El último concierto de la gira de presentación de su último disco será especial para la española Silvia Pérez Cruz. Buenos Aires es una ciudad con la que tiene vínculos fuertes y donde vivió algunas experiencias musicales intensas en los últimos tiempos. Después de ese último show en el Auditorio Belgrano, la catalana emprenderá una gira con el guitarrista y compositor argentino Juan Falú, con la que recorrerá primero varias ciudades de España y después volverá a cruzar el Atlántico.

Toda la vida, un día, su séptimo trabajo discográfico, supone un viaje de lo acústico a lo clásico, con vientos, percusión, nuevas sonoridades y también la intimidad del dúo de la guitarra de siempre. Es un disco macerado en pandemia que para esta exquisita cantante, nacida en Palafrugell, Girona, en 1983, fue una especie de renacimiento artístico que la consolidó como compositora. Cuenta con invitados especiales como Liliana Herrero, Juan Quintero y Natalia Lafourcade, entre otros.

—Tu relación con Argentina es intensa. Viniste varias veces. Y la última vez que viniste grabaste con Juan Falú, con el que ahora en noviembre te vas de gira. ¿Cómo se dio ese encuentro?

—Fue hace años, antes de la pandemia. Yo estaba en Argentina con Juan Quintero y Luna Monti. Me invitaron a ver un concierto de Juan Falú y después del concierto me lo presentaron y empezamos a cantar y fue una conexión instantánea con ese hombre. Tiene una relación con la música, una libertad, una creatividad, una sensibilidad que me dejó cautivada. Entonces intenté encontrarlo los años siguientes que viajé, pero era difícil ponerse en contacto. Hace dos años, en el 2022, él vino a tocar a Madrid en un sitio que se llama Café Berlín y lo contacté. Le dije: “Juan, soy Silvia, no sé si te acuerdas de mí. Estoy en Madrid”. Justo estaba en Madrid. Yo vivo en Barcelona . Y hablamos y le dije: si quieres, yo canto, que a mí me encanta. Entonces fui a ver el concierto y cuando terminó el concierto, en los bises, dice: “Creo que está una amiga por aquí”. Y salí a cantar un tema y nos gustó tanto que no me dejó bajar. Hicimos como tres canciones. Después estuvimos haciendo un poco de guitarreada en un bar de al lado y estuvimos tocando más canciones de folklore argentino, también de Brasil, y quedó ahí como una conexión preciosa.

En el 2022 volví a Buenos Aires y grabé un tema con Liliana Herrero y Pedro Rossi para el disco que vengo a presentar ahora, que tiene el nombre del disco “Toda la vida, un día”. Y entonces vi a Juan y quedamos en grabar en el estudio. Entonces me fui a su casa. Miramos tonos sin ensayar mucho. Nos fuimos a un estudio y había un buen vino y estuvimos todo el día cantando canciones del folklore argentino y alguna brasilera y también una nueva de él y una mía. Y entonces grabamos ese disco en el 2022 y le digo: bueno, cuando yo termine mi disco me encantaría sacar este. Entonces ahora en noviembre va a salir el disco y va a venir a hacer unos conciertos en España, en muchas ciudades. Y luego estamos intentando ir a Argentina. Vamos a tocar seguro en Montevideo y Tilcara. Y después me gustaría hacer Buenos Aires, Rosario, Córdoba, Mendoza. A ver qué sale. Me apetece mucho porque el disco que vengo a presentar ahora, el que he estado girando, es de todo el imaginario, de mucha composición, como ir tejiendo, como muy pensado luego en el escenario. Es sentido, pero hay mucho pensamiento. Y me apetece mucho después de esto, poder hacer un concierto que es una conversación entre dos personas, y una de ellas es Juan Falú, que me enamora su manera de tocar. Es una preciosidad.

—Y en este disco está Liliana Herrero que es otra de nuestras grandes de la música de raíz. ¿Cómo conociste a Liliana? ¿Cómo se te ocurrió incluirla en tu disco?

—Fue en el febrero de 2022. Me invitan al Festival Medio y Medio en Punta Ballena, en Uruguay, para encontrarme con Liliana y María Gadú y Pedro Rossi, que no nos conocíamos, para crear un repertorio y hacer un concierto. Entonces yo llegué allí y me encontré con estas personas increíbles. Estuvimos un día comiendo, bebiendo, llorando, riendo y cantando. A mí me gusta mucho el folklore argentino y la música de Brasil. Entonces me era muy natural poder cantar con las dos. Y se creó un vínculo muy fuerte. Y no solo eso, sino que me marcaron mucho personalmente. Esas mujeres tienen un discurso muy potente. Aprendí muchísimo y en ese momento también Liliana como que la vida y la muerte la entendía muy bien. Y creo que me puso en mi lugar. Yo estaba un poco frágil en ese momento y me ayudó a reencontrarme. Y cuando llegué ahí yo les había hecho una canción de regalo a cada una y después de conocerlas, las terminé. Y la canción de Liliana es la que da título al disco, “Toda la vida, un día”. Entonces volví a España y entendí el concepto del disco. Seguí componiendo y dije: Yo quiero cantar esta canción contigo, si tú quieres. Me vengo a Buenos Aires. Para grabar con ella, con Juan Falú, con Juan Quintero. Entonces es una canción que le compuse a ella y que me ayudó a entender el disco que estaba construyendo. Y tuvimos la suerte de este concierto hacerlo en Buenos Aires, en Montevideo, en Barcelona, en Madrid. Y ahora en agosto nos encontramos en Río de Janeiro, que fue muy lindo. Es una mujer increíble de la que aprendo muchísimo.

—Y también grabaste con Juan Quintero.

—Sí, también en este disco que vengo a presentar. Como el disco habla de toda una vida y pasa por todas las edades, está ordenado en movimientos y cada movimiento es una edad: infancia, juventud, madurez, vejez y renacimiento. Pues en la madurez entendí que hay que saber pedir ayuda. Entonces escuché por primera vez una canción de Edgardo Cardozo cantada por Juan Quintero, que es una adaptación del Martín Fierro, y le pedí permiso también al maestro Edgardo si le importaba que cantáramos esa canción. Es la única que no es mía. Incluso le pregunté si podía poner el título “Ayuda”, porque él la llama “Martín”. Era muy importante para mí poner esa palabra. Entonces, en el tercer movimiento, canto esta canción con Juan Quintero también en intimidad. Porque el tercer movimiento habla de la intimidad, de la amistad, de los pequeños detalles. Y canté con Juan Quintero y luego me fui a México y canté con Natalia Lafourcade otra canción a dúo.

—Y tengo entendido que este disco nació en pandemia, que estábamos todos solos en nuestras casas. ¿Cómo fue?

—En pandemia yo creo que todos hicimos una revisión de nuestras vidas, pero me di cuenta que la composición es algo natural en mí, que lo necesito para transformar y filtrar emociones que a veces no puedo expresar. Y sin saber que estaba haciendo un disco, empecé componiendo canciones para los cumpleaños de mis amigos que no podía ver en pandemia, que son las canciones del primer movimiento, de la infancia de la gente. Son canciones que hablan de la esencia de esas personas. Y empecé sin saber pero desde esa soledad. Y esa soledad me hizo entender que si finalmente eso se convirtió en un disco, creía muy importante que hubiera un coro para unir las soledades, porque era algo que estábamos viviendo todos. Entonces en el disco, aparece un coro también de 30 personas, que es como todos. El todos en contraposición a esa soledad tan profunda que vivimos y que ya tiene la composición en sí.

—¿Para vos es importante que la música sea colectiva y compartida?

—Para mí la música, tiene todas las posibilidades del mundo. Me encanta hacer un concierto sola porque es reencontrarme con el presente. Puedo cambiar los tiempos, puedo hacer silencios larguísimos. Puedo sentir exactamente cómo siento esa canción en ese momento. Y también me encanta el juego de compartir con músicos en el escenario o crear con músicos. Es un lenguaje que también permite eso el juego. Para mí es importante no perder ese verbo de pasárselo bien, compartir y todo lo que pasa en un escenario para mí es como un reflejo de mi sociedad ideal. Un grupo de personas donde cada uno tiene una función y el interés es que cada uno pueda brillar y eso multiplica la belleza de todos. En lo colectivo, se multiplica la belleza, bien entendida, y el dolor supongo que también, pero la belleza si es compartida y todo el mundo se siente realizado tengo demostradísimo ya que se multiplica.

—Y en los conciertos siempre da la impresión que estás como con la sensibilidad muy a flor de piel y eso es muy intenso porque haces muchos conciertos. ¿Cómo haces para llevar eso?

—No lo sé. Este año en concreto he vivido como un renacimiento, también artístico y personal, y he trabajado mucho, he viajado mucho y me han preguntado muchas veces cómo aguantaba y he entendido que tengo mucha energía, tengo mucho aguante. Y con los años he aprendido. Antes hacía un concierto y tenía que descansar mucho más tiempo, porque es verdad que aunque me encanta el humor y presentando me gusta que ríamos todos, porque para sobrevivir es básico y para respirar, a pesar de eso en las canciones es igual la puerta para llegar a la emoción más profunda y más pura que tengo. Entonces ahí hay como una sanación. Y si estás en un buen entorno, normalmente te vuelve mucha energía, te alimenta también. No solo estás dando, sino que también recibes. Y, es más, el concierto también lo percibo como un ritual colectivo con el público. Es como si le cantara a una persona y y también soy yo esa persona. Y en este mundo que vivimos tan solos, me emociona mucho ver un espacio donde la gente se está emocionando con lo mismo, a pesar de sus creencias o sus maneras de vestir o su edad. Y eso cuando funciona, que la verdad es que es casi siempre, porque es el lenguaje que más entiendo y donde entiendo más las emociones, entonces se vuelve circular también. Pero por supuesto, hay que descansar. Cuando tengo muchos conciertos seguidos también me quedo en la cama todo el día. A veces no puedo hacer nada más para guardar la energía. Pero sí que me doy cuenta que vivo mucho el presente y que si estoy cantando, estoy cantando, pero que si llego a mi casa estoy muy en mi casa y me pongo a regar, me pongo a cocinar, como que cambio el chip muy rápido. Creo que esta es mi virtud, la capacidad de concentración. Estoy aquí y y me entrego.

—¿Cómo va a ser este concierto del 26 de septiembre?

—La base somos los cuatro músicos de siempre que está Carlos Monfort al violín, pero también toca la percusión. Vamos cambiando de instrumento. Monfort es mexicano, Bori Albero al contrabajo, Marta Roma al chelo. Y como estamos en Argentina, estoy viendo a ver quién puede estar. Me encantaría que estuvieran Liliana y Pedro, si pueden, Luna Monti también va a venir a cantar y Nadia Larcher va a abrir el concierto. Y también me encantaría que cantáramos juntas, porque nos queremos mucho también.

—Este es el último concierto de la gira. Después, además de este proyecto con Falú, ¿qué se viene?

—De momento estoy muy centrada en lo de Juan Falú. Luego quiero descansar un poquito. Y voy componiendo. Ahora hay algunas canciones que voy sacando solas, porque por ejemplo ahora el viernes salió una canción que compuse con un poema de un indígena colombiano. Luego otras canciones que si puedo ir compartiendo así como besitos, lo iré haciendo. Y hay más proyectos más adelante, pero hasta que no estén confirmados tampoco los quiero decir. Pero te puedo decir que si antes uno de mis miedos era perder la creatividad o la ilusión, me siento cada vez más fértil y con más ganas de compartir y aprender. Está muy vivo. El objetivo es más aprender cuánto tiempo necesito para poderlo disfrutar todo. La vida y el canto, todo. Ir aprendiendo, como todos en la vida, a poner los descansos y el disfrute para poder disfrutar de las cosas que tú amas, que no solo son la música sino las personas queridas, tus amigos, tus paisajes. Pero estamos bien vivos.

CRM

Residentepublicó el videoclip de su canción 313, en la que canta también Sílvia Pérez Cruz y que está protagonizado por ambos músicos y por la actriz Penélope Cruz.

El video musical fue rodado en los jardines del Palacio Real de La Granja de San Ildefonso, en Segovia, España, gestionados por Patrimonio Nacional y está dirigido por el propio René Pérez Joglar, nombre real del cantante.

Residente agradeció “el talento y el tiempo” para la participación de Penélope Cruz de esta manera: “Desde Jamón, jamón, Belle Époque y Abre los ojos todos en el planeta estamos enamorados de ti”.

Respecto a Sílvia Pérez Cruz, Premio Nacional de las Músicas Actuales 2022, el puertorriqueño reconoció su “voz llena de luz que nos abraza el espíritu”.

La canción está inspirada en Valentina, una amiga fallecida del artista, y por ello los protagonistas del vídeo desaparecen antes de poder encontrarse, con unos efectos visuales creados por El Ranchito VFX, empresa española ganadora de 10 premios Goya, el último por La sociedad de la nieve.

Los artistas aparecen acompañados de un cuerpo de baile formado por bailarines de la compañía madrileña 180.

Silvia Pérez Cruz acompañó en sus redes la fecha de publicación de su nuevo disco, Toda la vida, un día, con la siguiente aclaración: “Compuesto, arreglado y producido por mi persona”. El volumen, que ha visto la luz este viernes, funciona como un recorrido por la vida desde la infancia a lo que ha calificado como el 'renacimiento', una etapa más allá de la muerte, que relaciona con “los momentos en los que todo sigue pese a que pienses que se está acabando el mundo y no. Hay una ventana. Y, desde ahí, saberse reinventar”.

La cantante y artista catalana, ganadora del Premio Nacional de las Músicas Actuales 2022, reconoce a este periódico que preferiría no tener que reivindicar su implicación en todas las fases de sus proyectos. “Si no lo cuentas, se presupone que lo ha hecho un hombre”, lamenta, “me gustaría que, por lo menos, se preguntara”. Pero esto no es lo único que la artista aprovecha para poner en valor, también “la belleza de todas las edades” y de la palabra, a la que dedica uno de los temas del trabajo discográfico, Nombrar es imposible.

“Nombrar es olvidar, y hoy quiero recordar que no hay ni bien ni mal. Ni blanco ni negro. Ni arriba ni abajo. Ni lados ni costados. Ni hueco ni profundo. Ni límites ni centro. Ni género posible que toque algo del mundo”, reza su letra. Pérez Cruz despliega una vez más su personal y versátil estilo, en un disco que cuenta con colaboraciones con nombres como Natalia Lafourcade y Salvador Sobral.

Toda la vida, un día está articulado en torno a cinco movimientos: La flor, La inmensidad, Mi jardín, El peso y Renacimiento. ¿Por qué ha elegido esta estructura?

Componiendo me di cuenta de que quería que el hilo conductor del disco lo convirtiera en toda una vida entera. Eso me permitía ordenarlo en movimientos, como se hacía en la música clásica, y así explicar cada etapa: la infancia, la juventud, la madurez, la vejez y el renacimiento, porque quería que fuera circular.

Eso también se traduce a nivel musical. La infancia la he hecho más confortable sonoramente, como un abrazo, con cuerdas. En la juventud hay otras sonoridades, sintetizadores, autotune. Esa búsqueda de cuando quieres conocer cosas distintas, alejarte de lo que tú eres. La madurez tiene que ver con cuidar las personas que te hacen bien sin necesitar mucho más. Lo he expresado con dúos, con Natalia Lafourcade y Juan Quintero. La vejez me ha permitido trabajar la lentitud, el peso. Es esa edad donde uno ya tiene todo un saber y habla con el estómago. Una sensación de lentitud para cuidar lo que nos rodea. El renacimiento lo he expresado más rítmico, más alegre, con percusión y voces. Es más una declaración de intenciones, de saber reinventarse, tirar para adelante. De cada final, sale un principio.

El disco funciona como un recorrido por la vida pero, ¿es también una celebración de todas las edades?

Hay una reivindicación de la belleza de todas las edades. Vivimos un momento en el que nos fijamos mucho en la juventud, pero no solo en la juventud, sino en un momento en concreto, una juventud muy temprana. Veo a amigos míos jóvenes que se sienten mayores mucho antes de tiempo, que sienten que se les ha pasado el arroz con 26 y digo: “Algo falla”.

Por otro lado, nos estamos perdiendo a artistas de 40, 50, 60 que justamente han llegado a una madurez de discurso que es muy importante. Sobre todo porque, si todo va bien, pasaremos por ahí y necesitamos tener referentes de todas esas miradas. Me gustaría que se crearan equipos de todas las edades. Poder sumarle a la genuinidad, rapidez y brillo del joven el peso y la sabiduría del viejo. El mirar maduro. Nos estamos perdiendo muchas cosas porque estamos centrados en lo fugaz, en los espectacular, pero además con una vida muy corta que nos da una ansiedad que no es buena. Hay que cuidar todas las etapas y recuperar el ritmo de las cosas.

¿Esto es algo que ha cambiado con el tiempo? ¿Son ahora peores tiempos para los artistas más mayores?

No lo sé. Supongo que el ser humano vive mucho en su momento. Somos muy egocéntricos, estamos muy centrados en la edad que tenemos y no tenemos perspectiva. Cuando vas creciendo vas ampliando esa mirada. Me interesa mucho el peso de la vejez. Me ha inspirado y me inspira muchísimo.

Veo una desconexión muy grande. Igual a mí se me ha educado sabiendo ver la belleza de todas las edades de todas las personas, pero creo que nos atrapa mucho la juventud. Ese momento que es solo un momento. Y que se ha ido acortando. Ahora la gente joven se siente más vieja antes y eso es un problema. Lo bonito es la gente que tiene setenta y tiene una mirada de niño, que el alma está joven.

Ahora la gente joven se siente antes más vieja

Sílvia Pérez Cruz — Cantante y compositora

Aludiendo a la letra del tema Aterrado, ¿quiénes son los “aterrados a los que asusta la inmensidad del campo”?

Todos. La letra es un poema de William Carlos Williams que me enseñó la bailarina Elena Córdoba después de contarle cómo me sentía en el confinamiento. Veía el paisaje como revolucionado, nos sentía pequeñitos y me abrumaba. Llegó la primavera y empecé a ver que las flores salían una a una. Y pensé que si a veces piensas en la inmensidad, te pierdes. El truco para ir tirando es ordenarla flor a flor.

Esto se puede trasladar a varios momentos. A veces tienes un problema que parece que no vas a poder con él y, si te fijas, en realidad son varios. Eso te permite masticarlo. Me gusta mucho cómo contaba esta historia y, además, me servía para explicar la infancia como flor, la juventud como inmensidad. Y esas flores, al igual que el arte, como amparo de belleza para ordenar ese vértigo que da la inmensidad del paisaje.

¿En el tema Ayuda se comenta que “desvelar la memoria, consuela”? ¿Se le está haciendo de menos?

La canción adapta un poema muy conocido en Argentina de Martín Fierro. La elegí porque me pareció una maravilla y, sobre todo, porque pide ayuda. Saber pedir ayuda es uno de los grandes saberes. Es tener la humildad de decir: “Necesito ayuda”. Un paso fuerte en la madurez. Sobre la memoria, sí que tenemos menos y la memoria es importante para construir encima y no repetir errores. Hay que practicarla. No para ser una melancólica y vivir en el pasado, sino para construir un presente y un futuro más amable.

Mi última canción triste reza “busco, escribo y persigo que cuiden mi corazón, mi cerebro y mi canción. Que no somos de juguete”. ¿Cuánto de cuidados o descuidados se sienten los artistas?

Ya va siendo hora de que se entienda la importancia del arte a nivel social. Es un espacio donde uno se reencuentra, recuerda lo que quiere ser, lo que no quiere ser. Es vida, es calidad de vida. Hay gente a la que no le interesa que hagamos este trabajo. Pero a nivel de salud... He ido a cantar a hospitales, geriátricos, psiquiátricos, cárceles; y la potencia que tiene la música para quitar dolor, sentirte libre, olvidarte de tu cuerpo y de tus dolores durante un tiempo tiene un valor incalculable.

El arte se entiende como un capricho, un lujo; y es algo que nos cuida profundamente. En otros países, como en Francia, lo cuidan mucho más. Me emociona que cuiden al artista entendiendo que la búsqueda que está haciendo a partir de una poesía, de otra visión, también se está reflejando. Hay memoria, deja constancia de cosas que pasan. Es salida, es fiesta. Pasan muchas cosas más allá del entretenimiento.

¿Por qué no se hace más por aprovechar el bien que hace?

No lo sé. Hay gente que lo podría contar más a nivel social, cultural, político. Hay también un dinero, una ayuda que se tiene que dar. Tanto a nivel educativo en las escuelas, como locales donde pueda ocurrir. Es algo político pero no sé donde nace. No sé si de que este país, por cómo valora el arte, lo entiende más como fiesta.

Un antropólogo haría un análisis súper interesante pero es verdad que el arte se cuida diferente en cada país. Tiene que haber alguna razón que lo explique. Por supuesto, creo que aquí se podría cuidar más. Yo me siento cuidada pero me consta que no siempre es así. La mayoría de mis amigos son artistas, y no es fácil.

Este disco es un viaje por la vida, que no acaba con la muerte, sino con Renacimiento. ¿Qué periodo es este?

No estoy hablando de nada religioso. Es algo filosófico que tiene que ver con que a veces hay momentos en los que como que todo sigue. De este final nace un principio. Desde las muertes más pequeñas dentro de una vida, de decir “se ha muerto esta parte de mí”, “esta etapa ya se ha acabado”, “esta relación se ha acabado”; que a veces piensas que se acaba el mundo y no. Aquí hay una ventana. Y desde eso, saberse reinventar, seguir.

Surgió gracias a mi hija. Cuando les expliqué a ella y a mi madre que quería ordenar el disco en una vida, les dije que había una nana que quería poner en el principio. Y me dijo: “¿Por qué no al final?”. Pensé: “¡Qué sabia!”. Si ponemos la nana al final explica mucho mejor que todo es circular igual que el ciclo del agua, que la naturaleza. Y que a pesar de que nos muramos, habrá gente que nazca y, mientras uno está vivo, seguir buscando, seguir renaciendo.

Hace unos días publicas un tuit anunciando tu disco con el siguiente mensaje: “Compuesto, arreglado y producido por mi persona”. ¿Es algo que tiene reivindicar a día de hoy?

Sí. Y no me gusta. A mí me encanta lo que hago. Me siento muy valorada como intérprete cantando. Lo agradezco y me siento muy libre. Es brutal poder hacer eso. Pero es verdad que hay todo un trabajo que en mi caso, y en el de muchas mujeres, que está ahí; y que si no lo cuentas, se presupone que lo ha hecho un hombre. Que no lo has hecho tú.

Es por eso que ahora lo cuento más, pero en realidad me gustaría no tener que hacerlo. Me gustaría que, por lo menos, se preguntara. Que no se diera por supuesto. Me da pena reivindicar porque no quiero llevarlo a un discurso así, pero hace falta. Igual todos tenemos que reflexionar y decir: “¿Por qué siempre pienso que seguramente la parte de la musa, de la inspiración y la emoción será la mujer; y el pensador y el creador será el hombre”. Puede ser al revés. Puede ser varias cosas. Abrir esa mirada y preguntar.

La canción Nombrar es imposible es en cierto modo una ola a la palabra. En el contexto actual, ¿se usa más para hundir y reñir, que para ayudar y denunciar?

Dicen que somos un país muy envidioso. Puede ser, aunque se están denunciando muchas cosas y estoy muy orgullosa de estas generaciones que me hacen pensar mucho. Este año he aprendido mucho de muchas mujeres. Noto un trabajo en cadena. Como si alguien hace algo y está resonando a ti. Es un aprendizaje colectivo que me emociona muchísimo.

Se están revisando muchas cosas. Muchísimas. Y en esos casos sí se está usando muy bien la palabra. Pero en otros se está usando de una manera muy superficial. A veces no hay respeto por la belleza de la palabra en sí artísticamente. Cada uno puede elegir pero hay una artesanía con la palabra que es bonito no perder.

VÍDEO: Nando Ochando, Irene González.