Sin el menor rodeo, el soldado español Piedrabuena nos pone en eje teatral: “A partir de ahora, estamos en 1792”. Y hay que creer o reventar, como dice el dicho popular que, se da por bueno, proviene de la época en que ocurrían milagros a cargo de santas y santos. A su modo, el teatro es un milagro que sigue sucediendo en la ciudad de Buenos Aires (y en menor escala, en todo el país). Digan ustedes si no: que un lunes a las 20, en la calle Guevara al 300, en un sitio que se nombra Galpón, haya suficiente público para ver una obra –que ya se dio en otras salas– previo pago de $22.000, cerca de fin de mes y con el cuarto kilo de buen café tostado a $20.000 en el supermercado, ¿es o no un hecho prodigioso?

Obviamente, se trata de una platea más que dispuesta a creerse todo lo que ocurre en escena, e incluso muy propicia a celebrar con risas cómplices cuando el susodicho soldado anuncie más adelante: “Ahora va a cantar un grillo”. Porque el juego del teatro ya está en marcha y le seguimos el tren (metafórico, ya que la primera locomotora a vapor es de 1804) al recluta un tanto desaliñado, que la va de detective improvisado tras las pistas de un incendio mientras maldice su destino “en este culo del mundo, en Buenos Aires, donde no hay ni justicia ni cultura ni civilización”.

El hombre quiere entonar un quejío (él dice “quejica”) expresión del cante flamenco, ayes de dolor o nostalgia, anticipándose a esa muestra de la cultura gitana, que quedó asentada en el siglo XIX. Pero que viene de perillas para el lamento de Piedrabuena, que se hace a un lado para darle cabida a dos damas amaneradas en su hablar, pero con sus primorosos trajes (mérito de Julieta Harca) muy deteriorados, farolito en mano una de ellas. Dos chetas presumidas de fines del XVIII que fueron a ver teatro en La Ranchería y salieron trasquiladas porque la precaria sala se incendió. Y ambas deducen que una medio hermana (“por la debilidad de padre que preñó a la servidumbre”) que las acompañaba, ha muerto achicharrada. Mas no: cuando Mariquena y Juana María se alejan un poco, irrumpe una morocha aguerrida que se pregunta: “¿Seré un fantasma?”, y declara su voluntad de hacer justicia. Se borra la hermana malquerida y reaparecen las dos damas que antes hicieron gala de cultura literaria y de urbanidad: ahora, a Mariquena le “pica el bagre” mientras que a Juana María le preocupa el indio, “tribu diversa de avanzada variopinta”, que puede raptarlas. “Demonio lúbrico”, según JM. Para la previsora Mariquena, conviene entregarse… Ahí es cuando hace su entrada el cabo Piedramala, representante del virrey, otro uniformado descontento del lugar (“carísimo todo, humedad, condenado a buscar la oferta”), para hilaridad del público, por el anacronismo y por la vigencia actual del reclamo.

Y ya tenemos completo el quinteto de personajes en esta comedia de situaciones premeditadamente absurda, que da pie a esmerados chiches de actuación de actrices y actores, con Pablo Fusco y María Inés Sancerni a la cabeza, compitiendo en chispa cómica, bien respaldados por Andrea Nussembaum, Mariano Sayavedra y Julieta Brito (con un rol menos desarrollado). Mariquena y Juana María alardeando superioridad en todos los niveles, con algún intertexto de Sor Juana; Remedios dando su discurso de orgullo y asumiendo la defensa del teatro como arte. Y ¿por qué no? hay por parte del autor, Mariano Saba, una mirada de simpatía hacia esos simples soldados españoles que extrañan su tierra, que no saben bien qué están haciendo en estas playas barrosas, llenas de pastizales.

De paso, Civilización brinda un tributo a aquel primer teatro porteño, la Casa de Comedias La Ranchería, donde también se daban obras líricas, que se incendió efectivamente en 1792. Según se dedujo por causa de un cohete disparado desde el atrio de la iglesia de San Juan Bautista, aunque considerando que la iluminación era con velas de sebo, quizás no haya sido necesario el cohete de marras. Según el historiador José Torre Revello (El teatro de la colonia, 1933), fue el virrey Vértiz, natural de México y tirando a progre, quien habilitó primeramente el Corral de La Ranchería para bailes de máscaras. Destino pecaminoso que encrespó al clero del momento, y hubo que cerrar.

Tiempo después, con su espíritu abierto, en 1783 Vértiz remite un oficio al Cabildo para que decida “sobre la conveniencia o no del establecimiento de una Casa de Comedias, cuyos beneficios de aplicarían al sostenimiento de la Casa de Niños Expósitos (como se puede apreciar, con más sensibilidad social que políticos aborígenes actuales indiferentes a la crisis del Hospital de Niños Garrahan). El proyecto fue aceptado ”teniendo en cuenta que en todos los reynos (sic) se representan tragedias, zarzuelas, dramas, óperas y comedias“. Un género este último que se sigue cultivando en Civilización, bajo la diestra dirección de Lorena Vega, con el siempre valioso aporte de Jazmín Titiunik en las coreos. 

Así fue que don Vértiz hizo reabrir el galpón La Ranchería y quiso fomentar la producción de obras locales iniciada por Manuel de Lavardén con Siripo, presentada en 1789. El sitio era modesto, pero con escenario, una garita para el apuntador, bambalinas y telones, varios bancos como platea y palique para los carros atrás del patio, con palco de honor; y una cazuela para los hombres y otra para las mujeres. En la parte del proscenio podía leerse en letras doradas: “Es la comedia el espejo de la vida”.

Allí fueron las tres hermanas la noche del 16 de agosto con sus preciosos vestidos que quedaron chamuscados. Y cada una aprendió alguna lección relativa a la necesidad ancestral de los seres humanos de la representación teatral, arte protegida en la mitología griega por Melpómene y Talía, que no hay pretendida batalla cultural que pueda cancelarla, abolirla, desactivarla, revocarla, etcétera.

“Civilización”, los lunes a las 20 en Galpón de Guevara. Hasta el 17 de noviembre.

Actriz, directora, dramaturga y guionista. Lorena Vega es una de las artistas argentinas más polifacéticas y exitosas, viene del ‘off’, la escena alternativa porteña, pero también triunfa en Netflix. Con una seguridad arrolladora, afirma en una entrevista con EFE: “El teatro es resistencia”.

Lorena Vega tiene en cartel siete obras en Buenos Aires, la capital latinoamericana del teatro: cuatro como actriz y tres como directora. También es ‘Fernanda’, la psicóloga de ‘Envidiosa’, que está entre las series más vistas y que a inicios de 2026 estrenará su tercera temporada en Netflix; e interpreta a ‘La Zurda’ en ‘En el barro’, en la misma plataforma.

Y es artífice de uno de los fenómenos culturales argentinos que está recorriendo el mundo: ‘Imprenteros’, un innovador proyecto documental dirigido y escrito por ella, en el que actúa junto a sus hermanos. Se trata de un ‘biodrama’, la historia de su familia, que está disponible en obra teatral, película y libro impreso.

En todas sus obras, siempre aparece el cartel “Agotado”, pese a que la escena cultural argentina atraviesa una crisis aguda por los recortes del Gobierno de Javier Milei, quien llevó al sector a financiarse con sus propios recursos, sin apoyo estatal.

La gestión libertaria desmanteló prácticamente el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (Incaa), ente encargado de impulsar el cine argentino; pero no pudo, por ahora, con el Instituto Nacional del Teatro.

“El teatro es resistencia”, afirma Lorena Vega a EFE al explicar cómo es posible que en la coyuntura actual haya en Buenos Aires cientos de propuestas escénicas, tanto en el ‘off’ como en la zona de Corrientes, el Broadway porteño.

Vega se considera “privilegiada” porque llena teatros, graba series y presenta películas, pero reconoce que los recortes son “una herida muy grande porque hay muchísima gente que no tiene trabajo”.

“Estamos activos, el sector no se quedó callado, como muchos sectores que están siendo atacados en esta gestión y que han salido a expresarse, a luchar, con el costo que está teniendo (…). Es un sector movilizado y estamos haciendo muchas cosas, es el resultado de una tradición de lucha que tiene Argentina para defender sus derechos conquistados”, agrega.

Y añade: “Es una disciplina que tiene mucha tradición de batalla. Muchos y muchas de los que hacemos teatro somos hijas e hijos de referentes, de gente que lo hacía durante la última dictadura cívico militar (1976-1983), resistiendo en pequeños sótanos o boliches ocultos donde hacían sus performance, donde recitaban sus poesías, donde los músicos -la cultura del rock en Argentina ha sido de mucha resistencia- y el teatro estuvieron muy mezclados”.

Según la artista argentina, “toda esa gente hizo un movimiento artístico muy importante, que dejó una huella de identidad en nuestro país. Son quienes marcaron un camino, hicieron algo auténtico y genuino”.

Está convencida de que la situación “se puede revertir” porque confía en la fuerza y la convicción del sector: “Hemos estado defendiendo no perder el Instituto de Teatro, y lo hemos logrado”.

‘Imprenteros’, el “punto de inflexión”

El éxito de Lorena Vega, nacida en Buenos Aires en 1975, se explica en su capacidad para llevar a cabo buenas propuestas propias y elegir entre las ofertas que recibe. Actuó en Madrid y hasta Pedro Almodóvar la fue a ver, la felicitó en su camerino.

Ahora está llevando ‘Imprenteros’ y ‘Testosterona’ por distintos países. La primera se podrá ver en formato película en el festival de cine iberoamericano de Trieste (Italia) y en el de Girona (España), así como en la Cinemateca de Montevideo, entre octubre y noviembre próximos.

Con ‘Testosterona’, otro biodrama sobre la vida de Cristian Alarcón, el periodista y escritor chileno-argentino que dirige la revista Anfibia, toca uno de los asuntos más sensibles del colectivo LGTBI: los tratamientos de conversión a los que fueron sometidos cientos de niños en Latinoamérica.

Pero si algo le ha supuesto un antes y después en su carrera es ‘Imprenteros, según reconoce la artista: “Un punto de inflexión en mi desarrollo creativo, en mi profesión, sobre todo en mi voz artística».

“A partir de ese trabajo, que ya van a ser ocho años en que voy indagando, me fui corriendo hacia el lado del teatro documental, lo que llamamos en Argentina ‘biodrama’, piezas escénicas que cuentan vidas reales con sus protagonistas reales o con testigos reales directos de la historia”, explica.

Otra temática que persigue a Lorena Vega es la Historia de su país, el periodo colonial y la construcción de la República argentina, asuntos que trata en ‘Las cautivas’, que es un grito a la independencia de la mujer -con una actuación magistral-, y ‘Civilización’, una comedia que saca a relucir la libertad de expresión y donde ejerce de directora.

Preguntada sobre si se siente igual de cómoda en el ‘off’ que en el cine comercial o en las plataformas, concluye: “Estoy orgullosa y bastante tranquila con respecto a todo lo que pude hacer en cada trabajo que elegí”, tras dejar claro que Lorena Vega es lo que es gracias al teatro independiente.

Por Esther Rebollo, para la agencia EFE.

Desde la producción anuncian “una mirada cruda y realista sobre el mundo carcelario femenino”. Desarrollada dentro del mismo universo narrativo de la exitosa serie El Marginal y con un grupo de mujeres que ingresa sin antecedentes al sistema penitenciario, por estas horas llegó a Netflix En el barro, una de las mayores apuestas nacionales de la plataforma para este año.

Producida por Netflix y la empresa Underground, la serie es una suerte de desprendimiento de El Marginal, aunque tiene una historia propia, centrada en los vínculos, las tensiones y las distintas formas de resistencia que atraviesan las mujeres privadas de libertad.

“Durante su traslado a la prisión de La Quebrada, Gladys Guerra «la Borges» y un grupo de reclusas sin experiencia en el mundo carcelario viven una situación crítica que las unirá para siempre. Como supervivientes, a partir de ese momento, se enfrentarán a la vida en prisión luchando contra la adversidad del régimen penitenciario y el desafío de las distintas tribus que controlan la cárcel. Con la ayuda de las armas que cada una trae de su historia personal van descubriendo sus propias fortalezas y debilidades, lo que les permite hacerse un hueco en el universo de La Quebrada. En el barro narra la transformación de este grupo de reclusas inmersas en una nueva realidad: el encierro y la privación de libertad. Deberán afrontar el desafío de encontrar su propio espacio, luchar por derechos y beneficios, y resistir la aplastante influencia de las distintas tribus que dominan el día a día de la cárcel. Sin buscarlo, se convertirán en «Las embarradas». Las motivaciones y objetivos de sus vidas anteriores se sustituyen por la supervivencia diaria, al tiempo que intentan mantener los vínculos con el mundo exterior. El contacto con la familia, los seres queridos y los asuntos pendientes son lo único que alimenta la esperanza de recuperar la libertad perdida”, señala la sinopsis oficial de la tira.

Desde esta semana están disponibles ocho episodios de esta superproducción, de aproximadamente una hora de duración cada uno.

“El elenco principal está compuesto por Ana Garibaldi, Valentina Zenere, Rita Cortese, Lorena Vega, Marcelo Subiotto, Carolina Ramírez y Ana Rujas”, anticipó la plataforma en un comunicado sobre la serie, que cuenta con la dirección y la producción general de Sebastián Ortega.

Del elenco también participó la boxeadora Alejandra Locomotora Oliveras, fallecida hace pocas semanas. “El reparto se completa, entre otros, con Camila Peralta, Erika de Sautu Riestra, Carla Pandolfi, Payuca y la presentación de María Becerra”, agregaron desde Netflix.

Además, la serie cuenta con las participaciones especiales de figuras como Michel Noher, Andrea Bonelli, Juan Gil Navarro, Justina Bustos y Juana Molina, y con Cecilia Rossetto como actriz invitada.

Para los fanáticos de El Marginal, En el barro marca también el regreso de Juan Minujín, Maite Lanata y Gerardo Romano en sus recordados roles de aquella popular serie.

Quién es quién

Como ocurría en El Marginal, En el barro es una historia que sigue las peripecias de un elenco numeroso. En él se destacan Ana Garibaldi quien interpreta a Gladys Guerra de Borges y Valentina Zenere que encarna el rol de Marina Delorsi.

“Viuda del célebre criminal Mario Borges (personaje protagonista de El Marginal), su mayor deseo es quedar en libertad para criar a Juan Pablo, el hijo de Diosito (nieto de Mario Borges), actualmente al cuidado de su amiga Claudia. Acostumbrada al entorno delictivo en el que vivió durante años junto a Borges, sabe moverse y comprende inmediatamente las alianzas de poder dentro de la cárcel. Líder natural de ‘Las Embarradas’, no retrocede ante la violencia, y sabe hacerse respetar. Su llegada a La Quebrada la pondrá otra vez frente a Antín, en una situación de desventaja de la cuál él sacará provecho”, adelantaron los productores sobre el personaje de 'La Borges'.

Sobre el rol de Marina Delorsi, informaron: “Hija única, terminó el secundario y empezó la universidad, pero su belleza la alejó de los estudios, ya que un representante de modelos enseguida le propuso modelar. Contrariando los deseos de sus padres, prácticamente se escapó de su casa y se vino a Buenos Aires a probar suerte. En la ciudad, trabajó para una agencia, e hizo una rápida carrera hasta que conoció a Martín, joven heredero de un industrial poderoso de quien se enamoró. Un día, al volver de una fiesta, se puso violento, pelearon y él murió. Acusada de homicidio premeditado, fue condenada. Desde la cárcel intentará demostrar su inocencia. Su belleza dentro del penal resulta problemática, y al principio la pasa mal, se pega a Gladys a quien respeta y sigue sus consejos. Pero luego sufrirá una transformación drástica”.

La actriz española Ana Rujas, en tanto, forma parte del elenco con el papel de Amparo 'La Gallega' Vilches.

“Una joven de familia de clase alta española. Cambió su vida el día que conoció al 'Cuervo' Fernández, un hombre criminal y seductor, relacionado con el robo de autos y pirata del asfalto. ”La Gallega“ se enamoró, y dejó toda su vida anterior por él. Juntos escaparon de la justicia en España y armaron en Argentina una banda dedicada a asaltar casinos, bancos y camiones, despojando a productores, molineros, despachantes de aduana, o financistas. Con 'El Cuervo' fue muy feliz, hasta que fueron reconocidos y denunciados. Él escapó y utilizó toda su estructura criminal para liberarla el día que era trasladada a La Quebrada. Tiempo después, 'La Gallega' es re capturada por la policía y llega al penal, donde quieren hacerle pagar por lo que hizo. 'La Gallega' se siente superior al resto de las mujeres del penal. Vivió en el lujo y no se amedrenta, va a pulsear el poder como sea”, adelantaron desde la producción de En el barro.

Entre las actuaciones más esperadas de este lanzamiento se encuentra la de Lorena Vega, quien encarna el papel de 'La Zurda'.

“Sensual y decidida, era muy joven cuando se enamoró de Lalo, quien se convirtió en su proxeneta, al regentar un prostíbulo junto a su hermana, Victoria, la ”madama“ del lugar. 'La Zurda' cayó en la adicción a las drogas, pero ellos la ayudaron a superarla, y la relación entre los tres se profundizó. Cuando una denuncia de trata de personas tomó estado público y fueron detenidos, Lalo consiguió una pena leve, y enseguida recuperó la libertad. 'La Zurda' y su cuñada están desde entonces juntas en La Quebrada, cumpliendo condena. ”La Zurda“ maneja un sector completo y busca pelearle el poder a María, su antigua protectora en la cárcel, de la que se independizó”, detallaron sobre este personaje.

Una de las sorpresas de la serie es la participación de la actriz y cantante Juana Molina, quien interpreta el papel de “Piquito”.

“Era transa y adicta. Se crió en la calle, se fue de su casa de chiquita. Es la loquita del penal, no es agresiva, ni una real amenaza aunque lo parezca. Impune, se mete donde no debe y dice lo que no hay que decir. Sin embargo, todas sus mentiras y delirios guardan un lugar de verdad. Pulula por todos lados, hace mandados a cambio de quedarse con algo, y por eso conoce numerosos secretos de La Quebrada. Hay varias 'leyendas' alrededor de su locura, pero todas son inciertas”, informó la producción sobre su rol.

AL

¿Conocen las galletas de la fortuna? Las trajo a casa Marina Omacini, una amiga preciosa que es investigadora del Conicet en hongos y pastizales, además de docente en la Facultad de Agronomía de la UBA.

Tienen sabor a vainilla, que -dicen- trae felicidad. Pero lo más sorprendente (al menos lo fue para mí) es que vienen con un papelito enrollado en el interior y una frase que le revelará a quien le toque un secreto sobre su suerte. “Si no te movés retrocedés”, leyó Marina.

Valeria, la voz cantante y sonante del grupo de amigas que se reunió conmigo en la cocina verde, dijo pri: “Deja que florezcan flores, deja que los pensamientos fluyan”. Ella es Erlijman de apellido, médica psiquiatra, fotógrafa, una mujer llena de entusiasmo, creadora de la Vereda del Encuentro, un experimento pandémico que llevó su arte de imágenes a las puertas de la casa en la que vive en el barrio de Almagro.

“El primer paso es el que más cuesta”, leyó Fabiana Perelman, ex docente, amiga de una infancia compartida en el oeste bonaerense, cuando comíamos las pizzas caseras de su mamá y jugábamos al fútbol con Esteban Shock, Nora Kogan, Silvia Jacubovich, Claudia Manzanal y Gabriel Lejtman (todos tanos, menos Silvana López, de origen español, aunque su mamá era la Julita Haimovichi).

“Cuida lo escencial del vínculo”, señalaba el texto para Mariana Falco, cantante de música popular que nos regaló un tema de Janis Joplin a capella y sin capelina, con un registro grave, pero divertida sin gravedad alguna.

Con Mariana fuimos al campamento del Colegio Nacional Buenos Aires en 1974 y en el volante un compañero se hizo pis de noche, en la carpa, mojando mi bolsa de dormir. También estuvo Malena Gallardo, una de las pibas desaparecidas del CNBA, con 15 años era la secuestrada más joven de la dictadura, entre los más de cien jóvenes que asesinaron o desaparecieron los genocidas.

Norma Pili Sansoni le debe su nombre a la ópera homónima. Es arquitecta y especialista en arte contemporáneo. También ha hecho valiosos trabajos fotográficos, como la serie en la que capturó distintas escenas de las violencias en los partos, en un hospital público. “La felicidad no depende de la aprobación de otras personas, depende de tu propia aprobación”, reza la tirita que el azar le deparó.

En tanto, Rosana Vespa, la contadora del grupo, también tuvo la fortuna de Falco: “Cuida lo esencial del vínculo”. Ro es la mamá de Lucas, compañero del jardín de mi hijo Pablo y una excelente hija que tiene que lidiar ahora con un momento difícil para sus padres mayores. Algo que nos pasa o nos ha ocurrido a la mayoría del grupo de brujas que bebimos champán por la vida.

Es cierto que, como el horóscopo chino o el occidental (los signos del zodíaco, ¿dónde nacieron?), las frases de las galletas afortunadas pertenecen al orden del pensamiento mágico, el que está más allá de la física, según Aristóteles. Y acaso eso, ¿lo hace un tipo de lógica menor, ilógica? En todo caso, que alivio da sentirse acompañado por una idea sugerente, como el sana sana colita de rana para los chicos.

“Estoy en ascuas”, me dijo Virginia Rubin, una psicóloga que supo ser actriz y trabajó desde la Asociación Argentina de Actores con mis padres por la aprobación de la ley de doblaje.

Rubin no comprende el inglés, como tantísimas otras personas que hablan el idioma de los argentinos y que se quedan afuera de las “conversaciones” que se establecen en las redes. Facebook e Instagram, sobre todo. Antes de irse a hacer las compras y atender a sus pacientes, me dice: Tengo la certeza de que cuando cuando uno no levanta la palabra se queda afuera. A mí me cuestan mucho los idiomas; mi mamá me mandó a estudiar inglés y el profesor le dijo a ella: Elsa, no gaste en Virginia, es un desastre. No sabés las veces que fui a Brasil y tampoco puedo hablar en portugués. Hay un deseo de que esto cambie, debe haber mucha gente que no puede entender, no solo a los de clase media, sino a los que no están instruidos. Cada vez se les cierra más. Yo tengo un diccionario y a quién preguntarle. Apenas hablan castellano. Me doy cuenta de que no casualmente siempre son los mismos los marginados. Siempre que hay algún problema trato de hacerlo visible, aporto con lo que sé, aunque no sea una conferencia. Me sale así, con un lenguaje llano para ser comprendida por todos.“ 

“El (reciente) día del gráfico es muy importante para los trabajadores, porque se celebra el primer convenio nacional de los trabajadores gráficos. Esto sucedió gracias a la intervención y participación de Eva Duarte de Perón en 1950. En el AMBA, se festeja todos los años en el predio del Sindicato Gráfico. Familias enteras de trabajadores nos juntamos a jugar al fútbol, al truco, comer un asado y realizamos sorteos de juguetes para los hijos de los trabajadores”. El que habla es Sergio Vega, gráfico y actor. Hermano de Lorena Vega (la psicoanalista de Envidiosa y también protagonista de Mazel Tov, de y con Adrián Suar) Sergio se interpreta a sí mismo en Imprenteros, el filme y la obra teatral. 

¿Qué es una familia?, se pregunta Lorena al inicio de la película. A través de un viaje para editar el libro basado en la pieza escénica, los Vega, con la editora Gabriela Halac, unen el mundo del teatro con la edición literaria, la gráfica y el cine, donde memoria, archivo y ficción buscan dar respuesta a esa pregunta sobre esa conformación social nuclear.

Como abogado especializado en derecho internacional, el inglés Philippe Sands participó en distintos juicios. Dos casos impunes que investigó fueron el de Augusto Pinochet en su país y el de Walther Rauff, oficial de las SS alemanas que se refugió en Punta Arenas, al sur de Chile. Rauff fue quien inventó la cámara de gas ambulantes y en el país trasandino administró una conservadora de carne de cangrejo. El jerarca nazi y el dictador chileno tuvieron vidas conectadas. Sands relata en Calle Londres 38 (Anagrama) su periplo en pro de hallar el vínculo entre sendos hombres y sus destinos. Las masacres del pasado y las del presente, la vida de los Selknam de la Patagonia, las conexiones que confluyen en la calle Londres número 38, en Santiago, arman un relato deslumbrante, contenido en unas 570 páginas muy documentadas.

“Un thriller absorbente; una profunda, lúcida e indispensable reflexión sobre la justicia y la impunidad”, lo definió Javier Cercas. “Este libro no es solo el más ambicioso escrito por Philippe Sandas, también es el mejor. Apasionante”.

LH/MF

Volvió al Jardín Botánico de la Ciudad de Buenos Aires el proyecto artístico “Jardín sonoro”, con una nueva edición. Se trata de una instalación performática que reúne dramaturgas, directoras y actrices como Andrea Garrote, Eugenia Pérez Tomás y Lorena Vega, entre otras, para intervenir el espacio público y proponer “un cruce entre el teatro, la literatura y las nuevas tecnologías, a partir de relatos orales que recorren la relación entre las personas y la naturaleza”, según señalan sus creadoras.

Bajo la dirección de Aliana Álvarez Pacheco y Florencia Lavalle, esta instalación performática pone en discusión la relación que se crea entre los espectadores y el territorio, y propone pensar el teatro desde el espacio público y al espacio público desde el teatro. Es por eso que se invita al público a recorrer el jardín escuchando textos de diez minutos de distintas autoras argentinas. Quienes quieran acercarse deben hacerlo con un celular y auriculares y escanear un código QR que se encuentra en seis puntos distintos del parque.

“Jardín sonoro nace en 2019 a partir del cruce de varios intereses. En principio explorar espacios, formatos y dispositivos que corran la frontera de lo teatral e inviten al espectador a habitar la ciudad de una forma más lúdica. Es decir, revisitar esos espacios que transitamos habitualmente, agregándoles una nueva capa de sentido. Nos interesan los espacios verdes de las ciudades como oasis urbanos que ofrecen un tiempo distinto, más ligado al ocio y al disfrute, en contraste con la vorágine de la vida urbana”, explicó a la agencia Télam, Álvarez Pacheco.

En esta edición, participan con sus textos como dramaturgas Cynthia Edul, Andrea Garrote, Agustina Gatto, Silvia Gómez Giusto, Mariana Obersztern y Eugenia Pérez Tomas; de la mano de las interpretaciones de Andrea Garrote, Lorena Vega, Agustina Muñoz, Dora Mils, Francesca Giordano y Lucía Villanueva.

“Creemos que el vínculo teatro-tecnología es enriquecedor para ampliar la accesibilidad y generar nuevos formatos teatrales. Una de las grandes motivaciones que tenemos con el proyecto es llegar a públicos que no tienen el hábito de ir al teatro. Cuando estamos en el espacio estamos atentas a lo que las personas nos cuentan, lo que les conmueve de cada obra y de la experiencia en general. Hay espectadores múltiples: jóvenes, adultos mayores e incluso infancias. Eso es algo que nos entusiasma”, agregan las creadoras de Jardín sonoro.

Durante el sábado 27 y el domingo 28 de enero a las 16 y 17 Jardín sonoro se presentará como parte del club de artes escénicas Paraíso y miembros de ese equipo acompañarán el recorrido. El público en general también puede disfrutar de la actividad de manera gratuita, con su celular y auriculares, en los horarios de apertura del parque, desde las 8 hasta las 19.

En esta oportunidad, el compilado que ofrece Jardín sonoro para los recorridos está compuesto por la obra ¡Y que vuelvan al mundo los fantasmas!, de Andrea Garrote e interpretada también por ella; Te quiero, de Agustina Gatto e interpretada por Dora Mils; La hora sagrada, de Eugenia Pérez Tomas e interpretada por Francesca Giordano; Hermanos de aire, de Mariana Obersztern e interpretada por Agustina Muñoz; Verde esencial, de Cynthia Edul e interpretada por Lucía Villanueva; y Una exótica, de Silvia Gómez Giusto e interpretada por Lorena Vega.

AL con información de agencias.

Más información sobre Jardín sonoro, volumen 2, en este enlace

Dice que se trata de una versión más de su modo anfibio de ver el mundo. Que se sube a escena con la misma inquietud que cuando le pidieron por primera vez escribir un pirulo mientras era pasante en un diario. Y que siente la gran responsabilidad que implica encabezar un proyecto así como creador del Laboratorio de Periodismo Performático de la revista Anfibia.

El escritor y periodista Cristian Alarcón estrenará a partir de febrero Testosterona, una performance armada alrededor de una experiencia autobiográfica: cuando tenía seis años, fue sometido a una supuesta “terapia de reconversión” que implicó la aplicación de inyecciones de testosterona durante meses. Ocurrió cuando sus padres empezaron a ver en él lo que pensaron que eran rasgos femeninos y lo obligaron a seguir el tratamiento con el fin de “curar” su homosexualidad. 

Con dirección de la actriz y dramaturga Lorena Vega y acompañado en escena por Tomás de Jesús, el autor de El tercer paraíso, la novela que ganó en 2022 el premio Alfaguara, propone un dispositivo escénico donde se cruzan el biodrama, los experimentos nazis, las incógnitas del cuerpo, la danza, el deseo, la música, el arte visual y el periodismo.

“Las primeras experiencias de este tipo las hicimos en 2018 con Casa Sofía. No ha sido fácil convencer al resto del gremio que se aferra al instrumento periodístico puro por necesidad y urgencia. Y lo puedo llegar a entender porque la realidad impone que defendamos el oficio contra todos los agoreros que nos sepultan cada vez que pueden. Entonces, con toda lógica ha habido resistencia a creer en este modo de investigar, narrar e interpretar la realidad que se sale de todos los marcos y sobre todo del sacrosanto texto como aquello que es lo único que puede dar cuenta de la realidad”, reflexiona Alarcón ante elDiarioAR en una videollamada. Lo hace entre ensayos y a pocas horas de viajar a Santiago de Chile, donde Testosterona debutó el 16 de enero en el Festival Teatro a Mil. A partir de febrero, la performance podrá verse en el Teatro Astros de Buenos Aires.

“Los ensayos generales te dan una dimensión del dispositivo que inventaste que te sorprende a vos mismo y empezás a comprender que hay distintos niveles de presencia en la escena, porque de algún modo estás operando como performer, pero también como actor, en mi caso al mando de un cerebro y una sensibilidad extraordinaria y rigurosa como la de Lorena (Vega). Por otro lado, sos esa persona a la que estás interpretando, con lo cual se produce un efecto de autoespejo extraño que creo que servirá para suturar las últimas heridas depositadas en mi narcisismo trabajado lacanianamente. Entonces estoy ahí, con el volcán de fondo, con la marea que te hace ver cosas de tu propia intimidad. La performance de algún modo significa o conlleva un esfuerzo muy personal en un proceso de sanación que no termina nunca”, agrega.

—¿Cómo es para alguien con tu gran experiencia y con la cantidad de años de trabajo que llevás experimentar arriba de un escenario, ponerte como una suerte de novato en un dispositivo totalmente nuevo? 

—Es una rendición interesante. Creo que lo que ocurre con una experiencia de este tipo es que uno vuelve a rendirse tal como estuvo dispuesto a aprenderlo todo el primer día que entró en una redacción. Nunca me voy a olvidar cuando hice la beca en Clarín, creo que fue en el año '95 o '96. Lo primero que me tocó escribir fue uno de esos textos cortos que van a un costado del diario en papel que tienen cinco líneas a los que en nuestro gremio llamamos pirulo. Escribir un pirulo era la iniciación de cualquier becario porque estaba prohibido que los becarios firmáramos notas. Éramos los reemplazos de los reemplazos. Un día me dieron para escribir un pirulo. Era una noticia divertida y la escribí lo mejor que pude. Y no recuerdo qué viejo editor vino atrás mío, lo leyó desde la pantalla y de repente gritó a toda la redacción: “Che, ¡acá tenemos otro poeta!” (risas).

—Lindo debut.

—Yo entendí el mensaje. Dejé de usar metáforas, comparaciones y sinónimos que no iban en un  texto de diez líneas. Desde entonces recuerdo esto como un modo del camino que significa volver a estar en el lugar del aprendiz. Una rendición que es, en un sentido, de las herramientas de lo corporal, de los distintos modos de estar en escena. Pero que también es una rendición en torno al control, una forma de abandonarlo. Un ejercicio único, además, porque el periodista en general debe controlar el acceso y el chequeo de la información. Tiene sus hipótesis de trabajo, está permanentemente vigilado por otro que es un jefe en la estructura clásica de los diarios. Algo que a la vez los medios gráficos heredan de los modos del ejército: hay aprendices, cronistas, redactores, subeditores, editores, hasta directores. Es sumamente jerárquica la organización. Al mismo tiempo, cuando progresás y llegás a ser director tu tarea es controlar a los demás. No por una cuestión perversa ni psicopática, sino que tiene que funcionar todo de modo que alguien tenga los 360 grados de lo que se está produciendo. Y esa ha sido mi tarea durante los últimos 12 años. Fui muy líbero en las redacciones y después fui muy líder en los proyectos periodísticos. En Testosterona, en cambio, dejo las decisiones en manos de la directora y yo soy su performer.

Lo que ocurre con una experiencia de este tipo es que uno vuelve a rendirse tal como estuvo dispuesto a aprenderlo todo el primer día que entró en una redacción

—¿Tenés registro de cuándo o cómo empezaste a pensar en la testosterona, a nombrarla, a indagar sobre ella? 

—Me ha costado mucho acercarme a la testosterona como objeto. Todo de algún modo se desató cuando escribí un poema que apareció en Cuerpo, el libro de Anfibia del año 2018 sobre el cuerpo contemporáneo en el que escriben muchísimos escritores y escritoras impresionantes de América Latina desde Gabriela Cabezón Cámara hasta María Moreno. Yo escribo ese poema, que en realidad debía ser un prólogo, y que vomito porque empiezo a recordar. La testosterona entonces viene de un modo imprevisto, totalmente novedoso, con el recuerdo de los viajes hacia la sala de primeros auxilios donde era inyectado en el ‘77. Así comienza hace ya más de cuatro años este proceso. Después en los diálogos con Dalia Granados, una performer con la que estuvimos trabajando primeras ideas, después con Lorena Vega a lo largo de los últimos 3 años y recién ahora soy capaz de acercarme a los materiales científicos de la testosterona. De hecho esta semana por primera vez pude leer con detenimiento un material que había tercerizado, porque había que darle ajustes finales a las escenas en las que aparece la información científica. Una información que por cierto no es tan clara: uno cree que en la ciencia va a encontrar respuestas absolutas y no es así, de ninguna manera. Las discusiones entre los médicos son eternas. Y más cuando te aproximás a algo tan pequeño, tan micro, como una hormona. El terreno de la endocrinología es un terreno de ambigüedades en donde la hormona no es más que una cosa ínfima que está en juego con otras, que debe ser transportada por otras, somatizada por otras, convertida en algo por otras, y todas esas combinaciones son las que terminan dando como resultado aquello que se expresa después como un dolor o como un síntoma en tu cuerpo.  

—Aprendiste mucho del universo de las hormonas, entonces.

—Aprendí del mundo hormonal, sí. Aprendí que es un juego vital misterioso que nos confronta al abismo de lo humano desde la ignorancia que produce cada vez que uno se acerca y de cómo desconocemos lo más esencial de nuestro cuerpo. Pero esta semana al acercarme finalmente con mucho detenimiento, porque procrastino y yo ya entiendo qué significa la procastinación aunque lucho contra eso como todos lo hacemos siempre, me angustié. Eso me llama la atención porque no soy una persona angustiada o, mejor dicho, no suelo transitar la angustia con frecuencia. He trabajado mucho para ello. Y entonces ahí supe que hay algo del orden de la materialidad de la hormona a lo que recién comienzo a enfrentarme ahora. Que es una de las preguntas clave de la obra Testosterona: cuáles fueron las consecuencias de las inyecciones. Claro que las hay emocionales porque ahí lo primero que vemos es el trauma. Y el trauma es un enorme cráter al que uno se acerca con timidez y miedo. Bueno, yo con todo esto creo que me he acercado quizás demasiado o ya estoy en el interior. Pero, al mismo tiempo, eso es fantasmal porque si uno se casa solo con la idea del trauma quizás está dejando afuera otras cosas. 

Uno cree que en la ciencia va a encontrar respuestas absolutas y no es así, de ninguna manera. Las discusiones entre los médicos son eternas. Y más cuando te aproximás a algo tan pequeño, tan micro, como una hormona

—¿Necesitaste correrte de ese lugar?

—Tal vez ubicarlo en algunas coordenadas. Porque estas inyecciones ocurrieron en un tiempo histórico preciso como la dictadura, en una década precisa como la de los ‘70, en un mundo en el que la humanidad consideraba a la homosexualidad una enfermedad. Con dos sujetos como mis padres que venían de una clase social determinada: mi madre enfermera, mi padre electricista. En sus modos de comprender el mundo hay que inyectar para sanar, hay que hacer conexiones entre circuitos electrónicos para hacer funcionar una máquina. La máquina que sea, la máquina del cuerpo. Aparece así una maternidad vinculada al cuerpo enfermo al que hay que curar y una paternidad vinculada a las máquinas que deben funcionar más allá del hombre. ¡Son como una especie de pareja precursora del cyborg! Entonces esta dificultad para relacionarme con la hormona como objeto empieza recién a emerger en el final de este proceso. Y es algo que queda pendiente y que va a seguir ocurriendo, porque lo más interesante quizás de una pieza de periodismo performático es que está viva y que puede seguir siendo modificada a medida que vaya ocurriendo. Me da muchísima ilusión pensar que además esto va a ocurrir mientras esté escribiendo un nuevo texto, que no sé realmente lo que va a ser pero sé que va a existir.

—Lorena Vega señaló en más de una ocasión que le gusta pensar a las personas como archivos. Ella lo hizo con Imprenteros y ahora trabajaron juntos en la dramaturgia de Testosterona, luego de que vos mismo a lo largo de tu carrera indagaras en los archivos de otros para meterte ahora con los propios. ¿Cómo pensaste este tránsito?

—La idea del archivo afectivo me parece fascinante como material para el arte contemporáneo y para todas las disciplinas, porque en realidad la interdisciplinariedad o la multidisciplinariedad que implica el mismo concepto de anfibio con el que yo trabajo desde mucho antes de crear la revista junto a Mario Greco en la Universidad de San Martín se actualiza cada día más. Hay una línea que es la del poder de la imaginación y hay otra línea clara que actúa con fuerza en la literatura contemporánea y que proviene justamente del trabajo con los archivos personales. En el caso de Testosterona se trata de una multiplicidad de archivos, porque están los archivos familiares en donde hay una memoria muy esquiva y una cerrazón absoluta de parte del mundo médico que niega la existencia de este tipo de tratamientos. Aunque entrevistes a los mayores especialistas, es muy difícil que un médico hoy te reconozca que esto ocurrió aunque todos ellos lo sepan. Los archivos médicos son archivos muy frágiles porque las instituciones los destruyen. El Estado, en cambio, cuanto más fuerte se propone, conserva más archivos. Están los investigadores de un maravilloso documental sobre Carl Værnet, el endocrinólogo danés que inyectó testosterona en campos de concentración alemán a homosexuales para convertirlos en heterosexuales y terminó en la Argentina. Ellos encontraron el documento en el que se demuestra que el médico es contratado en el Ministerio de Salud de la Argentina cuando se refugió acá. Esta combinatoria es una combinatoria que requiere de un esfuerzo superior porque te hace enfrentar a un silencio construido justamente en base al olvido en término de archivos afectivos. Está la negativa a hablar y el silencio consciente de los propios actores, además del silencio de los gays o de personas que nunca se asumieron, de mi generación o más grandes, que también fueron víctimas de la misma política eugenésica de inyectar para “convertir”. Yo, por ejemplo, me outeé, me asumí que era gay después de estar de novio seis años con una mujer maravillosa. Tenía 23 años más o menos. En ese momento creo que era el primer gay outeado de nuestro sindicato (risas). Prácticamente no había. Excepto los militantes, los que estaban en la Marcha del Orgullo. Pero incluso en los años 90 todavía había personas que iban con máscaras. Lo que quiero decir con esto es que existió esta biopolítica aplicada a los cuerpos, que se reflejaba no solo en un tratamiento de conversión con hormonas sino que se ejercía de múltiples maneras. La sociedad lo ejercía. Por eso en Testosterona no hay únicamente dos padres culpables, ni una médica culpable, ni una psicóloga culpable. Tuvieron una participación, sí, pero en un contexto en el que la humanidad hacía eso.

Estas inyecciones ocurrieron en un tiempo histórico preciso como la dictadura, en una década precisa como la de los ‘70, en un mundo en el que la humanidad consideraba a la homosexualidad una enfermedad

—Te interesa pensar en la época, en el contexto, lo que se debe esperar de un varón.

—Es que en Argentina parece que somos progres desde hace 40 años (risas). No, no, la progresía argentina es recién nacida. Me refiero a los temas más liberales de la agenda, como las identidades o las diversidades. A la mayoría de nosotros, de los inyectados con testosterona, se nos dijo que lo hacían porque teníamos hipogonadismo, es decir que nuestros testículos no bajaban e íbamos a ser estériles. Y en algunos casos puede haber sido cierto: el hipogonadismo se manifiesta en los bebés hasta los 2 o 3 años y se puede revertir. Pero algunos médicos intentaban hacerlo con inyecciones de una enzima que opera sobre los testículos, pero que no es testosterona y es algo que se intenta una vez por semana. En la mayoría de los casos, y esta es mi hipótesis, se construyó esa narrativa para que los niños nos dejáramos inyectar. Por eso hablo de un mandato masculino de la reproducción, de cómo la narrativa de si sos macho debés tener hijos opera tan eficazmente sobre las subjetividades para enderezar el destino de alguien que intenta ir por otro camino.

—En una nota leí que, más allá del trasfondo cruel de esta historia, más allá de que remita a un trauma, también intentaron pensar en cierta zona lúdica para armar la performance. ¿Cómo fue esto?

—Yo tengo que dar cuenta de una vida bastante feliz. Hice la tarea también: tuve una terapeuta que puede haber participado, aunque ella no niegue, a la hora de pensar en este proyecto de este varón que fui en mi infancia en manos de adultos. Pero también del que yo me fui sustrayendo. Entonces fui buscando la más plena libertad que pude conseguir, con errores, con arrepentimientos, con culpas, descubriendo capas y capas y capas de mí y sabiendo que nunca eso no va a terminar porque en realidad somos un misterio hasta que nos morimos. La idea de que nos vamos a conocer es apenas un impulso vital que tenemos. Al mismo tiempo, uno se conoce cada vez más y toma decisiones más conscientes. Claro que uno también puede dañar cada vez menos, a pesar, incluso, de todo lo dañinos que somos como humanos. Pero el camino es un camino de trabajo. En mi caso, el trabajo psicoanalítico, que ha sido importante. A medida que te gana el impulso del atrevimiento de experimentación, uno aprende que también pone en riesgo mucho. En este sentido pienso que es importante lo lúdico. Sin lo lúdico, todo esto solo sería un ejercicio autocomplaciente o quizás lacerante en torno al concepto de uno mismo. Es en lo lúdico donde se pierde el objetivo, porque uno puede comenzar con un objetivo pero debe perderse en el laberinto del juego. Y es en esa esquina impensada del juego en donde surge el sentido. Es decir, lo lúdico como método para encontrar el sentido y no la reflexión cartesiana con el método académico o la pregunta racional como base. Me interesaba más el desvío hacia ese desgobierno que es el juego, que incluso en ese desgobierno tiene sus reglas. Entonces creo que la obra termina siendo un dispositivo que plantea un camino de profundidad y que no esquiva el dolor pero que no se queda de ningún modo ahí. Porque entiende que lo vital es algo mucho más complejo que eso y que también existe de verdad un plano en el que bailamos, festejamos, celebramos y gozamos, a pesar de todo. 

En Argentina parece que somos progres desde hace 40 años. No, no, la progresía argentina es recién nacida. Me refiero a los temas más liberales de la agenda, como las identidades o las diversidades

—En un texto de la escritora Sonia Budassi sobre la performance, me llamó la atención una imagen que ella recupera, que tiene que ver con tu madre como alguien que está todo el tiempo hablando del fin del mundo. Para ella todo es el fin del mundo, todo entra en esa categoría: romperse un dedo, que una vecina no te salude, una enfermedad terminal, lo que sea.

—¡Mi madre se anticipa a todas las distopías y lo hace 40 años antes porque ve el fin del mundo en 1970! (risas). Y creo que por eso no me quería traer al mundo. Ella siempre cuenta que pasó tres meses en el hospital inmóvil para poder preservar su embarazo hasta que nací. La última vez que estuvo en Buenos Aires fue al médico y le hicieron pruebas de memoria. Las hizo todas perfectamente, pero lo único que no pudo contestar fue la fecha de mi nacimiento. Dijo que era 2 de enero cuando era el 26 de diciembre. Entonces yo le digo: “Estoy viviendo en el futuro”. (risas). Creo que todo esto y que crecer escuchando sobre el fin del mundo fue un aprendizaje. Por momentos muy difícil, como en esos momentos de las inyecciones. Ignoro qué pasaba en esos dos años, de hecho me olvidé de la primera inyección hasta que salí del tratamiento. Creo que ocurrieron otras cosas, aunque no sé si algún día me lo voy a poder responder. No sé si estoy dispuesto a hacer hipnosis o alguna terapia particular para desandar ese agujero de oscuridad que el trauma ha creado para protegerme. Seguramente era algo peor incluso que aquello que se me ha permitido recordar. Los ejercicios de la memoria pueden ser sanadores o no. A veces uno no está dispuesto –y no tiene por qué estarlo– a recordar. Es un derecho el olvido. En este caso, rápidamente entendí que ella no siempre hablaba en serio. Porque si hay algo que ha hecho que sobrevivamos los Alarcón a nosotros mismos, y que sobrevivan otros a nosotros, es que no podemos transitar la vida sin humor. Si no hay ironía en la tragedia no sabemos cómo hacer. Entonces, de algún modo el fin del mundo irónico de mi madre quizás haya sido como la receta, el mapa para confluir también en esta experiencia auto-irónica que es Testosterona. 

AL/JJD

Testosterona se podrá ver a partir del 8 de febrero en el Teatro Astros de Buenos Aires (Avenida Corrientes 746, CABA). Más información, en este enlace.

 “Imprenteros”, la obra teatral de Lorena Vega y hermanos que el año pasado se convirtió en libro, adquiere hasta el 30 de abril el formato de muestra artística en la Casa Nacional del Bicentenario para evocar el interior de una imprenta pequeña y artesanal desde distintos soportes y recorrer tanto la cadencia del oficio como los vínculos familiares que se inscriben alrededor del trabajo.

Lorena Vega es una actriz, docente y dramaturga que en 2018 estrenó “Imprenteros”, una convocante obra de teatro en la que el relato autobiográfico de la imprenta de su padre y la relación con sus hermanos (Sergio y Federico) amplía una historia más general sobre la importancia de la imprenta y cómo cambian los oficios.

La pieza teatral experimenta ya su quinta temporada y sigue sumando funciones los viernes en el Teatro Picadero (Pasaje Enrique Santos Discépolo 1857) hasta agosto. “Imprenteros” rotó por distintas salas, desde la calle Corrientes, hasta eventos y festivales e incluso llegó a España. El año pasado, la obra se ramificó en un libro publicado por Ediciones DocumentA/Escénicas, una editorial cordobesa dedicada a la literatura y al teatro con Gabriela Halac en edición.

Este proyecto se desdobla por estos días en una muestra en la sala del tercer piso de la Casa Nacional del Bicentenario (Riobamba 985, CABA) como parte de un proceso que, según la actriz, “fue orgánico, como todo lo que sucede alrededor de la obra”.

“Una de las pocas cosas que tenía claro era que, al ser autobiográfico y documental, me interesaba escuchar lo que se iba manifestando y ahí hacer una selección de lo que aparecía en relación a distintos puntos: su aspecto poético, a qué podía tener de revelador para mí y qué podía ser de interés para un público que no me conocía y qué podía ir narrando una pequeña historia que tuviese distintos tonos expresivos, que van desde las situaciones más ásperas y ácidas hasta las más desopilantes y divertidas”, cuenta Vega sobre la génesis de la obra.

Para la dramaturga, es muy importante el “trabajo de grupo”. Es por eso que los distintos elementos de la muestra fueron colocados por los integrantes que también participan de la puesta en escena de “Imprenteros”. La puerta de entrada de la sala, ploteada con fragmentos del libro impreso, fue realizada por Julieta Arca, quien se encarga del vestuario en la obra.

Un extremo de la sala exhibe fotos en blanco y negro originales, a cargo de César Capasso, del taller gráfico de Alfredo Ernesto Vega (el padre de Lorena y sus hermanos) realizadas en el año 2006. Durante el armado de la muestra, el fotógrafo se encargó de la señalización de códigos QR que reponen información para quien visite la muestra.

Según Lorena Vega, Capasso es el “cómplice artístico en la recuperación del territorio de infancia”. Las fotos son planos generales del taller, de las imprentas y también planos detalle de los engranajes de las máquinas. Se capturan los rodillos de tinta y la pintura e invitan al público a detenerse sobre los elementos que hablan de un momento del oficio imprentero.

En una de las paredes de la sala, se proyectan imágenes de la obra y en el suelo se ubican unos palets que fueron recolectados de la calle y otros de la imprenta. También hay dos vitrinas de madera, realizadas por Santiago Rey e iluminadas por Ricardo Sica (también iluminador en la obra), que resguardan fotos antiguas de la familia, recuerdos de la fiesta de quince de Vega, la primera comunión y una dedicatoria tachada en la que se alcanza a leer: “A Alfredo, un chico que puede ser más bueno. De su maestra de sexto grado”.

La exposición “Imprenteros” alberga materiales que no están ni en el libro ni en la obra y que, de alguna manera, vienen a ponerle imagen a lo que en la narración teatral se cuenta pero no se muestra. “Lo que nos parece atractivo de la instalación es poder, de alguna manera, ir develando cosas, ir sumando”, explica la actriz.

“Por ejemplo, en la obra Sergio cuenta que él hizo solo una etiqueta sin la supervisión de su papá, que se hizo cargo de todos los procesos de impresión. Es una etiqueta de una fábrica del conurbano bonaerense que se llamaba 'Paycol', y él no la muestra. Simplemente dice que la tiene guardada en una caja. En la instalación, está la original que imprimió Sergio”, cuenta la también dramaturga.

Así, se destacan elementos del costurero de la madre de Vega, estampas, llaves, la paleta de colores Pantone, y demás curiosidades que coinciden con la perspectiva de Vega de que los objetos pueden contar historias. Lo que antes era un “rejunte de cosas”, para la actriz hoy se trata de un “archivo familiar”. Esta resignificación fue posible gracias a llevar la obra al papel; un proceso creativo que también hace eco en la muestra a partir de la exhibición de impresiones originales del libro.

“La escritura del libro cambió mi forma con respecto a lo que siento, me amplió el conocimiento sobre lo que significa seguir trabajando sobre la memoria, seguir observando cosas que parecen objetos inservibles, cosas descartadas, detalles tirados por ahí y, sin embargo, todo eso tiene una historia, todo eso puede ser narrado”, explica Vega.

“Imprenteros” tiene una vuelta de tuerca más con esta muestra. “Una de las resignificaciones es volver a darnos cuenta que todavía hay más que podemos descubrir de nuestra propia historia, que hay más aventuras por tener”, reflexiona la dramaturga y acota: “Cuando pensaba que con el libro ya se estaba cumpliendo un ciclo en relación a este trabajo y a este material, aparece esta oportunidad de convertir este archivo material y laboral en una exposición y nos revela muchas cosas”.

La posibilidad de ver materiales concretos en la exposición impulsa la aparición de otros relatos y asociaciones. “Aparece de nuevo una actividad que nos entusiasma, que nos entretiene, que nos da ganas de hacer, que genera encuentros con otras personas”, dice la también directora de la obra “Precoz”.

Además, la inauguración de la muestra la tarde del jueves contó con la participación de Rafael Spregelburd, dramaturgo, escritor y director argentino de teatro y Gabriel Spregelburd, gerente en Latingráfica. Para Vega, “todo eso hace que venga otra gente a conocer el material” y acota: “Por ejemplo, ayer una pareja nos contó que se conocieron trabajando en una imprenta, se enamoraron y tuvieron una hija. Se siguen escuchando historias y todo eso es muy enriquecedor”.

“Imprenteros”, que tuvo como disparador la muerte del padre y la pérdida de la imprenta familiar, se transformó en una máquina que sigue contando historias. “Es un espacio más de la creación donde se sigue desplegando este mundo de familias trabajadoras. De alguna manera, nosotros formamos esta nueva familia trabajadora, una familia elegida, una familia de amistad”, concluye Vega.

En la Casa Nacional del Bicentenario (Riobamba 985, CABA)

Con información de Télam

Las repercusiones de la exitosa y destacada obra teatral Imprenteros, de la actriz y dramaturga Lorena Vega, no se detienen. Luego de cuatro años de presentaciones en distintos escenarios, la pieza, que indaga en la historia familiar de la autora y cuenta con la participación de sus hermanos, podrá verse el próximo 26 de enero en el Museo de Arte Latinoamericano (Malba). Al mismo tiempo, el 25 de enero, Vega y su clan presentarán el libro Imprenteros. Lorena Vega y Hnos, que acompaña la puesta y fue lanzado a fines de 2022 por la editorial independiente Ediciones DocumentA/Escénicas.

Con la presencia de los integrantes de esta historia familiar y algunos de los actores que participaron de sus sucesivas puestas, la publicación será presentada en el auditorio del Malba (Avenida Figueroa Alcorta 3415, CABA) el 25 de enero a partir de las 20. Habrá lecturas en escena de actrices y actores invitados, proyecciones y música en vivo. La entrada es libre y gratuita.

Un día después, el 26 de enero, Vega y sus hermanos llevarán adelante una función de la pieza en la terraza del Malba, a partir de las 20. Las entradas se consiguen en la página web del museo.

Actriz, directora, docente y dramaturga, Lorena Vega convirtió Imprenteros en un proyecto que amplifica una experiencia familiar. Con diferentes texturas (desde videos de su fiesta de quince a fotos, desde la participación de actores profesionales hasta la aparición de su propio hermano en escena) abre las puertas a un mundo doble: por un lado, al de los trabajadores gráficos y, por otro, al de ese conjunto de secretos, verdades a medias, pasado compartido, reclamos, amor, incomprensión, memorias y mitos que es siempre una familia.

“Pienso que la obra es honesta, genuina, y que porta la voz de un caso particular que refleja mucho de nuestra sociedad. Porque hay un relato desde una mirada del trabajo, desde la clase obrera. Tanto desde la gráfica como desde las artes escénicas. Yo soy una persona que hace artes escénicas desde un lugar, no vengo de una familia acomodada que me mandó a estudiar a academias o que me han pagado de chica alguna formación. Y es la forma en la que sigo trabajando. Entonces, de alguna manera, yo me reconozco como una trabajadora cultural como mis hermanos se reconocen como trabajadores gráficos. Ahí hay un tipo de discurso, de visión, un desde dónde. Pienso que eso identifica a gran parte de nuestro pueblo, que es la mayoría. Es el lugar desde el trabajo y desde lo familiar también, un tipo de célula social que por lo menos hasta ahora fue la que predominó en nuestra comunidad que es el negocio familiar”, dijo la actriz a elDiarioAR en esta entrevista.

“Las economías de nuestro país estuvieron bastante forjadas por lo que fue la concepción del negocio familiar donde el cruce de vínculos está dado por la expectativa de progreso con el tejido familiar y ese traspaso de generación en generación de un saber. Que además tiene muchas aristas y que, en general, fue timoneado por los varones. Esto también trae situaciones muy complejas desde el punto de vista del género para pensar cómo operó ahí el patriarcado. Pero todo esto que digo son cosas que pude pensar después que existió la obra y que empezó a tener una interlocución”, agregó.

Convertida en un auténtico suceso teatral (cada vez que se anuncian funciones, las entradas se agotan) la obra se multiplicó y continuará haciéndolo durante 2023.

Además de la función en el Malba, durante febrero Imprenteros llegará al escenario del Teatro El Picadero, en el centro porteño, los viernes, a partir de las 20.

Durante marzo, además, continuarán las actividades. La obra y su autora forman parte del club de artes escénicas Paraíso, un sistema de suscripciones mensuales que ofrece a quienes se asocien la posibilidad de ver los estrenos de piezas teatrales de destacados autores, dramaturgos, performers, directores, actrices y actores de la escena independiente local. Durante ese mes, Imprenteros tendrá nuevas funciones como parte de esta iniciativa.

MA

Lo más increíble de los milagros es que suceden, dice el candoroso Padre Brown de Chesterton. Lorena Vega puede dar fe: cuando la actriz, dramaturga y directora presentó Imprenteros en septiembre de 2018, en el Rojas, estaba a años luz de imaginar que su obra iba a enamorar al público y a la crítica, que superaría los cuatro años en cartel -salvando la cuarentena-; que rotaría por muy distintas salas, incursionando incluso en la calle Corrientes; que participaría en eventos y festivales; que llegaría a España y que se convertiría en un bellísimo libro y en un documental que ya está a punto de iniciar el proceso de montaje.

Ni la multiplicación de los panes y los peces que narran los cuatro evangelistas tuvo tanto público (“cuatro mil hombres, sin contar mujeres y niños”, dice Mateo) como el que hasta estas fechas ha convocado Imprenteros. Vale recordar que aquel milagro aconteció cuando Jesucristo intentaba estar a solas luego de saber de la muerte del Bautista, cuya cabeza había pedido Salomé. Pero la multitud se fue acercando en busca de su palabra. Y resulta que uno de los jalones en el avance imparable -logrado con las mejores artes- de Lorena Vega fue su Salomé de chacra, esa gema de Mauricio Kartun -relectura campera del mito bíblico- estrenada en 2011 en el Teatro San Martín. Un suceso que continuó en 2012, en el Teatro del Pueblo.

Y fue en ese año cuando la intérprete de Kuala Lumpur (2006), la directora de espectáculos como Cabaret Lagarce (2007), sacó a relucir en la tevé a la comediante desinhibida que anida en ella gracias al programa en vivo La pelu, que protagonizaba Florencia de la V. Allí, Vega hacia a una mujer policía más bien chanta que era un desprendimiento de Amor a tiros (2009), de Bernardo Cappa. En una entrevista que esta cronista le hizo en 2017, Lorena declaraba que ese trabajo le había dado “grandes satisfacciones”, y que “cuanto terminó en 2013, entre lágrimas, Flor me abrazó, me elogió, me auguró que me iba a ir de maravillas: Esto recién empieza, vos tenés algo especial…”. Aunque el talento y la creatividad de LV ya eran suficientemente reconocidos, Florencia de la V -una actriz que se diría ajena al teatro off- supo valorarla cuando la eligió en un cásting para el rol de “la Buchanelli”,  cuando le abrió cada vez más espacio en su programa.

Desde ese entonces, en poco menos de diez años, y sin pretender abarcar toda la gama de su quehacer artístico, vale mencionar que Vega, siempre descollante, estuvo en Las mutaciones (2015-2016), Parias (2017), Todo tendría sentido si no existiera la muerte (2017-2020), Yo, Encarnación Ezcurra (2017, hasta el presente retomando funciones), La vida extraordinaria (2018, del Cervantes pasó a Timbre 4, donde permanece), Las cautivas (2021, se repone a mediados de septiembre en el San Martín). Y en 2021, dirigió Precoz, adaptación de la novela de Ariana Harwicz. 

En 2018, pues, Lorena Vega brinda ese gran gesto teatral que es Imprenteros, obra con marcado sesgo autobiográfico que se sigue representando y que ahora se ramifica en el libro de Ediciones DocumentA/Escénicas, y en el documental, producido por Ají Molido, que la intérprete y dramaturga está dirigiendo con su marido, el notable cineasta Gonzalo Zapico (que la condujo en el film El bosque de los perros, 2017), para estrenar en 2023.  En 2015, Lorena actuó junto a Pablo Brichta en el muy estimable corto La humedad, cuyo guion Zapico escribió tomando rasgos de la personalidad del padre de ella, Alfredo Vega, y aludiendo a la tensa relación entre ambos, con Julio Sosa en la banda sonora. Es decir, en esta realización hay un primer bosquejo de lo que se abriría con amplitud en la obra teatral. 

Volver a ver Imprenteros en 2022, habiendo asistido al estreno en 2018, podría tomarse como otra confirmación de que los milagros ocurren: el espectáculo sigue tan vivo, tan emocionante, tan gracioso, tan capaz de demostrar que con casi todo se puede hacer teatro si se encuentra la formulación escénica precisa. Se encienden las luces, Lorena Vega de pie frente a la platea, la mata de pelo atada y vestida con sencillez, dice su nombre, su edad, y el flechazo con el público se reedita. Un pacto de verdad queda establecido al instante.

 Gestación y nacimiento del libro

¿Qué otro objeto más apropiado que un libro para extender, ahondar los alcances de Imprenteros? Lorena Vega lo tenía claro cuando, con su hermano Sergio, fue hacia Gabriela Halac en 2019. Una elección más que acertada.

Fundadora y directora de DocumentA/Escénicas, editorial y espacio cultural independiente de la ciudad de Córdoba, Halac es poeta, ensayista, docente, varias veces merecedora del Premio Alberto Burnichon, partidaria del trabajo autogestivo motivado por el deseo de que artistas locales e internacionales se encuentren en un sitio de creación y búsqueda de estrategias para la colaboración. DocumentA se embarca en la producción de proyectos escénicos y literarios, talleres, encuentros y residencias, asumiendo la edición como práctica artística, propiciando el trabajo directo con los autores. Ha publicado libros con la firma de Emilio García Wehbi, Juan Forn, Sergio Blanco, Ileana Diéguez Caballero, la propia Halac, entre otro/as.

Imprenteros es en estos días un libro que de solo tenerlo en las manos y hojearlo, deleita los sentidos: el tacto, la vista, el olfato. Tal la calidad del papel, del diseño, de las imágenes, de la impresión. Y ese perfume de la tinta que conjuga con las viejas máquinas de la imprenta de Alfredo Vega, presentes en la tapa, en el interior del libro y en el afiche que atesora la sobrecubierta desplegable que por afuera ofrece una sugerente tapa en azul y negro, amén de un comentario incitante de Camila Sosa Villada (“si usted está en una librería leyendo esta contratapa, no dude en ir al mostrador, pagar y llevárselo”). Por dentro, en el mentado afiche, los tres hermanos en ropa de trabajo posando con actitud desafiante en el taller paterno que les fue confiscado, como dueños legítimos del lugar. Del otro lado, instrucciones de Sergio Vega para diseñar una etiqueta sin computadora.

En el interior, belleza constante en blanco y negro, algunos elocuentes toques de color. Parte de las admirables fotos originales de las máquinas que tomó en 2006 el artista César Capasso cobraron nueva vida mediante el montaje que hizo en 2018, incorporando imágenes actuales de Lorena, Sergio y Federico, una forma poética de hacer esa justicia que logra en su totalidad la obra. Hay fotos irresistibles ligadas a la historia familiar, sobreimpresiones que coquetean con el cine… Y escenas significativas de la obra de teatro: el fantástico baile inspirado en el sonido de las máquinas hecho música por Andrés Buchbinder; los actores y las actrices que hacen los personajes de la vida real, sentados en el escenario como público que mira la proyección de la desopilante fiesta de 15 de la protagonista. En todos los casos, los epígrafes a cargo de quien lee. Aparte de la pieza teatral, hay más textos: de Lorena sobre ella misma, sobre sus hermanos, los detallados agradecimientos. Al cierre, Gabriela Halac entrevistando a Sergio. Y dos yapas encantadoras: la rosa que engalanaba la invitación a aquella fiesta impresa en el programa de mano escrito en letra cursiva inglesa, como desde el estreno, pero ahora en papel satinado, y una plancha con stickers de las etiquetas de quesos, aceites, sidras que creaba e imprimía Alfredo. 

Gabriela Halac responde así a las consultas de elDiarioAR:

“El primer encuentro con Imprenteros ocurrió cuando Lorena y Sergio fueron a verme a la Feria de Editores en 2019; ella me acercó su deseo de hacer un libro con su obra, y yo le conté mi forma de trabajo. La propuesta reunía todos los condimentos que me interesan: el teatro, el libro, la imprenta, la memoria, los vínculos. El desafío era superinteresante y conocerlos a ellos empezó a construir un campo magnético y de entusiasmo muy particular. Hubo otro encuentro en una sala de ensayos en Palermo: allí se desplegaron las fotos en el suelo, empecé a conectar con el proyecto. Pero había que imaginar algo que no fuera solo publicar la obra; el material tenía mucha potencia y para explotarla había que pensar en la propia narrativa del libro.

Durante 2020 hice una entrevista-conversación con Sergio por zoom y empezamos a ensayar este nuevo contenido que se relacionaba con meterse más en la intimidad de la historia y con desarrollar la perspectiva del oficio de un trabajador gráfico en la Argentina, ya que este tipo de imprentas pequeñas, familiares, están en permanente riesgo de cierre. 

En enero de 2021 fui a Buenos Aires y asistí a una función de Imprenteros (que solo había visto en video). El primer espectáculo presencial, con aforo reducido y todos con barbijo. El libro se gestó en pandemia y las dificultades propias del momento favorecieron que Lorena dispusiera de más espacio para dedicarse a este proceso. Compartíamos a distancia archivos, fotos, el texto de la obra. Pero necesitábamos volver a encontrarnos para profundizar las preguntas que surgirían de un nuevo esquema de contenidos. 

El primer fin de semana de abril de 2021 llegaron los hermanos Vega a Ascochinga, un pueblo de menos de 400 habitantes, con la angustia pandémica a cuestas pero con muchas ganas de empezar a trabajar. Con ellos llegaron los materiales ya compartidos: el álbum de fotos, las etiquetas. Y empezaron las charlas, las preguntas, las caminatas, los ensayos, las imaginaciones de un libro posible. Después, Lorena se puso a escribir los nuevos textos, trabajamos en las definiciones narrativas, pensamos claramente el libro como obra, como dispositivo, como objeto. En la edición se puede ver, por ejemplo, el ensayo de fotos que en la editorial llamamos Kintsugi: el gesto de reparar las fotos cortadas que sacaba la mamá de Lore, haciendo entrar más gente en la imagen en una suerte de poética de la recomposición familiar. Una vez concluido el diseño editorial, llegó la parte tan esperada, la imprenta: el hecho extraordinario de que Sergio imprimiera el libro en Latingráfica, donde trabaja actualmente, y así poder terminar el trabajo en ese ritual colectivo de intercambio de saberes, extraordinario en muchos sentidos. Por la emoción, la gran predisposición de todos para contribuir a que el libro fluyera en una jornada de impresión maratónica de 12 horas. Cuando terminó ese día hermoso, Sergio comentó: ´Como diría mi viejo, ya hicimos lo más difícil, ensuciar el papel’. De esto, y de muchas otras cosas llenas de gestos, afectos y anécdotas está hecho este libro“.

Imprenteros, el libro se presenta el miércoles 7 de septiembre a las 19, en la Federación Gráfica Bonaerense, Paseo Colón 731. Charlas con los autores, la editora, el fotógrafo, e instalación artística.

Imprenteros, funciones: 9 de septiembre, Centro Comercial e Industrial de Lanús.

4 y 6 de octubre, Festival internacional del Uruguay (FIDAL 2022)

19 de octubre, Festival Semana Anfibia, en la UNSAM

21 y 22 de octubre, Teatro 25 de mayo, CABA

9, 10, 16 y 17 de diciembre, Teatro Picadero

MS

“Poliamor”, escribió en broma en su cuenta de Instagram el último fin de semana y compartió imágenes de las tres obras teatrales en las que está involucrada por estas horas. Tres obras, por otra parte, de las mejores que hay en cartel en la escena porteña. 

Imprenteros, el biodrama que escribió y protagoniza; Las cautivas, de Mariano Tenconi Blanco, donde actúa junto a la actriz Laura Paredes, y Precoz, la inquietante versión teatral de la novela de la escritora Ariana Harwicz, donde dirige a Julieta Díaz y Tomás Wicz, que se lucen arriba del escenario con audacia y actuaciones muy ajustadas.

Pese a esta enorme actividad, su versatilidad y un talento descomunal, Lorena Vega pareciera tomarse todo con calma. De hecho no tiene problemas en revelar que a veces tiene dudas sobre las propuestas que recibe, que recién con el estreno de Imprenteros sintió que podía pensarse a sí misma como autora teatral, que a veces siente resistencias hasta que por fin algo se activa y se pone en acción.

Imprenteros, que con diferentes texturas (desde videos de su fiesta de quince a fotos, desde la participación de actores profesionales hasta la aparición de su propio hermano en escena) abre las puertas a un mundo doble: por un lado, al de los trabajadores gráficos y, por otro, al de ese conjunto de secretos, verdades a medias, pasado compartido, reclamos, amor, incomprensión, memorias y mitos que es siempre una familia.

Convertida en un auténtico fenómeno entre el público, que agota entradas cada vez que se anuncia una nueva función, la obra acaba de ser declarada de interés cultural por el Ministerio de Cultura de la Nación, está a punto de convertirse en un libro y también tendrá una versión documental, que indagará en el universo particular del oficio que combina impresión, tinta, imagen, letras de molde, palabra escrita.

En diálogo por videollamada con elDiarioAR, Lorena Vega reflexiona sobre su trabajo y los distintos roles que asume por estos días.

¿Cómo te llevás con la idea de haber puesto en escena un universo familiar tan personal en Imprenteros y que eso resuene tanto en el público? 

Pienso que la obra es honesta, genuina, y que porta la voz de un caso particular que refleja mucho de nuestra sociedad. Porque hay un relato desde una mirada del trabajo, desde la clase obrera. Tanto desde la gráfica como desde las artes escénicas. Yo soy una persona que hace artes escénicas desde un lugar, no vengo de una familia acomodada que me mandó a estudiar a academias o que me han pagado de chica alguna formación. No, yo lo hice de otro modo. Y es la forma en la que sigo trabajando. Entonces, de alguna manera, yo me reconozco como una trabajadora cultural como mis hermanos se reconocen como trabajadores gráficos. Ahí hay un tipo de discurso, de visión, un desde dónde. Y pienso que eso identifica a gran parte de nuestro pueblo, que es la mayoría. Es el lugar desde el trabajo y desde lo familiar también, un tipo de célula social que por lo menos hasta ahora fue la que predominó en nuestra comunidad que es el negocio familiar ¿no? Las economías de nuestro país estuvieron bastante forjadas por lo que fue la concepción del negocio familiar donde el cruce de vínculos está dado por la expectativa de progreso con el tejido familiar y ese traspaso de generación en generación de un saber. Que además tiene muchas aristas y que, en general, fue timoneado por los varones. Esto también trae situaciones muy complejas desde el punto de vista del género para pensar cómo operó ahí el patriarcado. Pero todo esto que digo son cosas que pude pensar después que existió la obra y que empezó a tener una interlocución. 

¿Cómo fue el punto de partida? ¿Dijiste: “Acá hay algo que llevar a escena” y hay que escribirlo? Porque te metiste con el archivo familiar, el video de tu cumpleaños de quince, llevás a tu hermano al escenario...

Fue por capas. No me acuerdo quién me dijo, pero me gustó un concepto: que no es lo mismo el origen que el principio de las cosas. En este caso, creo que el origen es muy antiguo en relación a la necesidad de poder ponerle voz a mi propia experiencia. Incluso en una etapa en la que yo no me daba cuenta que tenía esa necesidad. Ahora puedo verlo. 

El principio es concreto. Es una convocatoria que me hace Maruja Bustamante para participar del ciclo Familia en el que ella hacía la curaduría para el (Centro Cultural) Rojas. Primero me resistí bastante a participar. Siempre tenía como excusa los problemas de agenda, pero internamente tenía mucho temor a hacerlo. Tenía una resistencia. Hasta que en algún momento ella me acorrala, me dice: “Mirá, es re experimental, y ni siquiera tenés que hacer una obra de teatro”. Algo de eso de alguna manera me encendió. 

Las economías de nuestro país estuvieron bastante forjadas por lo que fue la concepción del negocio familiar donde el cruce de vínculos está dado por la expectativa de progreso con el tejido familiar y ese traspaso de generación en generación de un saber.

Una obra que no tenía el peso de ser “una obra”. 

Es que decir “no es una obra” me abrió el margen. Extendí los límites. No tenía ninguna pretensión en términos profesionales. Porque cuando vos encarás una obra, que siempre es un viaje, lo que importa es la obra. Dedicándote a esto siempre tenés aspiraciones profesionales y querés que a la obra le vaya re bien. En una época quería viajar al exterior, por ejemplo, aunque desde que nació mi hijo eso ya no me interesa pero me interesa. Pero sí me interesa que la obra que hago obviamente guste, que sea prestigiosa, que sea profunda. No sé, en cada material buscás qué es lo que te desafía y lo que pensás que puede ser la fuerza de ese material. Pero con Imprenteros fue distinto porque la fui armando por partes. La obra trabaja con mucho material de archivo de diverso origen. Y todo es fragmentado. Es como un puzzle que luego tiene una articulación, por supuesto, que tiene un arco. Pero recién vi todo junto en el ensayo general, dos ensayos antes de estrenar. 

Antes de la irrupción de la pandemia, además de Imprenteros, estabas también con La vida extraordinaria junto a Valeria Lois (N. de la R.: la obra volverá durante el verano a la sala Timbre 4) y Yo, Encarnación, donde interpretabas a Encarnación Ezcurra. ¿Cómo fue para vos pasar de tanta actividad, de tanto poner el cuerpo a una escena más de parate? ¿Para dónde va toda esa energía cuando el mundo se detiene un poco?

Fue un problema de todes eso ¿no? Cómo reconfigurar esos cuerpos. Para mí fue muy difícil. Muy difícil. El primer mes estuve muy shockeada. Después hubo un tiempo que fue muy difícil, muy duro. Hasta que pude encarar algo de la reorganización de la parte pedagógica, del área más docente, entonces pude reconstruir y reconfigurar mi trabajo obviamente en las clases virtuales. También pasó algo interesante, que es que me volqué más al trabajo de la escritura, no tanto al de la actuación en las clases. Y para mí esto va de la mano de Imprenteros también. ¿Por qué? Porque siento que de alguna manera la obra me legalizó, legalizó mi propia voz. Después de haber hecho obras donde me transformo en otras, una obra en la que yo digo quién soy es, de alguna manera, el lugar donde más se muestra mi trabajo. 

¿No te veías a vos misma como dramaturga?

Es como que eso lo dejaba para quienes se dedican exclusivamente a escribir teatro. Y el punto es que yo siempre escribí, escribí todo, pero no me llamaba a mí misma dramaturga. En mi recorrido hice obras que fueron generadas a partir de improvisaciones y eso es una escritura en el espacio. Pero después hay una escritura en términos más clásicos de sentarte a escribir y a ordenar, hacer una bajada de lo que dijiste, o llevar cosas escritas para probar en el ensayo. O escribir mucho respecto de los espacios de gente que viene a entrenar. Pero bueno, el trabajo de escritura lo termino realmente de asumir con Imprenteros.

¿Cómo pensaste los tiempos más duros de la pandemia en términos de creatividad en el ámbito que te movés? ¿Creés que hubo más necesidad de escribir, de producir, de generar a pesar de no encontrarse personalmente?

Yo creo que sí, que hubo una necesidad de encontrar espacios expresivos. Creo que está como en el ADN, digamos, de les trabajadores culturales estar siempre encontrando el modo de agruparnos y de generar cosas  y que eso pasó. Si yo miro desde hoy para atrás, pienso que finalmente se hicieron y pasaron un montón de cosas. Y valoro eso que pasó sin quitarle la dimensión a lo trágico y a lo difícil y doloroso que fue y que, digamos, deja ahora un escenario como el que tenemos a nivel social con tanto dolor y tanta pobreza. 

Dirigís Precoz, la adaptación de la novela de Ariana Harwicz al teatro. ¿Hubo algo en ese material que te generó interés a la hora de aceptar la propuesta?

No fue una sola cosa. Siempre hay un conjunto de cosas para mí. Dirigir no me resulta fácil, es muy difícil, es mucha responsabilidad, siempre me cuesta decidir. Y en general dirigí cosas que me proponen, no es que yo ando con materiales y digo: “Che, tengo ganas de hacer esta obra”, está bueno este material. Nunca me pasa eso. Y siempre ando con mucha duda. En Precoz en particular es un libro que me acercan Flor Monfort y Natalia Kleiman, es la primera obra de un camino que ellas quieren hacer produciendo con materiales que les interesan y que tienen de alguna manera una perspectiva de género, una interpelación desde ese lugar. Y me costaba agarrarlo porque me parecía difícil. El libro me atraía y lo rechazaba al mismo tiempo. Lo tuve que leer un par de veces para entender más. Tuve que hacer varias lecturas. 

Dirigir no me resulta fácil, es muy difícil, es mucha responsabilidad, siempre me cuesta decidir. Y en general dirigí cosas que me proponen.

¿Cómo fue el proceso del armado de todo y cómo evaluás esto ahora que ya estrenaron Precoz?

Tomi (Wicz) fue el que mejor entendió el libro de una, en una sola lectura. Y con un nivel de comprensión y de sensibilidad increíbles. Para mí él y Julieta (Díaz) tienen una calidad actoral superlativa. Claro, todo el mundo conoce a Julieta y sabe que es una gran actriz. Pero bueno, quizás la conocen mucho más por el mundo audiovisual. Lo que hace en vivo en Precoz es una cosa demente, lo juro, de una profundidad exquisita. Y lo de Tomás también. Hay algo en el vínculo entre ellos, una materia escénica dúctil, profunda. De una vibración muy conmocionante. Esto también tiene que ver con la cantidad de tiempo que nos llevó llegar a montar la obra, porque la pandemia apareció y nos demoró. Pero también hizo que la relación con el material se profundizara.

Ahora estás también con Las cautivas, en escena junto a Laura Paredes. Por lo general a lo largo de tu carrera estuviste trabajando siempre rodeada de otras mujeres o con materiales de mujeres. ¿Cómo vivís esto, que también encaja en una suerte de perfume de época?

Es algo que ya viene conmigo, entonces me es recontra pertinente. Me es familiar. Es orgánico, es la interlocución que hice toda mi vida. Pienso que somos una generación de mujeres que venimos trabajando hace un montón. Abriendo espacios y buscando y dando lugar a nuestras voces. Con más o menos conciencia, pero lo venimos haciendo. Y que es el momento también en el que parece que hay que hacerlo. Por un lado me gusta esta sintonía y a la vez creo que la reconstrucción que necesitamos es con el mundo de los varones repensándose, pero adentro. Alguien me decía respecto de Imprenteros: “Bueno, vos hacés una crítica al patriarcado, o vos señalas algo de lo que es ese mundo de hombres pero visto por vos, por una mujer”. No podría hacerlo de otro modo. A la vez, bueno, trabajo con muchas compañeras, con mujeres, porque es una marca de época, la época nos estará acompañando. Pero para mí es algo que ya está en mí esa escucha y ese intercambio que a la vez es con todes adentro. No podría de otra manera, además, tengo un hijo varón y pienso mucho en su mundo, en el futuro, en su crecimiento. Me parecería muy injusto y muy fea la exclusión, la estigmatización, la confrontación. Por eso pienso que, desde las obras, algo hay. Imprenteros señala un tipo de comunidad, un tipo de célula social que probablemente ya empiece a caducar, ya se vendrán más fuertemente otro tipo de composiciones familiares ¿no? Otras formas de maternar, de cuidar, de crecer, de generar lazos económicos y sociales. Me parece que estaría bueno que eso pase también.

AL

Imprenteros vuelve a escena por estos días. Más información sobre funciones y salas, por aquí.

Precoz, con la actuación de Julieta Díaz y Tomás Wicz, se puede ver de jueves a domingos en el espacio Dumont 4040 (Santos Dumont 4040, CABA).

Las cautivas, de Mariano Tenconi Blanco, se puede ver en el Teatro de la Ribera. Más información sobre funciones y entradas, por aquí.