Lux no dejó indiferente a nadie. La portada fue lo primero que sorprendió, con una imagen en la que se veía a Rosalía vestida de blanco, con una remera ajustada que emula una camisa de fuerza y un velo, los labios pintados de dorado, un cielo azul. Una composición que evoca a una divinidad. A lo celestial. Un aviso a navegantes de lo que estaba por venir. 

Después, se publicaron (y se filtraron) las canciones de su cuarto disco: muchas colaboraciones, temas inspirados en santas de todo el mundo, una decena de idiomas y muchos estilos fusionados, porque mezcla ópera, electrónica y flamenco, entre otros. 

Y la última sorpresa llegó con la puesta en escena elegida por Rosalía para el Lux Tour. En su primer concierto en Lyon, la artista catalana cambió de registro en varias ocasiones: salió vestida de bailarina clásica, se puso una especie de capa blanca para interpretar Mio Cristo Piange Diamanti, cantó desde dentro de un cuadro como si fuera una obra de arte y hasta recuperó el espíritu de El Aquelarre de Goya.

Imaginario de Goya

Rosalía sorprendió con la puesta en escena de Berghain, su primer single y el tema elegido para su actuación en los Premios Brit, los galardones que otorga anualmente la Industria Fonográfica Británica. Para la canción, la artista catalana cambió el color blanco de la mayoría de sus atuendos por el negro. Mismo tono que lucieron sus bailarines. 

Todos ellos rodeaban de cerca a la cantante española, que sobresalía en la escena, y no solo por su interpretación musical. Rosalía portaba una especie de cuernos con plumaje en su cabeza, en una estampa que a muchos los transportó a El aquelarre, el icónico cuadro pintado por Francisco de Goya. 

Goya retrató en esta pequeña pintura un ritual de brujería. En el centro, muestra al diablo en forma de macho cabrío y tocado con unas hojas de vid que aluden a la iconografía de Baco. Le rodean un grupo de brujas. En uno de sus lados, una mujer le ofrece a un recién nacido al tiempo que una anciana tiende en sus brazos a un niño esquelético. 

Desde la Fundación Goya, señalan que el punto de partida para este cuadro de Goya seguramente fuese la lectura del texto con anotaciones humorísticas que Leandro Fernández de Moratín hizo en 1812 sobre el Auto de Fe de Logroño (1610), donde se narra cómo dos mujeres envenenaron a sus hijos para satisfacer la petición del demonio. 

El parecido de ambas escenas no pasó desapercibido para los seguidores de Rosalía, que asistieron a un concierto donde no faltaron las canciones de Lux, los éxitos de Motomami y una puesta en escena cargada de referencias artísticas. Y aún quedan más de cuarenta espectáculos por delante. 

En Lyon, ante 15.000 personas y con una orquesta situada en el corazón del pabellón LDLC Arena. Así arrancó el Lux Tour de Rosalía, una gira con la que recorrerá más de una docena de países y en la que tiene previstos 42 conciertos. Quizás sea el viaje más esperado por sus seguidores, porque presenta un disco rompedor, donde explora temas de la mística femenina, la transformación y la espiritualidad. 

La expectación era máxima por conocer la puesta en escena de la artista catalana, teniendo en cuenta que, en su cuarto disco de estudio, hay momentos operísticos como los que se escuchan en Berghain. Tampoco pasó inadvertida la promoción que hizo del disco: siempre de blanco o de negro, con cruces de colgante y una imagen para la portada donde se le ve vestida con un hábito. 

El interés estaba en la puesta escena, sabiendo que en Lux participan muchos artistas, pero también en la setlist que Rosalía elegiría para sus conciertos. Y con el concierto de Lyon se despejaron algunas dudas: muchas del disco actual, algunas de Motomami y sorpresas de colaboraciones anteriores. 

Setlist de Rosalía en el Lux Tour 

Rosalía abrió su concierto en Lyon convertida en una frágil muñeca bailarina, con tutú y zapatillas de ballet incluidos, cantando dos temas de su último trabajo: Sexo, violencia y llantas y Reliquia. Tampoco faltaron Porcelana o Divinize, una canción en la que combina castellano, catalán e inglés. 

La artista catalana tampoco renunció al tema Mio Cristo Piange Diamanti, la canción en la que más tiempo empleó y un tema que nació tras su investigación sobre la amistad entre Santa Clara de Asís y San Francisco de Asís, ambos pertenecientes a la orden franciscana. 

Frente a ese inicio más delicado, el shock llegó con la wagneriana Berghain, el primer single de Lux y el mismo tema que eligió para su comentada actuación en los premios de la industria musical británica. Ahí cambió su atuendo blanco por uno negro con unos cuernos demoníacos y plumas negras. 

Rosalía también rescató para su primer concierto éxitos como Motomami, Saoko, La fama, La Combi Versace o CUUUUuuuuuute. Y sorprendió con temas como Can't take my eyes off you, Bizcochito, Despechá o La noche de anoche, aunque este último sin Bad Banny. 

La artista catalana no se dejó ninguna canción de Lux en el tintero: De madrugá, La perla, Sauvignon Blanc, La Yugular, Dios es un Stalker, Memória, Rumba del Perdón, Novia robot, Fou 'ranni y Magnolias para cerrar el espectáculo con el que recorrerá medio mundo. 

Rosalía apareció por sorpresa en el escenario del Palau Sant Jordi en Barcelona para cantar La perla en el concierto benéfico de la organización ActxPalestine, una plataforma que aglutina a las principales entidades palestinas de derechos humanos.

“Hoy, especialmente, es un honor estar en este escenario”, aseguró la artista catalana durante su actuación. La presencia de Rosalía supone la guinda a un acto reivindicativo que ya contaba con un largo elenco de reconocidos artistas. Desde Amaia a Morad y de Fermín Muguruza a Oques Grasses, más de veinte artistas, entre ellos también invitados palestinos, actuaron para exigir el fin definitivo de la violencia en Gaza.

El concierto corrió a cargo de la organización ActxPalestine, una plataforma que aglutina a las principales entidades palestinas de derechos humanos, y que también impulsó el partido de fútbol Catalunya-Palestina en el Estadio Lluís Companys de la capital catalana. Su objetivo es continuar la acción iniciada por la Global Summud Flotilla, que zarpó de Barcelona hacia Gaza y fue interceptada por Israel.

El cartel del concierto nada tenía que envidiar al de los grandes festivales. Sin contar con Rosalía, la lista ya incluía a Amaia, Morad, Fermín Muguruza, Oques Grasses, Ana Tijoux, Lluís Llach, Bad Gyal, Clara Peya, La Zowi, Guillem Gisbert, Mushka... Entre las voces palestinas, están Zeyne o Lina Makoul. Todos los beneficios del concierto se destinarán a apoyar los proyectos culturales del Palestinian Performing Arts Network, que financia y promueve actividades en diferentes zonas del territorio palestino.

“Se trata de un cartel intergeneracional, donde gente de las más divesas edades podrá reconocerse en los músicos que actúan”, señalaba Abel González, uno de los responsables de dirección artística de Primavera Sound y que ejercía labores de contratación para este concierto.

El verano pasado Rosalía se vio envuelta en una polémica, cuando el diseñador Miguel Adrover rechazó vestirla por no haberse posicionado públicamente en defensa de Palestina. La música respondió desde sus redes sociales asegurando: “El hecho de no haber usado mi plataforma de forma alineada con el estilo o expectativas ajenas no significa en absoluto que no condene lo que está pasando en Palestina”.

“A la noche se empiezan a encender las preguntas. Las hay distantes, quietas, inmensas, como astros: preguntan desde allí siempre lo mismo: cómo eres”. Así comienza el español Pedro Salinas uno de los últimos poemas del libro La voz a ti debida, publicado en 1933. Su título remite a un verso de Garcilaso de la Vega, citado a su vez en el Quijote de Cervantes. Salinas, traductor de Marcel Proust y uno de las grandes poetas de la Generación del 27 (Federico García Lorca, Miguel Hernández y Rafael Alberti, entre ellos) ancla su visión de lo moderno en el clasicismo.

Rosalía, otra voz poética de España, funda su cuarto álbum –un disco con voces, algunas explícitas y muchas otras subterráneas– en el mismo principio. Tanto los elogios recibidos por Lux como las diatribas –mucho más secretas si se piensa en la unanimidad de la crítica del pop al respecto o en los más de 42 millones de escuchas que acumuló en el día de su lanzamiento– se refieren a lo mismo: la utilización de una orquesta y la referencia a la música clásica. Ni unos ni las otras reparan en que allí lo más importante es, precisamente, el uso, y no sus materiales. Hay allí, en todo caso, una respuesta –contradictoria, como todas las respuestas verdaderas– a la pregunta que Salinas podría fromularle: “¿cómo eres?”

The New Yorker, Pitchfork y Rolling Stone, entre muchas otras publicaciones de todo el mundo, han coincidido en considerar a Lux entre lo mejor del año que termina. Abundan allí las menciones a la expansión del mundo del pop, a la inclusión de una orquesta sinfónica –como si eso garantizara el refinamiento y la calidad–, y al riesgo y el experimentalismo –que los arriesgados y experimentales de otros géneros, como la música de tradición académica o el jazz, naturalmente más arriesgados y experimentales que el pop, se apresuran a desestimar–. En los mundos casi secretos que, como la pequeña aldea gala de Asterix intentan resistir el avance del imperio –en este caso de la homogeneidad de la prensa “especializada” y de las redes virtuales– , las críticas más frecuentadas aseguran que Rosalía no expande el pop sino que contrae las múltiples referencias que forman parte de Lux, achatándolas y haciéndolas grammyficables, y que el alborozo a su alrededor no es otro que el de ignorantes festejando la (nueva) invención de la rueda. El reparo podrá ser cierto en relación con el periodismo del pop que, en efecto, en su gran mayoría desconoce cualquier cosa que no sea el pop y suele deslumbrarse ante “novedades” como un acorde aumentado, unas cuerdas à la Vivaldi o la terminación de una cadencia en modo menor con un acorde mayor, que cuentan con varios siglos de existencia. Pero de ninguna manera alcanzan a un disco brillante (y sí, se trata de un disco, ya se verá por qué) en el que si algo no sucede es la utilización de materiales históricos como guiño o mera marca de prestigio.

No se trata del manejo ingenuo de procedimientos académicos sino de una gramática externa –la del pop pero llevada a un límite imaginativo inusual– para la que lo académico funciona como una masilla maleable. En Lux las pocas citas textuales –la orquesta clásica entre ellas– son reutilizadas, transformadas y llevadas a un territorio en que resultan novedosas. Es cierto que una orquesta que remite inevitablemente a Vivaldi no es revolucionaria, ni riesgosa ni experimental en sí. Pero “Berghain”, en cambio, sí es algo nuevo. La orquesta vivaldiana no es la razón de su valor; el secreto es aquello en que esa orquesta, a pesar de su apariencia, no es vivaldiana en absoluto. Y, sobre todo, la manera en que ese vivaldismo, lejos de ser una totalidad, se convierte en pieza de un rompecabezas exquisito. El otro reparo que merece ser descartado de plano es el del achatamiento. Lux no es un disco plano. No incurre en el famoso sonido de pizzería, sin sobresaltos, donde todo transcurre en una franja muy estrecha de intensidades, sin nada inaudible ni nada que ensordezca. Aquí hay fortes –y hasta fortissimos– y pianos y pianissimos –algunos, admirables, de la voz de Rosalía sola, o casi sola, en sobreagudos–. 

Si bien lo moral no tendría por qué entrar en un juicio estético, se trata, además, de un disco honesto. Y no porque las preocupaciones místicas, su uso de varias –muchas– lenguas y la apelación a mujeres de la iglesia –erróneamente la crítica habla de santas y la abadesa Hildegard de Bingen, una de las primeras compositoras de las que se tiene conocimiento, no lo es– sean legítimas en sí sino porque las legitima la música –y las letras, desde ya–.

Todo suena natural, sin impostación. El magma unificador es el flamenco, que aparece aquí y allá no como cita ni como reclamo de autenticidad sino, sencillamente, como gesto inevitable. Los timbales de la orquesta no aparecen, tampoco, como gesto ampuloso o sobreactuado –al fin y al cabo la historia de estos instrumentos en el pop empieza con “Every Little Thing” de The Beatles–. Y la voz del grupo de Liverpool –y sobre todo de su quinto elemento, George Martin– es estructural. La escritura de las cuerdas, asimilándolas al estilo de las canciones, sirviendo de puntuación, o de subrayado, y sin imponer su peso –o su clasicismo– es, sin duda, deudora de Martin.

Otra de las voces ocultas –y fundamentales– en Lux es la de la compositora y cantante estadounidense Caroline Shaw, alguien que transita con fluidez entre el campo de las tradiciones académicas y del pop y, sí, de la experimentación y de lo que los auto percibidos como (únicos) músicos contemporáneos consideran música contemporánea. Ganadora de un premio Pulitzer por su Partita para 8 voces –que se utilizó en parte para musicalizar la serie Dark– e integrante del grupo vocal Roomful of Teeth, Shaw también compone y canta canciones y es una de las compositoras –y orquestadoras– de este disco.

Y, como se dijo antes, se trata efectivamente de un disco. La gráfica de la edición física no existe en su versión digital pero, además, una y otra no contienen exactamente la misma música. El CD real contiene secciones y pasajes que en su encarnación virtual están ausentes. Por otra parte hay otras grandes voces presentes, las de los niños de la Escolania de Montserrat y el Coro de Cámara del Palacio de la Música Catalana, la de Björk y la de Carminho, una de las figuras más destacadas de la canción portuguesa actual, que interpreta junto con Rosalía la bellísima “Memoria”.

No se trata, en todo caso, de que Lux tenga una orquesta –Ray Conniff y Caravelli también la tenían– ni de que se acerque al mundo clásico –Waldo de los Ríos lo hizo antes, y fue espantoso–. Tampoco de que este disco vaya a cumplir una improbable función redentora y logre que el público del pop acabe rindiéndose a los pies del arte sutil y evanescente de Hildegard de Bingen o de los coros de iglesia. Lux es, apenas, un disco de poderosa originalidad, plural y complejo en el mejor sentido, que utiliza intensivamente recursos del pop –reverbs, procesos electrónicos, distorsiones, enmascaramiento de timbres– para lograr lo que toda obra maestra: que los materiales, independientemente de su procedencia, se transformen y organicen en un todo capaz de contar algo tan incrustado en la historia –como la poesía de la Generación del 27– como definitivamente nuevo.

DF/MF

La relación de Rosalía con la religión católica es cultural, estética y biográfica, más que doctrinaria o militante. Nunca fue una artista confesional, pero el catolicismo atraviesa su obra de manera persistente, igual que en la de gente como Leonard Cohen o Nick Cave. 

Rosalía creció en Cataluña, en un entorno social donde el catolicismo es parte del paisaje cultural. Ha dicho en entrevistas que fue educada en la tradición católica, aunque no se define como practicante. La religión aparece más como herencia simbólica que como fe organizada.

En su obra, desde su primer disco, Los Ángeles, el imaginario católico es central. En la iconografía (vírgenes, martirios, espadas, velos, procesiones, lágrimas), el lenguaje (culpa, redención, sacrificio, pecado, expiación), y la gestualidad/estética (poses que remiten al dolor sacro o a la santidad barroca).

Todo esto no es casual, el catolicismo español, especialmente el andaluz, ofrece un repertorio visual y emocional muy potente, cercano al flamenco y a la tragedia. Es una obviedad pero está clarísimo que Rosalia bebió mucho de esto y es dónde están sus principales referencias musicales y estéticas.

En su segundo disco, El Mal Querer, inspirado en una novela medieval (Flamenca), el catolicismo funciona, además, como una especie de marco moral opresivo, donde el sufrimiento femenino aparece sacralizado, el amor romántico se presenta como martirio y la violencia se legitima simbólicamente mediante la culpa y la obediencia.

La obra de Rosalía puede leerse como una arqueología sensible del tiempo. Cada disco abre una capa histórica distinta y la hace resonar en el presente mediante lenguajes musicales contemporáneos. En ese movimiento se juega algo más que una experimentación estética, es una búsqueda de sentido en una época que perdió sus rituales, pero no su necesidad de trascendencia.

Los Ángeles instala desde el inicio un vínculo con la muerte. No como final, sino como umbral. El flamenco aparece allí no solo como género musical, sino como archivo emocional de una cultura atravesada por el duelo, la persecución y la intemperie histórica. La muerte no es decorado: es estructura. Rosalía toma esa tradición –forjada por comunidades romaníes desplazadas, vigiladas, expulsadas– y la trae al presente sin ironía, con una sobriedad casi litúrgica. El pasado no es nostalgia sino herida activa.

Con El mal querer, el gesto se vuelve más explícitamente político. Al dialogar con El Roman de Flamenca, Rosalía reactualiza una obra medieval censurada por subversiva, no por herejía teológica sino por atreverse a pensar a la mujer como sujeto de deseo, inteligencia y autonomía. El medioevo deja de ser pasado remoto para volverse espejo incómodo.

Motomami rompe con toda ilusión de continuidad. El cuerpo irrumpe, fragmentado, expuesto, performático. Es el disco de la carne, del pulso, del presente absoluto. Pero incluso allí –en su aparente secularización– subsiste una lógica ritual de repetición, mantra, trance, descarga. El cuerpo ya no se sacrifica sino que se afirma. Pero la pregunta por el sentido no desaparece, solo se desplaza.

Ese desplazamiento encuentra su forma más radical en Lux. Rosalía no se apoya en una tradición musical específica, sino en una constelación espiritual. Santas, místicas, poetas y pensadoras atraviesan el disco como presencias, no como citas eruditas. Hildegarda de Bingen, Juana de Arco, Santa Olga de Kiev, Santa Rosa de Lima o Simone Weil no aparecen como modelos de virtud, sino como figuras de intensidad. Mujeres que pensaron, crearon y actuaron desde una espiritualidad encarnada, conflictiva, muchas veces dolorosa.

Lux no es un álbum religioso en sentido doctrinario. Es, más bien, un intento de recuperar una dimensión espiritual después del colapso del dogma. Rosalía no predica, no afirma verdades, no ofrece redención. Pregunta. Duda. Oscila entre lo terrenal y lo astral, entre el deseo y el desapego, entre la voz desnuda y la orquesta monumental. La estructura en movimientos, el uso de múltiples lenguas, la centralidad absoluta de la voz construyen una experiencia que remite menos al concierto pop que al rito.

La clave está en la idea de receptáculo. Frente a la narrativa heroica, Lux propone otra lógica: no la conquista, sino la contención; no el clímax, sino el proceso; no el yo, sino la apertura. La espiritualidad que emerge no es la del poder, sino la de la vulnerabilidad. No la del triunfo, sino la de la entrega.

Cuando Rosalía canta, en Reliquia “mi corazón nunca ha sido mío, siempre lo doy”, no enuncia una sumisión, sino una ética. El amor, en esta obra, no es posesión ni fusión, sino distancia compartida, como escribió Simone Weil. Amar es aceptar la separación. Creer, acaso, también.

Vivimos en un tiempo que desarmó los grandes relatos, pero no produjo equivalentes capaces de organizar el sentido. Lux aparece ahí: no como un regreso conservador a la fe, sino como un intento de reinscribir lo espiritual después de su colapso.

Que una de las artistas pop más influyentes del mundo vuelva, una y otra vez, a Dios -aunque sea por fragmentos, restos, preguntas- no es un dato estético menor. Es un síntoma. Dice menos sobre la fe personal de Rosalía que sobre el vacío simbólico de la época que la escucha. 

En un presente saturado de tecnología, velocidad y ruido, Lux no ofrece respuestas, pero sí una pausa. Una luz tenue, no cegadora. Rosalía no vuelve a la fe de sus orígenes sino que la atraviesa, la fragmenta y la reconfigura. No reza, canta. No dogmatiza, busca. Y en esa búsqueda, su obra deja entrever una pregunta que sigue abierta: qué forma puede tomar hoy lo sagrado cuando Dios ya no organiza el mundo, pero el mundo sigue necesitando sentido.

Rosalía sigue inmersa en la promoción de Lux, un álbum celestial donde explora temas de la mística femenina y la espiritualidad y en el que colaboran artistas como Björk, Carminho, Estrella Morente, Silvia Pérez Cruz, la Orquesta Sinfónica de Londres y Yves Tumor, entre otros. Y nada está fallando en el plan de la artista catalana, alabada por la crítica y venerada por sus seguidores, que habían tenido que esperar más de tres años tras Motomami. 

A ellos se ha dirigido en las últimas fechas de muchas maneras: en redes sociales, con directos, tintándose una aureola en el pelo, irrumpiendo en medio de Callao en Madrid o apareciendo en lonas de todo el mundo con la imagen con la que ilustra la portada de Lux, en la que se muestra de blanco como una especie de divinidad. 

Ahora, el último paso que ha dado Rosalía ha sido el anuncio de una gira mundial en la que se reencontrará con sus seguidores. La artista catalana ya lo anticipó en su visita a La Revuelta: “A veces estás un año entero sin pisar tu casa y eso es heavy, pero yo hago música para compartirla con la gente. Mientras pueda, iré de gira”. 

Rosalía te manda un audio de WhatsApp

Pero Rosalía ha encontrado muchas formas de interactuar con sus seguidores. La última, cantar parte de la canción La Perla en diferentes tonos para mandarlos por audio de WhatsApp. Hasta cuatro versiones colgó hace unos días la artista catalana en su canal de difusión, que suma más de un millón de usuarios. Las frases escogidas: “hola, ladrón de paz” y “tienes el podio de la gran desilusión”. 

No hay nada improvisado, aunque la artista quiso venderlo así: “Viendo las tomas que os he mandado, veo que pueden tener un uso real y es que se las podéis mandar a los perlas de vuestra vida”. Y recomendaba mandar la nota más baja a aquellos con un mejor comportamiento. La más alta, para aquellos que han hecho méritos. 

“Ojalá no tengáis ninguna perla en vuestra vida y que no tengáis que usarlas. Que Dios os bendiga mucho”, remachaba Rosalía en una iniciativa poco común para publicitar La Perla, una de las canciones más escuchadas de Lux, una de las pocas que ha cantado en directo además de Reliquia. 

Lux suma reconocimientos 

En medio de la promoción del disco y de su gira, Lux sigue sumando reconocimientos de la crítica. El álbum de la artista española figura en la lista de los 25 mejores álbumes del 2025 de los críticos del diario The New York Times. El prestigioso periódico británico The Guardian ha elegido Berghain como canción más destacada del año y la revista Rolling Stone coloca Lux como tercer mejor disco de 2025, solo por detrás de Mayhem de Lady Gaga y Debí tirar más fotos de Bad Bunny.

Rosalía anunció este jueves la gira mundial con la que dará un total de 42 conciertos en 17 países, dos de ellos en Argentina. En ellos presentará su último disco, Lux, que vio la luz hace un mes. La artista catalana actuará en el Movistar Arena de Buenos Aires los días 1 y 2 de agosto.

La gira arrancará el 16 de marzo en Lyon (Francia), antes de recorrer Europa, Estados Unidos, Canadá y Latinoamérica. Suiza, Portugal, Alemania, Estados Unidos, Colombia y Chile son otros de los países que visitará, antes de culminar el 3 de septiembre en el Coliseo de Puerto Rico.

Por ahora, no se conocen detalles sobre cómo será el show. Dado el sonido del álbum Lux, para el que contó con la Orquesta Sinfónica de Londres, todo apunta a que podría apostar por contar con una orquesta en directo, pero por el momento son todo conjeturas. De optar por esta vía contrastaría con la puesta en escena de su última gira, Motomami Tour, en el que apenas había músicos sobre el escenario y gran presencia de visuales.

Las entradas para los shows en Buenos Aires saldrán a la venta el 11 de diciembre, con una preventa el 10 para clientes del Banco Santander Río.

La artista visitó hace algunos días la capital argentina y asistió a un show de Cindy Cat, grabó con Mariana Enriquez en el bar notable Los Falgos, visitó la Bombonera con Trueno, salió con Lali y Emilia Mernes y se encontró con Charly García. Además, subió al Obelisco, donde se cree que grabó escenas para el videoclip de la canción “Reliquia”.

“En España, el anuncio del nuevo disco de Rosalía, Lux, ha detonado, de nuevo, un debate (...). Existen señales que advierten de que lo católico está de moda o, si se prefiere, de que hay una vuelta a coordenadas espirituales que parecían proscritas”. Las palabras del presidente de la Conferencia Episcopal, Luis Argüello, durante la apertura de la pasada Asamblea Plenaria (aquella en la que se habló más de Rosalía que del escándalo Zornoza), parecían presagiar un nuevo milagro de la fe en España. Era el 'giro católico', visibilizado por movimientos como Hakuna o los retiros de Emaús o Effetá, y multiplicado por el 'efecto Rosalía' y su disco 'Lux' o 'Los Domingos', la película de Alauda Ruiz de Azúa que narra la historia de una joven que quería ser monja y que fue galardonada con la Concha de Oro del festival de cine de San Sebastián.

Sin embargo, nada más lejos de la realidad. Los datos son tozudos, y coincidentes, en dos recientes encuestas publicadas con posterioridad a las palabras de Argüello: dos de cada tres jóvenes se declaran “sin religión”, y los que buscan una mayor espiritualidad lo hacen al margen de las religiones tradicionales. Una de ellas, elaborada por la Fundación Pluralismo y Convivencia. La otra, avalada por la nada sospechosa de anticlericalismo universidad jesuita de Comillas.

Así, según se desprende del primer Barómetro sobre religión y creencias en España (BREC), disminuye el número de personas que se identifican con la religión católica (46%), mientras aumenta tanto el porcentaje de quienes se definen como indiferentes, agnósticos/as o ateos/as (42%) como el de quienes se identifican con religiones distintas a la católica (8%) –siendo este último el dato más alto registrado en una encuesta de ámbito estatal–.

Entre las conclusiones del estudio se refleja que, si bien la juventud española se muestra cada vez más abierta a lo espiritual, lo hace al margen de las religiones institucionales. Así, el 61% de las personas de entre 18 y 24 años no se identifica con ninguna religión; el 27% se declara agnóstico/a; el 21%, indiferente; y el 13%, ateo/a. Sin embargo, el 31% de los jóvenes afirma creer en algún tipo de realidad espiritual o fuerza vital; un 29% dice creer mucho o bastante en la astrología; y un 23%, en la videncia. Estos porcentajes son notablemente superiores a los del resto de franjas de edad. 

Estas nuevas formas de espiritualidad, más personales y desinstitucionalizadas, se expresan a través de prácticas como la meditación, el yoga, el encendido de velas o el cuidado del vínculo con la naturaleza. No implican un retorno a la religión tradicional, sino una búsqueda de sentido y conexión en un contexto de cambio cultural y generacional, donde lo espiritual se entrelaza con la búsqueda de bienestar personal y la relación con el entorno natural. Nada, pues, del ansiado retorno de los jóvenes a los templos, anunciado sin rubor por buena parte del episcopado español.

Por su parte, el Informe España 2025, presentado esta semana por la Cátedra José María Martín Patino de la Cultura del Encuentro de la Universidad Pontificia Comillas, y que analiza las transformaciones sociales, económicas y culturales más relevantes del país en los últimos 40 años, avala el proceso de secularización de la sociedad española. Según los datos, el porcentaje de personas que se declaran “sin religión” se ha triplicado en dos décadas: del 13,2% en el año 2000 al 40% en 2024. La situación es especialmente grave en el caso de los jóvenes: seis de cada diez no quieren ser considerados miembros de religión alguna. Por su parte, los católicos practicantes se estabilizan en torno al 15-20%, mientras los matrimonios religiosos se desploman: del 76% en el año 2000 al 19% en 2022. Paralelamente, crece el pluralismo religioso: las minorías suman ya el 10% de la población, con 2,2 millones de musulmanes y 1,5 millones de protestantes y ortodoxos.

¿A qué se debe, entonces, la proclamación del 'giro católico' de la juventud española? Para el sociólogo Rafael Ruiz de Andrés, “aún es pronto para saberlo”. En declaraciones a RD, el experto apunta a que los jóvenes pertenecen a una generación que “está viviendo en un contexto de mayor vulnerabilidad, lo que, en muchas ocasiones, genera preguntas que conectan con lo religioso”. Pese a ello, “todavía es pronto para hablar de si el giro católico es una moda pasajera o de la influencia que hayan podido tener películas, Rosalía, Hakuna, TikTok… Quizás dentro de diez años estamos en otra fase. Lo que sí creo es que es más estructural lo de esta generación joven, que está habiendo un contexto de mucha mayor percepción de fragilidad, de sociedad del riesgo, de inseguridad existencial”.

Lo único cierto, a día de hoy, es que la mayoría de los jóvenes españoles continúan huyendo de los templos (de cualquier confesión religiosa), y que no puede hablarse de una involución de la marcada secularización que afecta a la sociedad de nuestro país desde hace décadas. Más allá de procesos de conversión provenientes de 'retiros de impacto' fuertemente cuestionados, incluso, por sectores de la Iglesia (que ha disuelto asociaciones como las HAM, organizadoras de los retiros de Emaús, y continúa sin aprobar canónicamente para toda España a Hakuna), lo cierto es que la religión no forma parte de las prioridades actuales. Por no hablar, claro está, de que Rosalía no está bautizada (ni piensa estarlo) y que la directora de Los Domingos se declara atea.

Toda la información en www.religiondigital.org

“Éramos unos niños es el libro que más me influyó. Es un libro increíble y una cápsula del tiempo de cuando la creatividad estaba surgiendo de verdad”. Son palabras de Dua Lipa, la reina Midas de la prescripción literaria en la era de BookTok, BookTube y Bookstagram. Fue en esta última red social donde la apodada como “madrina del punk” compartió un selfie junto a Rosalía el pasado mes de octubre, tras actuar en el Teatro Real de Madrid como parte de la gira por el 50 aniversario de su mítico álbum debut, Horses (1975). “Quiero llorar”, le contestó la catalana, “Te adoro”. Poco después se sabría que una grabación de Smith aparece en una de las canciones de Lux, el último álbum de la artista española.

Dua Lipa y Rosalía no fueron las primeras en descubrir a Patti Smith (Chicago, 1946), claro, pero no todos los artistas pueden jactarse de contar entre sus incondicionales a jóvenes que crecieron con el reguetón, el trap y la música electrónica como banda sonora popular. Y, por si no fuera poco, no solo entonan sus temas, sino que la leen. Leen sus versos y sus libros de memorias. Porque resulta que Patti Smith también escribe, y dibuja, y fotografía, y hace activismo por el medio ambiente, el pacifismo y los derechos humanos, y nada de eso se le da nada mal. También lo decían Joan Didion, William S. Burroughs y Edmund White.

Su título más emblemático, Éramos unos niños (National Book Award de No ficción 2010), volvió a las librerías en una nueva edición con motivo de su reciente gira y del lanzamiento inminente de lo que se describió como sus “memorias definitivas”, Pan de ángeles (2025), que llegó a las mesas de novedades este mes de noviembre. Lumen, la editorial que desde hace años se encarga de publicar su obra en castellano, reedita con una nueva cubierta este libro de memorias de juventud con traducción de Rosa Pérez.

Una niña enamorada de los libros

Érase una niña pícara, flaca y desgarbada que se enamoró de los libros. No brillaba en los estudios ni en la oración; desafiaba a la autoridad y le decían que tenía la cabeza en las nubes. Su familia, trabajadora, le transmitió el gusto por el arte en su totalidad: la lectura, las artes visuales, la música. Aquellas experiencias le provocaron epifanías silenciosas que, poco a poco, forjaron su identidad. Y así, esa chiquita rebelde llamada Patricia Lee Smith creció entre clases de catequesis, castigos en la escuela y momentos de intimidad reveladora en compañía de Arthur Rimbaud, Pablo Picasso, Diego Rivera y los demás creadores que avivaron su imaginario y su espíritu.

No era una nena linda con pollera a cuadros de colegio privado. Se identificaba más con el look de Jo March, la protagonista de Mujercitas (1868), la novela que le abrió el camino a la posibilidad de ganarse la vida con sus palabras. El clásico de Louisa May Alcott une a Patti Smith con Simone de Beauvoir, Susan Sontag, Gloria Steinem, Ursula K. Le Guin y otras muchas autoras que reconocieron la influencia crucial que tuvo el libro en su determinación de convertirse en escritoras. Ahí terminan las semejanzas. La futura cantante de rock se nutrió asimismo de artistas que entonces no eran canónicos: el arte vanguardista y la música underground, que se cruzaban con su educación religiosa.

En la adolescencia compaginaba los estudios con un trabajo en una fábrica. Nunca tuvo reparos a la hora de arremangarse; había asumido con naturalidad que tenía que arrimar el hombro, no lloriqueaba por no poder volcarse en su vocación, iba tirando. Se inscribió en la carrera de Magisterio –la primera universitaria de su familia–, aunque fue solo por el empeño del padre, y no la terminó. Tuvo un embarazo precoz, fruto de la relación con un chico aún más inmaduro que ella, y dio a su hijo en adopción. Nunca ocultó esa experiencia, que por supuesto la marcó, pero no se autocompadece.

Una mujer libre

Hubo un momento, en su primera juventud, en el que su cabeza hizo “clic”. Tenía que perseguir sus sueños, era ahora o nunca. Y el camino no estaba en la facultad, en el plato de comida caliente de su madre y las calles conocidas de su barrio. Tenía que irse, aunque careciera de certezas; tenía que seguir el camino que habían iniciado los artistas que le trastocaron la mente. El destino ya no era el París bohemio donde fumaban los poetas de principios de siglo, sino la metrópoli que por aquel entonces era la cuna del movimiento contracultural.

“Era un buen día para llegar a Nueva York. Nadie me esperaba. Todo me aguardaba”. Y así, con una mano delante y otra atrás, pero con la disposición absoluta de quien cree en sí mismo, llegó a la gran ciudad. Buscaría trabajo, haría contactos con quienes sí podían estudiar las disciplinas que le interesaban, se movería por el círculo cultural y artístico. Por supuesto, todo resultó mucho más difícil de lo que esperaba. Su falta de feminidad en el vestir y en las formas le cerró muchas puertas. Pasó hambre, durmió en la calle, se intentaron aprovechar de ella; pero lo cuenta sin victimizarse. Ya entonces era una tipa dura. Con el corazón sensible, eso siempre, pero tenaz y libre.

Sobre todo eso, libre, una palabra que se repite como un mantra a lo largo del libro. No solo la pronuncia ella: en Brooklyn conoce a alguien que marcará su vida para siempre, como ella lo marcará a él. Serán colegas, amantes, novios, compañeros de penurias y de brotes de creatividad. Amigos, serán amigos; de los que no huyen cuando sube la marea. Ellos se enfrentaron a muchas olas, pero tanto él como ella tenían convicción, creían en sí mismos, en dedicarse al arte, aunque nadie se lo hubiera pedido, aunque nadie hubiera elogiado su talento, aunque nadie les regalara nada. Tenían su instinto, y sus manos.

Amor y traición

Él era el fotógrafo Robert Mapplethorpe (Nueva York, 1946-Boston, 1989), fallecido de complicaciones por el sida a los 42 años. Éramos unos niños, el libro dedicado a relatar los entresijos de su amistad, se abre con el momento de su muerte: era el final del sueño, el sueño de aquellos jóvenes pobres, libres y enamorados del arte que vivieron el verano del amor entre empleos de poca monta, sopas de lechuga (“mi especialidad […] Aquella exquisitez consistía en caldo de pollo aderezado con hojas de lechuga”) y varios discos rayados de tanto oírlos en bucle porque rara vez podían permitirse comprar otros.

Se conocieron mientras ella trabajaba como cajera, y más tarde un encuentro casual pero afortunado (él la salvó de un escritor que quería propasarse) los unió para siempre. Se dieron cuenta de que ambos se habían comprometido con el arte y la vida bohemia: “Era artista y lo sabía. No se trataba de una noción infantil. Se limitaba a reconocer lo que era suyo”. Compartieron habitación, libros, canciones, hundimientos. Se amaron, fueron algo parecido a una pareja. Y se traicionaron. Ella se fue a París con su hermana, halló nuevas inspiraciones. Él se perdió a sí mismo. Hasta que se volvieron a encontrar.

Es a partir de esa segunda etapa de su relación que comprendieron de qué forma podían salir adelante. Robert le confesó su identidad homosexual, que había tratado de reprimir, resultado de la educación de una familia religiosa muy estricta (a ella también la habían educado en el cristianismo, pero desde una mentalidad abierta a las nuevas costumbres). Dejaron Brooklyn atrás y se mudaron al Hotel Chelsea, popular porque por allí pasaban las figuras de la escena underground de la que aspiraban formar parte. Compartían una habitación minúscula, pero con el orgullo de poder pagarla, de no deberle nada a nadie.

Unas memorias sinceras

“Al parecer, queríamos lo que ya teníamos, un amante y un amigo con quien crear, codo con codo. Ser fieles, pero libres”. Los años sesenta, en el ambiente en el que se movían, propiciaron una apertura de conciencias que les permitió explorar su sexualidad y tratar de construir relaciones bajo paradigmas alternativos al matrimonio tradicional. Al igual que con su vocación habían elegido apearse del camino recto para entregarse en cuerpo y alma a la incertidumbre, en el amor también buscaron su particular libertad. Porque se querían, pero tenían que construir juntos una manera de quererse que les funcionara.

Hubo idas y venidas, enfermedades, distanciamientos, tropiezos, no siempre estuvieron tan unidos como en aquellos años en que, como dijo un hombre que los vio por la calle, “eran unos niños”. A lo largo de sus memorias, la voz de Patti Smith rebosa honestidad, la sinceridad de quien no teme exponer nada, porque si algo perdió desde muy joven es la vergüenza. Ser libre es vivir sin pedir perdón ni permiso. Con respeto por el prójimo, eso siempre, pero también por uno mismo. Nunca hay que olvidarse de uno mismo.

Entró más gente a sus vidas. Siguieron creando, cada uno lo suyo, siempre compartido. Llegaron los momentos luminosos, las extraordinarias sesiones de fotografías de él y el disco y la gira y las colaboraciones de ella. Lo habían conseguido, por fin. No se habían equivocado. Y aprendieron que el éxito, muchas veces, trae aparejada una negra renuncia: el nuevo compromiso con su carrera los llevó por sendas separadas, aunque nunca dejaron de quererse. Nunca dejaron de ser amigos, amigos –y perdón por la cursilería– del alma. Si alguien se merece ese calificativo, es el tándem Robert Mapplethorpe y Patti Smith.

Dos amigos con trayectorias hasta cierto punto paralelas hasta que llegó el día en el que (es inevitable) tomaron caminos divergentes, aunque siempre afines, siempre dedicados al arte, a sí mismos, a su proyecto personal. Hay sincronicidades asombrosas entre ellos; lo más impresionante, no obstante, es cómo se convierten en un soporte incondicional el uno del otro, en lo que ahora se denomina “familia encontrada” (found family). Todavía hoy, un joven que sienta que no encaja a su alrededor, que tiene una vocación contraria a lo que los demás esperan de él, puede encontrar mucha motivación en esta historia.

E incluso sin necesidad de aspirar a una carrera artística se puede aprender mucho de las vivencias de Patti Smith, porque Éramos unos niños, al igual que los libros de memorias de Jeanette Winterson, Joan Didion o Tara Westover, trasciende el interés que se pueda tener por la autora para erigirse en algo más, en algo que alumbra, alienta, acompaña. El destino le sonrió a la cantante y poeta, pero lo más valioso del trayecto es su actitud, esa convicción sin fisuras, esa perseverancia, esa confianza cuando las cosas parecen ir mal. Nunca le pareció un sueño imposible, pero sabía que tendría que transitar un terreno andrajoso para llegar.

Y aquí está hoy, cantando, contando su vida como una amiga. Esa es otra clave: escribe de maravilla, y además resulta cercana, no pierde la sencillez de la mujer trabajadora. Ni víctima, ni triunfadora; ella se presenta como alguien más, alguien de los nuestros. Con unos valores inquebrantables para con sus seres queridos, su público, su arte, su sentido ético. Por todo esto, por labrarse una vida coherente consigo misma sin rendirse jamás, inspiró a muchas generaciones y va a seguir haciéndolo, con Éramos unos niños, con sus composiciones, con sus conciertos y con mucho más. People Have the Power.

Tras triunfar en RTVE con su visita de récord a La Revuelta, Rosalía arrancó este domingo su conquista global acudiendo de promoción a The Tonight Show Starring Jimmy Fallon, programa estrella de la televisión estadounidense. Una entrevista en la que la artista enseñó a cantar al presentador, y que coronó con una impecable actuación de La Perla que sufrió una pequeña censura.

La cantante catalana, que ya había visitado anteriormente el formato de Jimmy Fallon, se reencontró con el showman en NBC para presentar su álbum LUX, que está rompiendo récords a nivel nacional e internacional. De hecho, el propio presentador le leyó algunas de las reseñas que avalan su éxito, ante las que Rosalía reaccionó algo abrumada: “Es una locura”, dijo la invitada.

La artista contó a Fallon cómo fue el proceso de creación y composición de su nuevo disco tras su también exitoso Motomami: “Nunca antes había hecho un álbum inspirado en la música clásica y quería que fuera así. Me ha llevado tres años. Aunque mi principal instrumento es la voz, toco también algunos instrumentos. Empecé a tocar la guitarra con 9 años, y el piano a los 16”, explicó en un fluido inglés, combinado con algún término en español.

Rosalía enseña a cantar y tocar las palmas a Jimmy Fallon

Tal fue la soltura de Rosalía en el show norteamericano que se lanzó a enseñar a Jimmy Fallon algunos ejercicios de técnica vocal para cantar La Perla. El conductor de la NBC siguió todos sus pasos e incluso entonó algunos versos de la canción que, según los rumores, habla de Rauw Alejandro -ex de la cantante-.

Esto no fue lo único que la artista catalana enseñó a Fallon, ya que también le dio algunos consejos para tocar las palmas con ritmo. Además, desplegó un buen catálogo de palabras y frases en español con distintos tonos para que el presentador intentase adivinar su significado.

En primer lugar, Rosalía pronunció “tienes la peluca del revés” en tono seductor, y después le lanzó un “te quiero comer la boca” enfadada para despistarle. También dijo al conductor de The Tonight Show un “dame la mantequilla de cacahuete, quiero bailar”, dejándole en completo fuera de juego.

Durante su charla en NBC Rosalía también habló de su participación en la nueva temporada de Euphoria y admitió que tuvo que trabajar duramente para poder compaginar este papel con la composición de LUX: “Tuve que partirme la cabeza en dos para tratar de estar en ambas cosas. Fue un gran desafío, pero pude hacerlo”, contó.

Así fue la actuación de Rosalía con 'La Perla' en el show de Fallon

Para poner el broche a su conquista de la televisión estadounidense, Rosalía cantó en directo La Perla con una actuación memorable que está acaparando titulares este lunes. Y es que tras presentar Reliquia en la gala de Los 40 Music Awards, nuestra artista más global apostó por otro de sus nuevos temas para apuntar a todos los mercados.

De su interpretación, que fue impecable en lo vocal y que estuvo acompañada de una cuidada puesta en escena, llamó la atención la censura de la palabra “cabrón” en el verso “medalla olímpica de oro al más cabrón”, donde introdujeron un pitido.

Hace un tiempo que volvió a estar de moda entre las chicas la fantasía con la vida monacal. Subrayo lo de “fantasía”: nadie se está haciendo monja. Es un chiste, un meme, un nombre para ponerle a un agrupamiento de sueños que reflejan, antes que nada, nuestras frustraciones. En redes sociales hay varias cuentas de monjas y novicias contando sus vidas, participando de desafíos virtuales y haciendo coreografías igual que cualquier grupo de jovencitas de su edad. Hay, ya lo dije, memes, y muchas referencias de chicas “comunes” (ni católicas, ni religiosas; ni siquiera creyentes) a la posibilidad de encerrarse en un convento y dedicarse a charlar con amigas, cuidar plantas, leer libros y, sobre todo, descansar. ¿Descansar de qué? De los hombres, sobre todo, pero también del mundo exterior en general.

No creo que Rosalía haya tenido esto en cuenta cuando se puso a pensar en Lux; tampoco que lo haya tenido en mente Mía Miceli, la joven dramaturga, directora y actriz que escribió la obra ¡Oh, cabezas locas de las religiosas!, una historia sobre monjas que vi hace unos días en el Centro Cultural Rojas. Creo que ellas son, cada una a su escala, parte de esas chicas de veintipico y treinta y pico, parte de todas las que jugamos cada tanto a soñar con irnos de todo.

Leyendo las letras de Lux creo que es divertido lo que Rosalía hace con el imaginario de las monjas, las santas y los personajes bíblicos. No me interesa particularmente el dato curioso de cuáles son las mujeres históricas que la inspiraron, sino lo que se escucha en las canciones, que es eso mismo que escucho en otras fantasías monacales: el hartazgo de los hombres, pero quizás sobre todo de la mujer en la que una se convierte cuando se obsesiona con un tipo. Muchas veces nos referimos a eso cuando hablamos de no tener paz: la sensación de no estar tranquila ni en la propia mente de una, de que una puede bloquear a un hombre (o incluso a la preocupación abstracta sobre tener o no un hombre) en todas las redes sociales y cerrarle la puerta en la cara pero es imposible quitarse voluntariamente esos pensamientos de la cabeza.

Entiendo que habla de eso Rosalía cuando mezcla versos sobre retirarse a amar al mundo y a Dios con historias de desengaños amorosos y estrofas que parecen confesiones (como casi todo “Reliquia”), en los que al mismo tiempo se lamenta y se regocija por todo lo que ha perdido dándole su corazón al mundo. A diferencia de una versión más plana del sueño de la monja, una versión que se quedara en el cansancio y en la posibilidad de una vida simple, Rosalía parece detectar la ambivalencia del asunto: la idea de que hay algo también valioso (divino, incluso) en darse tanto al mundo como para quedar quemada y lista para el convento. En la lírica de Lux aparece también otra idea que leo y escucho en muchas ilusiones monacales: la intuición de que dedicarse a la contemplación de dios y sus creaciones podría ser un camino de huida de la banalidad, y sobre todo del narcisismo. Finalmente vuelvo siempre a un tropo: estamos cansadas de nosotras mismas.

Pero quizás la ambivalencia central de estas falsas ambiciones de convento, y que también juega con este tropo del autoagotamiento, es la cuestión del control: el deseo simultáneo de tenerlo y de cederlo. Rosalía estuvo hablando también, en su gira de prensa, de un reciente período de celibato, otra cosa que muchas chicas están probando para “desintoxicarse” de las malas experiencias y hacer una suerte de reseteo de fábrica de cuerpo y mente. Creo que está claro que, en esos intentos, hay una búsqueda de recuperar el control sobre el propio cuerpo, pero al mismo tiempo aparece la fantasía de entregarlo: que te reciban en el convento y te cierren la puerta, que alguien (Dios, la madre superiora, quien sea) te obligue a sostener tus votos.

Lo entiendo perfectamente: fantaseo a diario con que venga alguien y me saque el teléfono de la mano. Pienso, además, que todo esto se da en el contexto de una suerte de era post girlboss del discurso feminista más pop: si hace diez o quince años la idealización que circulaba entre las estrellas pop, las series y las películas mainstream era la de una chica que podía manejarlo todo (su trabajo, su pareja, su dinero, su alimentación), hoy parecemos estar diciendo no puedo con nada, por favor alguien que me ayude. Supongo que de esa impotencia se deriva también el éxito de algunos discursos conservadores que vuelven a convertir a las mujeres en víctimas irremediables o niñas eternas. Parece difícil, en las caricaturas de la masividad, encontrar una imagen de mujer que no caiga ni en el superpoder ni en la orfandad. En defensa de Rosalía, creo que es eso lo que ella intenta. Está el componente escapista, pero en Lux, esas santas a las que ella les va cantando son también mujeres fuertes.

En la obra de Mía Miceli, nadie es monja porque quiere: de las tres novicias, una es lesbiana, otra tiene una dote demasiado magra y otra no tiene ninguna por hija ilegítima. No sabemos mucho de la madre superiora, pero también parece haber terminado ahí, igual que todas, por alguna dificultad objetiva para casarse. Me gusta, en este contexto de reivindicación de la vida religiosa, ese baño de realidad: si vos pensás que tenés problemas, muchachita cansada del ghosteo en Tinder, es porque ni te imaginás lo que era no ser bella ni rica en el siglo XVIII. El convento no aparece aquí como ninguna fantasía de escape sino como un mal necesario para evitar otro peor, la pobreza más absoluta. Incluso el personaje que tiene “vocación” religiosa (es piadosa, le gusta rezar) dice que en el fondo se casaría si pudiera: y cuando aparece un pretendiente a buscarla, la madre superiora tiene que evitar para que se crucen y así no perder otra chica a manos del pecado. Vuelvo a reivindicar el baño de realidad, y vuelvo también a la realidad: hay cada vez menos monjas y menos conventos, y eso no va a cambiar en el corto plazo, pero eso no significa que estas ilusiones monacales no nos hablen de algo.

Lo que quizás no hacen es hablarnos de algo tan nuevo; estoy trabajando, para una adaptación que quiero hacer, con el texto de Los malcasados de Valencia de Guillén de Castro, una obra de fines del siglo XVI. Seguramente en esa época eran muchas las chicas que se metían al convento como en la obra de Miceli, a falta de una mejor opción; y sin embargo hay un personaje, el de una jovencita llamada Elvira, que al final de la obra dice exactamente lo mismo que Rosalía y las chicas de los memes que veo en Twitter o en TikTok: que se va a hacer monja no por dinero o por no conseguir novio, sino porque todo lo que ha visto de la vida en pareja le parece tan descorazonador que mejor ni intentarlo y entregarse a algo más digno.

Me hace pensar que esa contradicción de la que hablaba Rosalía y que mencioné hace un rato como si fuera un asunto de época, la que se da entre el deseo de enamorarse y el desprecio profundo que nos despierta nuestra propia conducta cuando nos enamoramos como estúpidas y nos tiramos en la cama a llorar por un like, no es un problema ni de época ni de la tecnología, sino un conflicto atávico, existencial e irresoluble.

TT/MF

“Pero mi corazón nunca ha sido mío, yo siempre lo doy”, canta Rosalía en “Reliquia”, uno de los temas que componen Lux, su nuevo disco, que saldrá oficialmente a la luz este viernes. No miente la cantante, ya que en este álbum, más que nunca, ofrece incondicionalmente una parte de ella misma. De su corazón, de su talento, de su alma, de su voz, de su pena, de su 'mala hostia', de su pudor. Rosalía se entregó en un álbum que, pese a incorporar hasta trece lenguas en sus letras, pasa por encima del idioma del mainstream.

Ninguna canción encajaría en la fórmula comercial. El disco funciona como una ópera que frena, que no invita a llevarla de fondo en los auriculares mientras caminás a trabajar o lavás los platos. Tampoco a bailarla en las discotecas. Invita a que te sientes a escucharlo, a interiorizarlo, a sentirlo. Con sus violines, con sus historias, sus vientos, sus percusiones, su imponente piano, su lirismo. Claro que Rosalía no está inventando la música, ni le hace falta ni era su objetivo; pero sí que desplegó recursos, lenguas, notas y una sensibilidad de las que marcan antes y después. Lux es una banda sonora, única.

La llegada del disco fue accidentada. Se filtró por completo a dos días de su publicación. Los medios españoles lo escucharon el lunes y tenían prohibido hablar sobre él hasta el momento de su lanzamiento. Pero la discográfica, Sony, decidió levantar el embargo antes.

Lux llega acompañado de otro dilema, o contradicción. El disco está empapado de espiritualidad, de principio a fin. Hay continuas referencias a la religión, al cristianismo, a diversas santas, y la propia portada hace referencia a él. Rosalía posa vestida de monja, lleva el hábito sobre su cabeza, ladeada. Seguramente sería raro que apareciera con un hiyab o que apelara a otras religiones del mundo, porque no son la suya –y no sería la primera vez que se la acusa por apropiación cultural–, pero lo cierto es que, inevitablemente, la mayor artista española actual, y una de las más importantes a nivel internacional, está perpetuando la imaginería cristiana en su nuevo trabajo discográfico.

La catalana se enmarca dentro de una corriente reciente, visible en otras figuras como Siloé, Rigoberta Bandini e Íñigo Quintero, que reivindicaron la religión católica en sus composiciones, perpetuando que la semiótica cristiana prolifere en la música pop actual. En Lux están presentes símbolos como la cruz o las reliquias, sin que Rosalía termine de dejar claro si quería subvertir nada como hicieron Madonna o Lady Gaga, abriendo inevitablemente una puerta al debate en torno a un protagonismo evidente.

Las canciones buscan trascender igualmente, ya que la escucha funciona como asistir a la misa de quizás incluso 'otra' religión en la que Rosalía se viste de monja, pero no reparte el cuerpo y la sangre de Cristo. No adoctrina, comparte. Lidera lo que transmite a través de sus cuerdas vocales, pero en Lux consigue que la conexión con sus melodías y letras sea profundamente íntima.

El grupo de periodistas que pudieron escuchar el disco el lunes lo hizo sentado en una sala, cuaderno en mano, tomando notas y gestionando cómo dejarse –o no– llevar por la nueva propuesta de la cantante. La escucha compartida fue en cierto modo un regalo, pero también generó pudor, porque Lux cala en cada poro, contagia, llena, asusta también, y sobre todo llega de frente, como si te mirara fijamente a los ojos sin dejarte pestañear. Es imposible que nada se remueva al escucharlo, porque Lux se escucha, pero sobre todo se siente.

“No soy una santa, pero estoy blessed”

En Lux hay mucha música clásica, mucha orquesta, que la verdad ojalá presentara en una gira por Iglesias para aprovechar la maravillosa acústica de estos templos. El disco arranca con la melódica “Sexo, violencia y llantas”, en la que se sustenta todo lo que se irá desarrollando después, Rosalía desplegando su virtuosismo vocal más que nunca, los violines, los tintes de electrónica, y los coros que terminan de inundarlo todo de épica. Le sigue “Reliquia”, en la que la cantante habla de todo lo que perdió en ciudades repartidas por el mundo; “tiempo en LA”, “los heels (tacones) en Milán”, “la sonrisa en UK”, hasta culminar con un: “No soy una santa, pero estoy blessed (bendecida)”.

Durante las 18 canciones que componen Lux, Rosalía parece relatar su propio viaje, su vida, con sentimientos a flor de piel, que recogen etapas, amores, desamores, encuentros y desencuentros, empezando por ella misma. Es un ejercicio de reflexión, de pena, de celebración, de euforia y profunda tristeza; que puede que por ello emane tanta espiritualidad, sí, pero sobre todo humanidad.

La humanidad de quien se reconoce vulnerable, hace lo posible por recomponerse, por transitar su vulnerabilidad, por reconocerse en tantos estados de ánimo, en tantas caras, lágrimas, sonrisas y reflexiones, más o menos intrusivas, invasivas, puras, sinceras y también bonitas. Puede que la bandera de la ilusión y del dejarse sentir no sea la que portemos cada día cuando salimos de casa, y que quizás la asociemos a jornadas soleadas o la ausencia de problemas –si es que esta existe–, pero lo cierto es que cuando la dejamos florecer, todo, irremediablemente, mejora. Porque es de verdad.

Rosalía se dejó doler y recuperar, y por eso Lux es generoso, porque invita a acompañarla a eso en su escucha. Y sin perder la mala baba e ironía que ya había presentado en álbumes anteriores, y que encuentran en “Novia Robot” su clímax. Tema que, junto a “Jeanne y Focu 'ranni”, por el momento solo podrán escucharse en la versión en físico del álbum.

“Bienvenidas a robótikas con 'K'. Un mundo de fantasía robótica femenina hecha para placer del sexo opuesto. Un auténtico robo de identidad, libertad y poder a mano armada donde todas somos invitadas. Y quien dice invitadas, dice obligadas, forzadas, rehenes, prisioneras. Con cualquiera de tus compras tienes una garantía porque nuestra póliza siempre es para quedar bien, y hacerte feliz tenga el coste que tenga”, canta –reza– Rosalía.

'La perla', el dardo hecho canción

Shakira consiguió que su autobiográfica sesión con Bizarrap, en la que lanzó dardos a su exmarido, el exfutbolista Gerard Piqué, fuera una de las canciones que más dio que hablar en 2023. Ella no fue la primera en cantar al despecho, pero a la engrosada lista suma ahora Rosalía “La perla” (en referencia a su expareja el también cantante Raw Alejandro), vertiendo en una mezcla entre vals y ranchera comentarios como “medalla olímpica de oro al más cabrón”, “red flag andante” y “bala perdida”.

El primer lanzamiento del disco, “Berghain”, puso sobre la mesa que Lux no iba a dejar indiferente, y que tampoco sería una excepción dentro del concepto del álbum. La fuerza de sus violines, el canto lírico de Rosalía, cierta melancolía y hasta la incorporación de voces como en este caso Björk (a la que se unen otras como Estrella Morente, Silvia Pérez Cruz y Yahritza Y Su Esencia) forman parte del ADN de cada tema. Ya sean la visceral “Yugular” o la preciosísima “Sauvignon blanc”, un canto a la reconciliación con una misma: “Ya no tengo miedo al pasado, está en el fondo de mi copa de sauvignon blanc”.

La cuasi epifanía de Lux culmina con “Magnolias”, en la que Rosalía se despide como si estuviera asistiendo a su propio entierro o funeral, con ella desde el ataúd, pidiendo que le tiren las magnolias que le dan título. Una canción grandilocuente, con poso, peso y desazón. Es el adiós del álbum que, al terminar, invita a quedarse un rato con los ojos cerrados, dejando el corazón latir al ritmo que se vea capaz, removido y sereno a la vez, eufórico y hasta cansado, en paz.

Rosalía no deja de sorprender con cada detalle que revela de su nuevo álbum, bautizado bajo el nombre de Lux. Lo hizo con la presentación de la portada, donde la artista catalana aparece vestida de monja, toda de color blanco. Luego vino el adelanto Berghain, en el que participan la islandesa Björk, el estadounidense Yves Tumor y la London Symphony Orchestra y donde canta en alemán y con un registro lírico.

La revolución de Lux no queda ahí, según ha explicado la cantante en varias entrevistas a diferentes medios de comunicación. “Han sido tres años trabajando en un proyecto completamente diferente a lo que había hecho antes. Daba un poco de miedo”, confesó en un podcast con The New York Times. 

Y Lux será completamente diferente a Motomami, Los ángeles o El mal querer. Para empezar, porque Rosalía canta en hasta 13 idiomas. Entre ellos, se incluyen ucraniano, castellano, inglés, francés, alemán, árabe o japonés. En su primera canción, la escuchamos en alemán, inglés y castellano. ¿Por qué incluir tantas lenguas? Por un deseo de “querer comprender mejor al otro” y porque cada canción está inspirada en un personaje de un país. 

No ha sido un proceso sencillo, según reconoció en su presentación ante la prensa. Así, se ha dedicado “exclusivamente a las letras y la fonética”. Rosalía se ha ayudado del traductor de Google para escuchar cómo sonaban sus letras en otros idiomas. Todo ha sido “investigación y práctica” y no se ha ayudado de la inteligencia artificial, una herramienta controvertida para los artistas. 

Inspirado en la “mística femenina”

Rosalía apuesta por las historias de mujeres. “Me interesa mucho la mística femenina. El disco está inspirado en las mujeres santas de alrededor del mundo”, afirmó ante los periodistas la cantante española, que mencionó los nombres de Santa Rosa de Lima, Santa Teresa de Jesús o Hildegarda de Bingen, entre otras. Cada una de ellas inspira una de las canciones que componen Lux. 

Todas ellas han sido “inspiradoras” y le han obligado a hacer casi un trabajo de documentación, según explicó la artista catalana. “Investigar sobre todas estas mujeres del mundo me permitió conocerlas. Hasta puse un mapamundi en la habitación donde trabajaba”, señaló. 

El disco incluye canciones con títulos como Sexo, violencia y llantas, Dios es un stalker, Sauvignon Blanc, La rumba del perdón, La perla, Reliquia, Focu ’ranni y Mio cristo, en las que se entremezclan géneros como el flamenco, la ópera, la electrónica y el pop. Nada parecido a lo que había hecho hasta ahora Rosalía, que estrena nuevo álbum este viernes, 7 de noviembre, uno de los lanzamientos más esperados del panorama musical nacional e internacional. 

A Rosalía no le gusta jugar sobre seguro. La artista, que se volvió una figura esencial en la industria musical con El Mal Querer (2018), disco que le valió su primer Grammy al combinar de forma espléndida los universos del flamenco y del pop contemporáneo, dio un giro de 180 grados con el lanzamiento de Motomami (2022). La intérprete apartó el sonido más folclórico de su aclamado trabajo para sucumbir a una mezcla electrónica de géneros, convirtiéndose en una superestrella que cantaba reguetón, lo reinventaba mezclándolo con una bulería o lo apaciguaba fusionándolo con una bachata. La artista catalana no solo volvió a hacerse con el codiciado gramófono, sino que demostró que nadie podía dar por sentado el futuro de su sonido.

Desde entonces, el escepticismo con respecto a su siguiente movimiento ha crecido en tanto su nombre lo ha hecho internacionalmente. Tras su tercer álbum de estudio, Rosalía se volvió a rendir al reguetón con el sencillo Tuya (2023), que incorporaba el uso de cuerdas de koto —el instrumento nacional de Japón— para romper con beats ruidistas a lo Motomami, y más tarde rapeó junto a la cantante de k-pop Lisa en el tema New Woman (2024). Pero, si había alguna pista sobre cómo sonaría su cuarto proyecto, que desde su presentación en Callao sabemos que se titula Lux, esa ha sido sin duda su siempre tan presente inspiración björkiana. El estreno de Berghain, el primer adelanto de su próximo disco, trae a la propia Björk, a Yves Tumor e incluso a la Orquesta Sinfónica de Londres para romper todos los esquemas de sus oyentes.

Es probable que pocas personas vaticinaran que la última propuesta de Rosalía estaría más cerca de Mozart que de cualquiera de sus canciones anteriores, al menos en lo que musicalmente se refiere. No es de extrañar, por ende, que la artista pusiera a todo volumen al clásico compositor austríaco en su viaje en coche a la Gran Vía de Madrid, que sonó junto a Guitarricadelafuente y The Strokes justo antes de que anunciara su nuevo disco. La carta de presentación de Lux es un tema radical en el que la cantante se entrega por completo a los cuatro movimientos propios de una ópera, envolviendo la atmósfera de una melodía aupada por violines y combinando el español, el inglés y el alemán.

Con un lanzamiento tan arriesgado, inverosímil y disruptivo como Berghain, la artista deja más dudas que certezas sobre lo que pretende hacer con su música. Quizás precisamente por ello Rosalía ha seleccionado ese tema para iniciar su nueva etapa, tratando de mostrar virtuosismo. Si Lux sigue la estela de lo que aventura esta canción, distanciándose a lo grande del sonido que venía haciendo, este puede ser el álbum que la diferencie de sus compañeros de profesión para impulsarla a un estatus similar al de Björk. Esta artista islandesa es reconocida por hacer música alternativa y vanguardista sin tener demasiado en cuenta el éxito comercial, y lo cierto es que Rosalía ahora puede permitirse trabajar a un nivel que antes no le era posible.

Aun así, y pese a publicarse a las cinco de la tarde, la canción fue la más escuchada ayer en España con 500.000 reproducciones solo en Spotify, acumulando 1,6 millones mundialmente en la plataforma. El videoclip, por su parte, ha obtenido 4 millones de visualizaciones en YouTube durante sus primeras 24 horas. Son cifras que dicen mucho más de la expectación que había en torno al regreso musical de Rosalía que de la valía de Berghain como hit, pues no parece que este título vaya a convertirse en un éxito radiofónico ni tampoco que sea esa su intención. Saltando de un género a otro en menos de tres minutos, sin que haya tiempo suficiente para que la orquesta respire y con un final explosivo, su objetivo bien podría ser reivindicar su nueva obra y poner sobre la mesa lo que es capaz de hacer.

No obstante, la intensidad de Berghain y su locura instrumental, que recuerda a la banda sonora de cualquier película épica, hacen que la canción sea poco accesible para el público convencional, alejándola de audiencias más mainstream y anulando por completo su potencial de repetición —no es una canción que inste al oyente casual a escucharla en bucle—. ¿Está Rosalía priorizando asombrar por encima de todo? En una entrevista en el pódcast Radio Noia reveló que este disco es el primero que hace “sin miedo al fracaso”. La incógnita que todavía no se ha disipado es si las 15 pistas de Lux seguirán este camino o si habrá canciones más digeribles. Berghain ocupa la sexta posición, por lo que existe la posibilidad de que sirva de interludio entre temas con fórmulas más apacibles para quienes busquen algo no tan experimental.

Una declaración de intenciones a lo 'Saoko'

El efecto sorpresa que ha provocado la nueva canción de Rosalía es idéntico al que hace tres años se adjudicó Saoko (2022). Era el segundo adelanto de Motomami tras La fama con The Weeknd y tuvo un recibimiento mixto. El siguiente single, Chicken Teriyaki, aumentó la incredulidad en torno al cambio musical de la artista. Sin embargo, una vez que la gente pudo escuchar el álbum en su totalidad, el concepto caló y estas canciones pasaron a convertirse en himnos imprescindibles del proyecto. En esta ocasión, las reacciones ante Berghain han sido mayoritariamente positivas, pero el concepto aún no se entiende a la perfección: después de prescindir de los instrumentos tradicionales en su anterior disco, Rosalía mete ahora a toda una orquesta en un autobús y se la lleva consigo en un tema rupturista.

No tan chocante puede resultar la novena canción, De Madrugá. Se trata de una pista inédita que Rosalía interpretó en directo durante toda la gira de El Mal Querer, aunque no acabó formando parte del trabajo. Un fragmento de la versión de estudio se ha escuchado en septiembre de este mismo año como parte de la campaña de la artista con Calvin Klein y, de no haber cambios en la versión que ha sido anunciado para Lux, supone una vuelta indiscutible a los orígenes, con una instrumental mucho más afable que Berghain que apreciarán los amantes del segundo disco de la cantante. De mantenerse esa misma grabación, será interesante ver cómo pueden convivir ambos sonidos en el mismo disco.

Asimismo, la imaginería cristina de la nueva era de Rosalía, que protagoniza el vídeo dirigido por Nicolás Méndez y que ha llevado a la intérprete a ser una monja en la portada del álbum, da un giro oscuro en la narrativa de Berghain. “La única forma de salvarnos es a través de la intervención divina”, proclama Björk, como si de un dios se tratase, en el puente de la canción. “Te follaré hasta que me quieras”, canta el estadounidense Yves Tumor en la parte final. Esto, que contrasta con la pacífica imagen de Rosalía que sirve como carátula del álbum, va en la línea del título de la décima canción: Dios Es Un Stalker. La letra de Berghain prevé una reflexión mucho más sombría de la luz y la religión en un proyecto que promete abordar todos estos temas a partir del 7 de noviembre.

Rosalía sorprendió este lunes con el lanzamiento de Berghain, el primer adelanto del que será su cuarto álbum de estudio, Lux. Una semana exacta después de haber anunciado el título, la portada y la lista de canciones de su nuevo proyecto, que se publicará el próximo 7 de noviembre, la artista lanzó el tema que sirve como carta de presentación, una oda a la “intervención divina” como única “manera de salvarnos” en la que también participan la cantante islandesa Björk y el productor estadounidense Yves Tumor.

Con fragmentos en español, inglés y alemán, la autora de Motomami (2022) inició su nueva era cantando lírico a un amor que va más allá de lo humano. Lo hizo jugando con Berghain como escenario, un club berlinés de música electrónica que para muchos es considerado el mayor templo de tecno del mundo. Los porteros de esta discoteca son impredecibles y se los conoce por tener una de las políticas de puertas más duras de Berlín, por lo que Rosalía convierte esa dinámica en una metáfora de la duda sobre quién es digno de ir al cielo tras la muerte.

“Su miedo es mi miedo, su rabia es mi rabia, su amor es mi amor, su sangre es mi sangre”, dice la artista en el estribillo de la canción, interpretado íntegramente en alemán. El tema, muy orquestal, está constantemente arropado por violines. “Yo sé muy bien lo que soy, ternura pa’l café, solo soy un terrón de azúcar. Sé que me funde el calor, sé desaparecer, cuando tú vienes es cuando me voy”, declara la artista catalana en una de las estrofas cantadas a español.

La melodía de Berghain lleva tiempo sonando en redes sociales gracias a la campaña de promoción de la cantante, que hace unas semanas compartió a través de Instagram una partitura con el título de este tema. Los pentagramas llegaron hasta a la Gran Vía de Madrid, por lo que los más curiosos no tardaron en tomar sus instrumentos para comprobar a qué sonaba el próximo proyecto de Rosalía, comenzando a dar vida a la nueva música de la artista.

El álbum ya está disponible para comprar en preventa desde su página web. Los temas que lo componen se titulan Sexo, Violencia y Llantas, Reliquia, Divinize, Porcelana, Mio Cristo, Berghain, La Perla, Mundo Nuevo, De Madrugá, Dios Es Un Stalker, La Yugular, Focu ‘ranni, Sauvignon Blanc, Jeanne, Novia Robot, La Rumba Del Perdón, Memória y Magnolias. Fue grabado con la Orquesta Sinfónica de Londres, dirigida por Daníel Bjarnason, y, además de Björk e Yves Tumor, cuenta con voces femeninas como Carminho, Estrella Morente, Silvia Pérez Cruz, la Escolania de Montserrat, el Cor de Cambra del Palau de la Música Catalana y Yahritza.

En la carátula del CD, la artista cita “Ninguna mujer pretendió nunca ser Dios” de la santa musulmana y mística Rabia al Adawiyya y “El amor no es consuelo, es luz” de la filósofa y política activista francesa Simone Weil. De esta forma, Rosalía, que también es la productora ejecutiva de Lux, pretende trazar un “amplio arco emocional de mística femenina, transformación y trascendencia, moviéndose entre la intimidad y la escala operística para crear un mundo radiante en el que el sonido, el lenguaje y la cultura se fusionan en uno”.

Rosalía anunció su cuarto álbum de estudio, Lux, que se publicará el próximo 7 de noviembre. Lo hizo en la Plaza del Callao de Madrid, donde llegó conduciendo un coche mientras fumaba, con el volante a la derecha, del que colgaba un rosario y en el que tenía preparado un megáfono para dar la noticia. Allí, todas las pantallas gigantes instaladas en la zona, que llevaban una hora apagadas a la espera del inminente anuncio de la artista, la mostraron envuelta en un sudario blanco, como si fuera una monja, rodeada por la palabra que da título al disco y su fecha de lanzamiento.

Estos carteles habían aparecido unas horas antes en el Times Square de Nueva York, justo antes de que la autora de Motomami (2022) se citara con sus seguidores en un directo de TikTok a las 20:45 horas del lunes. En este directo, la cantante se dejó ver mientras cenaba y su equipo la maquillaba, filmando así todo su recorrido hasta Callao, desde que se vistió para subirse al coche hasta que llegó al lugar en el que había convocado a sus seguidores. Durante el trayecto, Rosalía también reaccionó a lo que parece haber sido una filtración, ya que se mostró sorprendida al ver en redes sociales las imágenes del anuncio en Nueva York, afirmando entre risas que esa era la sorpresa que tenía planeada dar en Callao.

La artista catalana lleva tiempo dando pistas que auguraban que su regreso a la industria musical iba a ser inminente. Entre ellas, un tuit que rezaba “LUX=LOVE” y la publicación de la partitura de una canción que sus fans no dudaron en lanzarse a empezar a interpretar.

A ese tema podía accederse a través de la cuenta de Substack de la intérprete, cuyo enlace directo compartió a través de una story en Instagram. La partitura estaba hecha a mano, acompañada del título Berghain, nombre que hace referencia a una famosa discoteca de música electrónica situada en Berlín.

Asimismo, Rosalía publicó un video en el que podía escucharse una orquesta, presumiblemente un adelanto de lo que será su futuro proyecto. La ubicación del video que subió la catalana se encuentra en Londres y se llama Battersea’s Art Center, centro cultural y de artes escénicas ubicado en el antiguo ayuntamiento de Battersea, construido en el año 1893.

El nuevo álbum de Rosalía es uno de los discos más esperados del año, pese a que todavía se desconocen muchos datos sobre este nuevo trabajo discográfico de la cantante. Eso sí, la artista catalana lleva tiempo dando pistas que podrían augurar que su llegada será inminente. Entre ellas, un tuit con el posible título, LUX=LOVE, y la publicación de la partitura de una canción que sus fans no dudaron en lanzarse a empezar a interpretar.

Al tema puede accederse a través de la cuenta de Substack de la intérprete, cuyo enlace directo compartió a través de una story en Instagram. La partitura está hecha a mano, acompañada del título Berghain, nombre que hace referencia a una famosa discoteca de música electrónica situada en Berlín.

Los seguidores Rosalía no tardaron en subir a redes sus propias versiones del tema, interpretado con diferentes instrumentos, comenzando a dar vida a la nueva música de la cantante.

En cuanto al título, la cantante publicó en X un mensaje con las palabras LUX=LOVE, a la que prosiguieron varios reposteos de tuits antiguos de la catalana con referencias a la religiosidad y a la luz. Tras compartirlos, sin embargo, suspendió su cuenta en X. Lo que sí mantuvo es la nueva foto de perfil en Instagram, ahora copada por lo que parece el destello de una estrella.

Rosalía toma la Gran Vía de Madrid

Rosalía llegó también hasta la Gran Vía de Madrid. Las pantallas exteriores de los céntricos Cines Callao llevan todo este miércoles proyectando durante varios segundos dos imágenes que podrían ser la portada del álbum.

En una de ellas se distinguen directamente los ojos de la cantante, acompañada de los pentagramas de la comentada partitura.

La crisis de 2008 supuso un antes y un después, fracturó España a nivel económico, político y social; pero no solo. La cultura, en especial la 'oficial', sufrió su propia factura, irreversible. El doctor en estudios culturales Daniel Valtueña la desgrana en el ensayo España rarita (Lengua de Trapo), en el que analiza el doble vuelco que experimentó entonces el entramado conformado por el himno, la bandera, los toros, las fiestas católicas, el folklore y el 12 de octubre. Elementos hasta entonces pertenecientes al patrimonio de las fuerzas conservadoras, que el franquismo se encargó de dejar bien hilado; pero que gracias a artistas como Rosalía, C. Tangana, los Javis y Samantha Hudson, que decidieron reapropiarse de ellos, pasaron al dominio público.

El también profesor señala que, al margen de cambios como el surgimiento de “nuevos políticos y partidos”, lo simbólico se vio igualmente atravesado e interpelado: “El cómo nos entendemos como comunidad”. “Lo más visible ha sido cómo la ultraderecha se ha reapropiado de esos símbolos y los ha instrumentalizado, como han hecho las fuerzas ultraconservadoras durante mucho tiempo”, comenta, al tiempo que surgieron “otra serie de tendencias que apelaban a esos símbolos no porque quisieran hacer apología de la bandera española, sino porque realmente en la bandera española había un lugar para quienes íbamos a ser como comunidad a partir de ahora”.

Valtueña cita como “evidencias” de la “precariedad del aparato simbólico estatal” la pieza España os pide perdón de Abel Azcona, las reinterpretaciones del himno nacional de Niño de Elche y el espectáculo Jura de bandera del colectivo Vértebro. Daniel Valtueña recuerda en su libro que fue en la Transición cuando se consolidaron los símbolos oficiales “tomando como referencia sus usos durante el periodo franquista, igualmente cuestionado a raíz de la crisis financiera”, que rompió con la 'promesa de felicidad nacional' instaurada hasta el momento: “El colapso del Estado español tiene como consecuencia el cuestionamiento de sus símbolos oficiales”.

Según observa el doctor en estudios culturales, este fue el caldo de cultivo para el surgimiento de artistas como Rosalía, y acciones como la Gran Procesión del Santo Chumino Rebelde de la Hermandad del Coño Insumiso en Málaga el 8 de marzo de 2013 y las del colectivo de arte político Flo 6x8, que protestan contra el sistema financiero con taconeos y cante flamenco en sucursales bancarias. La 'España rarita' abarca el amplio abanico de disciplinas artísticas como la danza, la creación musical, el cine y el diseño de moda.

El espectáculo Una costilla sobre la mesa: madre de Angélica Liddell, el trabajo de la bailarina y coreógrafa Luz Arcas desde la compañía La Phármaco, Choriza May, Samantha Hudson, Raül Refree, Nicho de Elche, María José Llergo, Palomo Spain, Rodrigo Cuevas y C. Tangana son otros de los nombres que enumera y sobre los que pone el foco. Sobre el último disco del músico y cineasta –ganador de un Goya por su documental La guitarra flamenca de Yerai Cortés–, El madrileño (2021) valora que recurrió al “amplio repertorio de la canción española en una reivindicación del folklore tradicional”.

De Almodóvar a Rosalía

Una de las coincidencias entre los artistas 'raritos' analizados en el ensayo está en haber crecido siendo testigos del nacimiento de internet, la caída del Muro de Berlín o el final del apartheid, además de la consolidación nacional e internacional de Pedro Almodóvar. Un cine que Daniel Valtueña indica que se caracteriza por una actualización de la cultura oficial franquista. Ahí están las familias atormentadas de Tacones lejanos (1991) o Volver (2006), el desafío de los valores católicos en Entre tinieblas (1983) y La mala educación (2004), y el valor de la transgresión en La ley del deseo (1987) y ¡Átame! (1990).

“El cine de Almodóvar ofrece una nueva oficialidad a partir de la activación de imaginarios culturales reconocibles en un ejercicio revisionista que aspira a desactivar sus connotaciones pasadas y articular un nuevo tiempo presente”, argumenta. El autor identifica a Rosalía como heredera de la figura del director como embajador cultural. “La puesta en escena de una fiesta comercial a partir de las tradiciones propias de celebraciones populares asociadas al flamenco, la tauromaquia o la Semana Santa ahora en forma de concierto de música pop consolida el fenómeno festivo como una de las señas de identidad de la imagen global de España en el exterior”, afirma sobre la propuesta artística de la catalana.

El profesor describe cómo Rosalía incorporó elementos como el flamenco y la tauromaquia dentro de su ADN. Sobre la segunda analiza la coreografía ideada por la estadounidense Charm La'Donna, por cómo remite a las figuras del toro y el banderillero a partir de un movimiento propio ya del repertorio de la artista catalana: levantar los brazos apuntando con los dedos hacia el suelo, emulando al mismo tiempo los cuernos del toro y las armas del matador. Un ejercicio similar al videoclip de Malamente, en el que la cantante, conduciendo una moto, “ejerce de animal al tiempo que gracias a un plano subjetivo puede observarse cómo su chaqueta lleva bordadas unas banderillas”.

Y lo mismo ocurre con los arranques de sus conciertos, a ritmo de pasodoble con sonidos de castañuelas y “esporádicos oles”, que enmarcan la entrada de Rosalía y el cuerpo de baile en el escenario como “si de una corrida se tratase”.

Qué pasa con los Javis

El doctor en estudios culturales define a Javier Calvo (Murcia, 1991) y Javier Ambrossi (Madrid, 1984), como dos de los personajes más populares de los últimos años, gracias a su musical y posterior largometraje La llamada (2013 y 2017), Paquita Salas (2016), Veneno (2020) y La Mesías (2023); junto a su participación en programas como Operación Triunfo (2017-2018), Mask Singer (2020-) y Drag Race España (2021-). Sus obras contribuyeron a la visibilidad de la transexualidad en España, reflexionando sobre el papel de la televisión e indagando sobre el catolicismo (de formas más o menos amables).

Daniel Valtueña los define como “contradictorios”, partiendo de que considera “encomiable” el impacto de los citados títulos y su compromiso con la comunidad LGTBI; pero a la vez “forman parte del sistema. Van a El Hormiguero tan pichis”. “No creo que los Javis se vayan a convertir en el Mario Vaquerizo de nuestra generación, pero toman decisiones que como crítico cultural e historiador me arrobo el derecho de juzgarlas, como el reportaje que hicieron de su casa, ¿hasta qué punto fue gratuito?”, plantea. El autor reconoce que “entran en ciertos conflictos” que, por otro lado, el resto “encarnamos en alguna ocasión, pero no tenemos su impacto”.

De cuestionar a reinventar

El cuestionamiento abrió puertas a nuevas formas de crear, investigar, cuestionar y también repensar un imaginario colectivo capaz de ampliar los márgenes del sentido de pertenencia. “Está en nuestras manos construir el mundo tal y como lo conocemos, nombrarlo y hacerlo. Por eso es interesante abrir esa puerta”, defiende Daniel Valtueña. Otro escenario posible es el que pasa por la invención de nuevos símbolos, como ocurrió con la bandera LGTBI, que Harvey Milk, el primer político abiertamente gay, encargó al artista Gilbert Baker, en 1978.

“Hizo un ejercicio 'rarito', entendió que la bandera era un espacio de identificación colectiva, y decidió crear una nueva, un nuevo símbolo en torno al que crear espacios de comunidad”, describe sobre una iniciativa que se podría extrapolar a otros muchos casos y ámbitos: “Intentar apelar a estos espacios simbólicos por el gran potencial y fuerza que tienen para repensar quiénes somos”.

“Tú y yo perdidos entre amapolas. Tus ojos relucen son dos pistolas. Las lenguas se abrazan, ya no están solas. En la memoria me has disparado”. Así arranca Omega, el primer adelanto del que será el cuarto álbum de estudio de Rosalía. La cantante presentó el tema este martes, durante el festival pirotécnico que cerró las fiestas de la Mercè en Barcelona. El sencillo, en el que colaboró con Ralphie Choo, llega acompañado de un videoclip en el que ambos artistas se declaran su amor a bordo de una montaña rusa.

Es una balada con ecos a Hentai, en la que la catalana abraza el pop y lo combina según la estrofa con el rap. En su letra se dirige a un nuevo romance con el que confiesa que su vida mejoró. “Ya no fumo, ya no bebo, no consumo y lo presumo. Tú eres lo mejor y antes de ti yo era lo peor”, entona Rosalía antes de llegar al estribillo, donde confiesa: “Me he puesto sentimental. Tú eres mi Omega. Antes de hacerte acabar, tú eres mi Omega”. “Puedo ser Céline Dion y un tíguere”, se expresan ambos cantantes más adelante.

El lanzamiento de Omega coincidió con el 32 cumpleaños de la artista este 25 de septiembre, y llega un mes después de que la cantante publicara su último tema hasta la fecha, New woman, en el que colaboró con la cantante surcoreana de Blackpink Lisa. El elegido para acompañarla fue Ralphie Choo, uno de los nombres emergentes de la escena electrónica y urbana española. Nació en Ciudad Real en 1988 y cuenta con un disco en el mercado, Supernova.

La letra de 'Omega'

Tu y yo perdidos

Entre amapolas

Tus ojos relucen

Son dos pistolas

Las lenguas se abrazan

Ya no están solas

En la memoria me has disparao

Ya no bebo

Ya no fumo

No consumo

Y lo presumo

Tu eres lo mejor

Y antes de ti yo era lo peor

Me he puesto sentimental

Antes de hacerte acabar

Tu eres mi omega

Tu eres mi omega

Y cuanto mas tú te alejas

Todo lo tuyo me recuerda a ti

Y cuanto mas tú te alejas

Todo lo tuyo me recuerda

Soy de todas partes y mi ganga me cubre

Si no soy lo que ellos quieren Dios me libre

Puedo ser Céline Dion y un tiguere

Puedo ser Céline Dion y un tiguere

Me he puesto sentimental

Antes de hacerte acabar

Tu eres mi omega

tu eres mi omega

Hace mucho que te conocí

Y no fue aquí

Y no fue aquí

Yo me doy la libertad

Soy tuya sin preguntar

He llegado hasta el final

Donde todo ha vuelto a empezar

Tu eres mi omega

Tu eres mi omega

No hay Dios que pueda borrar

Lo que está escrito pa mí

Tu eres mi omega

Tu eres mi omega

New woman es el título de la canción, publicada este viernes, que supone una colaboración entre Rosalía y la componente del grupo surcoreano Blackpink, Lisa. Una publicación que ya se había anunciado días antes en las redes sociales.

En ella, se despliegan diferentes estilos y se canta tanto en inglés como en español, que es la parte en la que Rosalía rapea, presumiendo de “frontear” y “energía inmaculá”, y dice de sí misma: “Puta, soy la Rosalía, solo sé servir”. La catalana introduce en la canción algunos tópicos flamencos (“la noche estrellá, así sea; hasta la madrugá, que así sea”) en cuatro versos en los que pasa de rapear a cantar.

La canción viene acompañada de un videoclip dirigido por Dave Meyers, director del video de Bad Guy de Billie Eilish, entre muchos otros.

Lisa, cantante y bailarina tailandesa, comenzó su carrera en solitario en 2016, convirtiéndose en una de las grandes estrellas planetarias del K-Pop.