Para muchos, se convirtió en un ritual de pandemia que se mantuvo después: a la hora de calmar la mente y bajar el ritmo de la jornada, se conectan al canal de YouTube de Shagrada Medra para participar de la escucha colectiva de un disco nuevo. En el chat de la plataforma, comentan las emociones que les generan los temas con los artistas y con otras personas que escuchan desde diferentes puntos del país y del planeta. Durante una hora y pico, a veces casi dos, disfrutan y comparten cada 15 días músicas nuevas.

“La Hora Azul”, como fue bautizada esta iniciativa del sello independiente fundado hace 30 años en Paraná por Carlos "Negro" Aguirre, Ramiro Gallo y Luis Barbiero, celebra este miércoles las cien emisiones. Lo hace presentando el nuevo trabajo del bandoneonista jujeño Santiago Arias junto a Mauro Alemán y Elio Gutiérrez llamado Barracán.

“En plena pandemia, ante la situación de que lxs músicxs no podían generar presentaciones en vivo para difundir su música, comenzamos a pensar de qué otra manera podrían dar a conocer sus novedades discográficas. Y así surgió entonces la idea de gestar lanzamientos virtuales”, cuenta Carlos “Negro” Aguirre a elDiarioAR.

“Al principio eran en formato de audio pero inmediatamente nos dimos cuenta de que YouTube, que es la plataforma desde donde elegimos hacer estas escuchas, daba lugar a la imagen además del sonido y ahí comenzamos a generar una suerte de pequeños documentales donde cada grupo musical generaba sus propios videos contando la historia de ese álbum y de cada una de las composiciones que lo integraban”, agrega el pianista y compositor, una de las figuras claves del panorama musical argentino actual.

“La Hora Azul” es un espacio de acceso libre y gratuito para el público en general y que cuenta, en cada edición, con un chat en vivo para que los asistentes puedan dialogar con los artistas sobre el proceso de creación de su obra.

“De a poco fuimos entendiendo que era también una bellísima oportunidad de reunión ya que este ciclo, al principio con una periodicidad semanal y luego quincenal, concitaba la atención de gente de muy diversos lugares del país y del mundo”, añade Aguirre.

“Así es como hemos vivido rondas al calor de músicas que han tenido la virtud de tender puentes con muchas personas que en un momento dado viven el ritual de escuchar un disco en profundidad. Es muy emocionante saber que en ese mismo momento somos un montón de almas resonando, como si estuviéramos en la intimidad de una casa y en familia, saboreando un menú sonoro”.

La acogida de esta propuesta fue muy buena y en cada emisión se fueron sumando más personas. “Fue una sorpresa la recepción que tuvo. Para mucha gente era un momento de paz en medio de la cuarentena. Pero por suerte, al cabo de ese proceso tan duro, muchas de estas personas siguieron fieles al ciclo y participando como siempre, no sólo de la escucha sino del chat que se abre al costado del video donde cada unx puede dialogar con lxs músicxs de turno y preguntarle todas las dudas e inquietudes que le surjan del repertorio que se está compartiendo”.

El ciclo mutó también a programa de radio. “Hubo un interés de varias radios que dispararon la necesidad de hacer, de cada uno de estos programas, una edición radial para ser compartida con la audiencia de esos medios de comunicación. Así es que en este momento hay varias radios de diferentes provincias del país y de Uruguay que están difundiendo todo el ciclo, desde los primeros programas que hemos compartido”.

Barracán, el disco que se presenta en esta emisión especial el miércoles a las 22, es el nuevo proyecto de Arias, que comenzó a gestarse a principios de 2021, cuando el músico, ahora residente en México, se había vuelto a vivir a Tilcara.

Allá se reencontró con su amigo Elio Gutiérrez, conoció a Mauro Alemán y armaron un trío. Hacen música de raíz andina basada en ritmos como el tinku, la cueca y el huayno. Gutiérrez toca charango y ronroco y Alemán, vientos andinos, sikus, quena y anata.

Entre las últimas emisiones de “La Hora Azul”, se presentaron los discos Sobre rieles, de Gari Di Pietro y Celina Federik, Cuentan los duendes de aquí, de Virginia Pagola, La Palabra Habitada, de Analía Garcetti, con canciones de Jorge Fandermole, y Puja, de Hugo Maldonado Barros.

El catálogo de Shagrada Medra da cuenta de una escena musical de excelencia que se desenvuelve por fuera de los circuitos formales y comerciales. El sello comenzó su andadura el 30 de junio de 1993 con la publicación del casete Barrio tranquilo con repertorio de un trío de tango integrado por Martín Vázquez y dos de los fundadores del sello: el violinista Gallo y el flautista Barbiero.

En estos 30 años de autogestión, acogió y lanzó unos 140 discos de los más diversos artistas. Jorge Fandermole, Silvina López, Inés Cuello, Santa Fe Jazz Ensamble, Horacio Castillo, Eva & Nadia, Coqui Ortiz, Rodrigo Carazo, Cecilia Pahl, Osvaldo Burucuá, La Cangola Trunca, José Santucho, Rudi Flores-Ernesto Méndez, Lilián Saba, Santiago Arias y Sebastián Macchi forman parte de la amplísima colección.

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Estuvo unos años de gira por Asia y Europa con Dominic Miller, el guitarrista de Sting. Pero en plena pandemia el bandoneonista Santiago “Tarco” Arias volvió a su Jujuy natal, en concreto a Tilcara, para centrarse en su música y terminar su segundo disco solista, Evocación de carnaval (2021), que lo consagró como una de las grandes revelaciones de la música argentina.

“Retoma una tradición muy presente en el Noroeste, que asocia al bandoneón a los géneros locales de origen rural, y lo relee desde el universo post Dino Saluzzi –de quien fue alumno– con un llamativo énfasis en la expresividad del propio aire (las maneras de abrir y cerrar el ”fueye“) y en la apertura de las formas tradicionales que le ofrece la improvisación”, decía en este mismo diario el crítico Diego Fischerman. “Evocación del carnaval es la summa de su estilo personal: una música única, aérea en todos los sentidos posibles”. 

La postpandemia encuentra a este músico de casi 35 años, llevando adelante varios proyectos que gestiona con un pie en el NOA y otro en Buenos Aires: el Dúo Arias Castro, junto al guitarrista Seva Castro, con el que grabó en 2016 el disco Criollo, el grupo La Cangola Trunca, con Mariano Agustoni y Hugo Maldonado, con el que publicó los exquisitos Calisaya y Sajra, y Barracán, un grupo nuevo que formó allá en Tilcara y que presentará su primer disco en junio.

Además, claro, sigue adelante con su carrera solista, que muy pronto lo llevará a cruzar el Atlántico otra vez. Aprovechamos una de sus visitas a Buenos Aires para tener esta charla.

-Empecemos por el final. ¿Qué es Barracán, tu proyecto más nuevo?

-Yo me volví a Jujuy hace dos años, más o menos. Fines de 2020, principios de 2021. Y allá me reencontré con un músico amigo, Elio Gutiérrez, y conocí a otro que se llama Mauro Alemán. Con ellos tres armamos el trío. Cuando vi que me iba a quedar allá dije: bueno, ¿qué podemos hacer? Y estos dos músicos, además de ser muy buenos instrumentistas, tienen una cosa muy intuitiva con la música. Son tremendamente intuitivos y muy musicales. Entonces al principio yo tocaba y siempre los invitaba. Y salió una beca del Fondo Nacional de las Artes. Y dije: voy a presentar un proyecto, ¿se copan? Sí. La idea era componer música propia, todo un disco, juntarnos a componer. Nos dieron la beca y lo empezamos a hacer. Armamos un repertorio, pusimos una fecha de grabación y grabamos. Básicamente fue así. El disco ya está masterizado, está todo terminado pero no está publicado aún. Saldrá a mediados de junio.

-¿Y qué música están haciendo?

-Es música de raíz andina. Elio toca charango y ronroco, Mauro toca vientos andinos, sikus, quena, anata también. Y yo toco bandoneones. Un bandoneón normal y otro bandoneón que es de estudio, es chiquito, y tiene un sonido muy diferente. Entonces tengo un poco el rol de bajista en el grupo, porque cubro ese registro. Hago la armonía, los bajos. Y los temas son ideas basadas en ritmos andinos como el tinku, la cueca, el huayno. Pero más que nada el tinku.

-¿Se puede vivir de la música sin estar en Buenos Aires?

-No (risas). O sea, en Jujuy pasa que los músicos viven del turismo. Tocan para el turismo. Por lo menos en Tilcara y en toda la Quebrada. La música ahí tiene el rol de entretener al turista. No existe casi eso de ir a escuchar un proyecto, un concierto. Y yo no quiero tocar para el turismo. De hecho empecé a trabajar en una sala que se llama CApEC, un centro cultural. Hice un ciclo de música local todo el año pasado, todos los jueves. Y la onda era venir a escuchar la música y solo había vino en damajuana, cerveza, empanadas. Era: si querés, comé, pero la prioridad es la música. Fueron 30 encuentros de música local. Músicos de Tilcara, de la Quebrada, de Jujuy. Y estuvo buenísimo porque los músicos de repente decían: ah, pero la gente viene a escuchar. Para mí estuvo buena esa experiencia porque también quedó como re expuesto que no hay nada de eso. Son pocas las oportunidades en las que los músicos tocan en esas circunstancias. Y este año lo voy a hacer de nuevo al ciclo. Pero, bueno, vivir de la música en Tilcara significa tocar en un montón de peñas, bares, restaurantes, festivales y de una forma bastante desgastante. 

-¿Cómo fue qué naciste en Jujuy?

-Mi viejo es de Tucumán, mi madre, de Buenos Aires, de Villa Ballester. Mi viejo vino a vivir acá en el 76. O sea, no es que eligió venir a vivir sino que se vino en medio del quilombo, mal, medio de exiliado de Tucumán. Y se quedó diez años acá. Se conocieron con mi vieja en la facultad estudiando antropología. Y salió un proyecto de desarrollo en Tilcara. Entonces fueron a trabajar allá. Y se quedaron. En el 86. Cuando Tilcara era un pueblo en el que no pasaba nada. Totalmente diferente a lo que es ahora. Se quedaron y yo nací dos años después. 

-Pero a vos te marcó el haber nacido ahí. Porque te identificás con la música de ahí.

-Sí. Yo me crié ahí. Obviamente venía a ver a mi familia cada tanto acá, a Tucumán también. Pasábamos todas las Navidades en la casa de mi abuela en Tucumán y Año Nuevo acá. Pero el año era siempre allá. Nací en San Salvador y me crié en Tilcara. Hasta los 12 viví en Tilcara. Y después hice la secundaria en San Salvador, hasta los 18. Y de ahí me vine. 

-¿Había músicos en tu familia?

-Sí. Mi viejo y mi vieja, los dos tocan la guitarra y cantan. Mi viejo se ha dedicado un poco más, pero ninguno lo hizo profesionalmente. Pero mi viejo es como una especie de ícono de los cantores norteños. Es muy buen cantor. Mis abuelos tocaban la guitarra y cantaban, entre ellos, así a dúo. Los padres de mi padre. 

-¿Y vos cuándo supiste que querías ser músico?

-No sé cuándo lo supe, pero empecé con la música antes de caminar. Ya tocaba percusión desde bebé. A los dos años tocaba el bombo. Según mi viejo, a los dos años ya tocaba chacareras. No sé si creerle. Ponele que sí. O sea, arranqué con el bombo de chiquito. Después agarré la guitarra a los 7 u 8 años, más o menos. A los diez me puse a estudiar. Después empecé a estudiar bajo eléctrico a los 13 y ahí empecé a aprender más música. Estudié un año de piano también. Y después el bandoneón a los 15. 

-¿Y siempre haciendo música de raíz?

-Empecé tocando temas de rock. Temas de Sui Géneris, de los Beatles. Después tocaba Jimi Hendrix, Led Zeppelin. Pasé por esa etapa. Cuando empecé a tocar el bajo empecé a conocer el jazz, la música brasilera, y ahí se me abrió la cabeza. El folklore me aburría. Porque la verdad es que escuché folklore desde que nací. En mi casa siempre había guitarreadas. Iban un montón de músicos. Entonces nunca le di bola. Y el folklore me empezó a salir cuando me vine a vivir a Buenos Aires. Como que ahí... estando lejos... En realidad ahí me di cuenta que ya lo sabía todo. O sea, no tuve que hacer nada. Sabía las letras. Mil temas. Ahí apareció. Pero no empecé con folklore. 

-¿Y cómo fue que al final te quedaste con el bandoneón?

-Tengo un poco una nebulosa de ese momento. Estaba a full con la música, muy copado, tocando, estudiando. A los 15/16 empecé a tocar todos los fines de semana con un trío de jazz, entre mil comillas. Era el único grupo de jazz de Jujuy, así que tocábamos. Y con esa rutina empecé a aprender, a sacar temas. Tocar un poquito mejor cada vez. Pero el bandoneón no me acuerdo si es que yo le pedí a mi viejo que le pida a una familia amiga que tenían un bandoneón o si ellos lo trajeron como: tomá, ahí tenés un bandoneón. Creo que mi viejo les pidió a ellos y un día cayeron con el bandoneón en mi casa y me puse a investigarlo porque me atraía muchísimo. Ya conocía al instrumento. Siempre iban bandoneonistas jujeños -el Negro Velarde, Daniel Vedia- a mi casa a estar con mi viejo. Yo veía ese instrumento y me parecía como hablar otro idioma. Y cuando apareció obviamente me re copé, empecé a sacar temas. Lo primero que saqué, me acuerdo, fue un tema de Hermeto Pascoal. Estaba con la cabeza en algo re lejano en ese momento. Después dije: me voy a poner a estudiar. Y empecé a estudiar en Salta con Juan Carlos Marín, pero años después, tipo dos años después. Toda la primera etapa fue yo solo con el instrumento, desculando un poco eso.

-¿Qué tiene que ver Dino Saluzzi en tu carrera?

-Mucho. Muchísimo. En mi casa se escuchaba a Dino Saluzzi antes de que yo toque el bandoneón. Y cuando empecé con el bandoneón, mi viejo obviamente me hacía escuchar. Y empecé a sacar de oreja temas de Dino. Y ahí empecé a reescucharlo y me voló la cabeza. Y me acuerdo que en un momento dije: quiero tocar así. Ya está. Yo quiero tocar así. Y en un momento, viviendo ya acá en Buenos Aires, le llevé el bandoneón a un luthier que se llamaba Carlos Ferrío, que fue de los viejos capos, y pegamos muy buena onda. Le gustaba el folklore y en esa época había pocos que tocaban folklore acá en Buenos Aires con el bandoneón. En el 2010, ponele. Y se re copó y me dice: “¿Con quién estudiás vos?” “No, con nadie”, le digo. “Porque yo quiero estudiar con Dino Saluzzi y sé que él no da clases”. “Ah”, me dice. “Lo voy a llamar a Dino”. Y un día me llama y me dice: “Hablé con Dino y dice que te va a dar clase”. Y así fue. Yo, imaginate, tenía un miedo tremendo. Duró un año el aprendizaje con él. O sea, el aprendizaje formal. Durante un año y un poco más tomé clases con él y un día me dijo: “Bueno, listo, ya está”. Pero quedamos igual siempre en contacto, como una relación de amistad o, mejor dicho, de discípulo-maestro. Y muchos años después me invitó a tocar y tocamos juntos. Yo creo que él tuvo conmigo una muy buena predisposición en parte porque yo era de Jujuy. Como él es de Salta, sintió algún tipo de afinidad. De hecho, me contaba lo difícil que había sido para él. Y obviamente tengo un agradecimiento tremendo con él. 

-Después hubo un momento importante en tu carrera que fue el de Dominic Miller.

-También fue medio casual. Eso fue más casual. Nadia Szachniuk tuvo que ver. Ella grabó un tema de Dominic en su disco y parece que cuando vino acá lo conoció, le dio un disco. La cosa es que una vez había venido de gira acá Sting y Nadia se había juntado con Dominic. Y era mi cumpleaños justo. Entonces la invité a Nadia. “Che, hacemos un asado, una guitarreada”. “Bueno”, me dice, “estoy con Dominic Miller”. Y yo: “Bueno, decile que venga”. Y vinieron a mi casa. Yo vivía en Villa Santa Rita. Y cuando llegaron estábamos un montón de gente, muchos músicos había ese día. Y el tipo entró. Ni bola se le dio. Me imagino que debe estar acostumbrado a que le pidan fotos y eso. Se sentó en la esquina y estuvo toda la noche callado, escuchando. Tocó un tema también en un momento. Y cuando se fue me dijo: “Vamos a hacer algo”. Eso es lo que siempre se dice. Y a las dos semanas me escribió ya con la propuesta de que yo grabe en su disco. Esa fue la audición, digamos. Pero totalmente de casualidad. O sea, no es que vino, escuchó a todos los bandoneonistas y me eligió a mí. Yo ese día estaba ahí y se dio. Y fue buenísimo después lo que pasó. Grabamos, hicimos gira. La pandemia cortó un poco esa fluidez.

-¿Y qué te aportó a vos esa experiencia para tu música?

-Mucho. Primero que nada la experiencia de trabajar de esa forma, muy profesionalmente, a otro nivel de consciencia. Yo no estaba acostumbrado a hacer música de esa forma, a trabajar y a tomármelo tan en serio. Sobre todo la grabación fue una experiencia de hacer bien, bien las cosas. Obvio que es Europa, hay más plata. Pero es otra cultura también de la valoración del arte. Y eso me quedó. Yo dije: “quiero hacer así la música”. Y con Barracán trataba -obvio que tenía 15 veces menos plata- de transmitirles a ellos que nos involucremos de esa forma. No vamos a tocar en una peña, no es un fortín, no es carnaval. Es un proyecto nuestro. Pongámosle energía. Dediquémosle tiempo, días de estar ahí grabando y tocando, de creérsela. Me dejó básicamente eso. Y, después, valorar mi trabajo, ser consciente del valor de mi trabajo. 

-¿Tu segundo disco, Evocación de carnaval, lo grabaste después de esto? 

- Sí, fue después de esto con Dominic. Lo saqué en 2021. Lo grabé entre 2019 y 2020. 

-¿Cómo se gestó ese disco?

-Empezó a nacer antes de la pandemia. En 2019 grabé una serie de temas en Portugal, en una residencia artística en Serpa, en una institución que se llama Musiberia. Después cuando vine acá y estábamos en la pandemia dije: es ahora o nunca. Porque tenía un montón de tiempo. Justo había vuelto de gira con Dominic y tenía plata. Entonces dije: ya está, grabo el disco ahora. Así que pedí una fecha en el estudio, armé lo que me faltaba y fui a grabar. 

-Y ese disco -el primero fue Fuellisto, en 2014- fue el que te terminó de consolidar. Le fue muy bien. Salió en las listas de mejores discos del año. ¿Cómo lo sentiste?

-Es grato. Yo no quiero quedar encasillado en el folklore. Porque hago folklore, obviamente, pero no soy un folklorista tradicional, no me considero y no me sale tampoco así. Entonces yo sí quería que el disco penetre en otras zonas. Y pasó eso. Como si fuera de otro género. No sé qué género. Pero no es un disco que vos ponés en una peña.

-¿Y cuáles son tus planes para este año?

-Ahora tengo una gira en Europa en mayo y junio. Yo solo. Es una gira totalmente autogestionada. Como para reconectar ahí un poco sobre todo la cosa de laburo. De hecho, no lo voy a ver a Dominic porque él está de gira con Sting. Voy yo solo y muestro mi proyecto. Voy a estar en Suiza, Alemania, Holanda, Bélgica y Francia. Y hay planes para ir a México otra vez (NdR: estuvo a principios de año). 

-Hace poco tocaste con La Cangola Trunca en el Centro Cultural Borges y el Dúo Arias Castro en Café Vinilo. ¿Cómo siguen esos proyectos?

-No tocamos mucho ahora porque yo vivo en Jujuy. Eso frenó bastante la dinámica del grupo, en el caso de La Cangola Trunca. Pero tenemos bastante música nueva. Están un poco complicados los ensayos. Pero nos mandamos la música y vamos tratando de aprenderla. Y el Dúo Arias Castro es un proyecto que hace mucho que tocamos y sigue existiendo. Se frenó por la misma razón. Pero seguiremos tocando.

-¿Creés que la música folklórica está más viva que hace un tiempo porque hay muchos músicos jóvenes que están haciendo cosas?

-Creo que en Jujuy, en el norte, está muy viva la movida. Totalmente viva de verdad. O sea, que es algo que tiene vida. Los grupos hacen la música de ahí sin pensar en lo que hacen. Pero veo más que nada en Buenos Aires que hay como hace varios años una especie de moda del folklore. Es un género que pegó y ahora mucha gente hace folklore y busca reconectar con la cosa más originaria como el canto con caja. A mí me parece un poco snob el lugar desde el que se lo hace. Obviamente no todo. Pero no lo veo como algo vivo. Capaz que en unos años sí.

“Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

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La música en vivo está atravesando una merecida época de gloria después de tantos meses de encierro. Se agotan las entradas para escuchar a las super-estrellas internacionales en los grandes escenarios pero también las de los espacios medianos y pequeños. Hay opciones para todos los gustos, más de una por día. El bolsillo no llega a todo, pero las ganas de compartir estas catarsis colectivas son grandes y de alguna manera nos las arreglamos para estar ahí, disfrutando, cantando a los gritos, emocionándonos y ovacionando a nuestros músicos favoritos. ¡Que no pare!

Santiago Arias presenta su discazo en vivo

Este 13 de mayo por fin podremos asistir a la presentación en vivo de esa maravilla que es Evocación de Carnaval, el disco que Santiago “Tarco” Arias, uno de los bandoneonistas de folklore más interesantes de la nueva generación, lanzó en junio pasado y fue uno de los mejores del año (no lo digo yo, lo dijo Diego Fischerman en este mismo diario y definió el trabajo como “una música única, aérea en todos los sentidos posibles”).

El show será en Rondeman Abasto (Lavalle 3177) y dará inició a una gira que llevará al bandoneonista jujeño por Entre Ríos, Mendoza, Tucumán, Salta, Jujuy y seguramente más destinos que se irán sumando.

Según anunció Arias en sus redes, tocará los temas del disco y “nuevas músicas que han nacido en estos últimos meses”. Habrá invitados sorpresa y ya están las entradas a la venta. Evocación de carnaval, segundo disco solista de Arias después de Fuellisto (2014), fue editado por Shagrada Medra y suena así:

Arias, que cuenta entre sus referentes, como es obvio, a Dino Saluzzi, integra además el dúo Arias-Castro con el guitarrista Sebastián Castro y también el grupo La Cángola Trunca, que hace poco, por suerte, volvió a juntarse y a tocar. Además, anduvo de gira y grabó con el guitarrista Dominic Miller.

Acá en un video reciente junto a la salteña Nadia Szachniuk en un homenaje a Daniel Toro.

Vuelve el Café Vinilo

El mítico Café Vinilo de Buenos Aires, cuyo cierre llorábamos hace unos meses (Juan Manuel Mannarino lo contó en esta nota), tiene nueva sede y está a punto de reiniciar actividades.

Los fans, entre los que me incluyo, hemos ido siguiendo las obras de acondicionamiento del espacio nuevo a lo largo de estos meses a través de las redes sociales.

Y ahora todo está a punto para arrancar. El nuevo Vinilo, que sigue comandado por Teresa Rodríguez y Eduardo Misch, está ubicado en Estados Unidos 2483, entre Alberti y Matheu, en el tradicional barrio porteño de San Cristóbal. Y promete música, teatro y exposiciones. Además, tiene sala de ensayo (con piano) y habrá todo tipo de talleres.

Aún quedan los últimos retoques por hacer, pero sabemos que ya hubo algunas actividades allí y quedamos a la espera de conocer muy pronto la primera programación del nuevo Café Vinilo.

Marcela Passadore celebra la música en “Santa Cecilia”

La entrerriana Marcela Passadore, dueña de una de las voces más bellas del país, presentó un segundo single mientras sigue trabajando en el que será su nuevo trabajo, que editará el Club del Disco. “Santa Cecilia”, en la que la acompaña al piano el también entrerriano Carlos “Negro” Aguirre, es una canción con letra de Bianca Rossini y música de André Mehmari, ambos brasileños.

Cuenta la cantora que cuando su mamá la tenía en la panza, le pedía a Dios que le gustara la música. “Nací el Día de la Música y obviamente, como ya saben, me dediqué a fondo a este maravilloso mundo. La Patrona de la Música es Santa Cecilia, de ahí el nombre de la canción, y así es mi segundo nombre también”. Rossini se emocionó con esta historia y escribió una letra, en la que habla la madre. Una belleza:

En cuanto al disco, contó a elDiarioAR: “El concepto del disco es que estén compositores litoraleños actuales. Va a haber una composición con letra mía y música de Rafael Alterio, un músico de Brasil. La mayoría de la producción musical está a cargo de Néstor Díaz y fui invitando a músicos como Hernán Jacinto y el Negro Aguirre”. También está el guitarrista Diego Romero, que grabó varias canciones y después se fue a vivir a Alemania.

El título será Ribereña. “Porque cuando empecé a buscar tanto el concepto como el nombre del disco me pregunté quién soy, qué soy. Soy entrerriana, soy litoraleña y soy ribereña, porque nací en una ribera, la ribera del río Paraná. Me crié en la ribera y desde mi casa en Victoria se veía el río”.

Hace unos meses, Passadore presentó otro sencillo, “Fuente”, de Coqui Ortiz y Aledo Luis Meloni.

Acá, Marcela haciendo música durante la etapa más dura de la pandemia, con Romero desde Alemania:

Nueva biografía de Aníbal Troilo

Los periodistas Mariano Suárez y Miguel Ángel Taboada presentan este jueves 28 una biografía de Aníbal Troilo, que estará en todas las librerías desde el lunes 2 de mayo pero ya se puede conseguir como e-book. Se llama Troilo. Una teoría del todo y promete trazar “un relato mayor” a partir de la figura del bandoneonista, compositor y director de orquesta, fallecido en 1975, “que trasciende a la música, y que dialoga con el ascenso y declive de la Argentina”. El libro, que edita Mil Campanas, busca ofrecer “un texto riguroso en el plano musical pero que a la vez aporte a la comprensión de un país, un tiempo cultural y político”.

“Porque Troilo es el eslabón que ensambla desde el canto gardeliano al pulso post-piazzolleano. Y también es un emblema de una Buenos Aires vigorosa, incesante, movilizada y movilizadora, atravesada por los consumos culturales de la clase trabajadora hoy, en gran medida, desterrada de ese circuito”, señala la presentación. El libro cuenta con textos del bandoneonista Dino Saluzzi, el periodista Santiago Giordano y la pianista Leda Torres. Su presentación será en el hermoso espacio del Club Social Cambalache (Defensa 1179, San Telmo).

Un poquito de “Pichuco” por acá:

Noelia Recalde lanzó Mi propia casa

Durante la cuarentena horneamos pan de masa madre, aprendimos a hacer pilates por Zoom y nos deprimimos. Algunos lograron sacarle provecho a esos días que vivimos encerrados. La entrerriana Noelia Recalde se puso a componer canciones y acaba de presentar Mi propia casa, un disco que las agrupa. Es un trabajo ecléctico, con una mezcla de estilos. Es “MPC, música popular canción”, lo definió Recalde en Instagram y añadió “aceptemos de una vez que las etiquetas se quedaron allá por los 90”.

Mi propia casa es “fruto del tiempo pandémico, gestado como súplica de alegría en el medio de la desolación y la incertidumbre. Fue un proceso lento, lleno de dudas y certezas. Supuse. Me consentí, Anhelé, reparé, canté, me hice un manto, todo en mi propia casa, sola en soledad”, describió el proceso, en el que contó con la complicidad del productor Ariel Polenta y que le llevó casi dos años.

“Sinceramente la música me lleva de tiro, no puedo planear demasiado sus movimientos y conexiones, vivo hace años confiando en sus pasos. Es mi entrada y salida de todas las corrientes de la vida, mi terapia, mi orilla y mi propia casa”, escribió en sus redes sociales esta cantora, que integra además el proyecto Triángula junto a Nadia Larcher y Micaela Vita.

En sus redes, Recalde ofrece además enviar el disco en alta calidad a quien lo quiera. Igual se los dejo acá subido en una de las plataformas, donde ya sabemos que suena algo peor. Si les gusta, ya saben...

Yapa: Los años luz podcast 

Ya salió la segunda temporada de Los años luz podcast, ideado y conducido por el periodista Humphrey Inzillo. Se trata de un repaso por algunos de los discos más emblemáticos de este sello, fundado hace más de dos décadas. Esta temporada incluye Basavilbaso, de César Lerner y Marcelo Moguilevsky, Viajera, de Malena Muyala, Chamamé, de Los Núñez, Trío Oriental, de Daniel Mazza, Hugo Fattoruso y Fabián Miodownik, y Simplemente, de Lucas Martí.

¡Hasta dentro de dos semanas!

“Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

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No existe el disco, se dice. Nadie los compra, se asegura. Y, sin embargo, se graban y publican –a su manera– infinidad de ellos. Y, lo que es más importante, se escuchan. Hay varias plataformas de streaming donde hacerlo. La más popular es Spotify; la que tiene mejor sonido (entre las versiones gratuitas) es iTunes. Y hay otras pagas, como Tidal, que ofrecen un servicio Premium. Conviene aclarar que, más allá de la fuente, el sonido dependerá del aparatito que esté al final de la cadena. De nada serviría resaltar hasta el infinito los colores de un cuadro que será visto con anteojos negros y, de la misma manera, los servicios “de alta gama” aportarán muy poca diferencia, si es que alguna, si la música se escucha con un celular o a través de la placa de sonido de una computadora.

Las plataformas y el streaming han complotado, por otra parte, contra una de las grandes revoluciones musicales del último siglo: el concepto del disco de larga duración concebido como una unidad. Y en ese sentido 2021 ha aportado una novedad también revolucionaria y desde un lugar impensable. “No creamos discos con tanto cuidado y pensamos en el orden de las canciones por nada”, dijo la inglesa Adele Laurie Blue Adkins, conocida como Adele. Su último disco, 30, es el primero que edita en seis años y está concebido, precisamente, con un concepto –canciones relacionadas con la devastación producida por un divorcio (el suyo)–. Y la artista consiguió, para ella y para toda la música que anida en Spotify, algo histórico: la anulación de la función “random” y la instauración, como función predeterminada –esto es si uno toca sin más la flecha de play que aparece sobre la tapa del disco– de la reproducción completa del disco y, obviamente, con su ordenamiento original.

Toda lista, por definición, excluye más que lo que puede incluir y es, desde ya, personal y arbitraria, por más visos de objetividad con los que se la quiera revestir. Esta, de los 10 discos más importantes del año que termina, tiene desde ya esos límites pero, en su defensa, debe consignarse que no pretende otra cosa que ser un punto de partida y que aún la enconada discusión (¿cómo pone tal disco y ni menciona a tal otro?) está entre sus efectos deseados. Parafraseando a la rosa de Gertrude Stein, una lista es una lista es una lista. Solo una de las tantas posibles. Y esta comienza con 30, de Adele , no solo por lo antedicho sino porque ya desde la primera frase de la primera canción, “Extraños por naturaleza” (“Estaré llevando flores al cementerio de mi corazón...”), entonada lánguidamente sobre un acorde de órgano que remite a un oficio religioso en alguna pequeña iglesia de alguna parte del mundo, el disco rinde homenaje a uno de los grandes tópicos de la canción popular, la autobiografía, y lo hace desde un melodismo con más de un lazo hacia los viejos estilos de Broadway y con una cuota de originalidad nada frecuente en el mundo del pop. 

Santiago Arias es bandoneonista. Nació en San Salvador de Jujuy y se crió en Tilcara. Estudió piano, bajo eléctrico y, finalmente, eligió un instrumento asociado casi de manera obligatoria con un género en particular, el tango. Y, claro, no toca tango. Retoma una tradición muy presente en el Noroeste, que asocia al bandoneón a los géneros locales de origen rural, y lo relee desde el universo post Dino Saluzzi –de quien fue alumno– con un llamativo énfasis en la expresividad del propio aire (las maneras de abrir y cerrar el “fueye”) y en la apertura de las formas tradicionales que le ofrece la improvisación. Con un notable primer disco solista (Fuellisto, publicado en 2014), uno en dúo con el guitarrista Sebastián Castro (Criollo, 2016) y una protagónica participación en Absinthe, del guitarrista Dominic Miller (editado en 2018 por el sello alemán ECM), su reciente Evocación del carnaval es la summa de su estilo personal: una música única, aérea en todos los sentidos posibles. 

Es posible que las fronteras (de clase y generacionales, sobre todo) sean demasiado difíciles de atravesar para aquellos oyentes que piensan en el trap y las diversas encarnaciones del rap callejero como la encarnación sonora del mal. Tal vez, para muchos –y para otros muchos no, desde ya–, la dicción casi sin consonantes resulte demasiado. Una letra como la de “Culpa” (...“No sé cómo hacer, eh/ La vida me late y busco lo primero que sacie mi sed, eh/ Pregunto a los dioses si merezco el don de volvеr a nacer, eh/ Sigo en еspirales que no diferencian dolor de placer/ Cuando quieras, volvé/ Ya no quieras volver ...”), con su invocación homérica y la explicitación de la contradicción en el deseo, todo eso superpuesto a una especie de obsesiva chacarera y la fantástica intervención de Mollo en el final, alcanzarían para situar a Wos en un lugar especial de la producción musical argentina actual. Oscuro éxtasis transita por el cruce de tradiciones culturales fuertes. Pero, a diferencia de los culteranismos del “nuevo folklore” de los 60s y 70s, no mira lo popular auténtico con indulgencia de turista tolerante sino que es desde allí que se cruza a la experimentación sonora y a las preguntas sin respuesta de la alta literatura.

En tren de preguntas sin respuesta algunas de las más interesantes fueron planteadas por un compositor estadounidense nacido en 1874 y muerto 80 años después, que dedicó gran parte de su vida a vender seguros. Su “Pregunta sin respuesta” –una trompeta solitaria a la que (no) responden cuatro flautas, contra unas cuerdas casi estáticas– bien podría considerarse la fuente de la música compuesta por Jerry Goldsmith para el film Alien. Y sus cuatro sinfonías, ignoradas en su época, son posiblemente el monumento más perfecto a la monstruosidad (alienígena) concebida como una de las bellas artes. La última de ellas, escrita entre 1910 y 1916 y estrenada recién en 1965, con su sobreimposición de himnos religiosos y una clase de densidad y libertad estilística que acabarían, mucho después, llamándose modernidad, es sin duda el cenit de ese conjunto y durante mucho tiempo se sostuvo que no podía ser conducida por un solo director. Gustavo Dudamel, por supuesto, lo hace, y ofrece, junto con la Sinfónica de Los Angeles, una interpretación ejemplar de las cuatro. 

Se habla de la provocación en el arte. Y la palabra, entendida en su doble significado, como agitación y golpe al sentido común y los esquemas cristalizados pero, también, como potencia, bien puede servir para hablar de Te, el disco del pianista y compositor Diego Schissi con 19 piezas “provocadas” por “Por”, una de las canciones del álbum Artaud de Luis Alberto Spinetta. Schissi, uno de quienes más (y mejor) ha hecho para seguir pensando al tango como una materia viva, parte de un grupo de tango, el quinteto tal como fue configurado por Astor Piazzolla:  Santiago Segret en bandoneón, Guillermo Rubino en violín, Ismael Grossman en guitarra, Juan Pablo Navarro en contrabajo y el propio compositor en piano–. Y parte, también, de las 47 palabras sin conexión aparente de “Por”. Con mucho de exquisito y nada de cadáver, este ejercicio surrealista se convierte en una aventura musical que acaba dibujando un posible mapa argentino sin necesidad de impostaciones ni altisonancias. Si en Spinetta los aires del tango –su melancolía, cierto tipo de melodías de grandes arcos y recorridos– ya formaban parte del ADN, aquí, en una especie de viaje de ida y vuelta, resignifican su mundo y, a la vez, al ser atravesados por él, configuran una música tan bella como sorprendente.

Songwrights Apothecary Lab, el último disco de la compositora, contrabajista y cantante Esperanza Spalding, es un álbum –posiblemente el más imaginativo de todos– surgido de la pandemia. Sus fórmulas son canciones y buscan dos cosas: maneras de lograr la creación colectiva en tiempos de plagas y reclusión y una cierta posibilidad de curación, tanto para el creador como para el oyente. Con diversos colaboradores, entre ellos el notable pianista argentino Leo Genovese, que también participa en otro gran disco del año, Silencio Ensordecedor, de Juan Bayón, Spalding crea un espacio donde todo puede suceder y donde los límites de la canción, el pop o el jazz quedan irremediablemente pequeños. 

Las conexiones entre el Manifiesto antropófago, publicado por el poeta brasileño Oswald de Andrade en 1928, y el pensamiento –y la obra– de Caetano Veloso han sido abundantemente transitadas. Lo cierto es que su magnífico –y sorprendente en más de un sentido– último disco, Meu Coco,  es la explicitación más exacta de ese canibalismo creativo donde seu coco, esa cabeza privilegiada, es el caldero en que las fuentes más diversas se cuecen. La vuelta de Jacques Morelenbaum como arreglador en alguna de las piezas, las relecturas –más que las citas– de la música popular brasileña de la segunda mitad del siglo pasado, de la bossa nova al tropicalismo, y un eclecticismo que cuaja con abrumadora coherencia (todo lo de Caetano es, indefectiblemente, Caetano) ofrecen un disco inocultablemente joven (curioso, experimentador, honesto) de un creador de 78 años que, además –milagro de milagros– conserva la voz cristalina y la seducción pura de siempre.

El triple concierto de Ludwig Van Beethoven es una obra bellísima y de considerables dificultades de ejecución, no tanto por las demandas de virtuosismo solista (que las tiene) como por el equilibrio casi imposible entre grandiosidad y espíritu camarístico, de conversación íntima entre el violín, el cello y el piano por un lado, y entre ellos –el trío clásico– y la orquesta. La interpretación de Isabelle Faust en violín, Jean-Guihen Queyras en cello y Alexander Melnikov junto con la Orquesta Barroca de Freiburg, con dirección de Pablo Heras-Casado consigue esa sensación de intimidad que no cede ni siquiera en los pasajes en que la orquesta resulta arrolladora. Los tres solistas, además de estar cada uno de ellos entre los mejores instrumentistas de la actualidad, tocan frecuentemente como trío y así aparecen en la otra obra del disco, la transcripción para violín, cello y piano de la Sinfonía Nº 2 de Beethoven realizada por Ferdinand Ries a pedido del propio autor. Sus instrumentos son originales del siglo XVII y XVIII con encordados de tripa –un violín Stradivari de 1704, un violoncello Cappa de 1696 y un fortepiano Lagrassa de 1815– y la orquesta, además de contar también con originales o reproducciones fieles, se ajusta a las dimensiones y distribución espacial de la época de Beethoven –7 primeros violines, seis segundos, 4 violas, 3 cellos, 2 contrabajos, una flauta, dos oboes, dos clarinetes, dos fagotes, dos cornos, dos trompetas y timbales–. Todo ello colabora con la excepcional sensación de cercanía afectiva  lograda por los intérpretes. Cercanía doblemente asombrosa si se tiene en cuenta que esta grabación, una de las primeras realizadas durante la pandemia, siguió estrictamente los protocolos sanitarios y cada músico estuvo situado a varios metros de sus compañeros más inmediatos.

Si sólo se tratara de escuchar una de las voces más bellas del momento ya habría motivos más que suficientes para prestarle atención a Arooj Aftab. Vulture Prince es el tercer disco de esta paquistaní radicada en Brooklyn y ya desde el arpa envolvente, la corpórea puntuación del contrabajo y los vuelos del violín, que se suman a sus inflexiones pobladas de microtonalismo en “Baghon Main”, se trazan las coordenadas de un disco magnífico en el que coexisten las tradiciones de su tierra natal, ciertas estructuras y el espíritu improvisatorio del jazz y algo de las corrientes repetitivas de la música académica estadounidense. 

La irrupción de Pat Metheny en el mundo del jazz, hace ya más de cuarenta años, no sólo significó una nueva clase de virtuosismo y un estilo en que el pensamiento melódico no se rendía jamás ante la velocidad o las dificultades armónicas (que en su caso parecían no existir) sino que, sobre todo, incorporó al campo de la improvisación todo un espectro nuevo. El country y el folk (y los rasguidos típicos de estos géneros) pero también una intrincada red entre improvisación y escritura –y de tránsito fluido entre ellas– que, entre sus virtudes más importantes cuenta con ser extremadamente compleja de componer y de tocar y sumamente fácil de escuchar. Side-Eye, grabado en vivo en septiembre de 2019, conjuga, además, dos de las caras principales del guitarrista, su lado más pop –o más “americano”– asociado con aquellos grupos en que Lyle Mays tocaba los teclados, y su perfil más puramente jazzístico. Con un trío que conforman, junto con él, el tecladista James Francies y el excelente baterista Marcus Gilmore, presenta, en estado de gracia, composiciones nuevas y relecturas de materiales venerables como el fundante “Bright Size Life”.

Bonus tracks:

Otros discos notables de 2021, que escapan a la arbitraria decena autoimpuesta:

Xalam, del israelí Ben Aylon, un estudioso de las músicas del centro africano que con pasión y rigor de musicólogo y creatividad de artista realizó un hermoso retrato sonoro de ese continente.

Venturosa, de Gustavo Mozzi, con su portentoso ejercicio de la tristeza en lo festivo y su culto a la melancolía de murgas, milongas y candombes, desarrollado con preciosismo de orfebre en las orquestaciones y un grupo de notables que incluye a Mariano Rey en clarinete, Lautaro Greco en bandoneón, Damián Bolotín y Pablo Agri en violines y Pipi Piazzolla en batería.

Black to the Future, de Sons of Kemet, el grupo liderado por Shabaka Hutchings en el que cabe casi todo. El multiculturalismo de la escena del jazz londinense es el caldo en que maceran las poesías de afirmación africanista, el homenaje a New Orleans y el bajo con propulsión a tuba y hasta, por allí, algo de cumbia.

Floating Points, de Pharoah Sanders, el legendario saxofonista que estuvo entre quienes asociaron, desde el universo de las luchas de los afronorteamericanos por sus derechos civiles, revolución política con revolución musical y que hoy, tocando aún como los dioses, navega junto con la Sinfónica de Londres, por un paisaje de rara belleza.

Cavalcade, de Black Midi. En el posible punto de encuentro de King Crimson, Family, un sentido teatral –o espectacular– de la música y algo de la vieja Mahavishnu, un grupo inglés bastante inclasificable. 

Saudade, de Ziboukle Martinaityte. La obra de una de las compositoras actuales más interesantes, la lituana radicada en Nueva York Ziboukle Martinaityte, y sus vastos horizontes casi estáticos en finísimas versiones de la Sinfónica Nacional de Lituania. 

Y algunas reediciones.

Aníbal Troilo 1957-1959; Jacques Brel au Public 1961. Olympia & Club Domino; Eduardo Falú en París; Miles Davis Quintet. Complete Recordings Live at Olympia 1960 y Oscar Peterson. May 1965, Münchner Jazztage tienen algo en común. Fueron restaurados –ellos eligen esa palabra y no remasterización– por la virtuosa dupla conformada por Roberto Sarfati y Diego Vila para Lantower, un milagroso sello argentino. En todos sus trabajos –la página del sello posee el listado completo– prima el respeto por la estética sonora original de los discos. “No restauramos audio. Restauramos música”, reza el lema que preside la página y donde, además, pueden encontrarse las obras de Alberto Muñoz –entre ellas el último Puente de las tetas–, los Tangos de cámara de Susanna Moncayo y Diego Vila y el tan delirante como gauchesco Delirio Gaucho de Alejandra Radano con Los primos Gabino.

DF

Las mujeres chamameceras se hartaron ya hace tiempo del machismo del género y encaran iniciativas que buscan cambiar su situación. La más reciente es la propuesta de declarar el 15 de junio Día Nacional de la Mujer Chamamecera. Para ello se juntaron en el reclamo artistas de todas las edades de Corrientes, Santa Fe, Entre Ríos, Misiones y Formosa. ¿Pero por qué el 15 de junio? Porque ese día nacieron dos de las mayores referentes: Ramona Galarza, conocida como la “novia del Paraná”, la intérprete más famosa que dio el chamamé, fallecida el año pasado, y la poetisa Marily Morales Segovia, la “Pombera”, autora de infinidad de letras de chamamé -como “La vida y la libertad”, con música de Antonio Tarragó Ros-, que partió en 2017.

¿Chamamé en japonés?

Entre las mujeres chamameceras del video de acá arriba está la cantante Gicela Méndez Ribeiro, que acaba de editar el disco “Del otro lado” junto con la acordeonista, cantante y compositora japonesa Yuki Makita. Contiene doce canciones y lo hicieron a la distancia, como se hacen las cosas en pandemia. El tema que eligieron para promocionar este trabajo es nada menos que el clásico “María va”, de Antonio Tarragó Ros (segunda vez que lo nombramos). Pero con algunos detalles que o no teníamos tan presentes o ni siquiera sabíamos. La canción habla sobre una joven violada por su patrón de estancia. Y Méndez Ribeiro decidió terminarla con ritmo de galopa porque, como le respondió a Tarragó Ros cuando este le dijo “¡pero si María va lento!”: “Una mujer abusada puede andar por la vida caminando lento pero hay un ritmo acelerado que pasa por su cabeza, por su ser”.

“Del otro lado” es el segundo disco que lanza la cantante nacida en Paso de los Libres en esta pandemia. El año pasado sorprendió con “Esencia”, que presentó con un recital online desde ese paisaje de ensueño en el que vive en el pueblo de Santa Ana de los Guácaras, Corrientes.

Otro festival de chamamé, esta vez trasnacional

Y siguiendo con el chamamé, que el año pasado, por cierto, fue declarado patrimonio cultural inmaterial de la humanidad por la Unesco, este fin de semana tuvo lugar la primera edición de un evento nuevo, el Festival Internacional de Chamamé de las Tres Fronteras, una iniciativa de la Provincia de Misiones. La llamada “gran nación chamamecera” estuvo representada con grandes nombres del género en Argentina como el Chango Spasiuk, Antonio Tarragó Ros (tercera vez que lo nombro...), Los Núñez y Los de Imaguaré así como artistas de Brasil y Paraguay. A causa de la pandemia, se celebró sin público, pero se transmitió por la Televisión Pública y varios canales y radios locales. Además se pudo y aún se puede ver por YouTube:

Se suma así un encuentro chamamecero más a los que ya tradicionales del calendario: la Fiesta Nacional del Chamamé, que se celebra cada verano en Corrientes capital, y el Festival Nacional del Chamamé de Federal, en Entre Ríos.

Santiago Arias presenta “Evocación del carnaval”

Pero dejemos el Litoral y vayamos al noroeste. El jujeño Santiago “Tarco” Arias, uno de los bandoneonistas de folklore más interesantes de la nueva generación, está a punto de sacar disco solista. Se llamará “Evocación del carnaval” y será editado por el exquisito sello Shagrada Medra, fundado en la ciudad de Paraná por Carlos “Negro” Aguirre, Luis Barbiero y Ramiro Gallo allá por 1994. El lanzamiento en plataformas digitales será este 23 de junio y ese mismo día habrá una escucha colectiva en el YouTube de Shagrada Medra. Arias, que cuenta entre sus referentes a Dino Saluzzi, quien hace poco cumplió 86 años y con quien compartió algunos recitales a fines del año pasado, integra el dúo Arias-Castro con el guitarrista Sebastián Castro y también La Cángola Trunca, un grupo que nos voló la cabeza a muchos hace unos años y del que ojalá pronto tengamos novedades.

No puedo no mencionar que el arte de tapa del disco de Arias es de Nacho Vidal y por eso es tan hermoso.

Pueden ver otros trabajos suyos en este link: https://www.instagram.com/ignacho.ve/

Ya está online lo nuevo de Juan Falú

Y como les adelantábamos hace dos semanas, finalmente está online en todas las plataformas el nuevo disco del tucumano Juan Falú, “Reencuentro en el CCK”, que fue grabado en vivo en febrero en ese centro cultural. Contiene muchos de los temas ya clásicos del guitarrista y compositor, como la “Chacarera Ututa”, “Donata Suárez” o “Confesión del viento”. Falú, uno de los pocos (sino el único) músicos que se enfrenta en solitario a públicos como el del Festival de Cosquín y es respetado y escuchado con atención, organiza anualmente el Festival Guitarras del Mundo, el mayor de su tipo en el mundo y que el año pasado se celebró de forma online. ¿Volverá este año a la presencialidad? Lo sabremos en unos meses.

Pucha, qué dúo

Habemos dúo nuevo en el panorama musical del folklore fusión y tiene muy buena pinta. Se llama Pucha y lo integran Gustavo Ecclesia y Lucho Milocco (sí, el de Pim Pau). Estamos ante otro caso de trabajo a la distancia, porque resulta que Ecclesia ahora está radicado en Irlanda. Pero así y todo lograron darle forma al proyecto y hace pocos días lanzaron su segundo tema, “Abriendo Nubes”, en el que contaron con la colaboración de Nahuel Pennisi. Antes ya habían presentado el primer single, “Noche Mansa”. Suenan así:

Yapa

Como se acerca el invierno y nos tenemos que quedar en casa otra vez, en vez de aprender a hacer masa madre también podemos hacer el curso online de Canto con caja de Ángela Parodi. Desde Villa María, Córdoba, esta cantante nacida en Santa Fe, criada en Buenos Aires y especializada en esta forma de tocar y cantar del noroeste argentino, enseña los trucos de ese canto ancestral, del que tenemos registro en gran parte gracias al trabajo que se tomó en su momento la gran Leda Valladares. También pueden seguir a Ángela en su Instragram y asistir a sus Jueves Copleros.

Gracias por leer. Espero que hayan disfrutado ¡Hasta dentro de dos semanas!

(*) “Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

CRM