Que hay algo de festiva tomadura de pelo en The Mandalorian and Grogu se intuye por el mero hecho de tener a un personaje llamado Rotta el Hutt y que la trama gire alrededor de su rescate. La chicana autoconsciente va más allá de que esté interpretado por Jeremy Allen White de The Bear —apenas reconocible por su aspecto alienígena, al margen de la musculatura— pues nos retrotrae a 2008, cuando Lucasfilm estrenó una película titulada Star Wars: The Clone Wars. Era el primer proyecto animado de la saga que iba a cines y su historia ya contemplaba el rescate de este mismo Rotta el Hutt. Solo que aquí los rescatadores eran Jedi, no un mandaloriano junto a su hijo.

Entonces Rotta el Hutt —hijo de Jabba el Hutt, temible gángster galáctico de aparición recurrente en Star Wars desde 1977— tampoco era un gladiador con traumas paternos tal y como lo presenta The Mandalorian and Grogu, sino un bebé. Una oruga inocente que había que proteger en el marco de las Guerras Clon, casi como un precedente contrahecho del citado Grogu. The Clone Wars, en otro orden de cosas, había tenido un recibimiento crítico aún más hostil que las películas previas de George Lucas —esas precuelas a la trilogía original que no iba a haber más remedio que reivindicar con el paso de los años—, pues se consideró que la obra era indigna de un estreno cinematográfico. Algo difícil de negar, ya que The Clone Wars era el episodio piloto de una serie por venir.

The Clone Wars, con su animación tosca y su limitada relevancia dentro del esquema general de la franquicia, narraba un arco introductorio para una serie de dibujos (ubicada cronológicamente entre El ataque de los clones y La venganza de los Sith) que iba a extenderse a las siete temporadas. Lo que hacía era iniciar The Clone Wars por todo lo alto, en cines, de forma análoga a como quiere ahora The Mandalorian and Grogu continuar otra serie. The Mandalorian, claro está. Lo que narra The Mandalorian and Grogu sigue a la tercera temporada que Disney+ estrenó en marzo de 2023. La presencia de Rotta el Hutt no miente así que hablamos, básicamente, de una nueva temporada. Lo dramático es que ni siquiera se trata de una temporada especialmente buena.

Estafa transmedia

Ampliando el marco a la Disney que controla Lucasfilm desde 2012, la estrategia es idéntica a cuando en 2024 el estudio estrenó Moana 2: una película que, aunque llegara a cines (y de hecho recaudara más de 1.000 millones de dólares), no era exactamente una película sino un ensamblado de episodios. En el caso de Moana 2, de una serie dedicada a Moana que había empezado a producirse años antes pero que, en medio del proceso, vino a reconfigurarse como un largometraje.

The Mandalorian and Grogu también es fruto de un cambio de planes. En abril de 2023 Disney y Lucasfilm habían anunciado efectivamente una película de The Mandalorian que sirviera de conclusión para el amasijo de series que habían ido llegando a Disney+ desde 2019: la propia The Mandalorian, El libro de Boba Fett y Ahsoka. La idea era construir un evento épico que precediera cronológicamente El despertar de la Fuerza (2015). Pues bien, The Mandalorian and Grogu no es esa película. De los planes de aquella película no hemos vuelto a saber nada, porque la que nos ocupa surge de lo que iba a ser originalmente la cuarta temporada de The Mandalorian. Una nueva tanda de episodios que justo iba a rodarse cuando la huelga de guionistas de 2023 entorpeció el proceso.

Jon Favreau y Dave Filoni, como creadores de la popular serie de Disney+, aprovecharon esa pausa momentánea para darle una vuelta. Llevábamos sin película de Star Wars desde las Navidades de 2019, cuando El ascenso de Skywalker había soliviantado a los fans y mostrado de forma cristalina el caos e incompetencia con que se había gestionado la marca desde que cayera en manos de Disney. En todo este tiempo, la sucesión de películas frustradas y directores huidos había alcanzado un punto paródico. La credibilidad de Star Wars —y en particular de Kathleen Kennedy como presidenta de Lucasfilm— estaba bajo mínimos, y no era difícil llegar a la conclusión de que en el tiempo transcurrido solo The Mandalorian y Disney+ habían dado motivos para la alegría.

Así que Kennedy hubo de priorizar la producción streaming. Y esto, al margen de lo bien que funcionaran las temporadas de The Mandalorian o una obra tan aclamada como Andor, terminó reforzando la figura de Dave Filoni. Filoni, discípulo de Lucas y responsable de The Clone Wars —sí, él mismo había impulsado aquel film de 2008, junto a buena parte de la posterior producción animada de Star Wars—, nunca dejó de ascender en este contexto. Su reciente nombramiento como máximo líder de Lucasfilm, después de la inevitable dimisión de Kennedy, es una noticia que se entiende mejor junto al estreno de The Mandalorian and Grogu. Un proyecto de escrupulosa continuidad con la serie, que vuelve a dirigir Jon Favreau y a encabezar Pedro Pascal.

Lo lógico habría sido entonces que este difícil desarrollo condujera a un producto mucho más definido por obras previas. No es el caso. La apatía que, por ejemplo, ha terminado generando Marvel puede explicarse por la sobredosis de series que hay que tener presentes con cada nuevo estreno, y es algo que Favreau (curiosamente, exdirector de Marvel que además hace apariciones esporádicas como el personaje Happy Hogan) ha decidido esquivar. The Mandalorian and Grogu es una película que puede disfrutarse sin un conocimiento amplio de Star Wars. Ni siquiera hay que llevar la serie al día. Algo que de entrada suena bien, pero que también explica su total inanidad.

La conquista de Disney+

Es lo que sorprende en un artefacto por lo demás alérgico a las sorpresas: no ocurre absolutamente nada importante en las más de dos horas que dura The Mandalorian and Grogu. Es una cuarta temporada de The Mandalorian con todas las de la ley —que solo consta de cuatro episodios, sí, aunque podamos distinguir dónde empezaba y acababa cada uno en el plan original con aún mayor virulencia que cuando los distinguíamos en Moana 2—, a la vez que es una cuarta temporada con los énfasis dramáticos al mínimo. En instancias previas, mientras hacía múltiples guiños a obras aledañas, la serie gustaba de involucrar a los protagonistas en peripecias de mayor o menor escala: escaramuzas contra los restos del Imperio, la recuperación de Mandalore, etcétera.

Esto no es así en The Mandalorian and Grogu. Una vez la relación de los personajes titulares se ha oficializado como la de un padre y un hijo adorable —que, como no crece ni habla ni hace otra cosa que invocar el meme, más bien deberíamos considerar una mascota—, el argumento se limita al rescate de Rotta el Hutt en el marco de la colaboración de este cazarrecompensas con la Nueva República. Y eso es todo. Hay una apuesta decidida por el minimalismo que indudablemente remite a los inicios de The Mandalorian, no por casualidad los más apreciados por los fans.

Y alguna virtud queda de ahí. La imponente banda sonora de Ludwig Göransson —que en este filme crece más allá del tema principal, probando sintetizadores futuristas o nuevas melodías acordes a cada planeta por el que pasan los protagonistas—, en contrapartida a la agradable sensación de no hacer otra cosa que vagabundear entre monstruos alienígenas. También, es de justicia admitirlo, se percibe un sano entusiasmo al ejecutar las escenas de acción. No el suficiente como para justificar la proyección en salas IMAX de la que tanto está presumiendo Disney, pero sí basta para poner en cuarentena la asunción de que el molde televisivo es indisociable de lo barato.

Porque The Mandalorian and Grogu demuestra que, para que una película sea propiamente una película, no es suficiente con que lo parezca porque haya habido cierto despliegue de medios y las escenas de acción estén mejor planificadas que la norma actual en Hollywood. No habría que llevarse a engaño porque The Mandalorian and Grogu se acerque en algunos tramos a ser espectacular —una secuencia concreta, planteada como un homenaje chalado a unas criaturas aparecidas momentáneamente en Una nueva esperanza, tiene bastante gracia—: esto, como ya lo era Vaiana 2 u otro producto tan mediado por el influjo Mandalorian como Predator: Badlands, es puro contenido de plataformas. Su hogar natural es Disney+, de donde nunca debería haber salido.

La mayor evidencia está en lo que le queda al artefacto si lo apartamos de todos sus fuegos de artificio —ya sean la música, los efectos prácticos o las cucamonas de Baby Yoda— y solo hallamos un vacío abigarrado, que entre los diálogos bochornosos y la cantidad de marionetas se parece más a Barrio Sésamo que a Star Wars. Todo un simulacro narrativo, presto a descartar cualquier intento de sentido de la maravilla —ese intangible que habría constituido el embrujo primario de la saga antes de convertir a todos los fans en dóciles perros de Pavlov— para conformarse con chispazos de disfrute episódico y recompensas emocionales momentáneas, llamadas a evaporarse al segundo. No hay argumento, no hay personajes, no hay inquietudes discursivas ni emocionales. Solo juguetes.

La marca Star Wars se ha fundido con la de Disney+ y ambas son indisolubles: es lo que demuestra The Mandalorian and Grogu de cabo a rabo. Han bastado siete años para ello y nada mueve a pensar que cambien las cosas en el futuro. Difícilmente pasará con Filoni de presidente de Lucasfilm y pendiendo el estreno de una nueva película para 2027 a cargo de Shawn Levy: el director de Deadpool y Wolverine, nada menos. Porque las cosas siempre pueden ser aún más deprimentes.

Pedro Pascal necesita tan solo diez minutos para erigirse como uno de los principales salvavidas del Hollywood más taquillero. Esos diez minutos son, de hecho, una estimación del tiempo que se le ve el rostro al actor chileno en The Mandalorian and Grogu, la nueva apuesta de Star Wars para los cines después del éxito de la serie en Disney+. Cubierto por una armadura y un casco metálicos durante prácticamente toda la película, Pascal es la nueva apuesta de la franquicia galáctica en su regreso a la gran pantalla tras el estreno de Episodio IX - El ascenso de Skywalker en 2019, que no tuvo la recepción esperada.

El actor, que alcanzó la fama tras su participación en Game of Thrones, y que desde entonces protagonizó títulos de enorme muy exitosos como Gladiator II o The Last of Us, se convirtió en una figura clave dentro del universo de Star Wars. De su primera inmersión en la saga ya pasaron casi siete años, cuando empezó a interpretar a Din Djarin en la serie The Mandalorian. A aquello le sucedieron hasta tres temporadas y la continuación que llega ahora a la cartelera en formato de película. Pero Pascal no está solo: Sigourney Weaver, que viene de retomar su personaje en Avatar el año pasado, también forma parte de la producción.

Este es el debut de Weaver en la franquicia. La actriz, un referente en la ciencia ficción por su papel en la saga Alien, considera que al público le siguen atrayendo historias ambientadas en el espacio porque “tienen lugar en el futuro” y “aún no llegamos a ese punto”. “Seguimos teniendo la esperanza de que habrá un futuro en el que nos adentraremos en el espacio”, dice la actriz. “Espero de verdad que lleguemos a ese punto. Tenemos que lidiar con algunos imperios malvados aquí en la Tierra antes de que podamos trabajar todos juntos y enviar naves tripuladas por hombres y mujeres al espacio, para averiguar así si hay otros seres ahí fuera. Y estoy bastante segura de que los hay”, reconoce.

Sigourney Weaver muestra satisfacción ante el hecho de que “en Star Wars en particular, todo el mundo, sin importar cuántas cabezas o colas tengan, es capaz de llevarse bien”, señalando que es una “visión muy esperanzadora y optimista del futuro”. Pedro Pascal, por su parte, afirma que se alegra de que la primera película de la saga se titulara Una nueva esperanza. Este, además, alude a su fenómeno fan: “Lo que más me llama la atención es cuando la gente se disfraza con esos trajes increíbles, recordándote lo que es Star Wars y todas sus diferentes culturas. Eso es lo más importante, porque ves a los buenos, a los malos y todo lo que hay entre medias”.

“Hay un amor por la narración que se materializa ante vos gracias a la gente que disfruta de estas historias. Me encantó que, cada vez que iba por un café o preguntaba dónde estaba el baño, siempre me respondían: 'Este es el camino'”. El actor se refiere al lema más icónico de la cultura mandaloriana, popularizado precisamente por la serie The Mandalorian. Se trata del nuevo “Que la fuerza te acompañe”, una de las frases más populares de Hollywood en las últimas décadas, y es una de las grandes incorporaciones del Mandaloriano al imaginario de los seguidores de La guerra de las galaxias.

Una película para aquellos que no son fans

La película, dirigida por Jon Favreau, sigue a The Mandalorian y a Grogu —una criatura pequeña y vulnerable de la que asume la protección— en un momento en el que el antiguo Imperio galáctico cayó y la frágil Nueva República aún no controla los márgenes del universo. Al personaje de Pedro Pascal, un contratista independiente para este nuevo gobierno, se le encomienda la tarea de localizar y neutralizar a los altos mandos imperiales que aún operan en la sombra y amenazan la paz. Este argumento, que puede despistar a quien no está al tanto de las complejas intrigas políticas de la saga, apenas es esencial en una cinta pensada para que cualquiera pueda disfrutarla.

Pedro Pascal destaca que el protagonista “siempre está en modo de supervivencia total”: “Siempre está en algún tipo de misión que se convierte en una aventura increíble y emocionante, a veces totalmente peligrosa. En este caso, sí, está en un buen lío con algunos de los villanos más icónicos del mundo de Star Wars. Y es una auténtica delicia poder trabajar en todo esto”. El actor detalla que se sintió “totalmente arropado” por la “habilidad de todo un equipo de personas que son las mejores en el sector”. “Simplemente, te sumergís de lleno, literalmente”, dice Pascal, que hace referencia a una de las escenas de la película.

El intérprete, además, asegura que esta es la “relación creativa más duradera” que tuvo. “Es el tiempo más largo que interpreté a un personaje y en el que colaboré con gente increíble. Que sea Star Wars es muy apropiado porque crecí viendo Star Wars. Mis primeros recuerdos de ir al cine son de ver Star Wars”, apunta Pascal, agregando que es una “avalancha de regalos poder estar asociado a algo tan especial como esto”, así como “compartirlo y disfrutarlo con tanta gente”. Asimismo, celebra haber tenido la oportunidad de sentarse al lado de una de sus ídolos, Sigourney Weaver. “Favreau sigue contratando a gente increíble para incorporarla al proyecto”, comenta.

Weaver, por su lado, asevera que el rodaje “fue muy emocionante”, sobre todo durante la escena en la que pilota la mítica nave X-Wing de la saga. “Estuve en diferentes naves espaciales, pero ninguna que se moviera tan rápido ni ninguna que fuera tan ágil. Fue realmente como un sueño hecho realidad”, declara la actriz. “Jon Favreau, al haber sido un actor maravilloso, tiene mucha experiencia y es muy bueno seleccionando el reparto. Si te da indicaciones, es solo una ayuda técnica. Por lo demás, lo que te transmite es confianza y fe en que vas a salir adelante”, concluye.

El actor Pedro Pascal se sumó a las voces críticas contra las posturas tránsfobas de la escritora JK Rowling. En una entrevista en Vanity Fair, respondió así cuando le mencionaron el nombre de la autora británica: “”Los acosadores me enferman“.

El intérprete es la última portada de Vanity Fair y repasa en la entrevista su polémica, que ya viene de lejos, con JK Rowling. La creadora de Harry Potter celebró el pasado abril el fallo del Tribunal Supremo británico que estableció que los términos “mujer” y “sexo” en la legislación se refieren al sexo biológico con una imagen de ella misma bebiendo y la frase “me encanta cuando los planes salen bien”. A Pascal le pareció un “comportamiento de mierda, horrible y lamentable”.

En otro tramo de la entrevista, Pascal calificó la actitud de Rowling como “un comportamiento atroz de perdedor”.

“Lo único que me angustió un poco fue pensar: ¿estoy ayudando?”, le contestó Pascal a la revista. “Quiero proteger a la gente a la que quiero, pero va más allá. Los acosadores (bullies, literalmente) me ponen jodidamente enfermo”.

La hermana pequeña de Pedro Pascal, Lux Pascal, es una mujer trans que también se dedica a la interpretación. En una entrevista con elDiario.es, Lux Pascal lamentaba que las personas trans están “siendo usadas como una especie de carne de cañón para visibilizar injusticias que todo el mundo sufre”. “Todas las mujeres tenemos que confrontarnos a esas cosas. En estos momentos quiero descansar de eso, enfocarme en mi trabajo. Que la gente que es aliada salte a la palestra y que ellos se pongan en frente del cañón y que ellos nos defiendan. Ojalá la gente escuche, sea sensible y venza su propia ignorancia”, decía.

Carla Antonella Rodríguez nació en Mina 3, un asentamiento junto a Río Turbio, pueblo de 11.000 habitantes de la cuenca carbonífera de la Patagonia argentina. Para las mujeres la mina era un sitio prohibido. A los hombres se los educaba para trabajar allí, el principal —casi el único— motor económico de la región. De ellas se decía que incluso daban mala suerte. Solo podían entrar un día al año, el día de la Patrona Santa Bárbara, y recorrer la mina como una atracción turística. Pero Carla decidió romper el sistema. Siempre tuvo claro que ella quería ser minera. Si para una mujer era un sueño casi imposible, para una mujer trans era directamente una utopía. Sin embargo, lo logró.

Lo hizo a pesar de tener todo en contra, y su historia se ha convertido en el centro de Miss Carbón, la película que dirigió Agustina Macri —hija del expresidente Mauricio Macri— y que se rodó en escenarios reales de la Patagonia.

Para dar vida a Carla Antonella Rodríguez, Macri confió en Lux Pascal, actriz trans y cuyo apellido da la pista familiar por la que también es conocida. Ella es la hermana de Pedro Pascal, que siempre habla de ella con orgullo en las entrevistas. Lux Pascal tiene algo en común con el personaje real, y es que ambas transicionaron y vivieron los prejuicios y la transfobia en su carne.

Cuando se vinculó al proyecto no conocía la historia real de Carla, pero cuando la descubrió tuvo claro que quería estar en el filme y encarnar a “una mujer muy luminosa, muy trabajadora y muy fuerte”. Subraya los contrastes entre esos adjetivos y el “ambiente precario y hostil” donde vivía, y confiesa que no siempre tuvo claro hacer este filme. “Soy muy transparente con eso, porque me gusta visibilizar cómo los artistas pensamos en el trabajo. Uno a veces duda y termina en uno de los proyectos más importantes de su vida”, dice la actriz. Cuando le ofrecieron inicialmente la película se encontraba a punto de graduarse en Julliard, y de alguna forma ignoró el proyecto hasta que le insistieron para leer el guion y cayó enamorada.

En la película se muestra cómo el pueblo divide claramente las labores que son propias de los hombres y cuáles son las de las mujeres, que incluso son empujadas a competir en el concurso de belleza local. Un binarismo que Lux Pascal no cree que “haya que romper”, porque cree que “el mundo ya vive una realidad mucho más profunda y diversa que como se había concebido históricamente, con ese binarismo”. “Hoy los seres humanos vivimos en ese terreno entre medias constantemente”, asevera.

Sin embargo, cuando Carla decidió entrar en la mina no estaba tan claro, y era una mujer que hizo que “la gente se cuestionara todo, como quiénes tenían permitido estar presente en ciertos ambientes ambiente y quiénes no”. “Su historia nos hace cuestionar un poco las reglas que determinamos para nosotros y que en el fondo nos comprimen, no nos dejan expandirnos y al final suprimen la creatividad de las personas”, añade.

La llegada de la protagonista a la mina se produce a la vez que se debatía la Ley de Identidad de Género en Argentina, que finalmente se aprobó en 2012 y que 13 años después ha visto cómo Milei la ha recortado con su motosierra neoliberal de extrema derecha. A Lux Pascal le cuesta ofrecer una respuesta tajante al respecto. Siempre le preguntan y sabe que se espera su respuesta, y dice con sinceridad que es complicado. “Hay momentos en los cuales yo simplemente quiero existir, quiero seguir trabajando y concentrándome en lo que tengo que hacer…”, dice.

No me importa que me pregunten por él porque le adoro y es mi máximo apoyo. Ha sido demasiado generoso conmigo

Lux Pascal — Actriz

Sin embargo, siempre algo se cruza en ese deseo. “Las personas trans estamos siendo usadas como una especie de carne de cañón para visibilizar injusticias que todo el mundo sufre. Todas las mujeres tenemos que confrontarnos a esas cosas. En estos momentos quiero descansar de eso, enfocarme en mi trabajo. Que la gente que es aliada salte a la palestra y que ellos se pongan en frente del cañón y que ellos nos defiendan. Ojalá la gente escuche, sea sensible y venza su propia ignorancia”, asevera y añade que centrarse solo en la etiqueta trans del personaje supone también “volverlo un fetiche”. Para Lux Pascal no es la primera trans minera, sino simplemente “la primera mujer minera de la Patagonia argentina”.

Espera que la gente vaya sin prejuicios a verla y que “saquen sus propias conclusiones”, pero no le da “miedo que la gente pueda tener una opinión negativa”. “Estoy acostumbrada”, avanza y luego explica cómo ha sufrido los prejuicios de la gente. “Vivimos en una sociedad que es muy misógina, y las mujeres siempre vamos a ser criticadas por cualquier cosa que hagamos. Pero eso lo tengo muy, muy claro. Yo lucho a diario por mantener mi sanidad mental. Lo único que le puedo decir a la gente que me dice cosas negativas es que no leo sus comentarios. No me importa. A no ser que sea una crítica justa sobre mi persona y sobre mi trabajo, no voy a prestarte atención”, señala.

Le gustaría que la gente también hablara de otro de los mensajes de la película como la sororidad entre todas las mujeres que aparecen en Miss Carbón. No solo las de la comunidad trans, sino todas las que habitan ese pueblo y que, como decía Lux Pascal, han sufrido las mismas violencias desde hace muchas generaciones. Pascal cree que hay que “seguir construyendo una sociedad que priorice la colaboración entre mujeres y no creer que la existencia de una persona va a opacar la existencia de otra”, dice lanzando una velada referencia a uno de los tópicos usados contra la comunidad trans.

Es inevitable no preguntarle por su hermano, por la influencia que ha tenido en ella como actriz. Aunque en todas las entrevistas se le mencione concede que le parece “lógico” que lo hagan. Entre otras cosas porque “es una persona maravillosa que tiene una luz inmensa”. “Me encanta hablar de él. No me importa que me pregunten por él porque le adoro y es mi máximo apoyo. Ha sido demasiado generoso conmigo. Hablábamos antes de colaboración y esto es una colaboración de los dos. Si presento una película me gusta hablar de la película, pero no me molesta que entre el tema en una entrevista. También por respeto a él pienso que lo mismo no quiere que yo hable de él. También me ha preguntado si yo me siento incómoda porque lo hagan, y yo le he dicho que no, pero cada uno es su propia persona y tiene derecho a ocupar su espacio”, zanja.

Ahora le toca pensar en el futuro. Es el primer protagonista, pero tiene pinta de que vendrán muchos más, y para eso sabe que tiene que empezar a moverse “un poco más rápido” y disfrutar de este momento en el que por fin esta “recogiendo los frutos de la cosecha por primera vez en mucho tiempo”.

El Gobierno de Estados Unidos piensa recortar los fondos para el teléfono de atención al suicidio del país, el 988 Suicide and Crisis Lifeline. En concreto, la administración de Donald Trump planea cortar los recursos de la línea especializada en atención para jóvenes LGTBIQ+, que cuenta con profesionales entrenados para ello, según comunican varios medios anglosajones.

La población LGTBIQ+ tiene una mayor tasa de riesgo problemas de salud mental. El operador de la 988 Suicide and Crisis Lifeline, la organización The Trevor Project, llevó a cabo en 2022 una macroencuesta con la población del colectivo estadounidense. Concluyó que el 45% de las personas LGTBIQ consideró seriamente la posibilidad del suicidio ese año posterior a la pandemia. “El 60% de los jóvenes LGBTQ que solicitaron atención de salud mental el año pasado no pudieron obtenerla”, en el sistema de salud de Estados Unidos, aseguran los datos del organismo.

Con este panorama, la administración Trump se está planteando retirar el apoyo financiero federal a la línea de atención especializada. El nuevo presupuesto del gobierno republicano se filtró a los medios en Estados Unidos esta semana, y las organizaciones de salud mental no tardaron en advertir sobre el peligro que supondría eliminar la 988 Suicide and Crisis Lifeline. Se implementó en 2022 y ayudó a más de 14 millones de personas desde entonces.

En su defensa salieron más de 100 artistas de Hollywood, como Pedro Pascal, Ariana Grande o Dua Lipa, que firmaron una carta impulsada por The Trevor Project. Firman también famosos como Jamie Lee Curtis, Daniel Radcliffe, Troye Sivan, Sabrina Carpenter, Christina Aguilera, Josh Hutcherson, Cara Delevigne o Nathan Lane. “Como artistas, creadores y figuras públicas, nuestras plataformas conllevan una responsabilidad”, señala el texto. “Y hoy, esa responsabilidad es clara: debemos hablar para proteger la salud mental y la vida de los jóvenes LGBTQ+. No vamos a quedarnos callados”, aseguran.

“Esto va de personas, no de política. En un momento de profunda división, dejemos que esto sea algo en lo que todos podamos estar de acuerdo: ningún joven debe quedarse sin ayuda en su momento más oscuro. Si se les quita este salvavidas, los jóvenes LGBTQ+ reciben el mensaje de que no merece la pena salvar sus vidas. Nos negamos a aceptar ese mensaje”, continúa el texto, que firman también Diplo, Marina & the Diamonds, Ethel Cain, Paris Hilton, Sarah Paulson, Julia Michaels o Tove Lo, entre muchos otros. “Pedimos a la administración y al Congreso que hagan lo correcto: restaurar y proteger la financiación de los Servicios Especializados para Jóvenes LGBTQ+ del 988 Suicide & Crisis Lifeline en el presupuesto del año fiscal 2026”, dicen.

“A todos los jóvenes LGBTQ+ que lean esto: no están solos. Los vemos. Los valoramos. Tenés derecho a sentirte seguro, apoyado y querido exactamente como sos. Merecés tener acceso a servicios vitales que honren tu humanidad”, continúa el mensaje, para concluir: “Seguiremos alzando la voz. No dejaremos de luchar por vos”.

La organización asegura que la lista se irá actualizando conforme más artistas vayan firmando.

La espera terminó. The last of us, una de las series más aclamadas de los últimos tiempos, regresó este domingo con una apasionante segunda temporada que llega a Max dos años después del impactante final de la primera. Un largo período, dilatado por la huelga de guionistas de Hollywood que afectó a su producción, en el que los responsables de la ficción protagonizada por Pedro Pascal y Bella Ramsey pusieron toda la carne en el asador para intentar sorprender a los espectadores, hayan accedido o no a la segunda parte del exitoso videojuego de Naughty Dog en el que está basada. Después de ver los siete episodios que conforman la tanda, podemos decir sin miedo a equivocarnos que sí, lo consiguieron.

Eso sí, justificar tan rotunda afirmación se antoja algo complicado, ya que hacerlo sin desvelar el más mínimo detalle sobre la trama requerirá de varias acrobacias verbales para quien escribe estas líneas y de cierto ejercicio de fe por parte de los que lleguen a leerlas. Un cuidado sobre el argumento que pidieron expresamente Craig Mazin y Neil Druckmann, creadores de The last of us, en una carta enviada a los medios junto a los screneers de los nuevos capítulos de la serie.

“Nos gustaría pedirles un favor. En la medida de lo posible, nos encantaría que evitaran revelar detalles importantes de la trama en sus reseñas. Sabemos que muchos de los que ven nuestra serie también jugaron a los juegos, así que algunos eventos no los sorprenderán... pero otros sí, porque son originales de la serie. Y para quienes no jugaron a los juegos, todo está pensado para experimentarlo en el momento, sin preavisos ni contexto”, escribe la dupla de guionistas y productores ejecutivos de la ficción, que agradecen a la prensa especializada que den al público la oportunidad de enfrentarse también a la temporada sin conocimiento previo sobre los puntos clave de la historia.

Mazin y Druckmann concluyen su amable misiva mostrando empatía con los periodistas por “el desafío” que todo ello supone. Una empatía que, tras el visionado de los siete episodios, este medio se dispone a devolverles, una vez entendido que, más que nunca, el factor sorpresa es fundamental en el disfrute de lo nuevo que nos trae la adaptación televisiva de The last of us. Desde la perspectiva de alguien que no jugó al videojuego -aunque sí vio a posteriori sus cinemáticas y su 'gameplay' para comprobar la fidelidad de sus escenas-, se intentará que esta crítica se ciña a la información que se conoce ya oficialmente, a tenor de lo ocurrido en el desenlace de la primera temporada y de la breve sinopsis y el tráiler de la segunda compartidos por Max.

La mentira de Joel a Ellie, detonante de la segunda temporada

“Cada decisión tiene un precio”, asegura Max en el teaser de la segunda temporada de The last of us. Un eslogan con el que la serie coloca como detonante de la segunda tanda de capítulos lo ocurrido en el desenlace de la temporada anterior: la matanza del hospital de Seattle en la que Joel aniquiló despiadamente a los luciérnagas que querían extraer el cerebro de Ellie (provocando su muerte), en busca de un ansiado antídoto para el hongo que provocó dos décadas antes una apocalíptica epidemia mundial.

La ficción retoma su historia cinco años después de aquel acontecimiento que dividió a la audiencia por el dilema moral que se planteaba en aquella última entrega en la que Joel antepuso la vida de Ellie a la posible supervivencia de la humanidad. The last of us desarrollará cómo afecta a la relación de Joel y Ellie la mentira que el hombre contó a su 'hija adoptiva' sobre lo que ocurrió de verdad en Seattle y que la joven nunca se terminó de creer. Así, se profundizará aún más en las capas psicológicas de cada personaje, y del especial vínculo que mantienen entre ambos, con otro virtuoso despliegue interpretativo por parte de Pedro Pascal y de Bella Ramsey (que cobrará aún más peso en el relato).

Los dos actores, que pondrán esta vez sobre la mesa -con especial atención a varios flashbacks que encandilarán al espectador- temas tan trascendentales como la lealtad, el paternalismo, el duelo o incluso la venganza, destacan sobre un gran reparto al que se unen Catherine O'Hara (Gail), Isabela Merced (Dina) y Young Mazino (Jesse), entre los nuevos aliados; y Ariela Barer (Mel), Tati Gabrielle (Nora), Spencer Lord (Owen), Danny Ramirez (Manny), Jeffrey Wright (Isaac) y Kaitlyn Dever (Abby), entre los nuevos villanos. La irrupción de esta última, que se convierte en la principal antagonista de la serie, marcará para siempre el destino del dúo protagonista.

Y si la primera entrega de The last of us funcionó como una road movie con el viaje de Joel y Ellie desde Boston hasta Seattle, la nueva tanda posicionará su epicentro inicial en Jackson, ciudad del estado de Wyoming en el que se ubica el fortificado refugio en el que habita Tommy y aquella pequeña civilización que la historia ya dejó ver en su anterior etapa. Un oasis en mitad de un mundo en el que imperan la muerte y la destrucción, y cuyos muros se verán tambaleados por nuevas amenazas del exterior, algunas ya conocidas y otras, consecuencia también de las decisiones del pasado, aún por descubrir.

'The last of us' sube revoluciones y colma las expectativas

De esta manera, The last of us aumenta su apuesta por la acción, con escenas de mucha violencia y carga dramática en la práctica totalidad de sus episodios. La ficción sube revoluciones respecto a la primera temporada en la que la presencia de los 'infectados' pareció por momentos olvidada o, al menos, desplazada a un segundo lugar. En la nueva entrega, el público quedará saciado de nuevas hordas de corredores, acechadores, chasqueadores e hinchados, tal y como la franquicia califica a los distintos tipos de afectados por ese temido Cordyceps.

No habrá que esperar demasiado para disfrutar de secuencias en las que Max saca toda su artillería de producción y efectos especiales, haciendo vibrar al espectador como la plataforma no lo hacía desde la gran Juego de Tronos. Como ocurriera en las últimas temporadas de la serie basada en las novelas de George R.R. Martin, el exceso de deus ex machina -recurso de guion por el cual un conflicto se resuelve por la aparición de alguien, o algo, que salva in extremis la situación- se erige como uno de los pocos 'peros' que se le pueden poner a los nuevos episodios. Además, esa herramienta que en ocasiones resta calidad al producto, imprime a The last of us esa sensación de 'experiencia inmersiva' de adentrarte en un videojuego en el que, desafío a desafío, se van superando las diferentes 'fases' o 'pantallas'.

Y, hablando de videojuegos, toca enfrentarse a la gran pregunta final: ¿Logrará The last of us contentar a los jugadores en esta segunda entrega tanto como lo hizo su antecesora? La humilde opinión de quien escribe, tras visualizar y analizar las cinemáticas del videojuego, es que sí, y además con creces. La serie, que cuenta con la minuciosa supervisión de Neil Druckmann -creador del famoso título de Naughty Dog-, adapta la historia del videojuego con un profundo respeto, recreando al detalle gran parte de sus secuencias.

En muchos casos, incluso se calca la propia realización y composición de planos de las mismas, así como la ambientacion y escenografía original. La ficción de Max apenas se toma unas pocas licencias, como hizo en su primera temporada, para alterar el orden de algunas escenas en pos de favorecer el arco de transformación de sus personajes. Es decir, se modifica ligeramente su narrativa con el objetivo de darle un mayor sentido y se ahonda, como en el aplaudido tercer episodio de la pasada tanda, en historias paralelas que supondrán para los gamers un gran valor añadido.

Hollywood se paraliza. Los 160.000 actores representados por su sindicato (SAG-AFTRA) confirmaron que irán a una huelga que se suma a la que mantienen los guionistas desde el pasado 2 de mayo. Lo anunciaron en una rueda de prensa donde confirmaron lo que todo el mundo daba por hecho. Si ya muchas películas, series y, sobre todo programas diarios, sufrieron cancelaciones por el paro de sus escritores, la decisión de los intérpretes suma más presión para una industria que depende de sus estrellas. Desde su entrada en vigor con este anuncio no podrán actuar, ni tampoco promocionar las películas. La unión de ambas huelgas es un suceso que no ocurría desde hace más de 60 años. Sus efectos se vieron de forma inmediata. Christopher Nolan salió solo al escenario del cine de Londres donde se realizaba la premiere de Oppenheimer y anunció que los actores no salían debido al inicio de la huelga.

La huelga era un rumor a gritos desde hacía horas, ya que las negociaciones con la Alliance of Motion Picture and Television Producers (AMPTA), la asociación que representa a más de 350 productoras de cine y televisión -las más poderosas-, habían fracasado y se había recomendado a la junta directiva del sindicato anunciar la huelga. “Ante la intransigencia y las tácticas dilatorias de la AMPTP, el comité negociador de SAG-AFTRA votó por unanimidad para recomendar a su Junta Nacional una huelga”, anunciaron en un comunicado. 

En la rueda de prensa, el sindicato afirmó que se encuentran tristes y que “no hay otra opción”. “Somos las víctimas aquí. Los actores merecen un contrato que refleje los cambios de esta industria”, aseguraron y confirmado que los actores dejarán sus trabajos hasta que se encuentre un acuerdo. “Por desgracia no nos han dejado alternativa. Estamos decepcionados con la falta de solidaridad y colaboración. Creo que este sindicato tiene la unidad para luchar por el futuro de sus carreras”.  

En dichas negociaciones participó de forma activa un mediador federal por parte del estado de California, ya que el cine y los rodajes es una parte muy importante de su industria que se verá afectada por la huelga. De hecho, el propio estado aporta en incentivos fiscales más de 300 millones de dólares al año para las producciones que se rueden allí. El miedo al paro ya había paralizado rodajes como el de The Island, la película de Pawel Pawlikowski con Rooney Mara y Joaquin Phoenix que debería rodarse en varios escenarios de Canarias; así como varios proyectos de Marvel como Blade o Thunderbolts o la segunda parte de Gladiator.

La presidenta del sindicato, Fran Drescher, famosa por su papel en la serie La niñera, aseguró tras las negociaciones que ellos actuaron “de buena fe” y estaban “ansiosos por llegar a un acuerdo que abordara las necesidades de los artistas, pero las respuestas de la AMPTP a las propuestas más importantes del sindicato fueron insultantes y una falta de respeto” hacia las contribuciones de los intérpretes a la industria. “Las empresas se negaron a participar de manera significativa en algunos temas y en otros nos bloquearon por completo. Hasta que no negocien de buena fe, no podemos empezar a llegar a un acuerdo. No tenemos más remedio que seguir adelante”, apuntó Drescher que en la rueda de prensa dijo que los CEO de las empresas y mucha gente de la industria debería avergonzarse por lo que pasó. La actriz aseguró sentirse engañada ante la prórroga de 12 días en la negociación que cree que solo fue una treta de las productoras para poder promocionar sus películas importantes en la campaña de verano.

Duncan Crabtree-Ireland, director de la ejecutiva nacional y al frente de las negociaciones dejó claro que “los estudios y las plataformas implantaron cambios unilaterales masivos en el modelo comercial de nuestra industria, mientras que al mismo tiempo insisten en mantener nuestros contratos congelados”. “No es así como tratas a un socio valioso y respetado y a un colaborador esencial. Su negativa a comprometerse de manera significativa con nuestras propuestas y la falta de respeto fundamental mostrada a nuestros miembros es lo que nos ha llevado a este punto. Subestimaron la determinación de nuestros miembros, como están a punto de descubrir”, declaró en las horas previas al anuncio.

Las exigencias de los actores

Igual que los guionistas, los actores exigen que sus contratos se revisen debido al cambio completo de paradigma que produjo por la llegada de las plataformas y las nuevas tecnologías. Las películas ya no se explotan comercialmente de la misma forma, y por ello deben revisar lo que se conoce como ‘residuals’, el dinero que reciben por derechos tras la explotación en salas de una obra y que hasta ahora era fácilmente calculable (se debía a las ventas de DVD y pases en televisión) y que con las plataformas ha cambiado radicalmente. En ese sentido los actores pedían, al menos, un bonus si las series en las que participaban se encontraban entre las más vistas de cada plataforma. El ocultismo con los datos de dichas empresas dificulta este punto, y son ellas las que se han negado en rotundo a esta medida.

Aunque la cara visible de esta huelga hayan sido estrellas como Meryl Streep o Pedro Pascal, las exigencias por los ‘residuals’ se produce para beneficiar a aquellos que no están en la cúspide del star system hollywoodiense. “Tienes que hacer 26.000 dólares al año para poder tener un seguro de salud, y hay muchas personas que cruzan ese umbral gracias a los pagos de los ‘residuals’. Se está ganando dinero y debe distribuirse de una manera que cuide a las personas que están en los márgenes”, dijo Matt Damon desde el photocall de Oppenheimer, cuyas entrevistas se realizaron estos días en Londres.

Estábamos ansiosos por llegar a un acuerdo, pero las respuestas a las propuestas más importantes del sindicato han sido insultantes y una falta de respeto

Fran Drescher — Presidenta del sindicato de actores y actrices

Las plataformas son las que se encuentran en el centro de los ataques. Los actores y actrices las acusan de haber impuesto el beneficio ante cualquier otro criterio, lo que les llevó a recortar costes y salarios. Es por ello que piden que en esta negociación se incluya un salario mínimo y subidas acordes a la inflación. Además, también señalan a una práctica que se instauró durante la pandemia y que se ha quedado, la grabación por parte de ellos mismos de sus castings. Aseguran que ese coste debe ser pagado por las productoras y no por ellos. El sindicato de actores subrayó que no se trata de “una lucha de actores contra los estudios, sino de trabajadores de todos los oficios y departamentos de la industria para evitar que las megacorporaciones erosionen las condiciones por las que se han luchado durante décadas”.

La controvertida Inteligencia Artificial también ha sido uno de los puntos de las negociaciones igual que ocurrió con los guionistas. Los actores temen que la AI pueda sustituir su trabajo o crear dobles de sus cuerpos, por lo que quieren que se regule su uso y el pago que recibirían en caso de que su trabajo se viera afectado en una película al usarla. Demasiados frentes abiertos en los que no se ha llegado a un acuerdo que si no llega pronto producirá un parón enorme en la industria.

Consecuencias económicas

Las consecuencias económicas pueden ser enormes para el estado de California y, más concretamente, para Los Ángeles, centro neurálgico de la industria del cine. Aunque los analistas no se atrevan a ofrecer cifras debido a la unión de ambos paros (guionistas y actores), sí que han cuantificado en que la actual huelga de los escritores está provocando pérdidas de 30 millones de dólares al día. Actualmente se llevan más de 70 días de huelga, por lo que la cantidad ya supera los 2.100 millones de dólares a lo que habrá que empezar a sumar lo que provoquen estos nuevos paros.

Los primeros eventos que sufran las consecuencias de la huelga de actores serán aquellos donde iban a acudir a promocionar sus producciones. Esto afectará de forma directa a la Comic-Con de San Diego, que comienza el 19 de julio y que atrae cada año a más de 135.000 asistentes. Este año los guionistas no iban a formar parte de los paneles donde las majors presentan sus grandes apuestas, y muchas de ellas incluso habían declinado la invitación de participar ya que no tenían grandes proyectos en el horizonte debido a dicha huelga. La ausencia de actores lo complica todavía más y, según Deadline, muchos estudios se encuentran esperando a ver qué deciden hacer y cómo promocionarán sus títulos. 

También estarán muy pendientes de la futura solución al conflicto los festivales cinematográficos de otoño, especialmente el de Venecia, que normalmente actúa de alfombra roja de Hollywood y da el pistoletazo de salida para los Oscar. Si la huelga continúa habrá que ver cómo solucionan la ausencia de estrellas para promocionar sus filmes. De hecho, la inauguración, Challengers, tiene a Zendaya como máxima figura. Conscientes o no de ello, el certamen anunció su jurado en el que no hay ningún actor ni actriz de EEUU. 

Al ya anunciado presidente Damien Chazelle se han unido los directores Jane Campion, Martin McDonagh, Mia Hansen-Love, Santiago Mitre y la ganadora del León de Oro del año pasado Laura Poitras. Completan el actor palestino Saleh Bakri y la actriz china Shu Qi. Ninguno de ellos puede verse afectado por la huelga. Si la situación se alargara hasta entonces todos los ojos estarán puestos en la ceremonia de los Emmy, que acaban de anunciar sus nominaciones y debería celebrarse el próximo 18 de septiembre, pero que podría trasladarse a finales de año si no se llega a un acuerdo durante el mes de agosto.