Después de más de dos décadas explorando los cruces posibles entre las músicas de raíz latinoamericanas, la experimentación electrónica y la percusión ritual, Tremor vuelve a abrir una nueva puerta. El sábado 20 de junio, el grupo integrado por Leonardo Martinelli, Camilo Carabajal y Alex Musatov presentará oficialmente Takuy en Galpón B, en una fecha que tendrá como invitadas a Ignacia y Lucy Patané, dos de las artistas que participaron del álbum, además de las visuales de Rosario Murúa y la intervención de Ch Respira como maestro de ceremonias.

Editado por ZZK Records y disponible desde mayo en plataformas digitales, Takuy marca un nuevo capítulo para una banda que desde principios de los años 2000 viene construyendo un lenguaje propio, difícil de encasillar y todavía más difícil de imitar. Folklore, electrónica, psicodelia, texturas acústicas, instrumentos ancestrales, procesamiento digital y ritmos provenientes de distintos territorios conviven en una obra que parece moverse constantemente entre el pasado y el futuro.

El título elegido resume buena parte de ese recorrido. “Takuy” es una palabra quechua que puede traducirse tanto como “mezclar” como “permanecer”. Y para Martinelli, ambas acepciones funcionan como una declaración de principios.

“Siempre fue una palabra que me gustó. La parte de la mezcla caía como anillo al dedo porque la propuesta de Tremor tiene que ver con eso. Si bien siempre está la raíz latinoamericana, el folklore y la electrónica, cuando uno escucha los temas hay referencias de muchas partes del mundo: melodías balcánicas, cosas africanas, árabes, hindúes, elementos del rock y hasta del ruidismo”, explica a elDiarioAR.

Pero hay otra dimensión del término que lo interpela especialmente. “Habla de permanecer, de habitar, de existir. Estos últimos años la banda atravesó transformaciones importantes y para nosotros, que hacemos una música instrumental, con una personalidad bastante particular y alejada de las tendencias, también había algo emotivo en seguir estando. En seguir permaneciendo”.

La referencia apunta a los cambios internos que atravesó el grupo en los últimos años. El proceso de creación del disco comenzó antes de la pandemia con la formación integrada por Martinelli, Carabajal y Gerardo Fares. Con el tiempo, Fares dejó el proyecto y su lugar fue ocupado por el violinista Alex Musatov, cuya llegada terminó modificando profundamente la dinámica de la banda.

“Volvimos a ser un trío, pero otro trío”, resume Martinelli. “Los cambios te aniquilan o te potencian. Por suerte, en nuestro caso potenciaron el proyecto. Acabamos de volver de una gira por Europa y estamos muy felices con lo que está pasando”.

La incorporación de Musatov nació a partir de otro proyecto fundamental en la actualidad de Martinelli: su trabajo junto a la legendaria cantora boliviana Luzmila Carpio, de quien Tremor es actualmente banda estable.

“Lo conocí grabando el último disco de Luzmila. Yo estaba haciendo los arreglos y quería incorporar cuerdas. Lo invité a grabar y pegamos una onda medio mágica rápidamente”, recuerda. “Después empezamos a trabajar juntos en otras cosas, nos hicimos amigos y sentí que era alguien que podía encajar muy bien en Tremor”.

La llegada del violinista aportó una nueva paleta tímbrica y también una renovación creativa. “Cuando aparece una persona nueva pasan muchas cosas. Está lo humano, pero también está esa comunicación no verbal que ocurre en la música. Todavía hoy siento que seguimos descubriendo cosas. Cada show es mejor que el anterior porque seguimos encontrando lugares donde potenciarnos mutuamente”.

Esa expansión sonora puede escucharse con claridad en Takuy, quizás el disco más melódico y psicodélico de Tremor. Violines, aerófonos, sachaguitarras, quenas, sikus y otros instrumentos acústicos amplían un universo que históricamente se construyó a partir del diálogo entre la tradición y la tecnología.

Para Martinelli, sin embargo, el punto de partida no suele ser un género ni una fórmula determinada.

“No hay una manera de componer. Algunos temas nacen de una melodía, de algo espontáneo. Pero otras veces primero aparece una idea, un escenario. Como pensar qué pasaría si un instrumento africano conviviera con determinada rítmica folklórica. Muchas veces el proceso tiene que ver con explorar territorios que todavía no conocemos”.

Ese impulso exploratorio atraviesa todo el álbum. Las influencias afroperuanas, rioplatenses, colombianas, brasileñas y argentinas dialogan con referencias provenientes de distintos rincones del mundo para construir una geografía imaginaria que, sin embargo, nunca pierde su anclaje latinoamericano.

“Si simplemente hiciera lo que me sale naturalmente, todo sería más aburrido”, admite entre risas. “Uno tiene lugares comunes, una especie de memoria muscular. Entonces intento forzarme a buscar escenarios nuevos para la banda”.

Las colaboraciones presentes en el disco surgieron también desde esa lógica orgánica. Lejos de la dinámica de los featuring pensados para multiplicar reproducciones o visibilidad, las participaciones de Ignacia, Lucy Patané y Santiago Vázquez nacieron de afinidades artísticas y encuentros concretos.

“Es una época donde parece que hay que tener invitados sí o sí, pero nunca me interesó pensar a quién convocar por una cuestión comercial”, afirma.

Con Ignacia, la conexión apareció cuando Martinelli terminó la base instrumental de “Ánima Digital”. “Escuché el tema y sentí que era para su voz. Ella conocía la banda, le gustaba lo que hacíamos y cuando se lo propuse se copó enseguida”.

Algo similar ocurrió con Lucy Patané. “Primero apareció la música instrumental y después su voz empezó a rondarme la cabeza. Nos juntamos en el estudio, charlamos algunas horas sobre la idea de la canción y así terminó naciendo el tema”.

La dificultad para definir la música de Tremor ha acompañado al grupo desde sus comienzos. Folktrónica, folklore digital, electrónica de raíz, electrónica orgánica. Las etiquetas fueron cambiando con los años, aunque ninguna parece alcanzar del todo.

“Al principio me enojaba mucho porque ninguna me gustaba”, reconoce Martinelli. “Después entendí que las etiquetas sirven para que alguien se haga una idea rápida. Pero la verdad es que sigo sin saber qué responder cuando me preguntan qué música hacemos. Veinte años después todavía no lo resolví”.

Quizás porque Tremor nunca buscó construir un estilo reconocible en términos convencionales. Su identidad parece estar justamente en ese movimiento constante, en la mezcla permanente, en la voluntad de evitar la repetición.

“Nos interesa movernos en un territorio donde el género deja de ser una referencia fija”, sostiene.

La presentación de Takuy llegará además después de una reciente gira europea que llevó al grupo por ciudades como Barcelona, Madrid, Berlín, Viena y Copenhague. Una experiencia que confirmó el buen momento creativo que atraviesa la banda y que funcionó como preparación para este reencuentro con el público local.

El concierto en Galpón B será también una edición especial de Caracol, la fiesta que Tremor organiza junto a Villa Diamante como espacio de encuentro para músicas experimentales, cruces inesperados e improvisaciones.

“Queremos que sea una especie de casa propia, un lugar donde pasen cosas que no sabemos exactamente cómo van a terminar sucediendo”, explica Martinelli.

Después de veinte años de trayectoria, Takuy encuentra a Tremor en un punto singular: con una historia consolidada detrás, pero todavía impulsado por la curiosidad. Mezclar y permanecer. Dos verbos que podrían parecer opuestos y que, en el universo del grupo, terminan funcionando como una misma idea. La de seguir explorando sin dejar de ser quienes son.

CRM

El Goya que ganó en 2003 por Rencor vigila desde una estantería de la casa de Lolita Flores. De alguna forma hay un hilo que une aquel personaje con el que la trae de nuevo al cine 23 años después. Entre medias unos cuantos papeles, pero ninguno que nos hubiera devuelto a esa actriz pasional, de puro instinto y fuerza torrencial. Hasta ahora. El responsable fue David Ilundain, que vio en ella todo lo que necesitaba para dar vida a Chusa, la matriarca de Son Canal, un poblado que es el epicentro del narcotráfico de la isla donde ella maneja el negocio en Mallorca Confidencial.

Pero su Chusa es mucho más. Es una mujer que se deja la piel por los suyos, que intenta, a su manera, dar una vida mejor a su familia y amigos, y que hasta se enfrenta a la especulación inmobiliaria que quiere echar al poblado gitano de unos terrenos que empiezan a valer mucho dinero en una época donde el ladrillo empezaba a ser un bien demasiado preciado.

Lolita habla sin tapujos. Deja claro que no hizo más cine porque no le ofrecieron nada que le gustara, y toca madera porque este papel le traiga las mismas alegrías que el de la película que hizo junto a Miguel Albadalejo. Abre las puertas de su casa a elDiario.es para hablar del film, que ya se puede ver en salas de cine en España, pero también de su carrera, de prejuicios, vivienda o su familia.

—Mallorca Confidencial está basada en un personaje real, una matriarca de la droga…

—Es un personaje que puede estar en cualquier poblado de cualquier parte del mundo, no solamente de España. Sí, hay mujeres que por situaciones en la vida, que se quedan viudas o que no tienen otros recursos, tienen que sacar su familia adelante y bueno, tienen que hacer ese oficio que es vender muerte, como yo digo siempre. Pero que sea realmente la vida de alguien en particular… no lo creo. Puede que el guion se haya basado en hechos reales, pero no es precisamente la vida de esa persona.

—Es un personaje que es muchas más cosas que una traficante. Es un retrato más poliédrico.

—Sí. Lógicamente, la quieren echar de su tierra, de su poblado. Eso ya lo hicieron los americanos con los indios hace muchos años. Aquí quieren coger terreno para edificar o para hacer centros comerciales. Igual que nos quitan teatros para hacer oficinas o para hacer otro tipo de cosas. La gente especula un poco con el terreno y en ese caso quieren quitar ese poblado, quieren que los gitanos se vayan de sus casas para poder edificar y lucrarse de alguna manera. Entonces ella lucha por su familia, lucha por su gente y lucha por ella misma también.

—Ese tema de la vivienda trae la película al presente, a ese problema de la especulación. Como si dijera que de aquellos polvos estos lodos. 

—Claro. Date cuenta de que todo es una rueda. Empezó en aquella época, pero ahora los fondos buitres existen y hay mucha gente que no puede pagar un alquiler, que no puede pagarse un piso. Y es todo por eso, porque han subido muchísimos alquileres y porque se especula muchísimo. La gente tiene derecho a una vivienda digna.

—¿Qué pensó cuando leyó el guion?, ¿le dio miedo que se perpetuaran estereotipos hacia los gitanos?

—Yo creo que eso es la mente de cada persona. Los gitanos ya hoy en día estudian, saben idiomas, saben de leyes, son políticos, son arquitectos. Mi raza ya no está excluida, está incluida en la sociedad. En la viña del Señor, hay de todo, pero no solamente son los gitanos los que venden droga. Hay mucha gente que no es gitana, que se dedica a vender drogas, a vender muerte.

—La película comienza con un personaje contando ‘chistes de gitanos’ que muestran esos prejuicios, ¿han cambiado?

—Eso tendrías que preguntárselo a la gente. Yo creo que todo se basa en la educación. Lo he dicho siempre. Depende de que tú críes a tus hijos con la mente abierta, con la libertad de ver gitanos, árabes, chinos, rusos y de cualquier etnia o cualquier raza, y que los trates como a un igual porque son iguales que tú. Con un color diferente a lo mejor, pero son seres humanos igual que tú y que yo. Depende mucho de la educación.

—Habla mallorquín en la película, ¿ha sido el mayor reto?

—Para mí no ha habido ningún reto, es decir, para mí simplemente ha sido hacer un papel dignamente, con todo el respeto del mundo, porque soy de raza gitana. Yo soy una gitana privilegiada, me he criado en otro ambiente, me han dado una educación y no he tenido que dedicarme a otra cosa nada más que cantar y bailar. Y ahora soy actriz. Pero mis padres no venían ninguno de la pata del Cid. Es decir, han tenido que luchar mucho para darnos a sus hijos una educación. Yo soy una gitana que he tenido en el colegio algún racismo que otro cuando era más pequeña, pero hoy en día yo creo que ya está la cosa muy, muy tranquila.

—Me parece curioso lo que ha mencionado, que incluso siendo privilegiada, incluso siendo hija de quien era, de pequeña sí que ha sufrido racismo.

—Claro, era otra época también en el colegio. De hecho, hace poco se vio en la televisión que había padres que no querían llevar a sus niños al colegio porque no sé si eran marroquíes los que estaban o eran gitanos. Es decir, que todavía existe, desgraciadamente. Sigue habiendo esa rueda. Y te vuelvo a decir, creo que es educación, ignorancia. La falta de la ignorancia te puede llegar a muchas cosas, al miedo, a la incertidumbre, al no conocer a la persona que tienes al lado, simplemente porque tengo un apellido diferente al tuyo o porque tenga un color distinto o incluso una religión diferente.

—No se ha prodigado mucho en el cine, ¿ha habido muchos noes o no ha habido tanta oferta como se pudiera pensar?

—El problema es que no me han llamado. No ha habido ofertas, porque si hubiera habido muchas ofertas hubiera hecho mucho cine. Lógicamente, ha habido alguna, pero no me ha cuadrado o por fechas o porque el guion no lo veía para mí. Pero realmente no he tenido tantas ofertas de cine. 

—No fue su primer papel estrictamente, pero sí que de alguna forma entra con ese personaje de Rencor que es arrollador.

—Sí, es un poco arrollador como esta Chusa. Las dos empiezan con 'Ch'. Chelo Zamora, que era la de Rencor y esta que es Chusa, en Mallorca Confidencial. A ver si me trae suerte.

Mis padres no venían ninguno de la pata del Cid. Es decir, han tenido que luchar mucho para darnos a sus hijos una educación

Lolita Flores — Actriz y cantante

—Ese papel le dio un Goya. ¿Cómo recuerda ese momento que además fue en una gala histórica?

—Sí, la del ‘No a la guerra’, cuando estábamos todavía con el PP de Aznar y fue el 'No a la guerra'. Lo recuerdo con mucha emoción. Me lo dio Javier Bardem y fue algo maravilloso. Está ahí, mi Goya —señala con la mirada la estantería donde se encuentra— y bueno, no me importaría tener otro.

—Este año la hemos visto también de alguna forma en el documental de Flores para Antonio. Cuando entrevistamos a Alba Flores le preguntamos si el arte está en los genes, porque toda la familia ha acabado dedicándose a ello.

—Bueno, venimos de una familia de arte. Mi padre, mi madre, mi tía… todos somos artistas. Yo creo que el arte viene en los genes, lo que pasa que luego también tienes que estudiar y tienes que perfeccionarlo. No vale con decir, “venga, ya está, ya sé cantar y bailar o sé hacer cine o teatro”. Tienes que estudiar y hacerlo bien. Entonces no todo el mundo que viene de una familia con arte en las venas son artistas.

—¿Cómo ha vivido la llegada del documental? Siento que es pudorosa, que no le gusta en exceso hablar de su vida privada.

—Bueno, eso lo ha hecho Alba. Yo creo que la familia Flores no somos tan herméticos. Al contrario, yo creo que desde mi madre, que ha expuesto a sus hijos, su familia, sus hermanos… Hemos sido gente muy mediática y gente muy popular. Lo que ha hecho Alba no es extraño. Una cosa es tu vida personal, privada, tus amores, tu vida, que eso sería un reality y yo realities no he hecho ni creo que los vaya a hacer. Pero hacer un documental como el que ha hecho ella… Creo que era necesario, sobre todo para mi sobrina, y si es necesario para mi sobrina, vamos todos de cabeza.

—¿No han sentido que era reabrir la herida de alguna forma?

—Era un documental de sanación y para ella ha servido para eso.

—¿Pesa mucho el apellido Flores?

—Yo creo que le pesará más a la gente. A mí no me pesa nada en absoluto. Yo estoy muy orgullosa de llamarme González Flores, aunque artísticamente soy Flores porque es más corto y porque los Flores somos los Flores, aunque el González también lo tenemos muy arraigado en nuestras venas y orgullosísima de mi padre.

—En cine no ha tenido tantos papeles, pero en teatro sí, ¿siente que allí le han ofrecido papeles más diversos?

—No he parado de hacer teatro. Empecé con Ana en el Trópico en 2005 y estamos en 2026. Llevo 21 años. De ahí pasé a La Plaza del Diamante. Hice un Don Juan Tenorio en Alcalá de Henares en verso, hice Asamblea de mujeres, Fedra, Poncia, Prefiero que seamos amigos, Llévame hasta el cielo… En fin, he hecho ya unas cuantas, sí. Y además temporadas largas.

—¿Y qué le ha ofrecido el teatro, aparte de una continuidad como actriz?

—El directo. Ahí sí que no hay planos. Ahí si te equivocas, amigo mío, te has equivocado y tienes que tirar para delante. Eso es esencial. Yo creo que para cualquier actor eso significa medirse con uno mismo, pisar una tabla y tener a la gente enfrente en directo. 

—Decía hace poco Aitana Sánchez Gijón dice ahora que se habla tanto de inteligencia artificial el cine a lo mejor aguanta, pero el teatro aguanta seguro.

—Yo espero que el cine también aguante. La inteligencia artificial está bien para preguntarle cosas, pero yo creo que el ser humano encima de unas tablas, haciendo teatro, haciendo cine, haciendo televisión… La energía que te da un ser humano no te lo va a dar nunca una inteligencia artificial, por muy bien hecha que esté. Así que yo espero que no nos cambien por inteligencia artificial. La inteligencia está muy bien para aprender, pero nunca para sustituir.

—Me imagino que el teatro también es físicamente muy exigente. 

—Sí, es cansado, pero igual que el cine. El cine, aunque haces diferentes cosas todos los días porque las escenas cambian, te tienes que levantar también muchas veces a las tres de la mañana y estar a lo mejor hasta las seis de la tarde. Es decir, que es cansado. Pero si es tu profesión y es lo que te gusta, pues lo haces con muchas ganas.

—Después de esas giras tan intensas, ¿no se plantea un parón?

—Hombre, sí. Tendré un mes de vacaciones como todo el mundo. Pero más allá de eso yo espero no tener parón. No me gusta estar parada. A mí me gusta trabajar. Me aburro mucho cuando no estoy trabajando.

—La he visto en alguna entrevista haciendo una reflexión sobre envejecer que ha sido muy celebrada. Es llamativo que haya todavía que reivindicar eso.

—Yo no he reivindicado nada. Yo tengo 68 años y esta es la cara y el cuerpo que tengo con 68 años. Lo único que le pido a Dios es salud. Mis arrugas, lo digo siempre, son mis llantos y mis alegrías, mis viajes y mis teatros, mis películas, mis canciones. Me han costado. La arruga es bella porque es vivencia. Es vivir. Y yo, gracias a Dios, he vivido mucho y espero seguir viviendo mucho.

—Hacia la mujer siempre ha habido mucha presión. ¿Lo ha sufrido también?

—Las modas de la sociedad dicen que hay que estar más delgada de lo normal, que hay que tener unos labios más gruesos de lo normal. Que hay que tener la cara superestirada, aunque luego las manos no se pueden operar. Yo creo que todo va en concordancia con la edad y con el físico que tú tengas y como tú te encuentres. Yo creo que la edad está aquí [se señala la cabeza] y aquí, en el corazón. Yo me veo una mujer todavía joven, aunque tenga la edad que tenga. Y lo único que quiero, ya te digo, es seguir estando así para ver crecer a mis nietos y a mis hijos y tener salud y punto. Y una arruga más, una arruga menos… bueno, intentaré usar cremas y buenos masajes. Que sean más bonitas. Que no sea una señora muy mayor, muy arrugada. Pero no soy una esclava de la moda ni de las cirugías ni de nada de eso.

—¿Hay menos presión ahora?

—La sociedad te presiona, internet te presiona, tienes que tener unas tallas, una cara, un pelo, unas uñas, unas manos… Como las Barbies. Y yo no soy la Barbie gitana, te lo aseguro.

—Ha mencionado internet. También ha cambiado mucho el periodismo, las entrevistas, ¿lee lo que se publica sobre usted?

—No. Porque muchas veces sacáis… Bueno te meto a ti porque eres periodista.

—Puede incluirme.

—Sacáis muchas veces cosas de contexto. Cosas que se han dicho dentro de una conversación. Por ejemplo, yo ahora mismo he dicho que no soy una Barbie gitana, pero no me meto con la Barbie, que fue una muñeca que adoré y que quise tener toda mi vida. Y no la tuve porque solamente las había en Estados Unidos. No me meto con nadie que quiera hacerse estética, al contrario, las aplaudo. Yo soy miedosa. Pero muchas veces eso se saca de contexto. Entonces “Yo no soy una Barbie gitana”, sería un titular.

—Hombre es que sería un titular muy bueno, Lolita, no voy a mentir…

—Ya, pero dilo dentro de un contexto, ¿no?

—Entonces le da más miedo enfrentarse a una entrevista ahora que antes.

—A mí sí. Sí me da más miedo. Me da más miedo hablar con el corazón, porque a veces tú hablas con el corazón y luego te sacan las entrañas.

—Va con el freno de mano.

—Yo ya voy con el freno de mano puesto. Pero no todos, te he metido a ti porque eres periodista, pero gracias a Dios todavía se puede hablar tranquilamente con periodistas y hacer entrevistas con gente que sabe preguntar o que sabe que la contestación que te da una persona está dentro de unos límites y de un contexto. Yo sigo hablando con el corazón porque soy así. Yo soy transparente. No podría ser de otra manera.

Vídeo de la entrevista completa

A pocos días de que el país se desayunara con la triste noticia de la muerte de Carlos Alberto “Indio” Solari, su entorno más íntimo “abrazó”, a la distancia, a las miles de personas que los acompañaron en este difícil momento.

A través de la cuenta oficial de X (ex Twitter) e Instagram del exlíder de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, su esposa Virginia Inés Mones Ruiz, más conocida como Viru, y su hijo Bruno compartieron un video con un extenso y conmovedor mensaje de agradecimiento.

La publicación, que rápidamente se volvió viral y se llenó de réplicas de amor por parte de los fanáticos, repasa una “lista interminable” de personas, amigos y organismos que se pusieron a disposición de la familia desde aquel fatídico viernes 5 de junio, cuando el músico falleció a los 77 años en su casa de Parque Leloir.

El reconocimiento fue para el círculo cercano, el público ricotero, la organización y el operativo que contuvo el masivo e histórico adiós en Avellaneda.

Un agradecimiento a la logística de un adiós histórico

En el fragmento más político e institucional del mensaje, Virginia destacó el rol de quienes se cargaron al hombro la organización del multitudinario homenaje popular que tuvo lugar el pasado fin de semana en el Parque Domínico de Avellaneda, que congregó a una marea humana incalculable.

La compañera del Indio mencionó especialmente a los encargados de coordinar el encuentro: “Máximo, Facu, Joaco, Wado, a los que les delegué la hermosa despedida que lograron organizar”, detalló, haciendo extensiva la gratitud hacia el mandatario bonaerense: “A nuestro gobernador Axel (Kicillof), que aportó con todo su personal”.

Tampoco faltaron palabras para quienes cuidaron de la seguridad y el despliegue civil en los momentos de mayor tensión emocional, destacando la labor de los cuerpos de bomberos de Avellaneda, Quilmes y Lanús, así como a los vecinos de Parque Leloir por su paciencia y respeto.

“A su amado público que nunca dudó”

El núcleo del emotivo descargo estuvo direccionado, como no podía ser de otra manera, a Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado —la banda que custodió su obra solista— y al “pogo más grande del mundo”: sus fieles seguidores.

“Y bueno, a ustedes, a su querido público, a su amado público, que nunca dudó de su respaldo, comportamiento y amor. Que hicieron que su despedida fuera un orgullo y una emoción inconmensurable”, expresó Virginia en el video.

El cierre de la misiva familiar revalida el pacto eterno entre el artista y su gente, una comunión que quedó demostrada en las calles con altares improvisados, banderas y cantos que convirtieron el asfalto en una misa ricotera final. Con este mensaje, Virginia y Bruno Solari sellan el capítulo más doloroso, transformando el luto en una declaración de orgullo colectivo.

Mientras las plataformas aceleran los consumos y los algoritmos nos muestran novedades cada vez más efímeras, la música de raíz continúa construyendo otros tiempos. Buenos Aires tendrá esta semana una agenda atravesada por conciertos íntimos, nuevas canciones, peñas y celebraciones de la memoria colectiva, con artistas que dialogan con la tradición desde perspectivas muy diversas.

Empiezo hoy con Andrés Pilar, porque lo considero uno de los músicos más importantes que tenemos. No solo porque es un brillante compositor y pianista, sino porque recupera, reúne, arregla, produce y forma. Discípulo de Hilda Herrera, fundador y director musical de Don Olimpio, integrante del Trío Patio junto a Juan Quintero y Santiago Segret, y actual director de la Licenciatura en Música Argentina de la Universidad Nacional de San Martín, Pilar construyó una trayectoria impresionante.

Su aporte a la música argentina es múltiple y fundamental. No se podría entender el folklore de los últimos 15 años sin Pilar. Fue también de los primeros que rindió homenaje al Indio Solari tras su partida el viernes pasado. Porque Pilar claramente entiende qué es la música popular y, como el líder de Los Redondos y Atahualpa Yupanqui, va detrás de la máxima que dice que “al pueblo hay que darle lo que se merece, o sea, lo mejor” (cito de memoria). Les dejo por acá su versión de “El pibe de los astilleros”.

Este sábado 13 Pilar ofrecerá uno de esos escasos conciertos de piano solo en el que él definió como “uno de los pianos más lindos de Buenos Aires”. Lo hará en Divo Sound Rec desde las 20. Será un recital sin amplificación ni cables. “El piano, ustedes y yo”. No se lo pierdan.

Acá les dejo su maravilloso disco Danza.

Valen Bonetto: ampliar las fronteras del folklore

Y dentro de las nuevísimas generaciones que están redefiniendo la música de raíz aparece con fuerza la figura del artista travesti (así le gusta que lo definan) Valen Bonetto. El cordobés, que es además uno de los integrantes de Duratierra, presentará hoy su disco Mientras aclara en JJ Circuito Cultural, una obra donde la canción folklórica se cruza con experiencias personales, memorias familiares y una mirada política sobre el presente.

Bonetto forma parte de una camada de músicos que habita el folklore desde identidades y sensibilidades históricamente poco representadas dentro del género. En Mientras aclara, esa búsqueda aparece plasmada en siete canciones de sonoridad austera, donde lo íntimo se vuelve colectivo.

Y, atención, porque la entrada es la gorra. “Entiendo que mi público es uno de los más afectados por las políticas de la derecha”, sostuvo el músico. Para él, generar espacios de encuentro para las disidencias dentro de la música popular constituye también una intervención cultural y política. Lejos de romper con la tradición, su propuesta busca expandirla.

Nadia Larcher y una experiencia ritual

Otra de las citas imperdibles de la semana será la presentación de Trece, la obra conceptual de Nadia Larcher que podrá disfrutarse el sábado 13 en Giuffra 371. La cantante nacida en Andalgalá, Catamarca, como ya lo dijimos en esta columna (y lo repetiremos infinidad de veces) es una de las voces más reconocidas de la renovación del folklore argentino y una artista fundamental para comprender los cruces entre tradición, experimentación y creación contemporánea.

Integrante de proyectos emblemáticos como Don Olimpio (sí, con Andrés Pilar, con el que además grabó el disco Amor y conocimiento), Nadia viene desarrollando desde hace años un trabajo que dialoga con las músicas ancestrales, la oralidad y los territorios culturales del noroeste argentino. En Trece asume además un lugar central como compositora. La obra surge de una reconexión con los ciclos lunares y está construida a partir de trece canciones que representan distintos momentos de un recorrido vital atravesado por la transformación, la muerte y el renacimiento.

Con una puesta minimalista integrada por una guitarra, un círculo de lunas y las canciones como protagonistas, la propuesta invita a una escucha profunda. La propia artista define a Trece como una “obra-ritual”, un trabajo que marca un momento decisivo en su camino creativo y que propone recuperar la conexión con los ciclos naturales en tiempos de aceleración permanente. Y más no se puede contar porque hay que vivir la experiencia en carne propia.

El Indio sigue sonando

La muerte del Indio Solari también dejó su huella en otros músicos del folklore. Me gustó ver cómo iban subiendo temas a sus redes. Micaela Vita cantó una desgarradora versión de “Todo un palo” en el recital de Duratierra en Rosario el mismo viernes 5. Cecilia Zabala grabó junto a su hijo “Juguetes perdidos”; Raly Barrionuevo revisitó “Flight 956”, mientras que Clara Cantore eligió “Bebamos de las copas lindas”. Distintas generaciones y estéticas encontraron en esas canciones un lenguaje común para despedir a una de las figuras más influyentes de la música argentina.

Peñas para encontrarse

Para conjurar tanto dolor, hay que juntarse. Y qué mejor que las peñas, que proliferan cada vez más en esta ciudad y las hay para todos los gustos. El sábado se realizará la Peña La Juana Azurduy en el Espacio Cultural Encuentro San Cristóbal, con las actuaciones de Laura Albarracín, Claudio Sosa y María y Cosecha (¡qué lujo). La propuesta busca recuperar el espíritu de aquellas peñas que marcaron la escena porteña desde comienzos de los años 2000, como La Eulogia, La del Colorado, El Desalmadero o La Paila, lugares donde la música popular encontró ámbitos de creación, intercambio y resistencia cultural.

Ese mismo día, Casa Brandon, el punto de encuentro por excelencia de la cultura queer en Buenos Aires, recibirá la segunda edición de la Rueda de Folklore, una iniciativa que combina danza, canto y participación colectiva. Con una clase inicial a cargo de Alejandra Cernik y una ronda musical coordinada por Pato Molina, Tomi Llancafil y Alina Farah, la propuesta suma como invitados a Yacaré Manso y Tomás Mutio. La consigna es sencilla y potente: volver a reunirse alrededor de las canciones.

La yapa: Tejada Gómez para las nuevas generaciones

La semana dejó una noticia importante para la preservación del patrimonio cultural argentino. El Instituto Nacional de la Música (Inamu) y la Subsecretaría de Cultura de Mendoza presentaron Tonada grande. Obra de Armando Tejada Gómez, un libro que reúne partituras, canciones, testimonios y materiales inéditos dedicados a una de las figuras fundamentales de la poesía y la canción latinoamericana.

La publicación incluye 28 partituras, un cancionero con obras emblemáticas como “Canción con todos”, “Canción de las simples cosas” y “Canción para un niño en la calle”, además de ensayos y textos de artistas e investigadores. Pensado como material de consulta para músicos, docentes y estudiantes, el volumen busca acercar el legado de Tejada Gómez a nuevas generaciones.

Hay textos, testimonios y aportes de Perla Aguirre, Pancho Cabral, Martín Castro, Chacho Echenique, Walter Gazzo, Santiago Giordano, Ramiro González, Ariel Gravano, Víctor Heredia, Julio Lacarra, Silvia Majul, Araceli Matus, Oscar Motta, Teresa Parodi, Gabriel Plaza, Suna Rocha, Damián Sánchez, Daniel Talquenca y Raúl Alberto Vigini, entre otras personas vinculadas a la obra de Tejada Gómez. Se puede descargar gratis acá.

Bueno, hasta aquí llegamos hoy. Gracias por leer. Que disfruten. ¡Hasta dentro de dos semanas!

(*) “Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

CRM

Un mural de casi 200 metros cuadrados homenajea en una de las esquinas más icónicas de Buenos Aires al músico Charly García, a quien el artista a cargo de la obra, Martín Ron, describe como un “prócer del rock”.

La tradicional disquería y librería Zivals, ubicada en la céntrica esquina de las avenidas Corrientes y Callao de la capital argentina, decidió festejar su 55° aniversario encargando a Ron, reconocido a nivel mundial como muralista y artista de grafiti, una reinterpretación de la tapa del disco 'Clics Modernos', editado por García en 1983 y que incluía una imagen del músico en Nueva York.

Sobre la terraza del local, una enorme pared retrata en pintura de aerosol a García con un notable parecido a la foto original, en blanco y negro, pero incorpora escenas del paisaje de Buenos Aires, en una suerte de traducción del original neoyorquino a un homenaje a la ciudad sudamericana.

“Cuando me acercaron la propuesta fue una alegría enorme porque era una asignatura pendiente pintar a un ídolo del rock que no había pintado, un prócer”, dijo a EFE Ron a los pies de su obra.

El muralista es autor de más de 400 obras en ciudades como Londres, Bristol, Miami, Tenerife y Berlín, además de murales icónicos en Argentina dedicados a Diego Maradona, Lionel Messi y el papa Francisco.

“Yo fui a un grafitero y le dije 'si esto literalmente es una pared de Buenos Aires, necesitamos que esté grafiteada como esa pared de Manhattan, así que hace lo que quieras”, explicó Ron, que incluyó a artistas locales en su obra y que consideró que el mural conecta “al mundo del arte urbano, el mundo musical y el mundo de los libros”.

'Clics Modernos', segundo disco solista de García, ya pertenece al acervo cultural de Argentina por canciones como 'Nos siguen pegando abajo' o 'Los dinosaurios', que decodificaron un estado de ánimo colectivo de la década de 1980, entre el inminente regreso de la democracia tras años de dictadura cívico militar y las cicatrices que aquel período había dejado en la sociedad.

Alfredo Suhring, gerente de Zivals y uno de los impulsores del homenaje, se mostró orgulloso de la obra y comentó a EFE que el mural contó con la aprobación del músico, que asistió en persona: “Charly García estuvo unos días antes (de la inauguración), cuando estaban todavía los andamios, para dar el aval a la obra”.

Fundada en marzo de 1971, Zivals fue una de las primeras tiendas de Argentina en combinar música y libros bajo un mismo techo con la propuesta de ser “especialista en todo”, de acuerdo a sus propietarios, al ofrecer al público un catálogo profundo en rock, tango, folklore, música clásica, jazz y música del mundo.

EFE

Steven Spielberg siempre creyó que no estábamos solos en el universo. Es una obviedad viendo su cine. La primera película que hizo tras reventar la taquilla y cambiar las normas del cine industrial de Hollywood con Tiburón fue Encuentros cercanos del tercer tipo (1977), una obra maestra donde mostraba cómo sería el primer encuentro entre los humanos y los alienígenas. Había en esta primera aproximación una tónica que se repetiría cinco años después con E.T. El extraterrestre (1982): el alienígena no es una amenaza. 

En Encuentros cercanos del tercer tipo la mirada hacia el cielo era casi mesiánica, como si los extraterrestres fueran una deidad que vinieran a explicarnos a nosotros mismos. En E.T. usaba la figura del alienígena para trazar una historia de amistad imposible entre un niño y un alien, alejando la narrativa de la amenaza exterior que llegaba al mundo y lo sometía que había estado habitualmente en películas como El día que la tierra se detuvo o La invasión de los usurpadores de cuerpos. 

Para Spielberg, cuyo cine está siempre atravesado por la emoción, no había que temer lo desconocido. Por eso sorprendió que en 2005 decidiera hacer una versión de La guerra de los mundos, donde por primera vez en su carrera los alienígenas eran el enemigo, el aniquilador. Muchos vieron en esa época en la filmografía del director las consecuencias de los atentados del 11S en su carrera y en acometer proyectos mucho más oscuros. 

Por ello no parece casualidad que el mismo año rodara Múnich, la que es su película más política, la más adulta, la más compleja y en la que por primera vez fue incluso señalado de antisemitismo por la comunidad judía a la que pertenece al, según ellos, equiparar los atentados de los JJOO de Múnich contra los atletas israelíes con los asesinatos en venganza realizados por los agentes secretos de Israel. Parecía que Spielberg había perdido la fe. La fe en Dios. La fe en los alienígenas. La fe en el ser humano. 

Pasaron muchos años. Casi 50 desde Encuentros cercanos del tercer tipo, pero también más de 20 desde La guerra de los mundos. El mundo cambió, Spielberg también, y por ello es tan significativo el lugar que elige para contar su nueva aproximación al universo de los alienígenas en El día de la revelación, su nueva, esperada y maravillosa película. En un mundo al borde de la Tercera Guerra Mundial —en la película por la tensión bélica entre Corea y EE.UU.— Spielberg pide recuperar la fe. La fe en los alienígenas como aliados y no como enemigos, y la fe en el cine como forma de abrir los ojos.

Lo hace convirtiendo su película en una metáfora clara sobre la empatía, sobre acoger al diferente, al extranjero, al refugiado. Si la filmografía de Spielberg suele dividirse entre sus proyectos serios y políticos (La lista de Schindler, Múnich o Lincoln) y los divertimentos que hacen que nos maravillemos como niños ante la pantalla de cine (Parque Jurásico o Indiana Jones), El día de la revelación se sitúa en un punto intermedio, siendo quizás su filme comercial más político hasta la fecha.

Spielberg parte de una historia original suya para contar el intento de unos disidentes de desvelar el secreto que una empresa privada y el Ministerio de Justicia, desde tiempos de Nixon, guardan: no solo la existencia de alienígenas, sino que el ser humano los torturó, utilizó y hasta expolió usando su tecnología y conocimientos. La excusa es que el ser humano no está preparado para aceptar que hay un ser por encima de ellos. Entre otras cosas porque el propio concepto de dios y todas las religiones serían, en ese punto, inservibles. 

El acercamiento de Spielberg a este planteamiento se hace aceptando que el ser humano cambió (las nuevas tecnologías, el cinismo, las redes sociales, las fake news) y que todo ello forma parte del caldo de cultivo donde esta revelación debe llegar. La pregunta es clara, ¿compensa arriesgarse a contar la verdad o es mejor agarrarse a lo conocido para no atreverse a un cambio? En el fondo Spielberg no hace más que plantear un viejo debate entre el progreso y lo conservador, que pretende agarrarse a los valores del pasado para no remover las cosas. 

Lo sorprendente en El día de la revelación es cómo Spielberg se atreve a mezclar el cine de persecuciones con el drama íntimo, los cuentos infantiles (con explícita mención a Hansel y Gretel), el thriller político y hasta el cine de posesiones demoniacas para terminar logrando una película tremendamente humana y emocionante hasta la lágrima gracias a un clímax final perfecto, donde un (falso) material de archivo desvela la capacidad del cine de que empaticemos con el otro. Porque eso es lo que busca el cineasta en un film que concluye pidiendo al espectador un acto que, en estos momentos de gritos, suena hasta revolucionario: escuchar.

Pero ya antes mostró su talento como narrador. Spielberg desvela sus cartas pronto. Comienza El día de la revelación descolocando, poniendo a su personaje principal, un perfecto Josh O’Connor, en lo que en otra película sería su tercer acto: un encuentro para intercambiar el material que sustrajo a cambio de recuperar a su novia. No hay explicaciones previas. Pone al espectador, y a su protagonista, en el disparadero y de ahí para arriba. 

Su historia se intercala con la de una presentadora del tiempo en televisión que un día comienza a hablar de forma fluida ruso y coreano y da un discurso en un idioma desconocido de sonidos guturales en directo delante de miles de espectadores y a la que interpreta una Emily Blunt que ofrece la que es, probablemente, su mejor interpretación hasta la fecha. Tan divertida como magnética.

La unión de sus dos historias llevará a Spielberg a construir set pieces espectaculares (el coche enganchado al tren, el coche que atraviesa paredes o la escena de la invisibilidad), pero también a ir desvelando los temas que subyacen bajo su cáscara de blockbuster: una reflexión sobre la fe, sobre Dios, sobre la ciencia y la empatía, la verdad y, al final, sobre la fe del cineasta en el ser humano en estos momentos. 

También en una defensa del cine de toda la vida, el que él mismo ayudó a construir y Hollywood manoseó hasta pervertirlo. Steven Spielberg nos devuelve la capacidad de maravillarnos en una pantalla grande igual que lo hizo con las películas por las que le colocaron el apodo del rey midas de Hollywood. Cree en un cine grande, espectacular, lleno de imágenes inolvidables pero, sobre todo, con corazón. Ese corazón es el que eleva su film y lo lleva a un lugar que dignifica el cine popular. En una industria llena de IPs y franquicias, él sigue resistiendo. Spielberg es la paradoja andante: el director que dio las herramientas a Hollywood para destrozar el arte, y el mismo que se resiste a que eso ocurra con sus films.

Por ello es hasta coherente que, para lograrlo, recurra a sus colaboradores habituales. Por supuesto a John Williams al frente de una banda sonora que sorprende por su ausencia en las escenas de acción y como gatillo en las íntimas, pero también a Janusz Kaminski a cargo de la fotografía y David Koepp desarrollando una historia del mismo Spielberg. 

Es cierto que el filme se atasca en su parte central en una sucesión de persecuciones que parecen una concesión a la espectacularidad que vende su tráiler (y que se resuelven con algún deus ex machina), pero también es cierto que uno no puede más que sacarse el sombrero ante un cineasta que con casi 80 años sigue encontrando decisiones visuales sorprendentes, como ese primer plano de la película de un pie pisoteando la propia cámara, la transición entre la previsión meteorológica y unos cereales cayendo o un plano para el recuerdo en el que la cara de un ciervo da paso, sin cortes, a la de uno de los extraterrestres.

Spielberg volvió a los alienígenas para, irónicamente, hacernos creer en nosotros mismos y en el poder de contar historias. Y lo hizo con una película frenética, divertida, emotiva y que esconde en su interior una reflexión sobre el mundo actual mucho más adulta que lo que parece a simple vista.

El mundo del espectáculo argentino está de luto ante la reciente muerte de la reconocida actriz argentina María Rosa Fugazot a los 83 años. La noticia fue confirmada en las últimas horas por fuentes policiales.

Su muerte fue constatada durante la noche de este domingo, cuando efectivos de la Comisaría Vecinal 14 A de la Policía de la Ciudad asistieron al edificio ubicado en la calle Güemes al 4700 tras un llamado al 911 por una persona descompensada en el lugar. 

De acuerdo con la información del parte policial, las dos mujeres que acompañaban a la actriz en el departamento franquearon el acceso a los oficiales y a los profesionales de la salud. 

Según el informe de SAME, el deceso de la artista de cine, teatro y televisión fue constatado a las 21:41 del domingo por personal médico que acudió a su domicilio, ubicado en el barrio porteño de Palermo.

En el caso intervienen la Fiscalía Nacional Criminal y Correccional N° 12, a cargo del Dr. Martín Parrando, y la Secretaría del Dr. Leandro Alonso, quienes dispusieron de manera preventiva el inicio de actuaciones bajo la carátula de “averiguación de causales de muerte”.

La trayectoria de la artista que conquistó el cine, la televisión y el teatro

Hija de María Esther Gamas, actriz, cancionista y vedette argentina, y del cantor y actor uruguayo Roberto Fugazot, María Rosa Fugazot nació el 20 de diciembre de 1942 en la provincia de Bs. AS., con el arte corriendo por las venas.

Su debut en el escenario fue a la corta edad de 15 años con una comedia, para luego insertarse en el clásico show de revista. A lo largo de su juventud, se consolidó como una de las grandes vedettes y actrices de la época de oro, compartiendo escenarios en el Teatro Maipo y El Nacional junto a Alberto Olmedo, Jorge Porcel y Juan Carlos Calabró.

Además, fue cantante en la orquesta de Eddie Pequenino, donde acompañó a Frank Sinatra Jr. junto a Tomy Dorsey.

En los años 80 brilló en la TV argentina de la mano de los programas de los hermanos Hugo y Gerardo Sofovich. Con los años, participó en éxitos como “Gerente de familia”, “Durmiendo con mi jefe” junto a Guillermo Francella, “Los Roldán”, “Amas de casa desesperadas”, “Sos mi hombre” y “El Puntero”. 

En 2012 se consagró ganadora del Martín Fierro de Oro, el galardón mayor de la televisión y la radio elegido por APTRA, por su participación en El Puntero. 

En la pantalla grande, participó en películas como “Mi novia el...”, “El rey de los exhortos” y actualmente en “Ningún amor es perfecto”.

De los últimos tiempos, se dio el gusto de acompañar a Luis Brandoni en la serie “Nada”, donde grabó también junto a Robert De Niro. Hasta hace muy poco trabajó en el Teatro Picadilly, en la obra 'Viejas Chorras', comedia que compartía escenario junto a Divina Gloria, Cristina Maresca y Cristina Tejedor. 

A las 6 de la mañana de este lunes, la provincia de Buenos Aires confirmó lo que la lluvia ya había empezado a sugerir horas antes: el velatorio público de Carlos “Indio” Solari había llegado a su fin. La familia tomó la decisión de cerrar una vez que se retiraron los últimos asistentes que quedaban en las inmediaciones del Polideportivo José María Gatica, en el Parque de los Derechos del Trabajador de Villa Domínico, Avellaneda. “Al momento del cierre ya no se registraban personas esperando para ingresar”, informó la provincia. Dieciocho horas después de que se abrieran las puertas —a las 10 de la mañana del domingo, una hora antes de lo previsto por la presión de la multitud— y con las puertas físicamente cerradas desde las 4 de la madrugada, el pogo más largo de la historia ricotera terminó en silencio, bajo la lluvia.

La despedida fue descomunal desde el primer momento. La fila llegó a extenderse casi 8 kilómetros, rozando el límite con la Ciudad de Buenos Aires, con hasta 70 cuadras de cola sobre la avenida Bartolomé Mitre. Fanáticos de todo el país que habían pasado la noche del sábado en la vereda, bajo el frío y el rocío, entraron en orden y en paz al microestadio de 1.300 metros cuadrados donde estaba instalada la capilla ardiente con el cajón cerrado. Banderas de los Redondos, remeras de Oktubre, bombos y canciones acompañaron una vigilia que no tuvo precedentes en la historia del rock argentino.

El cierre lo puso la familia con un comunicado que ya circula como uno de los textos más emotivos que dejará el paso a la inmortalidad del Indio Solari. “Ya está. Todas y todos los que tuvieron la posibilidad de acercarse a despedirlo, lo hicieron. Ahora la lluvia nos manda a todos a casita, a seguir penando por dentro y a recordarlo como era: humano, infinito”, escribieron. Agradecieron a quienes viajaron desde lejos y a quienes lloraron “donde los sorprendió la pena”, y recordaron una frase que el propio Indio había dejado dicha: que las despedidas son “dolores dulces”. “Lo que no nos avisó fue que dolores dulces como estos iban a durar toda nuestra vida”, cerraron.

En el mensaje familiar hay un detalle que condensa todo el universo Solari: antes de morir, el Indio había dejado encendido el equipo Marshall de su guitarra y el equipo de sonido donde escuchaba las canciones en las que trabajaba. La familia lo interpretó como un gesto deliberado, una última instrucción sin palabras. “Pensó en todo antes de irse”, escribieron. “Nos sugirió, así, que la música debía seguir sonando, más allá de lo que ocurriese.” Para alguien que construyó toda su obra sobre la idea de que el arte es más grande que quien lo produce, la imagen del amplificador encendido en el estudio vacío tiene la densidad de una canción de los Redondos. “Que su música no pare nunca más”, cierra el comunicado.

La provincia informó que el municipio quedó trabajando en el predio para restablecer las condiciones de limpieza y normalizar la circulación en la zona. Del otro lado, cientos de miles de ricoteros volvieron a sus casas con lo que se llevan siempre de los shows del Indio: algo difícil de explicar, fácil de sentir. Carlos Alberto Solari murió el viernes 5 de junio a los 77 años, de un ACV, en su casa de Parque Leloir. Dejó encendido algo mucho más que un amplificador.

MC

Miles de seguidores de Carlos 'Indio' Solari llegaron este domingo a Avellaneda para participar de la despedida pública del músico argentino, una ceremonia que congregó filas de más de siete kilómetros y en la que fue definido como “un músico para el pueblo”.

“Fue el único que pudo rebelarse contra todo este sistema y que pudo ser del pueblo. Fue un músico para el pueblo”, afirmó a EFE Nair Farías, una de sus seguidoras, durante la despedida del artista.

Más de siete horas después de la apertura del polideportivo José María Gatica, en la localidad de Buenos Aires, la fila para ingresar superó los siete kilómetros de extensión.

A medida que caía la tarde, miles de personas continuaban concentradas en las calles que rodeaban el predio, donde grupos de amigos y familias enteras compartían canciones, banderas y recuerdos del líder de la banda 'Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota'.

Mientras la fila avanzaba lentamente, bandas tributo interpretaban canciones del repertorio de Los Redonditos y mantenían vivo el clima de la llamada “misa ricotera”, el fenómeno cultural que durante décadas acompañó cada presentación del músico.

La convocatoria reunió además a seguidores llegados desde distintos puntos del país. Entre ellos estaba Karil Alarcón, quien viajó desde la provincia norteña de Salta, a casi 1500 kilómetros de Avellaneda.

“Vinimos porque sabíamos que esta era la última misa de nuestro querido Indio. No podíamos no estar acá. Es inexplicable lo que se siente, el dolor. Me tiembla el cuerpo. No puedo creer. El Indio es infinito”, dijo Alarcón a EFE.

Para Gonzalo Vega, otro de los asistentes, la despedida representaba la continuidad de una comunidad construida alrededor de la obra del cantante.

“Esto es una 'misa ricotera' y siempre va a perdurar. Acá en Argentina no hay otra cosa más grande que esto. Se nos fue el padre del rock, pero nos dejó esta música, la alegría, la unión y la gente. El Indio nunca va a morir”, subrayó Vega.

Martín Faguaga, quien viajó desde la ciudad costera de Mar del Plata -a más de 400 kilómetros -, aseguró a EFE sobre el artista: “Supo abordar un montón de situaciones, le habla al de arriba, le habla al del medio y le habla al de abajo. A los que venimos más de abajo nos enseñó muchas cosas. Vine a decirle gracias”.

Uno de los momentos más emotivos de la jornada fue el ingreso a la capilla ardiente de referentes de organismos de derechos humanos, entre ellos integrantes de H.I.J.O.S., Madres y Abuelas de Plaza de Mayo, que dejaron sobre el féretro tres pañuelos blancos, símbolo de la lucha por la memoria, la verdad y la justicia en Argentina.

La jornada transcurría sin incidentes y bajo un amplio operativo de seguridad y asistencia sanitaria desplegado por las autoridades bonaerenses.

El gobernador de la provincia de Buenos Aires, Axel Kicillof, destacó -en una entrevista con el canal C5N- que la despedida se desarrollaba “en calma” y calificó la convocatoria como “algo muy fuerte”.

La familia del músico había anticipado que la despedida se extendería “hasta que haga falta” para permitir que todos los seguidores pudieran darle el último adiós.

Solari falleció este viernes a los 77 años a causa de un accidente cerebrovascular (ACV) hemorrágico, según determinaron los resultados preliminares de la autopsia.

EFE

El homenaje al Indio Solari, en el Polideportivo Municipal José María Gatica de Villa Domínico, se mantuvo durante todo el domingo hasta la madrugada del lunes, bajo una intensa lluvia. Centenares de milles de fans se hicieron presentes en el predio de Avellaneda para despedir al ídolo.

Las fotos son de Noelia Marcia Guevara.

Un mensaje inédito que el Indio Solari le grabó a Lionel Messi salió a la luz en las últimas horas, tras la muerte del músico, y generó una fuerte conmoción por el pedido final que le dejó al capitán de la Selección argentina antes del Mundial 2026: ir por otra Copa del Mundo.

El audio había sido registrado hace algunas semanas y, según se reveló, nunca llegó a manos de Messi porque el ex líder de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota no se animó a mandárselo.

En la grabación, Solari saludó al rosarino con enorme admiración y lo definió como “un tesoro deportivo argentino”, además de destacar la destreza única con la que marcó a varias generaciones de hinchas.

El tramo más emotivo llegó sobre el cierre, cuando el Indio Solari dejó una especie de arenga mundialista para Messi: “¿Qué tal si ganás un campeonato del mundo más?”, una frase que rápidamente se viralizó entre fanáticos del fútbol y seguidores ricoteros.

“Estás para eso, viejo, estás para eso”, agrega. Incluso el audio fue incluido en el homenaje de la Selección argentina al Indio.

La historia del audio fue contada por el periodista Hernán Castillo, quien explicó que el músico lo había grabado entre un mes y un mes y medio antes, pero luego decidió no enviarlo por pudor.

Según relató Castillo, una persona cercana al Indio le había acercado el material con la intención de que llegara al capitán argentino, aunque finalmente el mensaje quedó guardado hasta después de su fallecimiento.

La aparición del audio sumó otro capítulo emotivo al vínculo entre Solari y el fútbol, una relación atravesada por su amor por Boca, su admiración por Juan Román Riquelme y sus elogios públicos a Messi tras la consagración argentina en Qatar 2022.

El mensaje conmovió especialmente por el contexto: Messi se prepara para disputar una nueva Copa del Mundo con la Selección argentina, mientras el país despide a una de las figuras más influyentes de la cultura popular.

Con información de la agencia NA

La muerte del Indio Solari nos afectó a todos. El deporte no fue ajeno a ese dolor y el fútbol en particular realizó y realizará varios homenajes.

Por un lado, la AFA (Asociación del fútbol argentino) despidió con un emotivo mensaje al Indio, quien falleció el viernes a los 77 años: “Una voz que se volvió bandera popular”.

En un comunicado, la AFA subrayó que “la noticia de la muerte del Indio Solari golpea mucho más allá de la música. Su obra acompañó durante décadas a millones de argentinos y encontró en el fútbol uno de sus escenarios más singulares”.

En este contexto, la AFA destacó: “Desde las canchas más humildes hasta los estadios más emblemáticos del país, sus canciones trascendieron recitales y discos para convertirse en parte de la identidad de las tribunas”.

Por otra parte, la AFA reconoció que “pocas veces un artista logró una conexión tan profunda con el universo futbolero. Melodías, frases y estribillos nacidos de su pluma fueron adoptados por hinchadas de todos los colores”.

“Su vínculo con el fútbol nunca dependió de una estrategia ni de una búsqueda deliberada. Fue el resultado natural de una identificación popular construida a lo largo de décadas. Como ocurre con los grandes símbolos culturales argentinos, sus canciones fueron apropiadas por la gente y resignificadas en las tribunas, donde adquirieron una fuerza emocional única”, continuó el comunicado.

Por último, cerró: “El fútbol argentino despide a una figura irrepetible de la cultura nacional. Quedarán sus letras, sus melodías y esa presencia inconfundible que seguirá sonando cada fin de semana en los estadios… El Indio Solari, cuya obra acompañó a tantas generaciones de futboleros, seguirá estando presente cada vez que una tribuna vuelva a cantar”.

Emotivo video de la Selección

Además del comunicado, la cuenta oficial de la Selección compartió en sus redes sociales un video emotivo para despedir al Indio, con un mensaje del propio Solari a Messi que nunca se animó a mandar.

Mientras que Lionel Messi también se expresó con un mensaje en el que escribió: “Siempre en nuestros corazones. QEPD”.

“Estamos dolidos”

El entrenador de la Selección argentina, Lionel Scaloni, también se refirió al fallecimiento del músico y envió sus condolencias a la familia: “Para Argentina es una pérdida importante. Estamos dolidos”, señaló en conferencia de prensa.

Minuto de silencio

Ademàs, la AFA dispuso un minuto de silencio en homenaje a el Indio Solari,, en los partidos del ascenso que se disputen durante este fin de semana.

Al no haber partidos de primera divisiòn, la medida alcanza a los encuentros de la Primera Nacional, la Primera B y la Primera C, según informó la propia AFA a través de un comunicado oficial.

Fanáticos del Indio Solari convocaron a una “misa ricotera” en la Plaza de Mayo para despedir al referente del rock nacional, quien falleció este viernes a los 77 años.

Sin embargo, desde los organismos de seguridad se decidió impedir el ingreso a los Ricoteros y esto generó disturbios. Incluso la policía echó gases a los fans que sólo querían homenajear a su ídolo.

La convocatoria comenzó a difundirse durante la mañana del viernes por medio de grupos de fans y distintas plataformas digitales y cientos de usuarios compartieron una invitación para reunirse en el tradicional espacio público ubicado frente a la Casa Rosada.

Bajo la consigna de homenajear al ex líder de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, los organizadores lograron una importante concurrencia de seguidores que comenzaron a acercarse desde horas antes con banderas, remeras y otros símbolos vinculados al universo “ricotero”, y se encontraron con el vallado policial.

Allí comenzaron los incidentes. Luego de un par de horas y ante la masividad de la “misa”, la Policía se replegó.

“Milei perdió la elección”

“Hoy Milei perdió la elección por no abrir el Congreso. Que quede grabado”, afirmó uno de los fans, tras la represión policial, a un canal de televisión.

Palo a la policía: “Pobres tipos”

“No puedo creer lo que vivimos recién en el medio de la despedida del Indio, del dolor... todos esos que estaban con el escudito, crecieron escuchando esto. Pobres tipos”, afirmó otra fan del Indio Solari.

“Vinieron a reprimir”

“Es un duelo, ¿a vos te parece que puedan venir a romper las pelotas y pegarnos? ¿En qué país estamos viviendo? Vinieron en carpa, vinieron a reprimir, tanto miedo le tienen a un duelo nacional, es un duelo. Hay un muchacho con la cabeza rota ahí. Tienen miedo y vienen a reprimir”, disparó otro fan del Indio Solari.

Misa ricotera

Los fans comenzaron a recrear el clima de las históricas “misas ricoteras”, nombre con el que fueron conocidos durante décadas los recitales del artista debido a la masiva convocatoria y al fuerte sentido de pertenencia que caracterizó a sus seguidores.

La muerte de Solari generó una profunda conmoción en el ambiente artístico y entre miles de admiradores que, desde las primeras horas del día, multiplicaron mensajes de despedida y homenajes espontáneos en distintos puntos del país.

Considerado una de las figuras más influyentes de la historia del rock argentino, el músico construyó una relación singular con su público que trascendió generaciones y convirtió a sus conciertos en verdaderos fenómenos culturales de alcance masivo.

Con información de NA

El entorno del Indio Solari confirmó este viernes que la despedida pública del histórico músico finalmente se realizará este domingo 7 de junio. La información fue difundida a través de la cuenta oficial del artista, donde se agradeció el acompañamiento de los fans tras conocerse la noticia de su fallecimiento.

“Finalmente, la despedida al Indio será el domingo 7 de junio, para dar tiempo a la gente que viene de lejos. Mañana sábado confirmaremos el lugar y la hora. Gracias por la paciencia, todo esto es muy difícil”, señalaron desde la cuenta oficial del artista. 

De esta manera, quedó descartada la posibilidad de que el homenaje se realice en la vivienda donde residía el exlíder de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota. Los detalles del velatorio y homenaje público serán comunicados en las próximas horas.

La despedida de Los Fundamentalistas

En tanto, Los Fundamentalistas del Aires Acondicionado, la banda que acompañó al Indio en sus últimos tiempos y que sigue tocando sus temas, anunció: “Estamos en shock. Como todos. No sabemos bien qué hacer. El durísimo golpe nos da en el cuerpo, pero abatidos como estamos, el corazón nos pide juntarnos”.

“Decidimos mantener el concierto de mañana y aunque no estaba en los planes, transmitirlo en vivo para todos. No va a ser fácil, tampoco va a ser el concierto que habíamos pensado, pero juntarnos y estar cerca nos parece lo único medianamente reparador. Te amamos, Indio…” Tocarán en el Predio Ferial de Comodoro Rivadavia, a las 21.

La muerte de Carlos “Indio” Solari generó una inmediata conmoción en el mundo de la música. Apenas conocida la noticia, artistas de distintas generaciones comenzaron a expresar públicamente su dolor y a rendir homenaje a quien fue una de las figuras más trascendentes del rock argentino y uno de los compositores más influyentes de las últimas décadas.

Entre las despedidas más resonantes estuvo la de Fito Páez, quien eligió un extenso texto para reflexionar sobre la dimensión cultural del ex líder de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota. “Se fue el líder de una de las más importantes tribus argentinas”, escribió el músico rosarino, que comparó la muerte del Indio con la de un cacique cuya partida provoca desconcierto, angustia y un profundo vacío en su comunidad.

Páez recordó además el único encuentro personal que mantuvo con Solari, a fines de 1988 en los camarines de Cemento. Según contó, el Indio se acercó para señalarle, con afecto y precisión, aspectos de una canción que consideraba que había sido interpretada de manera equivocada. “Me aleccionó como un hermano mayor”, escribió. También destacó su magnetismo personal y su enorme carisma antes de concluir: “Se fue uno de nuestro bando: la convulsionada, salvaje y siempre exótica e imprevisible cultura rock”.

Otra de las reacciones que más repercusión generó fue la de Divididos. La banda integrada por Ricardo Mollo, Diego Arnedo y Catriel Ciavarella eligió una despedida breve pero cargada de simbolismo. A través de una historia publicada en redes sociales compartió una imagen del músico acompañada por una frase que rápidamente se multiplicó entre los seguidores: “Camino al brillo eterno”.

Andrés Ciro Martínez también destacó la importancia de Solari para la historia del rock nacional. “Larga vida al rock, larga vida al Indio”, escribió el cantante, quien además lo definió como “uno de los más grandes poetas que dio el rock nacional”. El ex líder de Los Piojos recordó que fue una de las primeras figuras consagradas en brindar apoyo a su banda cuando daba sus primeros pasos. “Fue el primero de los grandes que a Los Piojos nos tiró una mano”, señaló.

Uno de los textos más personales fue el de Richard Coleman. El músico reconstruyó más de cuatro décadas de admiración y recordó la primera vez que vio actuar al Indio en 1981. “Tu banda era lo que necesitaba ver, tu rock lo que necesitaba escuchar”, escribió en una extensa despedida que repasó discos, recitales y personajes fundamentales de la historia del rock argentino. Hacia el final de su mensaje sintetizó una sensación compartida por muchos seguidores: “No te conocí en persona, no fuiste amigo, no fue necesario. Pero acompañaste mucho tiempo, eso sí”.

El dolor por la muerte del músico también atravesó otros géneros. Teresa Parodi destacó el vínculo único que Solari construyó con su público a lo largo de décadas. “Es triste cuando el pueblo llora, Indio. Pero es tan hermoso cuando el pueblo canta y es lo que seguirá haciendo con vos donde sea que estés. Gracias por la música, buen viaje”, escribió la cantora correntina en una de las despedidas más emotivas de la jornada.

Desde el rock barrial también llegaron homenajes. Los Gardelitos agradecieron “el vuelo” y la profundidad artística del compositor. “Gracias Indio por el vuelo de tu pluma que hoy llegó hasta el cielo para desatar una tormenta perfecta en nuestras almas”, escribieron. La banda destacó además una obra que, según señalaron, supo “penetrar en el hondo bajo fondo de nuestra sociedad y de nuestros locos corazones”.

La cantante Lali Espósito eligió una despedida silenciosa pero significativa. En sus historias de Instagram compartió una fotografía del músico acompañada por la canción “Todo un palo”, uno de los clásicos de Los Redondos. Sin necesidad de agregar palabras, el gesto fue leído como una muestra de admiración hacia una figura que trascendió generaciones y estilos musicales.

También Iván Noble expresó su tristeza por la noticia. “Supongo que algo así fue la muerte de Gardel. Buen viaje, Indio. Muchísimas gracias por las canciones”, escribió el ex líder de Los Caballeros de la Quema.

Las despedidas continuaron multiplicándose a lo largo de toda la jornada. Más allá de las diferencias generacionales, estéticas o musicales, los mensajes coincidieron en un mismo reconocimiento: la magnitud de una obra que transformó para siempre la cultura popular argentina y convirtió al Indio Solari en una de las figuras más influyentes de la historia del rock nacional.

“La noticia más triste, esa que hubiésemos querido no dar nunca, es cierta. Nuestro amado Indio -su cuerpo, su manifestación física- ya no está. No hay forma de expresar nuestro dolor, ni hace falta: es el mismo que sienten ustedes”, comunicó el entorno del Indio al músico en redes sociales, mientras desde temprano en la mañana, la calle Calixto Oyuela al 4300 de Parque Leloir comenzó a llenarse de ricoteros.

Llegaron solos, en pareja, en grupos, con banderas enrolladas bajo el brazo y canciones tarareadas en voz baja. La casa donde el Indio Solari vivió sus últimos años —una propiedad rodeada de jardines y árboles, con su estudio de grabación “Luzbola” en la planta baja— está cercada por efectivos policiales y representantes de la Fiscalía de Ituzaingó desde minutos después de las 9, cuando se confirmó la muerte del artista. Pero eso no detiene a los fanáticos.

El entorno del músico informó que “lo despedirá su familia ahora, en la intimidad que merece” y que por la tarde de este viernes se informará “dónde se realizará la despedida pública”.

“Para que todos y todas los que lo amaron puedan despedirse también. Mientras tanto, lloremos como corresponde, escuchemos sus canciones y, sobre todo, cuidémonos entre nosotros, como él nos enseñó”, cierra el texto.

Entre los que llegaron a acompañar a la familia estuvo Máximo Kirchner. El diputado nacional, que mantenía una relación de amistad cercana con el músico, se acercó a Parque Leloir para estar junto la Negra Poli y el resto del entorno de Solari.

Además de Parque Leloir hay una convocatoria para un homenaje masivo: el llamado a una “misa ricotera” en Plaza de Mayo a partir de las 18. El mensaje es sencillo y directo: “Despedimos al Indio a lo grande. En Plaza de Mayo. 18 hs misa ricotera”. La “misa” es el mismo lenguaje que los ricoteros construyeron durante décadas en los estadios, ahora trasladado a la calle.

La elección de Plaza de Mayo no es casual. El Indio siempre mantuvo una relación tensa y explícita con la política: criticó la condena a Cristina Kirchner en la causa Vialidad, cuestionó el avance del macrismo sobre los derechos sociales, y en 2024 apuntó contra Javier Milei en una entrevista radial, cuestionando su estilo de liderazgo y los intereses detrás de su gobierno. Que sea la plaza donde se gestan las grandes escenas del país para despedirlo dice algo sobre el lugar que ocupó el Indio en el imaginario de varias generaciones.

El Indio Solari, quien murió este viernes a los 77 años, fue una figura pública que nunca evitó la controversia. A lo largo de décadas de entrevistas esporádicas y declaraciones públicas, el ex líder de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota construyó un discurso tan admirado como discutido, atravesado por críticas políticas, cuestionamientos al sistema cultural y opiniones tajantes sobre otros músicos.

Una de sus frases más recordadas fue “El lujo es vulgaridad”, parte de la letra de su canción Un poco de amor francés que se convirtió con el tiempo en una consigna generacional contra el consumismo y la ostentación. La sentencia, surgida en los años noventa en pleno auge menemista, terminó sintetizando buena parte del imaginario ricotero.

Sobre el dinero y el éxito, el Indio siempre fue muy claro: “El que le chupa las medias al poder no puede ser un artista. Me jode cuando hablan de que yo tengo dinero. Sí, tengo dinero, porque un artista independiente tiene que poder resistir los embates del poder”.

Si bien mantuvo un perfil bajo a lo largo de su carrera, en los últimos años Solari participó más activamente del debate público y se alineó discursivamente con el kirchnerismo. “Si la pandemia nos tocaba hace dos años moríamos todos. Porque ese es el espíritu de esa gente. Se dicen libertarios y me parece una locura”, manifestó en 2020.

En ese sentido, fue muy crítico de la gestión de Mauricio Macri: “¿Cómo hacés para olvidar que cada vez que vienen a desembarcar afanan todo lo que pueden? Ahora están recorriendo el mundo y nadie les dice que vengan. Espero que pase cuanto antes porque se han robado el país. No es que se llevaron un vueltito. Son fortunas internacionales que no están más acá y dinero que está en el exterior”.

Su admiración por la expresidenta Cristina Fernández de Kirchner nunca fue un secreto. “Tengo un respeto muy grande por Cristina. Como cuadro político es impecable”, afirmó en una entrevista.

Sobre la sociedad y los medios lanzó en una entrevista con Página 12: “Argentina puede ser un lugar que elija el bastión de los blancos, así como lo tienen a Israel en el mundo árabe. Acá también corremos el peligro de ser un bastión del imperio yankee”

La separación de los Redondos, Maradona, Cerati y los Beatles

También generó repercusión cuando descartó cualquier regreso de Los Redondos. “Volver con Los Redondos sería una estafa”, afirmó en una entrevista difundida en redes sociales, apagando una vez más las expectativas de millones de seguidores que soñaban con una reunión histórica de la banda.

El propio Solari también habló públicamente sobre la ruptura de Los Redondos y dejó frases que reavivaron viejas tensiones con Skay Beilinson. “Viví un duelo con el final de la banda”, dijo años después, al recordar el quiebre del grupo más convocante del rock argentino.

En otra entrevista, el Indio también se refirió a otro ídolo popular como Diego Armando Maradona: “Era un tipo que entraba con un Scania al barrio de los cogotudos. Diego era la venganza de los pobres”. 

Otra polémica se produjo por sus opiniones sobre The Beatles y, especialmente, sobre Paul McCartney. En una entrevista comparó el perfil artístico de McCartney con el de John Lennon y calificó parte de la obra del ex beatle como “flan”, una expresión que provocó rechazo entre fanáticos de la banda británica y abrió un intenso debate en medios y redes sociales.

El Indio además echó por tierra esa rivalidad de los Redondos con Soda Stereo, ese River-Boca del rock que fue alimentado por los fans durante décadas, especialmente en los años ochenta. Cuando murió Gustavo Cerati, en 2014, el cantante escribió: “Me has hecho disfrutar de tu dulce voz y de tus espléndidos juegos con las guitarras. Tu etapa solista fue sólida y aventurera y es lo que más me gusta de lo que nos has dejado. Mi aplauso para vos”.

Dueño de una personalidad esquiva y de un discurso cargado de ironía y crítica social, el Indio Solari se mantuvo durante décadas como una de las voces más influyentes y discutidas de la cultura argentina. Sus declaraciones, al igual que sus canciones, quedaron marcadas por la intensidad, la provocación y una permanente desconfianza hacia el poder y la industria.

La muerte de Carlos Alberto “Indio” Solari reavivó el recuerdo de una jornada que quedó grabada para siempre en la memoria colectiva del rock nacional. El 11 de marzo de 2017, el histórico líder de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota brindó su último recital en vivo junto a Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado en el predio La Colmena de Olavarría. Fue el cierre definitivo de las multitudinarias peregrinaciones conocidas como “las misas ricoteras”.

Aquella noche, cientos de miles de fanáticos provenientes de todos los puntos cardinales del país se congregaron en el predio rural La Colmena con la certeza compartida de estar siendo testigos presenciales de un hecho que quedaría grabado en las páginas doradas del archivo artístico nacional.

El punto de quiebre de la velada llegó con el ritual del apagón general. Con las luces del predio completamente extintas, una introducción instrumental comenzó a sonar a través de las imponentes torres de sonido, elevando la emotividad de la masa a flor de piel.

La cuenta regresiva en Olavarría culminó de manera enérgica cuando el Indio Solari y su banda, Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado, irrumpieron en escena. Vestido con un enterito de jean claro, gorra roja y zapatillas del mismo color, el Indio apareció sobre el escenario para abrir el show con “Barbazul versus el amor letal”. La expectativa era enorme. Un año antes había confirmado públicamente que padecía Parkinson y muchos seguidores intuían que cada presentación podía ser una de las últimas.

Aquel puntapié inicial marcó el rumbo de una jornada extenuante que, con el correr de los años, se consolidó como el último registro vivo de una de las figuras más influyentes y convocantes de la cultura contemporánea argentina.

Del pogo más grande del mundo al silencio

Lo que comenzó como una celebración terminó envuelto en el drama. Durante los primeros minutos del recital, el propio Solari interrumpió la actuación al advertir que había personas descompensadas entre la multitud.

“Cómo puede ser que nadie sepa qué está pasando ahí”, llegó a expresar desde el escenario mientras observaba la situación con preocupación.

La banda intentó bajar la intensidad del espectáculo y continuó con canciones más tranquilas, pero los problemas derivados de la superpoblación del predio y las fallas organizativas ya habían generado una situación crítica.

Horas después se confirmó la muerte de Javier León, de 42 años, y Juan Francisco Bulacio, de 36. Ambos fallecieron en medio de los desbordes ocurridos durante el recital. Además, se registraron numerosos heridos y una enorme controversia que derivó en investigaciones judiciales y cuestionamientos a la organización del evento.

Con el paso del tiempo, aquel recital pasó a ser considerado un punto de inflexión para el rock argentino. También marcó el final de una etapa para el Indio Solari, que nunca volvió a subir a un escenario. En 2023, el músico confirmó oficialmente que no regresaría a los shows en vivo debido al avance de su enfermedad. De esta manera, Olavarría quedó para siempre como el escenario de su despedida ante el público.

Hoy, tras conocerse la noticia de su fallecimiento, el recuerdo de ese recital vuelve a cobrar fuerza. Fue el último encuentro entre el Indio y su multitud, una despedida que nadie sabía que sería definitiva y que quedó marcada por la emoción, la mística y una tragedia que cambió para siempre la historia del rock nacional.

Hace 20 años, “Los Redonditos de Ricota” eran prohibidos en Olavarría

El Indio Solari y Olavarría tienen una historia. 20 años antes del show del 2017, con Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, el cantante había intentado montar un show en la ciudad, pero se encontró con una prohibición del entonces intendente.

En agosto de 1997, y ya con la banda liderada por el Indio Solari y Skay alejada de los escenarios de la Ciudad de Buenos Aires, la misa ricotera había sido planeada para dos noches en el maxigimnasio del club Estudiantes de Olavarría, con capacidad para 7 mil personas. Pero quien era el intendente, el radical Helios Esseverri, prohibió por decreto las presentaciones un par de días antes.

Esseverri fundamentó su decisión en los “antecedentes ciertos de violencia y desorden” de las presentaciones de los Redonditos en otras ciudades. Entonces, la banda apeló la decisión ante la Justicia, pero no tuvo éxito. Y tuvo un gesto inusual para el comportamiento hermético del grupo: dio una conferencia de prensa. “Hicimos todo lo posible por traer la fiesta a Olavarría. Sólo faltó que nos pidieran que nos cambiáramos el nombre. Estamos muy dolidos y amargados por los chicos”, dijo entonces el Indio Solari en el hotel Savoy.

El recital completo filmado por el público

NB

El referente del rock nacional Carlos Alberto “El Indio” Solari falleció esta mañana a sus 77 años, en su mítica residencia ubicada en Parque Leloir. 

El mundo de la música, el espectáculo y sus millones de fanáticos lloran la muerte del artista, catalogado como uno de los artistas de rock más influyentes de la historia argentina. 

Tal era su vínculo con los fanáticos que lo acompañaron desde el principio de su carrera y en cada paso que dio, que los propios bautizaron los encuentros musicales como “misas ricoteras”, por la devoción y la mística que se genera en las presentaciones musicales del referente del rock. 

¿Por qué se llamaban “misas ricoteras”?

Presenciar un recital del Indio Solari no era como ir a ver a cualquier otro artista, ya que, para disfrutar de los encuentros musicales que la mítica banda Patricio Rey y Los Redonditos de Ricota brindaba, los fanáticos viajaban desde distintas partes del país, a menudo, entre muchas personas, compartían asados y cantaban juntos.

Esto llevó a que naciera un movimiento que trascendió la música y se convirtiera “en una religión” donde el Indio llevaba la imagen del “Papa” y las canciones cumplían con el rol de “los rezos”. El momento más importante de la misa ricotera era con la canción “Ji ji ji”, cuando los fanáticos se reunían para armar “el poco más grande del mundo”. 

El Indio Solari y las bandas que lo acompañaban llegaron a convocar a un número increíble de participantes en sus recitales: en 2016, su show en Tandil reunió alrededor de 250.000 personas y, un año después, el recital de Olavarría congregó entre 300.000 y 400.000 asistentes.

El pasado 11 de marzo se cumplió un nuevo aniversario de aquella histórica jornada que terminó por constituirse como el último concierto en vivo de “El Indio” Solari en Olavarría que marcó el cierre definitivo de las peregrinaciones. El hecho, marcado por problemas de organización, terminó con la muerte de dos personas.

 La trayectoria artística del Indio Solari traza un viaje singular en la cultura argentina, conectando los sótanos del Centro Parakultural, emblema del rock under de los años ´80, con la masividad de los grandes estadios de fútbol que consagraron a su banda, Los Redondos, en un fenómeno popular sin precedentes en Argentina. 

El recorrido del cantante refleja también la transformación de una escena cultural marginal en uno de los movimientos musicales más convocantes de la historia del país. Desde sus primeras presentaciones en espacios alternativos hasta los recitales multitudinarios, la figura del Indio quedó asociada a una identidad artística única.

Según pudo saber la Agencia Noticias Argentinas, uno de los vínculos más importantes en la construcción de esa identidad fue el que mantuvo con el Teatro Parakultural, un espacio que reunió a músicos, actores, poetas y artistas que marcaron la contracultura porteña durante la recuperación democrática.

El Parakultural, cuna del universo ricotero

Antes de convertirse en el Centro Parakultural, el histórico sótano de Venezuela 336 funcionaba como el Teatro de la Cortada. Allí, el 30 de diciembre de 1978, Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota ofrecieron un recital para despedir el año en plena dictadura militar.

Años después, en abril de 1986, Omar Viola y Horacio Gabín refundaron el lugar bajo el nombre de Centro Parakultural. El espacio se convirtió rápidamente en un punto de encuentro para distintas expresiones artísticas alejadas de los circuitos comerciales tradicionales.

Por sus escenarios pasaron figuras como Batato Barea, Alejandro Urdapilleta, Humberto Tortonese y Luca Prodan. Los Redondos compartían público y camarines con esos referentes, generando una mezcla entre rock, poesía y teatro performático.

El sótano también quedó inmortalizado porque allí se registró la primera y única entrevista televisiva que el Indio Solari concedió en toda su carrera. Fue para el programa “Subterráneos de Buenos Aires”, emitido por ATC.

La convivencia entre músicos y artistas experimentales terminó moldeando buena parte del imaginario ricotero. Las letras cargadas de metáforas, las puestas en escena y el carácter enigmático del Indio encontraron en ese ambiente un terreno fértil para desarrollarse.

De las salas under a las canchas de fútbol

El salto definitivo hacia la masividad llegó durante la década de 1990. Los Redondos comenzaron a trasladar su convocatoria desde teatros y estadios cubiertos hacia escenarios cada vez más grandes.

El primer gran paso ocurrió en el Estadio Tomás Adolfo Ducó de Huracán. En noviembre de 1993, la banda debutó en una cancha de fútbol para presentar el disco doble Lobo Suelto, Cordero Atado. Un año más tarde regresó con dos funciones que reunieron a más de 80.000 personas.

En diciembre de 1998 llegó el turno del Estadio Presidente Perón de Racing Club. Allí presentaron Último Bondi a Finisterre, un trabajo que incorporó sonidos electrónicos y mostró una faceta más experimental sin afectar el fervor de sus seguidores.

La consagración definitiva se produjo en abril de 2000 en el Estadio Monumental de River Plate. Más de 140.000 personas asistieron a las dos funciones que marcaron el punto más alto de convocatoria en la historia de la banda.

Fue durante el cierre del segundo recital cuando el Indio pronunció una frase que quedó grabada para siempre en la cultura popular argentina: “Vamos a hacer lo que la prensa ha dado en llamar el pogo más grande del mundo”. Instantes después, miles de personas saltaron al mismo tiempo durante “Ji ji ji”, transformando el momento en una postal histórica del rock nacional.

La mística de las “misas ricoteras”

Los recitales de Los Redondos trascendían el hecho musical. Días antes de cada presentación, miles de seguidores llegaban a las ciudades sede, acampaban en las inmediaciones y convertían los alrededores de los estadios en verdaderas celebraciones colectivas.

Las tribunas se cubrían de banderas y los recitales adquirían una dimensión ritual que llevó a que los propios fanáticos bautizaran esos encuentros como las “misas ricoteras”.

El fenómeno alcanzó tal magnitud que años después, durante los primeros conciertos solistas del Indio en el Estadio Ciudad de La Plata, se registraron picos sísmicos coincidentes con la interpretación de “Ji ji ji”, producto de miles de personas saltando de manera sincronizada.

La última gran escala de Los Redondos llegó en abril de 2001 en el Estadio Centenario de Montevideo. Allí presentaron Momo Sampler ante miles de seguidores argentinos y uruguayos. Pocos meses después, la banda iniciaría el camino hacia una separación definitiva.

Del oscuro sótano del Parakultural a los estadios colmados de River, Racing, Huracán y el Centenario, la historia artística del Indio Solari quedó marcada por una evolución única que convirtió a una banda nacida en el under en uno de los fenómenos culturales más importantes de la música argentina.

Con información de NA.