El Festival Ritual Criollo propone trasladar al formato de festival la bohemia, la intimidad y la emoción de las tradicionales guitarreadas argentinas. Luego de un año de presentaciones en el bar notable Los Galgos, el ciclo da un paso más y convoca a muchos de los artistas que lo integraron a lo largo del año para una jornada especial pensada como celebración colectiva de la música popular.

La primera edición reunirá a Juan Falú, Manu Sija, Victoria Birchner, Mora Martínez, Rudi Flores, el Dúo Bote (integrado por Flor Bobadilla Oliva y Abel Tesoriere), Silvia Iriondo, Nadia Szachniuk, Seva Castro, Julia Moscardini, Florencia Bernales, Claudio Sosa y Mariano Loiácono. La cita será el martes 16 de diciembre, desde las 21, en Galpón B (Cochabamba 2536), un espacio cooperativo clave del circuito independiente porteño.

La filosofía del festival retoma el espíritu que dio origen al ciclo: compartir una experiencia viva, espontánea y comunitaria, donde la música se transforma en ritual y en viaje hacia las raíces. Lejos de los formatos rígidos de concierto, Ritual Criollo propone un encuentro atravesado por la cercanía, el intercambio y la emoción compartida, con la guitarra y el canto como ejes centrales.

La grilla traza un mapa diverso del folklore actual. Confluyen voces emergentes, músicos de raíz, intérpretes del Litoral y del Norte argentino, y referentes del género popular que dialogan desde distintas trayectorias y regiones. El resultado es una postal de la escena folklórica contemporánea, atravesada por la tradición pero abierta a nuevas sensibilidades y modos de decir.

La elección de Galpón B no es casual. Su ambiente relajado, con mesas al estilo café concert, patio y espacios de circulación, favorece ese juego de ida y vuelta entre artistas y público que es marca registrada de Ritual Criollo. El festival se extenderá hasta la medianoche y permitirá transitar la noche sin apuros, como en una guitarreada que se estira entre canciones y encuentros.

Ritual Criollo fue ideado por los periodistas Claudia Regina Martínez y Gabriel Plaza con el objetivo de visibilizar la escena independiente del folklore en Buenos Aires y, al mismo tiempo, generar un refugio musical que recupere la atmósfera mítica de las guitarreadas que se viven en distintas regiones del país. Un patrimonio vivo de la música popular argentina donde la emoción, la poesía, el canto y la guitarra se encuentran en comunidad.

En ese sentido, el festival funciona como un puente entre esas raíces y el público urbano. Reúne artistas que respetan y renuevan el folklore desde la autenticidad, sin artificios, con honestidad, compromiso y sensibilidad, y propone un formato alternativo de encuentro, íntimo y participativo, donde la música circula libre y el público se vuelve parte del ritual.

Galpón B acompañará la experiencia con comida y bebida, sumando calidez a una noche pensada para recrear el espíritu del fogón en plena ciudad. Las entradas son generales y sin numerar, por lo que se recomienda llegar temprano para elegir un buen lugar y disponerse a disfrutar de una celebración que invita a escuchar, compartir y dejarse llevar por la música.

Las entradas se adquieren por Passline

El dúo que conforman Flor Bobadilla Oliva y Nacho Amil presenta este miércoles su nuevo disco, He de morir de cosas así, con una experiencia sonora muy particular: la escucha con auriculares de la música realizada en vivo acompañada por la proyección de un video creado especialmente para esta música.

Se trata del segundo disco del dúo, que busca sobre todo invitar a la pausa y a la escucha atenta. La lista de temas es ecléctica, pero en general son canciones atravesadas por emociones vinculadas a lo cotidiano.

La cantante y actriz y el pianista armaron el dúo cuando apenas salíamos de la pandemia. “Tomábamos un bondi, el 39, que termina donde está la Nempla, escuela que fue nuestro lugar de trabajo desde el primer disco. Ese viaje hacia nuestro abrazo lúdico es la idea de esta música: una playlist ecléctica camino al encuentro, atravesadas por un cotidiano observado. Entonces día y noche eran un poco lo mismo porque o disponíamos de días enteros o de pedacitos ínfimos de tiempo para armar algo”, explica la misionera elDiarioAR. 

“La música de este álbum tenía que escucharse en un bondi con auriculares, y pudimos recrear esta primera presentación en Cine Club Lucero. Por supuesto habrá posteriores presentaciones, no en el formato auriculares, pero si en los lugares donde podamos pensar la música. No nos olvidamos que el viaje cotidiano, suele ser un momento de casi ocio, dónde escuchamos algún disco, leemos algún libro si logramos sentarnos, de observarnls y vernos pasar”, añade esta cantora, que ya conocemos de su proyecto solista y de proyectos colectivos como Flamamé o Dúo Bote.

El disco se presenta este miércoles a las 21:00 en el Cine Club Lucero (Nicaragua 6048) y el sábado 20 a las 20:00 en el auditorio Haroldo Conti.

Bobadilla Oliva y Amil se encontraron en el mundo del jazz. “Nacho estaba presentando su disco Background Inescapable. En ese disco convocó a una serie de artistas excelentes de la escena del jazz argentino. Yo tomaba clases de canto con Roxana Amed, mi gran maestra, que había grabado como invitada, y fue ella la que propició este encuentro porque justo cuando Nacho comienza a presentar la música en vivo, Roxana estaba viajando a Estados Unidos, me sugiere y así es como nos conocemos con Nacho. Al principio yo cantaba las canciones del disco de Nacho, después me sumé a otros proyectos suyos, y ya los encuentros venían siendo de profundizar en búsquedas entonces comenzamos automáticamente armar el repertorio que conformó nuestro primer disco Cipsela (2015). Siempre nuestra música se vio atravesada por el viaje, por tomar distancias, pausas, silencios. Nuestros encuentros son buenas charlas y dejar que suceda”.

Después de ocho años, pudieron concretar un segundo álbum, para el cual eligieron cuidadosamente el repertorio. “Nos escuchamos los tarareos, por eso también la música merodea esos lugares frágiles. Eso inconsciente que aparece el otro escucha y canta, nos reímos bastante y llegamos a las canciones. Sí nos sentamos a escuchar varias cosas, pero en general son esas canciones que están buscando dónde ser y confluyen en nuestro world music. A veces son frases sueltas que tenemos que googlear, aveces algo que envuelve la atmósfera de lo que queremos hablar y sostener, otras veces canciones que tenemos muy guardadas y tienen lugar solo en este proyecto. Este segundo disco es un rompecabezas de feria, tiene tanto silencio como drama, tanto cansancio como esperanza”.

Este nuevo trabajo va a estar disponible a fines de mayo a través de El Club del Disco. El 19 de abril se lanzará el primer single, que es una música popular española. Completan el repertorio “No te animas a despegar” (Charly García), “Tonadas” (Indio Figueredo), “Preciso aprender a ser so” (Marcos Valle y Paulo Sergio Valle), “Los mareados” (Juan Carlos Cobián), “Detrás de ti” (El Príncipe), “Boa noite amor” (Francisco Alves) y “Las cosas tienen movimiento” (Fito Páez).

Este miércoles, además de la primera presentación del disco, es la primera fecha de un ciclo curado por la cantante, que se llama Musitar. “Es algo que me debía. En 2022 lancé Solita mi alma mi primer disco solista y pensé mucho en hacer un ciclo donde traducir el concepto compartiendo con otres... No se dió automáticamente, nunca fui muy correcta para hacer las cosas, y ahora siento que encontré la fórmula perfecta entre eso que me trae del cine y la fragilidad poderosa de la música en un ciclo que será un miércoles por mes, en el Cine Club Lucero con artistas diverses. Un mini cine con auriculares para que la música esté súper cerquita, más cerquita que de costumbre, es como un acústico con zoom”.

CRM

La vida las cruzó un poco por casualidad y el encuentro fue mágico. No planificaron armar un grupo, pero lo hicieron. Las cuatro son artistas reconocidas que integran un montón de otros proyectos (de hecho, en esta columna hemos entrevistado a tres de ellas). Se convirtieron en amigas al mismo tiempo que en compañeras. Y como resultado de ese flechazo nació un disco luminoso, inspirador, lleno de música que mama de la raíz chamamecera y se proyecta con elementos de todas las otras músicas de las que también se nutrieron: tango, jazz, música clásica, por nombrar algunas. Algún medio se refirió a ellas como “chamamé del siglo XXI” y es bastante acertada la definición.

Flamamé es un cuarteto integrado por Noelia Sinkunas en piano, Milagros Caliva en bandoneón, Belén López en contrabajo y Flor Bobadilla Oliva en voz. Todas, además, componen y arreglan, porque todo lo comparten y hacen juntas. La grupalidad es clave para estas cuatro mujeres.

elDiarioAR tuvo el privilegio de asistir a un ensayo y charlar relajadamente con ellas. Queda claro desde un principio que manejan una complicidad fuerte, que las risas acompañan cada tramo del camino que están recorriendo y que la música nace de ellas casi como una misión, sobre todo en estos tiempos oscuros que corren.

El grupo se gestó gracias a una invitación a un festival en Brasil. Allí tocaron las cuatro juntas por primera vez y percibieron que pasaba algo. “Se sintió como que éramos un grupo. Hubo una conexión y ahí dijimos: che, hay que hacer algo. Y ahí empezó Flamamé”, cuenta Noelia.

El nombre se les ocurrió jugando. “Para mí es chamamé flama. Yo diría que es flama porque nos prendíamos fuego tocando. Empezamos a tocar y era ¡ufff!”, agrega. “Siempre terminaba con un suspiro la canción. Esa era la sensación. Y estaba la impronta chamamecera muy presente, porque fue un poco lo que nos unió”, añade Flor.

“A mí me gusta porque el nombre es como una mezcla entre un grupo de trap y un grupo de chamamé. Flama es como algo re joven, de las nuevas generaciones”, agrega Belén.

El disco, que se llama igual que el grupo y que lanzaron en diciembre, contiene casi todas composiciones propias, salvo dos. Los arreglos fueron surgiendo en las juntadas. “Entre todas. Cada una proponía el tema, cantaba la canción y ya ahí veíamos: acá se me ocurre esto, acá lo otro. Y así entre todas lo fuimos armando”. Lo presentan este sábado a las 21:00 en el Club Atlético Fernández Fierro (CAFF).

-¿Cómo fue recibido el disco?

-Noelia: Lo que más me sorprendió es una nota que salió, que nos nombraba como “chamamé siglo 21”. Me encantó y me dejó un par de preguntas. Porque en el tango ya vengo escuchando “tango siglo 21” hace rato. Hace rato que ya estamos en el siglo 21, básicamente. Y en el chamamé no había escuchado nunca “chamamé siglo 21”. Entonces me preguntaba: ¿no llegó el siglo 21 al chamamé? ¿Qué pasa ahí? Y siento que algo de eso representamos nosotras, un poco de lo de hoy, de lo nuevo, y lo viejo también. Lo tradicional también lo tenemos.

-Milagros: En el chamamé, lamentablemente, Corrientes centraliza mucho la música y la termina condicionando en muchos aspectos, si bien ya todo el avance viene desde hace un par de décadas atrás, con (Raúl) Barboza, Rudi y Nini Flores, Teresa (Parodi). La otra vez me crucé con Teresa de casualidad y dijo esto de que Corrientes tiene como la costumbre siempre de atar, de atar a la música. Pero la música se va igual, no se queda. Y también está bueno que el chamamé no sea de Corrientes, porque no es de Corrientes. Es de toda la región. Y si bien Flor es misionera, las demás somos de acá de Buenos Aires y qué bueno que sea de acá también.

-Flor: Siento que en algún punto se ha institucionalizado, entonces siempre quedamos afuera los que pensamos o sentimos el chamamé desde otro río. Pero finalmente son músicas de puerto. Tanto el chamamé como el tango son músicas de puerto. Y tanto las músicas populares, como el jazz o cualquier otra música, son lugares de encuentro, de ritual. Entonces, más o menos institucionalizado, más o menos en el Colón o en la calle, es volver a la música del pueblo. Y siento que ahí está el hilado interesante de Flamamé, los ambientes de esas músicas, esas nostalgias o formas de sentir, son algo que suena a tradicional. Pero lo que viene a imponerse de otro modo es la palabra. Buscamos decir algunas cosas con lo que tenemos de herramientas, porque no somos poetas. Hay una poesía de Ramón (Ayala) que dice “si no eres poeta, ni guerrero, ni artista, piensa que eres una partícula de Dios”. Hay algo del gestar que es muy amoroso de Flamamé y que es muy de ese impulso primero. Entonces, hay un recorrido de canciones que están hurgando en los lugares de las cosas que queremos decir, que mucho tienen que ver con el amor o las formas de pensarnos, el amor propio, el amor para con un otre, el amor por la naturaleza. Hay silencios también, no está rellenado. No es ¡pam!, una piña contundente. Es muy erótica nuestra música.

-¿Qué les pasa cuando están tocando?

-Noelia: Alegría. Soltura. Es muy relajado. No cuesta nada. Es muy sencillo. Fluye. Es fácil. Sí, fácil.

-Flor: Eso es muy sorprendente. Es muy fácil. No importan un montón de otras cosas. Y se agradece muchísimo que existan lugares así. Por eso siento que tiene que ver con un ritual. Nosotras entramos y cada una viene con algo y estamos y nos vamos escuchando. Para mí es un placer tocar con semejantes artistas. Son muy zarpadas por sí mismas. Y a mí me resultaría muy fácil como cantante, por lo que se estila o se espera de una cantante, estar adelante y yo no estoy adelante. Estoy a la par y me siento a la par y siento que hay lugar para todas. Eso es espectacular y se genera con mujeres.

-Noelia: Yo creo que somos como Power Rangers: cada una tiene un poder (risas).

-Belén: Estamos todas muy abiertas a escucharnos y a ver qué tiene para proponer cada una. Y no solo desde lo musical, sino también de cómo está cada una. Entonces lo otro también sale igual, fluye. No es que hay una pretensión de ‘el arreglo es así o esto es asá’. No, se construye entre todas. Y entonces creo que todas tienen la posibilidad de relajarse y de proponer y de sentirse cómodas en ser, en tocar, en todo.

-Milagros: Tocamos sin la presión. Si nos equivocamos, está bien. No es que estamos pensando: 'uh, le pifiamos'. Le pifiamos todo el tiempo y también eso es parte de nuestra música. Es lindo eso.

-¿Cómo hacen para sostener este espacio cuando todas ustedes tienen además muchos otros proyectos?

-Milagros: Sin presión. Somos como una pareja libre.

-Flor: Abierta (risas).

-Milagros: Mientras haya ganas del encuentro, nos ponemos de acuerdo. El pero no existe. ¿Tocamos? Dale. Entonces empezamos a ponernos de acuerdo, pero eso es sencillo dentro de lo complicado.

-Belén: Eso creo que es clave. Todas tenemos el deseo de que esté. Entonces, si hay una mínima chance, aunque llegaste hoy a las 07:00 y te vas al otro día a las seis, puedo, porque todas queremos. Quizás en otros grupos decís: 'ay, no sé si puedo, no llego'.

-Flor: Es algo que nos da muchísimo. Y al ser algo que es tan fácil, hace que uno se tenga que replantear bastante otras cosas que no son tan fáciles.

-Noelia: Hay espacios donde se prioriza mucho la música en sí misma como una entidad sagrada sin pensar que esa cuestión sagrada la hacen personas humanas. Y si tenés un problema, no nos importa. Y ahí yo no estoy de acuerdo. Y noto mucho en algunos espacios que son así.

-Flor: Es institucionalizar la música. Pero es en el chamamé o la música clásica. Matarse porque suene tal o cual cosa.

-Noelia: El espacio que elegimos es más de darle bola al vínculo, a lo humano, para que la música suene mejor en función de eso. Cuando solamente priorizamos ese lugar y decimos que las cosas tienen que hacerse de una manera, siento que es un problema. La manera correcta no existe. La manera correcta es construida grupalmente. Y cada grupalidad tendrá su manera correcta de hacer las cosas. En eso siento que en cierto punto han ganado en algunos espacios los que creen que hacen el bien y hacen el mal. Y eso para mí es una gran lucha en el ámbito del arte: poner por arriba de todo en el lenguaje la forma de vincularnos para que el lenguaje sea un espacio de construcción. Y siento que ese es el lugar para mí correcto.

-¿Y están trabajando en cosas nuevas?

-Flor: Hay canciones nuevas, pero siento que tenemos que seguir tocando esta música. Nuestro grupo tiene un año.

-Belén: Yo ya estoy manija de que armemos otro disco, pero lo pienso y digo: no, pará, ni siquiera empezamos a tocar este.

-Milagros: Igual estaría bueno a fin de año grabar otro (risas)

-Noelia: Tenemos planes de ver dónde más tocar presentando el disco. Nos gustaría salir de la Capital.

-¿Cómo se llevan con este momento del país y todo lo que está pasando?

-Noelia: Tengo mucha angustia en general. Siento un cansancio y un agotamiento físico y mental que me pone triste y trato de contrarrestarlo.Siento que hay un montón para hacer para ver cómo contrarrestar eso. Siento cierta obligación de dar una batalla a través de las letras. No sé dónde escuché esto de que la cultura es como la guerra por las buenas y siento que sí, que es alta herramienta. Así que tengo como una llama ahí interior. Pero también estoy como que el cuerpo lo tengo medio raro.

-Flor: Y, sí, ahora que estamos agotadas, porque tenemos que generar para pagar el alquiler, para pagar cosas que empezaron a subir, gastos básicos y mínimos, no tenemos que aflojarle y tenemos que dar batalla. Con Flamamé hay algo ritual, algo espiritual. Más allá de las cosas que sucedan, hay un lugar de encuentro real para generar cosas nuevas. El agua entre despacito y te levanta el piso. Eso la gente que somos del Litoral lo sabemos. Entonces no siempre va a ser irrumpir. Hay que ir entrando de a poco y vamos a escribir canciones y vamos a compartir con las pibas y nos vamos a abrazar. Canciones que quizá no todos entiendan pero que igual conmueven porque nos conmueven a nosotras. Ese es nuestro trabajo como artistas:,conmovernos nosotras, que es lo primero que pasa en este grupo, para después conmover al resto. Siento que esa es nuestra única forma de lucha.

-Belén: También me pasa que me genera una sensación de: bueno, entonces hay que hacer, hay que estar ahí y decir y conmover, como dice Flor. Pero también últimamente vengo pensando mucho en la idea de esto que planteó Noe, de la gente que hace el mal creyendo que hace el bien. ¿Cómo hacer para generar ese puente con esa gente? ¿Cómo abrirles ese espacio en el corazón, cómo abrirles ese lugar donde puedan ver más allá de lo que ven?

-Milagros: Más allá de que es triste, este contexto también te obliga a tener que hacer todo el tiempo para poder sobrevivir. Entonces, si bien no sabemos de dónde sale esa fuerza, está. También sabemos que esto va a pasar y que todo esto sirve como inspiración, claramente, para seguir componiendo. Por ahí es una mirada muy bohemia. Pero también es importante poder no centrarse en el dolor y en la tristeza y decir: ¿qué puedo sacar de toda esta situación? Y creo que un poco nuestro objetivo es ese, dentro de lo que es nuestra posibilidad.

“Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

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Ya que la música de raíz folklórica vive un momento de efervescencia, juntemos a varios de sus representantes nuevos más interesantes unos días en un estudio de grabación a ver qué pasa. Un poco así fue la idea que tuvieron el ingeniero de sonido Andrés Mayo y la cantante, guitarrista y productora Lucy Patané hace unos cuantos meses.

Armaron una lista y así fue como en marzo por casi una semana reunieron en una residencia artística en el Estudio Sonorámica en Mina Clavero, Córdoba, al cantante chubutense Tomi Llancafil, el multiinstrumentista tucumano Manu Sija, el cantautor uruguayo Mocchi, la pianista Noelia Sinkunas, la bandoneonista Milagros Caliva (ambas bonaerenses), la cantante y pianista misionera Flor Bobadilla Oliva y la cantante catamarqueña Nadia Larcher. De la experiencia, surgieron siete canciones inéditas, que se difundirán próximamente en un disco, y un documental, que se está terminando de editar.

Algunos eran amigos, otros ya habían tocado juntos alguna vez y otros no se conocían. Pero la experiencia resultó fructífera y motivadora y en los próximos días comenzará a circular un adelanto del resultado final.

En una charla con elDiarioAR, Mayo y Patané se explayaron sobre esta original residencia artística, que por el momento lleva el título de Proyecto Sonorámica. Y también algunxs de los músicos participantes dieron su testimonio (ver abajo).

-¿Cómo se les ocurrió juntar a este 'dream team' de músicos en una residencia artística?

-Lucy Patané: Hubo bastante de lo que se dice brainstorming. Nos juntamos bastante a pensar. En realidad, fue una idea inicial de Andrés, pero después se fue llevando para otros lados. Simplemente hubo una pequeña premisa o condición, que es que sean personas que están dando vueltas por el género folklore pero como bordeándolo, de alguna manera, personas que estén buscando experimentar o buscar algo diferente dentro de ese género. Entonces un poco empezaron a surgir los nombres.

-Andrés Mayo: A mí me gusta mucho sacar fotos. No literalmente hablando, sino retratar los momentos. Yo había producido un documental que se llama Charco - Canciones del Río de la Plata (2017), que por suerte todavía sigue girando, y me pareció que era una buena foto del momento que se vivía entonces. Y esto intenta hacer lo mismo, quizás un toque menos ambicioso en cuanto al despliegue de producción, pero la misma idea de decir: a ver, hay gente recontra talentosa, como dice Lucy, que salen de lo estándar y que uno sabe que están haciendo cosas y que merecen muchísima más visibilidad. Tenía esa idea, no sabía mucho cómo concretarla, pero sí que quería que fuera un retrato de este momento. Y la primera persona en la que pensé fue en Lucy para que me ayudara a tratar de llevarla lo más lejos posible en términos de producción artística y técnica. Y ahí sucedió que la tercera persona con la que nos juntamos fue Nadia Larcher. Tuvimos una reunión en su casa que estuvo buenísima y salieron un montón de nombres. Me acuerdo de haberme llevado de esa reunión anotados como 20 o 25 nombres, que eran todos espectaculares. Igual sabíamos que no iba a haber lugar para tantos. Después tuvimos que empezar a pulir para que la cantidad de gente estuviera de acuerdo con la cantidad de días, porque si llevábamos 20 personas no íbamos a poder estar solo cinco días. Y había también alguna limitación no solo de presupuesto, sino también de posibilidades de estar en un lugar en el cual estás aislado de todo. Y si nos quedábamos un montón de días como que todo arranca muy bien y en algún momento se empieza a desbandar.

- ¿En esos días se compusieron estas siete canciones que forman parte del proyecto? ¿Ya venían con las canciones? ¿Cómo fue ese proceso?

-LP: Cada persona llevó una canción. Las mostraron un poco antes, pero la verdad es que no hubo una preproducción. Fue un poco: estas son las ideas que se llevan y se tocaron y se grabaron ahí. O sea, no es que hubo un proceso previo. Se compartieron, sí, pero fue como una escucha y nada más. Entonces un poco el proceso era mostrar la canción en el momento y todes la iban arreglando y se grababa.

-Y son canciones inéditas, ¿no?

-AM: Sí, alguna creo que ya había sido grabada en otra versión. Pero en general, sí, eran inéditas. Y la idea que teníamos con Lucy era poder tener por lo menos un par de reuniones antes para que no fuéramos tan desprovistos, tan a ver de qué se trata, porque encima había gente que ni se conocía. Pero eso no pasó. Nos juntamos una vez, que estuvo muy bueno, a escuchar. Y eso fue todo. O sea que íbamos bastante en bolas, digamos. Pero salió bien. Salió muy bien. Lo que mejor funcionó para mí fue cómo nos organizamos humanamente y a nivel de tiempos. Porque si vos pensás en cinco días hacer siete temas es un montón. Y esto lo tengo que decir porque corresponde decirlo: aprendí mucho de Lucy, porque yo sentía que el tiempo que teníamos ahí nos iba corriendo y a ella la veía muy relajada. Y entonces yo miraba y decía: ¿cómo puede ser? ¿Por qué? Algo no me cerraba. Y después, con el paso de los días, me fui dando cuenta que esa era la actitud para que todo saliera bien. O sea, aprendí la estrategia.

-LP: Igual, sí, era un desafío muy grande que un grupo de personas se organice y entienda un proceso que, en realidad, nosotros tampoco es que fuimos con una forma de trabajo armada. Fue como, bueno, veamos a ver qué pasa en el momento. Hay un detalle importante y es que está todo grabado en vivo. O sea, estaban todas las personas adentro del estudio y se grababan todos los instrumentos a la vez. Y les músiques podemos perdernos mucho en los detalles cuando grabamos. Podés hacer mil versiones hasta que queda perfecto. Entonces el primer día creo que fue el más crucial, porque todes entendimos que no íbamos a ir a fondo a los detalles, sino que la búsqueda era que pase algo. Y en ese que pase algo muchas veces puede haber alguna que otra desprolijidad, pero lo que se registra en ese momento es único. Si después te ponés a corregir o a grabar por separado, todo eso se puede perder. Y ahí siento que empezó, que se entendió el proceso y fluyó a full.

- Y desde el principio esto quedó registrado en un documental. ¿Que qué es lo que muestra el documental?

-AM: Intenta ser una foto viva de ese momento. El documental está en proceso y sería un poco irresponsable contarte cómo va a ser hasta que no esté por lo menos bastante más avanzado. De hecho, va a salir un avance ya en estos próximos días. Pero el avance no pretende ser una muestra chiquitita de lo que va a ser todo el documental, sino que son imágenes que muestran registros totalmente al azar de momentos. Y esas imágenes mezclan un poquitito tomas de exteriores, alguna cosita que se hizo en tono de entrevistas. Lo que tiene de bueno es que una gran parte se hizo en fílmico, en 16 milímetros, y eso le da un toque muy especial a la imagen. Yo le tengo mucha fe y me encanta cuando charlamos con Lucy y vemos que se lograron las cosas más importantes. Se logró comunidad de gente que, en algunos casos, ni se conocían. Yo siempre doy el mismo ejemplo: Mocchi, que era quizás la persona más externa al grupo porque no tenía mucho contacto real con ninguno, se volvía en auto desde Mina Clavero. O sea, tenía un viaje largo y el resto se volvía en el bus. Bueno, cuatro personas cancelaron sus pasajes de vuelta para volverse con él. Espectacular. Y eso después de cinco días. En esos cinco días se dio una cosa de hermandad muy alucinante. Y después todo el mundo fue a los conciertos de quien tocaba. Iban todos. Eso es alucinante. Trasciende completamente el proyecto. El proyecto logró ya un objetivo sin haber salido todavía.

-¿Todos grabaron en todas las canciones?

-LP: Sí, sí, creo que sí. Quizás alguna que otra cosa, pero sí, siempre era estaban todos ahí adentro.

-¿Y cómo son entonces los próximos pasos?

-AM: La idea es que este primer avance sirva para hacer circular el proyecto. Tal vez ese avance sirva para contar de qué va y después salga todo junto el resto, que son dos partes: el documental y el disco, que no son exactamente lo mismo. Porque el documental quizás tenga partes de las canciones, pero no todas probablemente. Y el disco sí va a tener todo, las versiones completas. Incluso hay una versión muy hermosa de un tema de Flor Bobadilla que tiene una impro muy larga y esa impro puede que esté en el documental y no en el disco, o al revés. Son armados distintos para lo visual y para lo puramente auditivo.

-¿Tienen fechas ya?

-AM: Creo que antes de fin de año, porque el documental ya está en proceso y la idea es sacarlo antes de fin de año. Porque además el documental va a tener un recorrido en festivales. No es solamente colgarlo en YouTube. Adriano Bruzzese, que es el director, es una persona muy conectada con el cine. No tengo ninguna duda de que este documental va a girar, quizás no solo en los circuitos locales, sino muy probablemente afuera también. Porque además una cosa buenísima que pasa con este documental es que la gente es cada vez más conocida. De golpe vos la ves tocar a, no sé, Noelia Sinkunas en un megafestival acá y decís: ah, es la misma que está acá. Y empezás a linkear. Es toda gente re grosa y que dentro de diez años va a ser mucho más grosa todavía, mucho más conocida. Entonces va para arriba, digamos.

-Los dos tienen mucha experiencia en la música argentina, conocen muy bien el mundillo. ¿Por qué creen que surgió esta generación ahora haciendo un folklore así más experimental?

-LP: Creo que todo el tiempo se están dando esos fenómenos. Yo que soy un poco más del palo del rock estoy todo el tiempo analizando qué pasa, qué no pasa y cada tanto me cruzo con alguien de otra generación, más grande, que me dice: esto también pasaba en los 80. No soy una experta en género folklore, pero para mí todo se traslada a todos los géneros. Y todo el tiempo se están rompiendo ciertas estructuras. Me parece que ahora se ve un poco más porque todo es más visible con las redes, con todos los canales de difusión que hay. También la gente que convocamos está bastante en un circuito más disidente. Entonces también hay una cosa ahí de romper con muchas estructuras, no solamente con un género musical. Se da una combinación bastante fuerte de todo, de diferentes formas de ver la vida. Eso combinado con lo cultural es una movida bastante fuerte. Pero para mí todo el tiempo hay rupturas, todo el tiempo se rompe y eso abre a lo que viene después. Sí particularmente este grupo de personas tiene mucho talento real. Yo participé en algunas canciones tocando. Por lo general estaba del otro lado con Andrés, pero a veces tocando. Y yo ya he hecho cosas, por ejemplo con Noelia Sinkunas, varias veces, y no me deja de sorprender. Hay un talento que es muy grande y lo mejor es que saben qué hacer con eso. Porque no solamente es mover los dedos y poder tocar bien. Es qué tocas, qué decís, dónde lo decís, con quiénes lo decís. Me parece que esa parada un poco más política de alguna manera también lo hace un poco más visible.

-AM: Sí, yo creo mucho en los en los ciclos. Los ciclos son muy notorios en la Argentina y en cualquier parte del mundo. Y muchas cosas aparecen como pequeñas respuestas a lo que está pasando y pequeñas contraculturas. Así como apareció el rock en su momento y era la contracultura y era en sí mismo tremendamente cerrado. Y a Rata Blanca los putearon cuando tocaron en boliches de cumbia, por ejemplo. Y hoy en día esa contracultura es mezclar todo. O sea, Noelia Sinkunas tiene una banda de cumbia, que es Cachitas Now, tiene Flamamé, que hace chamamé, y toca tango. Y está todo bien y hace bien las tres cosas y podría hacer 10.000 más y todas las va a hacer bien. Finalmente estamos llegando a ese punto en el que la música no tiene ese tag y ese género, sino que realmente algo que cruza todas esas distinciones. Y en el medio, qué sé yo, el rock. Pero después el rock pasó al pop. Tuvimos un pop espectacular durante diez años y se lo vendimos a todo el mundo. Y después apareció el rock chabón de tres acordes que no se lo vendíamos a nadie. Y después aparecieron los Lucio Mantel y los Tomi Lebrero, cantautores. Después apareció el trap. Y ahora esto, que no tiene nada que ver con nada y que de alguna manera es sorprendente por todos lados. Yo la escucho tocar a Milagros Caliva y me emociona más que ningún bandoneonista argentino. No te lo puedo explicar. Y tiene 22 años, 23 años. O sea, ¿cómo sucede eso? No sé, pero es increíble. Entonces me parece que ahí hay algo y esa es la foto que yo quería que sacáramos.

“Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

CRM

Flor Bobadilla Oliva es tantas cosas que una nota no alcanza para abarcarlas. Esta cantante, pianista, compositora y actriz misionera lleva adelante un montón de proyectos pero además no le escapa a ningún “convite” de músicos amigos.

Presentó hacia fines del año pasado su primer disco solista, el exquisito Solita mi alma, (Yunta Records), un álbum de “músicas folklóricas de selva y puerto”, como lo define ella, que se hilvanan en la voz de esta artista, plena de texturas y matices.

Pero, además, Bobadilla Oliva integra el grupo Flamamé (con Noelia Sinkunas, Milagros Caliva y Belén López), nuevísimo y especialísimo, el Dúo Bote, junto a Abel Tesoriere, y otro dúo con Nacho Amil. Por si esto fuera poco, también conduce un programa en Nacional Folklórica, Paisaje Interior, que se emite los domingos a las 22.

Nacida en 1987 en Posadas, lleva radicada en Buenos Aires desde 2010 y, por suerte, no perdió la elle al hablar. Le gusta la charla larga y distendida y se toma el tiempo para encontrar profundidad en sus respuestas. En esta conversación con elDiarioAR repasamos un poquito su quehacer musical (de la actuación nos ocuparemos otro día).

-¿Cuándo supiste que querías dedicarte a la música?

-Me cayó la ficha estando en Córdoba. Terminé el secundario y me fui a estudiar fonoaudiología a Córdoba. Me estaba yendo de mi ciudad, en realidad. Empecé un taller de actuación y nos preguntaron algo así como: ¿a qué se dedican y para qué lo hacen? Yo decía: 'estoy haciendo fonoaudiología para trabajar con las voces de actores, cantantes, gente que se dedique a la voz'. Y cuando terminé de formular eso dije: 'ah, pero yo quiero...' De chica, mi papá tenía un grupo vocal, En Armonía, que todavía existe. Mi viejo es el que hace los arreglos. Y se encerraba en su habitación a armar los arreglos y yo por ahí le pedía para entrar y me quedaba en silencio escuchando. A la noche cuando venían los tíos a ensayar me mandaban a dormir con mi hermano y yo escuchaba... O sea, hay algo desde chica. De acompañar esos grupos también a festivales o toques, dormir en sillitas de plástico. Hay algo que ya venía pasando en la música. Después empecé a cantar en el coro de la UNAM y ahí empezó toda una movida. Los fines de semana nos íbamos al interior. Ahí estaba el vínculo de la música al movimiento. La música en gira y la música compartiendo con otras personas. Me subía chiquitita, me colgaban las patas, en los bondis esos todos destartalados, con esos ventanales gigantes, y me despertaba en otro paisaje. Para mí la música tiene eso: llegar a un lugar, a otro paisaje y encontrarte con otras personas, con otra formas. El deseo se fue gestando, fue pulsando y dándose lugar a tiempo real creo que con la pregunta en Córdoba. Y cuando aparece, corrompe todo. Dejo fonoaudiología, empiezo composición, tampoco me gusta la institución, decido venirme a Buenos Aires y estudiar actuación y música.

-Vamos con la música. ¿Cómo te formaste?

-Tenía mi formación coral y empecé a buscar profesoras. Sentía que mi volumen era chiquito y que necesitaba abrir un poco. Probé con varias maestras. Quería estudiar con alguien que tenga la visión del jazz porque el jazz como lenguaje es una de las cosas más habilitantes, de algún modo. Mi primera maestra de canto fue Grace Cosceri, que era la coach de (Luis Alberto) Spinetta. Tomé un tiempo con ella. Después probé con otra profesora de jazz, Eleonora Eubel. Con todas iba de a poco o poquito. Me había venido para Buenos Aires. Estaba muy en esta cosa de no terminar de hacer pie. Y en algún momento llego a Roxama Amed. Y Roxana fue mi maestra. Nunca termino de entender qué fue lo que pasó en nuestras clases. Sí sé que fue un lugar que fue como un abrazo y que eso es lo que busco cada vez que doy clase o comparto un taller: que sea un techito, un descanso, un reparo, un lugar donde animarse a probar. Y ahí se abrió algo. Después seguí probando cositas. Yo soy observadora. Ese es mi trabajo. Diría que soy más observadora que otra cosa. Como había estudiado fonoaudiología, también fui a una fonoaudióloga que me dio algunas herramientas. Y hace algunos años, preguntándome cómo seguir entrenando, me encontré con una técnica que estoy estudiando hace dos años y medio, que es la antigua técnica italiana, que es más intuitiva en algún aspecto pero muchísimo más efectiva que todas las cosas que probé.

-¿Y el piano?

-En Misiones no había música popular en el momento en que yo estudiaba. Era música académica. Tenía una profesora exigentísima pero muy buena. Estudiaba de memoria las obras. Mi profesora me odiaba y se mataba de risa a la vez. Me aprendía las sinfonías, todo el repertorio me aprendía, y la iba llevando así para después rendir los exámenes. Y retomé el piano de una forma muy bizarra. Estaba trabajando en la Villa 31 y no encontraba la forma de dar clases de música. Se me estaba cayendo de las manos la forma de maestra-alumnos, que fue como yo me críe, y acá había otra necesidad, a la que yo no sabía cómo responder porque no tenía herramientas. Entonces, dije: yo sé cantar. ¿Cómo tengo que hacer? Saqué una canción muy sencilla que tenía dos acordes. Y, como pude, mi estrategia fue, con muchísimo miedo, que los alumnos entren a la sala de música, ponerlos en ronda y empezar a tocar esos acordes y a cantar esa canción. Y ahí se armó la escucha. Entonces dije: ok, va por acá. Y les enseñé esa canción y me puse a sacar otras para acompañarles. Después hice mi primer viaje a Europa y sentí la necesidad de aprender a acompañarme. Empecé a jugar, a armar cositas, con otras pausas, con otro diálogo del que tengo con artistas con los que trabajo y con los que comparto. La persona que más me ha ayudado a bordear estos lugares fue y es Ana Rosenberg. Cada tanto la llamo, somos amigas, es una artista que admiro muchísimo y que tiene una paciencia abismal. Y ahí se fue gestando esta cosa de aprender a acompañarme, aprender a pausar y ver por dónde empezar, por dónde seguir, cómo sostener. 

-Fuiste cantando con diferentes músicos, grabaste discos y llegó tu primer disco solista, en el que cantás vos acompañándote al piano. Primero lo tocaste mucho tiempo, tenías un repertorio más amplio. ¿Cómo fue el proceso?

-Fue una construcción. Cuando fui para Europa no podía acompañarme y quería compartir cosas. Tenía una canción de Ramón Ayala, que era una de las que le enseñé a los chicos de la 31, “Antiguo Barracón”, y te diría dos canciones más. Hice un taller, compartí esas canciones y dije: necesito aprender a acompañarme, porque quiero compartir un montón de cosas. Cuando vuelvo, Natalia Sordi, que es una psicoanalista, música, poeta y en ese momento estaba produciendo eventos, me convoca a un ciclo de mujeres, Ellas en la voz, y nos pusimos a charlar. ¿Qué querés hacer?, me dice. Otra vez la pregunta. Y le digo: tengo ganas de viajar y de tocar música, cantar, eso es todo lo que quiero hacer. Y dice: vamos a hacer una gira, empezamos por Córdoba. Y armamos la gira a Córdoba y así empezó. ¿Y qué vas a hacer? ¿Cómo se llama? Se llama Solita mi alma, le digo. Y se mató de risa y empezamos a laburar sobre eso. Lo que está grabado es lo que se terminó gestando para el disco, pero alrededor hay muchísimas canciones más. Cuando toco sola no siempre toco lo que está grabado en el disco. Está hilado entre relatos, anécdotas y un poco de humor. Necesitaba darle lugar a la actriz. También porque no terminaba de entender por dónde venía pero necesitaba hablar de las soledades, de las formas de soledad detrás de las transiciones, de aprender a acompañarse, del cuerpo como mujer, del cuerpo como un territorio o no territorio... Hay un repertorio muy amplio en el Solita, hay diálogo en el Solita. A veces vamos para un lado y a veces completamente a otro. Para la presentación oficial, que ojalá se pueda para julio, sí va ser el disco con les invitades y alguna otra cosita que quedó fuera de la grabación. El Solita creo que es un concepto con el que voy a poder trabajar bastante tiempo.

-¿Cómo elegís las canciones, con qué criterios, y cómo hacés después para apropiártelas y hacer tu versión?

-Por lo general me encuentro con las canciones. A veces trato de ir a los clásicos que son lugares que necesitamos para descansar también. Los clásicos tienen esa cosa de reparo. Me gusta el juego de armar un álbum de fotos donde todas las fotos pueden ser más o menos nuevas o viejas pero siempre son clásicas las emociones que nos encuentran. Siento que también está bueno tomar canciones que tengan letras bastante complejas, que tal vez no queremos escuchar tanto, porque en realidad son parte de nuestra historia. Y si sacamos esa parte del álbum, nos falta algo de la construcción de los lugares de donde venimos, de los dolores que atravesamos, de las heridas que tenemos. Me voy encontrando con las canciones. Hay cosas que me gustan y las voy buscando. Trato de que mi trabajo sea una composición alrededor de eso. Plantear un paisaje que va a ser una foto. La foto siempre toma un pedacito y alrededor hay toda una otra cosa que es parte de ese paisaje. Para mí son postales. Y que van formando parte sin querer de una cosa que tiene que ver con esto de las soledades, con los puertos también. Hablamos del folklore, hablamos de raíz, y la raíz por lo general se piensa como algo a la tierra, algo rígido, y yo pienso en una raíz de agua, en un camalote. Me crié al lado del río y de repente estoy acá y lo siento a este lugar como mío también, por más que le demos la espalda al río. Hay algo que llega a los bordes y que golpea los bordes. Y hablo de los bordes como todo lo que para nosotros está en los bordes. Siempre hay un agua que nos empuja, que está y que pulsa. Aunque liviana, cuando el agua entra, entra. Siento que eso es el deseo también. Que a veces no hay un lugar para escucharlo, a veces hay espalda al río, y a veces indefectiblemente entra. Entonces la raíz de agua va a estar un rato en el borde y después va a seguir su camino.  

-En tu disco hay muchos ritmos diferentes, pero también lenguas diferentes. ¿Por qué elegiste cantar en otros idiomas?

-Cuando hacía los viajes con el coro, de chica, tuve la oportunidad de conocer a la comunidad mbya-guaraní. Y creo que eso me rascó un lugar que desconocía porque tenía muchas ganas de comunicarme y no podía. No había un lenguaje común, pero sí había y era la música. Ese es un disparador para mí. Tuve también la oportunidad de ir a una escuela donde se estudiaban varios idiomas. Estudiábamos desde el quinto grado latín y griego. Después era francés e inglés. Por supuesto, de todo sé nada. Pero me queda la musicalidad de cada uno. Además iba a la escuela de música y cantaba en un coro. Después del de niñes me pasé al universitario. Cantaba en latín, en francés, en alemán, un montón de idiomas. Y el tejido de las voces, el trabajo ese, me fascinaba. Había algunos idiomas que me fascinaban y el encontrar lo que estaba alrededor de la palabra que no se termina de traducir al habla. El guaraní también aparece en algún momento. En mi casa no se hablaba guaraní, pero mi abuela habla guaraní y hay parte de mi familia que sí entiende. Había una pregunta también ahí de por qué esto no se sabe, qué es lo que tanto duele que no se puede hablar de esto. Por supuesto esa pregunta no se respondió. Pero busco en esos ecos traducir lo que no se pudo escuchar, lo que no se pudo decir. Y mi trabajo frente a las canciones es un poco, o así lo siento, ir buscando lo que está alrededor de la palabra. Porque te digo mesa y capaz que vos pensás en esta o en esa o en la de tu abuela los domingos y va a depender de cómo yo trate de pronunciar esa mesa hacia dónde vamos a ir o hacia dónde te quiero compartir mi historia.  

-Hablame de los invitados en tu disco.

-El Tiki Cantero, que es un artista que admiro muchísimo, es una persona extremadamente generosa, fue el primer invitado pensado y delineado. Después están María Fernanda Peralta que nos conocimos cuando cada una estaba haciendo sus cosas en Buenos Aires y retomamos vínculo para grabar esta música paraguaya, Christian Covre, que es un percusionista que sumó algunos detalles en una cumbia, y Víctor Carrión, que es un vientista que lo conozco desde que soy chica y terminé llamándolo para que haga una magia también para la cumbia. Juan Fermín (Ferraris), que es uno de los chicos del sello, se sumó también a tocar un tango. Y Belén López que es contrabajista y que es una grande y tengo la suerte de compartir Flamamé con ella.

-¿Ser mujer es complicado en este medio? ¿Cómo lo fuiste viviendo a lo largo de los años?

-Sí es difícil. Es complicado y a tiempo real y cada vez es distinto. Sobre todo para quienes nos hemos criado en ciudades chicas donde hay muchas cosas supuestas y sobreentendidas. Volver al diálogo, volver al no suponer, es un trabajo constante. Al día de hoy siguen sucediendo cosas donde sé que ciertas respuestas de personas con más o menos poder son distintas para un varón que para una mujer. Voy intentando cosas distintas. Y es cada vez, la verdad, porque es con cada persona, es con cada personalidad y es tratar de estar donde se puede y correrse de dónde no. Y, por supuesto, compartir. Lo que pasa que yo no tengo por qué formar. No sé si estoy en lo cierto. En principio nada más quiero que se escuche como si fuera todo un diálogo. Se supone que es un diálogo. La música y un montón de otras cosas. Entonces apelo a eso, apelo no a la guerra, sino a este río que en algún momento entra y cuando entra creéme que levanta todo. Apelo a una forma amorosa de la palabra y, por supuesto, a no dejar de equivocarme también, porque nada está muy claro. Todos tenemos reacciones y necesitamos vivir y es un momento muy reaccionario, muy hacia la reacción, muy hacia el no lugar del diálogo. Yo siento que es desde la comunicación y desde alojar el diálogo. 

-Además de tu proyecto solista, estás en el Dúo Bote, en Flamamé y con Nacho Amil. ¿Cómo siguen esos proyectos?

-En abril grabamos con Flamamé, en mayo terminamos de grabar disco con Dúo Bote. Estimo que en julio terminamos de grabar disco con Nacho Amil también. En 2015 hice los dos primeros discos, lo que fue una locura para mí: dos con menos de tres meses de diferencia. Ahora, por suerte, con más maduración con la música a la hora de grabar. O más o menos, porque con Flamamé siempre aparecen cosas nuevas. Está prendida la caldera, ¿viste? Entonces vamos cocinando las cosas que van apareciendo. Hay muchos otros proyectos que van también a la par o convites que voy recibiendo y que tomo cuando puedo. 

-¿Cómo es la experiencia del programa de radio?

-Es especial porque estoy muy afuera de la forma. A mí me gusta escuchar. Me gusta que me hagan notas y poder explayarme y hablar de las cosas que necesitamos hablar y construir respuesta a tiempo real. Entonces me gusta que les artistas que se puedan acercar tengan ese espacio también. El espacio de duda, el espacio de construcción de algo de lo que estamos hablando, más allá de: 'el miércoles presento disco a las 21:30 en tal lugar...' Porque necesitamos humanizarnos para definir la escucha de nuevo, que es lo que necesitamos hoy.

-Hace poco participaste en una residencia artística muy interesante.

-Lucy Patané y Andrés Mayo nos convocaron a una serie de artistas a compartir una semana en Sonorámica. Cada artista tenía que llevar una canción y ahí se iba a armar. Al rato se sumó gente a filmar, entonces viró el proyecto, que en realidad tenía el foco puesto en el proceso. Se filmó un documental que no sé cuándo va a salir y se grabaron las músicas de cada une. Lo que hacíamos era proponer una canción y trabajarla entre todos. Fue maravilloso. Si las cámaras no hubieran estado, hubiéramos grabado un disco doble. Por día grabábamos una o dos canciones. Y de a ratos levantaba la mirada y decía: 'eh, son mujeres y disidencias, qué increíble'. Noelia Sinkunas, Milagros Caliva, Lucy Patané, que tocó y produjo, el Mocchi, Manu Sija, Nadia Larcher, Tomi Llancafil, ¿qué puede salir mal?

“Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

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Artistas consagrados y nuevos de nuestra música de raíz publicaron discos en este año postpandémico tan prolífico. Con canciones propias, dedicados a grandes referentes y hasta alguno sacado del baúl de los recuerdos (y así y todo vigente como si fuera nuevo), hubo de todo en este 2022.

Aquí va la selección de esta columna.

Vengo, de Don Olimpio

El esperado tercer disco Don Olimpio, uno de los grupos más potentes de la nueva generación de músicos populares, salió el 3 de noviembre y no defraudó. Fue presentado en vivo en el Teatro Margarita Xirgu el 24 de noviembre en un show que fue una fiesta.

Después de dos discos de temas tradicionales -Dueño no tengo (2017) y Mi Fortuna (2019)-, el octeto presentó un puñado de canciones de autores contemporáneos con arreglos cercanos al folklore pero jugados también hacia otros géneros. Hay temas de Ana Robles, Juan Saraco, Gabo Ferro, Luz Galathea y Hugo Fattoruso -invitado especial- y varias composiciones de miembros de la banda como Milagros Caliva, Andrés Pilar y Nadia Larcher.

Como dijo Larcher en entrevista con elDiarioAR, se trata de “un pequeño acercamiento a lo que es el cancionero de la música popular de autor, de autora hoy”.

Como hacen desde su primer trabajo, primero tocaron los temas en vivo muchas veces y recién después entraron al estudio de grabación: siempre todos juntos y con primeras tomas, para que suene tan fresco como suena.

Don Olimpio está integrado por Pilar en dirección, arreglos y piano, Larcher en voz, Juan Pablo Di Leone en flautas, voz y arreglos; Federico Randazzo en clarinetes y voz; Juan Manuel Colombo en guitarras y tambor chico; Diego Amerise en contrabajo y tambor piano; Agustín Lumerman en percusión; y Caliva en bandoneón y voz.

Además, desde mayo de este año, a partir de las ganas de encontrarse después de la pandemia y la necesidad de todes de que sea en un espacio real, Don Olimpio celebró una vez por mes su particular peña llamada La Olimpeña, en la que el grupo tocó en vivo temas de Vengo, sus otros discos y otros, hubo clases de danzas folklóricas y baile, por supuesto.

Patio, vol. II, de Trío Patio

El Trío Patio sacó otro disco de canciones viejas, algunas viejísimas, que suena tan fresco y nuevo como el anterior. Juan Quintero (voz y guitarra), Andrés Pilar (piano, bombo y voz) y Santiago Segret (voz, bombo y bandoneón) le dieron continuidad a este experimento en los 15 temas de Patio, vol. II. Esta vez cuentan con la catamarqueña Nadia Larcher como invitada en tres temas: “Noches de Catamarca”, “Tun Tun” y “Te hei de querer”. Y hay una obra de Raúl Carnota, “Noches sin luna”, bastante menos vieja que las demás, claro.

La idea, al igual que en el volumen I de este trabajo, fue recuperar canciones tradicionales del folklore para que bailen las nuevas generaciones. El trabajo fue grabado en los Estudios ION por Alejandro Saro, que además mezcló y masterizó todo. La hermosa portada es de Nacho Vidal.

Estos musicazos, que conocemos de otros proyectos (Aca Seca, Don Olimpio, entre otros), se unieron hace ya algunos años para rescatar un formato, un repertorio y una forma de tocar más anclada en los años 50. Así grabaron en 2018 su primer trabajo, Patio, vol. I, con canciones recuperadas sobre todo por Pilar.

Patio, el nombre del grupo, hace referencia a ese espacio para la danza al que invitan estos temas.

Como los tres son músicos de una sólida formación, en el trío se mezcla lo académico con la tradición oral para dar a las canciones un sonido nuevo, pero no tanto, que es donde está la gracia de todo esto: sonar como antes y como ahora a la vez.

Acá el disco entero, para que bailen y disfruten en sus casas:

Abrazo, de Carlos Aguirre y Juan Quintero

Dos de nuestros músicos más talentosos y queridos, el entrerriano Carlos “Negro” Aguirre y el tucumano Juan Quintero, presentaron un disco grabado hace doce años durante un concierto en Mendoza. Se llama Abrazo y está editado por Shagrada Medra.

Parece que en ese momento los músicos no estaban tan conformes con la interpretación de esa noche (Quintero estaba resfriado, por ejemplo), pero años después la revisaron y se emocionaron mucho. Tanto que decidieron transformarla en disco y así es cómo ahora podemos escuchar varios de los clásicos de estos dos gigantes de nuestra música en aquellas versiones de ritmo calmo que tocaron entonces.

Aguirre y Quintero son amigos desde hace años o, mejor, “hermanos de la música y de la vida”, como dicen ellos. Desde el 2000 que fueron tocando juntos composiciones de ambos. Los arreglos fueron madurando en ese intercambio y en 2010 todo quedó registrado en el teatro Independencia de Mendoza

Abrazo incluye 17 canciones, entre ellas temazos como “Memoria de pueblo” y “Coplas de cielo y río”, de Aguirre, o “Paloma” y “Viejo cantor”, de Quintero. También hay algunas de otros compositores, como “A puro fierro”, de Pepe Núñez y Juan Falú, y “Sentir de otoño”, de Chacho Müller.

Se los dejo por acá para que lo escuchen y se conmuevan como ellos:

Cuchi Inédito y Recóndito, de Dúo Palo Blanco

El Dúo Palo Blanco, que integran las cantoras Laura Princic y Guadalupe González Táboas, presentó un disco especialísimo, con obras hasta ahora desconocidas o poco conocidas del gran compositor salteño Gustavo “Cuchi” Leguizamón. Un total de veinte canciones conforman este disco doble con arreglos e invitados exquisitos.

Roberto Almeida, pareja de Princic y guitarrista de Palo Blanco, hizo una profunda investigación sobre la obra del Cuchi para una tesis con la que se recibió en la Licenciatura en Música Popular de la UNSAM. Se encontró con un montón de temas que nunca nadie tocó, a través de audios, partituras y otros documentos, y elaboró el catálogo más exhaustivo que existe sobre la obra del salteño, empezando por la “Zamba del muerto dulce”, que fue la primera zamba que compuso a su padre, que había muerto de diabetes.

A pulmón y pagando todo de su propio bolsillo, Princic, González Táboas y Almeida grabaron este material con estos invitados de lujo a lo largo de cinco años: Nadia Szachniuk, Emma Palermo, Mariano Agustoni, Sergio Zabala, Nadia Larcher, Manu Navarro, Pablo Fraguela, Federico Rey, Gino Palomino, María Eugenia Gómez, Chacho Echenique, Martín Neri, Hugo Maldonado, Santiago Arias, Seva Castro, Flor Bobadilla Oliva, Mariano “Tiki” Cantero, Marcos Cabezaz, Solana Biderman y Jaques Morelenbaum.

Hay temas con letras de César F. Perdiguero y Manuel J. Castilla, como muchos de los grandes clásicos del Cuchi, y uno con letra de Jaime Dávalos. Además, muchas de las canciones tienen letra del propio Leguizamón.

Esta joyita ahora forma parte del catálogo del sello Shagrada Medra. La pueden escuchar acá:

Solita mi alma, de Flor Bobadilla Oliva

La cantante, compositora, actriz y pianista misionera Flor Bobadilla Oliva presentó hace muy poquitos días su disco solista Solita mi alma, y es tan hermoso que consideré que corresponde incluirlo en esta selección, aunque seguramente estallará en el 2023. Es un disco de “músicas folklóricas de selva y puerto”, como lo define la cantante, que lo estuvo presentando este año en varias ciudades del país.

Se trata de una recopilación de folklores tradicionales de diferentes países del mundo que se hilvanan en la voz de esta particular cantante, plena de texturas y matices.

Entre ellas, “Milagreiro”, un tema del brasileño Djavan con claras reminiscencias gallegas, la canción paraguaya “Che kamba resa jajái”, de Hilarión Correa, el huayno “La mamancy”, de Armando Tejada Gómez y César Isella, el tango “Afiches”, de Atilio Stampone y Homero Expósito, o la cumbia “Lejanía”, de Lisandro Meza.

El disco tiene como invitados al percusionista Mariano “Tiki” Cantero, a la contrabajista Belén López, a la arpista María Fernanda Peralta y al productor Juan Fermín Ferraris. El fotón de la portada es de Nora Lezano.

Siéntense con tiempo y disfruten:

Falú, de Juan Falú y Nadia Szachniuk

El salteño Eduardo Falú, uno de los grandes bastiones de la música argentina por su refinada manera de tocar la guitarra, sus composiciones y su canto soberbio, nunca llegó a tocar con su sobrino Juan Falú, tucumano, uno de los referentes actuales de la música de raíz. El encuentro se produjo este año en formato disco, con obras de uno y de otro, la sublime voz de Nadia Szachniuk y, por supuesto, la guitarra de Juan. El resultado es exquisito.

“En ambos, además de un apellido, converge la inspiración para crear obras que beben en las raíces musicales del folclore argentino y que, ya sean para la guitarra o el canto, habitan los repertorios de un enorme colectivo de intérpretes de nuestro país y otras partes del mundo”, señalaba en su momento el texto de presentación del disco.

Entre las composiciones clásicas de Don Eduardo están “Tonada del viejo amor” y “Las golondrinas”, mientras que entre los temas que consagraron a Juan figuran la “Zamba del arribeño” o “Confesiones del viento”.

“Casualmente, salteña Nadia y tucumano Falú, la idea se asemeja a un doble juego de espejos: dos provincianías que se reeditan para una nueva lectura de esta obra fundamental y el juego de las semejanzas y diferencias entre dos categorías creativas insoslayables del folclore argentino”.

El disco incluye también “La nostalgiosa”, “Oro verde”, “Resolana”, “Milonga del alucinado”, “Canción del Paraná”, “El rienda suelta”, y “Río de tigres”, de Eduardo, y “Vidala del que no está”, “Huella de la siembra”, “Gato panza arriba”, “Cantorcita”, “A San Juan”, “Letanía por Juana” y “La de Kayham” de Juan.

Va siendo tiempo, de Carlos Aguirre Quinteto

En marzo el entrerriano Carlos “Negro” Aguirre subió a las plataformas Va siendo tiempo, disco que grabó con el Carlos Aguirre Quinteto. El pianista y compositor, uno de los músicos más originales del nuevo folklore, dejó de lado el piano en esta ocasión para hacer un trabajo centrado en las cuerdas. En 2017 convocó a varios músicos para armar una especie de laboratorio para investigar sonoridades en relación a los grupos de guitarra en el folklore. En base a temas del propio Aguirre, fueron trabajando una serie de arreglos que maduraron hasta llegar al disco.

Va siendo tiempo, que contiene temas instrumentales y canciones, se comenzó a grabar en febrero de 2021 y recorre diferentes regiones del país: hay chacareras, zambas, una chaya y varias piezas litoraleñas. Doce de los temas son de Aguirre y uno, “Los amores de Cabré”, del venezolano Enrique Hidalgo.

El Carlos Aguirre Quinteto está integrado por Sebastián Narváez, Luis Medina, Mauro Leyes y Mauricio Laferrara, todos con una sólida formación guitarrística. Aguirre se hizo cargo de la composición y de los arreglos y toca la guitarra rítmica o el acordeón.

El título del disco alude primero a la chacarera que abre el repertorio pero, como explicó Aguirre en entrevista con elDiarioAR: “Nos gustó por todo lo que abre como posibilidad, en el sentido de los pendientes de la humanidad. Va siendo tiempo, por ejemplo, de una vida más armoniosa con la naturaleza, de entender preceptos mínimos como que no somos dueños, que somos parte de ella, de cambiar nuestros patrones de consumo, de una vida más amorosa”.

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