Se habla mucho del compromiso político de los artistas. Que si deben pronunciarse o no. Que si antes lo hacían más que ahora. La Ferni directamente nació a la vida artística comprometida. Su desembarco en la música de raíz fue revolucionario desde el principio. Pero no solo por la conocida historia de su participación en el Pre Cosquín, donde no la dejaron presentarse en la categoría de solista vocal femenina por ser una cantante trans no binaria, pero luego -intervención del extinto INADI de por medio- cambiaron el reglamento para que solo exista la categoría de solista vocal, sin distinción de género. La Ferni revolucionó y revoluciona el folklore también porque resignifica clásicos para hacerlos inclusivos y porque su repertorio incluye un cancionero nuevo de autores diversos que se abren paso en el panorama actual.

Desde la última vez que charló con este medio, muchas cosas pasaron en la vida de esta artista. Su proyecto trascendió, creció como intérprete y se convirtió en referente para muchos otros artistas a los que aún les cuesta lograr visibilidad. Pero no solo a nivel artístico. La Ferni es de las primeras en levantarse ante las injusticia, como hizo el año pasado cuando organizó junto a otres un festival en apoyo a la lucha del pueblo jujeño en el Parque Lezama. Fue de las primeras también en denunciar el aumento de los discursos de odio en las redes cuando se confirmaba el triunfo del libertario Javier Milei en las elecciones.

De vivir, trabajar y crear en la era Milei y de sus proyectos charlamos en esta entrevista.

—¿Cómo estás llevando todos estos cambios que han ocurrido y que afectan tanto al quehacer cultural?

—Difícil, con autogestión. Desde acá en casa armar mi estudio para dar clases de canto. Me estoy desempeñando como profe particular de canto en este momento, por suerte con muchos horarios, con muchos, muchas, muches alumnes. También tengo la posibilidad de seguir cantando, inventar cosas, seguir imaginando encuentros, siempre con ese motivo urgente que es el abrazo, la canción, el encuentro que estamos necesitando. Es todo muy laborioso, muy cuesta arriba. Pero a la vez cuando ocurren las cosas es muy satisfactorio. Porque es un momento muy oscuro, muy terrible a nivel país, a nivel cultura, a nivel políticas de Estado, a nivel de vaciamiento, despidos, represión. Entonces estamos ahí, llevándola, abrazadita a la música, a mi familia, mi red en este momento tan complejo. Por suerte tenemos el arte, ¿no? Decimos y es verdad, no es solamente una frase, que por suerte están esos momentos donde podemos ser en comunidad, bailar, cantar, ser felices, intentar conectarnos con otra cosa, algo que nos haga emocionar, que nos conmueva, que nos haga pensar. Esa es un poco nuestra tarea.

—A la vez, en este tiempo se fue consolidando tu proyecto, viajaste por el país. ¿Sentís que ya el mundo del folklore, de la música de raíz, te abrió las puertas y está todo bien o todavía hay por ahí alguna nariz fruncida cada tanto?

—Siento que se van abriendo muchas puertas. Por la voluntad, el tesón, el empecinamiento de una de seguir habitando esos espacios, de seguir llevando de esta forma sincera una propuesta, un folklore respetuoso, arcoíris, que hable de la poesía, del respeto, desde la multiplicidad de identidades que conforman esta sociedad desde un lugar amoroso. Mucha gente va acercándose, va escuchando este mensaje y eso es algo hermoso. Yo creo que la gente va abriendo esas puertas, el pueblo, el público que se acerca y va pidiendo que una esté, va llenando las salas, ocupando las butacas. Hay una respuesta in crescendo aún en este momento. Sí observo que algo de eso está pasando. Me miro, me fijo dónde estaba el año anterior y digo ¡wow!. Ahora estamos haciendo en breves días El patio disidente de la Ferni en Santiago del Estero, algo que ya veníamos haciendo en Cosquín. Vamos a repetir el Patio Arcoíris en medio del cumple de la abuela Carabajal en Santiago del Estero. Tenemos ahora la fecha en el CAFF, el 9 de agosto, que es un lugar en el cual, parece pavada, pero no es menor para una, desde el arte autogestivo, entra más del doble de la gente que metíamos el año pasado. Entonces una observa que de repente puede animarse de a poco a cantar en otros escenarios. Puede llevar esta propuesta como la estamos llevando de vuelta en marzo de este año a Córdoba y Rosario y que pueda acercarse mucha gente, viajar como estuve en Tanti, en Icho Cruz, empezar a recorrer el Gran Buenos Aires, haber estado en Berazategui, en Vicente López, en Munro, haber ido varias veces este año a La Plata. Estas son las puertas que se van abriendo. Pero los trolls de las redes no han muerto, están presentes. Y hay muchos comentarios de odio. Y también me parece que a veces esos comentarios, saber que esa gente existe, condicionan un poco a algunos programadores, que no se animan todavía a convocar a alguna artista, algún artista trans no binarie en algún festival. Esas cosas todavía ocurren, pero me parece que muy prontito se van a dar vuelta. Porque este mensaje, estas propuestas son de mucha calidad, también de mucha humanidad.

—Contame de la fecha en el CAFF.

—Va a ser un show largo, importante, como fue el de abril, con full banda. En esta oportunidad Pacho Barroso en guitarra, Nicolás Rey en percusión, Marce Vicente en violonchelo, va a estar bailando LeGon Queen, mi amiga drag, va a estar performateando y después tres invitades sorpresa increíbles. Te puedo decir que una es una persona muy cercana a mí, con la cual también hago un espectáculo llamado Ópera Queer (NdR: Luchi de Gyldenfeldt, su hermana gemela). Y la otra es una gran, enorme cantora que admiro muchísimo. Y el otro invitado, un enorme pianista. Estamos muy, muy felices de que la fecha pueda ser también no solamente un recital, sino una peña, que fue lo que nos propusimos en abril y que salió hermosamente. Estoy muy feliz de estar repitiendo un evento así, que fusiona recital con fiesta con peña, en donde hacemos un repertorio nuevo, también hay un equipo de vestuario, de maquillaje, está toda la puesta de luces del CAFF. Son fechas muy producidas. Esta es la segunda de tres este año. La última será en diciembre. Estamos con toda esta ansia de encontrarnos, juntarnos, poder abrazarnos, bailar, cantar juntes, hacer esa catarsis tan importante, tan necesaria con la música. Teresa (Parodi) dice “la canción es urgente”. El encuentro es urgente, digo yo también. El encuentro, la canción, el abrazo es urgente. Y a eso les invitamos.

—¿Cómo elegís el repertorio?

—Investigo. Ahora estoy justamente investigando. Va a haber un reversión de clásicos en la fecha del 9. Seguramente cante por primera vez algo del repertorio de Raly Barrionuevo. Obviamente cantaremos a Susy Shock, a Atahualpa Yupanqui. Cantaremos a Teresa Parodi. Y ahí el repertorio aparece también por lo que una quiere decir, la necesidad de contar y de transmitir, hacer un comentario, alguna crítica, un tipo de aporte a lo que estamos viviendo como sociedad. Y luego también hay todo el tiempo un necesitar sacar para afuera y compartir con otros, con otras, con otres, convertir en canción algo del mundo interno, de la emoción de lo que una está viviendo en carne propia, desde lo emocional, desde las distintas patas que tiene nuestra existencia. También algo de eso siempre va condicionando qué se decide cantar, qué hace falta canalizar también desde la voz, qué nos es urgente y también transformar en canción para que no quede adentro. “Hay que sacarlo todo afuera, como la primavera”, dice Piero. “Nadie quiere que adentro algo se muera”. Bueno, la necesidad de que no quede con una la pena y sacarla afuera.

—Hace un año estabas trabajando en un disco. Salió un EP. ¿Cómo sigue ese proyecto?

—Ese EP salió, ese disco en vivo con Nahuel Quipildor. Son ocho canciones que se grabaron en vivo con público el año pasado en el estudio de Palta. Pero también siempre seguimos pensando qué más hacer. Ahí estamos con Nahuel. En este momento está paternando muy recientemente. Por eso no va a estar el viernes. Estamos pensando de a poquito en qué repertorio, de qué manera, con qué formato grabar algo de lo que venimos cantando en el último tiempo, que también empieza a fusionar y empieza a tener obras no solamente del repertorio del cancionero folklórico, sino de rock nacional, canciones propias. Ahí estamos con estas ganas y con los malabares de todos los días como todo el mundo en este presente tan complicado, donde de repente también grabar tiene su posibilidad concreta de realizarse si hay un amigo que nos presta un estudio. Porque si no es todo muy cuesta arriba y no alcanza el dinero.

—El año pasado te pusiste al frente del Festival para Jujuy. ¿Sentís que ahora los artistas están desmovilizados y demasiado golpeados para armar ese tipo de cosas?

—Siento que estamos todos muy desmotivados, desmotivadas, desmotivades. Hay un adormecimiento social que se observa, que está muy presente, muy latente. Y que no se va. Pasan los meses y no se va. Sigue ahí. Entonces me gustaría pensarnos y pensar la actividad musical como pensar a toda la sociedad en general en un movimiento activo del cual también puedan surgir respuestas concretas, candidatos concretos, proyectos concretos superadores. Mas pasa el tiempo y este letargo se vuelve agonía. Entonces sí siento que en el movimiento de artistas estamos todes también intentando atender nuestra economía, nuestro bolsillo. Entiendo mucho que desde lo que hacemos, de lo que cantamos, también contribuimos a que podamos pensar otro país, otra sociedad. Porque es realmente revolucionaria esta tarea, como es revolucionaria la tarea docente, como es revolucionaria toda actividad que involucre a otra persona y cuidar esa otredad, contemplarla y buscar aportarle una mejoría en su vida. Ojalá pronto sea inminente e imperiosa la necesidad de empezar a construir otro relato de esto que está pasando. Porque todavía hay muchas personas que le apuestan a esto y esto es lo difícil en la batalla cultural. Porque si tenés gran parte de la población que todavía confía y ciegamente, totalmente ciegamente, porque no están viendo, no están pudiendo comprender o no están pudiendo observar con claridad que todo lo que está pasando va en deterioro de la soberanía de nuestro país, de nuestra economía particular y social, de los recursos naturales de nuestra tierra, de nuestra cultura, de nuestra identidad nacional, es muy difícil dar esa batalla cultural. Incluso ponerte a discutir o a charlar, reflexionar, debatir con alguien que no tiene idea de lo que está pasando, porque mucha gente no tuvo idea que se aprobó la ley de Bases, no tiene idea lo que está pasando en las instituciones públicas, no tiene idea la implicancia que tiene que se despida gente todo el tiempo. Porque estuvo muy instalado el tema de que los que trabajaban en el Estado eran ñoquis, eran sanguijuelas, que vivían con la plata de uno. Entonces eso que instalaron, ese odio, que en realidad es el odio de pobres contra pobres, es el odio de trabajador contra trabajador, trabajadora, eso es difícil de desmantelar y es lo que tenemos que empezar a hacer ahora.

—Pero tengo entendido que en ese sentido con Ópera Queer, la obra que presentás con tu hermana, las cosas van muy bien.

—Con Ópera Queer está pasando algo muy interesante. Decidimos por primera vez este año hacer temporada mensual en Dumont 4040, que es una sala que si bien no está en calle Corrientes, no es una sala under. Es una sala de un teatro oficial. Y está pasando que se está llenando. Y es un público que no sabemos a ciencia cierta si votó, a quién votó. Y aparte una tiene ya hoy en día esa inquietud de, bueno, entrás a un lugar, hay 100 personas, sabés que 60 votaron a Milei. O sea, no es tan así, pero un poco es así. En el espectáculo de Ópera Queer nosotras somos muy políticas, pero no partidarias. Bajamos línea, pero siempre de forma amorosa y cuidada. Y nos ocurre que la gente se pone de pie siempre y nos espera a la salida para saludarnos. Y gente que está pensando qué comer, no si come o no come. Y nos abrazan. No nos dicen nada de algunas cosas políticas, pero nos esperan al final y nos saludan, nos dan un beso, nos abrazan fuerte. “Gracias por su mensaje”. Entonces esta es la batalla cultural que hay que dar. Yo creo que muchas personas que votaron a Milei, a este gobierno actual, no odian en realidad, solamente que están muy enojadas. Pero no odian a la otra persona. Odiaron situaciones que pasaron y también les lavaron mucho el cerebro. Hubo algo de estas redes sociales, de la manipulación de la data, que generó ciertamente una distorsión y se perdió ese sentido de humanidad, ese sentido de empatía, ese sentido de ser parte todos, todas, todes de una misma sociedad. Entonces ahí es cuando digo: qué importante que es para mí en este momento poder conmover y desde la conmoción, poder transmitir un mensaje. Esto creo que es lo importante y le gana por lejos a Milei. Estoy segura.

—De acá al año que viene, ¿qué soñás? ¿Qué proyectos tenés?

—Me gustaría poder sentir que esta propuesta de esta peña de La Ferni, esta Peña Arcoíris, pueda seguir creciendo. Y así como este año fue en un lugar grande tres fechas, capaz, quién te dice, soñar el año que viene con hacer una peña bimensual, con bandas invitadas, con artistas invitades en un espacio incluso un poco más grande. Hacer la peña de La Ferni y que se instale un poco también una Peña Arcoíris en Capital Federal, en principio. Seguir viajando. Hay muchas ganas, mucha intención de seguir recorriendo tanto con Ópera Queer como con esta propuesta de folklore, algún país de Latinoamérica y, por qué no, también de recorrer algo de Europa, sobre todo España. Estamos proyectando cositas ahí. Hay mucha gente que ya nos está esperando. Y, quién te dice, poder tener la posibilidad de materializar otro trabajo discográfico más armadito, de estudio. Y me encantaría poder cantar en algún festival también, en enero, en febrero, los festivales del país. Siempre va a ser un pendiente para mí cantar en Cosquín. Y siempre llega enero y yo voy a decir: ¿por qué no estoy ahí? Ojalá. Quién te dice en el 2025. Ojalá yo, algune, otre podamos ocupar y seguir visibilizando en esos lugares de tanta importancia algo de nuestra propuesta.

“Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

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“Yo tengo tantes hermanes que no les puedo contar”, canta La Ferni y en su gesto y su voz aúna la tradición de un pueblo cantor con la visibilización de las disidencias. Lo hace con respeto, amor y profundo conocimiento, en este caso, del clásico “Los hermanos”, de Atahualpa Yupanqui.

La aparición de esta cantora trans no binaria sacudió el mundo del folklore hace dos años e instauró un cambio. Se postulaba entonces por la Ciudad de Buenos Aires al Pre Cosquín, el concurso previo al emblemático Festival de Cosquín, pero no la dejaban seguir en carrera porque las categorías eran solista vocal masculino y solista vocal femenino y no encajaba en ninguna. La Ferni movió cielo y tierra y el concurso cuenta ahora con dos categorías de solista vocal, sin género. Un avance extraordinario para las a veces arcaicas estructuras del folklore.

Ese es solo el comienzo de la historia. Desde entonces, La Ferni, de 33 años, fue creciendo como artista, siempre combinando en su repertorio temas del cancionero folkórico, sobre todo de los años 60 y 70, reversionados, con obras nuevas de artistas disidentes de la actualidad. Le llegó el reconocimiento, conduce un programa en la Nacional Folklórica junto a Susy Shock y Valen Bonetto y hoy tiene manager, agenda completa por varios meses y un disco a punto de ser grabado.

En esta charla con elDiarioAR, esta artista que destila amor, alegría y confianza, repasa sus orígenes, los obstáculos que enfrentó y enfrenta y sus proyectos por venir, siempre alerta ante quienes buscan volver a limitar derechos.

-¿Cómo llegaste al folklore, Ferni?

-Recuerdo mucho estar en la casa de mi vieja y que todo el tiempo se escuche tango. A la vez que había mucha música clásica en la casa de mi padre. También había algo con los grandes cantantes. Recuerdo que en mi adolescencia papá nos llevó a ver a (Susana) la “Tana” Rinaldi, que hacía un concierto maravilloso en el Teatro Avenida. Ahí escuché por primera vez “Caserón de tejas”. La segunda pareja de más tiempo de mi vieja, justo cuando yo era niña y empecé a ser adolescente, Eduardo, el Tito, era muy melómano, de música popular, de folklore específicamente. Recuerdo a la noche, mientras él cocinaba, ponía todas las noches un disco distinto y yo me acercaba y escuchaba y él me decía quién era, qué estaba cantando, qué poesía era. Entonces apareció ahí muy fuerte el folklore y esa música me enamoró profundamente. Recuerdo al Dúo Salteño cantando la obra del “Cuchi” Leguizamón. Y la posibilidad luego de empezar a viajar con el cole a otras provincias, viajes de estudios que había todos los años en la escuela pública, en el Liceo 9, cole en el cual después fui docente durante muchos años. Este año renuncié para dedicarme de lleno al arte. En esos viajes de adolescente recuerdo que recorrimos Jujuy, Misiones, San Luis, el sur. Empezar a ver cómo estaba vinculada nuestra música folklórica con esa gente, esos paisajes, esas costumbres, esas idiosincrasias, esa unión me terminó de enamorar profundamente de nuestra música popular. 

-¿Y qué estudios musicales tenés?

-De adolescente, a los 11-12 años, estudié guitarra dos años con un maestro particular. Luego ingresé en el Conservatorio Superior de Música Astor Piazzolla de la Ciudad a hacer guitarra, pero era guitarra clásica. No me enseñaban a rasguear. Mi profesora estaba en contra de eso. Lo lamenté mucho. Quise llevar obra de Atahualpa Yupanqui y me dijo que no. Luego me enteré que en Francia Atahualpa Yupanqui es una eminencia y se estudia en conservatorios de todo el mundo. Después me fascinó muchísimo el canto y el canto lírico y el teatro y, por ende, también la ópera. Mi tía Graciela de Gyldenfeldt hizo toda su carrera como cantante lírica. También empecé a enamorarme de esas melodías, de esas historias muy pasionales, muy dramáticas, empecé a tener las ganas de dedicarme a eso. Como no había canto en el conservatorio, empecé la licenciatura en canto lírico en la Universidad Nacional de las Artes, la UNA, el ex IUNA. Interpreté varios roles en algunos teatros, roles coprotagónicos. Me fui después porque estaba estudiando mi voz con el registro de tenor, oficialmente hablando, y, en realidad, yo soy barítona. Fui a estudiar con Luis Gaeta, barítono del Teatro Colón, y ahí pude empezar a recorrer todo ese registro, que es mi registro, oficialmente, el de cuerdas de barítono, de forma académica y clásica y binariamente hablando. Por eso yo digo barítona. O baritenora. Baritenor también, como cantaba Carlos Gardel. Ese registro de la voz popular, de la voz media con agudos. Después, obviamente, al transicionar pude recorrer todos los matices también más dulces, más suaves, más curvos de mi voz. Eso me hace autoidentificarme, autopercibirme hoy día como la cantora que soy. He estudiado mucho técnica de bel canto italiana en el conservatorio. Y luego ya en un momento me alejé de eso y volví con todas esas herramientas y con todo lo que me aportó y me sigue aportando esa técnica a cantar el repertorio popular.

-¿Cuándo fue que dijiste: voy a ser una cantora de música popular?

-Fue sucediendo. Desde siempre estuvieron esas ganas, esa voluntad, pero muy específicamente a mis 24, 25 años, cuando comienzo a conformar el grupo Allpa Munay, con el que versionamos obra poco difundida e inédita de Atahualpa Yupanqui. Empezamos con Nico Kamienkowski. Lo conocí en el Astor Piazzolla, a Nahuel Villegas también. A Pablo Palacios lo conocí en la UNA. Los convoqué en ese momento y luego llegó la presencia de Roberto Koya Chavero (hijo de Yupanqui), para darnos ese manojo de obras poco difundidas, inéditas, que estaban en el museo guardadas. Ahí apareció clara la huella sonora, el destino del canto, como diría Atahualpa, y se abrió un camino hacia otros compositores, otras compositoras, otros poetas. Digo también otras compositoras porque la mitad casi de sus obras eran de Nenette Fitzpatrick, su compañera, que tenía que firmar con el seudónimo de Pablo del Cerro. Luego en plena pandemia volví a retomar diálogo con Nahuel Quipildor, que ahora es el guitarrista que me acompaña en este proyecto llamado Folklore en Transición. Y con Nahuel empezamos a interpretar obras del nuevo cancionero de la década del 60, del 70, pero también de compositoras mujeres. Y es cuando yo me identifico también y salgo nuevamente, después de la pandemia, como la cantora que soy, ya queriendo mostrar obras del nuevo cancionero travesti trans no binario. Ya cuando sale Brotecitos, este primer cancionero travesti trans editado por el CCK y el Inamu, me quiero alinear como cantora de ese nuevo cancionero y entonces traer a las presentaciones, además de a Margarita Palacios, Teresa Parodi, Eladia Blázquez, Hamlet Lima Quintana, Nenette Fitzpatrick, también a Michelle Lacroix, Leo Azul, Valen Bonetto, Susy Shock, María Laura Alemán, Lorena Carpanchay, compañeres de la comunidad travesti trans no binaria artística.

-¿Qué pasó después de Cosquín?

-Cosquín, y lo podemos ver casi dos años después, fue como un ventanal, un empujón o, mejor dicho, ese gesto provocó una gran visibilidad. Pude finalmente seguir avanzando en el certamen, ganar la final en CABA, llegar a la semifinal allá, plantarme como una de las veintipico de finalistas siendo la primera disidencia que se paraba en ese escenario visible. Ese hecho significó -lo veo ahora a la distancia- un efecto dominó de visibilización de nuestra comunidad. Se generó un efecto boomerang de una propuesta que también tiene que ver con el hecho de despertar la consciencia de muchas personas de que, bueno, aquí estamos las disidencias sexogenéricas y no queremos dar ni un paso atrás en materia de derechos humanos. Y también fue: aquí está una cantora, aquí está la Ferni, en concreto. Y fue muy visible para mí en mi camino artístico todo lo que ocurrió después a nivel de contrataciones. Empecé a recibir propuestas de un montón de municipios del interior del país. Ahora el 10 de junio voy a hacer un show en la Sala Lavardén en Rosario. Se van abriendo puertas en todo el país. Es decir, se hizo visible mi imagen también como cantora disidente, se hizo visible este repertorio y se empezaron a despertar y a generar muchas cosas, desde invitaciones a notas, por ejemplo, a lo que fue el ¡Fa! el año pasado con Mex, que fue un evento muy importante, hablando de la argentinidad, en una misma mesa Lalo Mir, Adrián Suar, Juampi Sorín, Tati Almeyda, León Gieco, La Ferni. Empezaron a pasar estas cosas y es algo que a mí me pone muy contenta. 

-En algún momento de todo esto quedó por el camino tu apellido.

-Decidí que La Ferni resumía a esta cantora que soy y a la vez que lo que yo busco hacer en la música popular es acercarme a la gente. Por eso la elijo, por eso elijo este lenguaje que es el lenguaje de nuestra música, que es con metáfora, pero también habla muy directo a los corazones, y habla muy directo a los entendimientos. En ese sentido, a mí me resonaba que “de Gyldenfeldt” quedaba un poquito lejos, sobre todo a la hora de decirlo, de pronunciarlo. Por eso simplemente La Ferni. Mi nombre es Ferni de Gyldenfeldt y artísticamente soy La Ferni. 

-¿Cómo elegís el repertorio más viejo? Algunos de los temas de tu repertorio no los canta nadie hace mucho tiempo. Además vos los reinterpretás.

-Me interesa mucho ver qué repertorio de la década del 60, 70, podemos seguir cantando hoy en día, resignificándolo. Con Quipi (Nahuel Quipildor) creemos que así como nos ha hecho muy felices, nos puede seguir haciendo felices ese repertorio, que todavía tiene mucho para decirnos. Como una vez dijo Liliana Herrero en Canal Encuentro hace muchos años, “Atahualpa Yupanqui nos está esperando, el Cuchi Leguizamón nos está esperando”. Y yo, parada desde esta perspectiva transfeminista, comulgo con esas palabras. Entonces me encuentro con una obra de Carlos Guastavino y Hamlet Lima Quintana llamada “Hermano”, que tiene más de 60 años, que de hecho fue tan importante que Mercedes Sosa su segundo disco lo llamó Hermano. Y la canción dice: “Fijate, hermano, cómo vas cantando, toda la tierra te escucha conmigo”. Y lo repite tres veces. Y son esas perfectas tres veces que yo encuentro para decir: “Fijate, hermana, cómo vas cantando, fijate, hermane, cómo vas cantando”. Cuando encuentro que una obra también puede servirme para nombrarme, nombrar a mis compañeros, compañeras y compañeres, para hacer también un guiño hacia este presente, hacia este pensamiento transfeminista, hacia esta teoría travesti trans no binaria y también puedo recuperar una obra tan preciosa, como esta pieza de Carlos Guastavino, ahí se genera una unión entre el acervo popular más histórico y este presente y eso me encanta. Y es lo que más genera ruido. Cuando canto las Coplas del Valle (de Lorena Carpanchay, cuya letra dice “Ya vienen las maricas cantando la tonada”), la gente dice: ¡wow!, qué potente. Pero no tengo tanto troleo en las redes, tanto mensaje negativo. En cambio canto “El Arriero” de Yupanqui y digo “las penas son de nosotres” y, ¡pa!, salta el machirulaje, el patriarcado, el conservadurismo. Y aparece este mensaje que no dejo de escucharlo, tres veces al día tengo el mismo mensaje: “si Atahualpa Yupanqui escuchara esto se levantaría de la tumba y se retorcería...” Bueno, pero esta es mi propuesta y felizmente va teniendo cada vez más público y va despertando el interés de mucha gente. A mí me pone muy feliz todo lo que está pasando, porque también cuando la gente finalmente se acerca y me escucha no ve si no que esto lo hacemos con mucho amor y con mucho respeto. Sin querer faltar a la imagen. Al contrario, queriendo traer estas obras a nuestro presente, queriendo resignificar nuestra música popular frente a otros géneros que hoy en día tienen mucho más dinero, mucho más mainstream: el reggaetón, el trap. Queremos seguir cantando esto y queremos también revitalizarlo de nuevas formas, de nuevas maneras. Nombrándonos, saliendo de lo arcaico y antiguo. Lo hacemos desde un lugar de mucho amor, mucho respeto y mucha consciencia.

-¿Cómo está siendo la experiencia en la radio con Susy Shock y Valen Bonetto?

-El programa Brotecitos, otro será el cantar se emite los miércoles por la 98.7 de 19 a 21. Tenemos una audiencia muy hermosa y muy grande. Cada vez más nos sorprendemos por eso. Nos llegan mensajes desde “muchas gracias, chiques, por hacernos conocer nuevos repertorios” a un mensaje el otro día de un pibe trans que decía: “hola, me llamo tal, me emociona mucho haberles descubierto y también me emociona decirles que esta es la primera vez que escribo mi nombre autopercibido para comunicarme”. Es enternecedor, es revolucionario Brotecitos. Con la ternura de Susy, la manija de Valen, es un power trío explosivo. Gracias a Mavi Díaz, directora de Nacional Folklórica, que también luego de lo que pasó en Cosquín me dijo: “Quiero que haya un programa disidente”. Y ahí estamos les tres en esa trinchera. En estos tiempos también tan difíciles, en los que la derecha o el neofascismo viene acercándose y habla de que quiere sacar espacios, sabemos perfectamente que peligra Brotecitos en Radio Nacional. Hay que ver qué pasa después de las elecciones. Sabemos que lo vamos a seguir haciendo, sea desde nuestros nidos de resistencia o desde un espacio oficial.

-¿Seguís también teniendo proyectos con tu hermana?

-Cada vez menos pero porque estamos muy metidas las dos con lo nuestro. Luchi estuvo cantando en el Teatro Avenida en una producción de ópera. Encarnó el rol de la bruja de la ópera Hansel y Gretel. Es la primera vez que ese rol es cantado en Argentina por un registro, una identidad, una vocalidad no binaria. Luchi canta en su registro mezzosopranista, contratenora. Tiene una voz que sobrepasa a más de treinta músicos de la orquesta. Un nivel de volumen, una proyección en todo el escenario. Ahí está Luchi haciendo su camino y aparte siendo la docente de la primera cátedra de canto lírico con perspectiva de género de la universidad (en la UNA). Y Ópera Queer, que fue ese espectáculo que tanto bien nos hizo y nos sigue haciendo, mermó en su actividad. Con la laringe tanto juego, tanto chicle no se puede hacer. Porque cantar una vez cada tanto como estamos haciendo puede ser, pero tener la dinámica que durante cinco o seis años tuvo Ópera Queer todos los fines de semana... Ópera Queer fue importantísimo desde el 2016 hasta el año pasado. No paró un segundo de difundir la ópera también desde una perspectiva de género y con humor, acercándola a la gente, haciéndola en un lenguaje más sencillo para todos, todas y todes. No paramos desde la autogestión de hacer funciones. Y, bueno, una también va creciendo. Muchas veces era hacerlo sin ver un mango. Ahora una se está poniendo también un valor en este mercado. Hay que valorizarse como artista. Así como esta sociedad puede valorizar a un Luis Miguel y se agotan diez funciones, siendo la entrada más económica la de 30.000 pesos. Ojo, a mí me han llamado y me siguen llamando para hacer jornadas de ESI, para actuar a beneficio de organizaciones sociales, comedores comunitarios, para dar charlas en colegios. Sí, chiquis, obvio. Voy. Eso lo sigo haciendo y me encanta. Saben que me pueden contactar. Soy muy feliz haciendo eso. Pero empecé a trabajar con manager, a armar agenda, a estar desde acá hasta agosto ya toda programada, por suerte, todos los fines de semana y cuidando el trabajo para empezar a vivir de esto.

-¿Se viene el disco?

-Se viene. Ay, sí. Ya hemos cerrado con nuestro querido amigo Joaquín Chibán de Estudio Palta y estamos por grabar con Quipi el primer demo, las primeras cinco o seis canciones, sola yo con la guitarra de Nahuel. Y unos meses después, el disco con Marcela Vicente en el violonchelo y con Mailén Eliges en la batería. Se viene entonces en dos partes esta propuesta Folklore en Transición, con arreglos de Nahuel Quipildor. Estamos muy, muy, muy felices. Seguramente para mitad de año, en el mes de agosto, lancemos el disco. 

“Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

CRM

La Ferni y Patricia Malanca se presentarán este jueves 25 de mayo en Café Berlín con el espectáculo Las Chinas, una propuesta de folklore y tango con perspectiva transfeminista.

En la “fecha Patria (Matria/ Xatria)” las intérpretes estarán “reivindicando obras, voces y textos de mujeres y disidencias sexuales y de género de gran relevancia para nuestra historia y nuestro acervo popular”, según el texto de promoción.

Malanca conoció a La Ferni, cantante trans no binaria, cuando esta fue noticia en 2021 por haber logrado que el Festival de Cosquín modificara el reglamento de su concurso Pre Cosquín para ya no diferenciar entre solista vocal masculino y femenino sino simplemente presentar dos categorías de solista vocal.

Entonces le propuso grabar con ella la “rapsodia gauchesca queer ‘La China Iron’”, tema basado en la novela del mismo nombre de Gabriela Cabezón Cámara y una de las composiciones incluidas en su disco Traerán ríos de tango las páginas de un libro, inspirado en escritoras argentinas.

Ahora idearon un espectáculo juntas que presentarán este jueves. “Es una propuesta que yo llamo contrahegemónica por lo que significan históricamente los 25, el Día de la Patria, Primer Gobierno, un montón de cosas que eran todos varones y nosotras decimos, bueno, acá estamos las mujeres y las disidencias cantando a nuestra Juana Azurduy, a nuestra Remedios del Valle, cantando a nuestras y nuestres que han sido históricas e históriques”, relató La Ferni a elDiarioAR.

“Una cantora histórica como ella, que se tuvo que abrir paso a los codazos en todo el ambiente machirulesco del tango, y esta trans no binaria que soy yo, que también, bueno, venimos haciendo ruido desde el folklore, nos juntamos”, añadió.

“Vamos a hacer una especie de ping pong. Vamos a empezar juntas. Después yo voy a cantar tres canciones, haré algo del repertorio tradicional que vengo haciendo y lógicamente algo de Valen Bonetto, de Susy Shock, y luego una parte en el medio donde obviamente voy a cantar ese himno que es 'Juana Azurduy', haremos una canción de Pato y de Vero Bellini, llamada ‘A Remedios del Valle’, y luego nos iremos yendo con unos valsecitos criollos, ‘Nido Gaucho’, ‘Flor de Lino’, y ‘La China Iron’, claro”.

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Los integrantes de Allpa Munay tenían unos pocos años cuando Atahualpa Yupanqui moría en Nimes, en el sur de Francia. Este 23 de mayo se cumplen 30 años de la partida del máximo referente del folklore argentino, ese hombre sobrio, de gesto serio, que con su guitarra al hombro recorrió el mundo cantándole a la tierra argentina y a quienes la trabajan.

Unas 10 o 15 de sus canciones son conocidísimas y forman parte del acervo popular. “Luna tucumana”, por ejemplo, es un clásico. Pero don Ata compuso alrededor de 500 obras que aparecen poco en los repertorios de los cantores y las cantoras de la actualidad.

A sus veintipico, los integrantes de Allpa Munay se conocieron y empezaron a interesarse por la obra del músico y escritor y se propusieron difundir lo menos conocido. Le pusieron tanta pasión a su cometido que se toparon con Roberto “El Kolla” Chavero, hijo del folklorista, que les acercó unas partituras inéditas. De ahí surgió el primer disco de este cuarteto, Yupanqui Inédito, de 2018. Ahora, a sus treinta y pico, la conocen en profundidad y siguen transitando la senda yupanquiana.

En diálogo con elDiarioAR, tres de los integrantes de este cuarteto -Ferni de Gyldenfeldt (voz), Nicolás Kamienkowski (guitarra) y Pablo Palacios (piano)- contaron de dónde les vino esta afición por Don Ata y cuáles son sus próximos proyectos. Completa el grupo Nahuel Villegas en percusión.  

-¿Cómo surgió este vínculo con Yupanqui siendo tan jóvenes?

-Ferni de Gyldenfeldt: Ya no somos tan jóvenes (risas). Tenemos treinta y pico de años. Sí es cierto que nos comenzamos a interesar ya hace mucho tiempo en la obra de Atahualpa y que desde la juventud de cada une, la adolescencia, la infancia, incluso, de una u otra manera nos ha acompañado. Creo que por legado familiar, por la cercanía de los intereses musicales de cada une, por habernos sentido interpelades alguna vez, como seguramente gran parte del pueblo argentino, con alguna letra de Atahualpa Yupanqui, en algún momento tuvimos la necesidad de juntarnos. En principio, yo como cantora me acuerdo de llamarlo a Nico, después a Pablo. Luego se sumó Nahuel. Y en los cuatro nació ese consenso, ese pacto musical de dar vida y reversionar la obra de Atahualpa. Luego vino el condimento maravilloso de conectarnos con el hijo y que nos acercara de forma directa obra inédita. Eso ya dio otro vuelo. Fue un potenciador casi inmediato que tuvimos. Entonces Allpa Munay nace con Yupanqui Inédito. Ya no con la tarea solamente de reversionar obra de Atahualpa, sino de reversionar aquella obra poco difundida o inédita. Y ahora, lógicamente, fue cambiando. Llevamos ocho años como grupalidad. 

-Nicolás Kamienkowski: El grupo edita el disco Yupanqui Inédito en 2018 y hubo un proceso previo bastante grande porque veíamos que la obra tenía distintos ejes. Por un lado, obviamente el más paisajístico, no como idea de paisaje, sino de territorio o espacio simbólico desde otra perspectiva más campesina, más indígena. Cuando Yupanqui habla de la piedra o del río es desde el punto de vista de alguien que lo vivió. Después veíamos que había una mirada filosófica bastante profunda y hasta metafísica, la mirada desde esa otra filosofía, esa otra América, que también se ve por ejemplo en autores como (Rodolfo) Kusch. Otra filosofía que él reivindicaba mucho frente a la mirada blanca o colonizadora. Y, por otro lado, Yupanqui tiene también obras de mucha crítica social, que no se queda solo en la mera crítica como cantor de protesta, sino que más bien es una obra desde del sufrimiento del campesino, del peón, del trabajador y la trabajadora, desde quien lo ha vivido y quien ha recorrido esos espacios. Entonces, cuando tuvimos el encuentro con Roberto “Kolla” Chavero, el hijo de Yupanqui, y nos acerca ese puñado de partituras inéditas, nos abocamos a esa obra y a otras que nos gustaron. Y ahora decidimos seguir con la obra de Yupanqui pero ya no solo lo inédito, sino también lo poco difundido u obras que creemos que son interesantes también para el grupo.

-Pablo Palacios: En el mundo del folklore hay mucha juventud también, aunque no sea lo mainstream. Cada une del grupo entró por eso, cada une está ligado desde distintas trayectorias con la música y el folklore. Ahí fue el primer acercamiento. El grupo se fue ensamblando a medida que nos conocíamos. Alguien tiraba: “¿podemos hacer este tema?” “¿Cuál es este tema? No lo conozco”. Y así es como que íbamos viendo que había más repertorio del que se suele cantar, difundir y conocer de Yupanqui. Entonces creo que eso es algo pilar en nuestra formación de grupo que, antes de conocer al “Kolla”, ya teníamos una inquietud por buscar temas que no fueran los más difundidos. Y así fue que fuimos armando una lista. En el medio, nos terminamos cruzando y conociendo al “Kolla” Chavero y ahí sucede que él nos entrega partituras inéditas. Y el disco terminó siendo una combinación de partituras inéditas y algunas como “Preguntitas sobre dios”, “Canción del cañaveral”, “Te dicen poeta”, que han sido versionadas pero quizá no tanto. Lo que nos gustó es que había un universo mucho más grande de Yupanqui que las canciones más conocidas, la “Luna tucumana” y lo que quizá se conoce en el mundo del folklore. Nos dimos cuenta que tiene 500 o más canciones y que están una mejor que la otra. 

-¿Cómo llevaron la música de Yupanqui a esta instrumentación?

-PP: En realidad fuimos encontrándonos al principio medio tocando, zapando, improvisando. Y después en el primer disco empezamos a juntarnos bastante desde los instrumentos armónicos, la guitarra y el piano, a probar cosas. Ya después fuimos decidiendo trabajar sobre la escritura formal de una canción. Entonces ahí ya hicimos arreglos para partitura. Fuimos encontrando de qué manera podíamos combinar lo que tenemos: dos instrumentos armónicos, una percusión muy amplia para la sonoridad y la voz de Ferni. Lo que hacemos es darle otros colores, reversionar, darle otras miradas propias, artísticas de cada uno.

-¿A qué le llaman reversionar?

-NK: Algo que hablamos mucho nosotres tiene que ver con una mirada sobre el folklore y la cultura que tenemos y que tiene que ver con un folklore que no es un folklore muerto sino algo que está vivo. Y también una forma de darle vida a estas obras es, desde nuestra forma de verlo, tocarlas como las sentimos actualmente y no tratar de hacer una interpretación historicista, que no nos interesa ni es la búsqueda que tenemos. Por suerte la mirada sobre el folklore está cambiando mucho y eso quiere decir que es un folklore que se mueve, que tiene vida.

-Suelen nombrar en los conciertos a Nenette Pepin Fitzpatrick, la mujer de Yupanqui, que aparece como coautora de varios temas bajo el seudónimo de Pablo del Cerro.

-NK: Sí, la nombramos porque ella fue coautora de varias de las obras y por su tiempo histórico, machismo mediante, como ha pasado con muchas mujeres o diversidades, ha sido invisibilizada. Entonces me parece fundamental resaltar la importancia de Nenette como compositora sobre todo en lo que tiene que ver con lo musical y ojalá que haya estudios que pongan en relevancia cuál fue la tarea en esa composición y en esa coautoría. 

-FdG: Es volver a echar luz o nombrar aquellas cosas que fueron invisibilizadas, soslayadas, alrededor de lo que significaba ser músico hombre hace 70, 60, 50 años. Y todo lo que esa figura, por el sistema machista de la época, ocultaba, lo que quedaba en las sombras. Nosotres sabemos la importancia que tuvo Nenette en la vida de Atahualpa. La tarea que tuvo Nenette en la crianza del hijo mientras Atahualpa hacía su carrera como guitarrista solista por el mundo, levantando el agua del pozo en las nevadas, limpiando esa casa, criando al “Kolla” en los inviernos más duros de Cerro Colorado. Luego vemos la importancia que tuvo en la coautoría de muchas obras. Y luego también en la transcripción a pentagrama de muchas de esas músicas, ya que ella era pianista y concertista. Empezar a visibilizar eso no es para contrarrestar lo grandes que fueron ciertos genios, pero sí para mirar qué había atrás de esa genialidad, del hombre omnipotente. Si bien vamos por la deconstrucción de un sistema, a veces se piensa que esto es atacar la figura de alguien. Es todo lo contrario. Es completar, mostrar otros colores, otra paleta, de lo que ya conocemos. Que Atahualpa es un genio lo sabemos. Ahora es importantísimo entender todo esto otro, que está sustentado incluso en la propia admiración que tenía Atahualpa hacia Nenette. En Cartas a Nenette (de Víctor Pintos), libro que recopila cartas de Atahualpa hacia ella, vemos con qué admiración se refiere a ella, cómo destaca su labor musical. Entonces como grupo de músiques del siglo XXI estamos atravesades también por este transfeminismo y por este momento y hacer visibles estas cosas me parece que es algo sustancial. Creo que Allpa Munay no está alejado de esa lectura crítica hacia el patriarcado. Y no solamente me estoy refiriendo a esto yo como una cantora trans no binaria. No tiene que ver con eso. Tiene que ver con la relectura que hacemos de la obra de hace 70 años que tenía, en su caso, también en muchos temas la coautoría de una mujer que firmaba con seudónimo de varón.

-¿Qué proyectos tienen para estos próximos tiempos?

-NK: Son dos proyectos. Durante la pandemia nos presentamos a mecenazgo cultural de la Ciudad y fuimos seleccionades. Es un proyecto relacionado con trabajar el folklore en las escuelas, en establecimientos educativos, jardín, primaria, secundaria, escuela de adultos, escuela de músicos. Poder llevar esta obra de Atahualpa Yupanqui y Nenette e interpretarla ahí. El proyecto consiste en hacer conciertos didácticos. Puede ser de distintas maneras de acuerdo a las características de cada proyecto educativo. Y poder realizar conciertos donde está la base de nuestra sociedad que son las infancias. Nos parece que está bueno llevar un concierto de la misma dimensión que haríamos en un gran anfiteatro al patio de una escuela o a un aula. 

-¿Y se viene otro disco?

-PP: Todavía no estamos con fechas cerradas. El año pasado grabamos algunas canciones nuevas. Hace poco salió un video, que es “Tierra Querida”. Allpa Munay significa en quechua “tierra querida” y recién para esta segunda tanda de canciones se viene una zamba que tiene ese título. Dentro de poco van a salir algunos videos nuevos y grabaciones nuevas. Estamos en el medio de la cocina. 

-FdG: Se viene la “Zamba del Grillo” también, histórica zamba de Atahualpa, en versión allpamunayesca. También unas milongas poco versionadas, en las que aparece la filosofía yupanquiana más profunda. Para mi forma de entender, en la milonga Atahualpa se explaya de una manera política muy filosófica, ahondando en cosas de la vida más espirituales.

-¿Se animan a decirme cuál es para cada une la canción favorita de Yupanqui?

-FdG: Yo elijo “Tú que puedes, vuélvete”. Me gusta muchísimo desde adolescente.

-PP: Voy a decir una que está incluida en el primer disco y que sorprende a mucha gente que quizá no está tan metida con el mundo yupanquiano. Nosotros logramos una versión especial. Lo que él hace con la guitarra lo orquestamos en nuestra banda. La canción es “El niño duerme sonriendo”, que es como una canción de cuna pero a la vez se transforma en una canción dramática. En el medio mete una poesía de un poeta español. Esa profundidad que aparece en esa canción me parece que representa también bastante a Yupanqui. Y si bien Yupanqui tiene cosas más picarescas o más románticas, es uno de los tópicos yupanquianos que a mí me parece que está bueno, esa profundidad que es medio oscura, dramática, pero es parte del ser humano y me representa muy bien.

-NK: Podría mencionar muchas solo de la obra guitarrística, como la “Danza del maíz maduro”. Soy muy fanático de la obra guitarrística. Pero voy a decir una que para mí es la más representativa, no solo por la poesía, sino también por la musicalidad, que es “El payador perseguido”. Y mirá que dura más de media hora, según la interpretación. Pero yo pongo play y la escucho hasta el final varias veces. Como que me lleva a un mundo y a un relato y a una historia no solo escenográfico, sino también filosófico. Para mí es incluso una superación del “Martín Fierro” súper interesante, la otra perspectiva. Dialoga con esa obra.

 CRM

“Hay pájaros que cantan gordos desde una jaula/Pero su canto es flaco no dice nada./Cantan la misma canción sea verano o invierno/Pues saben que es la canción que quiere escuchar su dueño”.

Muchas cosas dice Gabo Ferro en esta canción que por estos días escuchamos en la versión de Don Olimpio. ¿Para quién cantan los que cantan? Me atrevo a decir que los músicos que me gustan y aquellos sobre los que solemos hablar en esta columna cantan porque no pueden hacer otra cosa, más allá de si les alcanza para vivir (casi siempre no), y para denunciar injusticias, honrar a sus referentes e imprimirle sentido a la vida. Y pueden hacerlo porque vamos a escucharlos, compramos sus discos, los seguimos en plataformas y en redes y comentamos lo que nos gusta a otra gente para que su público se amplíe más y más. ¿Se imaginan si solo cantaran lo que quieren escuchar los dueños?

Arrancamos, que hoy hay mucho para contar.

Se viene la Olimpeña

Hace unos días, Don Olimpio, este octeto que nos tiene fascinados desde hace algunos años por cómo renueva el folklore sin que pierda un ápice de su esencia, anunció que desde mayo se presentará en formato peña, una vez al mes, en Dumont 4040. La idea de “La Olimpeña”, que se celebrará los primeros domingos de cada mes, es centrarse en la música más tradicional que incluyeron en sus dos trabajos discográficos (Dueño no tengo, de 2017, y Mi fortuna, de 2019), con posibilidad de baile incluida, obviamente, y no tanto en los temas que están presentando en los conciertos de este año, que integrarán un próximo disco y son de autores contemporáneos.

¿Nos preparamos entonces para celebrar el 1 de mayo el Día de lxs Trabajadores bailando zambas y chacareras en “La Olimpeña”? Parece que muy pronto ya estarán las entradas a la venta. Acá un video de una de las veces que estuvieron en “La Peña de Morfi” interpretando esta chacarera de Jorge Fandermole y Raúl Carnota. Otra vez, gracias, Gerardo Rozín.

Don Olimpio, con arreglos y dirección de Andrés Pilar y con Nadia Larcher en la potente voz principal, lleva años proyectando la música de raíz hacia nuevos horizontes. Integran el grupo además Juan Pablo Di Leone (flauta), Federico Randazzo (clarinete), Milagros Caliva (bandoneón), Juan Manuel Colombo (guitarra), Diego Amerise (contrabajo) y Agustín Lumerman (percusión).

El disco nuevo, que empiezan a grabar en cualquier momento, incluirá temas que ya vienen sonando desde hace meses (desde aquel streaming que hicieron desde La Usina del Arte en plena pandemia) y entre los que están “Madreselva”, de Luz Galatea, “Al sol” y “Monte”, de la propia Larcher, “Pájaro Tuerto”, de Ferro, que citamos al comienzo, “Alaridos”, de Ana Robles, “La vida, la muerte”, de Juan Saraco, “Sus ojos de río”, de Caliva, y “Vengo”, de Pilar, basada en un poema de su padre Horacio Pilar.

Brotecitos, primer programa de folklore y tango transfeminista

En Radio Nacional Folklórica debutó Brotecitos, otro será el cantar, primer programa de folklore y tango transfeminista, que se emitirá todos los miércoles a las 20hs. Está al frente Susy Shock, que en el primer envío entrevistó a quien será su compañera de mesa, Ferni de Gyldenfeldt (la cantante trans no binaria que logró cambiar el reglamento del Festival de Cosquín, que ahora ya no tiene las categorías solista vocal masculino y femenino, sino solo solista vocal, y sobre la que ya escribimos acá y acá), y a partir del próximo programa se les sumará Valen Bonetto.

“Es una conquista histórica, es un espacio más que hemos ganado disidencias sexo-genéricas lejos de oscurantismos a los que estábamos sometidas unos años atrás”, reflexionó Ferni de Gyldenfeldt para elDiarioAR. “Hoy en día nos mostramos tal cual somos, haciendo lo que amamos hacer, y eso es algo que celebramos en cada concierto, cada presentación, cada victoria como esta. Nada más y nada menos que en este espacio tan tradicional, tan importante en la historia y en la cultura de nuestro país”.

En el primer programa, el miércoles 23, estuvo como invitada la coplera trans Lorena Carpanchay, que cantó sus “Coplas del valle”: “Ya vienen las maricas cantando la tonada/ya vienen las mariposas derribando las miradas/diaguita, también trava y no me van a derribar/sus insultos, sus maltratos, me van a respetar”.

“Que hoy en día estemos todos los miércoles haciéndonos presentes, y en nosotres las voces de tantes y tantes otres, refleja el presente tan distinto que estamos viviendo”, añadió De Gyldenfeldt. “Un presente de visibilidad, de entendimiento de la otredad como algo necesario y fundante, de lo diverso enriqueciendo, no como un enemigo, como algo ajeno, como una amenaza. Este programa me parece que señala y viene a traernos eso”.

El nombre Brotecitos proviene de un proyecto financiado por el Instituto de la Música (Inamu) presentado el año pasado, Brotecitos, NuesTrans Canciones, un cancionero que compila por primera vez obras musicales y letras inéditas compuestas por artistas travestis, trans y no binaries, nacidas en un taller coordinado por Susy Shock y Javiera Fantin.

Viene totalmente al caso compartirles entonces “Como de zamba”, de Susy Shock y Leopoldo Caracoche, que Ferni de Gyldenfeldt cantó en el escenario del Pre Cosquín hace algunas semanas:

Proyecto Mate lanzó su Primera Molienda

Desde Santa Fe llega esta agrupación que acaba de presentar su precioso disco debut, Primera Molienda, que ya está disponible en todas las plataformas digitales. Proyecto Mate se formó a mediados de 2019 a partir de la necesidad de abordar un repertorio propio de canciones nuevas (y no tanto) resultado de distintos procesos creativos de cada uno de sus integrantes: Mauro Bertotti (voz), Agustín Casenove (guitarra y arreglos), Esteban Mannarino (bajo), Luciano Stizzoli (piano) y Nahuel Ramayo (batería y percusión). (¡Sí, es el percusionista de Canticuénticos!).

El disco contiene todos temas propios, muchos surgidos durante la pandemia, menos uno, “Somos todos inundados”, que es de Sergio Ramayo (padre de Nahuel), en cuya grabación participó Carlos “Negro” Aguirre, según contó Casenove a elDiarioAR. El entrerriano también grabó con el quinteto otro de los temas, “Tarefera”, en el que la voz invitada es la de la cantora también santafesina Natalia Pérez.

Pese a que no habrá disco físico, explicó Casenove, “apuntamos a hacer un disco que tuviera un hilo conductor, un concepto tanto en las temáticas como en los arreglos”.

Proyecto Mate aborda la música argentina desde una perspectiva regional: las vivencias propias del Litoral se unen a las nuevas narrativas, sobre todo urbanas, y las rítmicas y los sonidos por explorar se entrelazan con la voz y la obra de los referentes, según explica el catálogo del sello Shagrada Medra, que publicó el disco.

El grupo ganó una convocatoria del INAMU para producir un material audiovisual que fue estrenado en su canal y redes sociales en mayo de 2021 y del cual les comparto un poquito acá abajo.

Martín Neri, Lucas Heredia y Rodrigo Carazo y la canción como dispositivo colectivo

El sábado 2 de abril a las 21hs, en el Teatro La Comedia de Rosario, se presenta Imaginería, un proyecto que reúne a los exquisitos compositores Martín Neri (Rosario), Rodrigo Carazo (Tierra del Fuego) y Lucas Heredia (Córdoba). 

“La imaginería será la trama y el puente hacia un público activo y cocreador del instante poético”, señala el texto de presentación. El espectáculo se anuncia como “un hechizo artístico que recupera el valor de la imaginación creadora para la experiencia. Aquí las palabras, las canciones, los paisajes y las imágenes se entremezclan informes y místicas, ofrendando mensajes que cada quien descifra a su manera”.

Tras esta primera fecha en Rosario, los tres cancionistas seguirán su gira en Córdoba, donde tocarán el 22 en el Viejo Mercado de Río Cuarto y el 30 en la Sala de las Américas de Córdoba capital, para volver el 26 de mayo a Santa Fe, al Cine Teatro Municipal Belgrano de Rafaela.

Aquí va una muestra: una conmovedora canción de Neri con letra del gran poeta salteño Leopoldo “Teuco” Castilla. “El tiempo y el monte/tienen su condena y su perdón/al árbol que hachó mi abuelo/lo tengo que regar yo”.

Yapa: Milagros Caliva y Noelia Sinkunas

Y de yapa les comparto algo de este power dúo que la está rompiendo. La pianista Noelia Sinkunas y la bandoneonista Milagros Caliva (a quien nombramos más arriba como integrante de Don Olimpio) empezaron hace poco a tocar juntas (cuando pueden, porque ambas integran un montón de otros proyectos musicales) un repertorio instrumental que incluye composiciones propias y versiones de clásicos del tango y de la música litoraleña. Disfrútenlas. ¡Nos reencontramos en dos semanas!

“Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

CRM