Forman una de las parejas creativas más reconocidas por el público y su amistad es una de las más duraderas y fieles de las que hay en Hollywood, que tiene otro nuevo capítulo con el estreno de una nueva película en Netflix, ‘El botín’, que llega este viernes 16 de enero a la plataforma.

Hablamos de Ben Affleck y Matt Damon, que vuelven a compartir pantalla como protagonistas de este nuevo thriller de Netflix, en el que un grupo de policías de Miami empieza a resquebrajarse después de descubrir millones de dólares en efectivo en un zulo abandonado y que hará que todos duden de todos. En esta ocasión, solo colaboran como protagonistas, aunque en otras ocasiones han dirigido y escrito juntos proyectos, pero en ‘El botín’ la dirección y el guion recaen en Joe Carnahan, sobre una historia de Michael McGrale.

El origen de la amistad entre Ben Affleck y Matt Damon

Para conocer el fuerte vínculo entre los dos actores de Hollywood nos tenemos que remontar a la infancia de ambos, cuando Matt tenía 10 años y Ben ocho y ambos vivían cerca en la ciudad de Cambridge, en el estado de Massachusetts, donde se hicieron amigos porque tenían aficiones en común como el baloncesto y la actuación.

Una amistad que creció y dio un paso adelante en la que ambos fueron al mismo instituto, porque el propio Matt Damon reconoció que Ben Affleck lo defendió en una pelea: “Recuerdo que fue como un gran momento. Él se puso en un lugar que era realmente malo para mí. Este es un buen amigo”, precisó en una entrevista. Desde entonces pasaron más tiempo juntos y comenzaron a ir a audiciones, llegándoles algunas oportunidades por separado, pero siendo su primera gran aparición juntos como extras en ‘Campo de sueños’, con Kevin Costner y que fue candidata a los Oscar.

De una obra de teatro de instituto a ‘Good Will Hunting’

Pero el momento importante fue cuando Matt Damon escribió una obra corta para el instituto, que más tarde desarrollaría como el primer acto de una película al obtener una buena nota y animarle el propio Ben Affleck al leerlo: “No sé qué hacer con esto, pero hagámoslo juntos. Ben fue quien desbloqueó la historia. La escena del monólogo en el banco la escribimos juntos esa misma noche”, reconoció el actor protagonista de películas como ‘Marte’ o la saga Bourne.

Así fue como Affleck y Damon escribieron juntos ‘Good Will Hunting’, en la que participaría Robin Williams, y por la que ambos ganaron el premio Oscar a mejor guion original en 1997, lo que les dio fama repentina que transformaría sus vidas, y cuya amistad les sirvió para procesarlo. Ambos lo vivieron como entrar en ‘Matrix’ o en ‘Star Wars’, pero Ben Affleck fue más allá: “Al principio me sentía un fraude. Estaba en el sofá de Matt cuando vendimos el guion. No tenía ni baño propio. De repente, se supone que eres especial. Es absurdo. No sé dónde estaría sin la amistad de Matt como ancla”.

El proceso de escritura del guion de ‘Good Will Hunting’, sin embargo, fue tan largo y desafiante que hizo que durante dos décadas casi no volvieran a colaborar a nivel creativo, en parte porque pensaban que sería “igual de difícil” en palabras de Matt Damon y porque ambos recibieron presión siendo actores jóvenes para tomar caminos separados y diferenciarse, tal y como confirma Ben Affleck.

‘El último duelo’ y el regreso de la dupla Affleck Damon

No sería hasta 2021 cuando ambos volvieron a escribir juntos, en este caso adaptaron ‘El último duelo’, dirigida por Ridley Scott. Esto fluyó y surgió gracias a que Matt Damon llamó a su amigo tras ver el documental de Peter Jackson sobre los Beatles, cuando incluyó el final de la banda. “Nos pasó algo increíble, como si hubiéramos ganado la lotería juntos. Creo que, en un intento de individualizar nuestras carreras, dejamos de trabajar juntos. Era como: ‘¿Qué estamos haciendo? No intentamos construir ninguna imagen. Si encontramos algo bueno para hacer juntos, hagámoslo y no le demos tantas vueltas’”, relató al respecto a Variety.

El éxito de la colaboración conjunta en el ‘El último duelo’ hizo que volvieran a compartir proyecto en ‘Air’, en la que Affleck dirigió a Damon, lo que supuso un nuevo reto a su amistad: “Antes de comenzar a filmar, pensé: 'Matt ha trabajado con Spielberg, Scorsese, los hermanos Coen'. Así que ahora, en su mente, me va a enfrentar a estas otras experiencias... Recuerdo que el director de fotografía, Bob Richardson, se acercó a mí después del tercer o cuarto día. Y me dijo: ‘Creo que Matt confía en ti ahora’. Y le respondí: ‘Yo también lo creo’. Sentí un tipo de respeto profesional allí que realmente significó mucho para mí”, declaró el actor y director.

Mientras el mundo del espectáculo palpita la temporada de premiaciones que suele comenzar en enero y prolongarse hasta la entrega de los Oscar en marzo, varias de las películas que tienen nominaciones y pasaron por las salas de cine ya están disponibles para ver por streaming.

Es el caso de numerosos largometrajes que compiten por los Globo de Oro que se entregan este domingo 11 de enero y que se pueden ver en formato hogareño.

A continuación, un repaso por algunas de las más destacadas, los tráilers y las plataformas que las ofrecen.

1. Frankenstein. Dirigida y escrita por Guillermo del Toro, esta película es una versión de la novela de Mary Shelley, con Oscar Isaac, Jacob Elordi, Mia Goth, Felix Kammerer, David Bradley, Lars Mikkelsen, Christian Convery, con Charles Dance y Christoph Waltz en el elenco. Compite en cinco categorías: Película dramática, Director, Actor, Actor de reparto y Banda sonora.

“El director ganador del Oscar Guillermo del Toro adapta la historia clásica de Mary Shelley sobre Víctor Frankenstein, un científico brillante y ególatra que da vida a una criatura en un monstruoso experimento que termina siendo la perdición tanto del creador como de su trágica creación”, informaron desde Netflix.

La película Frankenstein está disponible en Netflix.

2. Pecadores. Después de su paso por los cines, esta película llegó a HBO Max en julio pasado y cuenta con varias nominaciones. Compite, entre otras, en las categorías de Película dramática, Actor, Director, Guión, Banda sonora, Canción original y Logros cinematográficos y de taquilla.

“Del visionario cineasta nominado al Oscar Ryan Coogler—director de Black Panther y Creed—y protagonizada por Michael B. Jordan, llega Pecadores (Sinners), una nueva visión del miedo. Buscando dejar atrás un pasado turbulento, dos hermanos gemelos (interpretados por Jordan en un impactante doble papel) regresan a su ciudad natal con la esperanza de comenzar de nuevo. Pero lo que los espera es una presencia aún más oscura”, detallaron desde la plataforma.

“Escrita y dirigida por Coogler, Pecadores cuenta con un elenco estelar encabezado por Michael B. Jordan, la nominada al Oscar Hailee Steinfeld, Jack O’Connell, Wunmi Mosaku, Jayme Lawson, Omar Miller y Delroy Lindo”, agregaron.

La película Pecadores (Sinners) está disponible en HBO Max.

3. Matate, amor. Basada en la novela homónima de la escritora argentina Ariana Harwicz, la protagonista de esta película, Jennifer Lawrence, compite en los Globos de Oro en la categoría que premia a la mejor actriz. 

“Una pareja joven, enamorada y llena de esperanza (Grace y Jackson) se muda de Nueva York a una casa heredada en el campo. Grace intenta encontrar su identidad, con un nuevo bebé, en ese entorno aislado. Sin embargo, a medida que comienza a desmoronarse, se descubre de nuevo, no a través de la debilidad, sino de la fuerza y una impresionante vitalidad desenfrenada. Ambientada en un Estados Unidos rural, Matate, amor es el retrato de una mujer envuelta por el amor y la locura. Es protagonizada por Jennifer Lawrence, Robert Pattinson, LaKeith Stanfield, Nick Nolte y Sissy Spacek”, informó en un comunicado Mubi, la plataforma donde el largometraje está disponible desde finales de diciembre.

“La película tuvo su Premiere Mundial en el Festival de Cine de Cannes a principios de año. Jennifer Lawrence ha sido galardonada con el Premio Donostia en el Festival de Cine de San Sebastián y ha sido nominada a un Premio Gotham por Destacada Interpretación Protagonista. Matate, amor también fue nominada a siete Premios del Cine Independiente Británico (BIFA), incluyendo Mejor Directora para Lynne Ramsay y Mejor Interpretación Protagonista para Jennifer Lawrence, y ganó dos premios, por Mejor Fotografía y por Mejor Supervisión Musical”, agregaron.

La película Matate, amor está disponible en Mubi.

4. Una batalla tras otra. Es uno de los estrenos más aclamados y tiene nueve nominaciones, en rubros muy disputados como Película de comedia o musical, Actor de comedia o musical, Actriz de comedia, Actor de reparto, Director y Guión, entre otros.

“La película está protagonizada por Leonardo DiCaprio y se encuentra entre los mayores éxitos de público y crítica del año, con nueve nominaciones a los Globos de Oro y 14 a los Critics Choice Awards. El largometraje sigue a Bob (DiCaprio), un ex revolucionario que busca la ayuda de sus antiguos compañeros después de 16 años para rescatar a su hija de las manos de un viejo enemigo, el coronel Lockjaw (Sean Penn)”, informaron desde HBO Max, que ofrece la película en su servicio desde diciembre.

Una batalla tras otra está disponible en HBO Max.

5. Sueños de trenes. Basada en la novela homónima de Denis Johnson, narra la historia de Robert Grainier, un leñador y trabajador ferroviario con una vida llena de reflexión y belleza que se desarrolla en los cambiantes Estados Unidos de principios del siglo XX“, señala la sinopsis oficial de esta película que cuenta con una nominación en los Globos de Oro en el rubro Actor de película dramática y está disponible para ver en formato hogareño desde noviembre.

Joel Edgerton, Felicity Jones, Kerry Condon y William H. Macy protagonizan esta película de Clint Bentley que, según apuntan desde Netflix, “refleja todas las maravillosas y devastadoras facetas de una vida entera”.

Sueños de trenes está disponible en Netflix.

6. Cacería de brujas (After the Hunt). La actriz Julia Roberts está nominada por esta película dirigida por Luca Guadagnino que la tiene como protagonista.

“Cacería de brujas es un apasionante drama psicológico sobre una profesora universitaria (Julia Roberts) que se encuentra en una encrucijada personal y profesional cuando una estudiante destacada (Ayo Edebiri) hace una acusación contra uno de sus colegas (Andrew Garfield), y un oscuro secreto de su propio pasado amenaza con salir a la luz. Además de Julia Roberts, Ayo Edebiri y Andrew Garfield en los papeles principales, la película también cuenta con las actuaciones destacadas de Michael Stuhlbarg y Chloë Sevigny”, señala la sinopsis oficial del largometraje, que está disponible para ver por streaming desde noviembre.

Cacería de brujas (After the Hunt) está disponible en Amazon Prime Video.

7. Jay Kelly. Los actores George Clooney y Adam Sandler están nominados por sus participaciones en este largometraje dirigido por Noah Baumbach.

“Jay Kelly, la nueva película del director nominado al Oscar Noah Baumbach, sigue el vertiginoso y profundo viaje por Europa de un actor famoso llamado Jay Kelly (George Clooney) y su fiel manager Ron (Adam Sandler). A lo largo del recorrido, ambos se ven obligados a enfrentar los resultados de sus decisiones, las relaciones con sus seres queridos y el legado que cada uno dejará”, informó Netflix sobre esta película que ofrece en su plataforma desde noviembre.

Jay Kelly está disponible en Netflix.

8. Hedda. “Nia DaCosta nos trae una nueva versión provocadora y moderna de la obra clásica de Henrik Ibsen. Hedda (Tessa Thompson) se debate entre el anhelo imborrable de un amor pasado y la silenciosa asfixia de su vida actual. Durante una noche intensa, salen a la superficie deseos reprimidos y tensiones ocultas que la arrastran a ella y a los que la rodean a una espiral de manipulación, pasión y traición”, informa Amazon Prime Video sobre este largometraje. Tessa Thompson compite por un Globo de Oro en la categoría que distingue a las mejores actrices de dramas cinematográficos.

La película Hedda está disponible en Amazon Prime Video.

9. F1. La película. Este potente largometraje protagonizado por Brad Pitt y Javier Bardem desembarcó en el streaming después de un exitoso paso por los cines y cosechó dos nominaciones en esta entrega de los Globos de Oro.

“La película narra el regreso de Sonny Hayes (Pitt), un piloto retirado que vuelve a competir tras un accidente, empujado por su antiguo socio Rubén Cervantes (Bardem), y enfrentándose a Joshua Pearce, un joven piloto ambicioso (Damson Idris). Es una pieza de acción, velocidad y redención, y su llegada al streaming es un gran premio para los fans de la Fórmula 1”, señala su sinopsis oficial.

El largometraje F1. La película está disponible en Apple TV+.

10. Zootopia 2. Esta secuela animada fue una de las películas de animación más populares del año y se convirtió en un éxito de público global. En los Golden Globes compite en la categoría que premia a los largometrajes de animación y también a la de los logros de taquilla.

“En esta nueva entrega, los policías amateurs Judy Hopps (voz en inglés de Ginnifer Goodwin) y Nick Wilde (voz en inglés de Jason Bateman) se encuentran tras la pista de un gran misterio cuando Gary De’Snake (voz en inglés de Ke Huy Quan) llega a Zootopia y pone patas arriba la metrópoli de animales. Para resolver el caso, Judy y Nick deberán infiltrarse en nuevas y sorprendentes partes de la ciudad, donde se pondrá a prueba su creciente alianza como nunca antes. La película está dirigida por el equipo ganador del Oscar, compuesto por el Chief Creative Officer Jared Bush y Byron Howard”, informaron desde Disney sobre esta película.

Zootopia 2 está disponible en Disney+.

11. La hora de la desaparición (Weapons). Dirigida por Zach Cregger, este largometraje de suspenso tiene dos nominaciones. 

“La obra sigue el misterio en torno a la desaparición de 17 niños de una misma clase, la clase de la maestra Gandy (Julia Garner), a las 2:17 de la madrugada. La ciudad, entonces, se lanza en busca de respuestas al misterio mientras lidia con la ausencia de los niños en sus hogares”, apunta la sinopsis oficial de la película

“La hora de la desaparición es la última producción cinematográfica de la carrera de Zach Cregger. El director se dio a conocer en el género de terror por Noites Brutais, también y regresa a la gran pantalla con una de las grandes sensaciones del cine de 2025 entre el público y la crítica. El elenco está formado por nombres como Josh Brolin, Julia Garner, Alden Ehrenreich, Austin Abrams, Cary Christopher, Benedict Wong y Amy Madigan”, informaron en un comunicado desde HBO Max.

La hora de la desaparición (Weapons) está disponible en HBO Max.

12. Elio. Esta película producida por Disney y Pixar compite en los Globos de Oro en la categoría que distingue a los largometrajes de animación. Luego de un exitoso paso por las salas de cine del mundo, llegó en septiembre al formato hogareño a través de la plataforma Disney+.

“Elio Solís aterriza en las pantallas de todo el mundo, para invitar a las familias a vivir un viaje asombroso al sumergirse en el Comuniverso. Elio, un imaginativo fan de los aliens, establece su primer contacto con extraterrestres, que lo confunden con el líder de la Tierra, y hace realidad el sueño de su vida”, detalló la plataforma.

La película animada Elio está disponible en Disney+.

AL

Empezó la temporada de premios internacionales en el universo del espectáculo y toda la atención se concentrará este domingo 11 de enero en una nueva edición de la entrega de los Globos de Oro, la distinción que reconoce al cine y la televisión y entrega anualmente la  Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood.

La edición 83 de esta premiación, una de las más importantes de la industria del entretenimiento, se celebrará en Los Ángeles, Estados Unidos y desde Argentina podrá verse a partir de las 22.

Desde Latinoamérica, los televidentes interesados en seguir la transmisión, podrán hacerlo a través del canal de televisión de cable TNT y de la plataforma de streaming HBO Max.

“La 83ª Entrega Anual de los Golden Globes se realizará este domingo 11 de enero de 2026, desde el Beverly Hilton de Los Ángeles, y podrá verse en vivo por TNT y HBO Max a partir de las 10:00 pm”, informaron en un comunicado desde esas señales.

A la vez, informaron que la presentadora elegida para esta ocasión será la aclamada comediante y actriz Nikki Glaser.

Considerados por los expertos como una especie de antesala de los Oscar, que se entregarán el próximo 15 de marzo, los Globos de Oro, a diferencia de los premios de la Academia de Hollywood, distinguen a series televisivas y películas.

Entre las series más nominadas se encuentran las destacadísimas Adolescencia, The White Lotus y Severance, que lideran varias categorías.

En el universo de las películas, en tanto, se destacan con varias nominaciones largometrajes como Una batalla tras otra, con un elenco de alto perfil encabezado por Leonardo DiCaprio, Sean Penn y Benicio Del Toro, además de Valor sentimental y Pecadores, con ocho y siete nominaciones respectivamente.

AL

El actor y director de cine murió este martes en su casa de Utah a los 89 años, según publicó el periódico New York Times, recogiendo un comunicado de su agencia de su representante, Cindi Berger, que detalló que el deceso se produjo mientras dormía, sin especificar una causa concreta. Fue uno de los rostros más emblemáticos del cine de Hollywood de las últimas décadas.

Robert Redford no solo causó impacto con su presencia en el cine, sino también en lo social. El actor promovió causas ambientales e impulsó el movimiento cinematográfico independiente con sede en Sundance, que es uno de los festivales de cine independiente más importantes del mundo. 

El actor protagonizó grandes clásicos del cine como Dos hombres y un destino (1969), El golpe (1973), Todos los hombres del presidente (1976) y Memorias de África (1985), consolidándose como uno de los actores más influyentes del siglo XX.

En su larga carrera fue galardonado con dos Óscar por su rol como actor y un Globo de Oro como “Mejor director” por Ordinary People. 

Su vida de película

Charles Robert Redford Jr. nació en Santa Mónica, California, el 18 de agosto de 1936.

Su padre fue Charles Robert Redford Sr. (1914-1991), contable católico de origen irlandés, y su madre Martha Hart (1914-1955), ama de casa.

Se crió en el barrio oeste de Los Ángeles. En los años 50, su padre trabajó de contable en la Standard Oil y se trasladaron a un suburbio de clase media en el valle de San Fernando. A su madre se le diagnosticó un cáncer y Redford atravesaba entonces una época de rebeldía, pero le gustaba contar historias y dibujar. Una excursión al parque nacional de Yosemite le imprimió un intenso amor por la naturaleza, que influiría en muchas de sus películas.

En 1955 su madre murió a los 41 años de edad. Él abandonó los estudios en 1956 y se fue como artista itinerante a Italia y Francia para probar la vida bohemia de un artista; regresó desilusionado en 1957 y comenzó una vida de rebeldía juvenil sumida en el alcoholismo, asociada a la pérdida de su madre.

En ese mismo año conoció a Lola van Wagenen, una universitaria de clase media acomodada, también miembro de La Iglesia de Jesucristo de los Santos de los Últimos Días de Utah, con la que inició una larga y estable relación que tuvo una influencia muy positiva para Redford.

Dejó de beber y en 1958 se matriculó en el Instituto Pratt de Nueva York para estudiar arte. Le interesaba el diseño de escenarios y siguió el consejo de estudiar interpretación para aprender más sobre el teatro. Nunca le había atraído el trabajo de actor, pero le agradó la experiencia y su buena apariencia le ayudó a entrar en el séptimo arte.

En 1958 se casó con Lola y al año siguiente nació su hijo Scott, que falleció pocos meses después por muerte súbita. En ese mismo año uno de sus profesores le consiguió su primer papel en Broadway. En 1960 comenzó a trabajar en la televisión, en la serie Playhouse 90, y a continuación en Perry Mason, Alfred Hitchcock presenta y La dimensión desconocida. A raíz de ello, su padre le llegó a decir: “¿Por qué no te buscas un trabajo de verdad?”.

En 1960 Redford y su esposa tuvieron una hija, Shawna, y en 1962 un hijo, David James. En esos años compraron una parcela agraria en Utah, donde construyeron una vivienda diseñada por el mismo Redford. Su hija Amy nació en 1970. En 1961 triunfó en Broadway con la obra Sunday in New York.

En 1962 consiguió su primer papel en un largometraje de cine, War Hunt, de Denis Sanders. A continuación volvió a actuar en Broadway, en la obra Descalzos por el parque, dirigida por Mike Nichols, quien impuso la participación de Redford, a quien había visto en la televisión. Esta obra de teatro le convirtió en estrella de Broadway y fue el trampolín perfecto hacia Hollywood, donde fue contratado en 1964.

En sus cuatro primeras películas hizo papeles secundarios y no le proporcionaron un éxito digno de mención. Estas películas fueron La rebelde (protagonizada por Natalie Wood), La jauría humana (ambicioso filme de denuncia de Arthur Penn, con un extenso reparto que incluye a Marlon Brando y Angie Dickinson), Situación desesperada y Propiedad condenada.

En 1966 se trasladó a España para comenzar una vida bohemia, sin embargo, ese mismo año le ofrecieron un papel como protagonista en la versión cinematográfica de Descalzos por el parque (1967), junto a Jane Fonda, que fue un gran éxito.

En los años siguientes intervino en varias películas que le consolidaron como actor de prestigio y también como estrella de Hollywood; la primera de ellas en 1969, Butch Cassidy and the Sundance Kid con Paul Newman, con quien congenió rápidamente y se convirtieron en una de las parejas cinematográficas más importantes de la historia del cine. Otras películas de éxito fueron: El candidato (1972), dos filmes dirigidos por Sydney Pollack (el hoy filme de culto Las aventuras de Jeremiah Johnson de 1972, y la romántica y taquillera Tal como éramos de 1973, coprotagonizada por Barbra Streisand), y El golpe (1973), nuevamente con su amigo Newman. Este filme obtuvo siete Óscar y por él recibió Redford su primera nominación, como actor principal. En 1974 rodó El gran Gatsby con Mia Farrow; una producción de ambientación muy cuidada, pero que recibió malas críticas.

Redford creó también su propia productora independiente, Wildwood Enterprises, cuya primera película fue Downhill Racer en 1969 (en castellano, El descenso de la muerte), dirigida por Michael Ritchie.

En 1976 actuó en Todos los hombres del presidente, sobre el caso Watergate, junto a Dustin Hoffman. La película consiguió seis nominaciones a los Óscar, incluida la de mejor película. En 1979, protagonizó El jinete eléctrico junto a Jane Fonda, donde una vez más aparece el amor hacia los caballos que Redford profesa.

Siguió siendo una estrella en la década de 1980, donde destacan dos películas: Memorias de África, con Meryl Streep, filme que cosechó siete premios Óscar, entre ellos el de mejor película; y Peligrosamente juntos (1986) con Debra Winger y Daryl Hannah. En 1985 se separó de su esposa Lola tras 27 años de matrimonio y ese mismo año comenzó una larga relación de siete años con la actriz brasileña Sonia Braga.

Como director, Redford ya tiene una trayectoria importante, con películas que le valieron el reconocimiento de la profesión y del público. En 1980 se inicia como director con Ordinary People, filme protagonizado por Donald Sutherland y Mary Tyler Moore que obtuvo muy buenas críticas y éxito de taquilla, y que le supuso el Oscar al mejor director.

Redford dirigió en 1988 Un lugar llamado Milagro, una película bucólica y de fantasía en la que se refleja su amor por la naturaleza y la vida rústica, pero que no tuvo un éxito significativo.

En 1992 dirige El río de la vida, con Brad Pitt y Tom Skerritt, donde trata de la comunicación entre padres e hijos, un tema recurrente en su vida.

Posteriormente dirigió Quiz Show, que obtuvo buenas críticas, aunque escasa aceptación en taquilla, y que supuso su segunda nominación a los Óscar como director. Esta cinta fue igualmente nominada al premio como mejor película, pero finalmente resultó derrotada en ambas categorías.

En 1998 dirigió El hombre que susurraba a los caballos, basada en la novela de Nicholas Evans, en 2000 La leyenda de Bagger Vance, y en 2012 The Company You Keep (Pacto de silencio).

Redford creó en 1980 un centro de enseñanza para jóvenes cineastas, el Instituto Sundance que funciona como Festival en los veranos y como centro de esquí exclusivo en invierno, en sus terrenos de Utah. Llevó adelante esta empresa a costo propio a pesar de no encontrar apoyos. Su instituto subvenciona a nuevas promesas con todos los gastos pagados durante cuatro semanas, proporciona profesores, material técnico y el asesoramiento de grandes profesionales.

Viendo la calidad de los trabajos decidió crear un festival de cine paralelo para exponer los trabajos de los estudiantes que hoy se ha convertido en el festival de cine independiente más importante del mundo: el Festival de Cine de Sundance, que se celebra todos los eneros desde 1983 en Park City, Utah. Es curioso porque el nombre de la escuela y el festival viene de la película que protagonizó en 1969 con Paul Newman: Dos hombres y un destino, en la que él se llamaba The Sundance Kid. Más tarde adquirió un rancho en Provo donde se aficionó a la crianza de caballos de pura sangre.

A partir de la década de 1990, Robert Redford fue espaciando sus trabajos como actor de cine, si bien siguió participando en varias producciones de prestigio por director y/o reparto. Entre ellas destacan las películas románticas Habana (1990) de Sydney Pollack (con Lena Olin) e Íntimo y personal (1996) con Michelle Pfeiffer. Pero tuvo más repercusión comercial otra película de calidad y argumento más discutibles: Una proposición indecente (1993), con Demi Moore.

Posteriormente rodó tres grandes filmes The Last Castle (2001), Spy Game (2001) con Brad Pitt y La sombra de un secuestro (2004) con Helen Mirren.

En 2005, rodó con Jennifer Lopez Una vida por delante, y en 2007 respaldó al entonces criticado Tom Cruise interpretando un papel en su producción Leones por corderos, junto al mismo Cruise y Meryl Streep.

En 2013, rodó como único protagonista Cuando todo está perdido, un filme sobre la supervivencia en alta mar dirigido por J.C. Chandor. Aquí Redford interpreta a un patrón de yate que ha de evitar el naufragio de la embarcación. Es un trabajo actoral muy exigente, sin más personajes que él mismo, que ha recibido muy buena crítica y permite decir con propiedad que sigue muy activo en el cine.

En 2014, rodó Captain America: The Winter Soldier, bajo la dirección de Anthony Russo y Joe Russo, interpretando al agente de alto rango de S.H.I.E.L.D., Alexander Pierce; dicho papel lo retomó en Avengers: Endgame, de 2019.

En 2015 rodó junto a Nick Nolte y Emma Thompson, Un paseo por el bosque.

En 2017 protagonizó Nosotros en la noche junto con Jane Fonda, retomando su antigua colaboración en varias películas, la última de las cuales había sido El jinete eléctrico casi cuarenta años antes.

El 11 de julio de 2009 se casó con su pareja desde hacía años Sibylle Szaggars, pintora alemana. La ceremonia tuvo lugar en Hamburgo en la intimidad de la familia y amigos más próximos.

El 17 de octubre de 2020 se confirmó el fallecimiento de su hijo James Redford, confirmado por su mujer.

Redford anunció a los medios en agosto de 2018 que actuaría en un par de películas más y que se retiraría de la vida de actor a sus ochenta y un años, sin indicar si continuaría como director. Su última película como protagonista fue The Old man & The Gun (2018) interpretando al ladrón de bancos Forrest Tucker y formando parte en el elenco con Sissy Spacek y Cassey Affleck.

Su aparición sorpresa en la película Avengers: Endgame sería su última aparición como actor.

Con información de elDiario.es y WikiPedia.

Más de 380 grandes nombres del cine internacional han firmado una carta en la que se preguntan “por qué el cine, caldo de cultivo para obras socialmente comprometidas, parece tan indiferente ante el horror de la realidad y la opresión” sobre la población palestina. “Como artistas y actores culturales, no podemos permanecer en silencio mientras el genocidio está ocurriendo en Gaza”, afirman nombres como Pedro Almodóvar, Susan Sarandon, Richard Gere, Mark Ruffalo, Viggo Mortensen o Javier Bardem, entre otros.

Las personas cineastas, actrices o actores y guionistas se preguntan, en el día que se inagura el Festival de Cannes, la cita más importante del cine en Europa: “¿De qué sirven nuestras profesiones si no es para aprender lecciones de la historia, para hacer películas comprometidas, si no estamos presentes para proteger las voces oprimidas? ¿Por qué este silencio?”.

Los firmantes empiezan su escrito poniendo el foco sobre Fatma Hassona, la fotoperiodista palestina de 25 años asesinada por el ejército israelí el 16 de abril de 2025. Hassona murió solo un día después de que se anunciara que Put Your Soul on Your Hand and Walk, la película de Sepideh Farsi que ella protagoniza, había sido seleccionada en la sección ACID del Festival de Cine de Cannes. Además, iba a contraer matrimonio unos días más tarde. Diez de sus familiares, incluida su hermana embarazada, murieron en el mismo ataque aéreo israelí sobre su casa en el norte de Gaza.

No podemos permanecer en silencio mientras el genocidio está ocurriendo en Gaza

Firmantes de la carta

Cuando supo la noticia, Sepideh Farsi dijo que “no había sido solo un ataque a la vida, sino también a la memoria, al arte y al derecho de cada uno de contar su propia historia”. Desde el 7 de octubre de 2023, los periodistas no pueden entrar en la Franja de Gaza; es por eso que Farsi llamaba a Hassona sus “ojos allí”.

Y este bloqueo informativo es algo que este manifiesto señala también. “El ejército israelí ataca a la población civil. Más de 200 periodistas han sido asesinados deliberadamente. Escritores, cineastas y artistas están siendo brutalmente asesinados”, dicen. Además, recuerdan el ataque por colonos y la detención por militares israelíes que sufrió el cineasta palestino Hamdan Ballal, codirector de No Other Land, documental ganador de un Oscar.

El apoyo insuficiente de la Academia del Cine de Hollywood motivó una reacción entre parte de sus afiliados, los cuales firmaron una carta, como hacen estos profesionales hoy ante la apertura del festival francés. “Nos avergüenza tanta pasividad”, afirman actores y actrices, además de los mencionados, como Juan Diego Botto, Ralph Fiennes, Carlos Bardem, María de Medeiros, Susi Sánchez, Luis Tosar, Cynthia Nixon, Rebecca Hall, Cecilia Roth, Pedro Alonso, Julie Delpy, Liam Cunningham, Brian Cox, Xavier Dolan, Éric Cantona, Nahuel Pérez Biscayart, Rebecca Hall, Julie Christie o Carice van Houten.

Entre los cineastas, también se encuentran Alfonso Cuarón, Costa-Gavras, Mike Leigh, Yórgos Lánthimos, Laura Poitras, Jonathan Glazer, Ruben Östlund, Paolo Sorrentino, David Cronenberg, Sergio Castellitto, Isabel Coixet, Lucrecia Martel, Jose Luis Guerín o Víctor Erice.

“La extrema derecha, el fascismo, el colonialismo, los movimientos antitrans y antiLGBTQIA+, sexistas, racistas, islamófobos y antisemitas libran su batalla en el campo de batalla de las ideas, atacando la industria editorial, el cine y las universidades, y por eso tenemos el deber de luchar. No permitamos que nuestro arte sea cómplice de lo peor”, añaden.

La carta termina con una contundente llamada a la acción: “Alcémonos. Nombramos la realidad. Atrevámonos colectivamente a mirarla con la precisión de nuestros corazones sensibles, para que ya no pueda ser silenciada ni encubierta. Rechacemos la propaganda que constantemente coloniza nuestra imaginación y nos hace perder el sentido de humanidad. Por Fatem, por todos aquellos que mueren en la indiferencia”.

Y, finalizan: “El cine tiene el deber de transmitir sus mensajes, de reflejar nuestras sociedades. Actuemos antes de que sea demasiado tarde”.

Carta completa

Fatma Hassona tenía 25 años. Era una fotoperiodista independiente palestina. Fue atacada por el ejército israelí el 16 de abril de 2025, al día siguiente de anunciarse que la película de Sepideh Farsi, “PUT YOUR SOUL ON YOUR HAND AND WALK”, en la que ella protagonizaba, había sido seleccionada en la sección ACID del Festival de Cine de Cannes.

Estaba a punto de casarse.

Diez de sus familiares, incluida su hermana embarazada, murieron en el mismo ataque israelí.

Desde las terribles masacres del 7 de octubre de 2023, ningún periodista extranjero ha sido autorizado a entrar en la Franja de Gaza. El ejército israelí ataca a la población civil. Más de 200 periodistas han sido asesinados deliberadamente. Escritores, cineastas y artistas están siendo brutalmente asesinados. A finales de marzo, el cineasta palestino Hamdan Ballal, ganador de un Óscar por su película NO OTHER LAND, codirigida por Yuval Abraham, Basel Adra y Rachel Szor, fue brutalmente atacado por colonos israelíes y posteriormente secuestrado por el ejército, antes de ser liberado gracias a la presión internacional. La falta de apoyo de la Academia de los Óscar a Hamdan Ballal provocó la indignación de sus propios miembros, quienes tuvieron que disculparse públicamente por su inacción.

Nos avergüenza tanta pasividad.

¿Por qué el cine, caldo de cultivo para obras socialmente comprometidas, parece tan indiferente ante el horror de la realidad y la opresión que sufren nuestros hermanos y hermanas?

Como artistas y actores culturales, no podemos permanecer en silencio mientras el genocidio está ocurriendo en Gaza y esta atroz noticia golpea duramente a nuestras comunidades.

¿De qué sirven nuestras profesiones si no es para aprender lecciones de la historia, para hacer películas comprometidas, si no estamos presentes para proteger las voces oprimidas?

¿Por qué este silencio?

La extrema derecha, el fascismo, el colonialismo, los movimientos antitrans y antiLGBTQIA+, sexistas, racistas, islamófobos y antisemitas libran su batalla en el campo de batalla de las ideas, atacando la industria editorial, el cine y las universidades, y por eso tenemos el deber de luchar.

No permitamos que nuestro arte sea cómplice de lo peor.

Alcémonos.

Nombramos la realidad.

Atrevámonos colectivamente a mirarla con la precisión de nuestros corazones sensibles, para que ya no pueda ser silenciada ni encubierta.

Rechacemos la propaganda que constantemente coloniza nuestra imaginación y nos hace perder el sentido de humanidad.

Por Fatem, por todos aquellos que mueren en la indiferencia.

El cine tiene el deber de transmitir sus mensajes, de reflejar nuestras sociedades.

Actuemos antes de que sea demasiado tarde.

Firmantes

Khalid Abdalla, Noée Abita, Hany Abu-Assad, Raphaëlle Agogué, Iyad Alasttal, Catia Albertazzi, Vlad Alexis, Taraneh Alidoosti, Waad Al-Kateab, Yasmine Al Massri, Pedro Almodóvar, Pedro Alonso, Cristèle Alves Meira, Serdar Akar, India Amarteifio, Gianni Amelio, Carmine Amoroso, Elisa Amoruso, Romain André, Roberto Andò, Geoff Arbourne, Francesca Archibugi, Swann Arlaud, Olivier Azam, Gökçe Bahadir, Jeanne Balibar, Baloji, Avital Barak, Carlos Bardem, Javier Bardem, Melissa Barrera, Belma Baş, Dominique Baumard, Xavier Beauvois, Saïd Ben Saïd, Leïla Bekhti, Luca Bellino, Suzy Bemba, Adila Bendimerad, Kaouther Ben Hania, Dali Benssalah, Fabrizio Bentivoglio, Simone Bitton, Konstantin Bojanov, Bertrand Bonello, Agathe Bonitzer, Amélie Bonnin, Bruno Bontzolakis, Lucie Borleteau, Sami Bouajila, Elodie Bouchez, Bastien Bouillon, Guillaume Brac, Rachida Brakni, Evelyne Brochu, Silvia Brunelli, Jean-Stéphane Bron, Celeste Brunnquell, Gianfranco Cabiddu, Esmeralda Calabria, Laure Calamy, Mimmo Calopresti, Mehmet Can Mertoğlu, Eric Cantona, Stefania Casini, Antonio Maria Castaldo, Marco Castaldi, Sergio Castellitto, Beniamino Catena, Ebru Nuri Ceylan, Nuri Bilge Ceylan, Lolita Chammah, Moïra Chappedelaine-Vautier, Amira Chebli, Nadim Cheikhrouha, Antoine Chevrollier, Simona Chiocca, Julie Christie, Hélier Cisterne, Isabel Coixet, Daniele Coluccini, Maddalena Crippa, David Cronenberg, Costa-Gavras, Saverio Costanzo, Paolo Costella, Pappi Corsicato, Brian Cox, Marcia Cross, Alfonso Cuarón, Liam Cunningham, Sinéad Cusack, Fatima Daas, Cherien Dabis, Béatrice Dalle, Charles Dance, Ciro D’Emilio, Arkin Mercan Dede, Mary Ellen Davis, Slimane Dazi, Yann Dedet, Matthieu de Laborde, Pierre Deladonchamps, Émilie Deleuze, Agnès de Sacy, Volfango De Biasi, Ciro De Caro, Maura Delpero, Maria De Medeiros, Giuliana De Sio, Maria Teresa De Vito, Sylvain Desclous, Lukas Dhont, Juan Diego Botto, Alice Diop, Javad Djavahery, Julie Delpy, Xavier Dolan, Dimitri Doré, Laetitia Dosch, Joana Dos Reis, Mike Downey, OBE., Sara Driver, Luana Duchemin, Sophie Dupuis, Pierre-Nicolas Durand, Hannah Einbinder, Sayyid El Alami, Ouidad Elma, Amir El-Masry, Mareike Engelhardt, Víctor Erice, Benedikt Erlingsson, Adèle Exarchopoulos, Roberto Faenza, Frédéric Farrucci, Sepideh Farsi, Nina Faure, Elda Ferri, Margherita Ferri, Isabella Ferrari, Lisa Festa, Ralph Fiennes, Sophie Fiennes, Milena Fiore, Mahdi Fleifel, Michele Fornasero, Marine Francen, Blanche Gardin, Lena Garrel, Carmen Garcia, Jean-Raymond Garcia, Nicole Garcia, Matteo Garrone, Alessandro Gassmann, Nadia Genet, Xavier Gens, Paolo Genovese, Aurélia Georges, Richard Gere, Denis Gheerbrant, Adriano Giannini, Alex Gibney, Raphaël Girardot, Jonathan Glazer, Judith Godrèche, Brice Gravelle, Emmanuel Gras, Zeno Graton, Marco Greco, José Luis Guerín, Diane Guerrero, Samir Guesmi, Vincent Guilbert, Alain Guiraudie, German Gutierrez, Naomi Foner Gyllenhaal, Grimur Hákonarson, Rebecca Hall, Arthur Harari, Misan Harriman, Lena Headey, Clotilde Hesme, Hafsia Herzi, Ted Hope, Vanessa Hope, Sandra Huller, Fiorella Infascelli, Mohamed Jabaly, Annemarie Jacir, Alma Jodorowsky, Óskar Jónasson, Elisabeth Jonniaux, Valdimar Jóhannsson, Rachel Leah Jones, Þorsteinn Jónsson, Gladys Joujou, Radu Jude, Ilker Kaleli, Asif Kapadia, Semih Kaplanoğlu, Mathieu Kassovitz, Aki Kaurismäki, Jacques Kébadian, Erwan Kepoa Falé, Yannick Kergoat, Sofian Khammes, Michel Khleifi, Shaka King, Héléna Klotz, Nicolas Klotz, Wilma Labate, Ariane Labed, Mourad Laffitte, Philippe Laïk, Yórgos Lánthimos, Alexis Langlois, Nadav Lapid, Luc Leclerc du Sablon, Erwan Le Duc, Radouan Leflahi, Mike Leigh, Blandine Lenoir, Philippe Lespinasse, Mica Levi, Luigi Lo Cascio, Elisabetta Lodoli, Florence Loiret-Caille, Stefano Lorenzi, Boris Lojkine, Fabiomassimo Lozzi, Daniele Lucchetti, Silvia Luzi, Filippo Macelloni, Guslagie Malanda, David Mambouch, Simone Manetti, Miriam Margolyes, Narimane Mari, Vincent Mariette, Félix Maritaud, Laïla Marrakchi, Lucrecia Martel, Mario Martone, Alessandra Masi, Patricia Mazuy, Simon McBurney, Mounia Meddour, Sylvestre Meinzer, Fernando Meirelles, Kleber Mendonça Filho, Nina Menkes, Stéphane Mercurio, Christian Carmosino Mereu, Frédéric Mermoud, Nina Meurisse, Valerio Mieli, Emmanuelle Millet, Davide Minnella, Avi Mograbi, Indya Moore, Mercedes Morán, Laura Morante, Gérard Mordillat, Viggo Mortensen, Anna Mouglalis, Gabriele Muccino, Peter Mullan, Lino Musella, Arab Nasser, Tarzan Nasser, Dalia Naous, Nadine Naous, Raphaël Neal, Enza Negroni, Susanna Nicchiarelli, Cynthia Nixon, Bruno Nuytten, Andrea Occhipinti, Michela Occhipinti, Joshua Oppenheimer, Luis Ortega, Ruben Östlund, Damien Ounouri, Ferzan Ozpetek, Rosa Palasciano, Hlynur Pálmason, Daphné Patakia, Paul Pascot, Raffaele Passerini, Guy Pearce, Elisabeth Perceval, Antonin Peretjatko, Nahuel Pérez Biscayart, Aurélia Petit, Ralitza Petrova, Just Philippot, Giuseppe Piccioni, Caroline Poggi, Laura Poitras, Claire Pommet (Pomme), Franssou Prenant, Frédérique Pressmann, Vimala Pons, Marco Simon Puccioni, Katell Quillévéré, Olivier Rabourdin, Michèle Ray-Gavras, Annick Redolfi, Christophe Régin, Jérémie Renier, Yannick Renier, Rémy Ricordeau, Michele Riondino, Yannick Rosset, Cecilia Roth, Mark Ruffalo, Rúnar Rúnarsson, Ira Sachs, Zaho de Sagazan, Ludivine Sagnier, Céline Sallette, Claudio Santamaria, Susan Sarandon, Stefano Sardo, Stefania Sandrelli, Aloïse Sauvage, Angela Schanelec, Pierre Schoeller, Niels Schneider, Vassili Schneider, Alessandro Scippa, Amanda Seales, Tracey Seaward, Sarah Seené, Guillaume Senez, Léonor Serraille, Alia Shawkat, Mélanie Simon-Franza, Eyal Sivan, Giancarlo Soldi, Paolo Sorrentino, Massimo Spano, Morgan Spector, Laetitia Spigarelli, Italo Spinelli, Juliette Smadja, Robyn Slovo, Roger Stahl, Teona Strugar Mitevska, Laurent Sylvestre, Gianluca Maria Tavarelli, Natacha Thiéry, Jean-Pierre Thorn, Ásdís Thoroddsen, Léa Todorov, Maria Sole Tognazzi, Melita Toscan du Plantier, Claire Touzard, Justine Triet, Alessandro Trigona, Jasmine Trinca, Carice van Houten, Pamela Varela, Giuseppe Varlotta, Indira Varma, Anjana Vasan, Sophie Verbeeck, Giovanni Veronesi, Paolo Virzì, Cat Villiers, Jonathan Vinel, Harriet Walter, James Wilson, Lambert Wilson, Alex Winter, Benedict Wong, Jessica Woodworth, Arieh Worthalter, Maud Wyler, Mohanad Yaqubi, L. Rezan Yeşilbaş, Sofiane Zermani, Andrea Zuliani.

NB

Donald Trump anunció este domingo un arancel del 100% sobre todas las películas producidas en el extranjero. “La industria cinematográfica estadounidense está muriendo rápidamente”, aseguró el presidente de EEUU en un comunicado compartido en Truth Social, justificando su decisión.

“Otros países ofrecen todo tipo de incentivos para alejar a nuestros cineastas y estudios de Hollywood de EEUU, mientras que muchas zonas del país están siendo devastadas”, continuó. En su escrito asegura que eso se debe a “un esfuerzo conjunto” de otras naciones y que, por lo tanto, se convirtieron en una “amenaza para la seguridad nacional”, además de “mensaje y propaganda”.

En cuanto a los tiempos de aplicación de la nueva norma, Trump explicó que el Departamento de Comercio y la Oficina del Representante Comercial de EEUU, lideradas por Howard Lutnick y Jamieson Greer, están ya autorizados para comenzar “de inmediato” el proceso de instaurar este arancel del 100% sobre todas las obras cinematográficas que ingresen en su país y que hayan sido producidas afuera.

El propio Howard Lutnick lo confirmó desde su cuenta de X. “Estamos en eso”, escribió sobre el texto que el presidente concluyó con un último mensaje: “¡Queremos cine hecho en EEUU, otra vez!”.

Que el estado de salud de Val Kilmer era precario era vox populi desde que en 2017, a través de la película documental VAL, confesara que desde 2014 padecía un cáncer de garganta que le envejeció prematuramente y le dejó secuelas físicas, especialmente en la voz debido a la traqueotomía que le fue practicada.

A pesar de ello, una vez vencido el cáncer, participo en el remake del clásico de los 80 Top Gun, que protagonizara junto a Tom Cruise, bautizado como Top Gun Maverick, donde ambos actores se reencontraron. Pero tras esa experiencia, que dejaba claro su deterioro, su salud no se recuperó y Val Kilmer, uno de los hombres más atractivos de Hollywood en los 80 y los 90, falleció la madrugada del lunes a causa de una neumonía, según ha comunicado su hija, Mercedes Kilmer, al New York Times. 

Hay cinco papeles en especial que definieron la carrera de Kilmer y dejaron claro no solo que la cámara amaba su belleza sino también su talento para encarnar los personajes más variados, desde el aviador bello y descerebrado a un cómico cantante de cabaret; desde una estrella de rock atormentada al alter ego del superhéroe Batman o bien a un guerrero medieval en una película de fantasía.

Nick Rivers en 'Top Secret!'

En esta comedia de espías, firmada en 1984 por el trío ZAZ (David Zucker, Jim Abrahams y Jerry Zucker), situada en la Alemania dividida de posguerra, Kilmer demostró su capacidad de comediante interpretando a Nick Rivers, un cantante de variedades que actúa en un cabaré de Berlín mientras desconoce que está involucrado en un complot de la República Democratica Alemana que tiene como objetivo la reunificación de las dos Alemanias bajo el comunismo.

Fue acaso la primera cinta que le dio a conocer en el cine y le permitió dar el salto desde el teatro. Abrahams acudió a Broadway a ver la obra teatral Slab Boys con Kilmer, Sean Penn y Kevin Bacon y le propuso una prueba para el papel. Al parecer triunfó en la prueba al presentarse vestido como Elvis Presley.

Iceman en 'Top Gun'

Dos años más tarde llegaría el éxito de masas con Top Gun, la cinta que le convirtió, junto a Tom Cruise, en una estrella global y también alternativa al agraciado y formal Tom. Mientras Cruise era el yerno que toda suegra desea, Kilmer venía a ser el hijo rebelde y contestatario de esa misma suegra.

La película se trataba de aviadores militares tan bellos como valientes y magnéticos en sus arriesgadas misiones en una escuela de vuelo. Kilmer interpretaba a Tom “Iceman” Kazansky, considerado el mejor piloto de su promoción. El principal morbo de la película eran los cruces entre Cruise (Maverick) y Kilmer, y por supuesto terminaba con los dos guapos reconciliados.

Una película sin más pretensiones que exhibir el choque entre las que serían dos de las grandes estrellas de la siguiente década. Al parecer también hubo cortoricuitos tras las cámaras, pues en una de las tomas de making off se puede ver a Kilmer declarando: “Más vino, más sexo, más drogas… y menos Tom Cruise”.

Madmartigan en 'Willow'

Willow es una película británico-estadounidense de alta fantasía estrenada en 1988 y dirigida por Ron Howard y producida por George Lucas, lo que supuso una gran apuesta en aquellos días. Kilmer interpreta a Madmartigan, un sólido guerrero y hábil espadachín que cuida y protege a la heroína de la historia. Se trata de una cinta para lucimiento de la lozanía y los músculos de Kilmer, pero que apuntaló su fama de ícono juvenil. La historia fue relanzada como serie por Disney en 2022, pero ya era tarde para Kilmer, muy dañado por el cáncer, y no apareció finalmente en ella.

Jim Morrison en 'The Doors'

Si Top Gun hizo de Val Kilmer un icono adolescente en los 80, en los 90 conquistó los corazones de los veinteañeros y veinteañeras más alternativos con su papel en The Doors, el biopic firmado en 1991 por Oliver Stone sobre la vida del cantante y poeta psicodélico Jim Morrison, cuerpo y alma de la banda californiana The Doors, un grupo oscuro en el que las crípticas composiciones de Morrison se acompañaban de la pericia de excelentes músicos como Ray Manzarek, John Densmore o Robby Krieger.

La banda tuvo una gran notoriedad a finales de los 60 e inicios de los 70 y Morrison devino una gran estrella. Pero el éxito, las drogas y el alcohol pudieron con él y terminó muriendo en una bañera de París en 1971 en extrañas circunstancias, no descartándose el suicidio. La muerte de su cantante llevo el grupo al olvido del gran público, aunque se convirtió en una banda de culto. Hasta que llegó la cinta de Stone.

Gran parte de la responsabilidad de su éxito se debió a la magnética interpretación de Kilmer, al que el papel le iba al pelo, pues también él andaba metido en una suerte de espiral hacia la autodestrucción. Lo convirtió en un mito generacional a pesar de que la película en sí era endeble y adolecía de un cierto sesgo simplificador de la figura de Morrison, sin entrar a fondo en su complejidad psicológica e intelectual.

Bruce Wayne en 'Batman Forever'

Ahora que el cine de superhéroes está tan de moda, conviene recordar que fue Joel Schumacher quien en 1995 tomó el relevo a Tim Burton en la recuperación de este oscuro personaje, un poco alternativo al luminoso Superman. La cinta contó de todos modos con la producción de Burton y para el papel protagonista de Bruce Wayne/Batman se escogió a Val Kilmer.

Otros actores que le dieron cuerpo al proyecto fueron Tommy Lee Jones, Jim Carrey y Nicole Kidman. Para Kilmer fue tal vez el último proyecto en el que tuvo un papel protagonista de entidad. Tal como revelara en el documental VAL, su carácter díscolo e indisciplinado y el abuso del alcohol y ciertas drogas le convirtieron en un compañero de rodaje incómodo. Poco a poco fue cayendo en películas de menor presupuesto o bien en personajes secundarios que diluyeron su fama.

Esta es la lista completa de nominaciones a los Premios Oscar 2025 de la Academia de Hollywood. Emilia Pérez ha acapatado 13 nominaciones, seguida de 'The brutalist' y 'Wicked' con 10. La sorpresa la da la brasileña 'I'm still here', que opta a Mejor película, Mejor película internacional y Mejor actriz protagonista.

Nominaciones a los Oscars 2025: listado completo

Mejor película

Mejor actor protagonista

Mejor actriz protagonista

Mejor dirección

Mejor actor secundario

Mejor película internacional

Mejor película de animación

Mejor película documental

Mejor montaje

Mejor dirección de fotografía

Mejor música

Mejor guion adaptado

Mejor guion

Mejor actriz secundaria

Mejor maquillaje y peluquería

Mejor canción original

Mejor diseño de vestuario

Mejor sonido

Mejor diseño de producción

Mejor efectos visuales

Mejor corto de animación

Mejor corto de ficción

Mejor corto documental

El cine y la música fueron siempre de la mano: una banda sonora puede potenciar la emoción de una escena, formar parte de la identidad de una película e incluso convertirse en un fenómeno cultural por derecho propio. No es casualidad que muchas de las películas más icónicas de la historia sean recordadas no solo por sus fotogramas, sino también por sus canciones.

Para celebrar los Oscar 2025, preparamos una lista de reproducción que reúne las canciones más destacadas de las películas que compiten por el codiciado galardón. Desde composiciones originales hasta temas que cobraron nueva vida al aparecer en las cintas, este recorrido musical celebra el papel de la música en el cine y da lugar a una playlist imprescindible de cara al próximo domingo.

‘Anora’

Greatest Day de Take That con Calum Scott. La canción que abre la película de Sean Baker fue el gran himno de la temporada de premios. Lo hizo, en parte, gracias al éxito de Anora, que se postula como la gran favorita para llevarse el Oscar. El tema, en el que participa Robin Schulz, también suena en una de las escenas más brillantes del filme. Asimismo, fue interpretado en la ceremonia de los premios Bafta, en la que Gary Barlow, Howard Donald y Mark Owen actuaron en nombre del grupo.

All The Things She Said de t.A.T.u.. En una película con temática rusa no podía faltar tampoco el dueto ruso compuesto por Lena Katina y Yulia Vólkova. La canción, publicada en 2006 y que llegó a ser un éxito en todo el mundo, pretendió reivindicar las relaciones lésbicas y gira en torno al empoderamiento femenino. Aparece en una de las escenas del largometraje.

‘Emilia Pérez’

El Mal de Zoe Saldaña con Karla Sofía Gascón. Una de las escenas más deslumbrantes del sobresaliente musical que se hizo con el Globo de Oro es aquella en la que Zoe Saldaña y Karla Sofía Gascón hacen una crítica social delante de las personas que se hacen con el mando. La canción lleva a Saldaña a rapear y pone la guinda del pastel a su excelente interpretación. “Esta gente habla, pero ahora lo van a pagar, a pagar, a pagar”, canta la actriz, que compite también en la categoría de Mejor Canción Original en los Oscar.

Mi Camino de Selena Gomez. Tras su epé Revelación publicado en 2021, Selena Gomez se atreve de nuevo a cantar en español en Emilia Pérez. El tema, aunque no es un hit, tampoco necesita serlo para adjudicarse uno de los mejores momentos de la película de Jacques Audiard. Selena Gomez se suma a la diversión e ironía que desborda el filme durante sus más de dos horas de duración y se lo pasa de maravilla queriéndose “así, toda”: “Cuando salgo mucho de fiesta, cuando me porto como una perra”.

‘Un completo desconocido’

The Times They Are A-Changin' de Timothée Chalamet. En la biopic de Bob Dylan no podían faltar algunas de las canciones más icónicas y reconocidas del célebre artista. Chalamet va con todo y sorprende con su interpretación de The Times They Are A-Changin', tema que Dylan lanzó en 1964 con el propósito de que supusiera un himno de cambio para aquella época. Ahora, la película de James Mangold lo rescata y vuelve a darle la importancia que merece.

It Ain't Me Babe de Bob Dylan. En el retrato de la vida de Bob Dylan no puede faltar el que es otro de los mayores éxitos de su carrera. Lanzada al mercado en 1964, la canción del compositor perteneciente a su disco Another Side of Bob Dylan, se trata de un tema que se aleja de los temas sociopolíticos que había enarbolado con orgullo el compositor y se adentra íntegramente en el amor, enfocándose así en un nuevo estilo y temática.

‘Wicked’

Popular de Ariana Grande. Mucho sabe Ariana Grande sobre popularidad, por lo que escucharla cantar sobre ella en Wicked es posiblemente uno de los guiños más simbólicos para sus seguidores. La canción, no obstante, lleva siendo popular mucho tiempo: escrita por el compositor Stephen Schwartz, formó parte del primer acto del musical de 2003. La voz de Ariana Grande ensalza el tema, que es uno de los más exitosos en plataformas de streaming de la película de Jon M. Chu.

Defying Gravity de Cynthia Erivo con Ariana Grande. El tema más importante del musical de Broadway reunió a Idina Menzel y Kristin Chenoweth en su banda sonora de 2003. Ahora, las voces son sustituidas por Cynthia Erivo y Ariana Grande para volver a hacerle justicia a la canción principal de la historia. Se encuentra también compuesta por Stephen Schwartz y es la pista que más triunfó desde el estreno de la película, aunque su éxito estaba garantizado.

‘Aún estoy aquí’

Azul Da Cor Do Mar de Tim Maia. El filme de Walter Salles no solo fue aclamado por la crítica desde su estreno y expuso las memorias de Marcelo Rubens Paiva, también ayudó a dar a conocer la cultura brasileña en el resto del mundo. Una de las canciones que se escuchan en la película es Azul Da Cor Do Mar, tema de Tim Maia que es famosísimo en Brasil y que, sin embargo, apenas es conocido internacionalmente. Maia canta a ese “sueño azul como el color del mar” en su canción publicada en 1970.

Petit pays de Cesária Evora. La cantante caboverdiana canta sobre la inserción de un pequeño país insular en un mundo globalizado en Petit pays, tema que destaca en Aún estoy aquí y se convierte en uno de los momentos musicales más emocionantes. La canción se lanzó en 1995 y reivindica la importancia de la afirmación cultural para combatir el peligro de la globalización.

‘La sustancia’

Pump It Up de Endor. Si fuiste al cine a ver el fenómeno de terror más destacado del año, probablemente todavía ronde por tu cabeza el pegadizo “you got to pump it up” que baila Margaret Qualley en una de las escenas más impactantes de la película. La canción fue publicada en 2019 por el productor británico Endor y vivió un resurgimiento gracias a su aparición en el filme.

At Last de Etta James. La banda sonora de la película de Coralie Fargeat mezcla pistas originales compuestas por Raffertie con grandes éxitos. Entre esos grandes éxitos que aparecen en la cinta está At Last de la ya legendaria Etta James. La balada, escrita originalmente en 1941 por Mack Gordon y Harry Warren e interpretada por Glenn Miller, fue llevada al éxito cuando Etta James la grabó en 1960.

‘Robot Salvaje’

Kiss the Sky de Maren Morris. La joven estrella del country optará al Oscar a la Mejor Canción Original por su participación en la película animada Robot Salvaje. “¿Qué pasa si mirás a tus miedos directamente a los ojos?”, canta la artista en el épico y adictivo tema principal de la película. La canción suena en la escena más importante de la película de Chris Sanders y pone máxima emoción e intensidad al momento clave al que se tiene que enfrentar el protagonista.

‘Sing Sing’

Like a Bird de Adrian Quesada y Abraham Alexander. Tras ver los tres primeros minutos del filme de Greg Kwedar, a Adrián Quesada le gustaron tanto que se dispuso a crear una canción para la banda sonora. El resultado es ahora la pista principal de Sing Sing, en la que el artista canta “como un pájaro” y continúa la temática de la película, reivindicando las segundas oportunidades y que nadie debe estar encarcelado injustamente. La canción fue incluso interpretada en el programa de televisión de Jimmy Kimmel.

‘Nickel Boys’

Young Girl de Frank Lynch. La aparición de esta canción en la película de RaMell Ross no puede ser casualidad. Lo hace de forma indirecta, sonando de fondo en la radio durante una escena, pero esconde un significado mayor: este fue el único single que Frank Lynch publicó con vida, ya que fue asesinado en 1970 por un policía, truncando abruptamente su prometedora carrera. El tema combina el pop y el soul, apuntando a ser todo un éxito antes del asesinato de Lynch.

‘The Apprentice. La historia de Trump’

Ghost Rider de Suicide. Es bastante probable que Donald Trump bailando Ghost Rider fuera alguna de las cosas que no estaban en la lista de las cosas que la gente esperaba ver el año pasado, pero el drama biográfico que dirige Ali Abbasi lo hace posible. Supone una de las mejores escenas de la película. La canción fue publicada por la banda de punk electrónico a finales de 1977 y es un clásico que siempre suena actual.

Yes Sir, I Can Boogie de Baccara. Los seguidores de Baccara están de suerte, pues en The Apprentice también hay momentos para escuchar al dueto español formado por Mayte Mateos y la recientemente fallecida María Mendiola. Un gran éxito de la música disco, publicado en 1977, que nunca ha dejado de sonar en las fiestas.

‘Better Man’

Forbidden Road de Robbie Williams. El icónico cantante Robbie Williams se convierte en un mono en la biopic de su vida que dirige Michael Gracey. El artista aprovechó el estreno de la película para lanzar su nuevo single, titulado Forbidden Road, que lo llevó a promocionar la cinta interpretándolo en televisión. El tema está nominado a Mejor Canción Original en los Oscar.

‘A Different Man’

I Owe It To the Girls de Teddy And The Frat Girls. La película de Aaron Schimberg protagonizada por Adam Pearson, el actor con desfiguración facial que desafía las reglas de Hollywood, resucita el tema de 1984 de Teddy And The Frat Girls, un grupo femenino de punk y no wave. La canción apenas puede encontrarse en plataformas digitales y su aparición en la película es toda una sorpresa nostálgica para los fans de la banda.

I Can't Hardly Stand It de The Cramps. La escena del filme ambientada en un bar también hace que se escuche de fondo uno de los temas más aclamados de The Cramps, I Can't Hardly Stand It. Es un cover de la canción originalmente cantada por el cantante de country y rock Charlie Feathers, que la película rescata y la hace parte de su banda sonora.

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La cuenta regresiva llega a su etapa final. El domingo 2 de marzo se realizará una nueva entrega de los Premios Oscar, una de las distinciones más importantes para el cine mundial. Como cada año, la ceremonia tendrá lugar en Los Ángeles, Estados Unidos, y el público de Latinoamérica podrá seguir la transmisión en vivo por televisión y por streaming.

“La 97ª entrega de los Oscars, el evento más prestigioso del cine, se transmitirá en vivo por TNT y Max en Latinoamérica el 2 de marzo a las 9:00 PM”, informaron en un comunicado las señales que ofrecerán la emisión.

“La transmisión comenzará con el pre-show especial desde la alfombra roja, Punto de encuentro, a partir de las 8:00 PM con la conducción de Lety Sahagún y Axel Kuschevatzky. La ceremonia contará con los comentarios de Ileana Rodríguez y Rafa Sarmiento, con traducción en vivo de Flor Coianis y Carlos Arroyo”, agregaron.

Como sucede anualmente, la entrega de los premios, uno de los más importantes de Hollywood, tendrá lugar en el Dolby Theatre de la ciudad de Los Ángeles. Allí se reunirán las figuras más destacadas del cine internacional. 

En esta oportunidad, la ceremonia será conducida por el presentador de televisión, productor y comediante Conan O'Brien, quien debutará como anfitrión del Oscar.

“Entre los presentadores confirmados para la ceremonia se encuentran Halle Berry, Penélope Cruz, Robert Downey Jr., Elle Fanning, Whoopi Goldberg, Scarlett Johansson, John Lithgow, Cillian Murphy, Amy Poehler, Da’Vine Joy Randolph, June Squibb, Emma Stone, and Bowen Yang”, adelantó la plataforma Max, que transmitirá la previa y también la premiación completa para Latinoamérica.

Desde 1929, la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de los Estados Unidos lleva adelante esta ceremonia para reconocer a artistas, directores, técnicos y distintos representantes de la industria cinematográfica mundial.

“Tras la transmisión en vivo, la audiencia podrá revivir los mejores momentos de la gala en Max, donde la ceremonia estará disponible durante tres días”, detallaron desde Max.

AL/JJD

Comenzó la cuenta regresiva para la nueva entrega de los Premios Oscar, que tendrá lugar el domingo 2 de marzo en Hollywood, y más allá de que varias de las películas en competencia todavía se encuentran en cartel en algunos cines argentinos, hay muchas candidatas que ya se pueden ver en distintas plataformas en formato hogareño.

A continuación, un repaso por once producciones nominadas al galardón más importante de la industria audiovisual, entre largos y cortometrajes, disponibles para ver por streaming desde Argentina.

1. La sustancia. Con seis nominaciones, que incluyen las categorías Mejor película, Guión, Dirección, Vestuario, Maquillaje y peinado y Actriz, esta película tiene como protagonistas a una destacadísima Demi Moore, a Margaret Qualley y Dennis Quaid.

Dirigida y escrita por Coralie Fargeat, el largometraje tiene en el centro a una celebridad un poco en decadencia que al cumplir 50 años recibe una noticia laboral que la descoloca. Con elementos del cine de terror, la historia cuenta cómo esta mujer empezará a consumir un producto del mercado negro en formato de suero que creará una versión más joven de sí misma. Pero claro, eso que parece una solución mágica, traerá más de una consecuencia inesperada. Luego de circular internacionalmente con éxito, la película se encuentra disponible en la plataforma Mubi.

La película La sustancia está disponible en Mubi.

2. Intensamente 2. Después de un exitoso paso por las salas de cine de todo el mundo, este largometraje de Pixar, que compite en el rubro Mejor película de animación, se puede ver en Disney+.

La historia vuelve a meterse en la mente de Riley. Pero hora la protagonista es una adolescente que empieza a notar algunos cambios emocionales. De esta manera, a las viejas y conocidas Alegría, Tristeza, Furia, Temor y Desagrado se le sumarán otras, como Ansiedad, Envidia, Ennui y Vergüenza.

La película Intensamente 2 está disponible en Disney+.

3. La chica de la aguja. Dirigida por Magnus von Horn y en competencia en la categoría Largometraje Internacional, esta película está ambientada en 1919 y tiene como protagonista a Vic Carmen Sonne. El largometraje cuenta la historia de una joven que comienza a trabajar como cuidadora en una misteriosa agencia de adopción para madres necesitadas, pero que comienza a tener sospechas de la mujer que dirige la organización. 

Basada aunque con algunas libertades en una historia real que tuvo lugar en Dinamarca, la película se estrenó en 2024 en el Festival de Cine de Cannes, donde cosechó elogios de la prensa especializada. En la actualidad, está disponible en la plataforma Mubi.

La película La chica de la aguja está disponible en Mubi.

4. Duna: Parte 2. Con tres nominaciones (Mejor película, Diseño de producción y Fotografía), este largometraje es la segunda entrega de la saga épica de ciencia ficción que comenzó en 2021, con la primera película. Dirigida por Denis Villeneuve, es la segunda parte de la adaptación de la novela homónima de 1965 de Frank Herbert.

Disponible en la plataforma Max, cuenta con un elenco repleto de grandes estrellas del cine internacional como Timothée Chalamet, Zendaya, Rebecca Ferguson, Christopher Walken, Josh Brolin, Austin Butler, Florence Pugh, Léa Seydoux, Souheila Yacoub, Stellan Skarsgård, Charlotte Rampling, Javier Bardem y Anya Taylor-Joy.

La película Duna: Parte 2 está disponible en Max.

5. Wallace & Gromit. La venganza se sirve con plumas. Clásico británico del cine de animación en stop motion, esta película es una nueva y muy graciosa entrega de la saga, producida por Aardman Animations y dirigida por Nick Park y Merlin Crossingham. Ganadora recientemente en los premios BAFTA, considerados por los expertos como la antesala del Oscar, y candidata en el rubro Película de animación, está disponible en Netflix.

Según la sinopsis oficial, “Gromit está preocupado por el hecho de que Wallace se haya vuelto demasiado dependiente de sus inventos, lo que resulta justificado cuando Wallace inventa un ‘gnomo inteligente’ que parece desarrollar una mente propia. A medida que los acontecimientos se descontrolan, Gromit tiene que dejar de lado sus reparos y luchar contra fuerzas siniestras... o Wallace no podrá volver a inventar nunca más”.

La película Wallace & Gromit. La venganza se sirve con plumas está disponible en Netflix.

6. Sugarcane. Producido por National Geographic y disponible en Disney+, este impactante largometraje compite en la categoría Mejor documental.

A lo largo de sus 107 minutos, propone una investigación alrededor de la segregación en las iglesias católicas y los numerosos casos de abusos y desapariciones de niños aborígenes cometidos por sacerdotes en internados de Canadá. Estos delitos desencadenan una encendida búsqueda de justicia de parte de familiares de víctimas.

El documental Sugarcane está disponible en Disney+.

7. La única mujer de la orquesta. Otra producción estadounidense que compite en el rubro Corto documental. Este mediometraje dirigido por Molly O'Brien, sobrina de la protagonista, rinde homenaje a Orin O'Brien, una contrabajista pionera y la primera mujer que la Filarmónica de Nueva York contrató en su orquesta. 

Con 87 años y recientemente jubilada, la mujer reflexiona ante las cámaras sobre su destacada carrera. De 35 minutos de duración, está disponible en Netflix.

La única mujer de la orquesta está disponible en Netflix.

8. Incident. Nominado en la categoría que distingue a los cortometrajes documentales, esta producción, que se puede ver subtitulada en el canal de YouTube de la revista estadounidense The New Yorker, cuenta una historia escalofriante que tuvo lugar en la ciudad de Chicago, en 2018.

“Un hombre es asesinado por la policía en la calle. A través de un montaje compuesto de imágenes procedentes de grabaciones de vigilancia y seguridad, así como de las cámaras corporales de la policía, Incident recrea el suceso y sus consecuencias, presentando vanas justificaciones, altercados e intentos de eludir la culpa. Bill Morrison ofrece una exhaustiva investigación política en busca de la verdad”, señala la sinopsis oficial de este corto, de 30 minutos de duración.

El cortometraje documental Incident está disponible en YouTube.

9. Elton John: Never Too Late. Con el tema del título, nominado en la categoría que premia a la mejor canción original, este documental llegó a la plataforma Disney+ en diciembre y tiene como protagonista al músico Elton John.

“Elton John: Never Too Late acompaña a Elton John en sus reflexiones sobre su vida y los impresionantes primeros tiempos de sus 50 años de carrera, en un viaje de gran carga emocional, íntimo e inspirador que cierra un ciclo. Mientras se prepara para su último concierto en América del Norte en el Dodger Stadium, Elton nos hace viajar al pasado para recordar los extraordinarios buenos momentos y los desgarradores malos trances de sus primeros años y de cómo superó la adversidad, el abuso y la adicción para convertirse en el ícono que es hoy”, informó la plataforma sobre la película.

La película documental Elton John: Never Too Late está disponible en Disney+.

10. Instruments of a Beating Heart. Esta sensible producción de origen japonés, de 23 minutos de duración, compite en la categoría que distingue al mejor corto documental.

“A los alumnos de primer año de una escuela primaria pública de Tokio se les presenta un reto para el último semestre: interpretar el ‘Himno a la Alegría’ en la ceremonia de ingreso de los nuevos alumnos de primer curso. Ayame, quien a menudo tiene dificultades para seguir el ritmo del grupo, está decidida a tocar un papel importante: el gran tambor”, señala la sinopsis oficial de Instrument of a Beating Heart, que está disponible para ver gratis en el canal de YouTube del diario The New York Times con dirección de Ema Ryan Yamazaki.

El corto documental Instruments of a Beating Heart está disponible en YouTube.

11. I Am Ready, Warden. Producida y dirigida por Smriti Mundhra, esta producción nominada en el rubro Mejor corto documental cuenta los últimos días antes de la ejecución de un hombre llamado John Henry Ramírez, quien permanece preso y condenado a muerte en una prisión de Texas. Después de su estreno mundial en el Big Sky Documentary Film Festival en febrero de 2024, el mediometraje está disponible en la plataforma Paramount+.

El documental I Am Ready, Warden está disponible en Paramount+.

AL/JJD

La Academia de Cines y Artes Audiovisuales de Hollywood dio a conocer las nominaciones para los Premios Oscar 2025 a lo mejor del cine del último año.

Emilia Pérez obtuvo 13 nominaciones y con ese número marcó un récord para una ficción de habla no inglesa en la historia de la Academia.

La transmisión online fue conducida por Bowen Yang y Rachel Sennott, una ceremonia que la industria cinematográfica tuvo que posponer dos veces la fecha debido a los devastadores incendios que azotaron Los Ángeles.

De acuerdo a cifras que dio a conocer The Hollywood Reporter, el 60% de los miembros de la Academia vive en Los Ángeles o alrededores, por lo que de una u otra manera fueron afectados por el fuego.

La ceremonia de los Oscar será el domingo 2 de marzo, siempre y cuando no haya ningún cambio de último momento por la situación. El conductor será por primera vez Conan O’Brien.

Se sospecha que toda la gala de ese día estará teñida por dos cuestiones que cobraron relevancia en las últimas dos semanas: la reciente asunción de Donald Trump como presidente de los Estados Unidos y los severos daños que provocaron los incendios en California.

Todas las nominaciones a los Premios Oscar 2025

Mejor película

Anora.

The Brutalist.

Un completo desconocido.

Cónclave.

Dune: parte 2.

Emilia Pérez.

I’m still here.

Nickel Boys.

La sustancia.

Wicked.

Mejor actor de reparto

Yura Borisov, Anora.

Kieran Culkin, Un dolor real.

Jeremy Strong, El aprendiz.

Edward Norton, Un completo desconocido.

Guy Pearce, The Brutalist.

Mejor guion original

Anora.

The Brutalist.

Un dolor real.

La sustancia.

September 5.

Mejor guion adaptado

Emilia Pérez.

Un completo desconocido.

Cónclave.

Sing Sing.

Nickel boys.

Mejor actriz de reparto

Ariana Grande, Wicked.

Felicity Jones, The Brutalist.

Monica Barbaro, Un completo desconocido.

Isabella Rossellini, Cónclave.

Zoe Saldaña, Emilia Pérez.

Mejor documental

Black box diaries.

No Other Land.

Porcelain War.

Soundtrack to a Coup d’Etat.

Sugarcane.

Mejor película animada

Robot salvaje.

Flow.

Intensa-Mente 2.

Memoir of a Snail.

Wallace y Gromit: La venganza se sirve con plumas.

Mejor diseño de producción

The Brutalist.

Cónclave.

Dune: Parte 2.

Nosferatu.

Wicked.

Mejor actor

Adrien Brody, The Brutalist.

Timothée Chalamet, Un completo desconocido.

Sebastian Stan, El aprendiz.

Colman Domingo, Sing Sing.

Ralph Fiennes, Cónclave.

Mejor actriz

Demi Moore, La sustancia.

Karla Sofía Gascón, Emilia Pérez.

Cynthia Erivo, Wicked.

Mikey Madison, Anora.

Fernanda Torres, I’m Still Here.

Mejor director

Jacques Audiard, Emilia Pérez.

Sean Baker, Anora.

Brady Corbet, The Brutalist.

James Mangold, Un completo desconocido.

Coralie Fargeat, La sustancia.

Mejor fotografía

The Brutalist.

Dune: parte 2.

Emilia Pérez.

María.

Nosferatu.

Mejores efectos visuales

Alien: Romulus.

El planeta de los simios: Nuevo reino.

Better Man.

Duna: parte 2.

Wicked.

Mejor sonido

Un completo desconocido.

Duna: parte 2.

Emilia Pérez.

Robot salvaje.

Wicked.

Mejor película internacional

Emilia Pérez.

Flow.

I’m Still Here.

The girl with The Needle.

The seed of The Sacred Fig.

Mejor corto documental

Death by Numbers.

I Am Ready, Warden.

Incident.

The Only Girl in The Orchestra.

Instruments of a Beating Heart.

Mejor canción original

“Never Too Late”, en Elton John: Never Too Late.

“El Mal”, en Emilia Pérez.

“Mi camino”, en Emilia Pérez.

“Like a Bird”, en Sing Sing.

“The Journey”, en The Six Triple Eight.

Mejor vestuario

Emilia Pérez.

A Different Man.

La sustancia.

Nosferatu.

Wicked.

Mejor montaje

The Brutalist.

Anora.

Cónclave.

Emilia Pérez.

Wicked.

Mejor maquillaje y peinados

A Different Man.

Emilia Pérez.

Nosferatu.

La sustancia.

Wicked.

Mejor corto animado

Beautiful Men.

In the Shadow of the Cypress.

Magic Candies.

Wander to Wonder.

Yuck!

Mejor corto de ficción

A Lien.

Anuja.

I’m Not a Robot.

The Last Ranger.

The Man Who Could Not Remain Silent.

Mejor banda sonora original

The Brutalist.

Cónclave.

Emilia Pérez.

Wicked.

Robot salvaje.

NB

Contarse para entenderse. Narrarse para inventarse, reconciliarse y explicarse. Sentarse frente a una cámara para confesarse, compartirse y reconocerse. Este es el ejercicio que hace Leonard Fife, un director de cine que, enfermo terminal, decide conceder una última entrevista a dos de sus alumnos. Con una condición: que su pareja esté presente. El resultado es una especie de ejercicio de redención, una confesión bajo los focos, un repaso a su vida en el que la memoria y la ficción se entremezclan en un relato confuso, complejo, obtuso. Richard Gere es el encargado de interpretar a este cineasta arrepentido en la película de Paul Schrader Oh, Canada, que acaba de llegar a las salas tras ser presentada en el último Festival de Cannes.

“Los documentales son interesantes porque la gente piensa en ellos como algo real, como si siempre te dieran una versión de la realidad. Y es una cámara, un montaje”, explica a elDiario.es el actor, que reconoce a su vez: “Vivo en un documental de mi vida todo el tiempo”. El intérprete reflexiona así sobre su carrera y biografía, que se combinan como le ocurre al personaje que interpreta en el drama. Richard Gere arrancó pronto su trayectoria como intérprete, aunque sin grandes expectativas. “Pensé en retirarme con 25 años, nunca pensé que esto sería para toda la vida”, reconoce. Pero continuó y, a sus 75 años, acumula a sus espaldas una filmografía engrosada con títulos como American Gigolo, Pretty Woman, Rey David, Chicago y El fraude.

Eso sí, revela que las películas que más le gusta rodar son las independientes, “sobre ideas que cuestionan la realidad”. “Y porque se ruedan muy rápido, casi no hay tiempo”, describe. “Mantengo el entusiasmo infantil al rodar”, comparte el actor. En su caso, a diferencia del personaje que encarna en Oh, Canada, ha reflexionado y tomado consciencia sobre lo que haber pasado tanto tiempo delante de las cámaras le ha provocado. “Te enseña a centrarte. Hay un momento en el que un pensamiento se disuelve y antes de que entre el otro, hay un pequeño agujero. Y en ese agujero, hay algo que puedes atravesar para llegar a otra posibilidad del yo, que es más inclusiva”, considera.

“Como una medicación, nos hace centrarnos en el ahora. Es curioso, porque en el momento en el que dices ¡acción! hasta ¡corten!, somos conscientes de nosotros mismos, nuestros pensamientos, de tratar conseguir lo que estamos explorando”, reflexiona sobre el trasfondo del filme. “Leonard no puede con toda su verdad sin la cámara, o su versión de la verdad. Sin ella se siente un mentiroso absoluto”, describe. Y plantea, como le ocurre a su alter ego en el largometraje: “Soy simplemente un personaje de ficción, no soy nada más. Y por extensión, ¿lo somos todos? ¿Somos una proyección de una idea del yo? ¿Somos una ficción?”.

Oh, Canada juega a ello, a través de flashbacks en los que Jacob Elordi encarna a su personaje en su juventud, en los que se mezclan distintas relaciones, y un hijo abandonado. Además del trauma y culpa por haberse exiliado huyendo a Canadá durante la guerra de Vietnam. La película, que se basa en la novela de Russell Banks, recorre su viaje interno y externo, poniendo igualmente el foco en la relación entre el arte y la fama, la creación y el ego. Y la muerte, cuya proximidad es la que hace que el protagonista se replantee los pasos dados hasta entonces, los engaños, las victorias y las mentiras que le han acompañado durante toda su vida.

“Espero que todos estemos preocupados por la muerte, pero no de una forma mórbida, sino simplemente entendiendo que todo lo que nace, muere. Es una perspectiva muy saludable”, recomienda al destacar que “nadie sabe cuándo va a morir”. El actor bromea sobre el paso del tiempo, comparando su experiencia en Oh, Canada con King David, estrenada en 1985, por cómo cuando le 'envejecieron', fue más complicado de conseguir que en su último largometraje. “Recuerdo pasar doce horas en maquillaje, poniéndome todo tipo de prótesis que no funcionaban porque tenía una piel superjoven, ahora es superfácil hacerme parecer supermayor”, bromea.

Sabiduría como forma de activismo

Richard Gere combina su profesión como intérprete con el activismo, aunque defiende que más pronunciarse y tomar partido por las causas, el primer paso es el conocimiento. “Necesitamos sabiduría. Si la tenemos, es cuando quizás el activismo ayuda, pero no es tan fácil. El impulso de tener un efecto positivo, ser responsable, es algo muy saludable y necesario”, sostiene. Una sabiduría que empieza por uno mismo, ya que explica: “Parte de conocer las cosas tal y como son y a nosotros, tal y como somos. Ahí entran el altruismo y la compasión, que hacen que la sabiduría signifique algo para el mundo”.

En este proceso, afirma que, actualmente, a nivel global, el foco del debate está confuso: “Nos preocupan demasiado determinadas cosas, y es muy difícil divorciarte del todo y ser absolutamente independiente de conseguir cosas. Ya sean dinero, poder, una determinada posición o fama. Incluso disminuir el impulso de que te atraigan estas cosas”. De hecho, lamenta que “la disparidad de seguridad económica, desde los más ricos a los pobres, es peor que nunca”. Y una realidad de la que nadie puede escapar.

“Afecta a la felicidad de todo el mundo, la gente que tiene todo ese dinero pasa muchísimo tiempo y energía porque no se lo quiten. La gente que no lo tiene, está tratando de conseguir cierto nivel para poder sobrevivir”, comenta. Por ello, el actor invita a mirar al pasado con cariño. “Cuando miras atrás a lo que has hecho, hay culpa, remordimiento, y una ternura subyacente”, expone ampliando su argumento a los 'yoes' de veinte y treinta años, edades en las que defiende que se sigue siendo “un niño aprendiendo a funcionar en el mundo”: “Cómo recibir amor, cómo darlo, cómo aceptarse a sí mismo por lo que es. Esa ternura es un momento muy bonito en el que estar”.

Susan Sarandon, Mark Ruffalo, Cynthia Nixon o Ramy Youssef. Estos actores, junto a más de 700 profesionales del cine, el teatro y la televisión, se sumaron a la firma de una carta abierta al sindicato SAG-AFTRA y otras poderosas uniones sindicales de Estados Unidos para exigir que se posicionen a favor de la paz y protejan a los profesionales que hacen público su apoyo a Palestina. En el escrito firmado se pide el “alto al fuego permanente en el conflicto, la liberación de todos los rehenes y la entrega de ayuda humanitaria”.

La firma de esta carta abierta llega después de diversos episodios de “acoso” y pérdidas de trabajo por parte de aquellos actores que reconocieron el sufrimiento del pueblo palestino; un tipo de macartismo, como el sufrido por los comunistas en los años 50, que denuncian y condenan, como es el caso de la actriz mexicana Melissa Barrera, despedida de la franquicia Scream por publicar comentarios en apoyo a Palestina.

La carta denuncia “el silencio” de este poderoso sindicato y sus dirigentes, así como otras uniones afines, ante las “claras violaciones de los derechos humanos y de la ocupación israelí de las tierras y las vidas palestinas durante décadas”. Además, comparan este mutismo con las declaraciones de otros sindicatos, tanto estadounidenses como extranjeros, que sí han pedido el alto al fuego, como el de los profesionales de la animación, que fue el primero en hacerlo.

“Rechazamos este silencio”, dicen en la carta. “Nuestra misión como artistas, periodistas y narradores es llevar la verdad al mundo. Luchar contra la eliminación de la vida y la cultura”, afirman. 

Esta iniciativa tomó forma meses después de que SAG-AFTRA, el sindicato que representa a miles de profesionales del cine y la televisión en Estados Unidos, se pronunciase sobre el conflicto y condenase los ataques del 7 de octubre de Hamas a Israel. Tal y como expresan los denunciantes de la situación, en la declaración emitida por el sindicato se mostró simpatía hacia el pueblo israelí y no se mencionó a los palestinos ni el contexto de ocupación militar de la zona. 

El sindicato, que debe velar por la representación de todos sus miembros, ha “ignorado las exigencias de un alto al fuego” de los miembros que se han pronunciado, según los firmantes. De hecho, el actor Amin El Gamal, presidente del comité nacional MENA (Oriente Medio y Norte de África) de SAG-AFTRA, describió haber sido “ignorado durante meses”. “¿Cómo se puede lamentar la pérdida de unas personas, pero no de otras?”, apuntó El Gamal sobre la primera declaración emitida por el sindicato en la que no se mencionaba al pueblo palestino. 

Según explica la carta, celebridades y otros miembros del gremio que exigían un alto al fuego en el conflicto fueron inscritos en listas negras, perdieron sus trabajos y sufrieron incluso acoso. Como ejemplo, se cita en la carta que un actor, que eligió mantenerse anónimo, y sus representantes “fueron el objetivo de una coordinada campaña de acoso” por este tipo de pronunciamientos. 

En la firma de la carta abierta, además de los actores anteriormente mencionados, figuran muchos más como Riz Ahmed, Common, Bruce Cohen, Busy Phillips, Kendrick Sampson y un largo etcétera de profesionales afiliados a diferentes sindicatos.

Matt Dillon tiene algo que siempre resulta misterioso e inescrutable. Su voz profunda, su mentón marcado, su pose que encuentra el equilibrio entre lo chuleta y lo tierno… todo suma para construir una presencia hipnótica que cuesta descifrar. Lo vio pronto Francis Ford Coppola, que confió en él para convertirlo en icono de la insolencia adolescente en La ley de la calle y Rebeldes. Dillon se convirtió en una estrella, pero no en una de las que disfruta en cada alfombra roja, sino de las que se convierten casi en outsiders y que busca los cineastas más radicales para seguir explorando nuevas facetas.

Quizás por ello no ha dudado en trabajar fuera de Hollywood y hacerlo con nombres como Lars Von Trier o la francesa Alice Winocour. Este año lo hace por partida doble. En Cannes se le vio en el biopic sobre Maria Schneider dando vida a Marlon Brando en un filme sobre las heridas que dejó en aquella mujer la escena no consentida de El último tango en París. La segunda, que llega este viernes a los cines, es el filme español Isla perdida, un thriller de Fernando Trueba que bebe de Patricia Highsmith para plantear una turbia relación tóxica en una isla griega con Dillon como misterioso y oscuro hombre ante el que todos caen rendidos; sobre todo Aida Folch, una española que trabaja allí como camarera.

Ese extraño encanto de su personaje lo desprende también Dillon en persona, que acude a su cita puntual, de forma educada y tranquila, lejos de la pompa habitual de las estrellas de Hollywood. Allí cuenta que Fernando Trueba y él se conocen desde hace tiempo y que fue su amor por la música lo que les convirtió en amigos que se prometieron trabajar juntos en algún momento. Dillon define a Trueba como “un gran narrador de historias, pero no solo en el cine, sino en la vida, y eso siempre es una buena señal”. Demuestra haber hecho los deberes, y cita de carrerilla Belle Époque, La niña de tus ojos, Calle 54 y Chico y Rita.

Lo que le gustó es que le propuso “algo mucho más oscuro que lo que suele contar en sus otras historias”. Trueba dice de Dillon que sabe incluso más de música que él, y puede que por eso le ha dado a su personaje el gustazo de tocar la trompeta y ser un exmúsico de jazz. Dillon lo niega y concede que él sabe más de música afrocubana y Trueba sobre jazz. “De lo que él sabe mucho más es de historia del cine, sobre los clásicos de Hollywood. Conoció a Billy Wilder, era amigo de Sam Peckinpah, te cuenta historias sobre Howard Hawks… es fascinante escucharlo hablar, es como una enciclopedia, como un historiador de cine”, dice cautivado.

Ajeno a la fama

Aunque su personaje esconde en su carisma su turbiedad, Trueba le entrega también un poso trágico, el de alguien que escapa de una vida que no desea. Uno pudiera pensar que para alguien que disfruta tan poco del foco mediático, esa hubiera sido una ilusión, la de escapar de una industria como Hollywood, que te obliga a estar todo el rato expuesto si no se quiere perder el lugar de privilegio. Pero Matt Dillon asegura que nunca pensó en ello. 

“Es verdad que empecé muy joven, pero estaba aprendiendo el trabajo y fui aprendiendo según avanzaba. Cuando miro atrás veo a una persona muy diferente a la que soy ahora, pero nunca sentí que quisiera escapar de allí, desde el primer momento supe que aquello era lo mío”, afirma pero también confiesa que el glamour y las alfombras rojas no son su parte favorita de la profesión: “La parte de la fama que lleva implícita no es lo que más me gusta porque soy una persona un tanto reservada, a mí me gusta concentrarme en mi trabajo. Pero tampoco quiero ser una persona que se esconde porque quiero poder salir y experimentar el mundo”.

La parte de la fama que lleva implícita esta profesión no es lo que más me gusta, porque soy una persona un tanto reservada, a mí me gusta concentrarme en mi trabajo

Matt Dillon — Actor

Reconoce que empezar tan joven sí “es difícil porque estás creciendo y desarrollándote y te encuentras con bastante presión”. Por eso da gracias por haber tenido una carrera que le permite seguir viviendo de ello. Define como “frustrantes” ciertas partes de este negocio, sorbe todo “la parte de la industria y el dinero, porque entra en conflicto con lo que realmente hacemos, es una relación simbiótica, porque irónicamente sin el dinero y el negocio no habría arte”.

Aunque siempre haya mirado a Europa para papeles más independientes no cree que la autoría dependa del país. “No trabajo basándome en la nacionalidad del director”, asegura y cree que también hay “cineastas en EEUU que trabajan y tienen una voz más allá del sistema”. “Por eso no puedo decir que los directores europeos sean muy diferentes a los estadounidenses. Eso sí, el sistema es diferente en todos los ámbitos. En Europa a los cineastas se les protege más gracias a que la financiación cuenta con el apoyo de las ayudas de los Gobiernos, mientras que en EEUU se les protege menos porque todo depende de la inversión privada. Lo más parecido que tenemos allí son las deducciones fiscales”, apunta sobre las diferencias de ambas industrias. 

Como muchos actores siempre ha admirado a Marlon Brando, pero su fascinación por el intérprete no le impide entrar a valorar sus sombras, especialmente cuando lo ha interpretado en el biopic sobre Maria Schneider y ha tenido que recrear la infame escena de la mantequilla de El último tango en París. El guión le encantó y no dudó al decir que sí, pero cuando tuvo que enfrentase a aquel momento se dijo “¿qué estás haciendo?, ¿por qué estás haciendo esta película?”. “Tengo una relación paradójica con Brando. Es uno de los actores que más impacto tuvo en mí desde joven. Sus interpretaciones, incluida la de El último tanto en París, cambiaron la forma en la que la gente trabaja. Pero hay otra parte a la que soy muy sensible, y es que te exploten, pasar de ser un actor joven a ser un marginado, ser objetivado por todos, y cuando ves a Maria, lo joven que era, lo que luchó…”, reflexiona.

A pesar de las dudas, cuando vio la película se sintió aliviado. “No pensé al verla que Brando y Bertolucci fueran monstruos. Creo que tomaron una muy mala decisión al hacer lo que hicieron en nombre del arte. A mí me encanta esa película a pesar de esa escena, de hecho nunca me gustó esa escena, no la entendía. Y ella quedó traumatizada por esa escena. Creo que la directora, Jessica Palud, no ha realizado esta película como un ajuste de cuentas, sino que cuenta una historia muy trágica de una forma muy personal”, añade. 

Para él hay algo clave en lo que ocurrió, y es que no hubo consentimiento. “Creo que el problema de lo que ocurrió allí, según lo veo ahora, es que nunca se lo dijeron, nunca le comentaron lo que iban a hacer. Se pueden hacer cosas en nombre del arte siempre y cuando todos sepan todo lo que va a ocurrir. He trabajado con Lars Von Trier y hemos hecho cosas locas, pero nunca me traicionó ni traicionó a ningún actor. Sé que tuvo problemas con Björk, pero conozco a muchos actores que han trabajado con él, y todos piensan como yo. Nunca nos engañó, nos pidió que confiáramos en él y es una cuestión de confianza”, subraya y redirige la conversación a Isla perdida, desatascando la confianza que tenía en Trueba y que le hizo decir que sí a este proyecto en una isla griega, lejos de los focos de Hollywood.

El cine se enfrenta a un nuevo enemigo que amenaza con contagiarlo todo, la nostalgia. En una industria que ve cómo los nuevos públicos huyen de las salas y está preocupada solo por la máxima rentabilidad de cada producto, la nostalgia se ha convertido en el arma preferida por los productores para intentar asegurar el éxito. Cada año se aprueban y ruedan decenas de remakes, reboots, secuelas y precuelas de franquicias que funcionaron en su momento y que intentan resucitar para atraer a aquel público y a nuevas generaciones. De todas las nostalgias, la ochentera es la más peligrosa, y la más exitosa. Solo hay que ver cómo lo aprovechó una serie como Stranger Things, que bebía de las películas de aquellos años para enganchar a espectadores adolescentes que no habían, en muchas ocasiones, ni visto esos títulos.

No es casualidad que en aquella serie, sus protagonistas se disfrazaran de los cazafantasmas en un episodio. Las dos películas dirigidas por Ivan Reitman se convirtieron en títulos de culto por su capacidad de mezclar el humor y un toque de terror para toda la familia. Una franquicia que ya vivió su intento de resurrección con un reboot (un reinicio de la saga) que ponía a las cómicas más populares del momento, Kristen Wiig, Kate McKinnon y Melissa McCarthy, al frente. Aquel filme fue un fracaso porque para que las franquicias se hagan su hueco deben encontrar el equilibrio exacto entre esa nostalgia y ofrecer algo nuevo para los más jóvenes. 

Hollywood aprendió la lección, y decidió que si querían revivir una saga como Los cazafantasmas había que recurrir a…. Los cazafantasmas originales. Se les introdujo un poco en la primera película de esta nueva etapa en 2021, en un filme que se vio muy afectado por la pandemia, con varios retrasos y un estreno cuando la gente todavía no había vuelto del todo a las salas. Aun así la gente respondió. Los guiños a la saga original eran suficientes, los cameos se anunciaron a diestra y siniestra y quedaba la puerta abierta para una secuela; la que se estrena este viernes, donde vuelve casi todo el reparto del filme del 84. Es su principal herramienta comercial, y tanto Bill Murray, como Dan Aykroyd, como Ernie Hudson aparecen desde el primer tráiler y en el póster final.

Otra de las claves de esta nueva saga es que cuentan con la aprobación del padre fundador de todo esto. Ivan Reitman apoyó el filme de 2021, y fue su hijo Jason quien lo dirigió y escribió junto a Gil Kenan. Es este último quien dirige la secuela, que sufrió la baja de Jason Reitman por, precisamente, la muerte de su padre a quien, cómo no, va dirigido este Cazafantasmas: imperio helado que quiere destronar a Dune 2 al frente de la taquilla mundial. Para ello se han sumergido en una gira promocional que cuenta con Paul Rudd como protagonista a Finn Wolfhard como enganche con las nuevas generaciones, ya que el actor es uno de los protagonistas de, oh sorpresa, Stranger Things. 

Paul Rudd reconoce que hay algo nostálgico en ver “a los antiguos actores vestirse de nuevo con el traje y disparar la mochila de protones”; pero también que “Hollywood tiende a volver una y otra vez a lo que funcionó”. “Con suerte podemos encontrar nuevas formas de hacerlo y hacerlo fresco y diferente para un público que tal vez no creció con estas cosas”, añade y dice que para ello hay que tener un buen guion. 

Su director, Gil Kenan, no entiende la nostalgia “como algo fijo o conciso”, y explica que tiene su propia relación con ella y con el recuerdo de la primera vez que vio la película original en una sala de cine y que define como “una experiencia reveladora”. “Para mí, ese sentimiento es nostalgia, ese sentimiento en la sala, y no podemos negar que hay una iconografía que para muchas personas desencadena una respuesta emocional, y eso es maravilloso siempre y cuando esos elementos se usen de una forma que parezcan auténticos y satisfagan una historia”, explica, pero también subraya sus peligros, como el que “pueda convertirse en un ancla cuando se presenta sin estar al servicio de los personajes”.

Una saga sin patriarca

A Gil Kenan le tocó la complicada misión de sustituir a Jason Reitman, que no pudo encargarse tras la muerte de su padre Ivan, el auténtico creador de la saga. Kenan pensó “en la influencia de Ivan todos los días durante estas dos películas y todavía ahora”. Antes de morir le contaron la historia de esta película. “Su alegría al escucharnos y su validación respecto a la dirección que estaba tomando la saga fue un impulso de confianza y un viento en las velas durante todo el rodaje”, añade. Para Paul Rudd, Ivan Reitman era “el patriarca de la familia”. Un patriarca que “ya no está ahí para supervisar”, y que hizo que todo el equipo pensara en él todos los días. 

Los nuevos Cazafatasmas también muestran nuevos modelos familiares, más modernos que los que regían el Hollywood de los 80, y Gil Kenan toma esa forma de representación como “una responsabilidad de los cineastas por mostrar relaciones modernas y auténticas”.

“Creo que, si miro a mi alrededor, para las personas más cercanas a mí, las familias no son iguales que en las películas que veía cuando yo era niño. Una de las cosas de las que me di cuenta, tanto como fan como escritor de esta película, es que, de alguna manera, los Cazafantasmas originales crearon su propia familia en 1984. Estos cuatro, cinco si se cuenta a Janine, son personajes extraños que realmente no tenían un lugar en el mundo ni entre sí, pero encontraron una manera de formar una comunidad, y también una familia en la que apoyarse. Así que creo que hay una tradición en Los Cazafantasmas de reconocer esto”. Es ahí donde estos nuevos cazafatasmas desafían a la nostalgia y a aquellos que ven siempre en el pasado un lugar más cómodo en el que quedarse. 

Algunas películas, como ocurrió con Barbie, pasaron con éxito por salas de todo el mundo y se convirtieron en auténticos fenómenos sociales. Otras circularon apenas en festivales de cine. Algunas fueron aclamadas por la crítica o muy celebradas por el público. Y otras apenas llegaron hace poco tiempo a las salas de cine del país. Con la entrega de los Oscar este domingo 10 de marzo, se empieza a cerrar la temporada de premiaciones en la industria audiovisual internacional que comenzó con los Globos de Oro en enero. 

Mientras tanto, son varios los largometrajes que compiten por una estatuilla que ya se pueden ver en distintas plataformas de streaming en formato hogareño. A continuación un repaso por ellos y las plataformas donde se encuentran disponibles desde Argentina para ver online.

1. Barbie. Fue una de las películas más comentadas de los últimos tiempos y llegó en diciembre al menú de la plataforma Max. Ahora compite con seis nominaciones en varios rubros de los más preciados, entre los que se encuentra el de Mejor película.

El largometraje de la escritora y directora Greta Gerwig (Mujercitas, Lady Bird) tiene como protagonistas a Margot Robbie (El escándalo y Yo, Tonya) y Ryan Gosling (La La Land, Blade Runner 2049) como Barbie y Ken. El elenco se completa, entre otros, con America Ferrera (Supertienda, Cómo entrenar a tu dragón), Kate McKinnon (El escándalo, Saturday Night Live), Michael Cera (Scott Pilgrim vs. los ex de la chica de sus sueños, Juno), Ariana Greenblatt (Avengers: Infinity War), Issa Rae (Insecure), Rhea Perlman (Te veré en mis sueños, Matilda) y Will Ferrell.

La película Barbie está disponible en Max.

2. La sociedad de la nieve. De origen español y con algunos miembros del casting argentinos, La sociedad de la nieve es una película dramática dirigida y escrita por Juan Antonio Bayona que narra la llamada Tragedia de Los Andes. Basada en el libro homónimo de Pablo Vierci, que relata el accidente del vuelo 571 de la Fuerza Aérea Uruguaya en la cordillera de los Andes en 1972, la película está protagonizada por Enzo Vogrincic en el papel de Numa Turcatti, uno de los pasajeros del vuelo.

El largometraje, que continúa teniendo muy buena repercusión, circuló por varios festivales internacionales y se puede ver en la plataforma de Netflix. Compite en dos categorías: mejor largometraje en habla no inglesa y también participa en el rubro que premia al maquillaje y el peinado.

La sociedad de la nieve está disponible en Netflix. Más sobre el largometraje, en este enlace.

3. Oppenheimer. Basada en el monumental libro Prometeo americano. El triunfo y la tragedia de J. Robert Oppenheimer, de los periodistas Kai Bird y Martin J. Sherwin, en 2023 impactó en todo el mundo Oppenheimer, la película protagonizada por Cillian Murphy, junto a Matt Damon, Robert Downey Jr., Emily Blunt, y Florence Pugh con dirección de Christopher Nolan. El largometraje, uno de los favoritos para llevarse varias estatuillas, compite en 13 categorías para el premio más importante de Hollywood.

“El material original me dio confianza para abordar un tema histórico tan complicado. Les llevó 25 años de investigación escribirlo y es muy completo. La adaptación era muy complicada porque es un libro enorme con mucha información, pero fue el trampolín que me dio confianza. Esta fuente autorizada fue la que me liberó para comenzar a usar mi imaginación para tratar de producir algo que no fuera un documental, sino mi interpretación de su vida”, señaló el cineasta en una rueda de prensa con medios españoles en 2023.

Al ser consultado por su aproximación a la controvertida figura del científico, el director apuntó: “Se trataba de estar en su cabeza y experimentar lo que él experimentó y, por lo tanto, llegar a comprenderlo en lugar de juzgarlo. Es una persona que se enfrentó a dilemas éticos reales de una magnitud que pocos de nosotros podemos imaginar. Situaciones muy paradójicas. Cuando comienzas a investigar la historia, queda claro que estos científicos no tuvieron más remedio que desarrollar esta arma. Se había establecido la división del átomo y los nazis estaban tratando de desarrollar una bomba. Todos lo sabían, por eso no me interesaba contar una historia sobre científicos que eran tan estúpidos que no podían prever el impacto negativo de traer algo así al mundo”.

El largometraje Oppenheimer se puede ver en Flow. Más sobre la película y el libro que la inspiró, en este enlace.

4. American Fiction. Una película dramática estadounidense estrenada en ese país en 2023 escrita y dirigida por Cord Jefferson, en su debut como director. Sin estreno en salas en la Argentina, American Fiction desembarcó en la plataforma Amazon Prime Video recientemente. Está basada en la novela Erasure de Percival Everett y sigue los días de Thelonious “Monk” Ellison, un escritor y profesor frustrado con el ambiente intelectual y cultural en el que se mueve. Enojado porque sus libros no son bien recibidos por los editores –todos blancos, todos de un mundo elitista y prejuicioso que espera de los autores afroamericanos como Monk historias llenas de estereotipos– decide escribir en broma lo que él llama un libro “negro”. Apenas se publica, la novela es elogiada y bien recibida por todo el mundo. El escritor deberá entonces lidiar con sus contradicciones, al tiempo que su vida familiar se ve repleta de asuntos de los que se tiene que encargar. Con temas actuales como la cancelación, la discriminación y la corrección política en primer plano, American Fiction está nominada en la codiciada categoría de Mejor Película.

La película American Fiction está disponible en Amazon Prime Video.

5. Maestro. Llena de recursos –por momentos, demasiado pomposa–, Maestro es una de las películas que se estrenó con gran despliegue hacia finales de 2023 y que está centrada en la relación entre el compositor musical estadounidense Leonard Bernstein y su esposa Felicia Montealegre. Dirigida, protagonizada y en parte escrita por Bradley Cooper, se lanzó en el Festival de Cine de Venecia, pasó por salas y desembarcó en Netflix.

El elenco se completa con Carey Mulligan como Montealegre, Matt Bomer, Maya Hawke y Sarah Silverman en papeles de reparto.

Maestro está disponible en Netflix.

6. Los asesinos de la luna. Con dirección del a esta altura legendario Martin Scorsese, la película que protagonizan Leonardo DiCaprio, Robert De Niro y Lily Gladstone relata la muerte de más de 60 miembros de la nación de Osage de Oklahoma, Estados Unidos, por parte de un entramado de colonos blancos que, tras ganarse la confianza de los nativos, buscaban hacerse con sus tierras y fortuna derivada del petrolero.

Basada en el libro 'Los asesinos de la luna de las flores: Los crímenes en la nación Osage y el nacimiento del FBI' del periodista David Grann, la película narra con maestría y gran tensión una serie de crímenes espantosos perpretrados a principios del siglo XX que el director de Taxi Driver definió como “una especie de genocidio silencioso”. Según las distintas entrevistas que brindó desde el esperado estreno, el cineasta aseguró que intentó llevar esa historia a la pantalla de la forma “más fidedigna y honesta posible”. En sus palabras, fue algo que ha intentado hacer desde el “respeto absoluto y total” a la cultura de los pueblos originarios americanos, pero sin caer en un estilo “hagiográfico” ni “en la trampa” de todos esos lugares comunes que van desde generalidades como “los nobles nativos” hasta “el cliché de las víctimas o del indio borracho”.

La película Los asesinos de la luna se puede ver en Apple TV+. Más sobre el largometraje, en este enlace.

7. Nyad. A los 60 años, la nadadora y periodista deportiva Diana Nyad se propone hacer realidad el gran sueño de toda su vida: la travesía de más de 160 kilómetros en mar abierto de Cuba a Florida.

Con Jodie Foster y Annette Bening como cabeza del elenco y basada en una historia real, para muchos expertos se trata de uno de los estrenos más conmovedores de 2023. Las dos actrices están nominadas por sus roles en las categorías de Actriz de reparto y Actriz protagonista.

La película Nyad está disponible en Netflix.

8. Elementos. Una exitosa producción de Disney y Pixar, que después de pasar por los cines de todo el mundo desembarcó en Disney + y compite en la categoría de Película de animación.

Dirigida por Peter Sohn, la película se sitúa en Ciudad Elementos, en donde conviven residentes de fuego, agua, tierra y aire. El largometraje presenta a Ember (en la voz de Leah Lewis en la versión en inglés), cuya amistad con un joven divertido y sentimental llamado Wade (en la voz de Mamoudou Athie en la versión en inglés) le hace cuestionarse no sólo sus convicciones sobre el mundo en el que viven, sino la persona que quiere ser.

Elementos está disponible en Disney+.

9. La memoria infinita. De origen chileno, este documental es una de las películas más impactantes y conmovedoras del cine latinoamericano de los últimos años. Escrita y dirigida por Maite Alberdi, la misma realizadora que estuvo nominada en otra ocasión por la película El agente topo, tuvo estreno mundial en enero de 2023 en el Festival de Cine de Sundance, donde ganó el Gran Premio del Jurado. Este año, además, el largometraje obtuvo el Premio Goya a la mejor película iberoamericana.

La memoria infinita es un retrato íntimo de dos personajes muy conocidos en Chile que vivieron juntos por más de 25 años: el periodista Augusto Góngora y su esposa, la actriz Paulina Urrutia. 

En 2014, cuando tenía 62 años, Góngora fue diagnosticado con Alzheimer, una enfermedad degenerativa que afectó su memoria y su comportamiento. La película de Alberdi muestra justamente el vínculo entre ellos, los temores y la vida compartida a partir de la enfermedad y hasta que llegó el final. Elogiada y premiada internacionalmente, la película compite en la categoría que distingue al mejor documental.

La película La memoria infinita está disponible en Netflix.

10. Bobi Wine, el presidente del pueblo. En las elecciones presidenciales de Uganda de 2021, el artista Bobi Wine, estrella de la música, activista y líder de la oposición de ese país, moviliza a su pueblo en una impactante lucha por liberarse de un régimen opresivo que lleva 35 años en el poder. Este documental sigue a este personaje para retratar su coraje y la determinación que lo lleva a querer cambiar las condiciones de vida en su tierra. Luego de un gran recorrido por distintos festivales, Bobi Wine, el presidente del pueblo llegó hace pocas semanas a la plataforma Star+ y también se puede ver en el canal de YouTube de National Geographic.

El largometraje, que fue candidato también en los BAFTA, compite ahora en los Oscars 2024 en la categoría que premia al Mejor Documental. 

El documental Bobi Wine, The People's President está disponible en Star+ y en el canal de YouTube de National Geographic.

11. El conde. Entre la comedia negra, lo corrosivo y el terror, El conde es una película de origen chileno dirigida por el cineasta Pablo Larraín y escrita por Larraín y Guillermo Calderón. Protagonizada por Jaime Vadell, Gloria Münchmeyer, Alfredo Castro y Paula Luchsinger y con un notable despliegue técnico, el largometraje presenta a Augusto Pinochet como un vampiro de 250 años que busca su propia muerte.

La película llegó a Netflix en septiembre de 2023, pocos días después de la conmemoración de los 50 años del golpe de Estados en Chile, cuando el propio Pinochet tomó el poder. El conde, segunda película chilena nominada en esta edición del Oscar junto con La memoria infinita, compite en la categoría que premia a la mejor fotografía.

La película El conde está disponible en Netflix.

12. Misión: imposible – Sentencia Mortal. La plataforma Paramount+ anunció que la película de acción Misión: imposible – Sentencia Mortal está disponible desde febrero en su menú para Latinoamérica. El largometraje es candidato en los Oscar 2024 en los rubros Efectos visuales y Sonido.

“Ethan Hunt (Tom Cruise) y su equipo del FMI se embarcan en su misión más peligrosa hasta la fecha: localizar una nueva y aterradora arma que amenaza a toda la humanidad antes de que caiga en las manos equivocadas. Con el destino del mundo en juego, comienza una carrera mortal alrededor del globo. Enfrentado a un enemigo misterioso y todopoderoso, Ethan se ve obligado a considerar que nada puede ser más importante más que su misión, ni siquiera las vidas de aquellos a quienes más aprecia”, señala la sinopsis oficial del largometraje.

La película está protagonizada por Tom Cruise, Hayley Atwell, Ving Rhames, Simon Pegg, Rebecca Ferguson y Vanessa Kirby, entre otros.

La película Misión: imposible – Sentencia Mortal está disponible en Paramount+. Más sobre el largometraje, en este enlace.

13. Spider-Man: a través del Spider-verso. Según señala la sinopsis oficial del largometraje, en esta nueva entrega de la franquicia, Miles Morales (Shameik Moore) vuelve a la pantalla para una nueva misión. Mientras lidia con su agitada nueva vida como superhéroe, Miles acaba siendo transportado a un multiverso donde se encuentra con varios Spider-Men de diferentes dimensiones. Junto a Gwen Stacy (Hailee Steinfeld) y un nuevo equipo de Spider-Personas que deben proteger su propia existencia, el héroe se embarca en una aventura épica. Luego de su paso por los cines, la película, que compite en el rubro Animación, está disponible en la plataforma Max.

El largometraje Spider-Man: a través del Spider-verso se puede ver en Max.

14. Indiana Jones y el dial del destino. Luego de su exitoso paso por los cines de todo el mundo, la película obtuvo una nominación en el rubro Banda Sonora y está disponible en Disney + con Harrison Ford en su legendario papel. El héroe arqueólogo llegó una vez más a las pantallas con la última entrega de la icónica franquicia Indiana Jones con una gran aventura. Junto a Ford actúan Phoebe Waller-Bridge (Fleabag), Antonio Banderas (Dolor y gloria), Karen Allen (Indiana Jones y los cazadores del arca perdida), John Rhys-Davies (Indiana Jones y los cazadores del arca perdida), Shaunette Renée Wilson (Pantera Negra) y Mads Mikkelsen (Otra ronda), entre otras figuras destacadas. 

El largometraje está dirigido por James Mangold (Contra lo imposible y Logan) y fue escrito por Jez Butterworth & John-Henry Butterworth y David Koepp y James Mangold, quienes tomaron como base los recordados personajes creados por George Lucas y Philip Kaufman. La película, además, tiene como productores ejecutivos a Steven Spielberg y al propio Lucas 

La película Indiana Jones y el dial del destino está disponible en Disney+. 

AL/MG

Con la mirada puesta en una ceremonia que suele ser muy comentada por la participación de grandes estrellas del cine y concitar interés mundial, este domingo 10 de marzo se llevará a cabo la entrega 96 de los premios Oscar, el galardón que otorga la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas estadounidense a lo más destacado del cine internacional.

Desde Argentina, los premios comenzarán a palpitarse en vivo a partir de las 19, a través de la señal de cable TNT y de la plataforma de streaming Max (antes conocida como HBO Max).

Según informaron desde esas empresas en un comunicado, antes del comienzo de la ceremonia –prevista para las 21–, tendrá lugar el pre-show Punto de encuentro que “ofrecerá entrevistas con los nominados en su paso por la alfombra y el análisis de expertos comentaristas”. 

“Axel Kuschevatzky y Lety Sahagún vivirán la intimidad de la ceremonia entrevistando a las celebridades en su paso por la alfombra, y compartirán la información más importante de la premiación. Estarán acompañados por los comentarios de Ileana Rodriguez y Rafael Sarmiento, con la traducción de Flor Coianis y Carlos Arroyo”, informaron desde Max.

Como todos los años, la entrega de premios se celebrará en el Teatro Dolby en Ovation Hollywood, Los Ángeles. Allí se reunirán los artistas más destacados del mundo del cine, protagonistas de las películas más populares y comentadas del año pasado. Una vez más, Jimmy Kimmel, que ya estuvo en el rol en otras tres oportunidades, regresará como el anfitrión del encuentro.

Además, Mahershala Ali, Emily Blunt, Bad Bunny, Nicolas Cage, Jamie Lee Curtis,  Cynthia Erivo, America Ferrera, Sally Field, Brendan Fraser, Ryan Gosling, Ariana Grande, Chris Hemsworth, Dwayne Johnson, Michael Keaton, Regina King, Ben Kingsley, Jessica Lange, Jennifer Lawrence, Melissa McCarthy, Matthew McConaughey, Kate McKinnon, Rita Moreno, John Mulaney, Lupita Nyong’o, Catherine O’Hara, Al Pacino, Michelle Pfeiffer, Ke Huy Quan, Issa Rae, Tim Robbins, Sam Rockwell, Octavia Spencer, Steven Spielberg, Mary Steenburgen, Anya Taylor-Joy, Charlize Theron, Christoph Waltz, Forest WhitakerMichelle Yeoh, Ramy Youssef, Zendaya, entre otros, se sumarán como presentadores durante la ceremonia. 

Por su parte, Jon Batiste, Becky G, Billie Eilish y Finneas O’Connell, Scott George y los Osage Singers, y Ryan Gosling y Mark Ronson interpretarán las canciones originales nominadas de este año. 

Una vez finalizado el evento en vivo, la premiación podrá volver a verse en la plataforma Max hasta el 13 de marzo.

Cada año, la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas organiza este premio, uno de los más importantes de la industria audiovisual internacional, con una ceremonia que reconoce la excelencia en logros cinematográficos desde 1929.

AL/MG

Hollywood siempre fue el centro del cine mundial, o al menos del cine más popular y conocido. Lo que ellos producen cuenta con una posición de privilegio de cara al público. Frente a su maquinaria de promoción y producción, el resto del cine mundial intenta encontrar sus formas de destacar y hacerse ver. Para ello son fundamentales los festivales de cine, con Cannes a la cabeza (ya que Venecia, siempre ansiosa por su alfombra roja, se ha convertido en el mejor escaparate para el cine de EEUU).

Sin embargo, algo ha cambiado. Hollywood ha ampliado su mirada al cine hecho en el resto del mundo, o al menos eso es lo que indican los Oscar de los últimos años. La prueba se puede ver en las nominaciones de esta edición, que se celebrará el próximo domingo. Por primera vez dos películas no habladas en inglés se encuentran entre las diez finalistas al premio al Mejor filme. Se trata de Anatomía de una caída y La zona de interés. Sus dos autores, Justine Triet y Jonathan Glazer, también estañan en el quinteto que opta al premio a la Mejor dirección.

Esto, que antes era una excepción, ahora empieza a ser la norma. En las últimas ediciones, desde 2018, solo hubo un año (2020) en el que no hubiera un director de una película de habla no inglesa nominado en esa categoría. En 2018 fueron dos, Pawel Pawlikowski, por Cold War; y Alfonso Cuarón, que se lo llevaría por Roma. En 2019 fue el éxito de Bong Joon-Ho, que venció por Parásitos. En 2020 hubo otro doblete, el de Thomas Vinterberg y Lee Isaac Chung. En 2021 fue Ryusuke Hamaguchi quien dio la campanada con Drive My Car. En 2022 estuvo nominado el noruego Ruben Östlund, aunque en esta ocasión la mayor parte de Triángulo de la tristeza era en ingles. En 2023 tenemos otro doblete.

Viendo los directores nominados, uno observa un claro patrón: casi todas las películas de estos realizadores pasaron por Cannes, donde comenzaron una carrera internacional que culminó en los premios de la Academia. El certamen francés ha conseguido convertirse no solo en el mejor escaparate del cine de autor, sino que ha logrado una influencia en Hollywood que no había tenido en muchos años, y la mejor prueba fue cómo colocó en Hollywood un título como Drive My Car, de tres horas, de un cineasta desconocido en EEUU y en japonés, como el filme de culto del año. Anatomía de una caída, Triángulo de la tristeza y Parásitos fueron Palmas de Oro. La zona de interés ganó el segundo premio; Hamaguchi ganó Mejor guion y Pawlikowski se llevó el de Mejor dirección. Nadie duda de que sin la pandemia Vinterberg hubiera ido a Cannes, y el propio director del festival dijo claramente que Roma hubiera ido de no ser por su política antinetflix. 

Netflix es otro de los factores que ha hecho que Hollywood mire a otros directores. La plataforma produce en todo el mundo, y le ha dado cheque en blanco a cineastas para levantar proyectos que de otra forma no podrían. Además, les ofrecen una campaña en la carrera por el Oscar que ha hecho que películas que no son de EEUU como la alemana Sin novedad en el frente se colara en la categoría de Mejor película el año pasado y ganara casi todos los premios técnicos. Este año La sociedad de la nieve ha logrado ser nominada en la categoría de Mejor maquillaje y en película internacional. 

¿Qué ocurrió en Hollywood para que ese cambio ocurriera en ese momento concreto? La respuesta está en los premios de 2015, en donde la falta de diversidad provocó un movimiento global que bajo el hashtag #OscarSoWhite pedía a la Academia más inclusión y representatividad de colectivos que normalmente no encontraban su hueco en las nominaciones. Un estudio mostraba que parte del problema estaba en la composición de la masa de votantes, formada en un porcentaje muy amplio por hombres blancos de más de 70 años. Por eso, la presidenta de la Academia, Cheryl Boone Isaac, tuvo claro que para tener más diversidad había que ampliar y cambiar las personas que votaban. 

Su medida fue invitar a ser académico de Hollywood a muchas más personas, y que vinieran de otras muchas industrias además de la de EEUU. Normalmente, para que a alguien de fuera le invitaran debía haber estado nominado, pero eso quedó obsoleto. Tras aquella ceremonia, la Academia invitó a 683 personas, más del doble que el año anterior en una lista que se vendió como “la más grande y diversa de la historia”. Y así se fue repitiendo año tras año. Los resultados no se hicieron esperar. Un estudio posterior de la Universidad de Carolina del Sur informó que la proporción de mujeres y miembros de grupos étnicos o raciales minoritarios nominados a los Oscar pasó del 8% en el período que va de 2008 a 2015; al 17% entre 2015 y 2023.

Ustedes son parte de una comunidad de casi un siglo de antigüedad que no es sólo una comunidad de Hollywood o una comunidad estadounidense, sino global

Cheryl Boone Isaacs — Expresidenta de la Academia de Cine de Hollywood

Su compromiso con incluir dentro de su academia al resto de cineastas también quedó patente en su discurso de 2017. “Ustedes son parte de una comunidad de casi un siglo de antigüedad que no es solo una comunidad de Hollywood o una comunidad estadounidense, sino global. Lleno de narradores nacionales e internacionales. Uno que cada día es más inclusivo y diverso. Estoy muy orgulloso de eso y de ver todas las caras nuevas entre los nominados de este año”, dijo ese año.

Añadió que “EEUU siempre debería ser un faro y no una barrera”. “Nos levantamos en apoyo de los artistas de todo el mundo. Nos enfrentamos a quienes intentan limitar nuestra libertad de expresión. Y defendemos este principio fundamental, que todos los artistas creativos están conectados en todo el mundo por ese vínculo inquebrantable que es más poderoso y permanente que la nacionalidad y la política y, así como su trabajo no se detiene en las fronteras, las fronteras no podrán detener a cualquiera de nosotros”, expresó entonces.

Sus medidas culminaron con un hecho histórico, la victoria de Parásitos en los Oscar de 2020 en la categoría de Mejor película. Nunca antes un filme hablado en una lengua que no fuera el inglés se había llevado el premio más importante de la Academia de Hollywood. Bong Joon-Ho en su discurso pidió que siguieran apostando por cine en otras lenguas y se olvidaran de la barrera de los subtítulos. Aquel momento fue la cima de las medidas para conseguir un Hollywood más diverso que, todavía tiene mucho que mejorar, pero que ha conseguido que otro tipo de cine también se vea representado en sus premios. 

2023 será recordado en Hollywood como el año en que, seis décadas después, los sindicatos de guionistas y actores protagonizaron una huelga conjunta que sacudió los cimientos de la industria ocasionando un impacto económico negativo de, al menos, 6.500 millones de dólares.

El curso arrancaba con un cóctel explosivo en el que se sumaban una facturación en taquilla aún muy lejos de la época de prepandemia, la caída de los ingresos en publicidad, menos producciones cinematográficas, la ralentización del mercado de las plataformas de en continuo o streaming y una inflación cercana al 5%.

El 2 de mayo las turbulencias se agravaban en Hollywood con la negativa del sindicato de guionistas de EEUU (WGA, en inglés) a prorrogar un nuevo convenio colectivo con la Alianza de Productores de Cine y Televisión (AMPTP) si no planteaban unas condiciones laborales acordes a este panorama de incertidumbre para el sector.

Sus reclamos principalmente se basaban en una subida del salario mínimo; mejor cobertura en sanidad y planes de pensiones; el establecimiento de una regulación concreta que les protegiera frente a las creaciones por inteligencia artificial (IA) y un aumento en los llamados derechos residuales, pagos extra que reciben cuando un título se reestrena en otro mercado o plataformas.

Los beneficios de las empresas repuntaron tras la pandemia y los aumentos salariales no llegaron. Los actores no podían mantener sus carreras y la amenaza de la IA hizo que la situación fuera aún más precaria

Kevin Klowden — Jefe de estrategia global del Instituto Milken de California

Una situación prácticamente calcada a la del gremio de actores de Hollywood (SAG-AFTRA), que, tras una intensa negociación con los grandes estudios y servicios de streaming, decidió sumarse el 14 de julio a los piquetes en la que sería la primera huelga conjunta del sector desde 1960, cuando Ronald Reagan presidía el sindicato de intérpretes.

“Los beneficios de las empresas repuntaron tras la pandemia y los aumentos salariales no llegaron. Los actores no podían mantener sus carreras y la amenaza de la IA hizo que la situación fuera aún más precaria”, explica a EFE Kevin Klowden, jefe de estrategia global del Instituto Milken de California.

Esta institución, al igual que la Oficina de Estadísticas Laborales del Departamento de Trabajo de EE.UU., cifra en, al menos, 6.500 millones de dólares el agujero que han dejado estas huelgas en la economía de California, donde hasta 45.000 trabajadores perdieron sus empleos como consecuencia de las mismas.

En la ciudad de Los Ángeles, la meca del cine, los paros provocaron que el 17% de los profesionales del mundo del entretenimiento ―incluyendo sectores como el transporte, catering, vestuario o maquillaje― fueran despedidos de mayo hasta septiembre, según un estudio de la escuela privada de educación superior Otis College.

Además, la concesión de permisos para rodar en lugares públicos de la urbe cayó un 28,8 % durante este período, de acuerdo a la oficina encargada de proyectos cinematográficos del Ayuntamiento de Los Ángeles.

Un “histórico cambio de era”

Así, la televisión se vio obligada a reponer programas, prestigiosos premios como los Emmy tuvieron que posponerse hasta 2024 y esperadas producciones, como la última temporada de la serie Stranger Things o las nuevas versiones de Mission: Impossible y Gladiator, echaron el freno.

Sin embargo, la necesidad de salvar la trascendental temporada de Navidad en la cartelera de EEUU propició el entendimiento, primero entre AMPTP y WGA, que abandonó la huelga el pasado 27 de septiembre con aumentos significativos en sus prestaciones.

Casi un mes y medio después, los actores alcanzaron un acuerdo con los estudios que fue ratificado el 5 de diciembre y calificado como “histórico cambio de era”.

El nuevo documento incluye un aumento salarial de hasta el 14,5% en los próximos tres años y una cláusula “razonablemente específica” que permitirá a los actores decidir si consienten ―bajo una subida de su caché― que sus escenas sirvan para entrenar una IA que pueda replicarlos digitalmente.

Conglomerados como Disney han comunicado que el año que viene invertirán 2.000 millones menos en nuevas series y películas

También se aceptó un pago añadido para las producciones de éxito en las plataformas, es decir, aquellas que sumen durante los primeros tres meses en su país de origen un total de visualizaciones equivalente al 20% de los abonados nacionales del servicio de streaming en cuestión.

“Los cambios de paradigma, como ocurrió cuando las películas pasaban del cine a reestrenarse en televisión, siempre conllevan que la industria se recicle”, expresa a EFE Robert Thompson, profesor de la Universidad de Siracusa (EEUU) y fundador del Centro Bleier para la Televisión.

Del alivio de 'Barbie' a un sector en cambio

El estreno cinematográfico que alivió parte de las pérdidas por las huelgas de Hollywood fue Barbie, la versión de Greta Gerwig sobre la muñeca de Mattel en la vida real, que superó los 1.400 millones de facturación en la taquilla internacional espoleada por las apariciones estelares de Margot Robbie y Ryan Gosling.

Tras desvelarse las nominaciones de premios como los Globos de Oro o los Critics Choice, Barbie se perfila ya como uno de los fenómenos del año para una temporada de premios que tratará de reflejar un ambiente de normalidad en un sector cambiante.

Y es que, según la agencia calificadora Moody's, los nuevos convenios colectivos costarán entre 450 y 600 millones de dólares extra a los grandes estudios, que están optando ya por una reducción del gasto en creación de nuevos contenidos y por rodar historias con atractivo global fuera de EEUU para abaratar costes.

Conglomerados como Disney han comunicado que el año que viene invertirán 2.000 millones menos en nuevas series y películas, mientras que, de acuerdo a la empresa de análisis de datos Ampere, plataformas como Netflix ya graban el 69% de su catálogo más allá de las fronteras estadounidenses.