Este noviembre de 2025 llegó el primer tráiler de ‘Toy Story 5’, la nueva entrega de una de las sagas por excelencia de Pixar que se estrenará en cines el próximo 19 de junio de 2026 a nivel mundial, y que supondrá el primer largometraje sin John Lasseter involucrado.

En el tráiler de ‘Toy Story 5’ se confirma una trama que gira en torno a la tecnología en los niños como una amenaza a los juguetes tradicionales, al llegar una tablet a las manos de Bonnie, ‘Lilypad’, que amenaza la vida de los demás y poner las cosas muy difíciles.

Cómo la tecnología supuso que ‘Toy Story’ sea parte de la historia del cine

Justo el tráiler de esta última entrega llega cuando se cumplen 30 años del estreno del que fue el primer largometraje de la saga de ‘Toy Story’ y el primero de Pixar, que entonces era una pequeña empresa formada por un grupo de jóvenes a los que no les importaba experimentar y que así cambiaron la historia del cine, sobre todo de la animación, a la que influenciaron en estas tres décadas.

De hecho, se suele comparar a este ‘Toy Story’ con lo que supuso ‘Blancanieves y los siete enanitos’ para Walt Disney en 1937 al ser un “salto adelante radical tanto en la tecnología como en la manera de contar historias de animación”, como reconoció en un congreso el dibujante y director Bill Kroyer.

‘Toy Story’ se estrenó en 1995 después de que Pixar se desgajara de Lucasfilms y fuera comprada por Steve Jobs, proyectándose a fuego lento y aupada tras los cortos que habían tenido éxito, con el Premio Oscar de ‘Tin Toy’. Al conseguir colaborar con Walt Disney a nivel de distribución, tuvieron que superar las dudas que había desde el estudio por no seguir normas clásicas como que no hubiera números musicales como tal o un villano claro.

Así, se convirtió en el primer largometraje de animación completamente por computadora (CGI) con un estreno en Estados Unidos el 22 de noviembre de 1995, tras un presupuesto de 30 millones de dólares que fue superado por creces tras recaudar 400 millones de dólares, todo un éxito en crítica y taquilla con una historia simple sobre la llegada de un nuevo líder en un grupo contada con juguetes como personajes principales.

‘Toy Story’ supuso un antes y un después en el cine de animación, al marcar una pauta que se siguó durante estos 30 años, no solo por Pixar, sino también por el propio Disney y otros estudios como Dreamworks o Sony Animation.

La última película abre un debate sobre la tecnología en los niños

Es curioso que justo la tecnología que fue una aliada para la propia saga de ‘Toy Story’ sea el objeto de discusión de la quinta película, en la que una tablet llega para amenazar la vida de los juguetes, ahora con Bonnie, y en la que será la primera sin uno de sus creadores, John Lasseter, que dejó Pixar en 2018.

Este tema interesó a Andrew Stanton y Kenna Harris, directores de la película, que reconocieron la razón por la que querían indagar en esto: “Fue un viaje hermoso ver cómo el equipo favorito de juguetes podría responder al mundo tecnológico actual. Fue increíble contar con la extraordinaria Greta Lee para dar vida a Lilypad, equilibrando un tono juguetón y antagónico con humor y corazón”.

“Ser único a veces significa sentirse solo”, dice un personaje de Elio en una de las escenas de la nueva película de Pixar. La frase, que es la premisa bajo la que gira la última apuesta del estudio de animación de Disney, cobra más importancia que nunca en tiempos de redes sociales. A través de stories de Instagram, querer parecerse a los demás se ha vuelto una constante peligrosa en una época dominada por las nuevas tecnologías. Esos influencers que tantos seguidores acumulan en Internet, con sus vidas y cuerpos perfectos, se han convertido en los máximos referentes de los adolescentes.

Sin embargo, ser como estos influencers es una misión imposible: nada de lo que muestran en redes sociales se asemeja a la realidad. Ni a la realidad de sus vidas, ni a la realidad de quienes las consumen frente a la pantalla. Las consecuencias ya se están percibiendo, propagando un sentimiento de incertidumbre cada vez más abudante entre los más jóvenes debido a esas aspiraciones que irremediablemente acaban viéndose frustradas. Elio, la película de animación que llega a los cines de España este 9 de julio, pone el foco en esta problemática, presentando a un protagonista que desea escapar del mundo que lo rodea porque se siente incomprendido y piensa que no encaja.

Para Elio, un niño de 11 años, su mayor sueño es viajar al espacio y conocer a los extraterrestres que lo habitan. Después de haber desistido a seguir intentándolo con la gente de su entorno, el muchacho ansía ahora comenzar de nuevo en un planeta diferente, buscando allí a amigos y gente con los que pueda ser él mismo. Esta exploración, que hace de la historia toda una cinta de ciencia ficción, sirve para poner sobre la mesa temas como la identidad, la pertenencia y, como apunta la productora Mary Alice Drumm a elDiario.es, la soledad, un “verdadero punto de referencia” para todos aquellos que trabajaron en la película.

“Las redes sociales a veces pueden hacernos sentir menos conectados”, dice Mary Alice Drumm, “así que, cuando surgió la cuestión de la soledad, tuvimos la oportunidad de hablar con Vivek H. Murthy, el entonces cirujano general de los Estados Unidos (la máxima autoridad en salud pública del país”. Murthy había publicado el alarmante informe Nuestra epidemia de soledad y aislamiento, algo que preocupaba al equipo de la película “no únicamente como padres, sino también como individuos”. “Esperamos que el público se identifique [con Elio], porque todos nos sentimos solos, pero se trata de tender la mano y establecer conexiones”, añade la productora.

La relevancia de la amistad se percibe en la trama cuando Elio conoce a Gordon, el entrañable extraterrestre con el que el joven termina entablando una fuerte relación como amigos. Ambos se confiesan tanto sus vulnerabilidades como sus miedos, algo que, pese a ser fundamental a la hora de crear cualquier vínculo, no siempre es frecuente. La directora estadounidense Madeline Sharafian señala que, “cuando conoces a Elio por primera vez, él piensa que nunca lo entenderán, siente que es el único en la Tierra y que nunca podrá conectar con nadie”. Sin embargo, agrega que lo bonito de la conexión que surge entre Elio y Gordon es que el extraterrestre lo ayuda a darse cuenta de que “hay alguien más como él”.

“Es Gordon, aunque sea un extraterrestre y esté separado de Elio por quién sabe cuántos años luz, quien le enseña que siempre hay alguien que tiene el mismo núcleo que tú”, sostiene la cineasta, que pretende que el público pueda “aprender a ver la Tierra de la misma manera”. “Cuando fui por primera vez a una escuela de animación, al fin conocí a gente que vivía al otro lado del mundo”, explica Sharafian. “Muchos de mis amigos eran de Corea del Sur. Nunca había encontrado a gente con la que conectara hasta entonces. Y, de repente, aquí estoy, hablando con personas con las que nunca habría tenido la oportunidad de hablar si no hubiera perseguido quien era y seguido mis propias pasiones”, reflexiona.

Con esta nueva producción, sus creadoras, como cuenta Madeline Sharafian, tienen la “esperanza” de que “la gente no pierda la fe en que hay alguien ahí fuera”: “El mundo es enorme. Habrá alguien con quien puedas conectar si sigues intentándolo y no te rindes”. No obstante, quienes lo tienen más difícil son los niños, pues la infancia es una etapa marcada por las inseguridades. Muchos de ellos luchan por el ímpetu de ser ellos mismos pese a que ello conlleve no seguir la norma, algo de lo que es consciente Domee Shi, directora canadiense de Elio que ya trabajó para el estudio en Red, quien afirma que lo hacen “tratando de descubrir quiénes son en un mundo que quizá no los acepte”.

El protagonista, como razona Domee Shi, “sabe que no es aceptado en la Tierra, así que se esfuerza al máximo por ser aceptado en otro lugar”, algo que, aunque la cineasta describe como “imperfecto y un poco excéntrico”, también hace que “no puedas evitar admirarle por hacerlo”. “En su viaje, aprende que la verdadera pertenencia viene de dentro, y creo que eso es lo que todos nos damos cuenta al crecer”, indica Shi. “Cuando somos niños, es muy fácil pensar: ‘Voy a huir y me iré a un lugar mágico donde todos me acepten’, pero luego te das cuenta de que tienes que crear ese mundo a tu alrededor. Tienes que ser tú quien se acerque a los demás, quien establezca esas conexiones. Tienes que esforzarte por encontrar tu lugar”, comenta en alusión a uno de los principales mensajes del filme.

“Eso incluye, sí, ayudar a alguien. Pero también incluye abrirte, mostrarte vulnerable ante alguien, compartir una parte de ti mismo con otra persona y esperar que te acepte”, alega Domee Shi. “Todas esas cosas las tocamos en la película y mi esperanza es que la gente se lleve algo positivo cuando termine de verla”, añade, confesando que tanto ella como Madeline Sharafian se basaron, para la elaboración de la película, en sus “propias experiencias como las chicas raras” de sus respectivos pueblos “que soñaban con llegar a un lugar donde todo el mundo las entendiera y las aceptara”.

Una pobre acogida en taquilla

Pese a no ser un remake, o quizás precisamente por ello, Elio ha sido un fracaso en las salas de cine de Estados Unidos. La cinta, con un presupuesto de 150 millones de dólares, tuvo en el país norteamericano el peor fin de semana de estreno para una película de Pixar en la historia, recaudando solo 21 millones de dólares en la taquilla nacional. En comparación, la otra gran apuesta de Disney para el verano, la versión de acción real de Lilo y Stitch, acumuló 146 millones de dólares en su primer fin de semana, ascendiendo hasta los 182 millones si se tiene en cuenta también el lunes, que fue festivo por el Día de los Caídos. El remake de acción real roza los 1.000 millones en todo el mundo.

Los números son sorprendentes, puesto que, desde el estreno del remake de Blancanieves, el público ha estado pidiendo más historias originales por parte de las grandes productoras. Madeline Sharafian cuenta a este periódico que se sienten “muy orgullosos de que Elio sea la única película original que se estrena este verano” y que “es una locura que hayamos llegado a este punto”. “Lo que me encanta de las originales es que te pueden sorprender de verdad”, dice Sharafian. “Por ejemplo, Pixar ya ha hecho dos películas de ciencia ficción, Wall-E y Lightyear, pero queríamos crear una de ciencia ficción que no hubiéramos visto antes. Así que nos sentimos muy afortunados de tener total libertad para crear algo completamente nuevo”, zanja.

Siempre quedará la duda de si la cinta hubiera funcionado mejor comercialmente si no se hubieran llevado a cabo los cambios que sufrió la trama durante el proceso de producción. Según una investigación del portal especializado The Hollywood Reporter, el personaje de Elio iba a ser inicialmente retratado como queer, reflejando la identidad de Adrián Molina como cineasta abiertamente gay, que también se encuentra en la dirección del largometraje. El medio informa de que se eliminó por completo la pasión del protagonista por el ecologismo y la moda, así como una escena en su dormitorio con fotos que sugerían un enamoramiento masculino, lo que vuelve a poner el foco en la urgencia de seguir reclamando un arte inclusivo y honesto.

Es lunes. Termino el último paciente y salgo a los Verdi. Hace unos días en un viaje familiar aproveché las horas de vuelo para revisitar la primera parte de Intensamente, por lo que tengo la historia de Riley y sus emociones bien reciente. Son las 22 y empieza la película puntual. La sala, a pesar de las horas, tiene una buena entrada, síntoma de su éxito. El fructífero viraje de Disney en el estreno de Intensamente 2 fuera de su plataforma tiene un valor añadido. El cine, cuando ocurre compartido entre las paredes de una sala, adquiere una nueva dimensión: que las emociones pueden contagiarse.

Las personas aprendemos a sentirnos seguras. Nuestro Sistema Nervioso Autónomo es el encargado de gestionar nuestra supervivencia regulando la respuesta ante el estrés: actúa como un sistema de detección interno que escanea nuestro entorno y que está constantemente comunicándose y sintonizando con los demás reproduciendo de manera autónoma los estados de quienes nos rodean. Es lo que en psicología llamamos corregulación. 

En una manada, si un animal percibe peligro todo el grupo se pone más alerta y ello aumenta sus posibilidades de supervivencia. Los seres humanos funcionamos exactamente igual. Cuando estamos con personas enfadadas nos hace sentir peor, y cuando estamos con personas que están tranquilas y felices nos sentimos mejor.

Reconozco haber ojeado, antes de ver la película, un par de críticas de titanes de la prensa española. En oposición a lo leído, técnico y adultizado, el valor de esta película no reside en los aspectos técnicos, ni siquiera en los comerciales. Se equivocan los adultos que pican en la tendencia de centrar la crítica en la comparación con la película anterior.

Para ver esta película conviene liberarse de prejuicios y cargas de la vida adulta y adquirir el prisma que los que hoy en día somos adultos tuvimos con series como 'Érase una vez la vida'

Ambas películas, al final de los créditos, comparten dedicatoria: “A nuestros niños”. Mientras que en la primera continúa con un “please don't grow up. Ever” (“Por favor, no crezcas. Nunca”), en la segunda dice “we love you just how you are” (“Los queremos tal y como son”). Y es que para ver esta película conviene liberarse de prejuicios, de cargas y responsabilidades correspondientes a la vida adulta y adquirir el prisma que los que hoy en día somos adultos tuvimos con series como Érase una vez la vida o Érase una vez el cuerpo humano, en donde se trataban de forma simple y amena diferentes aspectos sobre anatomía y enfermedades del cuerpo humano.

La serie se estrenó en el año 1986. Desde entonces la vida ha evolucionado de manera acelerada, no solo por la llegada de Internet, sino por la aparición de nuevos padecimientos y malestares psíquicos, muchas veces fruto de la vida acelerada y los hábitos de una nueva forma de relacionarnos con la propia vida, con el trabajo y con las expectativas.

En la serie de los 80, las explicaciones se realizaban a través de las aventuras de distintos personajes que representaban los órganos, células, etc. En Intensamente, al igual que en Érase una vez la vida, las expresiones psíquicas se nos presentan a través de animados personajes que explican de manera clara y amena su funcionamiento y lo que es más importante: su existencia.

El éxito de una película Intensamente como se hace latente cuando, ante el consumo disparado de ansiolíticos y antidepresivos en la población adulta en las últimas décadas, y al tratarse de una cinta enfocada principalmente a población infantil, ésta cumple una función psicoeducativa atrayendo a miles de personas, en su mayoría niños y niñas, a las salas de cine. El valor es doble. No solo cumple la función psicoeducativa, sino que acerca las generaciones más pequeñas a las salas y a la experiencia del cine. 

Atendiendo a las estadísticas, es probable que algunos de los detractores más prestigiosos de esta película se hayan puesto finos de benzodiacepinas a lo largo de su vida. 

Las emociones nos van acompañando en nuestras decisiones a lo largo de la vida, unas favoreciendo, otras entorpeciendo, pero todas necesarias

Las palabras que se pueden leer al final de la película representan lo que cuenta la historia y quién es el público a quien va dirigido. Cómo las emociones nos van acompañando en nuestras decisiones a lo largo de la vida, unas favoreciendo, otras entorpeciendo, pero todas necesarias, como representa el abrazo comunal de Alegría, Miedo, Ira, Asco, Tristeza, Envidia, Aburrimiento, Vergüenza y Ansiedad, las verdaderas protagonistas de la historia, en los últimos minutos de la película. Lo que se cuenta también representa cómo la interacción con nuestro entorno ejerce una influencia directa sobre nosotros, capaz de condicionar nuestras vivencias conduciéndonos a uno u otro destino.

En 1868, el científico Charles Darwin realizó un estudio para probar que animales y humanos compartíamos una serie de emociones innatas y universales, un código que nos sirve para comunicarnos entre especies. Dicho estudio formó parte del libro La expresión de emoción en los hombres y animales publicado en el año 1872, y concluyó que algunas de esas emociones eran la alegría, el miedo, la sorpresa, la ira y la tristeza. Estas representan casi la totalidad de los personajes de la primera película de Intensamente.  

A medida que las personas interactuamos con nuestro entorno y adquirimos nuevas experiencias, activamos nuevas formas de comunicación emocional, entre las que, entre muchas otras, se encuentran el resto de personajes de ambas películas, incluida la ansiedad.

La ansiedad es un componente básico de la condición humana que cumple un cometido concreto: percibir y alertarnos sobre un posible peligro. Su funcionamiento se activa de forma refleja, e involuntariamente. Si este mecanismo genera una sensación constante de preocupación y miedo en situaciones que a menudo no son amenazantes, puede dar lugar a una problemática mayor y afectar significativamente a diferentes aspectos de nuestra vida. Cuando los síntomas de la ansiedad sobrepasan un umbral, podemos sufrir un ataque de pánico, un episodio de angustia y miedo intenso que se presenta de forma repentina, sin que aparentemente exista ninguna causa, acompañado de síntomas físicos como taquicardias, dificultad respiratoria, mareos, sensación de hormigueo, náuseas, despersonalización y desrealización, entre otros.

Esta línea entre ansiedad y pánico podemos verla en uno de los momentos más lúcidos de la película, cuando Riley es expulsada al banco dos minutos en un partido de hockey, tras haber golpeado a una de sus amigas, presa de un estado de ansiedad que la empujaba hacia una expectativa excesivamente ambiciosa: marcar tres goles, uno más de los que había marcado la mejor jugadora del equipo en el mismo tipo de partido, un tiempo atrás. Una idea aparentemente genial del personaje Ansiedad que frustra y bloquea las expectativas de Riley en ese partido y antepone sus necesidades ante el cuidado de sus amistades. La propia emoción se muestra bloqueada e incapaz de salir del trance. En esa secuencia se refleja de manera brillante lo que puede suceder en un ataque de ansiedad. 

La ansiedad puede ser una manifestación de un estrés mantenido en el tiempo. Normalmente el perfeccionismo o unas exigencias poco realistas acrecientan los estados de ansiedad. Por otro lado, el creciente uso y exposición de los jóvenes a las redes sociales hace que sean más propensos a tener problemas de este tipo. En este sentido, en la película, el personaje Aburrimiento entra en un colapso emocional cercano a la ansiedad cuando Miedo le quita la consola con la que maneja el control. Un problema creciente que de un tiempo a esta parte ha sido identificado con el nombre de 'tecnoestrés', algo que algunos autores ya se atreven a denominar como una pandemia mundial de consecuencias relevantes en la salud mental y la economía de la población. 

Según el último informe de la Junta Internacional de Fiscalización de Estupefacientes (JIFE), dependiente de Naciones Unidas, España es el país que más benzodiacepinas consume del mundo. Estamos hablando de fármacos como el Diazepam (Valium), Alprazolam (Trankimacin) o Lorazepam (Orfidal) que se utilizan principalmente para el tratamiento de trastornos de ansiedad. Ante esta situación, la OCU ha denunciado la falta de especialistas de salud mental en Atención Primaria. En la actualidad casi la mitad de las visitas al médico de familia son debidas a problemas de salud mental, prescribiéndose habitualmente este tipo de fármacos porque no hay ni tiempo ni especialistas para valorar el problema adecuadamente y poder optar por otros recursos como la psicoterapia.

El disparatado aumento del consumo de benzodiacepinas no deja de ser la prueba de que no se están tratando de forma adecuada los problemas de ansiedad y salud mental, y de que muchas veces estos fármacos se recetan a la ligera, pero lo más alarmante es que el consumo de tranquilizantes también se ha disparado entre los más jóvenes. El 24,9% de los chicos y chicas entre 14 y 29 años han consumido psicofármacos en los últimos años, muchos de ellos sin receta médica, según el Barómetro Juvenil. Salud y Bienestar.

A este respecto, recientemente se ha publicado un estudio que advierte de la influencia de la industria farmacéutica en salud mental, evidenciando los cada vez mayores niveles de estrés, agotamiento e insatisfacción en la vida de los usuarios. En este sentido, los autores indican que hay una tendencia a incentivar a las empresas farmacéuticas a mantener una comprensión biomédica del malestar para la cual pueden desarrollar y vender psicotrópicos y dispositivos médicos, y no se sorprenden ante el hecho de que un estudio de 2020 descubriera que 7 de cada 10 empresas farmacéuticas importantes gastaron más en ventas y marketing que en investigación y desarrollo. Por si asaltan las dudas, no todos los profesionales de la salud mental pensamos que es una buena noticia que un amigo te diga que está mucho mejor desde que consume X médicamente. 

Por si asaltan las dudas, no todos los profesionales de la salud mental pensamos que es una buena noticia que un amigo te diga que está mucho mejor desde que consume X médicamente

En la ansiedad, la emoción protagonista es el miedo. Los más jóvenes son los que tienen la vida por delante, los que confrontan con las complejidades de una nueva realidad. Los mayores hemos de ir acompañando en la educación y psicoeducación a los más pequeños. “Tenemos que prepararnos”, dice Ansiedad en algún momento de la película. Ella trabaja con proyecciones a futuro, con anticipaciones catastróficas y automatizaciones irreales que cancelan otras emociones como la alegría y el entusiasmo, y dan paso a otras como el miedo, la vergüenza, la ira y la tristeza. Ninguna de ellas es necesariamente perjudicial, sino que conforman un equipo que da identidad a nuestro sistema de creencias, como se ve en el abrazo final entre ellas.

En definitiva, se hace tremendamente educativo ver cómo la alegría puede entristecerse, o ver cómo la tristeza, la ira y el miedo pueden alegrarse. Es necesario realmente entender que podemos invitar a nuestra ansiedad a disfrutar en un sofá de un plácido masaje mientras le ofrecemos una infusión relajante. ¿Por qué no? Ahí reside el comienzo de la despatologización en las nuevas generaciones.

Probablemente, a día de hoy, la saga Intensamente sea una de las mejores aproximaciones psicoeducativas en la historia del cine.

PG

Disney anunció que trabaja en las películas Toy Story 5, Frozen 3 y Zootopia 2, tres nuevas secuelas de sus éxitos más grandes en el terreno de la animación.

Pese a que no tienen fecha confirmada ni detalles de los proyectos, el anuncio del CEO de la compañía, Bob Iger, deja entrever que Disney busca recuperarse en un lugar seguro tras el fracaso en taquilla de otras historias originales.

“Me complace anunciar que tenemos varias secuelas en proceso de desarrollo dentro de nuestros estudios de animación para algunas de nuestras franquicias más populares, Toy Story, Frozen y Zootopia”, expresó Iger.

La producción, que volverá a estar conducida por Pixar, contará con el retorno de Tim Allen al rol de Buzz Lightyear. Allen se apartó del papel en el spinoff Lightyear, pero regresará a darle vida al célebre juguete.

“Hasta pronto, Woody, eres un hombrecito triste y extraño y te compadezco”, tuiteó Allen, citando una línea de Buzz en la Toy Story original. “¡Y nos vamos al número 5! ¡Hasta el infinito y más allá!”, remataba, confirmando que habrá quinta entrega. El comentario de Allen sugiere un regreso a casa no se sabe si con Woody (Tom Hanks), quien se reunió con la perdida Bo Peep (Annie Potts) antes de despedirse de los juguetes de Bonnie para vivir de forma independiente en la cuarta entrega de la producción de Pixar. Los cineastas, en su día, destacaron que esa entrega cerraba la amistad de Buzz y Woody, pero el policía espacial y el sheriff tienen al menos una historia de juguetes más que contar.

Por otra parte, se conoció que la plataforma Disney+ perdió 2.4 millones de suscriptores en el último trimestre, lo que llevó a la decisión de despedir a 7 mil empleados.

Zootopia ya tiene una serie en Disney+ y la primera entrega recaudó más de mil millones de dólares en el mundo. La segunda entrega de Frozen, en tanto, recaudó 1.400 millones de dólares a nivel global, mientras que la cuarta de Toy Story recolectó 1.070 millones de dólares.

NB

Un beso entre dos mujeres. Un simple beso en una escena fugaz, de apenas 30 segundos, ha provocado una oleada de comentarios reaccionarios en redes sociales contra Lightyear, la película de Pixar y Disney que se ha estrenado en salas hace apenas dos semanas. Para ellos, se trata de un acto de adoctrinamiento en vez de una simple muestra de normalidad y de la diversidad sexual que existe en nuestra sociedad. Nunca hubo una queja porque los padres del resto de películas fueran heteronormativos, pero en esta ocasión han aprovechado para atacar a un colectivo infrarrepresentado en el audiovisual.

El cine y las series han comenzado a abrirse al colectivo LGTBI, que empieza a aparecer como protagonistas o secundarios, pero siempre desde el cine adulto. Sin embargo, el cine familiar ha perpetuado los mismos patrones y los sigue perpetuando. La escena lésbica de Lightyear es una excepción, y así lo demuestran las quejas de los trabajadores de Pixar, que ante la aprobación de la calificada como ley 'Don’t say gay' , escribieron una carta denunciando que desde Disney se habían censurado todos los contenidos LGTBI que se habían propuesto en los guiones. Incluso el beso de Lightyear estuvo en peligro. Un vistazo al cine familiar y de animación para todos los públicos que ha triunfado en taquilla en los últimos diez años confirma que no hay hueco para la diversidad sexual en estos productos.

Jesús Generelo, asesor en materia LGTBI del Gabinete de la Ministra de Igualdad española, confirma que la presencia LGTBI en los personajes de este tipo de cine es “muy, muy limitada”, pero quiere “ser optimista”. “Creo que empieza a haber signos de apertura, aunque sea muy tímida, pero hay algunos gestos que son visibles para toda la gente, y otros que son visibles para las personas LGTBI, que estamos preparadas para captar cualquier signo de referencia, cualquier espejo en el que podamos mirarnos, y en esto hablo del caso de Frozen, por ejemplo, que hubo polémica sobre si Elsa era lesbiana o si debería ser más explícita o no. Hay pequeñas cosas como el beso de Lightyear, pero sí, vamos lentos porque la familia sigue siendo un territorio heteropatriarcal”, apunta.

Este año, además del beso de Lightyear, se ha vivido otro momento importante en este tipo de cine comercial y palomitero. También dentro de una saga popular y querida por todas las familias, la de Harry Potter. En su última entrega, Animales Fantásticos: los secretos de Dumbledore, el protagonista, interpretado por Jude Law, revela que tuvo una relación sentimental con el villano, Grindelwald. Una relación que marca lo que ocurre en la saga aunque se cuente, de nuevo, de forma rápida y en una breve escena. Son las dos únicas obras masivas destinadas a toda la familia estrenadas este año que han incluido una escena en la que se muestra o habla de forma explícita y con alguna importancia. 

En la secuela de Dr. Strange, por ejemplo, se introduce un guiño que es una de las pocas menciones LGTBI de la gran franquicia Marvel, una de las más exitosas y de las más pacatas en este sentido. La protagonista lleva una chapa con la bandera arcoiris en su chaqueta toda la película y tiene dos madres. No se las ve besándose, como en Lightyear, pero al menos se menciona. Muchos niños construyen sus referentes respecto a lo que ven en el audiovisual, y si no ven mujeres trans, parejas bisexuales o familias no normativas, creerán que son excepciones raras. 

A pesar de que las películas de Marvel están dirigidas a un público no tan infantil como el cine de animación, la representación de la disidencia sexual es escasa. De momento, son dos las menciones en un universo que estrena al menos dos títulos al año. La chapa de Dr Strange en el multiverso de la locura y la pareja homosexual de Eternals, estrenada un año antes. La película de Chloe Zhao es, de lejos, el filme más diverso de la franquicia y, por primera, vez, uno de los héroes es abiertamente homosexual y se besa con su marido. Ese 2021 Marvel estrenó otros dos títulos, Spider-Man y Viuda Negra sin que hubiera una mínima representación LGTBI. 

Parece que la figura de la productora argentina Victoria Alonso, una de las mujeres más poderosas en el estudio y que en sus declaraciones públicas apuesta por la diversidad en sus películas, puede ser fundamental para cambiar esto, pero de momento la diversidad está más presente en las jornadas promocionales que en las imágenes. Tessa Thompson, la actriz que interpreta a Valkiria en Thor, reveló en una entrevista que su personaje era bisexual, pero en las películas no ha habido ni rastro de ello, y en la nueva entrega se desliza de forma muy sutil. Hasta ahora no ha habido ningún protagonista que no se mostrara como heterosexual. Costó que introdujeran mujeres como personajes principales, pero los LGTBI sigue siendo una nota al pie. “No pueden quedarse al margen”, apunta Jesús Generelo, que cree que, aunque hay tímidos avances por parte de Marvel, debería ser algo “muchísimo más normalizado”: “No tendría que ser un tema que provocara polémica ni escándalo el que haya superhéroes LGTBI o que haya dibujos animados LGTBI. Los hay en la realidad, así que debería haberlos también en esas películas”. Tampoco la rival de Marvel, DC, ha ayudado en ese sentido. Ninguna de sus películas de su nuevo universo cinematográfico (Wonder Woman, Aquaman…) han incluido ningún personaje LGTBI. SIn embargo, en los cómics, ambas empresas sí se han desarrollado muchísimas historias en las que la diversidad sexual ha tenido protagonismo y que, de momento, no han sido adaptadas al cine.

El dinero no se ha acercado hasta que se han empezado a abrir nichos de mercado, hasta que han empezado a ver que, a lo mejor, no es tan contraproducente en términos económicos

Jesús Generelo — Asesor en materia LGTBI del Gabinete de la Ministra de Igualdad

Mientras que en 2022 Lightyear fue la única que introdujo un personaje, ninguna película de Disney o Pixar lo hizo el año anterior. Ni Raya ni Encanto ni Luca. Muchos vieron en esta película sobre dos amigos en un pueblo italiano un Call me by your name animado. Es cierto que el filme hablaba de aceptar al diferente, encarnado en un protagonista que esconde su condición de ser mitad humano mitad pez, pero hasta su director, Enrico Casarosa, negó por activa y por pasiva esta intención en su obra. El cine de animación del estudio del ratón solo ha vivido otro momento de representación en Onward (2019), también de Pixar, donde un personaje anecdótico, una agente de policía, decía que su mujer la esperaba en casa. Fin de la diversidad. Por supuesto, el filme también fue censurado en países como Kuwait, Oman, Qatar y Arabia Saudita. En Rusia se quitó esa línea de diálogo.

La falta de diversidad no ocurre solo con cine de animación de Disney, sino todo en general. Las películas estrenadas en los últimos diez años como Los Croods, la saga de Gru y Los Minions, Klaus, Tadeo Jones, Kubo… tampoco han aportado nada en este sentido. El único gesto visible es la chapa con la bandera del arcoíris que lleva la hija de la familia de Los Mitchell en una película que, debido a la pandemia, se estrenó directamente en Netflix. También había diversos momentos que sugerían que era lesbiana. Sin embargo, mientras que el personaje de su hermano pequeño (y heterosexual) tenía una trama con un interés romántico, su orientación sexual quedaba en un segundo plano.

Tampoco en 'Star Wars'

La cantidad de franquicias en poder de Disney hacen que en el cine familiar exista casi un monopolio. También de ellos es la saga de Star Wars, otra que en nueve episodios ha incluido un personaje LGTBI. Por supuesto, no era ningún protagonista ni ningún secundario de peso, sino la Comandante d’Acy que en el episodio IX celebra la victoria con un beso con otra mujer. Sus intérpretes siguieron la máxima de Marvel, fuera de la película decían que les encantaría que hubiera más diversidad y celebraban la tensión sexual entre Poe y Finn (Oscar Isaac y John Bodega), pero luego eso no se trasladaba a la pantalla.

Las adaptaciones Live Action, o con actores de carne y hueso, de los clásicos de animación de la compañía han aportado pequeños gestos, pero desde el cliché. Ha ocurrido recientemente en Cruella, que incluyó un personaje queer que recibió críticas por ser un estereotipo amanerado. Básicamente, como el filme, adoptaba la estética glam de personajes como David Bowie y las colocaba en un secundario con algo de peso en la trama. Más explícito, pero también más estereotipado, fue el caso de Lefou, en la adaptación de La bella y la bestia de 2017. Interpretado por Josh Gad, el filme dejaba claro en varias ocasiones que el personaje era gay y estaba enamorado de Gastón, también que tenía algo con Stanley. En el final, incluso, cambia de pareja para dejar a la chica y acabar bailando con él. Eso sí, era el personaje cómico, en el que recaían los chistes y las burlas.

Hollywood es una máquina de dinero, y todavía no arriesga cuando se la juega en películas que han costado más de 100 millones de dólares producir. “Estamos hablando de grandes negocios y el dinero es muy conservador”, deja claro Generelo. “Durante muchos años, la diversidad sexual ha estado muy estigmatizada, y el estigma contagiaba a cualquiera que se acercara. El dinero no se ha acercado hasta que se han empezado a abrir nichos de mercado, hasta que han empezado a ver que, a lo mejor, no es tan contraproducente en términos económicos. Eso, en un principio, se abrió con el famoso dólar o peseta rosa, con los famosos negocios gays que iban dirigidos a un público casi exclusivamente varón y gay adulto, pero poco a poco también se está viendo que las infancias LGTBI y las adolescencias LGTBI existen, y que también demandan su parte del pastel. Es verdad que estos sectores con fuertes componentes económicos son muy reacios, pero bueno… no me gusta citar marcas, pero ya hemos visto un anuncio de un banco con un anuncio de lesbianas que están esperando un hijo y buscan una hipoteca”, analiza.

Todos los cambios son reversibles. A veces se revierten los logros, por eso hay que estar alerta, hay que seguir apoyando este tipo de audiovisuales

Jesús Generelo — Asesor en materia LGTBI del Gabinete de la Ministra de Igualdad

Y en España...

Quien ha triunfado dando un giro a su carrera hacia el cine familiar es Santiago Segura. Suyas son las películas españolas más taquilleras de los tres últimos años. La presencia de la diversidad LGTBI en estas tres obras da una de cal y una de arena. La aportación positiva viene en Padre no hay más que uno (2019). Justo al final de la película, el protagonista recoge a su hijo de la casa de un amigo. En el coche le pregunta que por qué no deja de pegarse con ese chico, y su hijo le dice que porque le gusta. Santiago Segura, que interpreta a un 'cuñado' lleno de tópicos, frena de golpe sorprendido, y dice “eso sí que no, eso no puede ser”, para dar un giro inclusivo: “A la gente que te gusta, no se le pega”. El padre acepta con total normalidad que al niño le gusten los chicos.

En la cara negativa se encuentra A todo tren: destino Asturias (2021), en la que se ríen del lenguaje inclusivo, tratándolo como algo que solo usan dos hippies exagerados. “Nosotros les decimos niños, no hay que asignarles un género antes de que puedan elegir”, dice el personaje de Sara Sálamo, que es todo lo q se espera de una hippie, con su furgoneta destartalada incluida. Santiago Segura responde que su hijo tiene 8 años, “pero que elija él cuando crezca”. En la secuela de Padre no hay más que uno no se profundiza en la homosexualidad del niño, aunque se le muestra hacer ballet sin ningún tipo de estereotipo, ni de amaneramiento ni como algo extraño. Es llamativo que la pareja de guionistas tanto de una película con un personaje inclusivo tanto de la otra, donde hay una burla hacia la inclusividad, sea la misma: Santiago Segura y Marta González de Vega.

Este es otro de los problemas de la representación LGTBI, que “los gays siempre están más representados”, mientras que las personas bisexuales o trans prácticamente no existen, aunque algo está cambiando “sobre todo, en las series donde hay personajes trans e incluso no binarios”, como ocurre en Ser o no ser, ficción de Playz. Están especialmente en “series para un púbico juvenil, como Euphoria o Sex Education, que introducen otras diversidades que antes no había”. Parece claro que la diversidad pasa por las plataformas, como confirma Jesús Generelo: “Ahora te metes en Netflix y tienen docenas de títulos para ver, y en Filmin hay como 400 títulos con la etiqueta diversidad”. Pone de ejemplo Heartstopper, la serie de la plataforma estadounidense sobre dos chicos gays de 15 años y que, para el experto, es “una serie modélica para ver en familia y que llegue a públicos amplios”.

Estas son muestras de que el audiovisual debe dar pasos en este sentido, porque “no puede ser una fortaleza que mantenga los valores del pasado, sino reflejar los del presente y futuro”. A pesar del optimismo de Generelo, tiene claro que “todos los cambios son reversibles”. “El paso de los años no siempre va hacia el progreso. También a veces se revierten los logros. Hay que estar alerta, hay que seguir apoyando este tipo de audiovisuales, pero yo creo que estamos en una situación mucho mejor desde hace diez años, e incluso donde estábamos hace cinco”, concluye.

JZ

En sus más de 20 años de historia, Pixar ha animado a juguetes, coches, peces, dinosaurios, insectos, estados de ánimo, almas, monstruos… Sin embargo, parece que le ha costado apostar por los seres humanos. Cuando lo ha hecho ha sido siempre con un toque fantástico que centraba la narración, como en su revisión de los superhéroes en Los increíbles o de las princesas Disney en Brave. Como si les costara más emocionar a través de los seres humanos que de un juguete que habla. Ha habido excepciones. En Coco se atrevieron a hablar del duelo y de las raíces; mientras que en Luca hablaron de la amistad, aunque se quedaron en su superficie de cuento colorido en vez de rascar y profundizar en las posibilidades que ofrecía su historia.

Si los seres humanos no han sido un territorio explorado para el estudio de animación, las mujeres menos aún. Solo Brave tiene claramente una protagonista femenina. El resto han sido personajes masculinos. Solo por eso su nueva película ya supone un paso adelante para ellos. Por primera vez pone en el centro del relato a una chica, y por primera vez se atreve con una etapa tan confusa y rica para las historias como la adolescencia. Red —que desgraciadamente Disney ha decidido estrenar directamente en su plataforma en vez de en salas— rompe una barrera y habla de ese momento en el que tu cuerpo cambia, tus intereses se modifican y las seguridades se desmoronan. 

Por si fueran pocos los alicientes, la niña protagonista, Mei Lee, de 13 años, es descendiente de una familia china, por lo que su protagonismo derriba otras muchas normas de representación del cine de animación de Hollywood. No vemos a una joven blanca ni tiene un rostro canónico destinado a vender Barbies y muñecos. Un personaje a través del que también se habla de otras comunidades que se han instalado en EEUU y que intentan preservar sus costumbres en medio de un país que tiende a borrarlas o a verles como presencias exóticas. Además, Pixar vuelve a sacar su trama de grandes ciudades. Esta vez no se va a destinos de postal en los que replicar su tipismo (como el México de Coco o la Italia de Luca), sino que coloca a esta familia en Toronto. Una ciudad normal para una niña normal. 

No es casualidad que la impulsora del proyecto y quien ha asumido las labores de dirección y guion sea Domee Shi, quien ya conquistara a todos (Oscar incluido) con su corto Bao y que ahora salta al largo confirmándose como uno de los talentos que Pixar debe promover y dejar libertad para que cuente sus historias. Su retrato de la adolescencia es tierno, divertido y certero. Además, valiente, ya que se atreve incluso a abordar de forma abierta y con mucho desparpajo un tema tabú en el cine como es la menstruación. La regla es el centro de un gran tramo del filme y de grandes momentos cómicos. Que un título de Pixar se atreva a tratar un tema tan invisibilizado en el cine solo se puede aplaudir. Casi todas las películas sobre la adolescencia de acción real lo obvian (las de animación ni se lo plantean) y hay que remontarse a algunas como Carrie para encontrar un filme donde una menstruación tenga tanta importancia.

Por supuesto que Red tiene una fuga fantástica, como siempre en el estudio y que no es un relato realista de la adolescencia. Aquí hay una leyenda milenaria que convierte a las mujeres de la familia en pandas rojos gigantes cuando se ponen nerviosas. Una metáfora sencilla sobre los cambios físicos y mentales del paso de la niñez a la juventud que funciona a la perfección. Mei Lee se enfrenta al mayor cambio posible, ver cómo su cuerpo se convierte en un bicho peludo que tendrá que esconder en el colegio, igual que las niñas esconden su primera menstruación para que los niños abusadores no se rían de ellas. Hay inteligencia en este retrato que la directora reconoce que es el de su propia infancia y que también aborda otros temas que no suelen tratarse en este tipo de cine, como la aparición de los primeros deseos sexuales (esos dibujos de chicos con el torso desnudo).

En Red está también —por desgracia— el típico mensaje moralista de Pixar. Aquí centrado en la necesidad de escapar de las ataduras familiares para disfrutar de la juventud. Eso sí, sin romper del todo. También hay una defensa de las raíces asiáticas y de cómo hay que defenderlas e integrarlas en la sociedad actual. Red, cuyo ritmo funciona como un reloj y que no alarga su trama hasta la extenuación, también funciona como artefacto nostálgico —en ocasiones incluso demasiado— de una época concreta. Podría haber sido perfectamente un retrato actual, pero Domee Shi se mantiene fiel a que esta sea su película. Una película que habla de ella y de sus experiencias, y por eso sitúa la acción en los 90. Ese grupo de amigas, carismático, inclusivo y maravilloso, que no tienen móviles, llevan su Tamagotchi colgado y se mueren por ir a ver a la boy band de moda. 

Si en lo narrativo Red ya es una joya, en el apartado técnico Pixar vuelve a demostrar que no tiene rival. Cambia radicalmente de estilo y realiza un filme que derrocha imaginación y que bebe del manga, del anime y de series como Ranma 1/2 (de la que incluso toma prestado el cambio de persona a animal). Una película maravillosa que no debería pasar desapercibida por su estreno casi de tapadillo en Disney+ en vez de en una sala, el sitio natural para ver este paso adelante del estudio de animación.

JZ

Los profesores de los colegios de Florida no podrán hablar a sus alumnos sobre orientación y diversidad sexual. Es el resultado de un proyecto de ley aprobado en el Senado y promovido por los republicanos que ha levantado una gran polémica en EEUU. La ley del 'No digas gay', como se conoce popularmente, ha visto cómo desde Hollywood se oponían a su implantación. Desde Disney no se hizo pública su postura, pero sus empleados filtraron a Variety un mail firmado por su CEO, Bob Chapel, en el que manifestaba su “compromiso inquebrantable de Disney con la comunidad LGBTQ+”.

“Somos y seguiremos siendo líderes en el apoyo a organizaciones que defienden la diversidad. En 2021 proporcionamos casi 3 millones de dólares para apoyar el trabajo de las organizaciones LGBTQ+. Tenemos una larga historia de apoyo a eventos importantes como los desfiles del Orgullo”, decía el comunicado en el que explicaba la postura oficial de la compañía: “El mayor impacto que podemos tener en la creación de un mundo más inclusivo es a través del contenido inspirador que producimos, la cultura acogedora que creamos aquí y las diversas organizaciones comunitarias que apoyamos, incluidos los que representan a la comunidad LGBTQ+”. Respondía así a las críticas recibidas por no manifestarse públicamente contra la ley conservadora.

Su mail ha tenido una respuesta desde dentro de su propia compañía. Exactamente de parte de los trabajadores LGTBQIA+ de Pixar, que han escrito una carta que ha sido publicada en la que acusan a Disney de prohibir cualquier tipo de contenido abiertamente queer de sus películas. Los proyectos que desde el estudio desarrollaban iban siendo mutilados desde Disney, propietaria de Pixar, que eliminaba cualquier referencia “abiertamente gay”.

“En Pixar hemos sido testigos personalmente de hermosas historias, llenas de personajes diversos, que regresan de Disney reducidas a migajas de lo que alguna vez fueron. Casi todos los momentos de afecto abiertamente gay se cortan a instancias de Disney… Incluso si crear contenido LGBTQIA+ fuera la respuesta para corregir la legislación discriminatoria en el mundo, se nos prohíbe crearlo”, dicen en una alusión directa al mail de Bob Chapel respecto a la ley de Florida. Disney, de momento, no ha respondido a la carta de sus empleados de Pixar.

Las películas de Disney y Pixar siempre han sido criticadas por su falta de diversidad sexual, y por vender los pocos avances como logros mucho mayores de lo que son. Fue significativo lo ocurrido en la película Onward, donde se vendió a bombo y platillo que habría un persóname LGTB que finalmente resultó ser un personaje femenino más que secundario que en un momento dado del filme decía que tenía una novia, mostrando de forma abierta su homosexualidad. Eso sí, ninguna historia ha tratado el tema abiertamente ni han tenido un protagonista gay. De hecho, Onward fue prohibida por ese pequeño elemento en países como Qatar o Arabia Saudí.

La polémica más reciente fue con Luca, donde muchos vieron en sus dos protagonistas una metáfora del descubrimiento de la homosexualidad de dos niños italianos, pero en la que su director dejó claro que no era su intención aunque se mostraba contento por las lecturas que se estaban haciendo sobre el filme.

PP

Paisajes a pincelazos, historias críticas, música entrañable. Las películas de Studio Ghibli se destacan por primero cautivar la retina, luego endulzar los oídos y tercero la inevitable reflexión. El director de cine japonés Hayao Miyazaki lo logra y no por poco es una de las figuras más importantes de la animación oriental. Con relatos de fantasía que lo caracterizan, con fuertes personajes femeninos y una decisión irrevocable de la defensa del medioambiente, sus películas se han vuelto las favoritas de adultos y chicos a lo largo de las décadas. Y ahora pueden disfrutarse en Netflix, una de las plataformas favoritas en formato streaming.

“El viaje de Chihiro” es quizás el largometraje más popularizado de Miyazaky, por la complejidad de la historia y la claridad de la crítica que realiza el director al sistema capitalista. Sin embargo, en la plataforma hay disponible un catálogo de películas con todas las características que fascinan de este mundo oriental del séptimo arte.

El increíble castillo vagabundo

Un castillo con pies, portales mágicos y escenas de cocina extrañamente satisfactorias. Sophie es una adolescente cansada de trabajar en el aburrido negocio de sombreros de su pueblo. Escucha las historias de Howl, un mago que deambula pero que nunca se lo identifica. Pero su vida cambia cuando una bruja la transforma en una anciana y, avergonzada, se va hacia la búsqueda de Howl, con la esperanza de que logre romper su hechizo.

Estrenada en 2004 el propio Miyazaki calificó a Howl no Ugoku Shiro, como su creación favorita y aseguró que contiene mucha “rabia” contra la guerra de Irak del 2003. Los fanáticos del director japonés también la eligen como una de sus preferidas. Muchos cuestionan las diferencias entre el libro y la película: mientras que la novela busca desafiar las normas sociales y de género, la película se centra en el amor. Sin embargo, es claro el mensaje pacifista y el de un respeto a la vejez y su sabiduría.

Mi vecino Totoro

Uno de los films más infantiles de Miyazaki. En los años 50, una familia japonesa se traslada al campo. Las dos hijas, Satsuki y Mei, entablan amistad con Totoro, un espíritu del bosque. El padre es un profesor universitario que estimula la imaginación de sus hijas relatándoles fábulas e historias mágicas sobre duendes, fantasmas y espíritus protectores de los hogares, mientras la madre se encuentra enferma en el hospital.

Era la película favorita de John Lasseter, el fundador de Píxar y un devoto del director japonés que dejó su puesto tras las denuncias por acoso. Incluso en Toy Story 3, Lasseter le rindió homenaje a Totoro, con un cameo entre los juguetes de Molly, la nueva dueña de los juguetes de Andy.

Ponyo y el secreto de la sirenita

Sosuke, un niño de 5 años, forja una amistad con una princesita pez a quien bautiza Ponyo, quien quiere desesperadamente ser humana. En esta obra, Miyazaki reescribe la tradicional “Sirenita” de Hans Christian Andersen que Disney popularizó y la transforma en una oda ecologista, un abrazo a la infancia y el respeto a la inocencia.