El trío rosarino Garupá y el dúo salteño Eva y Nadia fueron seleccionados entre 500 proyectos para participar desde hoy en EXIB Música 2023, un encuentro de música de América Latina en Europa, que se celebra hasta el 21 de octubre en Setúbal, Portugal.

Se trata de una expo de música en vivo que busca convertirse en punto de conexión entre músicas y músicos de Brasil, Argentina, Uruguay, Perú, Colombia, Cuba, México, Ecuador, Portugal y España.

Garupá está integrado por Joel Tortul, Julián Venegas y Homero Chiavarino y toca música del mítico compositor litoraleño Ramón Ayala.

Eva y Nadia está compuesto por Eva Sola y Nadia Szachniuk y se centra sobre todo en música del noroeste argentino, con arreglos vocales.

En estos nueve años EXIB Música se convirtió en un espacio para la revalorización de las músicas de raíz de América Latina y su enlace iberoamericano con España y Portugal, como puerta de entrada al continente europeo.

De la muestra musical de esta edición participan: Ensamble B11 (Venezuela), Copla Alta Dúo (Uruguay), María Cristina Plata (Colombia), Laura Itandehuí (México), Ariel Bringüez Quintet (Cuba), Mirla Riomar (Brasil), Enkele (Colômbia), A Cantadeira (Portugal), Eva y Nadia (Argentina), Cada um Canta uma (España - Portugal - Brasil), Garupá (Argentina), Juliette Robles (Perú), Ana Crismán (España), Enkelé (Colombia), Lía Sampai (España), Ilyari y los cuatro suyos (Ecuador), Magaly Saré y Manel Fortiá (España).

EXIB es un espacio de circulación para la música y el intercambio de proyectos con programadores de Europa y el mundo, que se desarrolla en distintas sedes que son patrimonio histórico de la ciudad costera de Setúbal, ubicada a veinte kilómetros de Lisboa, como el Claustro Convento de Jesús, Plaza de Bocage, Iglesia Convento de Jesús, Forúm Municipal Luísa Todi, un teatro símbolo de Setubal, Casa da Bahia y el Mercado Municipal do Livramento.

Además de la muestra musical, se desarrollará el Congreso Ciudad y Música que busca reflexionar acerca de los desafíos que enfrentan las ciudades que asumen el fomento a la creación artística, donde profesionales del sector musical, el sector público y la ciudadanía, explorarán prácticas para el fomento de la creación local y reivindicarán el papel transversal de las músicas, las raíces y los relatos en el desarrollo de convivencias urbanas pacíficas.

Para tender nuevos puentes entre las culturas latinoamericanas y europeas se realizará el Encuentro denominado “La Historia detrás de las Canciones”, un tema central en esta edición, donde diez artistas iberoamericanos nos contaran las historias que motivaron sus canciones y cantaran sus temas para alimentar el fuego cancionero de este ritual, que toma la ciudad de Setúbal.

EXIB Música se vive durante cuatro días en las calles, en las sedes patrimoniales de la ciudad, donde participan músicos, gestores, programadores y la participación de un público que llega desde distintas partes de Europa y del mundo, para descubrir el tesoro de las nuevas músicas de Iberoamérica.

Este es un proyecto de la Asociación Cultura Exibproject en colaboración con la Cámara Municipal de Setúbal y la OEI (Organización de Estados Iberoamericanos). También cuenta con el apoyo de Inaem, cooperación española, la AIE; y el Alto Patrocinio de la Presidencia de Portugal.

CRM

Ya sabemos que Rosario es cuna de infinidad de artistas originalísimos. Julián “Chula” Venegas no es la excepción. Este cantor y compositor nacido en 1984 armó una carrera interesantísma basada en la tradición de la canción popular pero dándole aires nuevos.

Tiene grabados varios discos como solista -Río Arriba (2021), Choques (2020), De barcos y derivas (2018)- pero ahora está centrado sobre todo en dos proyectos colectivos con los que está recorriendo el país y, pronto, algunos otros lugares del mundo.

Uno es Ambulantes, que comparte con José Santucho, y el otro es Garupá, un trío que integra junto a Joel Tortul en piano y Homero Chiavarino en acordeón, que se dedica a celebrar la obra del gran compositor misionero Ramón Ayala.

Con el primero, dedicado a los oficios callejeros urbanos, estará en unos días en la Ciudad y la Provincia de Buenos Aires (el viernes 25 en El Alambique de CABA con Turica Doncel, el sábado 26 en Sede APM de La Plata con el dúo Wagner-Taján, y el domingo 27 en la Asociación Cultural Arte y Vida, en Martín Coronado, PBA).

Esta charla con elDiarioAR tuvo lugar poco después de la presentación de Garupá a sala llena en el Centro Cultural Borges, en un concierto que terminó en ovación de pie de todo el público.

-¿Cómo te convertiste en cantor o cuándo supiste que querías dedicarte a esto?

-Canto desde desde chico. Recuerdo que la maestra ya de nivel inicial me ponía delante de los compañeros para cantar. Y me acompañó el canto toda mi vida desde el vamos. Tuve la suerte de que era una actividad naturalizada en mi familia. Canta mi viejo, mi vieja, cantaban mis abuelos maternos, mis abuelos paternos, mis hermanos. Después pasó que estaba tan naturalizada la actividad que me costó verla como posibilidad de laburo o forma de vida. Y esa fue una decisión que me llevó más tiempo. Probé otras carreras, otros laburos. Y si bien los resultados eran buenos, nunca llegaba a sentirme bien, a tener una proyección en las actividades que encaraba. No me veía a largo plazo. Y sí me veía a largo plazo en la música. Estudié mucho guitarra también y otras cosas, un poco de percusión, pero principalmente canto. Todo se ordenó alrededor del canto. Me di cuenta que si tenía que ponerme a pensar cuál era el eje ordenador musical de mi vida era el canto. Me reconozco como cantor. Todo lo que hice complementa eso. Y en cuanto a género ordenador de lo que hago dentro de la música, que es un es un campo amplísimo, es la canción, la canción popular.

-¿Y la composición viene desde el principio también o llegó más tarde?

-Más tarde. Recuerdo primeros intentos de canciones a los 20 años. Voy siempre como cabalgando entre el ser intérprete de canciones prestadas o ser intérprete de mis propias canciones. Cuando me mandé a hacer canciones, caí también en esa presión de tener que estar produciendo con cierta constancia o periodicidad. Y después me di cuenta que disfruto mucho también de interpretar y que podría justamente ir intercalando entre canciones que voy haciendo y canciones que me gusta cantar, siempre dentro de conceptos o intentando buscar conceptos para unir las canciones o para armar repertorios. Y eso como una herramienta de construcción de identidad o de apropiación en el mejor de los términos de las canciones que yo interpreto. Si las junto alrededor de un concepto, me parece que hay más posibilidades de que se logre esa apropiación.

-En tus discos te importa bastante que quede en claro de dónde sos.

-Últimamente vengo hablando de eso en las clases que doy particulares y en talleres y también lo uso como recordatorio personal. Me gusta trabajar un canto situado, lo más situado posible. Porque también por popular uno puede recurrir a un montón de géneros. Lo popular es muy vasto y no queda exento de pisotones culturales. A veces dentro de la música popular -que está bien dicho; no es que esté mal dicho- se comete el error reduccionista de hablar de jazz, rock, pop, blues y un montón de géneros populares, pero que son foráneos, de otros lados. No son los nuestros. Entonces eso también influye a la hora de cantar, a la hora de decir, en los fraseos. Y todas son variables que tengo en cuenta a la hora de apropiarme de las canciones para hablar desde mi situación, desde mi situación geográfica, mi situación comunitaria, mi situación como parte de un grupo de colegas con los que me vengo formando hace un montón de tiempo, compañeros de proyecto, maestros, obviamente. Y trato de que el repertorio que yo elija esté en sintonía con esa historia, en definitiva. De todas formas, me encantan canciones estándar de jazz. El otro día hicimos con una banda de acá de Rosario un tributo a Chet Baker, que es un vientista de Estados Unidos. Y me gusta hacer eso, pero por gusto musical, digamos. Ya no tiene que ver más con un lugar situado desde donde canto. Y eso está también. Me hace bien cuando me permito esas cosas también.

-¿Y alguna vez sentiste la necesidad de trasladarte a Buenos Aires para vivir de la música?

-No me pegó ese mandato de lleno, la verdad. Soy parte de una generación que tiene la posibilidad de otros circuitos, de difusión sobre todo. Es una de las cosas buenas que tienen las redes, el acceso a internet. Y eso me parece que nos relajó en ese sentido. Sigue siendo una vidriera principal Buenos Aires. Sigue siendo importante estar ahí de vez en cuando, pero se pueden construir también circuitos alternativos. Por lo pronto, yo lo creo así. Muchos amigos también piensan así. Y también está la otra realidad de que Rosario no es un lugar que no tenga posibilidades de seguir creciendo a nivel de producción o circuitos culturales. Tengo la suerte de haber nacido en una ciudad que tiene mucho potencial, que ya tiene tradición musiquera y que puede todavía dar mucho más al respecto. Y también me siento parte de esa construcción acá en mi ciudad. No es como otras ciudades demográficamente importantes como Buenos Aires. No es como otras capitales donde puede haber más circuitos de trabajo, pero tampoco es un lugar que no tenga recursos.

-Hablemos de los dos proyectos que lanzaste el año pasado y con los que seguís ahora. Por un lado, Ambulantes. ¿Cómo es ese proyecto? ¿Cómo surgió?

-Con Santucho compartimos amistades, gustos musicales e intereses, también respecto a determinadas temáticas sobre las cuales escribir. Y como músicos populares encontrarse con la temática de los ambulantes, con un concepto que gira en torno a esos trabajadores y trabajadoras, fue como encontrarse con un tesoro, como dar con una motivación y entusiasmo para producir que estamos buscando constantemente. Los dos nos sentimos muy atraídos por esa posibilidad. Nos dimos cuenta también de que, además de las ganas que teníamos nosotros, no era un repertorio que hayamos escuchado. No dimos con repertorios completos dedicados a eso. Entonces nos resultaba también novedoso en ese sentido. Sí a lo mejor repertorios dedicados a laburantes rurales pero no urbanos. Él cayó a mi casa una noche del año 2021, si mal no recuerdo. Y guitarreando en el patio él me mostró unas canciones que tenía relacionadas a ese concepto. Yo ya venía cantando una canción a los churreros, que está escrita por un amigo. Había hecho un audiovisual también usando el pregón del chatarrero. Y cuando llega José ya con cuatro canciones relacionadas a ese concepto, cayó así medio naturalmente la certeza de que íbamos a terminar haciendo un disco. Lo que tiene la canción popular es que -o por lo menos los criterios que compartimos con José relacionados a la canción popular- te mete en un trabajo de investigación. Vos querés hablar de algo o querés saber un poco para escribir una canción y realmente resonar en una comunidad que pueda escucharte y tenés que ponerte a estudiar, a leer, a comer churros o lo que sea que te empiece a meter más de lleno en la temática. Y ahí arrancamos con esas canciones y nos pusimos también a producir un poco más. José escribió la mayor cantidad de las canciones. Yo metí mano en tres. Después pedimos prestadas otras canciones a colegas amigos. También es parte de ese repertorio una canción de Jaime Roos que es “El grito del canilla”, que le hicimos un arreglo a dos voces, y otra de Emilio Magaldi, que es “El afilador”, un vals, creo que de mitad del siglo 20, que también lo adaptamos a a la estética que queríamos para este disco. Es un proyecto con una temática muy vigente porque atraviesa generacionalmente a mí, a mi sobrino, a mi viejo, a mi abuelo, a mi bisabuelo. Es re loco eso, ¿no? Que esos oficios sigan resistiendo o insistiendo en el pregón, en lo territorial, en la manufactura, en prescindir de los avances tecnológicos. Es un concepto realmente muy transversal.

- Y siguen girando con ese disco, ¿no?

- Sí. Tenemos esas fechas en Capital Federal y La Plata y vamos a hacer temporada acá en Rosario de vuelta. Entre las cosas que vengo construyendo están estas ganas de construir otro tipo de consumo de la música, que viene más del teatro independiente, que hace temporadas. Claro que hay diferencias entre las dos ramas del arte. Una cosa es la música y el consumo masivo y gratuito de la música y la disponibilidad gratuita de la música y otra, el teatro, que tenés que ir. Si te gustó la obra, tenés que volver a verla y pagar una entrada. Pero fuiste a ver un grupo de música y te gustó y después es darle play a una plataforma de reproducción online. Y eso no es lo mismo que pagar una entrada. Al músico le significa mucho menos eso. Así que con Ambulante estamos pensando también en esa forma de presentarnos. Ya lo hicimos el año pasado, durante todo el mes de octubre. Este este año va a ser durante todo septiembre en ese formato de temporada acá en Rosario.

-Además estás con Garupá, dedicado a la obra de Ramón Ayala. ¿Cómo se les ocurrió?

-Ramón es parte del cancionero popular argentino y litoraleño y parte de las guitarreadas. Está presente en todos lados. Es uno de los artistas más importantes del siglo 20, sin lugar a dudas. Vasto en toda su producción. Pintor. Escritor. Músico. Y cada uno, tanto Joel como Homero como yo, siempre lo abordamos de alguna u otra forma. En una guitarreada o en repertorios grabados de cada uno. Por otra parte, los tres venimos de barrios musicales distintos, pero sí relacionados a la música popular. Joel viene más del palo del tango. Homero viene más del palo de la de la música litoraleña y de la cumbia. Y yo más del palo de la canción. Estábamos con ganas de hacer música popular, de armar un grupo, pero no sabíamos qué hacer. Lo veníamos pensando ya hacía un tiempito. Y se nos ocurrió que Ramón Ayala podía ser un gran denominador común. Los tres le tenemos una gran admiración. Nos parecía que las canciones de Ramón también tienen una generosidad que se dejan intervenir, con respeto, pero se dejan intervenir. Y los tres también, como músicos populares que somos, sentimos ganas de meternos en ese trabajo que viene haciendo Liliana Herrero, por ejemplo, de trabajar la vigencia de algunos mensajes. Y pensamos también que Ramón, además de toda la belleza que tiene a nivel sonoro, tiene un mensaje muy vigente. Sus canciones pueden ser comprendidas incluso por nuevas generaciones. Así que nos mandamos en ese laburo de trabajar esa vigencia, de darle nuestras herramientas y una sonoridad que viene de esos barrios musicales que nombré hace un ratito, como para también sumarnos a ampliar el espectro de escucha de Ramón Ayala. Para nuestra generación y para las generaciones que siguen. Y así fue como nace Garupá, que también tiene una proyección larga. La vigencia de Ramón se sostiene por un mensaje, sobre todo, muy profundo, muy comprometido con su tierra, con los laburantes de su tierra, con su paisaje, muy ecologista, con todo lo que está significando esa palabra hoy. Entonces, con más razón nos dieron ganas de trabajar a Ramón.

-¿Y cómo trabajaron los arreglos, que son bellísimos?

-El que tiene más naturalidad para arreglar en tiempo real, te diría, es Joel. Lo bueno que a él se le viene la idea, la comparte y entre los tres le vamos dando forma y orientando esas ideas. También se nos ocurren cosas a Homero y a mí, pero principalmente el que más agarra esa manija es él. Después Homero es muy importante en cuanto al criterio litoraleño. Como se crió en Paso de los Libres, tocó en un montón de festivales de chamamé, hay cuestiones de criterio que van más allá de las habilidades técnicas de un instrumentista, que está bueno siempre tener ese marco. Por eso es tan importante Homero. Y además toca el acordeón, la guitarra, canta. Entonces nos da muchas posibilidades. Y en mi caso tomo las decisiones interpretativas, o sea, cómo me apropio de las letras de Ramón, cómo las fraseo, cómo trato de hacer una apropiación del mensaje para decirlo a mi manera, con otro tiempo, también con otro timbre de voz, que quizá pueda resonar mejor en las generaciones de ahora o en las que vengan. Esas decisiones las tomo yo. Y entre esos tres criterios se va acomodando la estética de Garupá.

-¿Ramón escuchó el trabajo?

-Sí, lo escuchó. Nos mandó mensajes de audio. Garupá viene justo a salir en un momento en donde Ramón está más limitado de movilidad e incluso también se lo puede visitar menos. Está en un momento de fragilidad física. Pero, sí, le hicimos llegar el material. Le gustó mucho, así que estamos re contentos nosotros.

-¿Cómo sigue tu 2023?

-Garupá y Ambulantes van a estar seguro, incluso produciendo cosas nuevas. En ambos casos nos pareció apropiado arrancar con un disco con repertorio contundente y numeroso y ya una vez hecho eso quizás subirnos a las modalidades de ahora, que son más de sacar un single y un video. Con ese antecedente de un cuerpo de canciones ya robusto y abundante, nos sentimos cómodos en el nuevo formato de ir sumándole de a poco otras canciones que vayamos produciendo. Con Ramón tenemos para hacer un millón de canciones más. Nos interesa hacer un trabajo de canciones que no son tan conocidas. En el primer disco nos parecían ineludibles los clásicos de Ramón. Pero después tiene otras canciones que son tan bonitas como esas pero no tan conocidas, y tenemos ganas de hacerlas. Y después con la temática ambulante, lo mismo. Vamos a seguir produciendo. Tenemos ahí picando oficios nuevos. Por ejemplo, cocacolero de cancha. Tenemos una canción que la estamos calentando. También tenemos letra y música del oficio de muralista, que está creciendo un montonazo. Acá en Rosario tiene una fuerza increíble. Hay una letra nueva que le tengo que poner música que me la pasó José de los carritos de choripanes y de hamburguesa. Todas cosas que son indicadores de las ganas de seguir haciendo en los dos grupos. Probablemente publique además un disco nuevo mío en estos meses. Son canciones que quedaron como al costado de estos dos proyectos, que tienen que ver con los tiempos de cuarentena y de pandemia. Si hay un denominador común entre Garupá, Ambulantes y ese disco es la necesidad de complicidad, de trabajar en equipo, de salir un poco de la cuestión solista, de producir con amigos. Y este disco que voy a publicar tiene mucho de eso: la mayoría de las canciones están hechas en parcería con otras personas.

-¿Y te vas a Europa?

-Nos vamos a ir con Garupá a la Expo Iberoamericana de Música en Portugal, a mediados de octubre. Y después nos vamos a quedar trabajando por ahí, por la región, por Portugal, por España, seguramente. Estamos armando la gira. Así que presiento que esos proyectos merecen atención para lograr una expansión linda. Siempre alguna aventura solista voy a tener porque toco la guitarra y canto. Pero Garupá y Ambulantes son los proyectos que van a seguir andando el año que viene y van a ser, seguramente, el eje principal.

“Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

CRM

Por fin llegó el esperado segundo disco de Eva y Nadia, prodigiosas voces salteñas entrenadas en los más variados ámbitos, que hacen vibrar las canciones como pocas. En, Vidala en mi zamba lo hacen con sonidos y expresiones culturales de origen anónimo y popular en un repertorio del NOA, tradicional, relacionado con la vidala, los cantos con caja y el folklore. Aunque, aclaran, “si bien nuestra interpretación es más bien tradicional y fiel a ciertos rasgos originales de cada especie que abordamos, nuestra mirada y estética interpretativa está tamizada también por nuestra experiencia y formación profesional en la música que comprende otros géneros musicales”.

O sea, no es música de fusión de estilos ni de géneros. “Nuestra mirada es moderna y contemporánea pero sobre lo antiguo”. Para este segundo trabajo del dúo compuesto por Eva Sola y Nadia Szachniuk -con el primero, Vidala, de 2012, ganaron el Gardel al mejor álbum de nuevo artista de folklore-, el punto de partida fue aquella experiencia con la vidala de hace diez años, de la mano de la cual llegaron las canciones de ahora, inspiradas en las sonoridades más tempranas del folklore del NOA y en los giros poéticos de la copla vidalera y la sencillez de su forma.

“Vidala en mi zamba tiene perfume de carnaval, cajas chayeras, y piso de tierra. Se nutre de la boca del pueblo y del paisaje pasado, del gusto de cantar a dos voces, de nuestra infancia en Salta, de un viaje iniciático a Santiago del Estero, y del amor por lo anónimo y popular”, aseguran. Contaron para la grabación con Santiago Arias en bandoneón, Seva Castro en guitarra y Facundo Guevara en percusión. Desde el sábado 7, el trabajo se puede escuchar en todas las plataformas digitales:

Julián Venegas remonta el río en canciones

Desde Rosario, cuna de tantísimos músicxs, Julián Venegas, el “Chula”, una de las voces más interesantes de la nueva generación, presenta Río arriba, un audiovisual de alta calidad, tanto de imagen como de sonido, rodado en noviembre del 2020. “Es una actualización de un repertorio rosarino hecho disco en el 2019, bajo el título Entre barcos y derivas”, explica Venegas a elDiarioAR. Para ello, retoma gran parte de las canciones de ese disco y agrega otras, todas de rosarinos y rosarinas (algunas del mismo Venegas). Río arriba se rodó en el espacio cultural Casa Brava, del Barrio Pichincha, antiguo barrio de cabarets, muy vinculados a la actividad portuaria. Esta producción enteramente rosarina se está lanzando en capítulos y ya está casi la mitad de los 14 videos en YouTube. Para septiembre, asegura el cantante, va a estar disponible además en formato disco en Spotify.

Acompañan a Venegas, Marcelo Stenta (sí, el guitarrista de Jorge Fandermole) en guitarras y dirección musical, Santiago Arroyo en batería/percusión, Tutu Rufus en bajo eléctrico, Leandro Moyano en guitarra y Tomás Bozzano en piano eléctrico. Acá les dejamos la bellísima Canción con árbol, de Martín Neri, para que empiecen a degustar.

Canciones que renacen en los arreglos vocales de Martín Sosa

Seguimos en la misma provincia, pero esta vez en Santa Fe capital. Martín Sosa se ganó una beca de creación del Fondo Nacional de las Artes para desarrollar unos impresionantes arreglos musicales de temas bastante conocidos, que próximamente saldrán publicados en formato disco en el sello Shagrada Medra (el de Luis Barbiero y Carlos “Negro” Aguirre).

Vocales Argentinas es un disco que contiene ocho versiones vocales a capella de canciones con diferentes ritmos de raíz folklórica argentina. En este trabajo, explica Sosa a elDiarioAR, confluyen diferentes propuestas. “Más allá de pretender un humilde aporte al repertorio vocal/coral, cada arreglo también fue pensado para los diferentes cantantes que han intervenido. Al no contar con un grupo vocal estable me sedujo la idea de hacer participar a solistas de trayectoria que habitualmente no cantan en este formato. Así pude generar el cruce de artistas de diferentes latitudes que admiro y quiero tanto”.

El otro aporte que le interesaba al santafesino era el de introducir nuevos autores al repertorio vocal/coral. “El único clásico versionado fue Raúl Carnota. Con mucho amor me di el gusto de versionar canciones de Ana Robles, Ruth Hilar, Analía Garcetti, Juan Quintero y de mi hermano Mario Hugo Sosa”. Todas las canciones van acompañadas de un video.

Obviamente, la idea inicial de Sosa era encontrarse con los cantantes. Pero solo fue posible para dos canciones. Después llegó la pandemia. “Cada cantante grabó desde su casa con lo que se denomina home estudio (estudio casero) y en algunos casos se alquiló un estudio profesional para grabar las voces de a un cantante por vez. Sin ensayos presenciales, sólo con indicaciones virtuales o telefónicas se fue logrando el resultado que ahora podemos disfrutar”. Algunas de estos videos ya circulan por la web.

“A puro amor y talento”, señala Sosa, que es barítono, participaron en diferentes canciones las sopranos Myriam Cubelos, Nilda Godoy, Patricia Gómez y Silvia Calcagno, las mezzos y contraltos Ana Suñé, Analía Garcetti, Vilma Wagner y Ana Robles, los tenores Mauro Bertotti, Mariano Rodríguez, y Octavio “Tato” Taján, el barítono Sergio Chiconi y el bajo Alejandro Molina.

La percusión estuvo a cargo de Juancho Perone. El trabajo cuenta además con la participación especial del “Grupo Vocal de 2 a 4” (Chachi Plank, Albertina Marín, Mauricio Lisa y Jandi Molina) y Camila Sosa así como de los invitados de lujo Jorge Fandermole y Rubén Goldín.

Cecilia Pahl entra al estudio

Nacida en Puerto Rico, criada entre Córdoba y Misiones, la cálida voz de Cecilia Pahl hasta ahora nos había deleitado sobre todo con música litoraleña. Pero su próximo trabajo, que comenzará a grabarse la semana del 17 de agosto y podría estar listo a mediados de septiembre, será diferente. “Es un disco que va a reunir canciones de compositores de la música clásica argentina, como Ginastera, López Buchardo, Guastavino, en versiones para voz y dos guitarras”, revela la cantante a elDiarioAR. Matías Arriazu tocará la guitarra de ocho cuerdas y Ernesto Snajer, la de seis. Los arreglos fueron hechos por estos dos guitarristas con la idea de releer o revisitar esas canciones “buscando esa raíz folklórica con la que fueron compuestas”, dice Pahl. Todo un desafío, que se llamará Estampas argentinas, del que solo pudimos escuchar hasta ahora este fragmentito, pero estaremos atentos a la novedades.

Yapa

Y de yapa volvemos a Rosario con esta hermosa canción de Juan Quintero en versión de La Maia López acompañada de Pablo Arrieta y Mario Chávez. Si aún no se tomaron la caña con ruda, tienen unos días aún para hacerlo. Y agradecerle a la Pacha, como en esta belleza.

Espero que hayan disfrutado. ¡Nos reencontramos en dos semanas!

“Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

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