disfraces variadas como pelota de fútbol, jirafa, Vincent Van Gogh, oveja, estatua de la Libertad y más. Mientras tanto, algunas clarinetistas se paseaban entre los invitados haciendo sonar “marchas de reyes, reinas y fanfarrias”, según contaron a Télam, anunciando que la fiesta estaba por comenzar.

El público se agolpó en la entrada para recibir a Marta que, ni bien ingresó, comenzó a bailar en el centro de la sala el típico vals de casamiento, el “Danubio Azul” de Johann Strauss, con el performer cara de oveja primero, con Van Gogh después, y luego con muchos de los invitados, como por ejemplo su hijo Facundo Gómez Minujín, presente durante el festejo.

Las figuras con las caras pintadas -así también se vio a varias de las chicas del staff del museo- fueron en homenaje a Pablo Picasso, por los 50 años de su muerte, los mismos motivos que utilizó para su famoso “Kidnappening”, una performance que realizó en Nueva York en 1973.

Luego del “baile” -donde se podía ver por ejemplo a cabeza de pelota de fútbol bailando con la estatua de la libertad, las máscaras que Marta suele utilizar en sus vivos de Instagram- llegaría el momento de saludar a los invitados, fotos y selfies. Tras pasear por el salón, como en cualquier boda, fue el momento de la torta, con cintitas, también negras.

Y ahí, la protagonista de la noche tomó la palabra: “Espero que disfruten porque esta es una celebración con participación. Es maravilloso. Este museo es mi casa, acá hice la primera retrospectiva. Y este año habrá otras dos muy grandes en la Pinacoteca de San Pablo y en el Museo Judío de Nueva York, y La Menesunda va a recorrer Inglaterra y Dinamarca”, dijo una entusiasta artista enfundada en un gran vestido de tules, una combinación de blanco y rosa pálido, con sus inflamables gafas espejadas y su cabello platinado.

Entonces, Minujín lanzó al público su ramo, un atípico ejemplar de flores negras, a lo que siguió -luego de un breve revoleo- el lazamiento del tul de la cabeza, típico de cualquier accesorio de novia. “Chau”, se despidió la artista -tan solo para bajar del escenario- a lo que siguieron más pedidos de fotos, más saludos y más brindis, con las copas de color negro.

Mientras tanto, en el “salón” -en la planta baja del museo- los actores comenzaban su acto, se paseaban entre los invitados, disparaban frases, saltaban en una pata. “No se puede bañar dos veces en el mismo río”, susurraba a una invitada una de las perfomers, en un momento de la noche.

Los voluntarios disfrazados con máscaras gritaban “tiempo, tiempo”, a veces aplaudían. “Podes girar sobre vos misma”, decía a esta cronista la persona camuflada en la cabeza de jirafa. Mientras, varios probaban la torta, de chocolate con dulce de leche, y cobertura total black, como el código de vestimenta de esta noche. “Una torta divina”, dijo en un momento en que tomó el micrófono la artista que popularizó a niveles impensados su clásico latiguillo “arte, arte, arte”.

“Esto es arte”, “El tiempo es una eternidad”, “El modelo del tiempo es la eternidad”, fueron otras de las frases que los perfomers fueron susurrando entre los invitados. Por momentos aplaudían de la nada. Entre los invitados se encontraban artistas como Luis Felipe Noé, Guillermo Kuitca, Graciela Hapser, Adriana Rosenberg, Mariana Marchesi, Alicia Herrero y Delia Cancela, entre otros.

A las 21.30 Marta se despidió al momento que todos repitían, esta vez a los gritos, la frase “El modelo del tiempo es la eternidad” y mientras se subían otra vez al colectivo de la línea 67 para despedirse detrás de las ventanillas. El público aplaudía una performance al mejor estilo Minujin. Las clarinetistas hacían sonar su instrumento desde las escalinatas del museo. Marta se sienta en la primera fila y el chofer arranca.

Pero el trayecto era corto porque el colectivo dio la vuelta y se estacionó frente a la puerta trasera del museo, por donde Minujín ingresó al Auditorio del museo para dialogar con los periodistas presentes.

“La eternidad para mi es algo invisible, intangible, como el cometa de una estrella volando, No tiene nada que ver con mi persona ni con un objeto”, respondió la artista ante la primera pregunta que realizó esta cronista acerca de cuáles creía que eran las sensaciones que dejaron esta noche.

De los proyectos que le depara el 2023 dijo que la “entusiasman todos” y que la muestra en The Jewish Museum arrancará desde sus obras de los 12 años y pasará por los colchones, las esculturas, las obras efímeras, repasó. “La menesunda viajando por Europa me emociona mucho”, añadió.

Además, Minujín reveló que por los 40 años de la democracia volverá a realizar su Partenón de libros prohibidos, a la misma escala, y con los mismos libros, en un sitio cercano al CCK, que será inaugurado el 25 de mayo. Aunque no quiso dar más detalles al respecto.

¿Y las figuras con los rostros maquillados?, la consultaron a la artista sentada en el escenario junto a los voluntarios que participaron de la noche. “En Nueva York salía todos los días a tomar algo con Dalí, y él lo odiaba a Picasso, así que cuando se murió hizo una gran fiesta para celebrar que Picasso había muerto. Entonces hice mi Kidnappening con las caras pintadas con sus obras”, recordó la artista sobre su obra de 1973, el mismo año de la muerte de Picasso.

En aquel happening, había entre el público quince personas con un botón plateado en la frente, señal de que habían prestado su consentimiento previamente para ser “secuestradas” y conducidas a diferentes destinos de la ciudad: un loft en el Soho, una peluquería, la casa de un crítico, un banquete en una casa elegante, el puente de Brooklyn, entre otros.

“Espero no vivir toda la década porque me parece una decadencia, después de los 90 no quiero vivir más, quiero desaparecer”, reflexionó la artista cuyo cumpleaños la vuelve a encontrar en la cima de una carrera pionera y vanguardista. Y apuntó: “Siempre viví en el arte y esta noche, la gente vivió en arte”.

Por Mercedes Ezquiaga, para la agencia Télam.

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