La primera película de El diablo viste a la moda, estrenada en 2006, no se merece su secuencia más famosa. Es aquella en la que, ante el desdén de Andy Sachs (Anne Hathaway) por el periodismo de moda, su iracunda jefa Miranda Priestly (Meryl Streep) defiende la relevancia de su trabajo. “Querés decirle al mundo que te tomás demasiado en serio a vos misma como para preocuparte por cómo vestís”, dice sobre el suéter azul de su asistente, que ella asegura que tomó de una tienda sin darle muchas vueltas. “Pero ese azul representa millones de dólares e incontables empleos, y es gracioso que pienses que tomaste una decisión totalmente alejada de la industria de la moda”.

Es un monólogo estupendo, que aborda atinadamente el calado de la moda en la vida cotidiana (esto es, en la cultura) por mucho que haya quien lo desprecie o no le dé importancia. Andy, sin duda, aprende la lección. Pero esto no impedirá que acabe dejando el trabajo por no soportar los abusos de su jefa. Abusos retratados con el mismo glamour —el carisma de Streep moviendo montañas— con el que la película recorre un escenario lleno de marcas y físicos de ensueño, diametralmente alejados de esa inserción democrática que, en teoría, defendía el monólogo del azul cerúleo.

Es la misma disonancia que se rastreaba en otra secuencia muy famosa del filme, la inicial. Cuando, al ritmo de KT Tunstall, la preparación matutina de Andy para salir a trabajar alternaba con jóvenes estructurales eligiendo ropa de diseño para transformar Nueva York en una pasarela. Implantando, por su parte, una distancia decisiva. La gente normal, por un lado, y el negocio, por otro, rindiendo en términos aislados y artificiosos. El diablo viste a la moda 2, por muy clásico generacional que sea —por muy espectacular que fuera su éxito cuando compitió en el verano de 2006 con Superman Returns, modulando un proto Barbenheimer— no ayudó a humanizar la moda, ni a acercarla a nadie. Para haberlo hecho tendría que haber sido algo más que un escaparate. 

Y no pudo hacerlo, simplemente, porque era un filme cuyo discurso se desactivaba a través de sus contradicciones internas —¿era una sátira?, ¿la defensa de un gremio?, ¿ninguna de las dos?—, limitándose a fluir en la memoria colectiva a base de carisma. Así que en todo este tiempo nadie ha podido ponerse de acuerdo sobre qué pretendía —ni siquiera ha aguantado bien la coartada feminista, a cuenta de la grosera heteronormatividad que paseaba desde sus primeros minutos acorralando a Andy—... con la posible excepción de Anna Wintour. En tanto editora de Vogue desde 1988, era el referente de Streep para interpretar a Miranda Priestly como editora de Runway.

Wintour y Streep conversaron hace poco en un número de la misma Vogue, promocionando El diablo viste a la moda 2: Alfombra Roja en Vivo. Wintour, por supuesto, ha hecho las paces con el fenómeno. El libro que adaptaba la primera película estaba escrito por su antigua asistente en clave autobiográfica, Lauren Weisberger, y obviamente había bastante rencor en el retrato de Miranda. Sin embargo, Wintour no está enfadada por dicho retrato: sabe que todos han salido ganando con El diablo viste a la moda. “Lo que me gustó de la primera película es que mostró al mundo el enorme negocio que es la moda”, le dice a Streep en cierto momento. “La película reconoció que es una fuerza económica mundial”. La cuestión cultural, la importancia del azul cerúleo, debe ser lo de menos para ella.

Gente con dinero hace cosas de gente con dinero

¿Y por qué le iba a importar, por otra parte? Wintour tuvo unos pocos años malos alrededor de la Gran Recesión, pero a mediados de la década pasada recibía grandes halagos debido a que su revista fuera una de las pocas que estuviera aguantando el chaparrón de los medios digitales y la dictadura del clic. De forma que, cuando finalmente dejó de ser editora de Vogue el año pasado —reemplazada por Chloe Malle, hija de la actriz Candice Bergen y el cineasta Louis Malle—, fuera tras haber sido ascendida a directora global de contenidos de Condé Nast. El conglomerado mediático que, en el universo de El diablo viste a la moda, conocemos como Elias-Clark.

Pasa algo similar en El diablo viste a la moda 2. Miranda Priestly tiene previsto convertirse en la máxima responsable editorial del conglomerado, cuando de pronto afronta una crisis de relaciones públicas y es necesario contactar con una vieja conocida: Andy, que ha logrado hacerse un nombre como “periodista seria” pero acaba de tener una experiencia algo más realista con los sinsabores contemporáneos de la profesión. Esto es, que ha sido despedida de su periódico junto a muchos otros compañeros, teniendo que volver al lugar donde empezó de becaria y, presumiblemente, comprendió que la moda no es algo ni mucho menos frívolo. 

El diablo viste a la moda es una de tantas secuelas nostálgicas en las que el holgado paso del tiempo garantiza que, más que de continuidad argumental, hablemos de una actualización de los esquemas narrativos originales. La ostensible decadencia de la prensa escrita (o la prensa en general, sometida a la dictadura del algoritmo) solo sirve en esta secuela para volver a colocar a Andy en la casilla de salida, sin propiciar apuntes o reflexiones sobre la actualidad a partir de ahí. Andy tiene que hacerse respetar de nuevo frente a Miranda —quien no por necesitarla más ahora que en los 2000 va a tratarla algo mejor—, mientras por el camino teje otra inestable alianza con el simpático personaje de Emily Blunt, llamado asimismo Emily. 

También está Stanley Tucci (Nigel), como presencia segura en la que apoyarse. Y otro noviazgo que la inmersión de Andy en su trabajo podría llegar a entorpecer —las escenas que comparte con el novio en cuestión, Patrick Brammall, son sin duda las más incómodas y lamentables de esta secuela—, reafirmándose en la jugada de que todo tenga que ser familiar y favorecer los guiños nostálgicos. Lo de siempre, vaya. Ya hemos perdido la cuenta de todas las jugadas de este tipo que ha encadenado Hollywood en los últimos años, así que todo es estrictamente previsible manteniendo reparto, director (David Frankel) y guionista (Aline Brosh McKenna). 

Este mantenimiento de todas las fuerzas creativas —con excepción de Weisberger, que en 2013 escribió una secuela titulada Revenge Wears Prada (La venganza viste de Prada) a la que no se le ha hecho mucho caso— conduce, sin embargo, a horizontes jugosos, gracias a las particularidades del título original. Porque, si este ya era militantemente superficial —si no tenía nada que decir de tan satisfecho como estaba oficiando de banner para la industria de la moda—, no queda otra que el vacío se exacerbe en El diablo viste a la moda 2. Que sea aún más grotesco, a extremos dolorosamente reveladores.

Como Hollywood vive el momento que vive, El diablo viste a la moda 2 tiene unas formas mucho más vulgares que el filme original —en su día una medianía, sí, pero una medianía muy bien empaquetada—, incapaces de que las miserias de la propuesta se camuflen con el brillo de la moda. Con una fotografía tan inexpresiva y una planificación tan tosca, El diablo viste a la moda 2 no saca ningún rédito del paisaje que registra. No se contagia de su lujo, sino que lo vulgariza y todo da una sensación de cutrez extrema —por mucho que cuente con cameo y actuación de Lady Gaga—, finalmente en sintonía con la percepción actual del periodismo especializado. Tan mierdificado (por utilizar la expresión de Cory Doctorow) como las plataformas de las que depende. 

Por mucho que El diablo viste a la moda 2 se niegue a profundizar en los cambios que ha atravesado el mundo editorial durante los últimos 20 años —una mención a la IA por aquí, otra mención a la retirada del papel por allá, mientras sorprendentemente no hay ni rastro de influencers—, al final la atmósfera que conjura es tan decadente como para poder mostrar un reflejo apropiado. Y esto es algo que contra todo pronóstico acaba reforzando el guion: al carecer de un solo chiste memorable mientras mantiene el desdén por considerar a la moda una cultura —quedándose más cerca de la simulación endogámica— que ya deducíamos del filme original, El diablo viste a la moda 2 puede subrayar sus verdaderos condicionantes ideológicos.

Buena parte del argumento de la secuela acaba girando en torno a quién tiene el control de Runway. Quién dirigirá la revista en un contexto tan delicado para el periodismo de moda. Y es ilustrativo cómo se traza este conflicto: gente aliándose con uno u otro millonario, lanzando ofertas estilo Succession, proclamando que solo bajo su mano Runway seguirá siendo una publicación genuina y a la vanguardia de la moda. El argumentario no va más allá de ahí y la única diferencia sustancial entre los postores depende de quién nos caiga mejor. Quien sea más girlboss, o algo así.

La gracia está en que, a la hora de enumerar los motivos por los que Runway estaría mejor en unas manos u otras, nadie sabe expresar a quién beneficiaría más allá de su bolsillo. Nadie habla de los lectores, nadie habla de las vidas que podrían cambiar puesto que la moda es tan importante, puesto que supuestamente moldea la sensibilidad estética de las sociedades. Solo importa quién tiene el dinero para que la industria siga funcionando, a espaldas de la gente, firmando cheques y encadenando sinergias. A El diablo viste a moda 2, siendo una secuela tan chapucera, al menos hay que concederle algo: nos ha aclarado por fin de qué iba realmente la primera película.

Las primeras imágenes del rodaje de El diablo viste a la moda 2 dieron la vuelta por redes sociales e internet con Anne Hathaway como protagonista de una película secuela que se confirmó el pasado 30 de junio por parte de 20th Century Studios, que tiene previsto el estreno del biopic de Bruce Springsteen para el próximo otoño en los cines.

Así, se espera que para 2026 vuelva a los cines El diablo viste a la moda con el regreso de gran parte de su elenco justo el año en el que se cumplen dos décadas del estreno de la película con Meryl Streep y Anne Hathaway que obedece así a una tendencia actual que revive sagas, estrenos pasados y firma remakes.

‘El diablo viste a la moda 2’

La historia de la primera película está basada en un best seller de Lauren Weisberger, publicado en 2003, y que llevó a la pantalla el director David Frankel. En este caso el guion de la secuela será totalmente original y contará con gran parte del reparto que valió dos nominaciones a los premios Oscar a mejor actriz de Meryl Streep y a mejor vestuario.

Una Meryl Streep que regresará como Miranda Priestley junto a Anne Hathaway, Emily Blunt y Stanley Tucci, a quienes se unirán Kenneth Branagh, Simone Ashley, Lucy Liu, Pauline Chalamet, B.J Novak o Justin Theroux, y cuya sinopsis girará en torno a la adaptación de la revista Runway a la pérdida de influencia y anunciantes que deberá buscar inversión de un grupo de marcas de lujo. Estreno previsto para el 1 de mayo de 2026 según Variety.

‘Hechizo de amor 2’

Pero las imágenes de ‘El diablo viste a la moda 2’ no son las únicas que quemaron las redes, sino que también lo hizo un video con Nicole Kidman y Sandra Bullock en el rodaje de 'Hechizo de amor 2', con lo que se confirma la secuela de la película de 1998 en la que dieron vida a las hermanas Owen, en esta ocasión dirigida por Susanne Bier en vez de Griffin Dunne.

La secuela fue confirmada por Warner Bros en junio de 2024, pero no se había hablado más, con lo que habían surgido rumores de que estaba en peligro, pero su estreno parece que se dará el 18 de septiembre de 2026, cuando regresarán las hermanas Sally y Gillian Owen, y también Stockard Channing, Dianne Wiest, junto a nuevo reparto como Lee Pace, Joey King, Maisie Williams, Xolo Maridueña y Solly McLeod, mientras no estará Evan Rachel Wood.

‘Un viernes de locos 2’

Antes de estas dos hay otra secuela que hará su entrada en las salas de cine, siendo uno de los estrenos más esperados de este 2025, cuando se dará el regreso de ‘Un viernes de locos’ (Freaky Friday) con su secuela que se espera este 8 de agosto de 2025 con ‘Un viernes de locos 2’ (Freakier Friday).

‘Un viernes de locos’ fue una comedia dirigida por Mark Waters, protagonizada por Lindsey Lohan y Jamie Lee Curtis que en su día ya fue un remake de una película de 1976 con Jodie Foster y Barbara Harris, y de 1995 con Gaby Hoffman y Shelley Long, todas ellas a su vez basadas en un libro de 1972.

‘Constantine 2’ y ‘Soy Leyenda 2’

Si los tres éxitos milenial que comentamos ya tienen secuelas listas o en rodaje, hay dos que también lo fueron y cuyas segundas partes no están tan claras. Es el caso de 'Constantine 2', que a pesar de no haber sido un taquillazo en 2005 se convirtió en una película de culto, un regreso estaría impulsado por parte de su protagonista Keanu Reeves, pero James Gunn, al frente de DC Studios, no tendría tan claro darle luz verde.

Por su parte, respecto de ‘Soy leyenda’ en su día se confirmó la puesta en marcha de una secuela, pero tras la polémica de Will Smith en la gala de los premios Oscar 2022 se retrasó. Ahora estaría ya en proceso una segunda película que trabajaría con un final alternativo del primer largometraje para no seguir la trama y estar también más cerca de la novela original de Richard Matheson y con influencia de la serie ‘The Last of Us’. Junto a ellas hay otras sagas y películas que regresaran a los cines como ‘Legalmente rubia’, ‘El diario de la princesa’, ‘Shrek’ o ‘Toy Story’.

La sede de las Naciones Unidas en Nueva York amplificó este lunes las voces que las mujeres afganas no pueden usar en su país debido a las restricciones que sufren, en un evento paralelo de la Asamblea General en donde la actriz estadounidense Meryl Streep lamentó que en el país asiático hasta “una ardilla” goce de más derechos que una mujer.

Streep alertó de que la manera en que la “cultura” y la “sociedad” afganas se han trastocado debe servir como “advertencia para el resto del mundo”. “En los 70 [en Afganistán], la mayoría de los funcionarios eran mujeres; más de la mitad de los maestros, de los médicos eran mujeres, había mujeres juristas, abogadas, en todas las profesiones había mujeres. Y luego el mundo se vino abajo”, dijo la intérprete. 

“Hoy, en Kabul, una gata tiene más libertades que una mujer. Una gata puede sentarse en la calle y sentir el sol en la cara, puede perseguir a una ardilla en el parque”, prosiguió Streep. “A día de hoy, una ardilla tiene más derechos que una niña en Afganistán, porque los parques públicos se han cerrado para las mujeres y las niñas. Un pájaro puede cantar en Kabul, pero una niña no. Esto es insólito, es una supresión de la ley natural”, denunció la actriz ante la ONU. 

Las autoridades afganas, contra la voz de las mujeres

El pasado agosto, Afganistán aprobó una ley para la Propagación de la Virtud y la Prevención del Vicio que obliga al uso del velo para cubrir el rostro y cuerpo de las mujeres, para evitar “causar tentación” y condenó el sonido en público de la voz femenina, incluyendo cantar, recitar, o hablar frente a micrófonos, como una falta contra la modestia, aplicando la interpretación más rigurosa de la ley islámica.

“La nueva ley promulgada el mes pasado formaliza la eliminación sistemática de las mujeres y las niñas de la vida pública. Las mujeres y las niñas afganas están confinadas en gran medida en sus hogares, sin libertad de movimiento y casi sin acceso a la educación o al trabajo. Incluso se les prohíbe cantar o alzar la voz en público”, advirtió el secretario general de la ONU, António Guterres.

Fue en un evento paralelo llamado 'La inclusión de las mujeres en el futuro de Afganistán' donde Streep tomó la palabra para denunciar la situación de las mujeres en el país. “En 1971 me gradué en la universidad aquí en Nueva York, y ese año, las mujeres en Suiza obtuvieron el derecho al voto. Las mujeres en Afganistán, por supuesto, habían disfrutado de ese derecho durante medio siglo”, señaló la actriz.

La ceremonia de apertura del Festival de Cannes arrancó el pasado martes con una ovación en pie para recibir a la actriz estadounidense Meryl Streep. Y con unas cuantas lágrimas tanto de ella como de la intérprete francesa Juliette Binoche, encargada de entregarle la Palma de Oro de Honor.

“Cambiaste nuestra forma de ver a las mujeres en el mundo del cine y nos diste una nueva imagen de nosotras mismas”, dijo Binoche intentando contener las lágrimas mientras leía su discurso ante Streep. La intérprete francesa destacó en su discurso tanto el humor de Meryl Streep como su capacidad para, pese a su gran talento, no tomarse demasiado en serio a sí misma.

A sus 74 años, la actriz ya cuenta con tres premios Oscar y otras 21 nominaciones, además de un premio a la mejor intérprete en el festival francés hace 35 años, por su trabajo en 'Evil Angels' (Un grito en la oscuridad', 1988).

“Este premio es único en el mundo del cine y estoy muy honrada de recibirlo”, expresó la actriz estadounidense desde el escenario del Gran Teatro Lumière. Streep recordó en su discurso que cuando ganó en Cannes tenía ya tres hijos y se acercaba a los 40 años, con lo que pensaba -admitió- que su carrera se acercaba a su final. “No era una expectativa poco realista en la época, era una previsión razonable”, añadió.

Con una carrera que incluye títulos emblemáticos de la historia del cine como 'Out of Africa' ('Memorias de África'), 'The Bridges of Madison County' ('Los puentes de Madison') y 'Sophie's Choice' ('La decisión de Sophie'), o incluso 'The Devil Wears Prada' ('El diablo viste de Prada') y 'Mamma mia!' en su vertiente más cómica, Streep desafió todos los presagios.

“Estoy muy agradecida de que no se hayan hartado de mi cara”, bromeó la actriz nacida en 1949 en Basking Ridge (New Jersey, Estados Unidos), arrancando carcajadas a todo el auditorio vestido de gala.

Gaza, Ucrania e Irán, la figura de Trump y el #MeToo, el Brasil de Lula y la Argentina de Milei, huelgas y manifestaciones... Podría ser el sumario para definir la tapa de cualquier diario de referencia mundial, pero fue el temario que este lunes 13 abordó en sus respuestas Thierry Frémaux, delegado artístico del Festival de Cannes, durante la tradicional conferencia de prensa que se organiza el día previo al inicio de cada edición (mañana comienza la número 77 con la proyección de “Le Deuxième Acte”, comedia de Quentin Dupieux con Léa Seydoux, Vincent Lindon, Louis Garrel y Raphaël Quenard).

Es que el principal festival del mundo se alimenta cada año de la mixtura, la convivencia, la combinación (y a veces de una caótica acumulación) de eventos y celebraciones, de estrellas en la alfombra roja (durante la apertura habrá un tributo a Meryl Streep), pero también de las polémicas que lo tienen como catalizador y amplificador.

La fórmula, el cóctel, la cosecha 2024 incluirá regresos de grandes autores (Francis Ford Coppola, por ejemplo, estrenará en Competencia Oficial “Megalópolis”, la épica futurista de 120 millones de dólares que él financió de su bolsillo vendiendo parte de sus viñedos y que aún no tiene distribución asegurada en los Estados Unidos) y producciones de Hollywood (la precuela “Furiosa: de la saga de Mad Max”; y “Horizon”, primera entrega de los westerns sobre la historia de los Estados Unidos dirigidos y protagonizados por Kevin Costner), pero también un documental de Oliver Stone sobre Lula; “The Invasion”, film de no ficción de Sergei Loznitsa sobre la invasión rusa a Ucrania; una historia de travestis y transexuales ambientada entre Gaza y Tel Aviv (“La belle de Gaza”, de Yolande Zauberman); y “The Apprentice”, film del iraní Ali Abassi sobre el ascenso de un joven Donald Trump (Sebastian Stan) junto a Ivana (Maria Bakalova) y su mentor Roy Cohn (Jeremy Strong).

Aunque en muchas de sus respuestas –como todo buen diplomático– Frémaux evitó dar definiciones tajantes e incómodas para algunos, Cannes no deja pasar ninguna oportunidad de sumarse o darle visibilidad a distintos movimientos. Así como en 2019 programó “Que sea ley”, documental de Juan Solanas, e invitó a varias referentas de la denominada Marea Verde en medio de la discusión parlamentaria por el aborto legal en la Argentina, este año sumó a último momento “Moi aussi” (Me Too), cortometraje en el que la directora, guionista, actriz y activista Judith Godrèche denuncia los abusos en la industria audiovisual francesa que alguna vez tuvo en el foco de la tormenta a cineastas como Benoît Jacquot, Jacques Doillon, Philippe Garrel y ahora llega hasta al actual director del CNC (el equivalente local del INCAA), Dominique Boutonnat, quien está por enfrentar un juicio en tribunales pero se niega a renunciar.

Mientras en los alrededores se preparan manifestaciones del #MeToo o contra Israel y persisten amenazas concretas de huelgas por parte de los trabajadores del festival con contratos eventuales (incluidos varios proyectoristas) que –con el apoyo de centrales sindicales como la UGT– reclaman mejoras en sus condiciones de trabajo, la ciudad comenzó este lunes a vivir esa dinámica tan particular con miles de personas arrastrando las rueditas de sus valijas rumbo a todo tipo de hoteles y departamentos que albergarán durante las próximas dos semanas a los más de 35.000 acreditados provenientes de 160 países que tienen tanto el festival como el Marché du Film (el mercado más grande del mundo que se desarrolla de forma simultánea y en el que se compran y se venden más de 4.000 títulos). Una maratón de proyecciones en el Palais des Festivals y varias otras salas de la ciudad, de fiestas en hoteles de lujo como el Martinez o el Carlton, en playas privadas o a bordo de yates en noches interminables donde impera la ostentación aun en tiempos de crisis.

Mientras se espera un Marché con muy buenos negocios (una recuperación ya casi total luego de la pandemia), Argentina está también en el centro de la escena, pero por razones opuestas: cruzarse con algún colega europeo significa ya no solo recibir un saludo sino una suerte de pésame. Nadie entiende cómo un gobierno puede destruir en tan poco tiempo una industria como la audiovisual que, con una inversión pública mínima, es desde hace décadas referencia a nivel mundial. Así lo expresó el propio Frémaux durante la conferencia de prensa al celebrar el regreso del cine brasileño a los primeros planos gracias a la vuelta de Lula al gobierno en lugar de Bolsonaro y lamentar como contrapartida los brutales recortes en la Argentina, donde el INCAA hoy está cerrado y el sector, prácticamente paralizado desde hace medio año.

De todas formas, el cine nacional se las ingenió para colar varios títulos muy valiosos en esta edición tanto en la selección oficial como en las muestras paralelas: “Transmitzvah”, de Daniel Burman; “Algo viejo, algo nuevo, algo prestado”, de Hernán Rosselli; “Los domingos mueren más personas”, de ­Iair Said; “Simón de la montaña”, de Federico Luis; “Gloomy Eyes”, de Fernando Maldonado y Jorge Tereso; el corto “Nuestra sombra”, de Agustina Sánchez Gavier; y el clásico restaurado “Rosaura a las diez”, de Mario Soffici, darán muestra de una vitalidad, diversidad y continuidad que hoy está en muy serio riesgo (la presencia en 2025 podría ser nula).

Frémaux también abordó durante su encuentro con la prensa el buen presente de la producción china (se aguarda con muchas expectativas el estreno mundial de “Caught by the Tides”, film del notable realizador Jia Zhangke que retrata desde una óptica feminista los profundos cambios de esa sociedad durante las últimas dos décadas) y la situación del director iraní Mohammad Rasoulof, quien acaba de huir de su país rumbo a un paradero desconocido en Europa luego de ser condenado a ocho años de prisión, azotes, multa y confiscación de bienes por filmar “The Seed of the Sacred Fig”, largometraje que se presentará también aquí en la lucha por la codiciada y consagratoria Palma de Oro.

Pero, claro, no todo es controversia en el festival más importante del planeta. A último momento Frémaux anunció que Cannes se sumará a la celebración de París como inminente sede de los Juegos Olímpicos con la proyección de “Olympiques! La France des Jeux”, documental deportivo (durante la función arribará la llama olímpica) que se suma a otro ya programado como “Nasty”, sobre el brillante tenista rumano Ilie Nastase. También habrá tres largometrajes locales de animación como “La Plus Précieuse des marchandises”, de Michel Hazanavicius; “Sauvages”, de Claude Barras; y “Angelo, dans la forêt mystérieuse”, de Vincent Paronnaud y Alexis Ducord; mientras que los nuevos films de Paolo Sorrentino, Paul Schrader, Jacques Audiard, Sean Baker, David Cronenberg, Miguel Gomes, Yorgos Lanthimos, Andrea Arnold y Arnaud Desplechin tratarán de convertirse en lo que “Anatomía de una caída”, “La zona de interés”, “Los asesinos de la luna” y “Días perfectos” fueron a nivel de crítica, público y premios luego de su estreno en Cannes 2023. Porque, se sabe, no hay mejor (o peor) plataforma de lanzamiento para un film de autor que este festival enclavado en una paradisíaca zona de la Costa Azul. Cannes –el único que no negocia condiciones con Netflix pero acaba de sumar una competencia inmersiva para incorporar todo lo relacionado con la realidad virtual, la inteligencia artificial y las nuevas tendencias estéticas y tecnológicas– puede exaltar, consagrar, reciclar o hundir la carrera de un artista. Más allá de esas tentaciones, promesas y riesgos, nadie quiere perderse la cita. La repercusión a escala global propia de este auténtico mundial del cine.

DB/MG

La actriz estadounidense Meryl Streep será la gran invitada de la ceremonia de apertura de la edición número 77 del Festival de Cannes, que se celebrará del 14 al 25 de mayo, y recibirá una Palma de Oro de Honor, indicó este jueves la organización en un comunicado.

“Treinta y cinco años después de ganar el premio a la mejor actriz por 'Un grito en la oscuridad' (1988), su única aparición en el Festival de Cannes hasta la fecha, hará su esperado regreso a la Croisette”, celebró el certamen francés en el mensaje.

Streep se declaró “extremadamente honrada” de recibir la Palma de Honor, un homenaje que en esta edición también se concederá al realizador George Lucas y al Estudio Ghibli.

“Para la comunidad internacional de artistas ganar un premio en Cannes siempre representó la máxima distinción en el arte cinematográfico. Estar a la sombra de los que ya ganaron es a la vez humilde y emocionante. Estoy impaciente por ir a Francia este mayo para dar las gracias a todos en persona”, dijo Streep, según el comunicado.

La protagonista de títulos como 'Memorias de África', 'Los puentes de Madison' o 'La decisión de Sophie' fue elegida por su presencia en “innumerables obras maestras” a lo largo de cinco décadas de cine, en palabras de Iris Knobloch y Thierry Frémaux, la presidenta y el director artístico del Festival, y por formar parte “del imaginario colectivo”.

Con tres premios Oscar y una cifra récord de 21 nominaciones, Streep “utiliza su intuición y su trabajo duro para reinventarse con cada aparición” en pantalla, destacó también el Festival al hacer un repaso de su extenso currículum, que incluye igualmente películas como '¡Mamma Mia!', 'Kramer contra Kramer' o 'El diablo viste de Prada'.

Además, “a lo largo de toda su carrera”, Meryl Streep “no temió denunciar públicamente la precariedad de las mujeres en la industria del cine” y fue consciente de los desafíos que rodean a la “representación de las mujeres en el cine”, añadieron las fuentes.

Es por eso que ella encarnó, “deseosa” de retratar a las mujeres en “toda su complejidad y fragilidad”, papeles en todo tipo de registros y géneros cinematográficos, desde el drama al musical o la comedia.

Recientemente lo hizo en la vertiente más familiar y de época en la adaptación de 'Mujercitas' (2019) dirigida por Greta Gerwig, quien será precisamente la presidenta del jurado de la competición oficial de Cannes, donde este año se medirán figuras como Francis Ford Coppola, Yórgos Lánthimos, Paolo Sorrentino o David Cronenberg.

“Dos mujeres, dos generaciones, dos exigencias y una misma pasión por el Séptimo Arte reunidas en el escenario del Gran Teatro Lumière”, indicó el Festival en referencia a la gran gala de apertura del 14 de mayo, en la que también se estrenará la película 'Le deuxième acte' ('El segundo acto'), del director francés Quentin Dupieux.

Con información de la agencia EFE

Visiblemente emocionada y con una tímida carcajada nerviosa empezaba Meryl Streep su discurso este viernes en el Teatro Campoamor, inmediatamente después de haber recibido el galardón como Premio Princesa de Asturias de las Artes. “Una parte de mí sospecha que como he presentado a personas extraordinarias me toman por una de ellas”, decía en el arranque de su discurso.

Con un público entregado a su magia de estrella hoolywoodiense y su hermano grabando toda su 'actuación' en las tablas del teatro ovetense, la actriz ha hablado de su experiencia cinematográfica donde afirma que la han criticado por alejarse en sus papeles de su propia “experiencia vivida”, por alejarse de su “verdad e identidad”. Pero recuperando una frase de Penélope Cruz: “¡No puedes vivir tu vida mirándote a ti mismo desde el punto de vista de otra persona!”, a la que ha asegurado que no sabe imitar en su acento, la actriz reivindicó la empatía.

“La empatía es el corazón palpitante del don del actor. Es la corriente que nos conecta, a mí y a mi propio pulso, con el de un personaje de ficción. Puedo hacer que su corazón se acelere, o calmarlo, según lo requiere una escena”, ha relatado, para “llevar esa corriente” hacia el espectador que está en su butaca. “Todos sentimos que nos está pasando al mismo tiempo”, afirmó Streep, resumiendo así la magia del cine.

“Siempre me he sentido impulsada a comprender ese otro instinto, contraintuitivo que nos lleva a interesarnos por los extraños, esa capacidad de seguir la historia de personas ajenas a nuestra tribu, es mi trabajo”, resumió. Mencionando también a Pablo Picasso, la actriz repitió una frase del pintor: “limitar a los demás es necesario, limitarse a uno mismo es patético”.

También ha recordado a Federico García Lorca que, dos meses antes de “su propio asesinato” finalizaba 'La casa de Bernarda Alba', obra para la que la actriz ha revelado que diseñó en la universidad el vestuario para una producción. Streep ha elogiado cómo el poeta granadino fue capaz de mirar “desde tan alto” con “tanta distancia los acontecimientos que tanto lo amenazaban”. “Que pudiera expresar una sabiduría que no lo salvaría pero que sería una advertencia de futuro es un regalo para nosotros”, ha dicho la estrella de Hoolywood.

Echando una mirada al panorama internacional, al escenario bélico que se vive tanto por el conflicto entre Israel y Palestina, como el de Rusia y Ucrania, Meryl Streep ha repetido que la empatía “puede ser una forma radical de acercamiento y diplomacia” y que espera que la regla que se enseña a todos los actores se haga general al resto, “lo importante es escuchar”. “Gracias por escuchar”, ha dicho para despedirse.

Anteponer los pacientes al lucro

Además de Meryl Streep, antes de la entrega de los galardones, han tomado la palabra otros dos premiados. El director ejecutivo de Iniciativa Medicamentos para Enfermedades Desatendidas (DNDi en sus siglas en inglés), Luis Pizarro, se ha mostrado convencido de que “un modelo de investigación y desarrollo sin fines de lucro, basado en las necesidades de los pacientes, es posible”.

“En 2023, gracias a los avances de la ciencia, al trabajo de nuestros equipos y socios y a la atención que nos dan con este premio, podemos, todos juntos, acabar con las enfermedades desatendidas”, ha afirmado Pizarro en el Teatro Campoamor de Oviedo.

Su organización ha sido galardonada con el Premio Princesa de Asturias de Cooperación Internacional 2023 por haber desarrollado en sus veinte años de historia numerosos medicamentos “eficaces, accesibles y asequibles” para dolencias que causan “graves estigmas sociales y millones de muertes al año”.

En presencia de los reyes, de la princesa Leonor y de la infanta Sofía, Pizarro ha recordado que una de cada cinco personas, es decir, unos 1.600 millones de seres humanos, sufren alguna de esas enfermedades “que cada día matan, desfiguran y arruinan, no sólo a los enfermos, sino también a sus comunidades y seres queridos”. Y que lo sufren “porque nacieron en el lugar equivocado”, porque son “demasiado pobres para constituir un mercado lucrativo” y porque no cuentan con una voz que se oiga.

Tras reconocer que en un mundo ideal su organización no debería haber sido galardonada porque significaría que ningún paciente sería ignorado y que DNDi no tendría razón de ser, Pizarro ha incidido en que sigue habiendo millones de enfermos “desatendidos, olvidados e invisibles” que no tienen cura, porque “son demasiado pobres para que sus enfermedades interesen en este lado del mundo”.

Correr como un poder para la unión

Antes de Pizarro, el primer premiado en tomar la palabra en el Teatro Campoamor fue el galardonado con el Premio Princesa de los Deportes.  El atleta keniano Eliud Kipchoge ha asegurado este viernes que correr “no es solo un movimiento físico”, es un “vehículo que tiene el poder de unirnos” y donde no importan los orígenes ni “el color de tu piel”.

Kipchoge ha afirmado que correr “une a personas de todos los ámbitos de la vida” y es un “testimonio de que todos somos uno”. “Siempre digo que debemos hacer de nuestro mundo un mundo que corre. Porque un mundo que corre es un mundo feliz. Y un mundo feliz es un mundo en paz”, ha dicho el apodado como el Filósofo por su destreza estratégica en las carreras y su capacidad de concentración.

El maratoniano ha destacado que existe un fuerte paralelismo entre correr y la vida cotidiana, donde para “ser felices” las personas deben centrarse en su salud mental y superar los “desafíos antes de alcanzar la proverbial línea de meta”.

“Alguien que termina un maratón, es capaz de lograr cualquier cosa en la vida”, ha confesado el keniano, quien ha explicado que no se puede apresurar el éxito, dado que exige “mucha disciplina”, un “duro trabajo” y contar con “un equipo fuerte alrededor”.

El atleta ha revindicado la importancia de cuidar el medio ambiente y de fomentar la educación, una misión en la que está centrada la Fundación Eliud Kipchoge. “La educación concierne al mundo entero y me gustaría ir más allá. Los invito a unirse a nuestra misión y a ayudar a llevar el conocimiento adecuado sobre estos temas a nuestros jóvenes en Kenia y en todo el mundo”, ha señalado esta leyenda del atletismo mundial .

Hollywood se paraliza. Los 160.000 actores representados por su sindicato (SAG-AFTRA) confirmaron que irán a una huelga que se suma a la que mantienen los guionistas desde el pasado 2 de mayo. Lo anunciaron en una rueda de prensa donde confirmaron lo que todo el mundo daba por hecho. Si ya muchas películas, series y, sobre todo programas diarios, sufrieron cancelaciones por el paro de sus escritores, la decisión de los intérpretes suma más presión para una industria que depende de sus estrellas. Desde su entrada en vigor con este anuncio no podrán actuar, ni tampoco promocionar las películas. La unión de ambas huelgas es un suceso que no ocurría desde hace más de 60 años. Sus efectos se vieron de forma inmediata. Christopher Nolan salió solo al escenario del cine de Londres donde se realizaba la premiere de Oppenheimer y anunció que los actores no salían debido al inicio de la huelga.

La huelga era un rumor a gritos desde hacía horas, ya que las negociaciones con la Alliance of Motion Picture and Television Producers (AMPTA), la asociación que representa a más de 350 productoras de cine y televisión -las más poderosas-, habían fracasado y se había recomendado a la junta directiva del sindicato anunciar la huelga. “Ante la intransigencia y las tácticas dilatorias de la AMPTP, el comité negociador de SAG-AFTRA votó por unanimidad para recomendar a su Junta Nacional una huelga”, anunciaron en un comunicado. 

En la rueda de prensa, el sindicato afirmó que se encuentran tristes y que “no hay otra opción”. “Somos las víctimas aquí. Los actores merecen un contrato que refleje los cambios de esta industria”, aseguraron y confirmado que los actores dejarán sus trabajos hasta que se encuentre un acuerdo. “Por desgracia no nos han dejado alternativa. Estamos decepcionados con la falta de solidaridad y colaboración. Creo que este sindicato tiene la unidad para luchar por el futuro de sus carreras”.  

En dichas negociaciones participó de forma activa un mediador federal por parte del estado de California, ya que el cine y los rodajes es una parte muy importante de su industria que se verá afectada por la huelga. De hecho, el propio estado aporta en incentivos fiscales más de 300 millones de dólares al año para las producciones que se rueden allí. El miedo al paro ya había paralizado rodajes como el de The Island, la película de Pawel Pawlikowski con Rooney Mara y Joaquin Phoenix que debería rodarse en varios escenarios de Canarias; así como varios proyectos de Marvel como Blade o Thunderbolts o la segunda parte de Gladiator.

La presidenta del sindicato, Fran Drescher, famosa por su papel en la serie La niñera, aseguró tras las negociaciones que ellos actuaron “de buena fe” y estaban “ansiosos por llegar a un acuerdo que abordara las necesidades de los artistas, pero las respuestas de la AMPTP a las propuestas más importantes del sindicato fueron insultantes y una falta de respeto” hacia las contribuciones de los intérpretes a la industria. “Las empresas se negaron a participar de manera significativa en algunos temas y en otros nos bloquearon por completo. Hasta que no negocien de buena fe, no podemos empezar a llegar a un acuerdo. No tenemos más remedio que seguir adelante”, apuntó Drescher que en la rueda de prensa dijo que los CEO de las empresas y mucha gente de la industria debería avergonzarse por lo que pasó. La actriz aseguró sentirse engañada ante la prórroga de 12 días en la negociación que cree que solo fue una treta de las productoras para poder promocionar sus películas importantes en la campaña de verano.

Duncan Crabtree-Ireland, director de la ejecutiva nacional y al frente de las negociaciones dejó claro que “los estudios y las plataformas implantaron cambios unilaterales masivos en el modelo comercial de nuestra industria, mientras que al mismo tiempo insisten en mantener nuestros contratos congelados”. “No es así como tratas a un socio valioso y respetado y a un colaborador esencial. Su negativa a comprometerse de manera significativa con nuestras propuestas y la falta de respeto fundamental mostrada a nuestros miembros es lo que nos ha llevado a este punto. Subestimaron la determinación de nuestros miembros, como están a punto de descubrir”, declaró en las horas previas al anuncio.

Las exigencias de los actores

Igual que los guionistas, los actores exigen que sus contratos se revisen debido al cambio completo de paradigma que produjo por la llegada de las plataformas y las nuevas tecnologías. Las películas ya no se explotan comercialmente de la misma forma, y por ello deben revisar lo que se conoce como ‘residuals’, el dinero que reciben por derechos tras la explotación en salas de una obra y que hasta ahora era fácilmente calculable (se debía a las ventas de DVD y pases en televisión) y que con las plataformas ha cambiado radicalmente. En ese sentido los actores pedían, al menos, un bonus si las series en las que participaban se encontraban entre las más vistas de cada plataforma. El ocultismo con los datos de dichas empresas dificulta este punto, y son ellas las que se han negado en rotundo a esta medida.

Aunque la cara visible de esta huelga hayan sido estrellas como Meryl Streep o Pedro Pascal, las exigencias por los ‘residuals’ se produce para beneficiar a aquellos que no están en la cúspide del star system hollywoodiense. “Tienes que hacer 26.000 dólares al año para poder tener un seguro de salud, y hay muchas personas que cruzan ese umbral gracias a los pagos de los ‘residuals’. Se está ganando dinero y debe distribuirse de una manera que cuide a las personas que están en los márgenes”, dijo Matt Damon desde el photocall de Oppenheimer, cuyas entrevistas se realizaron estos días en Londres.

Estábamos ansiosos por llegar a un acuerdo, pero las respuestas a las propuestas más importantes del sindicato han sido insultantes y una falta de respeto

Fran Drescher — Presidenta del sindicato de actores y actrices

Las plataformas son las que se encuentran en el centro de los ataques. Los actores y actrices las acusan de haber impuesto el beneficio ante cualquier otro criterio, lo que les llevó a recortar costes y salarios. Es por ello que piden que en esta negociación se incluya un salario mínimo y subidas acordes a la inflación. Además, también señalan a una práctica que se instauró durante la pandemia y que se ha quedado, la grabación por parte de ellos mismos de sus castings. Aseguran que ese coste debe ser pagado por las productoras y no por ellos. El sindicato de actores subrayó que no se trata de “una lucha de actores contra los estudios, sino de trabajadores de todos los oficios y departamentos de la industria para evitar que las megacorporaciones erosionen las condiciones por las que se han luchado durante décadas”.

La controvertida Inteligencia Artificial también ha sido uno de los puntos de las negociaciones igual que ocurrió con los guionistas. Los actores temen que la AI pueda sustituir su trabajo o crear dobles de sus cuerpos, por lo que quieren que se regule su uso y el pago que recibirían en caso de que su trabajo se viera afectado en una película al usarla. Demasiados frentes abiertos en los que no se ha llegado a un acuerdo que si no llega pronto producirá un parón enorme en la industria.

Consecuencias económicas

Las consecuencias económicas pueden ser enormes para el estado de California y, más concretamente, para Los Ángeles, centro neurálgico de la industria del cine. Aunque los analistas no se atrevan a ofrecer cifras debido a la unión de ambos paros (guionistas y actores), sí que han cuantificado en que la actual huelga de los escritores está provocando pérdidas de 30 millones de dólares al día. Actualmente se llevan más de 70 días de huelga, por lo que la cantidad ya supera los 2.100 millones de dólares a lo que habrá que empezar a sumar lo que provoquen estos nuevos paros.

Los primeros eventos que sufran las consecuencias de la huelga de actores serán aquellos donde iban a acudir a promocionar sus producciones. Esto afectará de forma directa a la Comic-Con de San Diego, que comienza el 19 de julio y que atrae cada año a más de 135.000 asistentes. Este año los guionistas no iban a formar parte de los paneles donde las majors presentan sus grandes apuestas, y muchas de ellas incluso habían declinado la invitación de participar ya que no tenían grandes proyectos en el horizonte debido a dicha huelga. La ausencia de actores lo complica todavía más y, según Deadline, muchos estudios se encuentran esperando a ver qué deciden hacer y cómo promocionarán sus títulos. 

También estarán muy pendientes de la futura solución al conflicto los festivales cinematográficos de otoño, especialmente el de Venecia, que normalmente actúa de alfombra roja de Hollywood y da el pistoletazo de salida para los Oscar. Si la huelga continúa habrá que ver cómo solucionan la ausencia de estrellas para promocionar sus filmes. De hecho, la inauguración, Challengers, tiene a Zendaya como máxima figura. Conscientes o no de ello, el certamen anunció su jurado en el que no hay ningún actor ni actriz de EEUU. 

Al ya anunciado presidente Damien Chazelle se han unido los directores Jane Campion, Martin McDonagh, Mia Hansen-Love, Santiago Mitre y la ganadora del León de Oro del año pasado Laura Poitras. Completan el actor palestino Saleh Bakri y la actriz china Shu Qi. Ninguno de ellos puede verse afectado por la huelga. Si la situación se alargara hasta entonces todos los ojos estarán puestos en la ceremonia de los Emmy, que acaban de anunciar sus nominaciones y debería celebrarse el próximo 18 de septiembre, pero que podría trasladarse a finales de año si no se llega a un acuerdo durante el mes de agosto.

La actriz estadounidense Meryl Streep, la intérprete más veces nominada a los Oscar y a los Globo de Oro de la historia, fue distinguida este miércoles con el Premio Princesa de Asturias de las Artes 2023.

La emblemática y polifacética actriz, también reconocida por su papel activista de labores sociales, humanitarias, feministas y ecologistas, fue galardonada a lo largo de su extensa carrera con tres Premios Oscar por “Kramer contra Kramer” (1979), “La decisión de Sophie” (1982) y “La dama de hierro” (2011), y cuenta con nueve Globos de Oro, además de dos Bafta de la Academia Británica.

Considerada como la gran dama de Hollywood, Streep (1949, Basking Ridge, New Jersey) inició su carrera cinematográfica en los años setenta y ha representado en sus más de sesenta películas algunos de los personajes más recordados de la historia del séptimo arte.

EFE.

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