La compañía de juguetes Mattel lanzó este lunes la primera Barbie con autismo, creada con el asesoramiento de la comunidad del Trastorno del Espectro del Autismo (TEA) para reflejar algunas de las formas en que las personas con autismo pueden experimentar, procesar y comunicarse con el mundo que les rodea.

En una nota de prensa, la empresa informa que se asoció con la influencer Noemí Navarro, fundadora de la plataforma Madretea, madre de un niño con autismo y que se convirtió en abanderada en la lucha por visibilizar y normalizar este trastorno a través de las redes, con quien grabó un video en el que cuenta su experiencia y captura su reacción al ver por primera vez la Barbie con autismo.

La muñeca cuenta con articulación en los codos y las muñecas para representar movimientos o comportamientos repetitivos, como el aleteo de manos y otros gestos que algunos miembros de la comunidad autista utilizan para procesar información sensorial o expresar emociones.

Está diseñada con la mirada ligeramente desviada hacia un lado con la intención de reflejar cómo algunas personas con TEA evitan el contacto visual directo e incluye unos auriculares con cancelación de ruido, una tableta que muestra aplicaciones de Comunicación Aumentativa y Alternativa (CAA) basadas en símbolos, y un “fidget spinner” rosa, un tipo de juguete que ayuda a reducir el estrés y mejora la concentración.

Esta Barbie viste con un vestido de rayas moradas, de corte en A y en silueta holgada con mangas cortas y una falda fluida para reducir el contacto de la tela con la piel, que completa con zapatos morados de suela plana para fomentar la estabilidad y la facilidad de movimiento.

La muñeca ha sido desarrollada en colaboración con la Red para la Autodeterminación Autista (ASAN -por sus siglas en inglés-), una organización sin ánimo de lucro dedicada a defender los derechos de las personas con discapacidad y dirigida por y para personas autistas.

Según informa Mattel, esta muñeca se incorpora a la colección Barbie Fashionistas, que cuenta con más de 175 estilos con distintos tonos de piel, colores de ojos, texturas de pelo, tipos de cuerpo, así como con diversas condiciones médicas y discapacidades, como las Barbies que representan a personas sordas con diabetes tipo 1, síndrome de Down y ceguera.

Las características y accesorios de la Barbie con autismo

Cuerpo: la Barbie con Autismo cuenta con articulación en los codos y las muñecas, lo que permite representar movimientos o comportamientos repetitivos, como el el aleteo de manos y otros gestos que algunos miembros de la comunidad autista utilizan para procesar información sensorial o expresar emociones.

Mirada: la muñeca está diseñada con la mirada ligeramente desviada hacia un lado, reflejando cómo algunos miembros de la comunidad autista pueden evitar el contacto visual directo.

Accesorios: cada muñeca incluye un spinner antiestrés rosa de clip para el dedo, auriculares con cancelación de ruido y una tablet.

Spinner antiestrés: la muñeca sostiene un fidget spinner rosa completamente funcional, ofreciendo una salida sensorial que puede ayudar a reducir el estrés y mejorar la concentración.

Auriculares: sobre la cabeza de la muñeca descansan unos auriculares rosas con cancelación de ruido. Son un accesorio útil y moderno que ayuda a reducir la sobrecarga sensorial al bloquear el ruido de fondo.

Tablet: una tablet rosa que muestra en su pantalla aplicaciones de Comunicación Aumentativa y Alternativa (CAA) basadas en símbolos, las cuales sirven como herramienta para ayudar en la comunicación diaria.

Moda Sensorialmente Sensible: la muñeca viste un vestido de rayas moradas, de corte en A y en silueta holgada con mangas cortas y una falda fluida para reducir el contacto de la tela con la piel. El conjunto se completa con zapatos morados de suela plana para fomentar la estabilidad y la facilidad de movimiento.

EFE y agencias

A los 65, pero con aspecto de 20 (como siempre desde 1959), la muñeca más popular del mundo sigue firme en su sitial, reforzado desde 2023 por exitosísimo film Barbie, de Greta Gerwig. Ya con menos detractores, luego de irse acomodando la firma Mattel al aire de los cambiantes tiempos que, entre amigas, mascotas, un novio, casas y muebles, incontables etcéteras, impulsaron la incorporación en 1968 de la versión afronorteamericana (apareció hacia fines del movimiento por los derechos civiles) llamada Christie que –como la Barbie original– fue pasando por ciertas modificaciones de acuerdo a las modas y la evolución de las costumbres.

Actualmente, Netflix ofrece un documental que da cuenta de la importancia simbólica de la presencia de la muñeca negra, más allá de que muchas niñas afro del Norte y de otros lugares del planeta sigan prefiriendo la rubia y blanca. Es decir, la primera referencia de modelo de belleza en muñecas de esa edad que se instaló en el siglo XX. Como los caballeros de Anita Loos, aunque se fueran fabricando ediciones con rasgos de distintas etnias, la gran mayoría de las chicas la prefieren blondas. Sin diamantes como mejores amigos, pero con el torso tipo Brigitte Bardot, icono supremo de los años ’50. Ya en su primera piña literaria publicada a los 39, la novela Ojos azules, Toni Morrison se detenía amorosamente en una niña negra de once años, Pecola, y en su entorno, en el Ohio de los ‘40. La niña percibía que nunca nadie la había mirado, creía que la belleza era sinónimo de blancura y rezaba para tener un día ojos azules. Pensaba que, si sucedía ese milagro, todo mejoraría; que su madre y su padre no se pelearían, él dejaría de beber… En esta magnífica obra aparece el fuerte compromiso de toda su vida con la problemática y la cultura de los afroestadounidenses, se reconoce ese estilo sincopado asociado al jazz y hasta un punto heredero de Faulkner que caracterizarían a la autora de Beloved.

Cuando se abra el 4 de julio de 2076 la cápsula hermética que se cerró en 1976 (bicentenario de los Estados Unidos) con objetos de la época, allí estará ella, la rubia esbelta de 29 centímetros, pechos turgentes, cintura avispada y largas piernas cuya historia –de cómo la empresaria Ruth Mattel lanzó una muñeca que contravenía la idea de que ese tipo de juguetes debía de tener apariencia infantil– ha sido harto difundida. En el primer año, se vendieron 350 mil ejemplares. Con las décadas, el imperio barbiano fue tomando territorios occidentales y hasta se coló en algunos orientales. Ya en 2003, alguien calculó que los cientos de millones de barbies en danza tomadas de la mano podían darle siete vueltas al globo terráqueo (con algunas no blancas intercaladas cada tanto, quizás algún Ken de polizón).

La mujercita de plástico, entonces, se bancó algunos leves pero constantes toques en el correr de largos años –que algo cambie para que todo siga casi igual–: menos maquillaje, reducción apenas de lolas, suma de oficios, manteniendo ese aire juvenil y coquetón dentro de su universo virado mayormente al rosa fuerte. Pero hay que reconocer que algo tiene esta muñeca con ínfulas de reinita de belleza, amada masivamente por sus destinatarias a la vez que resistida antaño como modelo físico inalcanzable por feministas y educadores/as, objeto de numerosos ensayos e incluso de biografías, de exposiciones en importantes museos del mundo, musa de grandes diseñadores (de Givenchy a Dior en vestuario, Louboutin para sus piecitos arqueados y Bulgari en el rubro accesorios), de artistas como Andy Warhol y de varios cineastas. En 1987, Todd Haynes hizo Superstar: The Karen Carpenter Story, narrando los últimos 17 años de la cantante en su lucha contra la anorexia, empleando una serie de imitaciones de la muñeca de Mattel.

Ya pudo despotricar Betty Friedan, como lo hizo cuando la bámbola cumplió 35 de suceso siempre creciente; ya pudieron tacharla de “veneno rubio” grupos de madres en Norteamérica jurando que sus hijas jamás tocarían una Barbie: la rubia básica no detuvo su marcha triunfal. Sin descuidar su glamour jugó en la NBA y, asociada a Girls Inc –sin fines de lucro esta vuelta–, apoyó a chicas fuertes y trabajadoras desde su indumentaria de working girl. Barbie, que ya no se priva de nada, llegó a ser candidata a presidente y protagonizó series y films de animación.  Naturalmente, muchas mujeres famosas del mundo tienen su Barbie a imagen y semejanza, desde Grace Kelly hasta la mismísima Isabel II de Inglaterra (en Youtube se puede ver al muy saleroso presentador catalán Marc Giró regalándole a la actriz Macarena Gómez, coleccionista de barbies que casi se desmaya de dicha, esta monarca con su corona y sus canas sin teñir…). Las últimas en alcanzar tan contentas esa “consagración” son las integrantes del grupo mex RBD creado hace 15 años –Anahí, Dulce María y Maite Perroni– cuyas muñecas lucen atuendos que aluden a la serie Rebelde y a los conciertos que protagonizaron con repercusión popular.

¿Negra y heroína de su propia historia? El documental Black Barbie, que en estos días se puede mirar en Netflix, remite principalmente al relanzamiento estelar de la muñeca del título, que tuvo lugar en 1980, cuando ya existían representantes de la negritud en segunda fila (Julia, Christie). Todo comenzó con la tía de la directora afroestadounidense Largueria Davis, Beulah Mae Mitchell, ex trabajadora de Mattel donde permaneció 44 años, que empezó a mostrarle con mucho cariño a su sobrina una colección de muñecas de esa especie.  Davis reconoce que nunca fue fan de Barbie pero la increíble pasión de su tía, pese a ser muy mayor, le resultó sumamente tocante y ahí mismo empezó a grabar esa conversación que abrió cauce al doc.

Este film, aunque recurre a cabezas parlantes en buena parte de su metraje, tiene el gran mérito de hacer aflorar temas de enorme interés social, político, humano. Por ejemplo, la tía Beulah recuerda que de niña no tenía muñecas negras porque no existían de esa tonalidad en el mercado, y a las chicas de su generación (y la anterior, y la anterior…) no les quedaba otra que jugar con muñecos blancos, bajo la forma de bebés o de nenas de corta edad. Y por si hiciera falta, muestra pruebas fotográficas.

Aunque ya había algunas barbies negras como personajes secundarios en el mundo de la rubita escultural, la versión negra oficial de Mattel, creada por la primera diseñadora afro de la empresa, Kitty Black Perkins, de 1980, por fin fue considerada personaje protagónico. Entre los planteamientos movilizadores de reflexión que surgen de este film, figura la pregunta acerca de si corresponden versiones negras de productos que nacieron representando la blancura, o si vale inventar otros nuevos que surjan de la estética de la negritud, de la propia cultura negra.

A través del documental de Davis, fogoneado por la brillante productora Shonda Rhimes, desfila gente académica, cronistas culturales y también algunas mujeres destacadas de ascendencia afro que ya tienen, encantadas de la vida, sus respectivas muñecas, cuya realización supervisaron. Empezando, faltaba más, por la productora y showrunner Rhimes y siguiendo por la primera bailarina clásica Misty Copeland y la esgrimista olímpica Ibtihej, con velo y todo. Los testimonios de estas mujeres talentosas que aceptaron convertirse en modelos de identificación de chicas negras y de otros colores, aportan complejidad al enfoque sobre las derivaciones de aquella Barbie de 1959. Asimismo, se menciona una fábrica de juguetes, perteneciente a afronorteamericanos, que producía muñecas de distintos colores.

Transformar a la black barbie en heroína de su propia historia es importante, dice la actriz Julissa Calderón. Que deje de ser ciudadana de segunda en Barbieland y que tenga las características físicas de su etnia, de su forma de vestir y de peinarse. Así fue que la Barbie de Kitty Black Perkins rindió tributo a la cantante Diana Ross, con su traje rojo y su pelo enrulado. “¡Ella es negra! ¡Ella es hermosa!”, se podía leer en la caja de presentación. Si bien existen barbies cada vez con más pelambre orgullosamente crespa, ¿sería mucho pedir que Mattel nos brindara ya una nueva Angela Davis, espléndida en todas sus edades?

Este artículo fue publicado originalmente en damiselas en apuros

Una risa maniática. Un compositor envidioso y despreciado. Un Requiem encargado por un mensajero misterioso. Y un nombre falso. Cada uno de esos elementos trascendió ampliamente el mundo de la película de Milos Forman estrenada hace cuarenta años. Antonio Salieri –un compositor sumamente respetado, incluso por Mozart– se convirtió en un símbolo de la falta de talento y de la envidia, y hasta en personaje de una canción de León Gieco (“Los Salieris de Charly”). Y Joannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart devino Amadeus, un nombre que jamás usó y que debe su existencia a la edición parcial de su obra realizada en 1798 –ocho años después de su muerte– por la editorial Breitkopf & Härtel.

A Mozart no le gustaba su nombre. El delirio latinista de su padre le parecía gracioso y bromeaba diciendo que su apellido debería ser Mozartus. Leopold, sin embargo, cuando anunció el nombre del futuro Amadeus, en una carta al editor Johann Jakob Lotter, escribió: “... el niño se llama Joannes Chrisostomus, Wolfgang, Gottlieb”. “Gottlieb” significa “amor a Dios”, lo mismo que Theophilus –latinización de la palabra griega– y que Amadeus. Pero el compositor, que frecuentemente tradujo o adaptó sus nombres, lo hizo precisamente para evitar los artificiosos rasgos latinos. En Italia, alrededor de 1770, utilizó ocasionalmente el nombre Wolfgango Amadeo y, mientras estuvo en París, firmó algunas cartas como Amadè. Lo más cerca que estuvo del nombre que le dio la historia –y la película de Forman– fue en su acta de casamiento con Constanze Weber, en 1782, donde figura como Wolfgang Amade Mozart.

El guion de Amadeus había sido escrito por Peter Shaffer, como adaptación de una obra de teatro propia. En 1984, el film fue candidato a once premios Oscar, de los cuales ganó ocho –­entre ellos mejor película, mejor director, mejor actor, mejor actor secundario y mejor guion adaptado– y un año después se alzó con seis Globos de Oro –mejor película, mejor director, mejor actor y mejor guion–. La rivalidad con Salieri fue un recurso teatral para encontrar un conflicto: la risa del joven Wolfgang tal vez fuera exagerada, pero se acercaba mucho a la verdad. O, por lo menos, a una verdad que la obra de Schaffer y Forman insinúa con claridad: que para Mozart la comedia y el drama estaban a muy poca distancia una del otro y que, en realidad, sólo se trataba de dos maneras de mirar las mismas cosas.

La relación del Gran Arte con la risa siempre fue conflictiva. Hasta el punto de hacer que un bibliotecario ciego llegara al crimen con tal de mantener el ocultamiento que la iglesia había hecho de la parte perdida de la Poética de Aristóteles, aquella en que hablaba de la comedia. El nombre de la rosa, la novela policial y medievalista de Umberto Eco, era una especia de gran chiste erudito empezando por su mención “borgiana” a un texto perdido y encontrado en una librería de viejo de Buenos Aires y, por supuesto, al nombre del bibliotecario ciego, Jorge de Burgos. Pero, sobre todo, desarrollaba allí –algo que se sorteaba, con buen criterio, en la adaptación cinematográfica de Jean-Jacques Annaud, ­en la que también actuaba F. Murray Abraham, el Salieri de Amadeus– las ideas de Mijail Bajtin acerca del origen de la novela moderna. La tradición lo situaba en la épica, siguiendo precisamente a Aristóteles. Y Bajtin, en cambio, lo ubicaba en la comedia; en la literatura carnavalesca. Allí donde aparecían muchas voces distintas. El teórico ruso hablaba de polifonía y encontraba su genealogía en el arte bastardo. Mozart, con su risa enloquecida pero, fundamentalmente con su obra, había expresado lo mismo.

Bastaría como prueba la manera en que, en la carátula, caracteriza su ópera Don Giovanni, de 1787: “drama jocoso”. Pero hay una explicitación aún más clara en el primer movimiento de la Sinfonía Nº 41, escrita el año siguiente. Y es que si después de Don Giovanni Mozart escribió tres óperas más, en el caso de la Sinfonía Nº 41 esta fue la última, como si hubiera pensado que ya no había nada más para decir en ese campo. ¿Qué es lo que sucede allí? Que Mozart transgrede la forma convencional de los primeros movimientos de sinfonías, cuartetos de cuerdas, tríos, quintetos y sonatas –una forma que él había contribuido a cristalizar y que se conoce, genéricamente, como Forma Sonata–. Y esa transgresión está plasmada de tal manera que, además, se burla de las diferencias entre lo “alto” y lo “bajo” y entre lo “serio” y lo “buffo”.

La Forma Sonata es considerada el non plus ultra de la abstracción. De la “música pura”. Y, sin embargo, es una forma dramática. Es la adaptación musical, de manera casi literal, de una pieza teatral: la presentación de dos personajes (exposición de un primer y un segundo temas contrastantes entre sí) y conflicto (desarrollo),más una reexposición, donde los dos temas (o personajes) han conciliado de alguna manera (esta vez suenan en una misma tonalidad, o con la misma escala) y un final feliz (la coda). Una forma que, por otra parte, aparece y va primando sobre otras en una época de gran expansión de la alfabetización, y en que los libros y el teatro comienzan a ser consumos habituales de los habitantes del burgo, los burgueses.

En esta última sinfonía de Mozart, luego de una especie de obertura, bastante marcial –que es, también, una alusión a lo teatral–, aparece el primer tema y, en el minuto 1:31 de la versión dirigida por John Eliot Gardiner, se enuncia el segundo. A los 2:10 hay un corte y comienza un pasaje que remite al espíritu de la obertura y debería ser el enlace al desarrollo. Pero no. Allí, en el minuto 2:42, aparece un tercer tema, desde la nada. Y no es cualquier tema. Es el de un aria de ópera doblemente “bajo”. Proviene, en efecto de un aria para la voz de bajo. Es, además, un aria cómica. Pero eso no es todo: es un aria bastarda. Ilegítima, sin padre. Mozart la escribió para una ópera ajena. Su título era “Un bacio di mano” y la compuso a pedido para Le gelosie fortunate de Pasquale Anfossi (el mismo tema fue plagiado más adelante por Gaetano Donizetti, seguramente sin saber que era de Mozart, para un dúo del segundo acto de El elixir de amor).

A partir del minuto 3:14 se repite toda la exposición. No había discos y casi toda la música se escuchaba por primera vez, o sea que había que repetir los temas para que luego, en el desarrollo, se los pudiera recordar. Y cuando el desarrollo comienza (6:26), lo hace, luego de una muy pequeña transición, justamente con el tema bastardo que, a poco de presentado nuevamente, se convierte en sujeto de una fuga, la más abstracta, la más pura, la más matemática de las formas. Mozart dice allí lo mismo que en Don Giovanni –y que en la risa de Amadeus– y que Eco afirma en El nombre de la rosa ­como había dicho antes Bajtin: no hay novela ni drama sin comedia. Ni lo alto existe sin lo bajo. “Hegel diría que la historia se repite”, decía Karl Marx en el comienzo de El18 Brumario de Luis Bonaparte. “Pero se olvidó de agregar: una vez como tragedia y la otra como farsa”. Mozart fue más radical: todo es un drama jocoso.

Apostillas al nombre de la risa 

Así como el fenómeno de Los tres Tenores no aumentó en nada las ventas de discos de ópera alguna ni de ninguno de los tres cantantes por separado, la explosión de ventas del álbum con la música del film Amadeus no provocó ningún efecto comercial sobre la obra de Mozart. No hubo más gente que sacara entradas para las representaciones de sus óperas o los conciertos con sus composiciones o que adquiriera otros discos con su música. Lo mismo había sucedido con su Concierto para piano Nº 21 –el segundo movimiento se había utilizado como música de la película sueca Elvira Madigan, dirigida en 1967 por Bo Widerberg y hasta había discos que habían rebautizado la obra como “Concierto Elvira Madigan”– o con el movimiento lento del primer sexteto para cuerdas de Johannes Brahms que muchos identificaban como “la música de Los amantes” en referencia a la película de Louis Malle. En el plano local sucedió algo similar con la música del teleteatro Pobre diabla, con Soledad Silveyra y Arnaldo André. Nunca en ninguna parte el bueno de Arthur Rubinstein vendió tanto con su interpretación del Concierto Nº 1 de Fréderic Chopin, aunque lo que sonaba en la televisión no era exactamente eso. Se trataba de una adaptación realizada por el inefable Alain Debray, uno de los seudónimos comerciales de Horacio Malvicino.

Resulta más interesante reparar en el efecto indeleble que ciertas músicas tienen sobre algunas imágenes –o lo contrario–. Y, en dos casos, el responsable involuntario es Richard Strauss, con el impactante comienzo del poema sinfónico Así habló Zarathustra. La primera, como drama, en 2001 Odisea del espacio. La segunda, como farsa, en la primera escena de Barbie, de Greta Gerwig, que, por supuesto remite a Stanley Kubrick.

Diego Fischerman es autor del blog El sonido de los sueños: https://xn--sonidodesueos-skb.com/

Ryan Gosling no logró la estatuilla a Mejor actor de reparto por Barbie, pero protagonizó el mejor momento de la ceremonia de los premios Oscar 2024 gracias a su actuación de I'm just Ken. Vestido con un traje de chaqueta rosa, las gafas de sol que lució en el filme y acompañado de parte del reparto, brindó un número apoteósico. Con él terminó de demostrar que con su versión del muñeco de Mattel ha sabido sacar el máximo partido a su vis cómica. Las pantallas del Dolby Theatre de Los Ángeles mostraron la letra de la canción, convirtiendo el patio de butacas en un karaoke.

El canadiense comenzó sentado entre el público, subió al escenario para continuar el número rodeado de bailarines y Slash a la guitarra; y regresó a la platea para ceder su micrófono a Greta Gerwig y Margot Robbie, directora y coprotagonista del largometraje. También a Emma Stone, haciendo un guiño a La La Land, el musical de Damien Chazelle que lideraron juntos en 2016.

La intérprete hizo referencia a la actuación al recoger el Oscar a Mejor actriz protagonista por su trabajo en Pobres criaturas, la cinta del cineasta griego Yorgos Lanthimos que culminó la noche con cuatro estatuillas. La estadounidense subió emocionada al recoger el galardón y, antes de empezar su discurso, expuso que se le había roto el vestido a la altura de la espalda. “Estoy segura de que ha sido durante la actuación de I'm just Ken”, afirmó riendo señalando a Gosling.

El aplaudido tema no ganó el Oscar a Mejor canción original. Eso sí, el premio se quedó en el 'Mojo Dojo Casa House', ya que recayó en otro título de Barbie, What Was I Made for?, de Billie Eilish. El suyo fue el único Oscar para la película de Greta Gerwig, que optaba a un total de ocho. Oppenheimer fue la gran vencedora de la noche, tras cosechar siete estatuillas incluida Mejor película, Mejor dirección para Christopher Nolan y Mejor actor protagonista para Cillian Murphy.

Algunas películas, como ocurrió con Barbie, pasaron con éxito por salas de todo el mundo y se convirtieron en auténticos fenómenos sociales. Otras circularon apenas en festivales de cine. Algunas fueron aclamadas por la crítica o muy celebradas por el público. Y otras apenas llegaron hace poco tiempo a las salas de cine del país. Con la entrega de los Oscar este domingo 10 de marzo, se empieza a cerrar la temporada de premiaciones en la industria audiovisual internacional que comenzó con los Globos de Oro en enero. 

Mientras tanto, son varios los largometrajes que compiten por una estatuilla que ya se pueden ver en distintas plataformas de streaming en formato hogareño. A continuación un repaso por ellos y las plataformas donde se encuentran disponibles desde Argentina para ver online.

1. Barbie. Fue una de las películas más comentadas de los últimos tiempos y llegó en diciembre al menú de la plataforma Max. Ahora compite con seis nominaciones en varios rubros de los más preciados, entre los que se encuentra el de Mejor película.

El largometraje de la escritora y directora Greta Gerwig (Mujercitas, Lady Bird) tiene como protagonistas a Margot Robbie (El escándalo y Yo, Tonya) y Ryan Gosling (La La Land, Blade Runner 2049) como Barbie y Ken. El elenco se completa, entre otros, con America Ferrera (Supertienda, Cómo entrenar a tu dragón), Kate McKinnon (El escándalo, Saturday Night Live), Michael Cera (Scott Pilgrim vs. los ex de la chica de sus sueños, Juno), Ariana Greenblatt (Avengers: Infinity War), Issa Rae (Insecure), Rhea Perlman (Te veré en mis sueños, Matilda) y Will Ferrell.

La película Barbie está disponible en Max.

2. La sociedad de la nieve. De origen español y con algunos miembros del casting argentinos, La sociedad de la nieve es una película dramática dirigida y escrita por Juan Antonio Bayona que narra la llamada Tragedia de Los Andes. Basada en el libro homónimo de Pablo Vierci, que relata el accidente del vuelo 571 de la Fuerza Aérea Uruguaya en la cordillera de los Andes en 1972, la película está protagonizada por Enzo Vogrincic en el papel de Numa Turcatti, uno de los pasajeros del vuelo.

El largometraje, que continúa teniendo muy buena repercusión, circuló por varios festivales internacionales y se puede ver en la plataforma de Netflix. Compite en dos categorías: mejor largometraje en habla no inglesa y también participa en el rubro que premia al maquillaje y el peinado.

La sociedad de la nieve está disponible en Netflix. Más sobre el largometraje, en este enlace.

3. Oppenheimer. Basada en el monumental libro Prometeo americano. El triunfo y la tragedia de J. Robert Oppenheimer, de los periodistas Kai Bird y Martin J. Sherwin, en 2023 impactó en todo el mundo Oppenheimer, la película protagonizada por Cillian Murphy, junto a Matt Damon, Robert Downey Jr., Emily Blunt, y Florence Pugh con dirección de Christopher Nolan. El largometraje, uno de los favoritos para llevarse varias estatuillas, compite en 13 categorías para el premio más importante de Hollywood.

“El material original me dio confianza para abordar un tema histórico tan complicado. Les llevó 25 años de investigación escribirlo y es muy completo. La adaptación era muy complicada porque es un libro enorme con mucha información, pero fue el trampolín que me dio confianza. Esta fuente autorizada fue la que me liberó para comenzar a usar mi imaginación para tratar de producir algo que no fuera un documental, sino mi interpretación de su vida”, señaló el cineasta en una rueda de prensa con medios españoles en 2023.

Al ser consultado por su aproximación a la controvertida figura del científico, el director apuntó: “Se trataba de estar en su cabeza y experimentar lo que él experimentó y, por lo tanto, llegar a comprenderlo en lugar de juzgarlo. Es una persona que se enfrentó a dilemas éticos reales de una magnitud que pocos de nosotros podemos imaginar. Situaciones muy paradójicas. Cuando comienzas a investigar la historia, queda claro que estos científicos no tuvieron más remedio que desarrollar esta arma. Se había establecido la división del átomo y los nazis estaban tratando de desarrollar una bomba. Todos lo sabían, por eso no me interesaba contar una historia sobre científicos que eran tan estúpidos que no podían prever el impacto negativo de traer algo así al mundo”.

El largometraje Oppenheimer se puede ver en Flow. Más sobre la película y el libro que la inspiró, en este enlace.

4. American Fiction. Una película dramática estadounidense estrenada en ese país en 2023 escrita y dirigida por Cord Jefferson, en su debut como director. Sin estreno en salas en la Argentina, American Fiction desembarcó en la plataforma Amazon Prime Video recientemente. Está basada en la novela Erasure de Percival Everett y sigue los días de Thelonious “Monk” Ellison, un escritor y profesor frustrado con el ambiente intelectual y cultural en el que se mueve. Enojado porque sus libros no son bien recibidos por los editores –todos blancos, todos de un mundo elitista y prejuicioso que espera de los autores afroamericanos como Monk historias llenas de estereotipos– decide escribir en broma lo que él llama un libro “negro”. Apenas se publica, la novela es elogiada y bien recibida por todo el mundo. El escritor deberá entonces lidiar con sus contradicciones, al tiempo que su vida familiar se ve repleta de asuntos de los que se tiene que encargar. Con temas actuales como la cancelación, la discriminación y la corrección política en primer plano, American Fiction está nominada en la codiciada categoría de Mejor Película.

La película American Fiction está disponible en Amazon Prime Video.

5. Maestro. Llena de recursos –por momentos, demasiado pomposa–, Maestro es una de las películas que se estrenó con gran despliegue hacia finales de 2023 y que está centrada en la relación entre el compositor musical estadounidense Leonard Bernstein y su esposa Felicia Montealegre. Dirigida, protagonizada y en parte escrita por Bradley Cooper, se lanzó en el Festival de Cine de Venecia, pasó por salas y desembarcó en Netflix.

El elenco se completa con Carey Mulligan como Montealegre, Matt Bomer, Maya Hawke y Sarah Silverman en papeles de reparto.

Maestro está disponible en Netflix.

6. Los asesinos de la luna. Con dirección del a esta altura legendario Martin Scorsese, la película que protagonizan Leonardo DiCaprio, Robert De Niro y Lily Gladstone relata la muerte de más de 60 miembros de la nación de Osage de Oklahoma, Estados Unidos, por parte de un entramado de colonos blancos que, tras ganarse la confianza de los nativos, buscaban hacerse con sus tierras y fortuna derivada del petrolero.

Basada en el libro 'Los asesinos de la luna de las flores: Los crímenes en la nación Osage y el nacimiento del FBI' del periodista David Grann, la película narra con maestría y gran tensión una serie de crímenes espantosos perpretrados a principios del siglo XX que el director de Taxi Driver definió como “una especie de genocidio silencioso”. Según las distintas entrevistas que brindó desde el esperado estreno, el cineasta aseguró que intentó llevar esa historia a la pantalla de la forma “más fidedigna y honesta posible”. En sus palabras, fue algo que ha intentado hacer desde el “respeto absoluto y total” a la cultura de los pueblos originarios americanos, pero sin caer en un estilo “hagiográfico” ni “en la trampa” de todos esos lugares comunes que van desde generalidades como “los nobles nativos” hasta “el cliché de las víctimas o del indio borracho”.

La película Los asesinos de la luna se puede ver en Apple TV+. Más sobre el largometraje, en este enlace.

7. Nyad. A los 60 años, la nadadora y periodista deportiva Diana Nyad se propone hacer realidad el gran sueño de toda su vida: la travesía de más de 160 kilómetros en mar abierto de Cuba a Florida.

Con Jodie Foster y Annette Bening como cabeza del elenco y basada en una historia real, para muchos expertos se trata de uno de los estrenos más conmovedores de 2023. Las dos actrices están nominadas por sus roles en las categorías de Actriz de reparto y Actriz protagonista.

La película Nyad está disponible en Netflix.

8. Elementos. Una exitosa producción de Disney y Pixar, que después de pasar por los cines de todo el mundo desembarcó en Disney + y compite en la categoría de Película de animación.

Dirigida por Peter Sohn, la película se sitúa en Ciudad Elementos, en donde conviven residentes de fuego, agua, tierra y aire. El largometraje presenta a Ember (en la voz de Leah Lewis en la versión en inglés), cuya amistad con un joven divertido y sentimental llamado Wade (en la voz de Mamoudou Athie en la versión en inglés) le hace cuestionarse no sólo sus convicciones sobre el mundo en el que viven, sino la persona que quiere ser.

Elementos está disponible en Disney+.

9. La memoria infinita. De origen chileno, este documental es una de las películas más impactantes y conmovedoras del cine latinoamericano de los últimos años. Escrita y dirigida por Maite Alberdi, la misma realizadora que estuvo nominada en otra ocasión por la película El agente topo, tuvo estreno mundial en enero de 2023 en el Festival de Cine de Sundance, donde ganó el Gran Premio del Jurado. Este año, además, el largometraje obtuvo el Premio Goya a la mejor película iberoamericana.

La memoria infinita es un retrato íntimo de dos personajes muy conocidos en Chile que vivieron juntos por más de 25 años: el periodista Augusto Góngora y su esposa, la actriz Paulina Urrutia. 

En 2014, cuando tenía 62 años, Góngora fue diagnosticado con Alzheimer, una enfermedad degenerativa que afectó su memoria y su comportamiento. La película de Alberdi muestra justamente el vínculo entre ellos, los temores y la vida compartida a partir de la enfermedad y hasta que llegó el final. Elogiada y premiada internacionalmente, la película compite en la categoría que distingue al mejor documental.

La película La memoria infinita está disponible en Netflix.

10. Bobi Wine, el presidente del pueblo. En las elecciones presidenciales de Uganda de 2021, el artista Bobi Wine, estrella de la música, activista y líder de la oposición de ese país, moviliza a su pueblo en una impactante lucha por liberarse de un régimen opresivo que lleva 35 años en el poder. Este documental sigue a este personaje para retratar su coraje y la determinación que lo lleva a querer cambiar las condiciones de vida en su tierra. Luego de un gran recorrido por distintos festivales, Bobi Wine, el presidente del pueblo llegó hace pocas semanas a la plataforma Star+ y también se puede ver en el canal de YouTube de National Geographic.

El largometraje, que fue candidato también en los BAFTA, compite ahora en los Oscars 2024 en la categoría que premia al Mejor Documental. 

El documental Bobi Wine, The People's President está disponible en Star+ y en el canal de YouTube de National Geographic.

11. El conde. Entre la comedia negra, lo corrosivo y el terror, El conde es una película de origen chileno dirigida por el cineasta Pablo Larraín y escrita por Larraín y Guillermo Calderón. Protagonizada por Jaime Vadell, Gloria Münchmeyer, Alfredo Castro y Paula Luchsinger y con un notable despliegue técnico, el largometraje presenta a Augusto Pinochet como un vampiro de 250 años que busca su propia muerte.

La película llegó a Netflix en septiembre de 2023, pocos días después de la conmemoración de los 50 años del golpe de Estados en Chile, cuando el propio Pinochet tomó el poder. El conde, segunda película chilena nominada en esta edición del Oscar junto con La memoria infinita, compite en la categoría que premia a la mejor fotografía.

La película El conde está disponible en Netflix.

12. Misión: imposible – Sentencia Mortal. La plataforma Paramount+ anunció que la película de acción Misión: imposible – Sentencia Mortal está disponible desde febrero en su menú para Latinoamérica. El largometraje es candidato en los Oscar 2024 en los rubros Efectos visuales y Sonido.

“Ethan Hunt (Tom Cruise) y su equipo del FMI se embarcan en su misión más peligrosa hasta la fecha: localizar una nueva y aterradora arma que amenaza a toda la humanidad antes de que caiga en las manos equivocadas. Con el destino del mundo en juego, comienza una carrera mortal alrededor del globo. Enfrentado a un enemigo misterioso y todopoderoso, Ethan se ve obligado a considerar que nada puede ser más importante más que su misión, ni siquiera las vidas de aquellos a quienes más aprecia”, señala la sinopsis oficial del largometraje.

La película está protagonizada por Tom Cruise, Hayley Atwell, Ving Rhames, Simon Pegg, Rebecca Ferguson y Vanessa Kirby, entre otros.

La película Misión: imposible – Sentencia Mortal está disponible en Paramount+. Más sobre el largometraje, en este enlace.

13. Spider-Man: a través del Spider-verso. Según señala la sinopsis oficial del largometraje, en esta nueva entrega de la franquicia, Miles Morales (Shameik Moore) vuelve a la pantalla para una nueva misión. Mientras lidia con su agitada nueva vida como superhéroe, Miles acaba siendo transportado a un multiverso donde se encuentra con varios Spider-Men de diferentes dimensiones. Junto a Gwen Stacy (Hailee Steinfeld) y un nuevo equipo de Spider-Personas que deben proteger su propia existencia, el héroe se embarca en una aventura épica. Luego de su paso por los cines, la película, que compite en el rubro Animación, está disponible en la plataforma Max.

El largometraje Spider-Man: a través del Spider-verso se puede ver en Max.

14. Indiana Jones y el dial del destino. Luego de su exitoso paso por los cines de todo el mundo, la película obtuvo una nominación en el rubro Banda Sonora y está disponible en Disney + con Harrison Ford en su legendario papel. El héroe arqueólogo llegó una vez más a las pantallas con la última entrega de la icónica franquicia Indiana Jones con una gran aventura. Junto a Ford actúan Phoebe Waller-Bridge (Fleabag), Antonio Banderas (Dolor y gloria), Karen Allen (Indiana Jones y los cazadores del arca perdida), John Rhys-Davies (Indiana Jones y los cazadores del arca perdida), Shaunette Renée Wilson (Pantera Negra) y Mads Mikkelsen (Otra ronda), entre otras figuras destacadas. 

El largometraje está dirigido por James Mangold (Contra lo imposible y Logan) y fue escrito por Jez Butterworth & John-Henry Butterworth y David Koepp y James Mangold, quienes tomaron como base los recordados personajes creados por George Lucas y Philip Kaufman. La película, además, tiene como productores ejecutivos a Steven Spielberg y al propio Lucas 

La película Indiana Jones y el dial del destino está disponible en Disney+. 

AL/MG

“Dejen que me meta en el personaje, porque el mundo puede tener la voz de Ken, pero solo Barbie puede tener sus ojos”. Ryan Gosling pronuncia estas palabras al tiempo que se pone unas gafas de sol, vestido con un elegante traje de color negro. Lo rodean varios músicos y bien de decoración navideña. En seguida empieza la ya archiconocida melodía de I'm Just Ken, la canción principal de la película Barbie que le valió su tercera nominación al Oscar, gracias al mejor papel de su carrera. El actor sacó el máximo partido al muñeco de Mattel al encarnar la mezcla perfecta de ingenuidad, 'machirulismo', ternura, torpeza y lo mucho que se ha reído de –y con – sí mismo.

La película se estrenó arrasando en taquilla el año pasado, y el video que abre este artículo fue la felicitación navideña con la que el actor acompañó el lanzamiento de tres nuevas versiones del pegadizo hit en diciembre. Los temas fueron producidos junto a Mark Ronson, que trabajó con artistas como Amy Winehouse, Miley Cyrus, Lady Gaga y Bruno Mars. Con ellas siguió alimentando la fiebre por el título, pero sobre todo la fiebre por Ken.

Para entonces cinta y personaje ya eran todo un fenómeno, Gosling se había ganado la nominación al Globo de Oro –un mes después llegaría la de la Academia de Hollywood–; y su performance permitió a sus fans reencontrarse con el Ken que no solo robó corazones gracias al guion de Greta Gerwig y Noah Baumbach. Su mayor golpe fue en las escenas que copó, consiguiendo que su aturdido y desubicado Ken generó gracias a su carisma desazón, pereza y hasta cariño. Gosling fue el contrapunto perfecto para la Barbie de Margot Robbie, coreografías incluidas. Un robaescenas de manual, con mucha gracia.

La directora hizo la mejor elección de casting posible. Gosling reúne todos los estereotipos que le convierten en el Ken idóneo: su físico normativo –en el largometraje ensalzado por su pelo teñido de rubio platino–, su seductora voz y su planta y gestos de galán. Desde que protagonizó El diario de Noah en 2004 no son pocas ni pocos los que fantasearon con ser ellos de quienes se enamoraron como él de la joven Allie en la piel de Rachel McAdams.

Otros títulos como Lars y una chica de verdad (2007) y Crazy, stupid, love (2011) ampliarían su estela de fascinación, al tiempo que el actor engrosaba su filmografía con obras de cine de autor con las dejó claro desde el inicio que, pese a encajar a la perfección en el perfil, no querría limitarse a hacer comedias y dramas románticos.

De hecho, apenas dos años después de la cinta de Nick Cassavetes estrenó Half Nelson. Una descorazonadora película en la que interpretaba a un entrenador de baloncesto y profesor de historia adicto a la cocaína que brindaba clases eran muy distintas a lo que marcaba el sistema. Su vínculo con una de sus alumnas/jugadoras, que descubre su 'secreto', vertebraba una trama dura y cruda, que le sirvió para llevarse el premio de público, crítica y Academia de Hollywood, que le concedió su primera nominación al Oscar. Pero la incursión de Gosling en el cine independiente le venía de antes. Y también fue determinante para romper con una imagen previa, la de 'chico Disney'.

Una estrella infantil

Gosling nació en Ontario (Canadá), aunque creció en Cornwall. Su padre trabajaba en una fábrica de papel y su madre era secretaria, ambos mormones. Allí empezó muy pronto a bailar y a cantar y fueron varias las bodas que fueron escenario de sus primeras actuaciones junto a su hermana Mandi, cuatro años mayor que él. Sufrió acoso en el colegio y, buscando 'protegerse', empezó a imitar la voz de Marlon Brando para sonar más duro. También le diagnosticaron déficit de atención e hiperactividad y no aprendió a leer hasta los 10 años.

“No me sentía muy inteligente. Me pasaban de curso aunque no aprendía las cosas que se supone que tenía que aprender. Cuando estás en una clase en la que todo el mundo sabe leer menos vos es muy frustrante”, comentó en una entrevista en 2007. “Fui un niño solitario y la televisión era mi única amiga”, añadió. Pero su interés por la interpretación se lo debe a su tío, que trabajaba como imitador de Elvis Presley –posteriormente él le rendiría su propio tributo–. Se apuntó a clases de ballet, empezó a participar en concursos de talento locales y lo cambió todo en 1993.

Gosling se presentó al casting de Mickey Mouse Club y, con doce años, se convirtió en un 'chico Disney', se mudó a Orlando y compartió durante dos años elenco con Justin Timberlake, Britney Spears y Christina Aguilera.

Cuando se canceló el show, el actor volvió a Canadá. Pronto apareció en series y películas como Goosebumps, Are You Afraid of the Dark y Breaker High. En 1998 fichó por la ficción Young Hércules, por la que vivió otros dos años en Nueva Zelanda. Cumplidos los 19, optó por cercar sus audiciones a títulos 'serios'. Aquello derivó en que su agente dejara de trabajar con él y comprobó la dificultad de conseguir papeles cuando lo único que llevaba bajo el brazo era una cinta VHS del Mickey Mouse Club.

Aun así, le llegó la oportunidad que buscaba y esperaba, de la mano de Henry Bean, que le concedió el papel de joven judío neonazi en The Believer (2001). Gosling habló del cineasta como su mentor en numerosas ocasiones, por darle la oportunidad de hacer el tipo de películas que buscaba entonces y no pudo mantener en su carrera.

Un año después estaba presentando en Cannes Cálculo mortal (Barbet Schroeder). Antes del bum de El diario de Noah rodó The Slaughter Rule (2003), que contaba el vínculo que se establecía entre un jugador de fútbol de secundaria y su entrenador (David Morse); y The United States of Leland (2003), en la que encarnó a un adolescente encarcelado por el asesinato de un niño con discapacidad.

La era post 'Half Nelson'

Tras cosechar su primera nominación al Oscar, Gosling estrenó películas como la dramedia indie Lars y una chica de verdad (2007), en la que volvió a explotar sus dotes musicales. Al igual que en Blue Valentine (2010), otro de sus papeles más aplaudidos, y que incluye una de las escenas musicales más tiernas, en la que su personaje interpreta You Always Hurt the One You Love de Mills Brothers, ukelele en mano, a Michelle Williams.

Tras la película de bajo presupuesto –y eminentemente improvisada– de Derek Cianfrance, llegó su primer papel más cómico, en Crazy, Stupid, Love, su primera colaboración con Emma Stone. El filme les valió para forjar una amistad que continúan y que, tras afianzarla igualmente en pantalla en Gangster Squad (2013), culminaron derrochando química en La, La Land (2016).

Pero antes siguió su estela de cine independiente con Drive (2011) de Nicolas Winding Refn y Los idus de marzo (2011) de George Clooney –ambas tuvieron su puesta de largo en el Festival de Venecia–; así como Cruce de caminos (2012), en la que repitió con Cianfrance y conoció a su pareja, la actriz Eva Mendes.

Solo Dios perdona (2013) y Dos buenos tipos (2016) fueron los títulos que precedieron al musical de Damien Chazelle. Con él obtuvo su segunda nominación al Oscar gracias a su papel como músico de jazz atormentado enamorado de la Mia de Emma Stone. El director estadounidense le regaló otro personajazo, en la piel del astronauta Neil Amstrong, en la muy reivindicable First Man (El primer hombre) en 2018. A partir de ahí lideró la ambiciosa continuación de la historia de Rick Deckard en Blade Runner 2049 y El agente invisible. Y antes, en 2014, firmó su debut como director, Lost River, con Christina Hendricks y Saoirse Ronan.

El Ken aplastado

Gosling fue entre medias padre de dos hijos, y el hallazgo de un juguete abandonado es el que le hizo tomar otra decisión crucial en su carrera. En concreto, un Ken aplastado. “Salí al patio y, ¿sabes dónde lo encontré? Boca abajo junto a un limón aplastado”, recordó. Le hizo una foto y se la envió a Gerwig diciéndole: “Seré Ken, porque esta historia merece ser contada”. Visto el resultado de la película y su posterior campaña, dejó claro que se tomó la misión muy en serio.

Marlon Brando, John Barrymore, John Travolta y Gene Wilder, en versión de plástico, fueron los actores en los que basó su actuación con la que logró que su muñeco cobrara vida y alcanzara la comicidad que le sumó su tercera nominación al Oscar.

El canadiense no parte como favorito en una categoría en la que todo apunta que será Robert Downey Jr. quien se alce con el galardón por Oppenheimer. Pero Gosling está llamado a ser igualmente uno de los protagonistas de la gala, tras confirmar que interpretará I'm just Ken el próximo 10 de marzo en el teatro Dolby de Hollywood (Los Ángeles).

Su carisma y particular timbre dieron personalidad a un tema que consiguió destacar dentro de una banda sonora que reunió a un número suficiente de artistas como Dua Lipa, Karol G, Tame Impala y Billie Eilish –con quien competirá por la estatuilla a Mejor canción original– como para haber pasado desapercibido. Pero era imposible, la escena resume a la perfección el tono tanto de la película como de su personaje, por el humor que Gosling le impregna para reírse hasta de sí mismo. Y eso que ni si quiera estaba pensado para que fuera incluido en la película.

Mark Ronson la escribió medio en broma pero, tras compartir su grabación con la directora sin contemplar realmente la posibilidad de que terminara sonando en la película, a ella le gustó tanto que la convirtió en el número principal del filme –y menos mal–. Gosling supo meterse tanto en el personaje que lo aprovechó para lamentar la ausencia de Barbie en las nominaciones.

Decepcionado por la ausencia de Margot Robbie y Greta Gerwig en las categorías de Mejor actriz y directora, el actor compartió un contundente mensaje, haciendo alusión al guion del propio filme: “Ningún reconocimiento sería posible para nadie de esta la película sin su talento y su valor. Contra todo pronóstico, con nada más que un par de muñecos sin alma, con poca ropa y afortunadamente sin entrepierna, nos hicieron reír, nos rompieron el corazón, hicieron avanzar la cultura e hicieron historia”.

Pero no por ello él merece menos reivindicación. Por supuesto que no hay Ken sin Barbie ni película sin Gerwig y Robbie, pero hay otro punto claro: no hay Ken sin Ryan Gosling.

“Tenés derecho a vivir sin taparte y a ser quien sos, la vida es ahora”, dice Caro Pedini, de 43 años y mamá de Cora, de 8. Ex actriz y directora de comedia musical, la mujer que conocemos como La Trabajadora Social (TS) Gorda, en su cuenta de Instagram, asume: “Tengo canas. Tengo arrugas. Tengo rollos. Tengo cicatrices. Tengo manchas. Tengo lunares. Tengo estrías”.

¿Quién no? Las marcas en el cuerpo son huellas de vida, el testimonio de la experiencia existencial, la memoria del cuerpo. Sabemos que para la representación tradicional más hegemónica de la belleza patriarcal, europea, blanca y rubia, Barbie y Ken, la industria tuvo que hacer algunas torsiones y transformaciones de la versión original. El objetivo: que el merchandising ingrese al campo de la corrección política en sus versiones no tan hegemónicas, ajustes de estos tiempos en que el capital se fagocita todo, incluso la diversidad corporal, para seguir vendiendo. ¿O no están las remeras de Eva, el Che Guevara, Mao o Lenin (dis)ponibles para rendirles a las heroínas y héroes revolucionarios un tributo que, digámoslo, homenajea aunque no cambia nada?

Cada niñite con su muñequite. El proceso de identificación y diferenciación corporal y genérica incluye a las infancias no modélicas. Es necesario para satisfacer la voracidad del mercado y para que los dueños de la torta ganen cada día más dinero. Toneladas de juguetes que en cada temporada se usan, se tiran y ya está. Eso sí, los objetos de consumo cambian, pero en el campo lúdico y de la indumentaria, el rosa sigue siendo el color dominante para las chicas y el celeste para los varones. No sea que la libertad en el uso del color intranquilice a madres, padres, tutores y encargados. Entonces, hoy la feria de variedades parece admitirlo casi todo, mientras genere verdes. 

Pero volvamos a la autora del libro Desear. Gestar. Parir con un cuerpo gordo, de editorial Tinta Libre, donde se refiere a la violencia obstétrica en el sistema de salud. Cora es una activista que estudió en la Universidad Nacional de La Matanza y que hace unos días subió un video a las redes donde muestra de manera muy clara porque el gordoodio existe, está vivito y coleando. Fue a comer a un restaurante y los baños eran tan diminutos, que no pudo ingresar. Si abría la puerta de uno, no había espacio para usar el otro, un problema de arquitectura nada amigable que se repite en aviones, micros de larga distancia e infinidad de situaciones más.

En otra escena se la ve saliendo de una pileta, sacándose la bata y mostrando su cuerpo apenas cubierto por un traje de baño de dos piezas. Es un gesto de empoderamiento, no le pide permiso a nadie, no explica más que lo que dice su presencia: aquí estoy. Soy.

“Creo que vivimos con un cuerpo que para nuestra sociedad no sigue las normas, no encaja y es altamente castigado porque es diferente (y horrible e indeseable), porque se considera que no hacemos lo suficiente para mejorar, para buscar nuestra mejor versión. Por eso nos sentimos mal, por malos gestores corporales, diría Lux Moreno. Eso nos genera culpa y nos lleva a explicar todo y a tener vergüenza de nuestra vida Inevitable pensar cómo nos fueron acorralando, como ganado en el corral (pobres vaquitas y ovejas), dejándonos en las sombras, en lo oscuro, despreciándonos, calificándonos de vagues, improductives y otros estereotipos asociados al peso. Disidentes genéricos y corporales, somos expertes en el arte de hacernos invisibles, de desaparecer. Si no lo hacemos nosotres, lo hacen les demás.

Nuestra presencia molesta, como molestan los viejos, los adolescentes, los marrones y tantes otres. Parece que siempre debe haber quienes carguen con la responsabilidad del malestar social. Hay que encontrar chivos expiatorios, culpables y gatillarlos. Parece que no es sencillo asumir responsabilidades para los verdaderos responsables. Siempre les generadores de los problemas están en otro lado que no es el lado del poder. No se hacen cargo quienes toman decisiones sino quienes padecen. Y esa forma de pensar, esa configuración mental, la reproduce el distinto, ¿cómo habría de sostenerse sino un sistema que pseudodemocratiza los deberes, las obligaciones, aunque no los derechos de les más vulnerables? 

En el libro Hermana soltá la panza, una pedagogía para liberar nuestros cuerpos, Lala Pasquinelli dice: “Nadie nos enseña a poner límites, a cuidarnos, a decir basta, a dejar de explicar, a abandonar los lugares en los que no nos tratan bien. Ya es hora de empezar a aprender entre nosotras, a aprender de las experiencias compartidas, de como otras lo hicieron, porque nos educan para agradar y agradar como sinónimo de no molestar, para quedarnos calladas ante la agresión y no incomodar a nadie, nunca. Para nosotras es absolutamente ajena la idea de poner límites, la posibilidad de que las personas se incomoden por lo que decimos en nuestra defensa. Si fuéramos varones seríamos personas con autoridad, siendo mujeres vamos a ser malas o maleducadas. Dejemos de ser buenas, dejemos de querer agradar, de no incomodar, de sostenerle la incomodidad al resto, de intentar siempre que nadie se ofenda, de buscar las mejores maneras. Eso no nos está ayudando porque es también una demanda hacia nosotras”, advierte la creadora del proyecto artivista Mujeres que no fueron tapa.

“Es muy difícil que del otro lado haya un cambio si no hay incomodidad”, continúa. “Confundimos límites con explicación, poner límites no es explicar, seguimos explicando porque pensamos que quien nos humilla lo hace porque no entiende… Seguramente lo hacemos porque es muy doloroso darnos cuenta de que quienes se supone que nos quieren nos violentan ilimitadamente. Quien nos humilla no quiere entender, quiere ejercer su poder sobre nuestros cuerpos, quiere que vivamos de acuerdo con sus reglas, que no son las nuestras, quieren que nos convirtamos en quienes no somos. El que quiere entender googlea, como hacemos nosotras. Poner límites es otra cosa, es irse, es decir hasta acá, es aclarar que si seguimos siendo violentadas no vamos a volver a compartir con quienes nos violentan”.

“El mejor momento y la mejor manera no existen. A veces no ponemos límites porque nos parece que nos falta llegar al momento ideal en el que estemos tranquilas y se nos ocurran las mejores cosas para decir, las más adecuadas, las que provoquen el efecto correcto, que sería básicamente ser comprendidas sin malestar y sin enojo, por parte de quienes nos violentan. Que nadie se ofenda, que no haya tensión y que esas personas entiendan y cambien. En general, en la vida real no funciona de esa manera”.

LH

La Academia de Hollywood anunció este lunes la lista completa de nominados de los Premios Oscar 2024. Los intérpretes Jack Quaid y Zazie Beetzfueron los encargados de hacer públicos los nombres y títulos que pujarán por hacerse con las respectivas estatuillas el próximo 10 de marzo en el Dolby Theatre de Los Ángeles. El cómico Jimmy Kimmel conducirá la ceremonia en la que la película de Christopher Nolan Oppenheimer parte como favorita con 13 candidatos.

Los galardones contarán con presencia española gracias a La sociedad de la nieve de Juan Antonio Bayona, que logra la nominación a Mejor película internacional y a Mejor maquillaje y peluquería. Además de Pablo Berger, que optará al alzarse con la estatuilla a Mejor película de animación por Robot Dreams. Fuera de la lista se ha quedado Penélope Cruz, que optaba a entrar en la terna como Mejor actriz de reparto por Ferrari.

En el cómputo general, Oppenheimer gana la batalla a Barbie, que se queda en ocho nominaciones frente a las once del filme de Nolan; y es superada por Pobres criaturas de Yorgos Lanthimos y Los asesinos de la Luna de Martin Scorsese, que acumula diez. Los siguientes títulos más destacados son Maestro de Bradley Copper con siete y otros tres largometrajes que acumulan cinco cada uno: Anatomía de una caída de Justine Triet, La zona de interés de Jonathan Glazer y American Fiction de Cord Jefferson.

Habrá que esperar algo más de un mes para saber quién tomará el relevo a Todo a la vez en todas partes de Dan Kwan y Daniel Scheinert, la gran triunfadora del año pasado. Hasta ahora solo se conocía a los vencedores de los Governors Awards (Oscar honoríficos), que han recaído en la actriz Angela Bassett, el actor, guionista y director Mel Brooks y la montadora Carol Littleton.

Lista completa de nominados

Mejor película

Mejor dirección

Mejor actriz protagonista

Mejor actor secundario

Mejor actriz secundaria

Mejor guion original

Mejor guion adaptado

Mejor película internacional

Mejor película de animación

Tuve muchos años una fascinación con las novelas de iniciación, las películas de coming of age, el bildungsroman, todos nombres para lo mismo, historias sobre hacerse adulto, descubrir el mundo, descubrir el sexo, hacer amigos de verdad, conocer el dolor y la injusticia, convertirse a través de todos esos hallazgos en la persona que una va a terminar siendo, poco más poco menos. Mi fascinación coincidió, ninguna sorpresa, con la edad en que yo también estaba, supongo, haciendo mi propia iniciación a este planeta. Tuve también la suerte o la desgracia de tener una vida que se presta mucho a ser contada como un relato de esa clase. Nací en una comunidad religiosa, empecé a abandonarla a comienzos de la adolescencia y todos los ritos iniciáticos de la juventud occidental (el primer beso, la primera escapada de tu casa, la primera borrachera, la primera rotura de corazón, el primer peligro concreto) estuvieron para mí un poco subrayados por ser la primera persona de mi familia que los vivía de esa manera. Pero siento que, además de todo eso, mi fascinación por esta suerte de género coincidió con un entusiasmo cultural en torno de él que lleva ya varias décadas: es la parte más snob de nuestro entusiasmo colectivo con la juventud.

Un grupos de críticos de la revista The New Yorker discutió en un podcast reciente la idea de que 2023 fue “el año de la muñeca”: varias de las películas más comentadas del año (Barbie, por supuesto; Priscilla, de Sofia Coppola, y Poor Things, de Yorgos Lanthimos, estrenada en nuestro país esta semana). Lo escuché, dice un par de cosas interesantes, pero me sorprendió que no aparecieran dos de los tópicos que para mí son las claves de este furor del leitmotiv de la muñeca. El primero, por supuesto: el de la juventud. En las tres películas, hay algún dispositivo relacionado con este status literal o metafórico de muñeca (Barbie es, en efecto, una muñeca que vive en un mundo de juguete; Priscilla se convierte en la muñeca de Elvis, que la tiene guardada en su casa, la viste y la peina como quiere; Bella Baxter, la protagonista de Poor Things, vive encerrada en el castillo de su creador y tiene el cerebro de un bebé) que hace que sean, en algún sentido, aún más jóvenes incluso que los años que tienen: saben aún menos del mundo de lo que debería saber una chica de su edad, las podemos ver más sorprendidas, más inocentes; en Priscilla y en Poor Things, sobre todo, queda claro que estas figuras de ojos bien abiertos son un elemento clave de la fantasía masculina sobre la femineidad, mucho más que un elemento clave de la identidad femenina.

Si todavía no nos cansamos de las muñecas, supongo, quizás habrá alguna película que se anime a jugársela por la fantasía, en contra del mundo real

Qué es una chica: una chica es algo que se guarda con cuidado hasta que se te escapa. Por supuesto, esas no son todas las chicas. Siempre tuve conciencia de eso: cuando yo vivía encerrada, veía perfectamente que las chicas con uniforme de colegio privado que me cruzaba por la calle, aunque no fueran judías ortodoxas, también vivían bastante encerradas. Las únicas chicas que no andaban encerradas eran las chicas humildes, que trabajaban vendiendo cosas en la calle o en casas ajenas, con una autonomía forzada por circunstancias que yo sabía que eran mucho menos favorables que las mía, y así todo las envidiaba igual. Las películas sobre muñecas son sobre chicas, pero son sobre una clase de chicas; son sobre princesas, palabra que cuando somos nenas usamos en el mismo sentido metafórico que muñecas.  

Supongo que en algún momento me cansé de las novelas de iniciación, y cada vez estoy más cansada: la idea de que el amor, el sexo, la vida en general, se disfruta más o incluso solamente cuando todo es nuevo me parece cada vez más haragana (y más masculina, tal vez: la mayoría de las mujeres que conozco disfrutan de sus cuerpos cada vez más, con los años, y no menos, aunque a los hombres les guste menos mirar esos cuerpos). Pero hay otro tópico que el podcast de The New Yorker no tocaba sobre las muñecas, que para mí es de lo más central que ese motivo trae, de lo más actual y de lo más perenne también: la pregunta por la realidad y la fantasía, por el significado de vivir una vida verdadera o auténtica, una vida con sentido.

Siento que, en parte, las muñecas vuelven porque esta pregunta ha vuelto con todo: las vidas en las que la satisfacción está codificada casi únicamente en relación con el consumo empiezan a sentirse tan vacías que el regreso de la pregunta del sentido es inevitable. Y no es solo eso: mi sensación es que a la vez que la vida puede sentirse vacía cuando solo se trata de cosas reales, también vivimos tiempos de realidad sobrecargada, una época sin espacio para la fantasía. Me hubiera gustado que alguna de estas tres películas tuviera una idea más lúcida sobre eso: una vez que sus heroínas abandonan los mundos de fantasía en los que nacieron (un universo de juguete, la casa de un millonario o el castillo casi encantado de un científico loco) la sensación es que dejan también atrás las fantasías y los juegos que les habían permitido sobrevivir sus encierros, en lugar de llevarlos consigo.

Pienso en obras que tienen casi cien años o incluso más, Un tranvía llamado deseo de Tennessee Williams o Casa de muñecas de Henrik Ibsen, que tenían mucho más para decir sobre esto: ambas se tomaban más en serio que estas tres películas la pregunta de qué es vivir una vida real, de cuáles son sus costos, de si de verdad la pena, de si siempre tiene final feliz. Entiendo que vivimos tiempos complicados, y que con el regreso de las derechas nadie quiere decir ni media mala palabra sobre la autonomía: si todavía no nos cansamos de las muñecas, supongo, quizás habrá alguna película que se anime a jugársela por la fantasía, en contra del mundo real. Aunque sea para probar; no tiene por qué ser una tesis seria. Es como cuando les quemás el pelo a las Barbies solo para ver qué pasa.

La sociedad de la nieve se enfrentaba este fin de semana a dos retos importantes. Uno, su llegada a Netflix, donde la película de Juan Antonio Bayona desembarcaba tras su paso por las salas. Y dos, su primera cita en la carrera de premios que, presumiblemente -y nominaciones el 23 de enero mediante-, concluirá en los próximos Oscar en marzo. El primer reto lo superó con creces. El filme es el más visto en todo el mundo y promete tener unas cifras de visionados que compensen el desembolso en el ambicioso filme hablado en español. En el segundo no pudo llevarse el Globo de Oro a la Mejor película de habla no inglesa, que ganó la francesa Anatomía de una caída que se confirma una vez más como uno de los títulos del año.

El filme de Justine Triet fue la sorpresa de la noche, ya que también se llevó el galardón al mejor guion por encima de varias de las favoritas de la noche. El libreto de Justine Triet y Arthur Harari, un thriller impecable que bajo la coraza de un thriller judicial radiografía una pareja, sale lanzado hacia los Oscar. Un éxito rotundo para el filme y para Cannes. El Festival afianza su posición como la cita imprescindible para el cine de autor y su influencia en la carrera de premios es ya indudable. Ganar la Palma de Oro es cada vez más importante, como demostró Parásitos y como recordó Triet en su discurso. No es de extrañar que en la mesa de Anatomía de una caída estuviera el director del certamen francés, Thierry Frémaux. 

La victoria de Anatomía de una caída no se podrá repetir en los Oscar, ya que Francia ha optado por elegir a A fuego lento, el drama culinario con Juliette Binoche en vez de al filme de Triet. Una decisión polémica que cada día que pasa se confirma como más errónea. Bayona lo tenía en esta ocasión más complicado que nunca, ya que en los Globos de Oro, al contrario que en los Oscar, puede optar cualquier filme que no esté hablado en inglés, por lo que este año había un popurrí de títulos que no podrán estar nominados en los premios de la Academia y que por tanto no serán rivales de la representante española. 

Era el caso de Anatomía de una caída, pero también de Vidas pasadas. Ambas optaban también al premio a la Mejor película dramática del año, y allí no tuvieron nada que hacer ante la mitad del fenómeno del año. El Barbenheimer explosionó también en Los Ángeles, pero solo a medias. Oppenheimer arrasó con todo y terminó la noche con cinco premios. Fue elegido como Mejor filme dramático, mejor dirección, mejor banda sonora, y también dos premios interpretativos. Tanto Cillian Murphy como Robert Downey Jr vencieron como Mejor actor protagonista en una película dramática y Mejor actor de reparto. “Gracias a los Globos de Oro por haber cambiado”, dijo Downey Jr. en su discurso dejando claro algo que no hacía falta hacer explicito al ver que todas las estrellas habían acudido a la llamada. Atrás quedan los años de castigo y polémica por la falta de diversidad y prácticas irregulares.

La otra parte del fenómeno del año, Barbie, se tuvo que conformar con los premios a la Mejor canción para el What I mas made for? De Billie Eilish y la categoría recién sacada de la manga de ‘Éxito comercial’. Un premio que no podía ser para nadie más. La película de Greta Gerwig logró que millones de personas se vistieran de rosa y llenaran las salas en verano, tal como recordó Margot Robbie, su productora y actriz protagonista. Lo hicieron en un momento crítico para la industria, con la huelga paralizando todo e impidiendo que las estrellas promocionaran las películas. “Gracias por crear un premio que conmemora a los fans”, dijo Robbie que vio como Pobres Criaturas le quitaba casi todos los galardones a su filme. El frankenstein feminista de Yorgos Lanthimos empieza a parecer la única alternativa a Oppenheimer para los Oscar al vencer como Mejor comedia y Mejor actriz. 

Ante el arrase de Oppenheimer fueron muchas las que quedaron como las grandes derrotadas de la noche. La zona de interés, Vidas pasadas y Maestro se fueron de vacío, y Los asesinos de la luna se tuvo que conformar con el premio a la Mejor actriz dramática para Lily Gladstone, que recogió su premio hablando en la lengua de su comunidad nativa, reivindicando su idioma y su cultura. Merecidísimo premio para Gladstone pero poco botín para la increíble e importante obra que ha creado Martin Scorsese sobre el genocidio de la comunidad Osage. “Gracias Martin porque estáis ayudando a cambiar las cosas”, dijo la actriz en el mejor discurso de la noche y uno de los pocos momentos de emoción en una gala larga y aburrida.

En los apartados interpretativos se reconoció la excelente labor de Alexander Payne como director de actores en Los que se quedan. Dos de sus intérpretes se llevaron el Globo de Oro. Paul Giamatti el de Mejor actor de comedia o musical por su cascarrabias profesor. El actor, que ya trabajó con Payne en Entre copas, le dedicó el premio a los maestros y dio las gracias al director por seguir teniendo fe en él. Por su parte, Da’Vine Joy Randolph se hizo con el de Mejor actriz de reparto y puede ir dando brillo a su próximo Oscar. No ha dejado escapar ni un premio en esta temporada y es la rival a batir. Como mejor película de animación se premió a un maestro, Hayao Miyazakio, que con El chico y la garza venció a la favorita Spider-Man:cruzando el multiverso.

Todo en una gala que demostró que los Globos de Oro ya han pagado su culpa por los pecados del pasado y vuelven a ser la fiesta a la que todos van. No faltó nadie. Ni Spielberg ni Oprah Winfrey, que dio el último premio de la noche. Fueron, eso sí, para sufrir una gala que nadie quiso presentar y que 10 días antes acabó cayendo sobre los hombros del humorista Jo Koy, que estuvo incómodo, tiró alguna pulla, pero nunca funcionó. Las caras de los nominados eran un poema y en varias ocasiones justificó la falta de tiempo. “Recibí el encargo hace diez días, ¿qué esperabais, una gala perfecta?”, dijo cuando alguno de sus gags no funcionó.

Lejos queda la mala baba de Ricky Gervais, las menciones políticas o a asuntos de actualidad (solo Jim Gaffgan se atrevió a mencionar de pasada a Epstein) y los momentos brillantes. Solo Kristen Wiig y Will Ferrell levantaron el nivel al presentar el premio al mejor actor de comedia o musical. Presentar los Globos de Oro seguirá siendo el año que viene un marrón que alguien tendrá que sufrir, aunque quizás, viendo que nadie se acuerda de las polémicas, tenga más pretendientes.

Algunas pasaron con éxito por salas de todo el mundo y se convirtieron en fenómenos sociales, otras circularon apenas en festivales de cine. Algunas fueron aclamadas por la crítica o muy celebradas por el público. Con la entrega de los Globos de Oro 2024 empieza la temporada de premiaciones en la industria audiovisual y algunas películas que compiten por una estatuilla ya se pueden ver en distintas plataformas de streaming.

A continuación, un repaso por los largometrajes nominados en distintas categorías de esta edición del premio de la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood que están disponibles en formato hogareño en los servicios más populares de América Latina.

1. Barbie. Fue una de las películas más comentadas de los últimos tiempos y llegó en diciembre al menú de HBO Max. Ahora compite en varios rubros de los más preciados, entre los que se encuentran los de Mejor Película, Dirección y Guión. También parte del elenco está nominado.

La película de la escritora y directora Greta Gerwig (Mujercitas, Lady Bird) tiene como protagonistas a Margot Robbie (El escándalo y Yo, Tonya) y Ryan Gosling (La La Land, Blade Runner 2049) como Barbie y Ken. El elenco se completa, entre otros, con America Ferrera (Supertienda, Cómo entrenar a tu dragón), Kate McKinnon (El escándalo, Saturday Night Live), Michael Cera (Scott Pilgrim vs. los ex de la chica de sus sueños, Juno), Ariana Greenblatt (Avengers: Infinity War), Issa Rae (Insecure), Rhea Perlman (Te veré en mis sueños, Matilda) y Will Ferrell.

La película Barbie está disponible en HBO Max.

2. Maestro. Llena de recursos –por momentos, demasiado pomposa–, Maestro es una de las películas que se estrenó con gran despliegue hacia finales de 2023 y que está centrada en la relación entre el compositor musical estadounidense Leonard Bernstein y su esposa Felicia Montealegre. Dirigida, protagonizada y en parte escrita por Bradley Cooper, se lanzó en el Festival de Cine de Venecia, pasó por salas y desembarcó recientemente en Netflix.

El elenco se completa con Carey Mulligan como Montealegre, Matt Bomer, Maya Hawke y Sarah Silverman en papeles de reparto. Compite en cuatro categorías: Película dramática, Actor, Actriz y Dirección.

Maestro está disponible en Netflix.

3. Air. Dirigida por Ben Affleck y basada en hechos reales, la película reconstruye el origen de Air Jordan, una línea de calzado deportivo por el que la marca Nike armó una campaña de publicidad millonaria a partir de un trato con Michael Jordan, cuando el deportista era una figura en ascenso.

La película, que compite en el rubro largometraje de comedia o musical y que tiene a Matt Damon entre los nominados a mejor actor, tiene un elenco de grandes figuras. Disponible desde mediados de año en Amazon Prime, además del propio Affleck y de Damon, el equipo de Air se completa con Jason Bateman, Marlon Wayans, Chris Messina, Chris Tucker y Viola Davis, entre otros.

Air está disponible en Amazon Prime Video. Reseña del largometraje, en este enlace.

4. La sociedad de la nieve. De origen español, La sociedad de la nieve es una película dramática dirigida y escrita por Juan Antonio Bayona que narra la llamada Tragedia de Los Andes. Basada en el libro homónimo de Pablo Vierci, que relata el accidente del vuelo 571 de la Fuerza Aérea Uruguaya en la cordillera de los Andes en 1972, lLa película está protagonizada por Enzo Vogrincic en el papel de Numa Turcatti, uno de los pasajeros del vuelo.

El largometraje, que está teniendo muy buena repercusión, circuló por varios festivales internacionales y se puede ver en la plataforma de Netflix, compite en los Globos de Oro en la categoría Película de habla no inglesa.

La sociedad de la nieve está disponible en Netflix. Más sobre el largometraje, en este enlace.

5. Saltburn. Definida por algunos expertos como “la película más depravadas de esta temporada de premios internacionales, Saltburn fue escrita, dirigida y coproducida por la actriz y realizadora británica Emerald Fennell.

Ambientada en Inglaterra a mediados de los 2000, la historia sigue a un estudiante de la Universidad de Oxford que se obsesiona con un compañero de estudios millonario, quien invita al joven a pasar el verano en la finca de su particular familia.

Con dos nominaciones en los Golden Globes y disponible en Amazon Prime Video, Saltburn está protagonizada por Barry Keoghan, Jacob Elordi, Rosamund Pike, Richard E. Grant, Alison Oliver, Archie Madekwe y Carey Mulligan.

Saltburn está disponible en Amazon Prime Video.

6. Elementos. Una exitosa producción de Disney y Pixar, que después de pasar por los cines de todo el mundo desembarcó en Disney + y compite en la categoría de Película de animación.

Dirigida por Peter Sohn, la película se sitúa en Ciudad Elementos, en donde conviven residentes de fuego, agua, tierra y aire. El largometraje presenta a Ember (en la voz de Leah Lewis en la versión en inglés), cuya amistad con un joven divertido y sentimental llamado Wade (en la voz de Mamoudou Athie en la versión en inglés) le hace cuestionarse no sólo sus convicciones sobre el mundo en el que viven, sino la persona que quiere ser.

Elementos está disponible en Disney+.

7. No Hard Feelings (Hazme el favor). “Una comedia producida y protagonizada por Jennifer Lawrence en el papel de Maddie, una chica con grandes problemas financieros dentro de los cuales se encuentra salvar la casa en la que creció. En la búsqueda de un nuevo empleo, una pareja adinerada le ofrecen a Maddie una oportunidad única pero bastante extraña; salir con su hijo Percy y lograr sacarlo de. su caparazón, antes de que ingrese a la universidad”, señala la sinopsis oficial de este largometraje que tiene a su protagonista nominada en el rubro Actriz de Comedia o Musical.

No Hard Feelings está disponible en HBO Max.

8. Spider-Man: a través del Spider-verso. Según señala la sinopsis oficial del largometraje, en esta nueva entrega de la franquicia, Miles Morales (Shameik Moore) vuelve a la pantalla para una nueva misión. Mientras lidia con su agitada nueva vida como superhéroe, Miles acaba siendo transportado a un multiverso donde se encuentra con varios Spider-Men de diferentes dimensiones. Junto a Gwen Stacy (Hailee Steinfeld) y un nuevo equipo de Spider-Personas que deben proteger su propia existencia, el héroe se embarca en una aventura épica. Luego de su paso por los cines, la película, que tiene dos nominaciones en los rubros Animación y Música, desembarcó en HBO Max.

El largometraje Spider-Man: a través del Spider-verso se puede ver en HBO Max.

9. Super Mario Bros: la película. Luego del exitoso estreno mundial en cines, Super Mario Bros: la película llegó al streaming en diciembre de 2023 a través de HBO Max. Una producción que combina a dos íconos pop del mundo de los videojuegos con el cine de animación. En los Golden Globes compite en las categorías Animación y Canción Original.

“Basada en el mundo de los juegos Super Mario de Nintendo, la película cuenta la historia de dos plomeros de Brooklyn que son hermanos y mejores amigos: Mario, el valiente con actitud de ‘vamos allá’, y el siempre ansioso Luigi, que preferiría no ir a ninguna parte. Comenzamos con los hermanos Super Mario lidiando con su negocio de plomería en problemas y terminamos en una aventura vertiginosa a través del Reino Champiñón. A lo largo de su viaje, conocemos a un elenco de personajes familiares y adorables, que finalmente se unen para derrotar al villano hambriento de poder, Bowser Koopa”, detalló la plataforma que la exhibe en un comunicado. 

El elenco detrás de los personajes incluye a Chris Pratt como Mario, Charlie Day como Luigi, Anya Taylor-Joy como Princesa Peach, Keegan-Michael Key como Toad, Jack Black como Bowser, Seth Rogen como Donkey Kong, y Fred Armisen como Cranky Kong.

Super Mario Bros: la película está disponible en HBO MAX.

AL/MG

“Barbie”, de Greta Gerwin; “Pobres criaturas” de Yorgos Lanthimos; “Los asesinos de la luna”, de Martin Scorsese, y “Oppenheimer”, de Christopher Nolan, fueron los filmes con más menciones entre los finalistas de 10 categorías que la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas anunció este jueves para la próxima 96ª ceremonia de los Oscar.

A casi un mes de que se anuncien las nominaciones completas, las diez categorías que se dieron a conocer fueron: Largometraje documental, Cortometraje documental, Largometraje internacional, Maquillaje y peluquería, Música (partitura original), Música (canción original), Cortometraje animado, Cortometraje Live Action y Efectos Visuales y de Sonido, informó la prensa internacional.

El aclamado filme de Greta Gerwig, “Barbie”, encabezó la lista con cinco menciones preliminares, incluyendo sonido y canción original con tres nominaciones: “What I Was Made For?” de Billie Eilish, “Dance the Night” de Dua Lipa y “I'm Just Ken” de Mark Ronson y Andrew Wyatt, y música original del último dúo.

El filme de Scorsese protagonizado por Leonardo DiCaprio obtuvo cuatro menciones preliminares, en tanto “El color púrpura”, “Oppenheimer” y “Pobres criaturas” se alzaron con tres cada uno.

La votación para las nominaciones oficiales se realizará entre el 11 y el 16 de enero y el anuncio se hará el 23 del mismo mes. La votación final será del 22 al 27 de febrero y la entrega de la 96ª Premios de la Academia se llevará a cabo el domingo 10 de marzo.

Aquí los finalistas de 10 categorías:

Largometraje documental

“Sinfónica Americana”

“Apolonia, Apolonia”

“Más allá de la utopía”

“Bobi Wine: El Presidente del Pueblo”

“Almas desesperadas, Ciudad Oscura y la leyenda del vaquero de medianoche”

“La Memoria Eterna”

“Cuatro Hijas”

“Ir a Marte: El proyecto Nikki Giovanni”

“En el retrovisor”

“Sellado desde el principio”

“Foto fija: una película de Michael J. Fox”

“Una pequeña y apacible voz”

“32 sonidos”

“Matar a un tigre”

“20 días en Mariupol”

Cortometraje Documental

“El ABC de la prohibición de libros”

“El barbero de Little Rock”

“Oso”

“Entre la Tierra y el Cielo”

“El juego de las niñas negras: la historia de los juegos de manos”

“Campamento de Coraje”

“Voto decisivo”

“Cómo nos liberamos”

“Si los sueños fueran relámpagos: crisis de atención sanitaria rural”

“Isla en el medio”

“El último taller de reparación”

“Última canción de Kabul”

“Nai y Wai Po”

“Oasis”

“Alas de polvo”

Largometraje internacional

Armenia, “Amerikatsi”

Bután, “El monje y la pistola”

Dinamarca, “la tierra prometida”

Finlandia, “Hojas caídas”

Francia, “El sabor de las cosas”

Alemania, “La sala de profesores”

Islandia, “la tierra de Dios”

Italia, “Yo Capitán”

Japón, “Días perfectos”

México, “Tótem”

Marruecos, “La madre de todas las mentiras”

España, “Sociedad de la Nieve”

Túnez, “Cuatro Hijas”

Ucrania, “20 días en Mariupol”

Reino Unido, “La Zona de Interés”

Maquillaje y Peluquería

“El novio tiene miedo”

“Ferrari”

“Golda”

“Asesinos de la luna de flores”

“El último viaje del Deméter”

“Maestro”

“Napoleón”

“Oppenheimer”

“Cosas pobres”

“Sociedad de la Nieve”

Sonido

“Barbie”

“El creador”

“Ferrari”

“El asesino”

“Asesinos de la luna de flores”

“Maestro”

“Misión: Imposible - Dead Reckoning Parte Uno”

“Napoleón”

“Oppenheimer”

“La Zona de Interés”

Música (partitura original)

“Ficción americana”

“Sinfónica Americana”

“Barbie”

“El niño y la garza”

“El color morado”

“Elemental”

“Los remanentes”

“Indiana Jones y el dial del destino”

“Asesinos de la luna de flores”

“Oppenheimer”

“Cosas pobres”

“Quema de sal”

“Sociedad de la Nieve”

“Spider-Man: A través del Spider-Verse”

“La Zona de Interés”

Canción original

“Nunca desapareció” de “American Symphony”

“Querido alienígena (que estás en el cielo)” de “Asteroid City”

“Baila la noche” de “Barbie”

“Solo soy Ken” de “Barbie”

“¿Para qué fui hecho?” de “Barbie”

“Keep It Movin'” de “El Color Púrpura”

“Superpoder (I)” de “El Color Púrpura”

“El fuego interior” de “Flamin' Hot”

“High Life” de “Flora e hijo”

“Meet In The Middle” de “Flora and Son”

“No puedes atraparme ahora” de “Los juegos del hambre: La balada de pájaros cantores y serpientes”

“Wahzhazhe (Una canción para mi pueblo)” de “Killers of the Flower Moon”

“Ojos tranquilos” de “Vidas pasadas”

“Camino a la libertad” de “Rustin”

“Estoy soñando” de “Spider-Man: A través del Spider-Verse”

Cortometraje animado

“Auge”

“Víspera”

“Humo (Smoke)”

“Soy moderno”

“Una especie de testamento”

“Koerkorter (Apartamento para perros)”

“Carta a un cerdo”

“Noventa y cinco sentidos”

“Érase una vez un estudio”

“Nuestro uniforme”

“Paquidermo”

“Pete”

“27”

“¡Guerra ha terminado! Inspirado en la música de John y Yoko”

“Invocación salvaje”

Cortometraje Live Action

“El después”

“La tienda de regalos de Ana Frank”

“Un hoyo de aguacate”

“Bienvenidos a Los Ángeles”

“Gato muerto”

“Buen chico”

“Invencible”

“Frontera invisible”

“Caballero de la Fortuna”

“El hombre de una nota”

“Rojo, blanco y azul”

“El pastor”

“Extraña forma de vida”

“La maravillosa historia de Henry Sugar”

Efectos visuales

“El creador”

“Godzilla menos uno”

“Guardianes de la Galaxia Vol. 3”

“Indiana Jones y el dial del destino”

“Misión: Imposible - Dead Reckoning Parte Uno”

“Napoleón”

“Cosas pobres”

“Rebel Moon - Primera parte: Un niño de fuego”

“Sociedad de la Nieve”

“Spider-Man: A través del Spider-Verse”

Con información de agencias.

IG

Las películas “Barbie” y “Oppenheimer”, junto a la serie “Succession”, dominan las nominaciones a la 81ra. edición de los premios Globos de Oro de la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood, que se entregarán el 7 de enero en Beverly Hills, del estado norteamericano de California.

“Barbie”, de Greta Gerwig y “Oppenheimer”, de Christopher Nolan, con nueve y ocho candidaturas, respectivamente, son los filmes más nominados seguidos por “Los asesinos de la luna”, de Martin Scorsese y “Pobres criaturas”, de Yorgos Lanthimos, ambas con siete candidaturas.

Por su parte en televisión, la cuarta y última temporada de la serie “Succession”, lidera las nominaciones con nueve candidaturas.

Por el galardón a la mejor película dramática competirán “Anatomía de una caída”, de Justine Triet, “La zona de interés”, de Jonathan Glazer; “Vidas pasadas”, de Celine Song; “Maestro”, de Bradley Cooper; y las mencionadas “Los asesinos de la luna” y “Oppenheimer”.

Las nominadas al Globo de Oro a la mejor película de comedia o musical son “Air”, de Ben Affleck; “American Fiction”, de Cord Jefferson; “Los que se quedan”, de Alexander Payne; “Secretos de un escándalo”, de Todd Haynes; “Pobres criaturas”, de Yorgos Lanthimos; y “Barbie”, de Greta Gerwig.

La propia Gerwig competirá por el premio a la mejor dirección con Scorsese, Nolan, Cooper, Song y Lanthimos.

El filme español “La sociedad de la nieve”, de Juan Antonio Bayona, que es uno de las candidatos al Globo de Oro a la mejor película de habla no inglesa, competirá con la cinta francesa “Anatomía de una caída; la italiana ”Yo, capitán“, de Matteo Garrone; la finlandesa ”Fallen Leaves“, de Aki Kaurismäki; la británica ”La zona de interés“, de Jonathan Glazer; y ”Vidas pasadas“ de Celine Song.

En tanto en la nueva categoría, la que reconoce al “logro cinematográfico y de taquilla” del año, popularmente conocida ya como el premio al mejor blockbuster, entre las nominadas se destaca Taylor Swift, con la película sobre su gira “The Eras Tour”.

Las otras nominadas con “Barbie”, “Oppenheimer”, “John Wick 4”, “Super Mario Bros”, “Misión imposible: Sentencia mortal - Parte 1” y “Spider-Man: Cruzando el Multiverso”.

En televisión la cuarta y última temporada de “Succession”, con nueve candidaturas, la segunda temporada de “The Bear” y la tercera de “Only Murders in the Building”, con cinco nominaciones cada una, son las favoritas, en las que también destaca “The Crown” que opta a cuatro galardones con la primera parte de su sexta y última temporada.

Por el premio a la mejor serie dramática competirán, junto a “Succession”, “1923”, “The Crown”, “La diplomática”, “The Morning Show” y la ficción apocalíptica “The Last of Us”.

En comedia, las nominadas a la mejor serie del año son 'Colegio Abbott', “Barry”, “The Bear”, “Jury Duty”, “Only Murders in the Building” y “Ted Lasso”.

Las nominadas a la mejor miniserie o telefilme son “La luz que no puedes ver”, “Bronca”, “Todos quieren a Daisy Jones”, la cuarta temporada de “Fargo”, “Compañeros de ruta” y “Cocina con química”.

También en televisión hay un nuevo premio, se trata del reconocimiento al mejor monólogo de comedia en vivo. Una categoría en la que los nominados son Ricky Gervais por “Ricky Gervais: Armageddon”; Trevor Noah por “Trevor Noah: Where Was I”; Chris Rock por “Chris Rock: Selective Outrage”; Amy Schumer por “Amy Schumer: Emergency Contact”; Sarah Silverman por “Sarah Silverman: Someone You Love”; y Wanda Sykes por “Wanda Sykes: I'm an Entertainer”.

Con información de agencias.

IG

Permitir que las niñas y mujeres escuchen a la misma Barbie decirles que pueden llegar a ser lo que se propongan –desde médico a astronauta o presidenta del Gobierno– no está entre los planes de algunos líderes de países árabes y de mayoría musulmana que habitualmente tratan de evitar la influencia occidental y, en este caso, de la muñeca más famosa de Occidente.

La reacción frente al éxito de taquilla Barbie puso una vez más en evidencia las contradicciones sociales en Oriente Medio, donde algunos Gobiernos optaron por prohibirla, mientras que otros permitieron su estreno para dar una imagen liberal y abierta de cara al exterior, y contentar a unos ciudadanos que ansían cada vez más libertad.

Este es el caso de Arabia Saudita y otras monarquías del Golfo Pérsico, en las que los gobernantes tuvieron que relajar su puño de hierro ante una pujante y joven sociedad que está cada vez más conectada con el mundo y mejor educada, tal y como indican las estadísticas.

Arabia Saudita reabrió sus salas de cine en 2018, después de 30 años cerradas, debido a la estricta interpretación del islam que empezó a aplicarse en el reino en los años 70 y 80. Ahora, sin embargo, el cine y el entretenimiento representan un importante sector económico.

Las consideraciones económicas, muy relevantes en el caso de un éxito mundial como Barbie, han tenido su peso a la hora de permitir su proyección en algunos países, como Emiratos Árabes Unidos, mientras que en otros los valores morales y religiosos predominantes, y las presiones políticas, se impusieron.

Hizbulá contra 'Barbie'

En el Líbano, considerada la nación más liberal de Oriente Medio y tradicionalmente uno de los centros culturales de la región, el ministro de Cultura, Mohamed Murtada, pidió prohibir Barbie por considerar que “promueve la homosexualidad” y que va en contra de los valores familiares de esta nación en la que conviven musulmanes chiíes, suníes y cristianos maronitas, además de otras comunidades minoritarias.

A pesar de que en la película Barbie no se hace ninguna referencia explícita a la homosexualidad, el Ministerio de Interior podría prohibir su proyección alegando motivos de “seguridad nacional”, algo frecuente ante cualquier elemento que pueda generar controversia o poner al país frente a sus contradicciones y fantasmas.

El ministro de Cultura o el Gobierno no pueden prohibir el filme unilateralmente si este obtiene el visto bueno del órgano encargado de la censura, que habría aprobado la proyección de Barbie, según la ONG de estudio y promoción de la ley Agenda Legal, pero con una condición: que la película sea clasificada para mayores de 13 años. La ONG explica en un detallado comunicado que, sólo en el caso de que el comité censor recomiende no proyectarla, el ministro de Interior puede decidir si hacerlo o no; pero, si la película ha pasado la censura, no puede prohibirla.

El ministro, cercano a las posturas de los grupos políticos chiíes, impulsó la semana pasada un proyecto de ley que castiga con penas de cárcel la “promoción” de las relaciones homosexuales, tal y como informó a través de la red social X (Twitter). El texto contempla penas de hasta tres años de cárcel y multas equivalentes a más de 5.000 euros por “cada acto que promueva las relaciones sexuales pervertidas contra la naturaleza, explícita o implícitamente”.

Asimismo, estipula las mismas penas para quienes fomenten “la posibilidad de cambio de sexo o publiquen información dirigida a menores que les haga querer cambiar su género u orientación sexual”.

El Líbano es uno de los pocos países árabes en los que la homosexualidad no es un tabú tan grande. El famoso grupo de música libanés Mashrou Leila fue de los primeros que abogaron por los derechos de la comunidad LGTBI desde los escenarios y su cantante, Hamed Sinno, se declaró homosexual abiertamente, lo que llevó a que las actuaciones de la banda fueran vetadas en Egipto y otros lugares.

A día de hoy, el peso y la influencia política y social que fueron ganando los chiíes en la otrora 'Suiza de Oriente Medio' se nota también en el aspecto cultural, y parece estar detrás del veto de Barbie.

La organización Human Rights Watch (HRW) ha denunciado recientemente que la retórica violenta del líder del grupo libanés Hizbulá, el clérigo chií Hassan Nasrallah, provocó una ola de acoso y odio online contra miembros del colectivo LGTBI, que suelen guardar un perfil bajo en el Líbano.

El poderoso líder pidió en un discurso a finales de julio matar a los homosexuales y hacer frente a estas personas “con todos los medios, sin límites”, según HRW.

¿Dónde se puede ver Barbie?

De momento, no hay una decisión definitiva en Líbano y la cadena de salas de cine Vox, en la que se está proyectando Barbie en otros países de la región, todavía tiene en su cartelera el estreno del filme en Beirut el 31 de agosto, pero para mayores de 18 años, a pesar de que el género de la película sea “familiar”.

Lo mismo aparece en la web de Vox en Kuwait, aunque el Gobierno de este país del Golfo aparentemente moderado haya anunciado que Barbie no será visionada porque contiene “ideas y creencias ajenas a la sociedad kuwaití y al orden público”, según la agencia oficial de noticias KUNA.

En el sultanato de Omán también está previsto su estreno el 31 de agosto, mientras que en Qatar, país anfitrión del último Mundial de Fútbol, ni siquiera hay fecha y las autoridades no se han pronunciado al respecto. Argelia permitió su estreno el 21 de julio, pero la semana pasada decidió retirar la película de las salas de cine, donde cerca de 400.000 espectadores ya habían podido verla en las tres semanas que estuvo en la cartelera, según datos de la Agencia EFE. Según medios locales, las autoridades retiraron la película por “atentar contra la moral”.

En Jordania, la autoridad censora dio luz verde a su estreno a finales de mes, aunque ya hubo críticas por su permisividad, mientras que en Emiratos Árabes Unidos, Bahréin, Arabia Saudí y Egipto, entre otros países árabes, Barbie ya se puede ver en los cines multi salas Vox.

Si bien no sorprende que haya llegado y triunfado en Dubái (con un vídeo promocional de una Barbie gigante junto a la torre más alta del mundo, Burj Khalifa, ubicada en el centro turístico de la ciudad), sí generó cierto estupor que el filme haya pasado los filtros de la censura en Arabia Saudí, considerado el país más conservador de la región y, en concreto, el que menos respeta los derechos de la mujer.

Dobles estándares en Arabia Saudita

“Hay que tener en cuenta que, en esta fase, Arabia Saudita está tomando cada decisión para atraer a los turistas. El estreno y proyección de Barbie puede dar fácilmente la impresión de que Arabia Saudita es un país abierto. La gente sólo ve eso y no puede ver la realidad sobre el terreno”, afirma a elDiario.es Lina Alhathloul, jefa de monitoreo y promoción de los derechos humanos de la ONG saudí ALQST.

La activista dice que existe “una clara contradicción y dobles estándares” en su país. “Hay una Arabia Saudita para los turistas y los occidentales y otra para los saudíes y musulmanes”. Pone como ejemplo el futbolista Cristiano Ronaldo, fichado en enero por el club saudí Al Nassr y que vive en el reino con su mujer, sin estar casados, mientras que “si una mujer saudí mantiene relaciones extramatrimoniales puede ser durante castigada”.

“Arabia Saudita se ha abierto sólo para los turistas y para las inversiones (extranjeras), pero no para su propia gente”, agrega.

Tienes la película de Barbie en los cines, pero al mismo tiempo las mujeres saudíes son juzgadas como terroristas

En Riad “tienes la película de Barbie en los cines, pero al mismo tiempo las mujeres sauditas son juzgadas como terroristas por no llevar la abaya negra (túnica que cubre todo el cuerpo y que es obligatoria en público)”, denuncia Alhathloul, en referencia al caso de dos hermanas, Foz y Manahel al Oteibi, perseguidas por no llevar esa prenda y por tuitear sobre los derechos de las mujeres. Foz logró huir del país mientras que Manahel está siendo juzgada por un tribunal especial que se encarga de casos de terrorismo y de seguridad nacional.

Aunque las autoridades sauditas hayan permitido que las mujeres conduzcan un vehículo o soliciten su propio pasaporte sin el consentimiento de un tutor (padre, hermano, marido, hijo), “el sistema de tutela masculina sigue afectando negativamente a todos los ámbitos de la vida de las mujeres y restringe considerablemente sus libertades”, según Alhathloul.

Es más, “desobedecer al tutor sigue siendo un crimen, lo cual hace que estas nuevas libertades no tengan efecto legal si el tutor masculino se opone” a que la mujer las ejerza. La activista detalla que una mujer puede ser sometida a una especie de arresto domiciliario si desobedece a su tutor, si se marcha de su casa o si mantiene relaciones extramatrimoniales, entre otros “delitos” tipificados por la ley saudí.

Las pocas libertades que las autoridades han concedido a las mujeres sauditas en los últimos años se enmarcan en las reformas promovidas por el príncipe heredero, Mohamed Bin Salmán, que busca modernizar la imagen del reino y, sobre todo, su economía para que no dependa exclusivamente del petróleo. Pero las mujeres que exigen plenos derechos y, además, ejercen su libertad de expresión, siguen siendo perseguidas y varias se encuentran entre rejas.

Según Alhathloul, en los pasados meses “al menos cuatro mujeres han sido juzgadas y condenadas a largas penas de prisión ”por su actividad pacífica en las redes sociales, mientras que otras defensoras de los derechos de las mujeres, como su hermana Loujain, que estuvo en la cárcel casi tres años, Samar Badawi y Nassima al Sadah siguen sufriendo “duras restricciones” tras su excarcelación, en primer lugar, la prohibición de salir del país.

La activista de ALQST dice que las autoridades saudíes aplican un “castigo colectivo” y ayudan a crear un “clima de miedo” en torno a las feministas: “A las familias también les pueden prohibir viajar (...) por lo que estas no hablan de sus familiares encarceladas; los juicios tienen lugar a puerta cerrada y, además, son tribunales (encargados) de terrorismo y no hay información en los registros judiciales”. Por todos estos motivos, “es difícil saber cuántas mujeres están en prisión” en Arabia Saudita.

Aparte de las ONG sauditas, con sede fuera del país, las organizaciones internacionales como Human Rights Watch y Amnistía Internacional vienen denunciando la persecución de las mujeres que abogan por sus derechos así como de hombres sauditas que expresan su opinión por medios pacíficos, a través de las redes sociales o periodistas profesionales.

Algo Prestado es un podcast de elDiarioAR realizado por Tamara Tenenbaum, junto a un invitado cada semana. Está alojado en Spotify, plataforma líder para la publicación de podcast, y también en otras aplicaciones de streaming.

TT

Elon Musk, el individuo más rico del mundo, bien podría ser un muñeco de Mattel. No quiero decir que merezca el reconocimiento, sino que se asemeja a un Ken por lo poco expresivo y lo muy distanciado del mundo real. Sin embargo, en estos días el magnate vio la película Barbie y no le gustó: se quejó por la cantidad de veces que se pronuncia la palabra patriarcado, aunque todo indicaría que su disgusto es más ideológico que lexical.

Musk es un macho molesto con Mattel, pese a que su mundo resulta tan artificial como el universo rosa Barbie. Y probadamente más dañino. Autodefinido como un tecnófilo pro-natalidad, el empresario tuvo (hasta ahora, según advierte) diez hijes porque le preocupan las bajas tasas de natalidad en países “desarrollados” como EEUU. Entonces, recurrió a la manipulación embrionaria para crear su descendencia con los mejores genes posibles. De hecho, quiere poblar su país de “genios” a su imagen y semejanza, y asegurar así una supremacía blanca tecnocrática que lidere los destinos de Estados Unidos (¿y del mundo? Atención Pinky y Cerebro). Es justo aclarar que Musk fue diagnosticado como autista y, tal vez, su fascinación por determinados temas esté justificada por su condición. Sin embargo, no podemos responsabilizar al autismo por su férreo republicanismo racista, su activa militancia eugenésica ni su evidente (aunque negada) transfobia. Basta saber que Vivian, su hija trans, cortó todo vínculo con él y adoptó legalmente el apellido materno.

Pero el delirante plan de dominación no termina en la manipulación genética. Musk cree que Vivian está influida por el “neo-marxismo de la educación” y, por eso, el hombre decidió retirar a sus criaturas del sistema de enseñanza oficial y fundar su propia escuela elitista Ad Astra (“hacia las estrellas”), una institución que pone el foco en la inteligencia artificial, la codificación y el diseño, pero no incluye el estudio de lenguas ni la práctica de música o deportes. Difícil aceptar que exista en él una vocación por la diversidad. 

Por otra parte, el mes pasado nos sorprendimos con que el pajarito de Twitter había sido reemplazado por una X. Toda una incógnita. Resultó ser que Musk, presidente ejecutivo de la empresa, había decidido renombrar “Equis” a la red social, en una nueva muestra de sus obsesiones: tiene un hijo llamado X Æ A-XII (una mezcla de variable matemática, inteligencia artificial y su avión favorito) y tiene una hija de nombre Exa Dark Sideræl (otro oscuro mix de X y temas espaciales). ¡¿Es que nadie piensa en les niñes?! Sucede que EEUU es el único país “desarrollado” que no ratificó la Convención por los Derechos del Niño. ¡Ah! Y tampoco ratificó la Convención sobre la Eliminación de Todas las Formas de Discriminación Contra la Mujer. ¿Casualidad? No lo creo.

Musk ambiciona crear una “aplicación para todo” bajo la marca “X” y por eso insiste con el polémico signo. Pero, ¿qué representa el logo que eliminó al pajarito azul? El equipo creativo responsable del cambio asegura que el objetivo era lograr un diseño sencillo y equilibrado. Sin embargo, el argumento resulta endeble: no sólo porque sencilla y equilibrada es –por ejemplo– la esvástica, sino porque el nuevo logo presenta uno de los palitos de la equis mucho más grueso que el otro y en primer plano (¿más poronga?), mientras el otro es frágil y ocupa un lugar de subordinación dentro del dueto. Así, la nueva imagen de la empresa no representaría exactamente una bienvenida equidad (sencilla y equilibrada), sino una explícita desigualdad estructural (compleja y desequilibrante). ¿Será por eso que a Musk le disgustó el mensaje feminista de Barbie?

Ahora aparece un nuevo muñeco en escena. Mark Zuckerberg, el presidente de Facebook/Meta, aceptó el desafío de Musk a pelear dentro de una jaula. Sí, como si fueran bestias salvajes (¿acaso no lo son?), los dos monopolizadores del negocio de las redes sociales se excitan midiéndosela en público. No quieren que haya pan para todes; por eso, proponen circo.

Por desgracia, los proyectos mesiánicos del norte global son productos de exportación y ciertos personajes de la política local cuentan con el aval y el financiamiento de aquellos poderes tenebrosos. En estas elecciones, en Argentina volvemos a escuchar discursos que proponen eliminar la educación pública, cerrar el INaDi o incluso dinamitar el Banco Central. Como si extrañaran las políticas de desaparición, tortura y exterminio, los partidos elitistas insisten con naturalizar las jerarquizaciones en la sociedad y redistribuir la riqueza para arriba. Hood Robin otra vez.

Sabemos que ninguna deconstrucción es fácil, pero revisitar los privilegios (todos) resulta indispensable. Muchos hombres que, como Ken, no tienen preocupaciones económicas juegan al monopoly con nuestros países, nuestras identidades y nuestro futuro. Muchos varones que, como Milei, se asustaron con los avances del feminismo juegan a conservar los privilegios atávicos a costa de los derechos ajenos: del lenguaje inclusivo dijeron que era una aberración; de la justicia social, también.

Las elecciones del domingo 13 tiñeron el mapa de la Argentina de violeta, aunque no precisamente del violeta feminista. En un acto de violencia simbólica, La Libertad Avanza se robó el color de la equidad de géneros para vomitar una propuesta de inequidad y exclusión deliberadas. La libertad retrocede y se alejará para siempre si no votamos con responsabilidad histórica en octubre. Se entiende la decepción generalizada en relación con las dos fuerzas políticas mayoritarias, pero elegir a conciencia un programa delirante, extranjerizante, sexista y negacionista no puede ser la salida. Con muñecos así, Barbie es toda una lideresa.

Malena Zabalegui es escritora y autora de “Sexo Oral”, “Juegos Sexuales” e “Inclusivo”.

Me gusta que volvamos a hablar de las películas como acontecimientos, aunque sea por un rato. Hace tiempo que no percibía la sensación de “tener” que escribir sobre algo. En la coyuntura política existe algo así como el evento de la semana, y los columnistas políticos más o menos saben que tienen que cubrirlo. La actualidad cultural, en cambio, es cada vez tanto más infinita y dispersa que ya es raro sentir la obligación de comentar una novela o una película. Ya he escrito sobre Barbie, y estrictamente, no soy crítica de cine y probablemente nadie necesite que yo escriba sobre Oppenheimer. Si no fuera por todo el marketing que se armó alrededor del estreno simultáneo, de hecho, no escribiría sobre una película que ni siquiera me gustó tanto. Pero me pareció que en el fondo, la epopeya de Nolan habla tanto de nuestra época como la (para mi gusto) mucho más lograda de Gerwig, y que vale ver qué tan lejos nos puede llevar en el análisis el meme de Barbenheimmer.

En términos de adaptación, Barbie y Oppenheimer eran ejemplos contrapuestos: en el primer caso tenemos una muñeca sin relato, una muñeca que literalmente había sido todo y podía ser cualquier cosa, puro plástico y plasticidad. La historia de Robert Oppenheimer, en cambio, venía ya de fábrica con una serie de conflictos de vida o muerte, personajes interesantes, oscuros y contradictorios e incluso un par de escenas espectaculares que prácticamente se escriben solas (como el testeo de la bomba en el desierto estadounidense, que Christopher Nolan aprovecha con virtuosismo cinematográfico en la que es por lejos la mejor parte de la película). Al contrario de lo que mucha gente cree (toda esa gente que te dice “es una historia genial, deberías hacer algo con eso”), pienso que es mucho más difícil hacer una película con una historia extraordinaria que con un IP que no te da nada. La historia extraordinaria es una responsabilidad; hacer las cosas mal es “desaprovechar una oportunidad”. En la misma línea, esas historias suelen tener tantas partes geniales que una especie de FOMO (Fear of Missing Out, miedo de perderse de algo, el mal de nuestra época) se apodera de quienes las adaptan y terminan sacrificando narración, belleza, profundidad e inteligencia en el altar de la completud. Es un poco lo que le pasa a Nolan con Oppenheimer, pero ni esa voluntad enciclopédica ni la solemnidad grandilocuente ni la falta de frescura son los problemas que me interesan. O sí, en realidad, porque estos problemas están conectados con el problema que interesa, aunque sean más efectos que causas.

Lo que me dejó pensando es que el problema de esas películas de superhéroes que algunos nos la pasamos denostando no son las películas de superhéroes, es decir, no es que esas películas existan, ni siquiera que sean las películas más vistas: sino que el hecho de que sean las películas más vistas genera una especie de efecto contagio sobre el resto de las películas, del mainstream y quizás más allá. Quintín lo desliza en su crítica excelente y demoledora: “...esa gente que hace películas también maneja la tecnología actualizada de los guiones, en los que no hay héroes sino superhéroes o antihéroes y por eso en Oppenheimer, a diferencia de los viejos biopics solo hay personajes turbios”. De la estética de los superhéroes que se ha derramado sobre tantas producciones que no tienen nada que ver con esos universos a Quintín le molesta lo turbio. Tiene razón, pero a mí me molesta más la teoría de la subjetividad que leo en los armados de los superhéroes, y el modo en que eso influye sobre películas que, como Oppenheimer, se tratan de otra cosa; básicamente, de gente de verdad.

Unos días después de ver Oppenheimer empecé a leer Caja 19, de Claire-Louise Bennett, en una traducción preciosa de Laura Wittner. Me atrapó de inmediato porque tiene unas técnicas bastante curiosas para narrar el nacimiento sedimentario de la subjetividad de una escritora: digo sedimentario porque justamente, no es un nacimiento construido a partir de grandes acontecimientos puntuales, ni tampoco hecho completamente de talentos y excentricidades traídas desde la cuna. Entendí que eso era lo que me había molestado de Oppenheimer: la construcción del superhéroe que se convierte en quién es a partir de una combinación de dotes divinas que vienen de nacimiento y eventos trascendentales en los cuales el (super)héroe, en lugar de descubrir algo con genuina sorpresa, descubre en realidad algo que siempre estuvo dentro suyo. El (super)héroe, a diferencia del héroe, no se deja afectar por lo que lo rodea, salvo por “su única debilidad”, que siempre es una debilidad con significado, nunca algo que no se pueda explicar. El (super)héroe, igual que toda la película de Nolan, tiene “contradicciones”, pero no tiene cabos sueltos. Su personalidad se hace con líneas rectas, sin borrones, sin dibujitos.

En Caja 19, en cambio, vemos nacer a esta escritora adolescente en el modo en que reflexiona sobre la materialidad del acto de leer; en la angustia que le produce escribir con otros, ofrecer en el trabajo en grupo del secundario las más aburridas de sus opiniones porque defender las más inteligentes le daría demasiada fiaca. La vemos titubear, la vemos tomar direcciones impensadas, la vemos ir a lugares que no la conducen a ninguna parte. Me hizo pensar en el Retrato de un artista adolescente de James Joyce, pero sobre todo, y más que nada, en la Odisea, el ejemplo paradigmático de la construcción de un héroe que cree que sabe adónde va pero en realidad no sabe, y en el fondo sabe que no sabe. Es eso, finalmente, lo que más me molestó de Oppenheimer: el modo en que encarna una teoría de la subjetividad completamente basada en la conciencia y en la certidumbre, una teoría de la subjetividad que, por supuesto, tiene todas las chances de ser bien recibida en esta época en la que lo único que interesa de la subjetividad es lo que se puede controlar, y lo que se puede elegir. Es curioso porque empecé pensando que el problema de Oppenheimer era su solemnidad, es decir, su falta de sensibilidad para la comedia; y es verdad, pero la otra cara de ese problema es la falta de sensibilidad para la tragedia, para contar las historias de héroes que no son responsables de todo los que les pasa. En el fondo es lo mismo: los superhéroes no son cómicos ni trágicos porque no son humanos.

Supongo que la debilidad por lo humano, en una época que quiere ser posthumana, es una nostalgia tan retrógrada como cualquier otra: pero ver esa falta de humanidad en una película ubicada en el cénit del siglo XX, en el epicentro de las historias de guerra y de amor y de carne eminentemente humana, no puede no dar un poquito de melancolía.

TT

De la marea rosa de contenido que ha inundado las pantallas en la primera semana en cartelera de Barbie podemos extraer algunas conclusiones. Por ejemplo, que hay muchísima gente tratando de aclarar con qué versión de la muñeca se reconoce más ahí fuera: “Barbie con ansiedad”, dice una espectadora. “Me identifico con la Barbie casa propia, pero SOY la Barbie intolerante a la lactosa”, dice otra. “Barbie vive en casa de sus padres a los 30”, responde una usuaria cuyo mensaje acumula casi 300 'me gusta'.

También una sospecha: es posible que en el cine ya se creen escenas sabiendo que estas más tarde se convertirán en meme. Véase la Barbie tirada en el césped que encabeza este artículo, atravesando su primera crisis existencial en 64 años. Que esta imagen protagonizada por Margot Robbie en su papel de muñeca estereotípica se haya propagado por internet de tal forma seguramente responde a un motivo: son muchas las personas que se identifican con esa sensación de quiebra.

Anne Helen Petersen, la periodista estadounidense que acuñó el término generación burnout para los millennials agotados, explica en su newsletter cómo la película de Greta Gerwig ha desafiado la lógica empresarial de las superproducciones de Hollywood creando un producto dirigido principalmente a un público femenino y LGTBIQ+:

“Los adolescentes verán las películas destinadas a ellos, pero rehuirán las dirigidas directamente a los adultos. Los adultos verán películas dirigidas a ellos, pero también a adolescentes (mayores). Los hombres verán películas dirigidas a ellos, pero rehuirán las películas 'para' mujeres. Las mujeres verán películas hechas para ellas y también verán con gusto cosas hechas para hombres. Por tanto, si se quiere conseguir el mayor éxito posible, hay que buscar algo que llegue a los cuatro cuadrantes: una película dirigida directamente a un público de chicos de entre 16 y 18 años”.

La ruptura de esta norma no solo le ha salido bien a Gerwig, ha conseguido batir récords. En su primer fin de semana programada en cines en España se ha convertido en la película más taquillera, enmarcada a su vez dentro del fenómeno Barbenheimer (Barbie y Oppenheimer), con el que se han alcanzado cifras de afluencia a las salas que no se lograban desde noviembre de 2019. Y es ya el estreno más visto dirigido por una mujer de la historia.

Como advierte Petersen desde su texto, la pluralidad de voces, miradas, personajes e historias ha ganado terreno en los últimos años, pero ha sido principalmente desde el streaming. Lo de Barbie tiñendo de rosa las salas y pantallas de cine tradicionalmente consagradas a superhéroes y personajes masculinos es distinto. Un evento sociocultural con colas gigantes y sold out protagonizado por una muñeca y con la participación activa de un público diverso y deseoso de escuchar su mensaje feminista. En el caso español, la coincidencia con el fin de semana electoral hizo que las quedadas grupales entre amigas para ver Barbie y después ir a votar se percibieran también como una declaración de intenciones: con nuestros derechos no se juega.

La Barbie de Gerwig es una treintañera con dudas sobre su imagen y su identidad, desbordada por las expectativas proyectadas sobre sí y que no tiene muy claro qué pinta en el mundo

La Barbie de Gerwig es una treintañera con dudas sobre su imagen y su identidad, desbordada por las expectativas proyectadas sobre sí y que no tiene muy claro qué pinta en el mundo. Una crisis existencial a la que Billie Eillish pone banda sonora con la demoledora What Was I Made For? que suena en los créditos.

Las dificultades de Barbie con la vida adulta recuerdan en cierto modo a las de Frances Ha, a la que la propia directora, también actriz, interpretara consagrándose como rostro del mumblecore. También a Hannah Horvath (Girls) –con más edad–, a la Fleabag de Phoebe Waller Bridge –pero menos catastrófica– o a Julie (La peor persona del mundo) –sin resultar irritante–. Una generación de treintañeras desubicadas retratadas bajo el cliché de la chica alocada que la periodista y escritora Begoña Gómez Urzaiz radiografió en este artículo en S Moda. La misma revista en la que Greta Gerwig hablaba al hilo del estreno sobre la agotadora “cultura de la comparación” que lleva a tantas mujeres a “sentir que nunca eres lo suficientemente buena”.

En un contexto generacional de jóvenes en paulatina recuperación por la doble crisis económica y en el que se lidia con cada vez más problemas de salud mental, no sorprende que uno de los momentos que más reacciones ha provocado entre los asistentes sea el falso anuncio de la Barbie Deprimida que se reproduce en mitad de la película.

Barbie en chándal, comiendo delivery directamente de la bolsa, scrolleando inquisitivamente las fotos de pedida de su ex amiga en Instagram, con un dolor de mandíbulas con el que toda bruxista se habrá revuelto en su asiento y durmiéndose por enésima vez con Orgullo y Prejuicio de fondo –en la versión de la BBC, la de Colin Firth–. Un clip que ha desatado una serie de carcajadas ruidosas y nada propias de una Barbie Esterotípica en las salas y en internet.

“Nunca me he sentido más retratada”, repiten varios tuits. Otros subrayan el satírico “ansiedad, ataques de pánico y TOC se venden por separado” que se pronuncia al final. Y los más compartidos tiran de referencias actuales como Euphoria para protagonizar un fantástico crossover entre Barbie, Orgullo y Prejuicio y la serie de la HBO con un gif que ya es universal: “Un momento, ¿esta obra va sobre nosotras?”.

Inmersas en la cultura de la identificación y del “buah, soy yo literal” que explotan los memes, proliferan los retratos ácidos y diversos sobre cómo luce una Barbie –que es aquí casi siempre un sinónimo de chica joven eminentemente blanca y con un sueldo medio– en 2023. La Barbie sobrecafeinada, la “me he vuelto a cortar el flequillo demasiado otra vez”, Doomscrolling Barbie o la muñeca “inquilina para siempre” son algunas de las que la ilustradora Pepita Sandwich ha retratado para el New Yorker Humor en una pieza titulada Barbies que me gustaría que hubiesen existido cuando era niña.

Según apunta este análisis de tres estudios desarrollado desde la Universidad de Salamanca sobre la importancia de la identificación con los personajes del entretenimiento mediático y el audiovisual, cuando esta se da, los espectadores no solo disfrutan más de la experiencia sino que esta identificación da mayor lugar a la reflexión, comprensión e impacto sobre lo visto.

Uno de los momentos que más reacciones ha provocado ha sido el falso anuncio de la Barbie Deprimida: en chándal, comiendo directamente de una bolsa y viendo en bucle 'Orgullo y Prejuicio' –la versión de la BBC–

No sorprende entonces que marcas y cuentas de toda índole se estén subiendo al carro marketiniano de la narrativa rosa para preguntar a sus usuarios “¿qué Barbies eres?” en función de cuestiones tan variopintas como el signo del zodiaco o el tipo de periodismo que practican. Un juego y una manera de hacer campaña que es una suerte de entierro irónico para el principio de Pitufina, por el que tradicionalmente se representaba en la ficción a la mujer de una manera única que se consideraba que condensaba en sí todas las expresiones asociadas a la feminidad –en este caso, la Barbie Estereotípica interpretada por Margot Robbie–, y que ya se había empezado a romper y a explotar comercialmente con las Spice Girls y sus diferentes personajes.

Más allá de la diversión internetera y sus derivas, el universo Barbie de Gerwig, Robbie, Ferrera y cía apuesta en buena medida por traspasar el canon. Como dice la actriz Laura Galán, ganadora de un Goya por su papel protagonista en Cerdita, en un análisis de Noemí López Trujillo en Newtral sobre el contenido feminista de la película: “No se trata de ser la Barbie Estereotípica, sino de ser la Barbie que tú quieras ser”. El taquillazo de la archiconocida creación de Mattel puede ser considerado feminista y profundo en mayor o menor medida, dirigido a una o varias generaciones, infantil o todo lo contrario –Susan Faludi tiene una de las teorías más atrevidas según la cual el derecho al aborto sería una parte importante del subtexto–. Pero si algo está dejando claro esta nueva era de Barbie, es que la muñeca sigue cumpliendo su función. Después de todo, nos está dando mucho juego.

En el terreno de la fama, es muy difícil no ver una vida ejemplar en la narración de una biografía. No hay razones para afirmar que esto es novedad, porque ciertamente no lo es, pero en la era de las redes y del descalabro de los límites entre lo “personal” y lo “público”, la ejemplaridad está al orden del día. La creación de imágenes de autor, la subcultura influencer, el deseo del engagement y el marketing de productos hacen que la vida publicitada sea un commodity fundamental para la cultura audiovisual. Las afirmaciones identitarias o actitudinales de una figura generan, sí o sí, dos efectos premeditados: el “todo lo que está bien” o el hate. En ese sustrato de yolleo incesante, sin embargo, destacan algunas voces por su singularidad, por su diferencia dada por quién habla, pero también por lo que dice de sí o por cómo lo dice. Mariana Enríquez es una de las escritoras argentinas que ha logrado reconocimiento internacional y a la vez un fandom muy anclado en las plataformas. En este contexto, era esperable que sus planteos sobre las implicancias de la maternidad sean motivo de opinión y discusión. Lo más sensato sería abogar por una simple escucha desapasionada de su punto de vista, que acentúa todo lo que ella no podría hacer ni disfrutar si se dedicara a la crianza. Sin embargo, como planteamos, es muy difícil que el universo audiovisual no se experimente como un conjunto de modelos sociales a seguir y, aún más, como un conjunto de imágenes y narrativas que contribuyen a construir o apuntalar nuestros deseos. Se han estudiado mucho los modos en que la maternidad tal como la conocemos (o tal como la conocíamos) se configuró en ciertos periodos clave —según algunos abordajes, desde el siglo XVIII—  y cómo las imágenes y narraciones de lo deseable tuvieron un rol fundamental en esa construcción: parte de “ser” mujer implicaba ser esposa y madre. En plena desestabilización y discusión abierta de los roles de género, que incluye el debate por la maternidad, las frases de la autora de Nuestra parte de noche no iban a pasar desapercibidas. Era muy difícil que tanto las mujeres que no quieren maternar como las que sí lo hacen o lo desean no se sintieran tocadas, incitadas, convocadas a hablar y hablarse. Algunas voces, en general masculinas, esgrimieron en oraciones cansadas la crítica a todo el tenor del episodio: hacer de las propias decisiones un tema público es inadecuado porque lo personal no es político.

Los cuestionamientos en esta línea de la famosa frase muestran un derrotero marcado por los desplazamientos de su uso pero también por la incomprensión fundamental de su significado y nacimiento, que es necesario recuperar. El artículo “'Lo personal es político' en contexto” de la filósofa Danila Suárez Tomé es muy útil para entender el potente significado del lema, que fue y es central porque plantea la inexistencia de algo natural e inamovible en la división sexual y en los papeles sociales asignados a partir de ella. A fines de los sesenta, el feminismo pugnaba por demostrar que muchas dimensiones de lo real confinadas a lo privado -tales como el amor, la reproducción, la sexualidad, los modelos ideales de belleza y de comportamiento- en rigor debían ser asediadas desde perspectivas no androcéntricas y pensarse como zonas atravesadas por relaciones de poder. Y dado que lo público se constituye en buena medida a partir de la exclusión de lo privado, lo “femenino” y lo “particular”, el feminismo también pensó de forma crítica todo lo que quedó en la esfera de lo público y lo masculino: la economía, la ciencia, la política.

Los hombres producen y las mujeres reproducen, y esa división, constitutiva de los mismos alcances de lo “personal”, es política: es una trama de relaciones de dominación repetida y sostenida. Las feministas, tal como plantea Suárez Tomé, cuestionaron la idea de que una revolución de lo doméstico no tiene sentido, porque allí es donde se encuentran relaciones de poder fundamentales. En este contexto de debates era esgrimida la frase “lo personal es político”; así se titula un breve artículo de la feminista norteamericana Carol Hanisch, escrito en 1969. El texto responde a la objeción sobre el carácter político del movimiento de liberación de las mujeres y de grupos terapéuticos promovidos por el feminismo de esa época, en los que las mujeres se reunían y hablaban de su existencia cotidiana para tomar conciencia de los mecanismos opresivos que operaban en sus vidas. Mediante este método, las participantes caían en la cuenta de que sus infortunios individuales en realidad se originan en un sistema transpersonal de dominación sexista. Por este motivo, la autoconciencia implicaba comprender las condiciones objetivas que perjudican a las mujeres, o sea, comprender que los problemas personales también eran problemas políticos.

Por fuera del feminismo, varios estudios históricos y sociológicos también han demostrado el carácter político de aquello articulado como “personal”: es extraño que tanta gente inteligente imagine que se puede despolitizar la sexualidad y la reproducción, dos territorios particularmente asediados y regulados por el Estado desde hace mucho tiempo. Desde el siglo XVIII hasta la relativamente reciente noción de “capital humano”, para todo gobierno es fundamental lo que hace una mujer con su maternidad y lo que sucede en el hogar y en la institución familiar, porque allí se ven los pilares de la administración de la sociedad y de la economía. La mujer fue uno de los objetos privilegiados de observación y de intervención de su cuerpo: edad de fertilidad, edad de matrimonio, nacimientos legítimos e ilegítimos, la anticoncepción, todos fueron objetivos de la política, de la economía y de la ciencia.

Luego de este recorrido, podemos volver a interrogar los dichos de Mariana Enríquez desde otra luz: además de su experiencia personal, de sus deseos propios y sus gustos, la escritora le hace señas a una problemática política fundamental: la cuestión del tiempo y su vínculo con el género. En Argentina, el 90% de las mujeres realizan trabajo doméstico no remunerado ante un 69 % de hombres que lo hacen, y de ese porcentaje que realizan esas tareas, ellas le dedican 4 horas por día, mientras que ellos le destinan 2:38 horas. Este estado de cosas demuestra que, dada esta desigualdad objetiva, los planteos sobre lo que se pierde en la maternidad tienen una dimensión política. Por lo tanto, contar con esa reflexión y con otros modelos, distintos a las imágenes edulcoradas de las esposas con un buen pasar económico que inundan la imaginería femenina audiovisual, colaboran en que nuestras decisiones sean genuinamente libres.

Vidas ficcionales y vidas liberadas

La barbiemanía colorea de rosa el receso invernal. Todos los números que rodean la película dirigida por Greta Gerwig y protagonizada por Margot Robbie están glorificados por los laureles de los récords.

Es un film, a todas luces, feminista: a partir de un gran trabajo con varios tópicos y procedimientos artísticos clásicos y, en especial, mediante la parodia y la autoironía, el guion de Gerwig y Baumbach explora varios de los nudos propios del lema “lo personal es político”: las relaciones de poder, los mecanismos brutos y sutiles de la dominación masculina, los roles de género y las divisiones propias de un orden patriarcal en la era del feminismo mercantilizado se muestran y a la vez se satirizan. Consciente de que el hiperbólico marketing constituye el “pinkwashing” definitivo para la empresa Mattel (y otras industrias tales como las de la belleza y la moda) la película se critica a sí misma desde el interior: ella misma es parte de una maquinaria consumista que replica aquello mismo que cuestiona en su mensaje y eso es parte del material para el humor. No es necesario leer a Slavoj Žižek para comprender el tipo de movimiento ya conocido en la industria cultural de la actualidad; Mattel es capaz de producir un film que critica a la propia empresa, que pone en cuestión los aspectos negativos de la Barbie y de una industria para consumidoras mujeres manejada por hombres; el sistema ironiza sobre sí mismo y eso, lejos de afectar, lo fortalece, asegura su supervivencia.

Si nos quedamos en esta línea, Gerwig, Baumbach y Robbie serían meros eslabones de una lavada de cara de la muñeca y del tipo de feminismo girl boss y neoliberal más apto para el 1 % que para el 99 % de las mujeres. El hecho de que las acciones de Mattel hayan crecido exponencialmente y que los mercados de moda y cuidado personal se alimenten hasta el hartazgo del barbiecore darían la razón a una crítica total de este tenor.

Sin embargo, algo resta: la película logra, por sus aciertos formales e ideológicos, imponer un pequeño caballo de Troya (uno rosado, si se quiere) a un mainstream que siempre será desconflictualista. Es un logro por dos vías: una es la distancia irónica y el humor sobre el tipo de feminismo que puede proponer una cultura a cargo de empresas que encuentran rentable la cultura “woke”. Otra de las vías es una suerte de existencialismo rosa, que indaga —bajo la apariencia de la banalidad— las experiencias fundamentales de lo humano: la identidad, la ficción y el ideal que dan forma a una vida, la mirada de los otros y su prisión, la incomodidad inevitable de la libertad. No hay que olvidar, en este punto, que Greta Gerwig cursó estudios de filosofía en sus años de estudiante. Es imposible no apreciar el atractivo de ver a niñas vestidas de rosa acompañadas de sus padres siendo espectadoras de los efectos perturbadores de la pregunta por la muerte y de la pregunta por el poder, dos cuestiones subrayadas en el film. Es como si Gerwig, a través de la infantilización nostálgica de una cultura que quiere recrear en un mundo adulto el universo de las famosas muñecas, hiciera entrar al polizón del problema de la desestabilización radical y el miedo que nos genera la finitud y el deseo de libertad. Es una trampa o una treta del débil, una estrategia conocida en las mujeres que producen en un orden hostil y que forma parte de la trama de la película. También ingresa, claramente, un mensaje que desde el feminismo ya se ha buscado, hace décadas, en el célebre juguete para nenas; las mujeres pueden ser cualquier cosa en ese mundo: presidentas, constructoras, astronautas, abogadas. No obstante, hay un precio: se niega la maternidad, sus incomodidades y tensiones.

Luego de salir del cine, al igual que Barbie, observamos que el mundo real está muy lejos del ideal de ficción. En Argentina, recién este mes se derogó una ley vigente desde 1924 que prohibía a las mujeres el desempeño en actividades consideradas “masculinas” y, obviamente, mejor remuneradas que las consideradas “femeninas”. La división del universo laboral explica la brecha salarial: las mujeres pueden insertarse en ramas menos valoradas y la diferencia de salario con los hombres es del 27,7 %; esto significa que las mujeres ocupadas debieron trabajar 8 días y 10 horas más que los varones para ganar lo mismo que ellos en un mes. Nuevamente: el tiempo, el poder y la finitud. En consonancia con esa desigualdad laboral, todos los sectores de poder económico, judicial y sindical en Argentina son masculinizados en extremo. La figura política femenina más importante de las últimas décadas está proscripta y casi todas las campañas electorales han decidido que la “agenda de género” es piantavotos, sí, aún en el país con cifras alarmantes de transfemicidios.

La Barbie de Gerwig tiene los elementos para generar el efecto de extrañamiento ante este estado de cosas. Siempre queda en el terreno de las espectadoras la posibilidad de que la ficción cambie la conciencia y modifique la realidad. Aunque sea una sola la que se haga preguntas inusitadas a la salida del cine, ya vale la pena.

NI

Esta Barbie escribió un texto con spoilers

Me la pasé llorando durante la función de Barbie, la nueva película de Greta Gerwig. O más bien, cada vez que no me estaba riendo estaba llorando. No es que eso diga nada sobre nada, más que sobre mí (yo lloro con las publicidades, lloro en cualquier momento, aunque siempre, absolutamente siempre, es en serio) pero no lo esperaba, y me quedé pensando en por qué, qué fibra me tocó. No termino de tenerlo claro, pero me aparecen algunas intuiciones, y creo que más allá de, otra vez, lo que digan sobre mí, me conducen al que yo pienso que es el corazón de la película, de su verdad y de sus límites.

Emily Nussbaum, la crítica de cine de The New Yorker, y una de mis autoras favoritas de esta época, tuiteó que le parecía que la decisión más brillante de Barbie era haber dejado el deseo sexual y la reproducción por fuera de su debate sobre el patriarcado y la misoginia. En la realidad, dice Nussbaum, no pueden separarse, pero el ejercicio analítico de quitar esa dimensión le da a la película la posibilidad de explorar el asunto desde un lugar abstracto y fresco. No lo había pensado, y tiene razón, en un sentido. Barbie y Ken, en la película, como en la realidad del plástico, no tienen genitales, y eso hace que las relaciones de poder que mantienen en Barbieland no sean solo una inversión de las relaciones que mantienen varones y mujeres en el heteropatriarcado del mundo real de Barbie. Son radicalmente distintas.

Barbie y Ken, a diferencia de los varones y mujeres de la vida real, no se necesitan para nada, fundamentalmente porque no pueden precisar las gametas del otro para continuar su presencia genética en su mundo, y porque tampoco parecen poder desearse por placer o por amor. Excepto por el hecho de que sí, y no sé si Nussbaum se olvidó de esta parte o sencillamente le pareció poco importante: Barbie no desea a Ken, pero Ken sí desea a Barbie.

La narradora de Helen Mirren lo dice explícitamente: Barbie siempre tiene un gran día. Ken, en cambio, solo tiene un gran día cuando Barbie lo mira. La frase es un comentario bastante explícito sobre eso que la crítica cultural norteamericana llama la male gaze, la mirada masculina, que en cine refiere, para ser breve y rápida, al modo en que aprendemos a mirar a las mujeres como las miran los hombres y sólo como las miran los hombres. Aprendemos a verlas bellas, feas, buenas o malas según los deseos del protagonista cuyos ojos están replicados, a su vez, en la mirada del director.

Pero efectivamente, tal y como ilumina el texto de la película de Gerwig, la cuestión de la male gaze es más que un asunto de narrativa cinematográfica: Ken solo es feliz cuando Barbie lo está mirando. En el mundo desexualizado de Barbieland, esa obsesión tonta solo es una muestra más de la estupidez y la falta de personalidad de Ken. En el mundo real, en cambio, es mucho más difícil distinguir esa disposición a escuchar en silencio a un muchacho haciendo comentarios sobre El padrino mucho más genéricos que los que una misma tiene la sensibilidad y la inteligencia para hacer del deseo real, del amor real, lo que sea que sean esas cosas; me atrevo a afirmar, quizás, que en la primera persona de una chica heterosexual son muy pocos los momentos de la vida en que logramos distinguir entre las ganas de querer y las ganas de que nos miren.

Dicho de otro modo: si entendemos que el comentario sobre qué significa ser una chica está más puesto en la figura de Ken que en la de Barbie, la profundidad de la película queda mucho más evidenciada, y su precisión también. A eso supongo que le debo gran parte de mis lágrimas, las del día de la función y las demás también. Todos los chistes sobre los varones y el modo en que los atendemos para que nos presten atención son graciosísimos, pero son tristísimos también, porque para salir de ahí tendríamos que desenredar lo que no se desenreda. Poder ser como Barbie, y extirparnos el deseo, que -tiene razón la película de Greta- está ligado mucho más a la conciencia de la finitud que a una realidad contingente y en vías de extinción como el patriarcado.

 Me pregunto, ya que hablamos de la muerte y el deseo, cómo se relaciona esta trama casi subterránea sobre el deseo de Ken de que Barbie lo mire con una de las tramas principales de la película, en cambio, el deseo de Barbie de convertirse en humana. ¿Sabe Barbie, justamente, que ser humana es que te importe que otros te miren, que el único ser que puede realizar la fantasía neoliberal de la autonomía absoluta es una muñeca sin terminaciones nerviosas? No me queda del todo claro.

Me gusta cuando Ruth Handler, la versión ficcional de la creadora de Barbie, le dice que los seres humanos inventamos cosas como las Barbies y el patriarcado porque sabemos que nos vamos a morir. Cuando dije que la película de Greta sabía que el deseo estaba más cerca de la muerte que de cualquier otra cosa me refería a ese texto. Supongo que le podría haber agregado, Ruth, algo sobre que ese capricho estúpido de Ken de querer tenerte cerca y que le prestes aunque sea una migaja de atención esta más cerca, también, de las ganas de producir arte, de escribir teoría, de hacer revoluciones o países o casas, de construir y de destruir, de lo que a una le gustaría. 

TT