Mientras las plataformas aceleran los consumos y los algoritmos nos muestran novedades cada vez más efímeras, la música de raíz continúa construyendo otros tiempos. Buenos Aires tendrá esta semana una agenda atravesada por conciertos íntimos, nuevas canciones, peñas y celebraciones de la memoria colectiva, con artistas que dialogan con la tradición desde perspectivas muy diversas.

Empiezo hoy con Andrés Pilar, porque lo considero uno de los músicos más importantes que tenemos. No solo porque es un brillante compositor y pianista, sino porque recupera, reúne, arregla, produce y forma. Discípulo de Hilda Herrera, fundador y director musical de Don Olimpio, integrante del Trío Patio junto a Juan Quintero y Santiago Segret, y actual director de la Licenciatura en Música Argentina de la Universidad Nacional de San Martín, Pilar construyó una trayectoria impresionante.

Su aporte a la música argentina es múltiple y fundamental. No se podría entender el folklore de los últimos 15 años sin Pilar. Fue también de los primeros que rindió homenaje al Indio Solari tras su partida el viernes pasado. Porque Pilar claramente entiende qué es la música popular y, como el líder de Los Redondos y Atahualpa Yupanqui, va detrás de la máxima que dice que “al pueblo hay que darle lo que se merece, o sea, lo mejor” (cito de memoria). Les dejo por acá su versión de “El pibe de los astilleros”.

Este sábado 13 Pilar ofrecerá uno de esos escasos conciertos de piano solo en el que él definió como “uno de los pianos más lindos de Buenos Aires”. Lo hará en Divo Sound Rec desde las 20. Será un recital sin amplificación ni cables. “El piano, ustedes y yo”. No se lo pierdan.

Acá les dejo su maravilloso disco Danza.

Valen Bonetto: ampliar las fronteras del folklore

Y dentro de las nuevísimas generaciones que están redefiniendo la música de raíz aparece con fuerza la figura del artista travesti (así le gusta que lo definan) Valen Bonetto. El cordobés, que es además uno de los integrantes de Duratierra, presentará hoy su disco Mientras aclara en JJ Circuito Cultural, una obra donde la canción folklórica se cruza con experiencias personales, memorias familiares y una mirada política sobre el presente.

Bonetto forma parte de una camada de músicos que habita el folklore desde identidades y sensibilidades históricamente poco representadas dentro del género. En Mientras aclara, esa búsqueda aparece plasmada en siete canciones de sonoridad austera, donde lo íntimo se vuelve colectivo.

Y, atención, porque la entrada es la gorra. “Entiendo que mi público es uno de los más afectados por las políticas de la derecha”, sostuvo el músico. Para él, generar espacios de encuentro para las disidencias dentro de la música popular constituye también una intervención cultural y política. Lejos de romper con la tradición, su propuesta busca expandirla.

Nadia Larcher y una experiencia ritual

Otra de las citas imperdibles de la semana será la presentación de Trece, la obra conceptual de Nadia Larcher que podrá disfrutarse el sábado 13 en Giuffra 371. La cantante nacida en Andalgalá, Catamarca, como ya lo dijimos en esta columna (y lo repetiremos infinidad de veces) es una de las voces más reconocidas de la renovación del folklore argentino y una artista fundamental para comprender los cruces entre tradición, experimentación y creación contemporánea.

Integrante de proyectos emblemáticos como Don Olimpio (sí, con Andrés Pilar, con el que además grabó el disco Amor y conocimiento), Nadia viene desarrollando desde hace años un trabajo que dialoga con las músicas ancestrales, la oralidad y los territorios culturales del noroeste argentino. En Trece asume además un lugar central como compositora. La obra surge de una reconexión con los ciclos lunares y está construida a partir de trece canciones que representan distintos momentos de un recorrido vital atravesado por la transformación, la muerte y el renacimiento.

Con una puesta minimalista integrada por una guitarra, un círculo de lunas y las canciones como protagonistas, la propuesta invita a una escucha profunda. La propia artista define a Trece como una “obra-ritual”, un trabajo que marca un momento decisivo en su camino creativo y que propone recuperar la conexión con los ciclos naturales en tiempos de aceleración permanente. Y más no se puede contar porque hay que vivir la experiencia en carne propia.

El Indio sigue sonando

La muerte del Indio Solari también dejó su huella en otros músicos del folklore. Me gustó ver cómo iban subiendo temas a sus redes. Micaela Vita cantó una desgarradora versión de “Todo un palo” en el recital de Duratierra en Rosario el mismo viernes 5. Cecilia Zabala grabó junto a su hijo “Juguetes perdidos”; Raly Barrionuevo revisitó “Flight 956”, mientras que Clara Cantore eligió “Bebamos de las copas lindas”. Distintas generaciones y estéticas encontraron en esas canciones un lenguaje común para despedir a una de las figuras más influyentes de la música argentina.

Peñas para encontrarse

Para conjurar tanto dolor, hay que juntarse. Y qué mejor que las peñas, que proliferan cada vez más en esta ciudad y las hay para todos los gustos. El sábado se realizará la Peña La Juana Azurduy en el Espacio Cultural Encuentro San Cristóbal, con las actuaciones de Laura Albarracín, Claudio Sosa y María y Cosecha (¡qué lujo). La propuesta busca recuperar el espíritu de aquellas peñas que marcaron la escena porteña desde comienzos de los años 2000, como La Eulogia, La del Colorado, El Desalmadero o La Paila, lugares donde la música popular encontró ámbitos de creación, intercambio y resistencia cultural.

Ese mismo día, Casa Brandon, el punto de encuentro por excelencia de la cultura queer en Buenos Aires, recibirá la segunda edición de la Rueda de Folklore, una iniciativa que combina danza, canto y participación colectiva. Con una clase inicial a cargo de Alejandra Cernik y una ronda musical coordinada por Pato Molina, Tomi Llancafil y Alina Farah, la propuesta suma como invitados a Yacaré Manso y Tomás Mutio. La consigna es sencilla y potente: volver a reunirse alrededor de las canciones.

La yapa: Tejada Gómez para las nuevas generaciones

La semana dejó una noticia importante para la preservación del patrimonio cultural argentino. El Instituto Nacional de la Música (Inamu) y la Subsecretaría de Cultura de Mendoza presentaron Tonada grande. Obra de Armando Tejada Gómez, un libro que reúne partituras, canciones, testimonios y materiales inéditos dedicados a una de las figuras fundamentales de la poesía y la canción latinoamericana.

La publicación incluye 28 partituras, un cancionero con obras emblemáticas como “Canción con todos”, “Canción de las simples cosas” y “Canción para un niño en la calle”, además de ensayos y textos de artistas e investigadores. Pensado como material de consulta para músicos, docentes y estudiantes, el volumen busca acercar el legado de Tejada Gómez a nuevas generaciones.

Hay textos, testimonios y aportes de Perla Aguirre, Pancho Cabral, Martín Castro, Chacho Echenique, Walter Gazzo, Santiago Giordano, Ramiro González, Ariel Gravano, Víctor Heredia, Julio Lacarra, Silvia Majul, Araceli Matus, Oscar Motta, Teresa Parodi, Gabriel Plaza, Suna Rocha, Damián Sánchez, Daniel Talquenca y Raúl Alberto Vigini, entre otras personas vinculadas a la obra de Tejada Gómez. Se puede descargar gratis acá.

Bueno, hasta aquí llegamos hoy. Gracias por leer. Que disfruten. ¡Hasta dentro de dos semanas!

(*) “Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

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Desde que Milo J. se enamoró del folklore y generó esta especie de “moda”, muchos otros artistas se animaron a acercarse a una música que en realidad les corre por las venas y escucharon desde chicos. Y eso se celebra. Pero es apenas la punta de un iceberg que abajo es gigantesco y tiene mucho y muy hermoso para ofrecer. Muchas veces se gastan fortunas en entradas para espacios enormes donde artistas internacionales presentan el mismo show estructurado de sus giras. Y, sin embargo, los recitales en espacios independientes, con precios populares, donde cada noche es diferente y mágica, a veces apenas si se llenan.

Retomo esta columna que nació hace algunos años en este mismo diario porque siento que no hay espacio en los medios para lo que un montón de músicos, músicas y músiques vienen haciendo. Y quiero destacarlo, porque lo disfruto mucho y sé que ustedes también lo van a apreciar. Les iré contando lo que escuché, lo que se viene o lo que me enteré de este universo de artistas talentosísimos que tenemos en este país.

Por lo pronto, hoy mismo hay dos planes imperdibles. Nadia Larcher vuelve a presentar Trinar – La Flor, su primer disco de canciones propias, en Galpón B. La catamarqueña vuelve después de una larga estancia en Europa para volver a tocar los temas de este primer trabajo de una serie que muy prontito seguirá con más. La acompañará un verdadero dream team: Andrés Pilar en piano, Pedro Rossi enguitarra, Mariano “Tiki” Cantero en percusión y Fernando Silva en bajo. Sonarán, obviamente, “Música hermana” y “Cariño”, dos canciones que ya se convirtieron en clásicos. Y eso que el disco salió el año pasado.

Nadia, que ya desde hace tiempo es una de las voces más destacadas de la música de raíz, hizo además algo muy hermoso hace exactamente dos meses junto al multiinstrumentista tucumano Manu Sija: un tributo a la investigadora y etnomusicóloga Isabel Aretz llamado “Desde el fondo de los tiempos”. El homenaje consistió en reinterpretar y grabar algunas de sus recopilaciones, tomadas en la década del ‘40 en el noroeste argentino. Se los dejo por acá:

A su vez, el tucumano Juan Falú y el cordobés Mariano Loiácono, que vienen haciendo hace tiempo unos cruces brillantes entre folklore y jazz, van a grabar un disco en vivo en Bebop Club. Quisiera poder estar en los dos eventos a la vez. Lo que hacen Falú y Loiácono en base a la complicidad y al profundo dominio de sus instrumentos -la guitarra y la trompeta, respectivamente- es conmovedor. Suelen juntarse varias veces al año, así que si no pueden hoy, ya habrá otra oportunidad.

¿Saben que Falú es de los artistas que más veces tocan al año? Creo que tiene el récord. Y da igual si es en un teatro grande o un espacio independiente pequeño. Recorre el país y el mundo con su guitarra y comparte muchas fechas, tanto con artistas consagrados como con artistas nuevos. No para nunca. Sin ir más lejos, además de este show con Loiácono, el sábado toca con Gustavo Nasuti Cuarteto, el martes con Dani Negro en Los Galgos y después sale una girita santafesina por Venado Tuerto, Bigand y Casilda, que culmina el 25 de mayo con Guillermo Dezi Codaro en Rosario. Y el 27 presenta otra vez en CABA su libro Música Argentina Contemporánea. Volumen II (Mil Campanas), con 16 obras suyas, en el Club Social Cambalache.

Pero volvamos a nuestra agenda de los próximos días. Este sábado 16 se producirá otro encuentro cósmico, el de Duratierra con el cantautor chileno Nano Stern en La Trastienda. La banda que fusiona folklore y sonidos nuevos se está despidiendo de su disco A los amores porque ya está grabando otro nuevo. El show tendrá momentos para cada uno, cruces entre ambos y varias sorpresas. También varios músicos invitados. Será de las poquitas oportunidades de ver a Duratierra en Buenos Aires este año porque, claro, están trabajando en el próximo álbum. Por cierto, ¿ya vieron y escucharon el video-álbum de A los amores en vivo?

Y el domingo otro tucumano, Juan Quintero, presenta su Bingo para cantar, una idea genialísima, nacida al calor de su ronda homenaje Canto a la Mercedes (Sosa, por supuesto). Funciona así: hay 90 canciones y 90 números del bingo. El que quiera cantar, se anota al comprar la entrada. Y si sale en el cartón ganador, le tocará cantar ese día. Necesito además mencionar a los músicos que acompañan a Quintero, porque son uno más capo que el otro: Hugo Maldonado Barros, Juampi Di Leone, Manu Sija, Luciana Jury y Facundo Guevara. Es a las 17 en Vecinal Saavedra.

Me gusta destacar de qué provincia viene cada músico, porque acá en la porteñidad somos muy de creernos el centro del mundo y resulta que no, que hay música preciosa absolutamente en todo el territorio nacional. Les tiró dos fechitas más: el 22 de mayo vienen desde Rosario Julián Venegas y José Santucho a presentar Ambulantes, su proyecto inspirado en los vendedores informales, en Páramo Cultural. Un día después, encuentro de cantorazas: otra santafesina, Patricia Gómez, llega a compartir con la porteña Ceci Méndez en el Club Social Cambalache.

Y quiero hablarles de un disco que salió hace poco y me encantó: Mientras aclara, de Valen Bonetto, otro cordobés. Es un trabajo despojado en cuanto al sonido -o sea, básicamente dos guitarras, dos voces- en el que este artista travesti toca con su tío chacareras, gatos, cuecas y otros ritmos tradicionales, todos compuestos por él. Las letras hablan de las identidades queer, entre otras cosas, porque Valen (que además integra Duratierra) sintió la necesidad de también el folklore abarcara estas temáticas. Es un disco de una gran sensibilidad. Acá lo pueden escuchar:

Y dos cositas más para terminar: hasta el 18 de mayo hay tiempo para inscribirse a una diplomatura dictada por la más grande, la uno, la maravillosa Hilda Herrera (también cordobesa), la persona viva que más sabe de nuestra música de raíz. “Interpretación de ritmos regionales argentinos en piano solo” se cursa en la Universidad Nacional de las Artes (UNA) y por acá les dejo el link para la inscripción.

Y de acá no nos vamos sin un poco de chamamé. La bandoneonista Milagros Caliva, una auténtica reina de la música del Litoral aunque nació en Buenos Aires, dará un taller online llamado “El arte de interpretar el chamamé: bandoneón, voz y acompañamiento”. Le escriben por privado y ella les cuenta todo a su Instagram.

La yapa: un documental de música popular chilena

El domingo 17 se proyecta en Hasta Trilce el documental En septiembre canta el gallo, de Nano Stern y Luis Emilio Briceño. Cuenta con testimonios de un amplio abanico de cantoras y cantores populares activos en el Chile de comienzos de la década del 70, del canto de raíz a la psicodelia, pasando por la música andina y la fusión con la música docta. La idea es mostrar y entender las relaciones del mundo de la cultura y de la política.

“A partir de la segunda mitad de los años 60 surgen nuevas formas musicales en Chile, con un fuerte contenido social, en donde influencias de todo el continente latinoamericano generan una canción nueva. Surgen festivales, mítines, se crean peñas folklóricas de gran importancia. Todos estos factores, asociados al contexto internacional, confluyen en un movimiento cultural potente, que rompe con los viejos cánones conservadores del folklore tradicional, y es un actor fundamental en el triunfo en las urnas de Salvador Allende”, señala la gacetilla.

Hasta aquí llegamos por hoy. Gracias por leer. Que disfruten. ¡Hasta dentro de dos semanas!

(*) “Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

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Ya que la música de raíz folklórica vive un momento de efervescencia, juntemos a varios de sus representantes nuevos más interesantes unos días en un estudio de grabación a ver qué pasa. Un poco así fue la idea que tuvieron el ingeniero de sonido Andrés Mayo y la cantante, guitarrista y productora Lucy Patané hace unos cuantos meses.

Armaron una lista y así fue como en marzo por casi una semana reunieron en una residencia artística en el Estudio Sonorámica en Mina Clavero, Córdoba, al cantante chubutense Tomi Llancafil, el multiinstrumentista tucumano Manu Sija, el cantautor uruguayo Mocchi, la pianista Noelia Sinkunas, la bandoneonista Milagros Caliva (ambas bonaerenses), la cantante y pianista misionera Flor Bobadilla Oliva y la cantante catamarqueña Nadia Larcher. De la experiencia, surgieron siete canciones inéditas, que se difundirán próximamente en un disco, y un documental, que se está terminando de editar.

Algunos eran amigos, otros ya habían tocado juntos alguna vez y otros no se conocían. Pero la experiencia resultó fructífera y motivadora y en los próximos días comenzará a circular un adelanto del resultado final.

En una charla con elDiarioAR, Mayo y Patané se explayaron sobre esta original residencia artística, que por el momento lleva el título de Proyecto Sonorámica. Y también algunxs de los músicos participantes dieron su testimonio (ver abajo).

-¿Cómo se les ocurrió juntar a este 'dream team' de músicos en una residencia artística?

-Lucy Patané: Hubo bastante de lo que se dice brainstorming. Nos juntamos bastante a pensar. En realidad, fue una idea inicial de Andrés, pero después se fue llevando para otros lados. Simplemente hubo una pequeña premisa o condición, que es que sean personas que están dando vueltas por el género folklore pero como bordeándolo, de alguna manera, personas que estén buscando experimentar o buscar algo diferente dentro de ese género. Entonces un poco empezaron a surgir los nombres.

-Andrés Mayo: A mí me gusta mucho sacar fotos. No literalmente hablando, sino retratar los momentos. Yo había producido un documental que se llama Charco - Canciones del Río de la Plata (2017), que por suerte todavía sigue girando, y me pareció que era una buena foto del momento que se vivía entonces. Y esto intenta hacer lo mismo, quizás un toque menos ambicioso en cuanto al despliegue de producción, pero la misma idea de decir: a ver, hay gente recontra talentosa, como dice Lucy, que salen de lo estándar y que uno sabe que están haciendo cosas y que merecen muchísima más visibilidad. Tenía esa idea, no sabía mucho cómo concretarla, pero sí que quería que fuera un retrato de este momento. Y la primera persona en la que pensé fue en Lucy para que me ayudara a tratar de llevarla lo más lejos posible en términos de producción artística y técnica. Y ahí sucedió que la tercera persona con la que nos juntamos fue Nadia Larcher. Tuvimos una reunión en su casa que estuvo buenísima y salieron un montón de nombres. Me acuerdo de haberme llevado de esa reunión anotados como 20 o 25 nombres, que eran todos espectaculares. Igual sabíamos que no iba a haber lugar para tantos. Después tuvimos que empezar a pulir para que la cantidad de gente estuviera de acuerdo con la cantidad de días, porque si llevábamos 20 personas no íbamos a poder estar solo cinco días. Y había también alguna limitación no solo de presupuesto, sino también de posibilidades de estar en un lugar en el cual estás aislado de todo. Y si nos quedábamos un montón de días como que todo arranca muy bien y en algún momento se empieza a desbandar.

- ¿En esos días se compusieron estas siete canciones que forman parte del proyecto? ¿Ya venían con las canciones? ¿Cómo fue ese proceso?

-LP: Cada persona llevó una canción. Las mostraron un poco antes, pero la verdad es que no hubo una preproducción. Fue un poco: estas son las ideas que se llevan y se tocaron y se grabaron ahí. O sea, no es que hubo un proceso previo. Se compartieron, sí, pero fue como una escucha y nada más. Entonces un poco el proceso era mostrar la canción en el momento y todes la iban arreglando y se grababa.

-Y son canciones inéditas, ¿no?

-AM: Sí, alguna creo que ya había sido grabada en otra versión. Pero en general, sí, eran inéditas. Y la idea que teníamos con Lucy era poder tener por lo menos un par de reuniones antes para que no fuéramos tan desprovistos, tan a ver de qué se trata, porque encima había gente que ni se conocía. Pero eso no pasó. Nos juntamos una vez, que estuvo muy bueno, a escuchar. Y eso fue todo. O sea que íbamos bastante en bolas, digamos. Pero salió bien. Salió muy bien. Lo que mejor funcionó para mí fue cómo nos organizamos humanamente y a nivel de tiempos. Porque si vos pensás en cinco días hacer siete temas es un montón. Y esto lo tengo que decir porque corresponde decirlo: aprendí mucho de Lucy, porque yo sentía que el tiempo que teníamos ahí nos iba corriendo y a ella la veía muy relajada. Y entonces yo miraba y decía: ¿cómo puede ser? ¿Por qué? Algo no me cerraba. Y después, con el paso de los días, me fui dando cuenta que esa era la actitud para que todo saliera bien. O sea, aprendí la estrategia.

-LP: Igual, sí, era un desafío muy grande que un grupo de personas se organice y entienda un proceso que, en realidad, nosotros tampoco es que fuimos con una forma de trabajo armada. Fue como, bueno, veamos a ver qué pasa en el momento. Hay un detalle importante y es que está todo grabado en vivo. O sea, estaban todas las personas adentro del estudio y se grababan todos los instrumentos a la vez. Y les músiques podemos perdernos mucho en los detalles cuando grabamos. Podés hacer mil versiones hasta que queda perfecto. Entonces el primer día creo que fue el más crucial, porque todes entendimos que no íbamos a ir a fondo a los detalles, sino que la búsqueda era que pase algo. Y en ese que pase algo muchas veces puede haber alguna que otra desprolijidad, pero lo que se registra en ese momento es único. Si después te ponés a corregir o a grabar por separado, todo eso se puede perder. Y ahí siento que empezó, que se entendió el proceso y fluyó a full.

- Y desde el principio esto quedó registrado en un documental. ¿Que qué es lo que muestra el documental?

-AM: Intenta ser una foto viva de ese momento. El documental está en proceso y sería un poco irresponsable contarte cómo va a ser hasta que no esté por lo menos bastante más avanzado. De hecho, va a salir un avance ya en estos próximos días. Pero el avance no pretende ser una muestra chiquitita de lo que va a ser todo el documental, sino que son imágenes que muestran registros totalmente al azar de momentos. Y esas imágenes mezclan un poquitito tomas de exteriores, alguna cosita que se hizo en tono de entrevistas. Lo que tiene de bueno es que una gran parte se hizo en fílmico, en 16 milímetros, y eso le da un toque muy especial a la imagen. Yo le tengo mucha fe y me encanta cuando charlamos con Lucy y vemos que se lograron las cosas más importantes. Se logró comunidad de gente que, en algunos casos, ni se conocían. Yo siempre doy el mismo ejemplo: Mocchi, que era quizás la persona más externa al grupo porque no tenía mucho contacto real con ninguno, se volvía en auto desde Mina Clavero. O sea, tenía un viaje largo y el resto se volvía en el bus. Bueno, cuatro personas cancelaron sus pasajes de vuelta para volverse con él. Espectacular. Y eso después de cinco días. En esos cinco días se dio una cosa de hermandad muy alucinante. Y después todo el mundo fue a los conciertos de quien tocaba. Iban todos. Eso es alucinante. Trasciende completamente el proyecto. El proyecto logró ya un objetivo sin haber salido todavía.

-¿Todos grabaron en todas las canciones?

-LP: Sí, sí, creo que sí. Quizás alguna que otra cosa, pero sí, siempre era estaban todos ahí adentro.

-¿Y cómo son entonces los próximos pasos?

-AM: La idea es que este primer avance sirva para hacer circular el proyecto. Tal vez ese avance sirva para contar de qué va y después salga todo junto el resto, que son dos partes: el documental y el disco, que no son exactamente lo mismo. Porque el documental quizás tenga partes de las canciones, pero no todas probablemente. Y el disco sí va a tener todo, las versiones completas. Incluso hay una versión muy hermosa de un tema de Flor Bobadilla que tiene una impro muy larga y esa impro puede que esté en el documental y no en el disco, o al revés. Son armados distintos para lo visual y para lo puramente auditivo.

-¿Tienen fechas ya?

-AM: Creo que antes de fin de año, porque el documental ya está en proceso y la idea es sacarlo antes de fin de año. Porque además el documental va a tener un recorrido en festivales. No es solamente colgarlo en YouTube. Adriano Bruzzese, que es el director, es una persona muy conectada con el cine. No tengo ninguna duda de que este documental va a girar, quizás no solo en los circuitos locales, sino muy probablemente afuera también. Porque además una cosa buenísima que pasa con este documental es que la gente es cada vez más conocida. De golpe vos la ves tocar a, no sé, Noelia Sinkunas en un megafestival acá y decís: ah, es la misma que está acá. Y empezás a linkear. Es toda gente re grosa y que dentro de diez años va a ser mucho más grosa todavía, mucho más conocida. Entonces va para arriba, digamos.

-Los dos tienen mucha experiencia en la música argentina, conocen muy bien el mundillo. ¿Por qué creen que surgió esta generación ahora haciendo un folklore así más experimental?

-LP: Creo que todo el tiempo se están dando esos fenómenos. Yo que soy un poco más del palo del rock estoy todo el tiempo analizando qué pasa, qué no pasa y cada tanto me cruzo con alguien de otra generación, más grande, que me dice: esto también pasaba en los 80. No soy una experta en género folklore, pero para mí todo se traslada a todos los géneros. Y todo el tiempo se están rompiendo ciertas estructuras. Me parece que ahora se ve un poco más porque todo es más visible con las redes, con todos los canales de difusión que hay. También la gente que convocamos está bastante en un circuito más disidente. Entonces también hay una cosa ahí de romper con muchas estructuras, no solamente con un género musical. Se da una combinación bastante fuerte de todo, de diferentes formas de ver la vida. Eso combinado con lo cultural es una movida bastante fuerte. Pero para mí todo el tiempo hay rupturas, todo el tiempo se rompe y eso abre a lo que viene después. Sí particularmente este grupo de personas tiene mucho talento real. Yo participé en algunas canciones tocando. Por lo general estaba del otro lado con Andrés, pero a veces tocando. Y yo ya he hecho cosas, por ejemplo con Noelia Sinkunas, varias veces, y no me deja de sorprender. Hay un talento que es muy grande y lo mejor es que saben qué hacer con eso. Porque no solamente es mover los dedos y poder tocar bien. Es qué tocas, qué decís, dónde lo decís, con quiénes lo decís. Me parece que esa parada un poco más política de alguna manera también lo hace un poco más visible.

-AM: Sí, yo creo mucho en los en los ciclos. Los ciclos son muy notorios en la Argentina y en cualquier parte del mundo. Y muchas cosas aparecen como pequeñas respuestas a lo que está pasando y pequeñas contraculturas. Así como apareció el rock en su momento y era la contracultura y era en sí mismo tremendamente cerrado. Y a Rata Blanca los putearon cuando tocaron en boliches de cumbia, por ejemplo. Y hoy en día esa contracultura es mezclar todo. O sea, Noelia Sinkunas tiene una banda de cumbia, que es Cachitas Now, tiene Flamamé, que hace chamamé, y toca tango. Y está todo bien y hace bien las tres cosas y podría hacer 10.000 más y todas las va a hacer bien. Finalmente estamos llegando a ese punto en el que la música no tiene ese tag y ese género, sino que realmente algo que cruza todas esas distinciones. Y en el medio, qué sé yo, el rock. Pero después el rock pasó al pop. Tuvimos un pop espectacular durante diez años y se lo vendimos a todo el mundo. Y después apareció el rock chabón de tres acordes que no se lo vendíamos a nadie. Y después aparecieron los Lucio Mantel y los Tomi Lebrero, cantautores. Después apareció el trap. Y ahora esto, que no tiene nada que ver con nada y que de alguna manera es sorprendente por todos lados. Yo la escucho tocar a Milagros Caliva y me emociona más que ningún bandoneonista argentino. No te lo puedo explicar. Y tiene 22 años, 23 años. O sea, ¿cómo sucede eso? No sé, pero es increíble. Entonces me parece que ahí hay algo y esa es la foto que yo quería que sacáramos.

“Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

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Es uno de los grupos más potentes de la nueva generación de músicos populares. Por eso, que Don Olimpio saque disco nuevo es todo un acontecimiento. Vengo estará en las plataformas desde este 3 de noviembre y será presentado después en vivo en el Teatro Margarita Xirgu de Buenos Aires el 24 de noviembre.

Si en los dos trabajos anteriores el octeto tocó sobre todo temas tradicionales, en este tercer disco eligieron un puñado de canciones de autores contemporáneos. Hay temas de Ana Robles, Juan Saraco, Gabo Ferro, Luz Galathea y Hugo Fattoruso -invitado especial- y varias composiciones de miembros de la banda como Milagros Caliva, Andrés Pilar y Nadia Larcher.

El 24 en el Xirgu, además de los temas nuevos, sonarán, claro, algunos de sus discos anteriores, Dueño no tengo (2017) y Mi Fortuna (2019). Y habrá un segmento para bailar, como viene ocurriendo en La Olimpeña, un evento que el grupo organiza mensualmente desde mayo de este año.

En entrevista con elDiarioAR, el pianista Andrés Pilar, encargado de la dirección y los arreglos, y Nadia Larcher, la potente y conmovedora voz de la banda, contaron detalles del disco nuevo y del show de presentación.

El grupo está integrado además por Juan Pablo Di Leone en flautas, voz y arreglos; Federico Randazzo en clarinetes y voz; Juan Manuel Colombo en guitarras y tambor chico; Diego Amerise en contrabajo y tambor piano; Agustín Lumerman en percusión; y Milagros Caliva en bandoneón y voz.

¿Por qué eligieron para este disco temas de autores contemporáneos? ¿Cómo fue esa decisión?

AP: Antes de la pandemia, en enero de 2020, Adrián Iaies nos propuso hacer tres shows con tres temáticas diferentes en La Usina del Arte. Entonces se nos ocurrió que una de las temáticas que queríamos hacer era un repertorio más contemporáneo. Y medio que cuando empezamos a preparar ese concierto, después cerró todo por la pandemia y nos quedamos con esa idea. Había otro que era hacer el repertorio de Chabuca Granda y otro era el Don Olimpio tradicional, digamos. Y, bueno, quedamos con la idea del repertorio de compositores, compositoras y ahí también aparecieron nuestros temas y se completó el laburo. La mitad del disco son temas propios. Dos de Nadia, dos míos, uno de Mili (Caliva) y cinco de contemporánees.

NL: También nos dimos cuenta que estaba muy rico el cancionero de los compositores, las compositoras y les compositores. Tenemos una canción de Luz Galathea que es una compositora trans. Lo digo así porque lo consultamos con ella y ella dice: es necesario que se visibilice la canción trans también. Hicimos una lista gigante de canciones. Hay canciones y compositores y compositoras que quedaron fuera de este disco, pero porque la pandemia nos limitó mucho el trabajo y fuimos haciendo lo que pudimos. Y llegamos a esta pequeña muestra. Siento que es un pequeño acercamiento a lo que es el cancionero de la música popular de autor, de autora hoy. Y me parece que a Don Olimpio le hizo bien porque también transicionamos, para usar esta hermosa palabra, hacia una manera diferente de construir la música, que ahora ya nos tiene en otro formato. Y estuvo bueno eso. Cómo nos vinculamos con las canciones, cómo trabajamos con el ida y vuelta para pensar los arreglos. Todo eso fue interesante. En el medio de la pandemia, además, que fue un desafío.

¿Cómo fue evolucionando el grupo a lo largo de estos tres discos? Creo que al principio, Andrés, vos proponías los arreglos.

AP: Primero fueron temas que yo dije: bueno, tengo estos arreglos. Después lo siguiente fue preguntarle a Nadia. Siempre con Nadia hubo un ida y vuelta más fluido en relación al repertorio. Entonces para el segundo disco ya estuvo como mucho más repartido: temas que propuso Nadia, temas que propuse yo. Y creo que eso fue en general el mix. Y, bueno, en realidad en este disco también un poco fue con Nadia el laburo ese de selección. Lo que hicimos fue tirar un montón de temas juntos en una playlist. Y después un día nos juntamos en casa con los chicos en un ensayo y escuchamos varios de los temas. Y ahí medio que decantaron algunos.

NL: Era un terreno nuevo y fueron decantando ideas. Por ejemplo, en “Madreselva” (el tema de Galathea), toda la parte de gualambao que hay fue una propuesta de Mili. Entonces empezamos a trabajar de otra manera. Lo que hace Andrés maravillosamente es que toma todas esas ideas y después las trabaja con su lápiz de arreglador para devolvernos unas hermosas partituras y que suene la música, que es maravilloso eso, es un arte absoluto, que a Don Olimpio le hace muy bien.

¿Cómo se animaron a poner temas propios, los temas de ustedes?

AP: Ya había uno en el primer disco, “Rodar la voz”, un tema mío. Y después Nadia se puso a componer también en la pandemia.

NL: Sí, pero es loco porque uno de los temas que grabamos, que se llama “El Sol”, lo compuse hace muchos, muchísimos años, en Andalgalá, la primera vez que me fui de mi casa y que me fui a vivir a una casa a tres cuadras. La primera vez que salí de la casa de mis viejos compuse esa canción. Y fue loco porque vos la escuchaste y te gustó (le dice a Andrés).

AP: Ella me la mostró un día en la casa con la guitarra y dije: esta va para Don Olimpio.

NL: Así, con toda la confianza. Como vos decías ahora: ¿cómo se animaron? Y es como: ay, sí, ¿cómo nos animamos? Porque en realidad fue un acto de confianza. Podemos hacer sonar esto. Lo mismo nos pasó con el chamamé de Mili, que es tan bello. Lo mismo nos pasó, las ganas de tocar la música de ella. Y, bueno, con tus canciones (las de Andrés) también.

En paralelo a la grabación del disco, desde mayo de este año Don Olimpio celebra una vez por mes su particular peña llamada La Olimpeña en Dumont 4040. Allí el grupo toca en vivo sus temas y otros, hay clases de danzas folklóricas y baile.

Respecto a la Olimpeña, ¿cómo se les ocurrió la idea? Y una vez que se concretó, ¿cumplió con las expectativas? ¿Las superó?

AP: El año pasado empezó a circular la idea: che, tenemos que hacer una peña. Después de tanto encierro, además. Fue como las ganas de encontrar un espacio de encuentro real, de cuerpos, de gente, de quilombo, de nuevo. Lo que necesitábamos después de tanto barbijo. Y después en el verano, este verano, en el medio del intercambio del chat del WhatsApp, Fede dijo: bueno, ¿qué onda? ¿cómo viene el repertorio de la Olimpeña? Bautizó en ese mensaje a la Olimpeña. Y todos dijimos: ¡qué buen nombre! Bueno, ahí surgió el nombre. La primera fue en mayo y re cumplió con las expectativas, superó todo. Pensamos que iba a ser una por mes y, sí, finalmente fue una por mes. No sabíamos si iba a ser poco o mucho, pero es un buen número. Y está buenísimo. Cada una es diferente.

NL: Yo creo que también la Olimpeña viene de un espíritu que trajo Mili también de empezar a abrir el juego a tocar sin el arreglo. La Olimpeña también tiene mucho de eso, hay muchas canciones que están tocadas desde el espíritu de cada uno, de cada una. Y fue hermoso porque además nos volvió a encontrar con canciones que cantábamos cuando éramos chicas. Y empezar a estudiar también a la par de lo que estábamos haciendo. Empezar a estudiar los géneros de nuevo. Ah, ¿cómo era esto de las vueltas del escondido? Y nos volvió a vincular con eso hermoso y con ese repertorio y con ese cancionero maravilloso que tiene nuestra música tan gigante.

A mí me me parece buenísimo que van muchos músicos. Eso no es tan habitual.

NL: Hay muchos músicos y bailan, que me encanta. Bueno, eso también, es un espacio para la danza y eso nos fue cambiando también la conciencia de tocar para que las personas bailen ¿Qué se necesita para eso? Ahí vino la conjunción con Flor Vijnovich (profesora de danzas) también. Fue interesante.

Y este disco lo grabaron después de tocarlo mucho.

AP: Siempre hicimos esos. Nunca llegamos muy crudos al disco. Algunos temas sí están menos ensayados porque son los últimos, pero hay otros que están muy tocados. Porque está bueno grabar cuando ya está todo maduro. Y ya se tamizó. Y se tamiza en los ensayos, no de otra manera. En el papel está la idea original. Y después cada uno le aporta lo suyo, le cambia, le pone. Y el grupo se retroalimenta con lo que le cambió tal y lo que le aportó uno, el fraseo y no sé qué. Y llegar al disco con eso laburado es un placer.

NL: Y seguimos grabando en vivo. Básicamente volvimos a grabar en vivo. Ya coqueteamos con la idea de hacer discos más en capas y en etapas pero hay algo de Don Olimpio que se arma al tocar en vivo. Y volvimos a grabar así: primeras tomas y adentro el disco. Tiene una frescura eso. Después el aporte de Ale Saro (encargado de la grabación y la mezcla) es fundamental, porque él nos ayuda a terminar de entender el disco y de darle los colorcitos y las cositas lindas que tiene.

¿Qué pueden adelantar del show del 24?

NL: Estamos preparando todo ese concierto, que va a ser distinto a la Olimpeña. Hay algunas cosas que estamos terminando de diagramar pero sobre todo vamos a subir un poco la propuesta a nivel visual y a nivel de luces y de audio y trabajar con eso un poco más integrado para que se eleve la sensación. Porque el Xirgu es un teatro divino, hermoso. Pero hay que laburarlo. Es un teatro grande. Y después también vamos a tener un bloque de Olimpeña, porque ya estamos en ese mood. Queremos que bailen, así que va a haber una presentación. Estamos armando todo así detalladamente para que sea lindo, sea bonito, así que esperamos verles ahí.

¿Y la idea después es seguir haciendo fechas? ¿Cuáles son los planes?

AP:  Después del Xirgu hay una Olilmpeña más, el 10 de diciembre. Y después descanso. Igual siempre llega el verano y está la idea de los festivales, pero no está siendo fácil.

NL: Nuestro plan es generar una Olimpeña ambulante, salir un poco de Capital. Ya tenemos invitaciones de Córdoba, de Rosario. O sea, las personas que fueron escuchando, que quieren a la banda, dicen: ay, queremos la Olimpeña acá. Y nos pareció hermoso generar la presentación del disco adentro de la Olimpeña, como lo venimos haciendo, porque básicamente venimos tocando mucho el disco que vamos a presentar en el Xirgu, así que creemos que ese va a ser el plan para el año que viene. Empezar a girar un poco más y que se sostengan los toques acá.

También va mucha gente joven a escucharlos. ¿Creen que se está ampliando el espacio para la música que hacen?

AP: No, no lo veo mucho. Pero, está bien para el volumen que maneja esta música. O sea, no hay un incentivo extra. Debería haberlo, porque, che, es nuestra música, viejo, dale. Pero no, no lo hay. ¿Me preguntás? Digo, no, falta. Falta un montón. Pero, bueno, lo que hay está bien.

NL: Sí. También es loco eso, porque es pensar que si nosotres mismes no generamos los espacios, no se abre esa consideración. El asunto es que son espacios autogestivos, independientes, cooperativos. Y se necesita mucho empuje. Nosotres estamos agradecides con el apoyo que tenemos. Una persona me dijo el otro día: la tribu va a bailar. Y me encantó esa idea porque, claro, hay personas que vienen a la Olimpeña, ya han venido, han vuelto y han vuelto y ese apoyo es muy lindo. Porque en los medios de comunicación nuestra música adorna las efemérides de algunos momentos del año y después está por ahí. Como que no está siendo lo representativo, lamentablemente. Pero, bueno, sigue, seguimos resistiendo. Yo siento que es un arte a atemporal ya. Porque late al ritmo de otras cosas, me parece. Y las jóvenes que van creo que sienten eso, sienten ese latido, que es diferente. Pero, bueno, sí. Implica mucho esfuerzo.

CRM

Casi siempre hablamos de lo que pasa en Buenos Aires -en el ámbito cultural y en todos-, pero en la música cada vez más me encuentro deseando asistir a recitales en otros puntos del país. Tilcara, Rosario, Córdoba. No todo pasa por la capital. Ni siquiera hace falta venirse a vivir acá para “ser parte”. Ahí tenemos, por ejemplo, a Carlos “Negro” Aguirre que nunca vio la necesidad de dejar Paraná y es un artista reconocido en todo el país, que llena cualquier sala en la que se presente. O eventos como el mercado regional de música El NOA tiene que andar, que este año será en noviembre en Jujuy, o El Encuentro de Rosario, que es ya. En esta columna, intentamos estar atentos a todo lo que sucede, pero, cuando quieran, nos pueden mandar información que crean que andamos necesitando conocer.

Los talleres y recitales vuelven a Rosario

“El Encuentro - La música argentina en Rosario” celebra una nueva edición del 15 al 21 de agosto. Una vez más, como desde hace 19 años, artistas consagrados y otros de las nuevas generaciones compartirán sus saberes y presentarán al público sus creaciones en este querido evento. Entre los talleres para aprovechar este año, figuran DeCANTAR, intérpretes en proceso de creación, de Nadia Larcher; Rítmica folkórica argentina, de Néstor Gómez y Juancho Perone; Taller de arreglos e interpretación de música argentina para cuerdas, de Luchas Querini y Pablo Farhat; Taller de guitarra - arreglos y armonía, de Matías Arriazu; Entrenamiento rítmico - “Ritmática”, de Tiki Cantero; y SENTIR-SONAR, sumergirse en la potencia expresiva de la voz, de Betiana Charny.

Los conciertos, en tanto, contarán con la presencia de Juan Falú, Fernando Cabrera, Matías Arriazu, Dúo Coplanacu, Flor Giammarche, José Luis Aguirre, Nadia Larcher y Andrés Beeuwsaert y el Dúo Palo Blanco, entre muchos otros.

“Desde siempre los pueblos han buscado expresar sus alegrías, sus temores, sus sueños y sus tristezas a través de distintas manifestaciones artísticas y, en esa búsqueda, han contribuido a la construcción de su propia identidad y de una cultura con rasgos propios. Creemos que la música, como expresión privilegiada del modo de ser y de sentir de una comunidad, ocupa un lugar irremplazable en ese proceso y es ese lugar el que intentamos con esta iniciativa recuperar”, explican los organizadores. “Intentamos contribuir a esa lenta y difícil tarea de ir anudando pacientemente los hilos dispersos, reuniendo a músicos que -a pesar de estar generalmente excluidos de los canales de divulgación masiva- son los que han permitido que estas expresiones permanezcan vivas y dinámicas”, señalan los organizadores.

Liliana Vitale y una nueva celebración de la Pachamama

Se viene el 1 de agosto, Día de la Pachamama (Madre Tierra), y Liliana Vitale invita a celebrarlo con nueva banda y nueva música. La cita es en Pista Urbana el 31 de julio. Vitale presentará Me caigo y me levanto con Facundo Guevara en percusión, Guido Martínez en contrabajo y Alejandro Manzoni en piano. Se trata, como señala el texto de promoción, “de un poderoso recorrido conceptual acerca de caer y levantarse a través de obras propias y de Georgina Hassan, Pablo Dacal, Juan Quintero, Edgardo Cardozo, Nora Benaglia, Palo Pandolfo, Ezequiel Borra, Perota Chingó, Idea Vilariño, Liliana Felipe, Julio Cortázar y Alberto Muñoz, entre otrxs”.

Con este recital, el espacio inicia el mes de celebración de la Pacha, que dieron en llamar “Pacha Urbana”, por lo que tras el concierto se prenderá un fuego, se hará una ofrenda y todxs lxs que estén podrán sembrar y agradecer. Vitale lleva siete años haciendo este ritual. En gran parte del país este 1 de agosto se toman en ayunas tres sorbos de caña con ruda, una tradición de origen guaraní que tiene que ver con que en agosto se producían la mayor cantidad de muertes por frío y enfermedades. La caña con ruda, se dice, protege contra eso. Además, se extendió la costumbre originaria del noroeste del país de celebrar el Día de la Pachamama, en el que se hacen ofrendas para pedir, bendecir y agradecer las buenas cosechas, el buen clima, la abundancia del suelo y los animales.

Georgina Hassan estrena podcast

La cantante Georgina Hassan conduce desde el viernes 22 de julio un podcast nuevo llamado Nuestra Canción y que es parte de la programación de la radio del Centro Cultural Kirchner. “Siempre amé la radio y estoy feliz de poder asomarme a este universo”, dijo Hassan. “Todos, todas, todes tenemos una canción que nos acompaña, que nos protege. Tal vez hayamos venido al mundo siguiendo ese hilo, ese cordón sonoro. En este primer programa vamos a hablar de los nacimientos”, explicó. Así fue que en el primer episodio estuvo acompañada por la poesía de Claudia Masin, la voz de Cecilia Todd y, desde Colombia, las hermanas Añez (Las Añez). Además, estrenó “La batea”, un espacio en el que se junta con su padre, Alberto Hassan, en busca de canciones en vinilos, y conversó y cantó con Mishka Adams, música de Filipinas. Aún no está subido el podcast a la plataforma del CCK en Spotify, pero lo estará. Según pudimos saber, en principio será una temporada de 12 capítulos, todos los viernes. Quedamos atentxs a los siguientes episodios. Y celebramos que haya nacido un espacio nuevo donde difundir la música de raíz.

Sebastián Macchi y un disco gestado en pandemia

El músico paranaense Sebastián Macchi tiene disco nuevo, Melodía baldía, gestado durante la pandemia, del que hasta ahora se publicó solo un sencillo en plataformas. El 17 de agosto existirá la posibilidad de apreciar el trabajo entero en la ya tradicional escucha colectiva que el sello Shagrada Medra organiza en YouTube. Finalmente, en septiembre, se subirá a las plataformas.

Pero antes, quien quiera, puede adquirir una edición gráfica física tradicional. Bueno, no tan tradicional. Se trata de un folleto de arte gráfico con letras, imágenes e información técnica, pero, en vez del CD, incluye un enlace de descarga de audio en alta calidad (o sea, calidad superior a la que tienen las plataformas digitales).

Este disco es fruto de un trabajo en comunidad, de más un año y medio de duración. La premisa que guió el camino de este disco fue la de hacerlo con los recursos que se encontraban al alcance de cada uno y cada una, en un contexto de duras restricciones y protocolos.

Dice Macchi sobre el título: “Melodía baldía es un juego de palabras, una simple rima, pero también una idea poética y algo filosófica. Baldía se refiere a una fracción de tierra improductiva, que no ha sido explotada o no tiene propietario; sin embargo, esta tierra aparentemente desaprovechada es el hábitat de millares de insectos y animalitos; plantas medicinales crecen allí y otras que purifican el medio ambiente, ella sostiene la biodiversidad, es esencial para el equilibrio y la vida del lugar. ”No hacer“ entonces, para facilitar que la melodía (la música) se exprese fiel a su propio espíritu baldío y su pulsar singular, sin un fin utilitario ni intención de sacar determinado provecho de ella, sino por el propio goce y milagro de ser testigo y parte, espacioso silencio para su despliegue”.

Pablo Covacevich presenta su disco en vivo en CABA

Hace algunas ediciones les contamos del nuevo disco del guitarrista Pablo Covacevich, Mi guitarra en buenas manos, que ahora se presenta en vivo. Será el jueves 4 de agosto en el nuevo espacio del Café Vinilo. Covacevich va a estar acompañado por algunos de los músicos que grabaron este trabajo: Virginia Morillas, Alejo de los Reyes, Sebastián Luna, Manu Navarro y Andrea Zurita. Todos guitarristas, sí, porque este disco es muy particular. El músico compuso los once temas para guitarra sola durante años y finalmente eligió para interpretarlos a eximios guitarristas argentinos: además de los mencionados, participan Leonardo Bravo, Nora Buschmann, Mirta Alvarez, Emiliano Faryna, Pepe Ferrer y Roberto Calvo. Pueden disfrutarlo acá, aunque siempre es mejor en vivo:

Yapa: un libro sobre el origen de la música latinoamericana

Hoy les dejo de yapa este conversatorio que me pareció muy interesante con el autor del libro La invención de la música latinoamericana. Una historia transnacional, Pablo Palomino:

¡Nos vemos en dos semanas!

“Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

CRM