La vida las cruzó un poco por casualidad y el encuentro fue mágico. No planificaron armar un grupo, pero lo hicieron. Las cuatro son artistas reconocidas que integran un montón de otros proyectos (de hecho, en esta columna hemos entrevistado a tres de ellas). Se convirtieron en amigas al mismo tiempo que en compañeras. Y como resultado de ese flechazo nació un disco luminoso, inspirador, lleno de música que mama de la raíz chamamecera y se proyecta con elementos de todas las otras músicas de las que también se nutrieron: tango, jazz, música clásica, por nombrar algunas. Algún medio se refirió a ellas como “chamamé del siglo XXI” y es bastante acertada la definición.

Flamamé es un cuarteto integrado por Noelia Sinkunas en piano, Milagros Caliva en bandoneón, Belén López en contrabajo y Flor Bobadilla Oliva en voz. Todas, además, componen y arreglan, porque todo lo comparten y hacen juntas. La grupalidad es clave para estas cuatro mujeres.

elDiarioAR tuvo el privilegio de asistir a un ensayo y charlar relajadamente con ellas. Queda claro desde un principio que manejan una complicidad fuerte, que las risas acompañan cada tramo del camino que están recorriendo y que la música nace de ellas casi como una misión, sobre todo en estos tiempos oscuros que corren.

El grupo se gestó gracias a una invitación a un festival en Brasil. Allí tocaron las cuatro juntas por primera vez y percibieron que pasaba algo. “Se sintió como que éramos un grupo. Hubo una conexión y ahí dijimos: che, hay que hacer algo. Y ahí empezó Flamamé”, cuenta Noelia.

El nombre se les ocurrió jugando. “Para mí es chamamé flama. Yo diría que es flama porque nos prendíamos fuego tocando. Empezamos a tocar y era ¡ufff!”, agrega. “Siempre terminaba con un suspiro la canción. Esa era la sensación. Y estaba la impronta chamamecera muy presente, porque fue un poco lo que nos unió”, añade Flor.

“A mí me gusta porque el nombre es como una mezcla entre un grupo de trap y un grupo de chamamé. Flama es como algo re joven, de las nuevas generaciones”, agrega Belén.

El disco, que se llama igual que el grupo y que lanzaron en diciembre, contiene casi todas composiciones propias, salvo dos. Los arreglos fueron surgiendo en las juntadas. “Entre todas. Cada una proponía el tema, cantaba la canción y ya ahí veíamos: acá se me ocurre esto, acá lo otro. Y así entre todas lo fuimos armando”. Lo presentan este sábado a las 21:00 en el Club Atlético Fernández Fierro (CAFF).

-¿Cómo fue recibido el disco?

-Noelia: Lo que más me sorprendió es una nota que salió, que nos nombraba como “chamamé siglo 21”. Me encantó y me dejó un par de preguntas. Porque en el tango ya vengo escuchando “tango siglo 21” hace rato. Hace rato que ya estamos en el siglo 21, básicamente. Y en el chamamé no había escuchado nunca “chamamé siglo 21”. Entonces me preguntaba: ¿no llegó el siglo 21 al chamamé? ¿Qué pasa ahí? Y siento que algo de eso representamos nosotras, un poco de lo de hoy, de lo nuevo, y lo viejo también. Lo tradicional también lo tenemos.

-Milagros: En el chamamé, lamentablemente, Corrientes centraliza mucho la música y la termina condicionando en muchos aspectos, si bien ya todo el avance viene desde hace un par de décadas atrás, con (Raúl) Barboza, Rudi y Nini Flores, Teresa (Parodi). La otra vez me crucé con Teresa de casualidad y dijo esto de que Corrientes tiene como la costumbre siempre de atar, de atar a la música. Pero la música se va igual, no se queda. Y también está bueno que el chamamé no sea de Corrientes, porque no es de Corrientes. Es de toda la región. Y si bien Flor es misionera, las demás somos de acá de Buenos Aires y qué bueno que sea de acá también.

-Flor: Siento que en algún punto se ha institucionalizado, entonces siempre quedamos afuera los que pensamos o sentimos el chamamé desde otro río. Pero finalmente son músicas de puerto. Tanto el chamamé como el tango son músicas de puerto. Y tanto las músicas populares, como el jazz o cualquier otra música, son lugares de encuentro, de ritual. Entonces, más o menos institucionalizado, más o menos en el Colón o en la calle, es volver a la música del pueblo. Y siento que ahí está el hilado interesante de Flamamé, los ambientes de esas músicas, esas nostalgias o formas de sentir, son algo que suena a tradicional. Pero lo que viene a imponerse de otro modo es la palabra. Buscamos decir algunas cosas con lo que tenemos de herramientas, porque no somos poetas. Hay una poesía de Ramón (Ayala) que dice “si no eres poeta, ni guerrero, ni artista, piensa que eres una partícula de Dios”. Hay algo del gestar que es muy amoroso de Flamamé y que es muy de ese impulso primero. Entonces, hay un recorrido de canciones que están hurgando en los lugares de las cosas que queremos decir, que mucho tienen que ver con el amor o las formas de pensarnos, el amor propio, el amor para con un otre, el amor por la naturaleza. Hay silencios también, no está rellenado. No es ¡pam!, una piña contundente. Es muy erótica nuestra música.

-¿Qué les pasa cuando están tocando?

-Noelia: Alegría. Soltura. Es muy relajado. No cuesta nada. Es muy sencillo. Fluye. Es fácil. Sí, fácil.

-Flor: Eso es muy sorprendente. Es muy fácil. No importan un montón de otras cosas. Y se agradece muchísimo que existan lugares así. Por eso siento que tiene que ver con un ritual. Nosotras entramos y cada una viene con algo y estamos y nos vamos escuchando. Para mí es un placer tocar con semejantes artistas. Son muy zarpadas por sí mismas. Y a mí me resultaría muy fácil como cantante, por lo que se estila o se espera de una cantante, estar adelante y yo no estoy adelante. Estoy a la par y me siento a la par y siento que hay lugar para todas. Eso es espectacular y se genera con mujeres.

-Noelia: Yo creo que somos como Power Rangers: cada una tiene un poder (risas).

-Belén: Estamos todas muy abiertas a escucharnos y a ver qué tiene para proponer cada una. Y no solo desde lo musical, sino también de cómo está cada una. Entonces lo otro también sale igual, fluye. No es que hay una pretensión de ‘el arreglo es así o esto es asá’. No, se construye entre todas. Y entonces creo que todas tienen la posibilidad de relajarse y de proponer y de sentirse cómodas en ser, en tocar, en todo.

-Milagros: Tocamos sin la presión. Si nos equivocamos, está bien. No es que estamos pensando: 'uh, le pifiamos'. Le pifiamos todo el tiempo y también eso es parte de nuestra música. Es lindo eso.

-¿Cómo hacen para sostener este espacio cuando todas ustedes tienen además muchos otros proyectos?

-Milagros: Sin presión. Somos como una pareja libre.

-Flor: Abierta (risas).

-Milagros: Mientras haya ganas del encuentro, nos ponemos de acuerdo. El pero no existe. ¿Tocamos? Dale. Entonces empezamos a ponernos de acuerdo, pero eso es sencillo dentro de lo complicado.

-Belén: Eso creo que es clave. Todas tenemos el deseo de que esté. Entonces, si hay una mínima chance, aunque llegaste hoy a las 07:00 y te vas al otro día a las seis, puedo, porque todas queremos. Quizás en otros grupos decís: 'ay, no sé si puedo, no llego'.

-Flor: Es algo que nos da muchísimo. Y al ser algo que es tan fácil, hace que uno se tenga que replantear bastante otras cosas que no son tan fáciles.

-Noelia: Hay espacios donde se prioriza mucho la música en sí misma como una entidad sagrada sin pensar que esa cuestión sagrada la hacen personas humanas. Y si tenés un problema, no nos importa. Y ahí yo no estoy de acuerdo. Y noto mucho en algunos espacios que son así.

-Flor: Es institucionalizar la música. Pero es en el chamamé o la música clásica. Matarse porque suene tal o cual cosa.

-Noelia: El espacio que elegimos es más de darle bola al vínculo, a lo humano, para que la música suene mejor en función de eso. Cuando solamente priorizamos ese lugar y decimos que las cosas tienen que hacerse de una manera, siento que es un problema. La manera correcta no existe. La manera correcta es construida grupalmente. Y cada grupalidad tendrá su manera correcta de hacer las cosas. En eso siento que en cierto punto han ganado en algunos espacios los que creen que hacen el bien y hacen el mal. Y eso para mí es una gran lucha en el ámbito del arte: poner por arriba de todo en el lenguaje la forma de vincularnos para que el lenguaje sea un espacio de construcción. Y siento que ese es el lugar para mí correcto.

-¿Y están trabajando en cosas nuevas?

-Flor: Hay canciones nuevas, pero siento que tenemos que seguir tocando esta música. Nuestro grupo tiene un año.

-Belén: Yo ya estoy manija de que armemos otro disco, pero lo pienso y digo: no, pará, ni siquiera empezamos a tocar este.

-Milagros: Igual estaría bueno a fin de año grabar otro (risas)

-Noelia: Tenemos planes de ver dónde más tocar presentando el disco. Nos gustaría salir de la Capital.

-¿Cómo se llevan con este momento del país y todo lo que está pasando?

-Noelia: Tengo mucha angustia en general. Siento un cansancio y un agotamiento físico y mental que me pone triste y trato de contrarrestarlo.Siento que hay un montón para hacer para ver cómo contrarrestar eso. Siento cierta obligación de dar una batalla a través de las letras. No sé dónde escuché esto de que la cultura es como la guerra por las buenas y siento que sí, que es alta herramienta. Así que tengo como una llama ahí interior. Pero también estoy como que el cuerpo lo tengo medio raro.

-Flor: Y, sí, ahora que estamos agotadas, porque tenemos que generar para pagar el alquiler, para pagar cosas que empezaron a subir, gastos básicos y mínimos, no tenemos que aflojarle y tenemos que dar batalla. Con Flamamé hay algo ritual, algo espiritual. Más allá de las cosas que sucedan, hay un lugar de encuentro real para generar cosas nuevas. El agua entre despacito y te levanta el piso. Eso la gente que somos del Litoral lo sabemos. Entonces no siempre va a ser irrumpir. Hay que ir entrando de a poco y vamos a escribir canciones y vamos a compartir con las pibas y nos vamos a abrazar. Canciones que quizá no todos entiendan pero que igual conmueven porque nos conmueven a nosotras. Ese es nuestro trabajo como artistas:,conmovernos nosotras, que es lo primero que pasa en este grupo, para después conmover al resto. Siento que esa es nuestra única forma de lucha.

-Belén: También me pasa que me genera una sensación de: bueno, entonces hay que hacer, hay que estar ahí y decir y conmover, como dice Flor. Pero también últimamente vengo pensando mucho en la idea de esto que planteó Noe, de la gente que hace el mal creyendo que hace el bien. ¿Cómo hacer para generar ese puente con esa gente? ¿Cómo abrirles ese espacio en el corazón, cómo abrirles ese lugar donde puedan ver más allá de lo que ven?

-Milagros: Más allá de que es triste, este contexto también te obliga a tener que hacer todo el tiempo para poder sobrevivir. Entonces, si bien no sabemos de dónde sale esa fuerza, está. También sabemos que esto va a pasar y que todo esto sirve como inspiración, claramente, para seguir componiendo. Por ahí es una mirada muy bohemia. Pero también es importante poder no centrarse en el dolor y en la tristeza y decir: ¿qué puedo sacar de toda esta situación? Y creo que un poco nuestro objetivo es ese, dentro de lo que es nuestra posibilidad.

“Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

CRM

Resistir. Esa parece ser la consigna del 2024, que arrancó con el mundo de la cultura movilizándose en contra de los recortes que propone el nuevo Gobierno. Desde el Fondo Nacional de las Artes hasta el Instituto Nacional de la Música (INAMU), pasando por fiestas populares y muchos otros espacios, la motosierra busca llevarse por delante varias de las herramientas que lxs trabajadores de la música, que son los que atañen a esta columna, tienen para seguir creando.

Pero nadie se está quedando de brazos cruzados. Lxs músicxs se están organizando. Y a más tardar desde que Peteco Carabajal manifestara su desafiante “No se paren que no ha llegado nadie” cuando la nueva vicepresidenta se presentó en el festival de Jesús María, supieron además que no estaban solos y que los grandes referentes iban a estar ahí, bancando. 

Músicxs autoconvocadxs en todo el país

A principios de año, se publicó un comunicado en defensa del Instituto Nacional de la Música (INAMU) firmado por muchos otros grandes como Charly García, León Gieco, La Renga, Susana Rinaldi, Escalandrum o Jairo. Acompañaron así un texto de la Mesa de la Industria y de la Actividad Musical en rechazo del desfinanciamiento de esa institución previsto en los planes del nuevo Gobierno.

La Unión de Músicxs Independientes (UMI) se puso después al hombro la defensa del INAMU con una importante acción en redes y un concierto este pasado 23 de enero, Día Nacional de la Persona Música.

En todo el país lxs músicos se autoconvocaron y así nacieron iniciativas como el colectivo Música por Necesidad y Urgencia. “Surgió en principio como una necesidad de responder al protocolo de seguridad de (la ministra de Seguridad, Patricia) Bullrich. Hacer música para los demás y con los demás no debía ser un problema. Ese fue el motor original”, contó a elDiarioAR Juan Pablo Fernández, cantante y compositor de Acorazado Potemkin, entre otras cosas, uno de los impulsores de la idea.

Lo primero que hizo el colectivo fue convocar a tocar el 30 de diciembre a las 17:00 en todos los rincones del país. Y la idea prendió en muchísimos lugares. Hubo gente que se juntó en Bariloche, Gualeguaychú, Santa Fe, Córdoba, Rosario, Corrientes, Tucumán, en provincia de Buenos Aires en Bragado, 9 de Julio, Trenque Lauquen, Junín, Roca, Madariaga, Mar Azul, en La Plata. En el AMBA, en Hurlingham, Quilmes, Bernal. Y en Capital en multitud de esquinas y plazas de muchos barrios.

Después, la iniciativa fue creciendo. “También por la necesidad de responder y tomar posición frente al avance del decreto y de la ley ómnibus. Entonces ahora vamos a seguir haciendo actividades que tienen que ver con ese primer impulso y, en paralelo, empezar a pensar como músicos, como trabajadores de la cultura, qué podemos aportar para mejorar nuestros reclamos y ser más precisos a la hora de oponernos como sector a la ley”.

Este domingo hay una nueva convocatoria. “El 28 de enero a las 17:00 de la tarde en distintos puntos del país nos vamos a juntar todos los músicos que queramos, que sintamos que hay una necesidad y una urgencia de juntarse y de hacer cosas”.

En Salta, lxs trabajadores de la cultura se reunieron en la iniciativa Niáca (expresión regional que implica rechazo), que se lanzó el sábado pasado con un festival.

“Iniciamos con una jornada histórica una etapa de lucha mancomunada entre lxs artistas de todas las áreas y disciplinas de nuestra cultura. La importancia enorme que tiene este evento se evidenció en la impresionante aceptación y participación de la ciudadanía salteña, que colmó la Casa De la Cultura de la Provincia”, nos contó la cantante Nadia Szachniuk. “Tomamos todos los espacios y durante más de siete horas mostramos la importancia del arte y la cultura y la necesidad de defender nuestros derechos, nuestra identidad, nuestra cultura, nuestra patria, la educación, la salud y el medio ambiente, y de fortalecer los espacios de creación y comunión organizándonos, discutiendo, informándonos por fuera de los medios masivos que profundizan el vaciamiento y la distopía social que estamos viviendo”.

“La Multicultural Niáca es un espacio esencial que la ciudadanía demuestra necesitar y que como colectivo y como ciudadanos individuos y artistas debemos fortalecer sobre todo en los momentos no tan críticos como éste que estamos viviendo sino, en aquellos momentos en los que tenemos más posibilidades de construir derechos y no estamos en la urgencia”, añadió. “Porque en este momento estamos abocados a defendernos de las amenazas atroces por parte del poder ejecutivo y de la casta política (apoyada lamentablemente por una parte de la ciudadanía sesgada y manipulada). Y eso está muy bien. Ahora lo urgente. Pero es en los momentos de aparente calma cuando debemos sostener estos espacios de unión y organización. Son éstas redes las que sobreviven a todo intento de vaciamiento”.

En Entre Ríos, a su vez, se creó Músicxs Autoconvocadxs Paraná. “En vistas a lo que veníamos observando que sucedía en diferentes ciudades del país, sobre todo algunos videos que circulaban del 'Cordobazo Cultural' y juntadas que se venían haciendo en Rosario, y, claro, preocupados por todo el contexto político surgió el impulso de comenzar a encontrarnos. Eso prendió rápidamente y se fue sumando más gente de la comunidad musical de Paraná”, nos contó Carlos “Negro” Aguirre, uno de los promotores de esa movida.

“Ya en la primera reunión surgieron varias comisiones y una de ellas se encargó de escribir un documento que ya entregamos a algunxs diputadxs que representan a Entre Ríos. Luego se leyó en otra reunión más numerosa y comenzamos a juntar firmas para que vieran el apoyo que este documento tiene, no sólo en el ámbito de la sociedad paranaense sino también en varias de las ciudades de nuestra provincia que se sumaron”.

“La idea es interiorizar a todo el abanico de diputadxs de nuestra provincia para que sepan el alcance, que en el terreno cultural tiene el DNU y la propuesta de Ley Ómnibus.Tenemos para este viernes una reunión con el Secretario de Cultura de la Provincia con la misma finalidad que te mencionaba antes. La idea es seguir juntando firmas y hacer todo lo que esté a nuestro alcance para informar a la ciudadanía de lo que esto significa no sólo para la Cultura sino para el país”, señala.

Revuelto de Radio, lejos del algoritmo

El 2024 arrancó, entonces, a pura resistencia por parte de los músicos populares.

Como la que viene ejerciendo hace tiempo Ale Simonazzi desde su programa Revuelto de radio. Con una novedad en los últimos meses del año pasado: el programa se convirtió en radio. La nueva radio Revuelto Radio - Músicas de por acá es la primera emisora online con 24 horas de música popular independiente, con la voz del legendario Quique Pesoa en la artística.

“En principio son las ganas de compartir la música que en el programa venimos difundiendo desde hace más de 20 años. Toda esa música que uno va juntando y tiene ganas de que siga sonando, encuentra su lugar para estar seleccionada por horarios con programación que puede ir acompañando al oyente que tenga ganas de escuchar música, dejándose sorprender, alejándose del algoritmo. En los momentos en que el oído, el alma, está dispuesto a recibir a lo mejor músicas y artistas que no conoce y no escuchó nunca”, explicó Simonazzi a elDiarioAR.

“Completa esta radio online, el laburo que seguimos haciendo desde el programa de radio, la página web que tiene una discoteca online para que si uno escucha y por ahí le gusta puede ir en busca del disco de ese artista y escucharlo completo y la agenda de conciertos. Esos artistas tienen conciertos y difundimos los lugares y las fechas en que tocan”.

“Y todo esto es el producto del cariño, el amor y el laburo de un grupito de gente autogestiva, que no lo hacemos pensando en un producto comercial o que rinda económicamente, sino que pueda sostenerse. Y eso es posible gracias a algunas pymes, pero fundamentalmente gracias a artistas, prensas, oyentes que se suscriben y que nos ayudan a bancar la parada haciendo de esto una comunidad en torno a nuestra música”.

La música independiente necesita de su público más que nunca.

¡Nos reencontramos en dos semanas!.

“Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

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Ya que la música de raíz folklórica vive un momento de efervescencia, juntemos a varios de sus representantes nuevos más interesantes unos días en un estudio de grabación a ver qué pasa. Un poco así fue la idea que tuvieron el ingeniero de sonido Andrés Mayo y la cantante, guitarrista y productora Lucy Patané hace unos cuantos meses.

Armaron una lista y así fue como en marzo por casi una semana reunieron en una residencia artística en el Estudio Sonorámica en Mina Clavero, Córdoba, al cantante chubutense Tomi Llancafil, el multiinstrumentista tucumano Manu Sija, el cantautor uruguayo Mocchi, la pianista Noelia Sinkunas, la bandoneonista Milagros Caliva (ambas bonaerenses), la cantante y pianista misionera Flor Bobadilla Oliva y la cantante catamarqueña Nadia Larcher. De la experiencia, surgieron siete canciones inéditas, que se difundirán próximamente en un disco, y un documental, que se está terminando de editar.

Algunos eran amigos, otros ya habían tocado juntos alguna vez y otros no se conocían. Pero la experiencia resultó fructífera y motivadora y en los próximos días comenzará a circular un adelanto del resultado final.

En una charla con elDiarioAR, Mayo y Patané se explayaron sobre esta original residencia artística, que por el momento lleva el título de Proyecto Sonorámica. Y también algunxs de los músicos participantes dieron su testimonio (ver abajo).

-¿Cómo se les ocurrió juntar a este 'dream team' de músicos en una residencia artística?

-Lucy Patané: Hubo bastante de lo que se dice brainstorming. Nos juntamos bastante a pensar. En realidad, fue una idea inicial de Andrés, pero después se fue llevando para otros lados. Simplemente hubo una pequeña premisa o condición, que es que sean personas que están dando vueltas por el género folklore pero como bordeándolo, de alguna manera, personas que estén buscando experimentar o buscar algo diferente dentro de ese género. Entonces un poco empezaron a surgir los nombres.

-Andrés Mayo: A mí me gusta mucho sacar fotos. No literalmente hablando, sino retratar los momentos. Yo había producido un documental que se llama Charco - Canciones del Río de la Plata (2017), que por suerte todavía sigue girando, y me pareció que era una buena foto del momento que se vivía entonces. Y esto intenta hacer lo mismo, quizás un toque menos ambicioso en cuanto al despliegue de producción, pero la misma idea de decir: a ver, hay gente recontra talentosa, como dice Lucy, que salen de lo estándar y que uno sabe que están haciendo cosas y que merecen muchísima más visibilidad. Tenía esa idea, no sabía mucho cómo concretarla, pero sí que quería que fuera un retrato de este momento. Y la primera persona en la que pensé fue en Lucy para que me ayudara a tratar de llevarla lo más lejos posible en términos de producción artística y técnica. Y ahí sucedió que la tercera persona con la que nos juntamos fue Nadia Larcher. Tuvimos una reunión en su casa que estuvo buenísima y salieron un montón de nombres. Me acuerdo de haberme llevado de esa reunión anotados como 20 o 25 nombres, que eran todos espectaculares. Igual sabíamos que no iba a haber lugar para tantos. Después tuvimos que empezar a pulir para que la cantidad de gente estuviera de acuerdo con la cantidad de días, porque si llevábamos 20 personas no íbamos a poder estar solo cinco días. Y había también alguna limitación no solo de presupuesto, sino también de posibilidades de estar en un lugar en el cual estás aislado de todo. Y si nos quedábamos un montón de días como que todo arranca muy bien y en algún momento se empieza a desbandar.

- ¿En esos días se compusieron estas siete canciones que forman parte del proyecto? ¿Ya venían con las canciones? ¿Cómo fue ese proceso?

-LP: Cada persona llevó una canción. Las mostraron un poco antes, pero la verdad es que no hubo una preproducción. Fue un poco: estas son las ideas que se llevan y se tocaron y se grabaron ahí. O sea, no es que hubo un proceso previo. Se compartieron, sí, pero fue como una escucha y nada más. Entonces un poco el proceso era mostrar la canción en el momento y todes la iban arreglando y se grababa.

-Y son canciones inéditas, ¿no?

-AM: Sí, alguna creo que ya había sido grabada en otra versión. Pero en general, sí, eran inéditas. Y la idea que teníamos con Lucy era poder tener por lo menos un par de reuniones antes para que no fuéramos tan desprovistos, tan a ver de qué se trata, porque encima había gente que ni se conocía. Pero eso no pasó. Nos juntamos una vez, que estuvo muy bueno, a escuchar. Y eso fue todo. O sea que íbamos bastante en bolas, digamos. Pero salió bien. Salió muy bien. Lo que mejor funcionó para mí fue cómo nos organizamos humanamente y a nivel de tiempos. Porque si vos pensás en cinco días hacer siete temas es un montón. Y esto lo tengo que decir porque corresponde decirlo: aprendí mucho de Lucy, porque yo sentía que el tiempo que teníamos ahí nos iba corriendo y a ella la veía muy relajada. Y entonces yo miraba y decía: ¿cómo puede ser? ¿Por qué? Algo no me cerraba. Y después, con el paso de los días, me fui dando cuenta que esa era la actitud para que todo saliera bien. O sea, aprendí la estrategia.

-LP: Igual, sí, era un desafío muy grande que un grupo de personas se organice y entienda un proceso que, en realidad, nosotros tampoco es que fuimos con una forma de trabajo armada. Fue como, bueno, veamos a ver qué pasa en el momento. Hay un detalle importante y es que está todo grabado en vivo. O sea, estaban todas las personas adentro del estudio y se grababan todos los instrumentos a la vez. Y les músiques podemos perdernos mucho en los detalles cuando grabamos. Podés hacer mil versiones hasta que queda perfecto. Entonces el primer día creo que fue el más crucial, porque todes entendimos que no íbamos a ir a fondo a los detalles, sino que la búsqueda era que pase algo. Y en ese que pase algo muchas veces puede haber alguna que otra desprolijidad, pero lo que se registra en ese momento es único. Si después te ponés a corregir o a grabar por separado, todo eso se puede perder. Y ahí siento que empezó, que se entendió el proceso y fluyó a full.

- Y desde el principio esto quedó registrado en un documental. ¿Que qué es lo que muestra el documental?

-AM: Intenta ser una foto viva de ese momento. El documental está en proceso y sería un poco irresponsable contarte cómo va a ser hasta que no esté por lo menos bastante más avanzado. De hecho, va a salir un avance ya en estos próximos días. Pero el avance no pretende ser una muestra chiquitita de lo que va a ser todo el documental, sino que son imágenes que muestran registros totalmente al azar de momentos. Y esas imágenes mezclan un poquitito tomas de exteriores, alguna cosita que se hizo en tono de entrevistas. Lo que tiene de bueno es que una gran parte se hizo en fílmico, en 16 milímetros, y eso le da un toque muy especial a la imagen. Yo le tengo mucha fe y me encanta cuando charlamos con Lucy y vemos que se lograron las cosas más importantes. Se logró comunidad de gente que, en algunos casos, ni se conocían. Yo siempre doy el mismo ejemplo: Mocchi, que era quizás la persona más externa al grupo porque no tenía mucho contacto real con ninguno, se volvía en auto desde Mina Clavero. O sea, tenía un viaje largo y el resto se volvía en el bus. Bueno, cuatro personas cancelaron sus pasajes de vuelta para volverse con él. Espectacular. Y eso después de cinco días. En esos cinco días se dio una cosa de hermandad muy alucinante. Y después todo el mundo fue a los conciertos de quien tocaba. Iban todos. Eso es alucinante. Trasciende completamente el proyecto. El proyecto logró ya un objetivo sin haber salido todavía.

-¿Todos grabaron en todas las canciones?

-LP: Sí, sí, creo que sí. Quizás alguna que otra cosa, pero sí, siempre era estaban todos ahí adentro.

-¿Y cómo son entonces los próximos pasos?

-AM: La idea es que este primer avance sirva para hacer circular el proyecto. Tal vez ese avance sirva para contar de qué va y después salga todo junto el resto, que son dos partes: el documental y el disco, que no son exactamente lo mismo. Porque el documental quizás tenga partes de las canciones, pero no todas probablemente. Y el disco sí va a tener todo, las versiones completas. Incluso hay una versión muy hermosa de un tema de Flor Bobadilla que tiene una impro muy larga y esa impro puede que esté en el documental y no en el disco, o al revés. Son armados distintos para lo visual y para lo puramente auditivo.

-¿Tienen fechas ya?

-AM: Creo que antes de fin de año, porque el documental ya está en proceso y la idea es sacarlo antes de fin de año. Porque además el documental va a tener un recorrido en festivales. No es solamente colgarlo en YouTube. Adriano Bruzzese, que es el director, es una persona muy conectada con el cine. No tengo ninguna duda de que este documental va a girar, quizás no solo en los circuitos locales, sino muy probablemente afuera también. Porque además una cosa buenísima que pasa con este documental es que la gente es cada vez más conocida. De golpe vos la ves tocar a, no sé, Noelia Sinkunas en un megafestival acá y decís: ah, es la misma que está acá. Y empezás a linkear. Es toda gente re grosa y que dentro de diez años va a ser mucho más grosa todavía, mucho más conocida. Entonces va para arriba, digamos.

-Los dos tienen mucha experiencia en la música argentina, conocen muy bien el mundillo. ¿Por qué creen que surgió esta generación ahora haciendo un folklore así más experimental?

-LP: Creo que todo el tiempo se están dando esos fenómenos. Yo que soy un poco más del palo del rock estoy todo el tiempo analizando qué pasa, qué no pasa y cada tanto me cruzo con alguien de otra generación, más grande, que me dice: esto también pasaba en los 80. No soy una experta en género folklore, pero para mí todo se traslada a todos los géneros. Y todo el tiempo se están rompiendo ciertas estructuras. Me parece que ahora se ve un poco más porque todo es más visible con las redes, con todos los canales de difusión que hay. También la gente que convocamos está bastante en un circuito más disidente. Entonces también hay una cosa ahí de romper con muchas estructuras, no solamente con un género musical. Se da una combinación bastante fuerte de todo, de diferentes formas de ver la vida. Eso combinado con lo cultural es una movida bastante fuerte. Pero para mí todo el tiempo hay rupturas, todo el tiempo se rompe y eso abre a lo que viene después. Sí particularmente este grupo de personas tiene mucho talento real. Yo participé en algunas canciones tocando. Por lo general estaba del otro lado con Andrés, pero a veces tocando. Y yo ya he hecho cosas, por ejemplo con Noelia Sinkunas, varias veces, y no me deja de sorprender. Hay un talento que es muy grande y lo mejor es que saben qué hacer con eso. Porque no solamente es mover los dedos y poder tocar bien. Es qué tocas, qué decís, dónde lo decís, con quiénes lo decís. Me parece que esa parada un poco más política de alguna manera también lo hace un poco más visible.

-AM: Sí, yo creo mucho en los en los ciclos. Los ciclos son muy notorios en la Argentina y en cualquier parte del mundo. Y muchas cosas aparecen como pequeñas respuestas a lo que está pasando y pequeñas contraculturas. Así como apareció el rock en su momento y era la contracultura y era en sí mismo tremendamente cerrado. Y a Rata Blanca los putearon cuando tocaron en boliches de cumbia, por ejemplo. Y hoy en día esa contracultura es mezclar todo. O sea, Noelia Sinkunas tiene una banda de cumbia, que es Cachitas Now, tiene Flamamé, que hace chamamé, y toca tango. Y está todo bien y hace bien las tres cosas y podría hacer 10.000 más y todas las va a hacer bien. Finalmente estamos llegando a ese punto en el que la música no tiene ese tag y ese género, sino que realmente algo que cruza todas esas distinciones. Y en el medio, qué sé yo, el rock. Pero después el rock pasó al pop. Tuvimos un pop espectacular durante diez años y se lo vendimos a todo el mundo. Y después apareció el rock chabón de tres acordes que no se lo vendíamos a nadie. Y después aparecieron los Lucio Mantel y los Tomi Lebrero, cantautores. Después apareció el trap. Y ahora esto, que no tiene nada que ver con nada y que de alguna manera es sorprendente por todos lados. Yo la escucho tocar a Milagros Caliva y me emociona más que ningún bandoneonista argentino. No te lo puedo explicar. Y tiene 22 años, 23 años. O sea, ¿cómo sucede eso? No sé, pero es increíble. Entonces me parece que ahí hay algo y esa es la foto que yo quería que sacáramos.

“Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

CRM

Volvemos. Iniciamos una nueva etapa de esta columna sobre música de raíz, que seguiremos publicando cada dos semanas. Pero ahora vamos a entrevistar a músicxs quizá no tan conocidxs pero que creemos fundamentales en el panorama actual y a los que queremos que puedan conocer un poco más. La nueva camada. Los jóvenes. Los que ahora mismo están dándole nuevas formas a nuestra música.

Inauguramos este ciclo con la bandoneonista Milagros Caliva, de apenas 27 años pero ya con una trayectoria larguísima. Empezó a tocar en las bailantas chamameceras del conurbano bonaerense a los ocho años y hoy es una artista sofisticada, profunda y versátil, que integra Don Olimpio y Flamamé, entre otros proyectos, es convocada por figuras como el Chango Spasiuk, y cuyo corazón sigue latiendo al ritmo de la música litoraleña, aunque se mueva como pez en el agua en muchas otras músicas.

“Mili”, como le dicen muchos, vino al mundo el 1 de enero de 1996 en Parque Patricios, pero se crió en La Matanza. Llegó al bandoneón de la mano de su abuelo misionero y nunca lo soltó. El 2023 comenzó lleno de planes para esta joven intérprete y compositora, de hablar calmo y mirada firme. Esta es la charla que tuvo con elDiarioAR en su casa del barrio porteño de Balvanera:

-¿La música te viene solo por tu abuelo o hay más músicos en tu familia?

-En mi familia materna fueron todos músicos. Acordeonistas, guitarristas. El único bandoneonista era mi abuelo. Estaba separado de mi abuela y vivía con nosotros, en una casa en el fondo, solo. Todo el tiempo nos cruzábamos. Él siempre estaba con la radio o venían sus amigos a tomar mate y se ponían a tocar. Y yo estaba ahí jugando. Jugaba un ratito con mis hermanas y me aburría. Mi hermano me obligaba a jugar a la pelota con él. Y yo no me hallaba con ninguno. A mí me gustaba mucho estar con mi abuelo. Me hablaba o lo veía cocinar o escuchábamos la radio. A los cuatro años, me regaló un acordeón, pero de juguete. Me enseñó “feliz cumpleaños” y eso. Pero me aburrió. Y como estaba la guitarra siempre en casa, me empezó a enseñar. Me enseñó cómo colocar los acordes, los dedos. Y yo rasgueaba así un poquito. Después, a los seis, le pregunté si me podía enseñar a tocar el bandoneón. Y toqué con su bandoneón hasta los 15. Me enseñó así de oído. En los últimos años se empezó a enfermar, a tener artrosis y entonces ya no me pasaba temas, sino que yo tenía que sacarlos sola. Por ahí me corregía un poquito pero silbando, porque ya no podía tocar. Le dolían los dedos. 

-Empezaste a tocar profesionalmente muy chiquita.

-Desde los ocho hasta los 21 toqué mucho en bailantas de chamamé. Tocaba primero en el grupo de mi abuelo y después con mi grupo. Tocaba con dos guitarristas. En realidad, en el mundillo chamamecero, no son guitarristas, son guitarreros. Yo tocaba con dos guitarreros de él, que se llamaban Rolón y Quiñones. Ambrosio Rolón y Laureano Quiñones. Un chaqueño y un misionero. Toqué con ellos un año. Después ya me empecé a armar mi grupo. Veía a músicos más grandes circulando por los bailes. Me gustaban, los encaraba y les decía de ir a tocar. Venían a casa y, claro, a veces no me gustaba cómo tocaban o no se dejaban que les dijera algo. Entonces a veces no duraban nada. Un ensayo y se iban. Me acuerdo que mi abuelo siempre me decía: No, Mili, así no se va a quedar nadie. Claro. Porque no tenía paciencia. Después ya sí empecé a encontrar a los músicos. Cuando empecé a encontrar a mis verdaderos compañeros, cuando me empecé a sentir más a gusto, fue a los 17 o 18 años. Pero de los 8 hasta los 17 toqué con mucha gente grande todo el tiempo.

-¿Y qué repertorio hacías?

-(Mario del Tránsito) Cocomarola, Isaco Abitbol, Avelino Flores. Después un repertorio más estilo bailantero. En las bailantas radican muchos estilos. Uno es más romántico, como dicen ellos, y como había cantantes a dúo, tenía que tocar temas de los Hermanos Barrios, de Cejas-Solís, los Hermanos Cardozo, todos músicos de ahí, de tierra adentro. Un detalle es que, de tanto tocar en los bailes -porque tocaba mucho de viernes a domingo, todas las madrugadas- me acuerdo que iba al colegio a la mañana y estaba muy dormida. Y me dejaban dormir porque sabían un poquito lo que estaba haciendo. Así me pude comprar mi propio bandoneón a los 14. Y cuando me lo compro, el mismo año, mi abuelo me regala el suyo, porque él ya no podía tocar. Y él fallece cuando yo tenía 15 años. Después seguí tocando. Y a los 18 me metí en un conservatorio. 

-Te pusiste a estudiar formalmente. ¿Por qué?

-Tocaba pero no sabía que me quería dedicar a la música. No sé por qué dudaba. Terminé el secundario y con mi hermana ganamos una beca e ingresábamos a la Universidad de La Matanza sin rendir ingreso. Me anoté en comunicación social y, a la vez, en el conservatorio (Manuel de Falla). Si rendía bien en el conservatorio, no estudiaba comunicación social. Usé esa lógica. Y me acuerdo que cuando fui a rendir al conservatorio, Andrés (Pilar) me toma el examen de ingreso. Malísimo. Yo no leía nada. Estuve una hora encerrada tratando de desgrabar una melodía que no podía y nunca le pude decir: “Che, yo no...” Se dio cuenta cuando le mostré la hoja. Pero me tomó un examen práctico al otro día, toqué y ahí me dijeron: “Ingresás, pero en marzo ponete las pilas”. Y ese año fue un montón de información nueva, de cómo leer y cómo tocar. Lo que tardaba en sacar un tema, que por ahí lo podía resolver en dos minutos, cuando tenía que repasar una partitura tardaba tres meses. Era muy intenso. Siento que el conservatorio, ingresar a ese mundillo y conocer mucha gente, me abrió la cabeza, me hizo conocer otros códigos, otros lenguajes. Me hizo desprenderme de esa idea tan localista que tienen las músicas regionales. Y hoy en día, si bien no toco tanto chamamé como lo hacía antes, cada vez que lo puedo hacer, lo disfruto muchísimo más. Esa es la sensación. Y siento que cada vez que toco me siento mucho más cercana a mi infancia. Por ahí de tanto hacerlo todo el tiempo había perdido un poco el encanto. Y ahora como que la música pasa por otro lado. Me estoy empezando a dar cuenta también de lo que me costó como mujer llegar a ciertas situaciones, lidiar con ciertas personas. 

-¿Hoy en día el mundillo de la música sigue siendo machista?

-Sí. También en cuanto a la calidad musical. Los grupos que predominan en lugares importantes para la música quizá no son los que tendrían que estar representando a la música. Por una cuestión musical. Me parece que se sigue preservando lo comercial y la música pasa a un segundo plano. Y estoy re segura que no quiero estar en esos lugares. Prefiero no tocar en festivales donde la música no es respetada. Cada vez tengo menos paciencia.

-Estudiaste, empezaste a tocar con un montón de gente y viajaste también.

-Empecé a viajar afuera en el 2018. A los 22. Era algo que quería hacer pero no sabía cómo. Tampoco tenía prisa. Quería preguntarme primero qué es lo que quería transmitir o qué quería llevar. Lo hice con Martín Pérez, que es un guitarrista con el que toqué muchos años y tocamos cada tanto. Fuimos a acompañar un documental de chamamé que hizo una francesa, Claire Pétavy. Y dimos algunos talleres en conservatorios en Francia, en distintas ciudades. Ahí conocí a Alfonso Pacín, que es docente y que tiene una orquesta de música argentina, una típica, de franceses que tocan música argentina, y pegamos buena onda. Después viajé el año siguiente sola, grabé un disco con ellos, se armaron talleres, giras, y así fue como el vínculo se fue acrecentando más allá de la música también. Él es argentino y un tipo muy admirable. Después viajé en la pandemia a Holanda. Tengo un amigo holandés (Nino Zannoni) al que le propusieron de Holanda armar un concierto de chamamé sinfónico y me propuso hacer los arreglos. Yo nunca había hecho arreglos para cuerdas. Imaginate que trece años atrás no sabía ni leer ni escribir (risas). Y le dije: sí, dale. Como era en pandemia, me vino joya porque estuve encerradísima trabajando, investigando, y tardé unos meses. Es un laburo que alguien que ya lo sabe hacer lo hace en dos semanas. Yo tardé tres meses. Pero tenía tiempo. Mandé los arreglos, los aprobaron y me acuerdo que cuando llegué a Holanda no tenía la menor idea de qué iba a sonar. Porque todo lo había hecho en la computadora. Nunca lo había escuchado de verdad. Y cuando empezó a sonar no podía creer lo que estaba pasando. Fue un montón como primera experiencia.

-¿Y cómo siguió tu vínculo con el chamamé?

-Me alejé del chamamé, porque necesitaba hacerlo, y ahora estoy volviendo otra vez. Y la verdad es que es una música de la que realmente no podía alejarme. Siento que el 50% de mi vida tiene que estar abocado a la música del Litoral. Buscar distintas formas, pero tiene que ir por ahí. Siento que tengo, no sé si una obligación, pero un compromiso emocional, sobre todo, y de herencia y familiar. Y también porque amo la música del Litoral. No me pasa con otras músicas de emocionarme así, de tocar y llorar. Por ahí a los 15 años no tenía ni idea. Lo veía llorar a mi abuelo y no sabía por qué lloraba. Y ahora me pasa todo el tiempo.

-¿Y cuáles son tus referentes, además de tu abuelo?

-Isaco, Cocomarola, Avelino, actualmente Nini (Flores). Con Nini nos conocimos. Yo era chica, recién empezaba a interactuar con músicos de acá, pero sentía tanta admiración por él. Lo veía más a Rudi (Flores) en las guitarreadas (NdR: los hermanos Rudi y Nini Flores conformaban un dúo de chamamé). Me acuerdo que justo ese año, el que Nini se murió (2016), empezamos a entablar una amistad, un vínculo, empecé a ir a su casa. Nos juntábamos a tocar. Siempre los iba a ver. A dónde iban, me encantaba ir. Eran una inspiración. Porque yo necesitaba buscar a alguien para sentir que estaba haciendo bien en estar acá en Capital, sola, con la tristeza de extrañar. Y la música me ayudó un montón para canalizar toda esa nostalgia. Cuando me mudé acá, ellos fueron como mis guías. 

-¿Cuál es tu relación con el tango?

-Un poco porque como tocaba el bandoneón tenía que laburar, pero además me gusta el tango. No me gusta el ambiente del tango. Para nada. Por eso no me termino de adentrar. En realidad, no me gustan todas las músicas tan de adentro. Prefiero estar en mi espacio y tener la posibilidad de meterme, con todo el respeto que se merece esa música. Pero es difícil. Siempre son las mismas figuras. Igual no reniego, sino que me alegra ser consciente de esa situación y saber qué es lo que quiero, que no es eso. Y apuesto mucho a los proyectos independientes y sé que con el tiempo las cosas se acomodan, se fueron acomodando y se van a seguir acomodando. Y hay que tener mucha paciencia y mucha calma como para tolerar las injusticias, todo el tiempo.

-Te abriste a muchos géneros, tocás con un montón de gente. A Don Olimpio entraste cuando ya estaba el proyecto armado. ¿Qué significa Don Olimpio para vos?

-Es una familia. No somos íntimos amigos, pero cada vez que nos vemos es como una familia. Con mirarnos nos entendemos. Yo estoy con ellos desde el 2018. Y eso cuatro años fueron un montón. Me acuerdo que empecé a tocar así con miedo, porque estaban Andrés (Pilar), Nadia (Larcher). Y después estuvo la pandemia de por medio... La pandemia fue algo importante, al menos en mi vida. Como a todos, creo que me ayudó a valorar muchísimo más el entorno y la gente con la que nos estábamos codeando. Así que Don Olimpio es una familia que me dio la música en la que aspiramos a seguir por muchos años más. Y a seguir grabando.

-¿Y (la pianista) Noelia Sinkunas?

Noe es también una hermana que me dio la vida y fue también una persona que me ayudó en muchas situaciones personales. Fue como abrir una puerta y era la puerta a la que yo siempre quería ingresar pero nunca me animaba y no podía. Entonces ella me abrió la puerta para ir a jugar (risas). Nos conocimos en un lugar al que ella vino a escucharme. Yo tocaba con Martín. Después me contó que quería grabar un disco de chamamé. Me dijo: bueno, vamos a juntarnos, dale. Y ahí se armó su disco y después ya se armó una amistad. Y después se armó Flamamé el año pasado. 

-¿Cómo es ese proyecto?

-Es un proyecto que nadie sabe bien cómo nació. Un poco cada una tiene su versión. Pero, bueno, con Noe ya estábamos tocando. Con (la contrabajista) Belén (López) empezamos a tocar, también el año pasado. Y (la cantante) Flor (Bobadilla Oliva) fue invitada una noche. Después me habían llamado para tocar en un festival de Brasil y propuse ir con las pibas. Sin nombre, todavía. Y a la vuelta empezamos a armar. No hicimos muchas fechas. No tuvimos todavía esa charla previa, ordenadora, de decir qué onda.

-¿Por qué se llama Flamamé?

-Es un desprendimiento de chamamé. Flama es algo así como cool. Una amiga tiró el nombre y quedó. No hay una explicación más diplomática del asunto. Pero, bueno, también Flamamé propone un repertorio litoraleño, latinoamericano, además de composiciones propias. Estamos en la búsqueda, probando, en nuestros primeros pasos. Necesitamos tiempo de exploración.

-Recién hablabas de composiciones propias. ¿En qué momento empezaste a componer?

-Desde chica. Grabé tres discos de chamamé en mi niñez. Y grabé temas míos. Nadie lo sabe y no me gustan tanto. Después, ya a los 18 o 19, empecé a componer un poquito más y ahí ya me empezó a gustar porque empecé a absorber otras músicas. Entonces me empezó a gustar lo que quería proponer. Cada tanto vuelvo a la composición. Me gusta muchísimo componer. No compongo fácilmente. No es que agarro un instrumento y compongo. Me gusta buscar los momentos dramáticos para hacerlo. Por eso son todos tristes los temas (risas). “Sus ojos de río” es un tema que grabamos con Don Olimpio. Después hay uno que se llama “Duda”. De a poquito vamos a ir largando más.

-¿Te das cuenta de que vas camino de convertirte en referente para pibes más jóvenes?

-No sé. No estoy pendiente de eso. Amo hacer música. Igual siento que todo el tiempo tengo que estar haciendo algo. Nunca me siento satisfecha. Y a veces siento que no estoy haciendo nada y estoy haciendo un montón. Nunca puedo sentirme del todo a gusto, cómoda. Tengo un montón de cosas que resolver y estoy solamente contemplándolas, pero no estoy haciendo nada. Así que espero que el 2023 me traiga el incentivo y las ganas de poder hacerlo. Quiero grabar un disco solista, un disco con composiciones, quizá con invitados también. Capaz me animo a grabar algo cantado. Hay cosas que siempre quise hacer pero que me reprimía. Ahora las estoy implementando. También quiero grabar un disco con Noe y un disco con Flamamé. Pero, bueno, hay que tener la economía para hacerlo. El deseo está, las ideas están claras. Hay que llevarlas a cabo. 

“Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

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