Puede que no todo el mundo conozca a Jack London (San Francisco, 1876 - Glen Ellen, California, 1916), pero quién más, quién menos ha visto u oído hablar de las películas basadas en sus novelas; en particular, las adaptaciones de títulos como La llamada de lo salvaje (1903) o Colmillo Blanco (1906). Pese a su temprana (y controvertida) muerte, el escritor tuvo tiempo de escribir más de veinte novelas, además de numerosos cuentos, ensayos, teatro y memorias. Este 150º aniversario de su nacimiento es un buen pretexto para revisitar su obra y recordar algunas claves que hoy hacen de él un autor vigente.

Gran parte de la obra del autor fue editada en castellano por Alianza, en enero, Montesinos ha publicado La pequeña dama de la casa grande y hace pocos días Nórdica ha llevado a las librerías La llamada de lo salvaje, traducida por Héctor Arnau.

1. Pionero de la 'nature writing'

La nature writing, ese género de narraciones de ficción o no ficción inscritas en un medio natural, desde una conciencia ecologista y animalista, del que se considera fundadores a los pensadores y naturalistas estadounidenses Ralph Waldo Emerson, Henry David Thoreau, John Muir y John Borroughs, vivió un gran repunte en la última década gracias a la preocupación por la emergencia climática y al retorno, literal o al menos de espíritu, a un estilo de vida más próximo a lo primigenio, frugal, alejado del ruido y en armonía con los ciclos de la naturaleza. En este sentido, el peso que la naturaleza tiene en las narraciones de Jack London, y sobre todo la mirada desde la que se acerca a ella, hacen de él un escritor afín a este género.

2. Animales en estado salvaje

El escritor destaca por su capacidad para ponerse en el lugar del animal protagonista sin caer en la adjudicación de atributos humanos: tanto el perro domesticado que debe sobrevivir en el bosque de La llamada de lo salvaje como el perro lobo en estado salvaje que se acerca a los humanos en Colmillo Blanco están caracterizados con una cuidada recreación de su entorno, los instintos por los que se mueven, la vida en manada y la percepción que tienen del mundo humano. A pesar de que el desenlace de algunas de sus historias prioriza la lección moral, intrínsecamente humana, por encima del estado natural, el tratamiento que hace de los animales, junto con el hecho de colocarlos en el centro de la narración, lo convierten en un referente.

3. Hombre de mar

Otra de sus novelas más conocidas, El lobo de mar (1904), es fruto de su experiencia como marinero: en su juventud se embarcó en una goleta con rumbo a Japón y también trabajó como ostrero. Como ocurre con sus narraciones ambientadas en el bosque –que tienen asimismo una inspiración en sus vivencias, por las que conoció de primera mano la hostilidad del medio natural–, la imagen que da del mar dista mucho de ser edulcorada; al contrario, pone de relieve sus peligros, los momentos de lucha contra las inclemencias y el abismo en el que su inmensidad sume al ser humano. Fruto de esta experiencia escribió El lobo de mar (1904), otra de sus novelas más emblemáticas.

4. Novela de aventuras

Jack London forma parte de los escritores clásicos del género de aventuras, como Jules Verne, R. L. Stevenson, Emilio Salgari o Walter Scott. Como suele ser habitual, estas peripecias nacen del propio periplo del autor, que fue un escritor en gran medida autodidacta, encadenó trabajos precarios, llevó una existencia errabunda y se codeó con piratas, delincuentes y buscadores de fortuna en plena fiebre del oro (él mismo se internó en los yacimientos de oro de Klondike, de donde salió enfermo y con una mayor conciencia de la proximidad de la muerte). Sin duda, un material perfecto para captar las sensaciones de un personaje que emprende su camino en un entorno que le es desconocido y que esconde numerosas amenazas.

5. Trasfondo de gran complejidad moral

Más allá de las aventuras, las obras de Jack London, al igual que sucede con las de Joseph Conrad o Rudyard Kipling, contienen un profundo dilema moral, por lo general en torno a la confrontación entre la naturaleza y la civilización, entre el instinto de supervivencia de los animales y el orden humano. El autor no se libra del todo del antropocentrismo, pero aun así va bastante más allá que muchos de sus contemporáneos y escritores posteriores en su acercamiento al “estado salvaje” de la realidad. No elude tampoco cuestiones incómodas como la muerte o la violencia, que conoció desde bien pequeño.

6. Literatura “como la de antes”

No hay que perder de vista que Jack London es un autor del siglo XIX, y, aunque las aventuras pueden ser susceptibles de asociarse con lo ligero, con el entretenimiento superficial, los grandes escritores del género hicieron gala de una prosa rica, descriptiva y envolvente, con las características propias de la época y la narración episódica que facilitaba la publicación por entregas. Leída hoy, Colmillo Blanco no solo impresiona por su retrato del animal, sino por la suntuosidad de la prosa, que se demora en recrear el paisaje, con un estilo exuberante, pródigo en matices, que poco o nada tiene que ver con las voces depuradas (cuando no endebles) del presente.

7. Lucha de clases

Además de emprender aventuras y cultivar una carrera literaria, Jack London se implicó en política. En concreto, sus orígenes humildes, junto con todas las experiencias que le descubrieron los bajos fondos de la sociedad, le hicieron sensible a las desigualdades y partidario del socialismo, en cuyo partido llegó a afiliarse. Y, dado que para un escritor la vida (y sus valores) es inseparable de la literatura, esta conciencia se refleja de forma más o menos directa en muchas de sus obras, por ejemplo, en la novela El talón de hierro (1908), inspirada en la rebelión de unos obreros de una corporación industrial; o en La gente del abismo (1903), una crónica de sus años en la calle. Este año, además, la editorial El Desvelo ha publicado recopilaciones de artículos como ¿Qué es el socialismo? o La Revolución mexicana.

8. Mucho más que un escritor de formación

Las novelas de aventuras suelen ser el primer contacto de muchos niños con la lectura (o, al menos, así era hasta que existiera una literatura infantil y juvenil al margen, con su propio circuito), por lo que, al echar la vista atrás, estas lecturas pueden ser vistas con cierta condescendencia, como una obra de entretenimiento pero sin el calado que uno descubre al leer más adelante a Proust o a Tolstói. Craso error: puede que ocurra así con las novelas de consumo, pero, cuando se trata de clásicos como Jack London (o Alexandre Dumas, o Joseph Conrad, o…, la lista es infinita), no solo resisten el paso del tiempo, sino que tienen esa cualidad de ganar en matices con cada nueva lectura. Así que no, no es (solo) un autor para jóvenes, aunque sin duda muchos jóvenes le deban su afición por los libros.

9. El desclasamiento

Como muchos otros autores, Jack London vio en la literatura un camino con el que solventar sus problemas económicos y dejar atrás la vida proletaria. Para ello, se formó de manera autodidacta, leyendo libros de la biblioteca pública. Si bien logró ser admitido en la universidad, no llegó a graduarse por la imposibilidad de costearse los estudios. Aun así, salió adelante gracias al éxito de sus publicaciones. Su novela Martin Eden, publicada por entregas entre 1908 y 1909, recoge buena parte de sus lucha por el ascenso social, aunque las vivencias del protagonista lo conducen a un desenlace mucho más pesimista y crítico con el individualismo del sueño americano.

10. Su lado menos conocido

Jack London fue un escritor versátil, de modo que quien quiera conocerlo a fondo descubrirá que hay vida mucho más allá de La llamada de lo salvaje o Colmillo Blanco. Por ejemplo, La peste escarlata (1912), una obra de ciencia ficción postapocalíptica que no tiene nada que envidiar a los maestros del género; La pequeña dama de la casa grande (1916), una novela sobre una mujer entre dos mundos, el de las convenciones sociales del matrimonio y el del extravío al que la condenaría la libertad individual, recientemente recuperada por la editorial Montesinos; o El vagabundo de las estrellas (1915), una novela de trasfondo existencialista sobre el descenso a los infiernos de un profesor, con un cuestionamiento contundente del sistema penitenciario estadounidense.

En Mi vida y mi cine (Ma vie et mes films, la primera edición francesa es de 1974), Jean Renoir (1894-1979) evoca sus recuerdos más relevantes, que van desde su padre Auguste –genial pintor impresionista que fue evolucionando hacia una suerte de realismo– a la etapa conflictiva en Hollywood, pasando por dos guerras mundiales y llegando hasta el impacto de la Nouvelle Vague y más allá.

Criado en un ambiente donde se valoraba el trabajo manual en todas sus formas, la amistad con otros artistas, el joven Renoir iba a diario al cine con Andrée, su primera esposa, inclinándose por las cintas norteamericanas porque las francesas le parecían intelectuales, prefiriendo el percibir al razonar. Por amor a Andrée –rebautizada Catherine Helsing– deviene realizador, la convierte a ella en Naná (1926), en La pequeña vendedora de fósforos (1928). Él, que había hecho cerámica moldeando arcilla en el taller de su padre, encuentra en el cine una herramienta fabulosa que lo llevará a hacer Une partie de campagne (1936), La gran ilusión (1937), La regla del juego (1939), tantas obras magnas…

A pesar de los choques con productores en Hollywood, donde se exilia en 1941 –al año de comenzar la Ocupación nazi en Francia–, Renoir considerará ese período como un segundo aprendizaje que culminará con la más que hermosa El río (1950), rodada en la India; en Italia realizará esa maravillosa celebración del teatro que es La carroza de oro (1952), con la formidable Anna Magnani. De vuelta en París, otro tributo a los oficios del espectáculo: French Cancán (1954).

Y prosiguen las piezas magistrales, si bien JR le declara a los Cahiers du Cinéma número 15: “Tengo la impresión de que, a propósito a veces, sin proponérmelo otras, sigo siempre en la misma línea. En el fondo, sigo haciendo la misma película”. Y en Mi vida y el cine concluye que le debe mucho a Gabrielle, prima de su madre, con quien de niño dibujaba y pintaba; ella le leía cuentos de hadas, le infundió los valores de la honestidad, de la tolerancia; le enseñó a ver los rostros detrás de las máscaras, le propició el horror por el cliché…

Mi vida y el cine es precisamente el libro que lee Pelu, el protagonista de La noche está marchándose ya, cuando se ha instalado en un rincón del cineclub municipal de la ciudad de Córdoba. Lugar en donde fue, hasta hace poco, proyectorista, pero en el actual ajustazo lo han bajado a sereno. Pelu –¿hace falta aclararlo de alguien que se duerme con Renoir?– es un amante incondicional del cine, personaje eje de este extraordinario film de Ezequiel Salinas y Ramiro Sonzoni, directores que –se les nota a la legua– han asimilado, incorporado el espíritu sensible, generoso, caritativo de Jean Renoir, su amplitud de criterio. Ese modo de aceptar los motivos de cada personaje sin dictaminar, sin sentenciar ni idealizar, aunque se trasluzca en los cineastas cordobeses hacia dónde van sus mayores simpatías (no hacia el administrador del cineclub que les da la mala noticia a Pelu y a su compañero). 

¿No hay plata para la cultura cinematográfica?

Acaso no sea un villano de tomo y lomo ese empleado que les da a Pelu y a su compañero, ambos proyectoristas del cineclub público, la pésima nueva de que uno de los dos ha de perder su laburo, y que ellos mismos tienen que decidir quién se va. El tipo lo hace mandándose a mordiscones un sanguchote y masticando con la boca abierta, mientras se dirige a ambos trabajadores, uno de los cuales probablemente vaya a pasar hambre en el futuro inmediato. Y les hace el discurso previsible en estos tiempos donde no hay plata para la cultura: hay que levantar funciones, reducir el personal.

Pelu, pobre, pierde al juego piedra, papel o tijera. Y para colmo más tarde, el compañero con quien comparte departamento mínimo (hay que ver el tender con ropa colgada al lado de la cama) le informa que lo despidieron.

Pero antes de que sucedan estas desgracias típicas de la actual temporada en el purgatorio donde lo que avanza es la precarización, vemos a Pelu, todavía como proyectorista, que pasa La Bruja Roja (Wake the Red Witch, 1948), donde John Wayne, capitán de un navío, le dice a la chica que ama, la bonita Gail Russell: “Un barco es un hogar, un mundo. Algo que respira. El viento podrá moverlo a 10 mil millas, y en cada una será libre como un pájaro”. Bueno, esta parrafada de Wayne prefigura lo que pronto se volverá el edificio del cineclub para Pelu, un hogar adonde se mandará con un colchón y una valija, después de vender su moto.

Una vez en su nuevo puesto de sereno, Pelu no deja de proyectar cine. Primero para sí mismo, después para un amigo naranjita (trapito) sin techo; más tarde para un grupo de hombres en la misma situación, que pasarán la noche con sus bártulos en el lugar. Se higienizarán, mirarán cintas, tomarán cerveza que Pelu sustrae del bar (uno de los homeless limpiará el pico de la botella, donde ha bebido otro, con su frazada… Si hay humor, que sea indirecto).

Los fragmentos de films de las décadas de los ’30 a los ’60 del siglo 20, que miran ellos (y el público que asiste a las funciones del Malba), dialogan con temas que tocan a Pelu, a los otros personajes, a la crisis social y económica. Y también inspiran la diversión de los refugiados que se lanzan a un concurso de flatulencias luego de ver una escena de Buenos días (1956), de Yasujiro Ozu. 

En las distintas proyecciones también aparece un mensaje para Trump y sus acólitos extramuros de la Casa Blanca, cuando en un momento memorable de Nobleza obliga (Ruggles of Red Gap, 1936), de Leo McCarey, un joven Charles Laughton, como mayordomo inglés que ha recalado en Estados Unidos, recita en forma conmovedora el discurso de Lincoln en Gettysburg, en medio de la Guerra Civil, uno de cuyos objetivos fue abolir la esclavitud: “Hace 87 años, nuestros padres hicieron nacer en este continente una nueva nación concebida en libertad y consagrada al principio de que todas las personas son creadas iguales. Ahora estamos envueltos en una gran guerra civil que pone a prueba esta nación o cualquier otra nación así concebida y consagrada. Hemos venido a destinar una porción de dicho campo para descanso de aquellos que dieron sus vidas. Somos nosotros, los vivos, quienes debemos dedicarnos a la tarea inconclusa de los que lucharon (…) Y que el gobierno del pueblo, por el pueblo y para el pueblo no desaparezca de la Tierra”.

Hay dos personajes femeninos que se recortan netamente en La noche…: Vale, la amiga –se diría de toda la vida– de Pelu, que hace videos eróticos para Only Fans como forma de ganarse la vida, y que le pide prestado un espacio en edificio para grabar con otro trabajador del gremio (los gritos sobreactuados por Vale del orgasmo que Pelu escucha, dejan chiquitos los de Meg Ryan ya saben ustedes dónde). La chica (estupenda Juana Oviedo) le propone a su amigo participar en ese rebusque para hacerse de unos pesos. Pelu se resiste, pero termina regateando el porcentaje que recibiría. El otro personaje es Rosa, la empleada de la limpieza que casi no habla, pero a la que Eva Bianco le da insoslayable relieve.

Bueno, Sonzoni y Salinas demostraron que cuando realmente se quiere, se consigue financiación, sin achicarse artísticamente, aunque la guita sea acotada. Trabajaron el guion y filmaron con rapidez en impecable, primoroso blanco y negro, con una excelente iluminación de toques expresionistas cercanos al noir (no en vano arrancan con escenas de Los tallos amargos, 1956, de cuando Fernando Ayala hacía buenísimas pelis), que rozan el terror cuando nuestro Pelu, que ya lo queremos un montón gracias a la actuación de Octavio Bertone, descubre la escalera escondida que lleva a una especie de catacumba, y baja como una heroína del género del siglo pasado vela en mano, a los sones mahlerianos (por Gustav, no por Ángel) y camina, camina y al final descubre una gran fuente del luz, y apaga su linterna. Puertas, ventanas, lámparas; sombras, mucho más gracias a luces y encuadres y la tersura de la edición. Música de bandas sonoras de los films que se proyectan acompañan en la vida a Pelu. Casi todo remite en La noche está marchándose ya al cine. Y un placer escuchar la tonadita cordobesa, algunas palabras del vocabulario de esta provincia, de esta ciudad que todavía tiene su cineclub Hugo del Carril, lugar de encuentro, de disfrute fílmico, de tomarse algo y convidar con un sánguche a alguien corto de fondos.

MS/MG

“Cuando digo Borges, no digo Borges: ese hombre de carne y hueso nacido en 1899 y muerto en 1986, el que escribió El Aleph o Ficciones o Fervor de Buenos Aires o Evaristo Carriego. Pero cuando digo Borges tampoco me refiero a esa literatura, a esa reunión de textos tan a menudo perfectos a los que, por irradiación autoral, llamamos Borges. Cuando digo Borges pienso en esa figura que la imaginación argentina ha compuesto y ha fijado en ese nombre”, apunta el escritor Martín Kohan en su libro Lo que entiendo por Borges (Ediciones Godot, 2026). A 40 años de la muerte de Jorge Luis Borges, que falleció el 14 de junio de 1986 en Ginebra, Suiza, la publicación es uno de los numerosos homenajes, revisiones y relecturas que se multiplican por estos días para volver a la figura y a la obra del gran autor argentino.

Varios de los recordatorios por el aniversario redondo, de hecho, comenzaron en la última edición de la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires, donde el nombre de Borges fue el centro de charlas, exposiciones y mesas de debate. De hecho, en esa ocasión la editorial Penguin Random House, que publica la obra del autor a través de su sello Sudamericana, instaló en uno de los pabellones de La Rural un laberinto que se podía recorrer con la voz del escritor de fondo. La multinacional decidió también editar este año tres libros que compilan nuevamente su obra: Ensayos completos, Cuentos completos y Poesía completa.

En Buenos Aires, uno de los mayores homenajes es la exposición Borges: ecos de un nombre, inaugurada en mayo. Hasta el 30 de agosto se lleva adelante en el Centro Cultural Recoleta (Junín 1930, CABA), con entrada gratuita para residentes en Argentina y curaduría de Rodrigo Alonso, Daniel Fischer y Maximiliano Tomas. 

Se trata de una exhibición que, según informan los organizadores, “aborda tanto la obra como la vida pública y privada del autor de Ficciones”.

“Realizada junto a la Fundación Internacional Jorge Luis Borges y con la colaboración de la Biblioteca Nacional Mariano Moreno, la muestra propone una mirada colectiva sobre la figura y la obra del gran escritor argentino, en la que se podrán ver objetos personales, primeras ediciones, manuscritos, fotografías, objetos, memorabilia y hasta una recreación del cuarto del departamento de la Plaza San Martín en el que vivió casi toda su vida”, agregan desde la entidad.

Este domingo, el homenaje arrancará en el Centro Cultural, con una recorrida especial por la exposición. Luego, desde las 19, las actividades seguirán en la Capilla del lugar.

“El domingo comenzará a las 18 con una recorrida por la sala Cronopios, donde está la muestra Borges: ecos de un hombre, inaugurada en el Centro Cultural y que ya es un éxito de público. La celebración culminará a las 19 en La Capilla del Recoleta, donde la literatura y la música se darán cita en un encuentro especialmente concebido para la ocasión. Habrá lecturas de textos de Jorge Luis Borges, y piezas musicales, en una evocación colectiva que buscará mantener viva la presencia de quien convirtió a Buenos Aires en una de las geografías esenciales de la literatura universal”, informaron desde Sudamericana sobre esta fecha particular.

“Cecilia Roth, Pedro Aznar, Laura Novoa, Sylvia Iparraguirre, Maximiliano Tomás, Federico Pereiro Quinteto, Amelita Baltar, Leonardo Pastore, Alberto Schwindt y Alfredo Pittis serán algunas de las destacadas personalidades de nuestra cultura que pondrán su voz y su arte a sus textos”, agregaron desde la editorial.

Otra de las entidades que alberga por estos días numerosas actividades alrededor de Borges y su legado es la Casa Nacional del Bicentenario (Riobamba 985, CABA). A lo largo de todo el fin de semana en el que se recuerda el aniversario, la entidad programó clases magistrales, a cargo de expertos. Este domingo 14, de hecho, habrá presentaciones a lo largo de todo el día sobre textos como Emma Zunz, La biblioteca de Babel y Funes el memorioso con entrada libre y gratuita. A partir de las 17.30, para el cierre de la jornada, habrá un show musical llamado “Borges para las seis cuerdas: la guitarra le canta a Borges”. Se trata, según los organizadores, de un “espectáculo de guitarra y canto con cantantes invitados de la nueva generación que interpretan milongas y las composiciones poéticas del gran escritor que han tenido versiones musicales, acompañados por la pareja de baile compuesta por Milena Plebs y Facundo de la Cruz (Campeón Mundial de Tango)”.

Ese mismo día, desde las 18 y también en el centro porteño, en el Centro Cultural Borges (Viamonte 525, CABA) se proyectará la película Invasión, de Hugo Santiago, escrita por Borges y Adolfo Bioy Casares. La entidad, que también planeó una serie de actividades por el aniversario, concluye de este modo las conmemoraciones.

“El programa Borges, autor del futuro, tendrá su cierre con la proyección de la película Invasión dirigida por Hugo Santiago y escrita por Jorge Luis Borges y Adolfo Bioy Casares con los comentarios de Gonzalo Aguilar”, informaron desde la institución.

Otra de las instituciones culturales que decidió conmemorar a Borges este año es el CCK, rebautizado Palacio Libertad por la gestión libertaria de la Secretaría de Cultura. Allí, hasta el 5 de julio, todos los viernes y domingos, a partir de las 17, se invita al públi o a hacer una visita guiada que lleva como título “Borges y Bioy. Dos genios, una amistad inmortal”.

“Borges y Bioy es una visita guiada por diversos espacios del centro cultural que propone reconstruir la historia que une a dos figuras de la literatura argentina. En 1933, Jorge Luis Borges y Adolfo Bioy Casares se sentaron junto a una chimenea y escribieron un folleto para un producto lácteo que nadie recuerda. Lo que sí se recuerda es lo que vino después: cuarenta años de cenas, un tercer escritor ficticio nacido de la risa en el Café Tortoni y conversaciones que se convirtieron en antologías que revolucionaron la literatura en castellano. La visita invita a un recorrido por la Buenos Aires que formó a estos grandes escritores, redescubrir los libros que escribieron y celebrar la amistad que los unió”, informan en un comunicado desde la Secretaría de Cultura de la Nación.

Desde el Ministerio de Cultura porteño informaron también que a lo largo de todo junio y todo julio los Bares Notables de la ciudad ofrecerán distintas actividades en sus instalaciones alrededor de Borges y su obra.

“El más universal de los escritores argentinos será homenajeado a través de conferencias y disertaciones que recorrerán su vida, su obra y su proyección internacional. La programación también incluirá espectáculos musicales inspirados en sus poemas y cuentos, así como interpretaciones de las milongas que escribió junto a compositores como Astor Piazzolla, Sebastián Piana y Carlos Guastavino, entre otros. Además, se realizarán dos recorridos guiados por bares y lugares vinculados con su vida y su universo literario”, señalaron en un comunicado. 

El 26 de junio, por ejemplo, se llevará adelante la charla “La mujer en la obra de Borges”, a cargo de la escritora María Rosa Lojo en el Claridge 's Bar, Hotel Claridge (Tucumán 535, CABA), mientras que el 28 de julio, desde las 15, el especialista Daniel Vega guiará un circuito a pie a través de puntos centrales para la vida del escritor en el centro porteño. El punto de partida será la Confitería Saint Moritz (Maipú 994, CABA). 

Libros

Además de la reedición de los libros del propio autor, a lo largo de todo el año, y para seguir pensando en una obra radiante como la de Borges, las editoriales locales lanzaron distintas publicaciones que vuelven sobre el escritor y su influencia. Uno de ellos es el mencionado Lo que entiendo por Borges, de Martín Kohan, publicado por la editorial Godot.

“Martín Kohan logra que Borges le firme un ejemplar de El Aleph. No sabe todavía que ese gesto —mínimo, secreto, casi cómico— será también el punto de partida de una historia mayor. Borges no fue solo un escritor, fue una invención colectiva. Kohan se interna en el territorio donde la literatura se vuelve mito y el mito, política. Rastrea los gestos, las frases y las supersticiones que convirtieron a Borges en prócer nacional, en santo laico, en espejo de los argentinos. Entre manuscritos venerados, firmas apócrifas y versos falsos, Lo que entiendo por Borges indaga sobre cómo se construye un culto literario y qué dice de nosotros esa devoción. Más que un libro sobre Borges, es un libro sobre la Argentina que necesitó inventarlo”, se lee en la contratapa de la publicación.

Otro lanzamiento reciente es el ensayo Borges y la política. Un desafío para el peronismo, la izquierda y la derecha, de Nicolás Freibrun, publicado por el sello Siglo XXI Editores.

“El reconocimiento internacional y su condición de escritor icónico parecen dejar a Borges a salvo de las disputas, aunque todavía pesan sobre él estigmas o prejuicios que para algunos lectores funcionan como barreras infranqueables. Hay quienes se resisten a leerlo por considerarlo gorila, antiperonista, europeizante, o porque tuvo un entusiasmo juvenil con Yrigoyen pero después empezó a desconfiar de la democracia y a volverse cada vez más conservador, o porque habitaba una burbuja imaginaria y no quería contaminarse con los problemas de su tiempo. ¿Hay algo de verdad en todo esto? En Borges y la política, Nicolás Freibrun recorre fascinado los textos borgeanos y nos muestra magistralmente, sin ninguna solemnidad, hasta qué punto escapan a los casilleros ideológicos. Y hasta qué punto, también, se ocupan de la política, aunque no para bajar línea o aleccionar o tomar partido. De ahí que su figura resulte incómoda tanto para quienes se identifican con la tradición nacional-popular y las izquierdas como para las derechas”, detallan desde la editorial.

Desde Malba Literatura, el sello editorial del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, se publicó recientemente el libro Los laberintos de Borges: entre el caos y el cosmos, del escritor Carlos Gamerro.

“Este recorrido por la obra de Borges sigue una figura cara al autor, la del universo como laberinto, pero con un giro paradojal: si el universo es un laberinto, entonces tiene un centro, una forma coherente. Lo verdaderamente angustiante es pensar que se trata de un mero caos; ‘entonces sí que estamos perdidos’. La obra de Borges también puede resultar un laberinto en el que es fácil perderse; pero se trata, como el autor dirá en Tlön, Uqbar, Orbis Tertius, de ”un laberinto destinado a que lo descifren los hombres“. Este libro propone un recorrido por los diversos laberintos que dibuja la literatura de Borges, con la esperanza de que este viaje nos ayude a transitar, también, el laberinto o el caos más vasto en que se inserta”, informaron desde Malba y agregaron: “Este lanzamiento se realiza en el marco del 40º aniversario de la muerte de Borges, a 20 años del primer curso que Carlos Gamerro dictó sobre el autor argentino en Malba Literatura”.

Gamerro presentará el libro el próximo 8 de julio a las 20, en el auditorio del museo, junto a Lucas Adur y Juan Torbidoni, especialistas en la obra de Borges, y Carla Scarpatti, editora del sello.

AL

El artista británico David Hockney falleció a los 88 años de edad, según comunicó su representante y publicó la cadena BBC. Hockney era uno de los creadores más influyentes del arte contemporáneo y cultivó varias disciplinas, desde la pintura, la fotografía, el diseño gráfico e incluso la escenografía; y convirtió con sus obras a las piletas en objeto de culto.

El artista trabajó prácticamente hasta el final de su vida y fue un pilar fundamental del movimiento Pop Art durante los sesenta. De sus creaciones destaca su llamativo uso del color, en el que influyó su sinestesia. “Yo pinto lo que quiero, cuando quiero y como quiero”, fue uno de sus mantras.

Nacido en Bradford en 1937, Hockney asistió a la Bradford School of Arts antes de acceder al Royal College of Art, donde estudió entre 1959 y 1962. Su fama le llegó siendo aún estudiante, ya que su obra se incluyó en la exposición Jóvenes contemporáneos, que marcó el inicio del Arte Pop Británico. Aun así, el artista nunca llegó a identificarse completamente con este estilo.

La RCA le negó en 1962 la posibilidad de graduarse por no entregar dos trabajos finales. Presentó el lienzo Pintura al natural a cambio de una protesta. El pintor se había negado a entregar un ensayo alegando que no tenía nada que decir por escrito, y que sus propias obras hablaban por él. La institución británica terminó reconociendo su talento y proyección, y cambió sus normas para permitir su graduación.

David Hockney fue abiertamente homosexual en una época en la que serlo era aún ilegal en Reino Unido. El artista lo reflejó desde sus primeras obras, en las que quiso reflejar relaciones sentimentales y sexuales entre personajes masculinos, como Nosotros, dos chicos juntos y bien pegados, de 1961; o Escena doméstica, Los Ángeles, de 1963, en el que aparece un hombre duchándose mientras otro le acaricia la espalda.

Fue a comienzos de la década de los sesenta cuando viajó a Los Ángeles, donde decidió establecer su residencia. Allí se inspiró para llevar a cabo una serie de cuadros de albercas usando pintura acrílica de gran colorido.

Su obra estuvo influida por la fotografía, tanto en sus creaciones pictóricas como los collages. Estos 'joiniers', collages hechos de fotografías, los comenzó a producir a principios de los ochenta, primero usando impresiones de Polaroid y posteriormente estampados de 35mm procesados comercialmente. Con ellos creaba imágenes compuestas utilizando fotografías hechas con película instantánea o reveladas de un solo sujeto, ordenadas de forma irregular. En uno de sus primeros montajes plasmó a su madre. Al estar las imágenes tomadas desde distintas perspectivas, el trabajo resultante fue similar al cubismo.

Hockney se mudó a Londres en 1968 y entre 1973 y 1975 vivió en París, antes de viajar de nuevo a Los Ángeles. Sus memorables creaciones lo convirtieron en uno de los artistas contemporáneos más importantes del mundo, y algunas de ellas llegaron a batir récords en subastas. Durante su carrera diseñó escenografías para el Royal Court Theatre, el Festival de Glyndebourne, La Scala y la Metropolitan Opera House de Nueva York.

El retrato fue uno de los géneros fundamentales desde su carrera. Desde 1968 pintó a amigos, parientes y amantes a partir de fotografías. En ellos quedó implícita su presencia, ya que la forma en la que convergen las líneas de perspectiva sugieren su punto de vista. Sus padres, algunos escritores, diseñadores de moda como Ossie Clark y Celia Birtwell, el marchante de arte Nicholas Wilder y el bailarín Wayne Sleep, repitieron como protagonistas de estas pinturas.

A partir de 2004 se trasladó a Bridlington, dentro del condado de Yorkshire, en Inglaterra. Allí representó los paisajes de la zona a través de acuarelas y óleos, además de películas y su iPad, convirtiéndose en pionero en utilizar las herramientas digitales para el arte. Creó con faxes, fotocopias y polaroids; y se pasó el confinamiento en 2020 dibujando paisajes de primavera en su tableta. Posteriormente continuó esta senda con paisajes en movimiento que registraba con varias cámaras y presentó en tramas enormes de cerca de veinte pantallas.

Mercedes Morán trabajó en más de treinta películas –entre ellas La ciénaga y La niña santa de Lucrecia Martel, Diarios de la moticicleta de Walter Salles y Neruda de Pablo Larraín– y una infinidad de programas de televisión como Gasoleros –donde interpretó a uno de sus personajes más famosos, Roxana “Roxi” Pressuti,– Socias, El Reino y Mujeres asesinas.

En mayo de este año escribió su primera novela, Madre mía, editada por Planeta, autoficción y crónica de una época.

“Mi madre fue una mujer muy particular”, avisa Mercedes sobre la relación con su mamá y lo que cuenta en el libro. “Tenía un tema importante con la sexualidad, muy católica, muy reprimida sexualmente, que en mi despertar sexual se brotó de una manera importante y fue bastante violenta por momentos”, explica Morán sobre la relación entre ambas y cómo tras la muerte de la madre, durante la pandemia, comenzó a indagar en su propia terapia sobre un posible abuso que su mamá sufrió de chica. “No tuve la certeza pero es muy propable que haya sucedido y esto echó un manto de piedad sobre ella”, señala sobre el comienzpo de “un camino difícil para perdonarla y poder perdonarme a mi”.

La ventana indiscreta es un podcast para mirar qué hay detrás de un libro, una serie, una historia. Cada episodio tiene un tema y un entrevistado. Así nos metemos con las historias que se cuentan en los libros, en las películas, en las canciones y también con temas actuales como la inteligencia artificial, los trolls, las redes sociales. 

Por supuesto que es un homenaje a la película del mismo nombre dirigida por Alfred Hitchock, que advertía que nos estábamos convirtiendo en una sociedad de mirones pero a la vez es una invitación a quedarse un poco quietos y mirar más allá de lo que vemos al pasar.

La Ventana Indiscreta

Conduce Ana Correa

La producción es de Pablo Waimann

En la edición está Jorge de Tezanos

Hoy mundialmente amada y figurando entre las cinco óperas más representadas, la tragedia giapponesa in due atti –tal como fue presentada en el Teatro alla Scala de Milán, en febrero de 1904– Madama Butterfly resultó un fiasco, silbada y burlada por el público. El compositor Giacomo Puccini –que venía de presentar con mucho suceso La Bohème, en 1896, y Tosca, en 1900– había partido de la pieza teatral del mismo título, de David Belasco, vista en Nueva York. A su vez, este dramaturgo escribió motivado por una historia del escritor John Luther Long, quien había conocido el caso de la joven animadora de la casa de té Ciao-San a través de una hermana que había vivido en Japón, entre 1892 y 1894.

En pleno auge del “japonismo”, pululaban este tipo de relatos que también influyeron en la ópera Iris (1898) de Mascagni, de manera que el enamoramiento ciego de Ciao-Ciao, apodada Madama Butterfly, que renuncia a las convenciones sociales y a la religión de sus mayores para ser la esposa del oficial Pinkerton, de la marina estadounidense, sonaba incitante en la época. El resto, luego del presunto casamiento y la entrega de la jovencita, todo será espera y dolor para la chica que ha de entonar una de las arias más punzantes y veneradas de todos los tiempos: Un bel di vedremo. Lo hará poco antes de suicidarse por honor, cuando Pinkerton reaparece con una “verdadera esposa americana”.

Superada la amargura del fracaso inicial y previos algunos ajustes, Madama Butterfly se repuso en Brescia, en mayo de 1904 con la soprano ucraniana Solomiya Krushelnytska. Aclamación total y absoluta. Y muy pronto, el drama lírico fue estrenado en el Teatro de la Ópera de Buenos Aires, en 1904. En 1908, figuró en la primera temporada del Teatro Colón.

La muy exitosa carrera de la delicada y fiel mariposa prosigue sin pausa hasta nuestros días de junio de 2026, rompiendo felizmente el corazón de sus fans, y generando nuevos seguidores. Para quienes quieran verla y escucharla en fílmico, existen versiones más que aceptables de Madama Butterfly: 1974, de Jean-Pierre Donelle, con Mirella Freni; 1995, de Frédéric Mitterand, con Ying Huang; 2012, de Moffat Oxenbould, con Hiromi Omura.

Adolescentes debutando con la ópera

Aunque se incluya algún acercamiento a las artes en la escuela secundaria, el estudio de la historia de la música clásica, contemporánea, operística, en general es más que relativo en estas aulas. Y depende sobre todo de la iniciativa de los establecimientos educacionales, salvo en los casos de una orientación musical específica.

Prueba de lo dicho es que buena parte del alumnado de colegios secundarios, públicos y privados, que concurre a las pasadas o preestrenos de óperas que propone la fundación Juventus Lyrica en el Avenida, reconoce que ese es su debut operístico. Muchos confiesan que esa es la primera vez que pisan una sala teatral con esas características, que ven y escuchan en vivo una ópera completa.

Aunque ligada a ceremonias sociales, culturales, religiosas en todas las épocas y culturas antes de que las melodías se escribieran sobre pentagramas, la música tardó en llegar a la primera, a la segunda enseñanza. En el siglo XVII, comienzan a organizare las escuelas especializadas, los conservatorios que dan formación profesional, en particular –claro– a varones. Recién a comienzos del XX se arranca con la propuesta de una educación elemental musical para casi todos en escuelas primarias, secundarias. Carl Orff fue uno de los impulsores en Alemania; Zoltan Kodaly, en Hungría; Sinichu Suzuki en Japón.

 Poco a poco, la “clase de música”, a veces limitada al canto coral y a alguna lección sobre músicos llamados clásicos, empezó a instalarse. En la actualidad, prosigue la discusión sobre la manera de enseñar a estudiantes de primaria y secundaria acerca de los diferentes géneros musicales, los rudimentos de la composición, la práctica de instrumentos.

El emprendimiento independiente Juventus Lyrica, liderado por Ana D’Anna y su hija María Jaunarena, aparte de ofrecer año tras año –salvando el lapso de pandemia– óperas famosas y no tanto, clásicas y contemporáneas, se ha interesado vivamente en arrimar a los muy jóvenes a la lírica. Es así que regularmente invitan a alumnos/as -previa inscripción- de distintos colegios de la ciudad, a asistir en horario matinal, a funciones de preestreno. Obras de Mozart a Offenbach, de Verdi a Britten, de Puccini a Mascagni… 

Para muchos chicos y chicas –que acuden debidamente preparados por sus docentes– es la primera vez que vienen al centro de la ciudad, que conocen una sala del nivel del Avenida, con sus cómodas butacas, sus palcos y pisos superiores dorados e iluminados. Con anterioridad, como quedó dicho, puestos en antecedentes respecto de la obra de turno, del compositor, del argumento, y habiendo escuchados algunos fragmentos.

Y hay que ver –esta cronista puede dar fe, luego de numerosas experiencias al respecto– lo bien que se portan y lo atentos que se mantienen chicos y chicas durante las dos horas y media, tres (con intervalos incluidos) que dura la función. Y ya van 17.500 estudiantes que a través del tiempo han concurrido s estas mañanas líricas, que han descubierto una gran orquesta sinfónica, que han escuchadas voces entrenadas hasta lo imposible que se proyectan a toda la sala sin un solo micrófono. Y se han dado cuenta de que, así como escuchan rock y pop en inglés, cumbia en castellano, puede abrir sus oídos al italiano, al francés; contando, por cierto, con la traducción en el subtitulado.

En este mes de junio, los estudiantes adolescentes tuvieron la suerte de ver una ópera tan hermosa y emocionante como Madama Butterfly dentro del Programa de Formación de audiencias de Juventus Lyrica, que ya lleva más de un centenar de estas funciones especiales a las que los colegios acceden mediante una inscripción. El próximo 15 de octubre les tocará una tremenda ópera de Verdi, el Rigoletto.

En funciones regulares, los próximos viernes 12 y sábado 13, a las 20 horas, se ofrecerán las últimas funciones de Madama Butterfly en una muy lograda puesta en escena de Ana D’Anna, con exquisito vestuario de Maria Jaunarena y la inspirada escenografía que abre la perspectiva con sus líneas y transparencias, de Gonzalo Córdova, también responsable de la refinada, atmosférica iluminación; merecen destacarse las estampas textiles de Diego Danei. El rendidor elenco está encabezado, alternadamente, por Monserrat Maldonado y Sofía Gala Godoy en el gran rol protagónico: Daniela Prado y María Kostova (Suzuki): Ramiro Pérez y Marcelo Gómez (Pinkerton); Alfredo Martínez Torres (Sharpless); Santiago Delpiano (Goro); Jerónimo Vargas Gómez (Yamadori); Mario de Salvo y Cristián de Marco (Bonzo).

Pedro Almodóvar anunció su primera novela, El hombre que solo escribía en los aviones. Se publicará el próximo 29 de octubre de la mano de Reservoir Books y supondrá su vuelta a la literatura tras el lanzamiento en 2023 del libro de relatos El último sueño. La editorial adelantó que su próxima obra será una “narración sinuosa que se adentra con cierto frenesí en una selva de experiencias y lecturas, de tramas inventadas y de ideas prestadas”, explorando “caminos poco transitados en el mundo de la ficción”.

La historia de El hombre que solo escribía en los aviones girará en torno al personaje de Flavio Guijarro, un “hombre que ha pasado media vida reinventándose”, según reza la sinopsis de la obra. “Ha tenido decenas de aficiones, pero pocas veces han culminado en una profesión; la de actor es la que ha logrado cultivar con más o menos fortuna. En un viaje de promoción, sin embargo, a diez mil metros de altura, descubre tardíamente una nueva vocación: la escritura”, continúa la premisa del libro.

“Desde entonces va a dedicarse en cuerpo y alma a combatir sus bloqueos creativos y perseguir ese sueño… que irremediablemente se le escapa de las manos en cuanto se acerca el momento de poner el punto final. Acudirá en busca de inspiración a los lugares más insospechados y, para su sorpresa, descubrirá una insólita aptitud como coach de actores. Lo que no imagina es adónde puede conducirlo esta nueva etapa de su vida, ni qué futuro le espera a su incipiente historia de amor con el actor más exitoso del momento”, concluye la sinopsis.

En su anterior trabajo literario, El último sueño, Almodóvar brindaba la máxima información sobre él “como cineasta, como fabulador (como escritor)”, y del modo en que su vida “hace que una cosa y otra se mezclen”. Son relatos inéditos que comienzan con sus primeros coqueteos con la ficción, como Vida y muerte de Miguel, una especie de Benjamin Button escrito con menos de 20 años debajo de una parra y con un conejo desollado colgando de una cuerda en Madrigalejos. 

Este no es el único proyecto de Pedro Almodóvar para este año, ya que hace unos meses volvió a los cines con Amarga Navidad, una película que también compitió en la Sección Oficial del Festival de Cannes. Su estructura, en la que una historia contiene a la siguiente, llevó al director a reflexionar sobre la responsabilidad del artista y hasta qué punto un creador está legitimado a vampirizar a los que tiene a su alrededor pese a que esa sea su inspiración.

Para junio las principales plataformas de streaming tienen previstos numerosos estrenos que llegarán a sus servicios a lo largo de todo el mes. Con el Mundial de fútbol sobre sus espaldas, además de las transmisiones de los partidos, que llegarán a las pantallas de todo el país a través de distintos servicios, habrá lugar también para el regreso de algunas series esperadas como La casa del dragón o el final de El oso, además del estreno de documentales y producciones nacionales en formato hogareño.

A continuación, un repaso por las series y películas más destacadas que llegan a lo largo de junio a Netflix, HBO Max, Amazon Prime Video, Disney+, Apple TV+ y Mubi.

1. Diego Maradona. “Mientras su talento redefinía el fútbol, la presencia de Diego Maradona en Nápoles desató un torbellino de fama, escándalo y caos personal”, señala la sinopsis oficial de este magnético documental del director Asif Kapadia, que fue estrenado originalmente en 2019 y que ahora se puede ver a través de Netflix.

El cineasta tomó más de 500 horas de imágenes de archivo inéditas del futbolista, en especial durante su paso por la ciudad italiana de Nápoles, para darle forma a un largometraje documental fascinante.

El documental Diego Maradona, de Asif Kapadia, se puede ver desde el 4 de junio en Netflix.

2. El oso. “La quinta y última temporada de El oso retoma la historia la mañana después de que Sydney (Ayo Edebiri), Richie (Ebon Moss-Bachrach) y Natalie ‘Sugar’ (Abby Elliott) descubren que Carmy (Jeremy Allen White) ha abandonado la industria gastronómica, dejándoles el restaurante a ellos. Sin dinero, con la amenaza de una venta y una tormenta torrencial en camino, los nuevos socios deberán unirse con el resto del equipo para lograr un último servicio, con la esperanza de finalmente obtener una estrella Michelin. Al final, aprenderán que lo que hace ‘perfecto’ a un restaurante quizá no sea la comida, sino las personas”, adelantó Disney+ sobre esta esperada serie, que volverá a las pantallas para despedirse este mes.

La quinta y última temporada de la serie El oso se podrá ver por Disney+ a partir del 25 de junio.

3. La casa del dragón. HBO Max anunció para este mes el regreso de esta esperada serie. “La temporada contará con ocho episodios que se emitirán semanalmente, y está previsto que finalice el 9 de agosto. Basada en Fuego y Sangre de George R.R. Martin, la serie, ambientada 200 años antes de los acontecimientos de Juego de Tronos, cuenta la historia de la Casa Targaryen. El reparto de la tercera temporada está conformado por Matt Smith, Emma D'Arcy, Olivia Cooke, Steve Toussaint, Rhys Ifans, Fabien Frankel, Ewan Mitchell, Tom Glynn-Carney, Sonoya Mizuno, Harry Collett, Bethany Antonia, Phoebe Campbell, Phia Saban, Jefferson Hall, Matthew Needham, Tom Bennett, Kieran Bew, Kurt Egyiawan, Freddie Fox, Clinton Liberty, Gayle Rankin y Abubakar Salim”, informó la plataforma en un comunicado.

La tercera temporada de La casa del dragón se podrá ver por HBO y HBO Max a partir del 21 de junio.

4. Risa y la cabina del viento. “Luego de perder a su papá en un trágico incendio, Risa, una niña de 10 años, descubre un teléfono público fuera de servicio que le permite hablar con los muertos. Cada uno de ellos tiene un deseo, un pedido, algo que resolver. Si Risa los ayuda con sus asuntos pendientes en el mundo de los vivos, ellos le dejarán cumplir su deseo imposible: el de hablar con su padre una última vez”, señala la sinopsis oficial de esta película que llegará este mes al menú de Netflix. Protagonizada por Cazzu, Diego Peretti, Joaquín Furriel y Elena Romero. Con música de Babasónicos.

La película Risa y la cabina del viento estará disponible en Netflix desde el 3 de junio.

5. Orphan. “Ambientada en la Hungría de 1957, Orphan es la nueva película de László Nemes, director de Son of Saul. La historia sigue a un joven niño judío criado por su madre entre relatos idealizados sobre su padre desaparecido. Su mundo cambia por completo cuando un hombre aparece asegurando ser su verdadero padre. Con una mirada íntima sobre la identidad, la memoria y las heridas de la posguerra, la película continúa la exploración sensible y visceral característica del cine de este reconocido cineasta húngaro”, informó Mubi sobre esta destacada película que podrá verse en su servicio este mes.

La película Orphan, de László Nemes, se podrá ver en Mubi a partir del 19 de junio.

6. Cape Fear. “Inspirada en la remake de 1991 dirigida por Martin Scorsese y producida por Steven Spielberg. Una tormenta se avecina para el feliz matrimonio de abogados Anna (Amy Adams) y Tom Bowden (Patrick Wilson) cuando Max Cady (Javier Bardem), un famoso asesino al que ellos mismos enviaron a la cárcel, queda en libertad y sale en busca de venganza”, adelantó Apple TV+ sobre este lanzamiento que llegará a su menú en formato de miniserie.

La miniserie Cape Fear se puede ver por Apple TV+ desde el 5 de junio. 

7. Avatar: Fuego y cenizas. “Con este largometraje James Cameron lleva a las audiencias de regreso a Pandora en una nueva aventura inmersiva con el marine convertido en líder Na'vi Jake Sully (Sam Worthington), la guerrera Na'vi Neytiri (Zoe Saldaña) y la familia Sully. La película también está protagonizada por Sigourney Weaver, Stephen Lang, Oona Chaplin, Cliff Curtis, Joel David Moore, CCH Pounder, Edie Falco, David Thewlis, Jemaine Clement, Giovanni Ribisi, Britain Dalton, Jamie Flatters, Trinity Jo-Li Bliss, Jack Champion, Brendan Cowell, Bailey Bass, Filip Geljo, Duane Evans, Jr., y Kate Winslet”, informó Disney+ sobre esta película que sumará este mes a su servicio.

La película Avatar: Fuego y cenizas se podrá ver a través de Disney+ a partir del 24 de junio.

8. La empleada. “Una joven con un pasado difícil consigue trabajo como empleada doméstica en la mansión de una familia adinerada, pero pronto se ve atrapada entre secretos inquietantes y revelaciones cada vez más oscuras. Basada en la novela de Freida McFadden, con tensión y giros sorpresa”, anticipó Prime Video sobre esta película, que luego de su paso por los cines llega ahora al formato hogareño. Protagonizada por Sydney Sweeney y Amanda Seyfried con dirección de Paul Feig.

La película La empleada se podrá ver en Amazon Prime Video desde el 12 de junio.

9. México 86. “Pasión, locura y puro ingenio mexicano. En 1986, México fue el anfitrión del evento de fútbol más importante del mundo contra todo pronóstico. ¿Cómo se logró esa increíble hazaña?”, es la escueta sinopsis que compartió Netflix sobre este lanzamiento. Se trata de una historia de ficción protagonizada por Diego Luna, que cuenta cómo ese país logró convertirse en la sede del Mundial de Fútbol.

La película México 86 está disponible en Netflix desde el 5 de junio.

10. Sugar. “Sugar es una interpretación contemporánea de uno de los géneros más populares e importantes en la literatura, la televisión y el cine: las historias de detectives privados. El nominado a un Oscar Colin Farrell interpreta a John Sugar, un investigador privado estadounidense que sigue los pasos de la misteriosa desaparición de Olivia Siegel, la querida nieta del legendario productor de Hollywood Jonathan Siegel. Mientras trata de averiguar qué le ocurrió a Olivia, Sugar descubrirá algunos de los secretos de la familia Siegel, algunos recientes y otros enterrados hace años”, señala Apple TV+ sobre esta serie que llegará a las pantallas este mes con su segunda temporada.

La segunda temporada de Sugar se podrá ver a través de Apple TV+ desde el 19 de junio.

11. Cada año que pasé contigo. “En Barry’s Bay, a lo largo de seis años y una semana, Cada año que pasé contigo retrata un romance nostálgico sobre primeros amores y decisiones que dejan huella. Basada en la novela bestseller Every Summer After de Carley Fortune, 16 semanas en la lista del New York Times”, informó Amazon Prime Video sobre esta serie que llegará este mes a su menú.

La serie Cada año que pasé contigo se podrá ver por Prime Video a partir del 10 de junio.

12. Playa de lobos. “Este largometraje es una comedia de suspenso protagonizada por Guillermo Francella junto a Dani Rovira. Sigue a Manu, quien trabaja en un bar de playa, y a Klaus, un turista que no se quiere levantar de la última silla que falta por recoger. Aparentemente parece solo el encuentro casual de dos tipos totalmente opuestos y condenados a no entenderse. Pero Manu empieza a sospechar que Klaus no está en esa playa por casualidad, ni es quien decía ser. La tensión va subiendo entre ellos, hasta que Klaus le hace a Manu una desconcertante y perturbadora propuesta”, informó en un comunicado Disney+ sobre esta película que, luego de su paso por los cines, se suma este mes a su menú.

La película Playa de lobos se podrá ver por Disney+ desde el 5 de junio.

13. Mis aventuras con Superman. “La historia de crecimiento del icónico superhéroe de DC llega a su tercera temporada en Latinoamérica, con episodios semanales todos los domingos. Producida por Warner Bros. Animation y protagonizada por Jack Quaid (The Boys), la serie sigue a los jóvenes veinteañeros Clark Kent, Lois Lane, Jimmy Olsen y la kryptoniana Kara Zor-El, mientras descubren quiénes son —y qué pueden lograr juntos— mientras buscan exclusivas para el Diario Planeta. Clark finalmente se ha convertido en Superman y ha hecho las paces con sus orígenes kryptonianos: ¡está listo para establecerse!”, informó HBO Max sobre este lanzamiento previsto para mediados de este mes. 

“Pero Lois, quien finalmente se ha convertido en la reportera estrella del Diario Planeta, no lo está. Por su parte, Jimmy ha evolucionado de fotógrafo freelance a periodista celebridad, pero aún se siente intimidado por las atenciones románticas de la recién llegada Kara Zor-El, quien intenta encontrar su lugar en la Tierra. En esta nueva temporada repleta de acción, comedia y romance, esta ‘familia por elección’ tendrá que enfrentar a nuevos y poderosos enemigos que desafían a Superman, amenazan su futuro y ponen a prueba los lazos que los mantienen unidos. ¿Podrán nuestros héroes salvar el mañana antes de que destruyan el hoy?”, agregó la plataforma en un comunicado.

La nueva temporada de la serie animada Mis aventuras con Superman se podrá ver por HBO Max a partir del 14 de junio.

14. La misteriosa mirada del flamenco. “En el desierto chileno de Atacama, La misteriosa mirada del flamenco irrumpe como un espejismo cargado de verdad. A través de Lidia, una niña criada en una familia queer en los márgenes, Diego Céspedes compone una fábula íntima donde el deseo se celebra mientras el miedo comienza a tomar forma. Desde una dimensión simbólica y profundamente humana, la película convierte la enfermedad en rumor y condena. Con una imaginería sensual y una precisión punzante, dibuja un mundo donde amar es resistir y, también, provocar”, adelantó Mubi en un comunicado sobre este largometraje.

La misteriosa mirada del flamenco se podrá ver en Mubi a partir del 12 de junio.

15. No aptos para trabajar. “De la mano de Mindy Kaling, creadora de exitosas comedias, No aptos para trabajar sigue a cinco veinteañeros obsesionados con el trabajo que buscan alcanzar el éxito profesional y, si les queda tiempo, la felicidad personal en el barrio más glamoroso de Manhattan, Murray Hill. La serie está protagonizada por Ella Hunt, Avantika, Will Angus, Jack Martin, Nicholas Duvernay y Jay Ellis”, anunció Disney+ sobre este lanzamiento. Estrena con tres episodios y luego llegarán dos nuevos episodios cada martes del mes.

La serie No aptos para trabajar está disponible en Disney+ desde el 2 de junio.

AL

El homenaje al Indio Solari, en el Polideportivo Municipal José María Gatica de Villa Domínico, se mantuvo durante todo el domingo hasta la madrugada del lunes, bajo una intensa lluvia. Centenares de milles de fans se hicieron presentes en el predio de Avellaneda para despedir al ídolo.

Las fotos son de Noelia Marcia Guevara.

Puntualmente, cada tres años, ellos reaparecen con una película que lleva su sello inconfundible de profunda empatía hacia personajes desclasados, marginalizados. Representantes de la gente de a pie en problemas de supervivencia, tratando de salir adelante, de no caerse. 

Ellos son los hermanos Jean-Pierre y Luc Dardenne, con una docena de films 100 por ciento independientes en su haber. Han sido comparados con los maestros del neorrealismo italiano de la Posguerra –en especial, Roberto Rossellini–, también con Robert Bresson por su enfoque de los valores evangélicos del cristianismo; y, ya más adelante en el devenir del cine, con los ingleses Mike Leigh y Ken Loach, debido al tratamiento humanista y justiciero de vulnerabilidades sociales.

Empero, los belgas Dardanne –actualmente en la setentena, tan inseparables como coherentes en su conducta artística– desde que empezó el gran reconocimiento y la difusión de su obra con La Promesa (1996) –premiada en Cannes–, han dejado una marca propia en sus ficciones. Que algunos reseñadores se empeñan en relacionar con el género documental cuando en verdad se trata, efectivamente, de ficciones con apariencias de exacto realismo, que permiten revelar partes que les importan mucho de un estado de cosas del mundo.

Por ejemplo, en el reciente estreno de Madres jóvenes, referido a dificultades y conflictos, penas y alegrías de adolescentes embarazadas o que parieron hace poco, lo que priorizan es la situación de los vínculos amorosos, amistosos, familiares; la filiación, las nuevas y abrumadoras responsabilidades, la conquista de la autosuficiencia a una edad tan temprana…

Para nuestra admiración, este film se desarrolla en las afueras de la ciudad de Lieja, en buena parte en un hogar público de acogida para chicas a la espera de un bebé o que lo tuvieron recientemente. A estas adolescentes se les da atención médica y psicológica, alojamiento y comida durante un año. Además, se les gestiona el correspondiente subsidio y se las prepara para ejercer algún oficio a la hora de dejar ese centro. Sí, esto sucede en la vida real, tal cual se detalla en Madres jóvenes, en Bélgica, país donde evidentemente hay un estado presente.

Hermanos que son muy unidos

Aun sin conocer ellos el Martín Fierro, hay en el cine hermanos que cumplen a rajatabla la ley primera de tener unión verdadera en cualquier tiempo que sea. No es que haya tantos directores ligados por la sangre que trabajan junto armoniosamente, reiteradamente. Pero resulta que son tan buenos como Paolo y Vittorio Taviani que, habiendo debutado en 1962, dieron la nota más alta en 1977, con Padre padrone, que se llevó la Palma de Oro en el Festival de Cannes; y que continuaron filmado hasta 1917, año que ofrecen Una cuestión privada. Por su lado, Ethan y Joel Coen refrescaron creativamente el noir en 1984 con Simplemente sangre y siguen unidos en pleno XXI, con alguna que otra mutua “infidelidad”. Desde luego que también habría que citar a los hermanos Larry y Andy Wachowski que, en el siglo actual transicionaron y ahora son las hermanas Lilly y Lana Wachowski, laburando a veces juntas, a veces separadas, siempre estimulantes. 

Entre las mujeres, vale destacar a Delphine y Muriel Coulin, guionistas y directoras que empezaron a hacer cortos juntas en 1995 y prosiguieron en el cine documental (la primera también escribiendo novelas). En 2011 llegaron a la ficción con la cinta 17 filles, que toma como punto de partida la decisión de varias compañeras del secundario de una chica embarazada, de quedar todas ellas en el mismo estado, para educar conjuntamente a sus hijos y apropiarse de sus vidas apartadas de los adultos, ante el previsible enojo de familiares y profesores. Este argumento se basa vagamente en hechos reales ocurridos em Gloucester, Estados Unidos, en 2008. 

Dicho film fue seleccionado para la exigente Semana de la Crítica en Cannes y al estrenarse en salas de Francia, mereció críticas muy favorables, incluida la de Cahiers du Cinéma, que le brindó 4 estrellas sobre 5. Asimismo, fue muy valorada la labor de las actrices, “todas notables en comunicar la belleza y las angustias (cercanas al terror) del pasaje de una edad a otra”, según el diario Le Monde. Las hermanas Coulin regresaron en 2016 con Voir le Pays para narrar el arduo tránsito de mujeres soldado de 25 años, luego de una misión de 6 meses en Afganistán en su regreso a la vida luego del horror de la guerra. Esta película también se detiene a confrontar las mentalidades masculina y femenina respecto del tema de la violencia bélica. Claramente interesadas en los roles culturales adjudicados a mujeres y hombres, en su siguiente obra fílmica, Jouer avec feu, las realizadoras contaron una historia inusualmente significativa: la de un padre que debe criar en solitario a sus dos hijos varones. La realización compitió en Venecia, fue muy bien considerada y el gran Vincent Lindon se ganó la Copa Volpi por su interpretación. Jouer… convocó a 460 mil espectadores en su país. 

Volviendo a 17 filles, obvio es señalar que dicho film, que algunas reseñas vincularon en sus aspectos formales con Las vírgenes suicidas –de Sofia Coppola, 1999–,, en cierta forma se adelanta en su temática a Madres jóvenes.

Cinco chicas, cinco destinos diferentes

Naïma es la primera de las mamis adolescentes que abandona el centro maternal en la muy recomendable cinta de Jean-Pierre y Luc Dardenne. Lo hace con un gesto positivo, de afirmación orgullosa de madre soltera y mujer trabajadora dispuesta darle pelea a la vida. Ha escrito en una hoja de papel sus palabras de despedida para no olvidarse de ningún agradecimiento.

Jessica es una chica que fue dada en adopción al nacer por su madre soltera y que pone mucho ahínco en averiguar por qué “fue tirada”. “Yo también soy pobre y más joven que ella cuando me abandonó”, le retruca a la directora del hogar. Ha logrado ubicar a su progenitora biológica, que la sigue rechazando. Jessica da a luz a su bebé, que le despierta sentimientos encontrados.

Perla es la jovencita afro que se resiste a la deserción de su novio que dejaría huérfano de padre a su niñito. Felizmente para ella, Perla cuenta con una hermana mayor que la quiere más allá de los roces entre ellas.

Ariane, con su pelo cortito y su madre alcohólica que cree ver en su nietito una tabla de redención. Pero que no puede con su temperamento inestable de alcohólica y le lanza un par de cachetadas a su conflictuada hija, quien, con gran dolor, está pensando en dar en adopción a su nena para asegurarle una vida mejor, sin las carencias que ella sufre.

Julie, en recuperación de su adicción y amando a su bebé, tiene una recaída. Pero está su chico, igualmente joven, que la quiere y la banca. Ambos sueñan con establecer una familia.

Los directores siguen discretamente a sus cinco protagonistas que caminan, empujan un cochecito, van en moto, en transportes públicos, en coche; vestidas con sencillez, la cara lavada, el pelo al desgaire. Les abren la cámara en las juntadas de la comunidad del hogar, con el personal siempre listo para asistirlas, también para marcarles que las tareas domésticas se distribuyen equitativamente entre todas.

JPD y LD consiguen, como en oportunidades anteriores, transmitir una sensación de indiscutible autenticidad, de cercanía pudorosa, de amor sincero por sus criaturas sin apelar a la más mínima sensiblería. Incluso en las escenas donde aflora tocante emoción hay una justa moderación. Y, no hace falta remarcarlo, nunca una bajada de línea. Las actrices, en su mayoría debutantes, responden de manera sobresaliente. En particular, se podría destacar a Lucie Laruelle como una Perla doliente, plena de elocuente sutileza en sus miradas. A su vez, Cristabell Cornill en el rol de la madre de Ariane da la medida de su impotencia desesperada, irremediable. Ella también una víctima de la pobreza, de un amante golpeador del que no termina de separase.

Y los bebés recién nacidos o de poquitos meses… ¿Quién no se derrite ante una diminuta criaturita desvalida que esboza su primera sonrisa? Pero los hermanos Dardenne no sacan partido de ese encanto de los chiquitos a quienes la cámara trata con suma delicadeza cuando se justifica su aparición –adorable– en pantalla.

MS/MG

Madres jóvenes se puede ver en Cinépolis Recoleta, Atlas Patio Bullrich, Lorca, Cine Arte Cacodelphia, Multiplex Belgrano, Showcase Norte, Multiplex Palmas del Pilar, Cinema Paradiso La Plata, Cines del Centro Rosario.

Pasado el shock de las primeras horas, luego de conocida la muerte de Carlos “Indio” Solari, comenzó a activarse el boca a boca, como en los primeros años de los Redondos. Así, sin una convocatoria oficial, sólo impulsados por la necesidad de compartir el dolor ante la pérdida de uno de los mayores artistas populares del país, poco a poco empezaron a llegar a la Plaza de Mayo los primeros fans. Fueron cientos, miles y la plaza quedó copada.

Si el Indio no pudo ser velado en el Congreso, como quería su familia, tuvo su despedida en en el corazón de la Ciudad. Aquí los retratos de una jornada que tuvo dolor, recuerdos, música y pogo

Hay un momento preciso en que todo cambia. Es cuando uno cruza el umbral del atrio, levanta la vista y se detiene. La grilla estructural vidriada que sostiene el edificio empieza a revelar otra cosa: triángulos que la luz del sol va desplazando a lo largo del día, reflejos que migran por las paredes, sombras que se alargan y se contraen como si el espacio mismo tuviera un pulso. Eso es Eco al Infinito, la más reciente instalación site-specific de la artista, cineasta y diseñadora de espectáculos Constanza Schwartz.

Cuando el arte contemporáneo debate con creciente urgencia su lugar en la esfera pública -quién lo financia, dónde se emplaza, a quién interpela- Eco al Infinito aparece como una respuesta oblicua pero poderosa. No está en un museo. No está en una galería. Está en el hall del edificio Lumina San Isidro, proyecto del Estudio Mario Roberto Álvarez, entre escaleras mecánicas y trabajadores que van y vienen con café en mano. Y precisamente ahí reside su potencia. “La idea del eco visual apareció casi como una intuición”, cuenta la artista. “Me interesaba pensar el espacio no como algo estático, sino como algo que se expande con la mirada. La repetición funciona como un lenguaje. Se busca deconstruir y luchar contra la concepción humana del tiempo mediante la repetición y superposición visual para así contribuir a la percepción del indomable ritmo de la fugacidad. Pulsos y destellos arrítmicos, fragmentos instantáneos. Distorsionar la idea de instante y jugar con la percepción sobre lo permanente”.

Lo que vino después fue un proceso largo de investigación, ensayo y escucha del espacio. La obra se fue gestando a partir del estudio de formas básicas que todos reconocemos aunque no sepamos bien por qué. Aquellas figuras que Jung llamaría arquetipos, presentes tanto en el inconsciente colectivo como en el arte de todas las culturas y todos los tiempos. “Empecé a trabajar con un alfabeto de formas, casi como si fueran unidades mínimas de sentido, y a partir de ahí la obra creció por repetición, variación y escala”, explica Schwartz. “Es un proceso orgánico, donde lo conceptual y lo visual se van retroalimentando todo el tiempo.”

Esa retroalimentación no es casual: Schwartz tiene formación en dirección cinematográfica y dirección de arte, y es además una estudiosa apasionada de la arquitectura. Su práctica artística no reconoce fronteras disciplinares porque, para ella, esas fronteras son justamente lo que hay que poner en cuestión. “Creo fervientemente en la dilución de las líneas divisorias entre lo artístico y lo cotidiano, lo real y lo virtual, lo público y lo privado, la imagen y el símbolo”, afirma. “Y cómo esa dilución permite generar paralelismos y establecer miradas introspectivas sobre los vínculos que involucran la memoria colectiva de un patrimonio intangible e inmaterial.”

Si hay una forma que organiza y vertebra toda la obra, es el triángulo. No es una elección arbitraria ni meramente estética. El triángulo tiene, para Schwartz, una carga simbólica que atraviesa culturas y siglos, desde las pirámides egipcias hasta la geometría griega, pasando por la tradición alquímica y la arquitectura sagrada. “Las formas primarias tienen algo muy directo: no necesitan explicación. Son reconocibles a nivel casi corporal”. En Eco al Infinito, el triángulo no aparece como motivo decorativo sino como estructura generativa: es el punto de partida desde el cual la obra se despliega en el espacio, se multiplica, se fragmenta y se recompone.

El texto curatorial, escrito en colaboración con Graciela Peyrú, lo articula con precisión poética: la obra nos conduce hacia un alfabeto de formas abiertas y fundamentales con las que hemos construido el mundo. Formas que son, al mismo tiempo, íntimas y universales, antiguas y urgentemente contemporáneas. Intervenir un atrio corporativo de dimensiones monumentales es, en sí mismo, un problema artístico y filosófico. ¿Cómo evitar que el arte quede aplastado por la arquitectura? ¿Cómo evitar, al mismo tiempo, que compita con ella de manera torpe? ¿Qué significa hacer arte site-specific en un espacio que no fue concebido para el arte sino para la productividad?

La instalación acompaña el movimiento de cada persona que trabita el edificio. Aparece cuando uno sube por las escaleras mecánicas desde los estacionamientos -ese espacio liminal entre el afuera y el adentro- y se hace presente en cada ingreso y egreso a las oficinas, suspendida o a través de reflejos en cada piso. No hay un único punto de vista privilegiado. La obra se activa con el desplazamiento. “Me interesa pensar cómo se construye una experiencia en el tiempo, cómo cambia según el punto de vista, la estación del año tiñendo la obra y el espacio, cómo el cuerpo se mueve dentro de la obra y, muy importante en esta obra: el paso del sol durante el día, develando reflejos en las paredes vidriadas, sombras, todos los elementos transformados como si fuera un gran montaje cinematográfico sobre cuerpos entre escenográficos y escultóricos”, describe Schwartz. Y esta dimensión temporal de la obra —el hecho de que cambie con la hora del día, con la estación del año, con el ángulo desde el que se la mira— es también una declaración conceptual. La obra no es fija. No es un objeto. Es un proceso. Y eso la emparenta con el cine, con la escenografía, con la arquitectura efímera, con todas esas prácticas que existen en el tiempo tanto como en el espacio.

“Creo que hoy el arte puede funcionar como una invitación a una pausa necesaria. Detener el tiempo a través de gestos, esperar a momentos lumínicos naturales dados por el sol, sombras, reflejos”, dice Schwartz. “Vivimos en una lógica muy acelerada, y el arte nos permite crear y abrir espacios donde esa lógica puede suspenderse por un momento”. Ese momento de extrañamiento -esa pequeña fisura- es exactamente lo que el arte puede ofrecer que ninguna otra cosa puede. Un instante en que la mirada se detiene y el mundo se vuelve, por un segundo, extraño y nuevo. No es la utopía grandiosa de la revolución o la refundación. Es algo más pequeño, más cotidiano, y quizás por eso más posible: la utopía de mirar diferente. De entrenar al ojo para detenerse. De encontrar, en un atrio de oficinas, un instante de suspensión donde el tiempo funciona de otra manera.

La imagen de miles y miles de personas saltando al ritmo de “Ji ji ji” trascendió las fronteras de argentinas y dejó boquiabiertos a los extranjeros que vieron las imágenes. El clásico de los Redonditos de Ricota se convirtió en el momento cúlmine de la misa ricotera. Ese que todos esperan en el recital.

En julio de 2012, ese momento quedó registrado en “El pogo más grande del universo filmado a mil cámaras”, un proyecto colaborativo realizado por dos productoras argentinas, Lumpen Films y Calma Cine, que recopilaron en un video las filmaciones de los fans que asistieron al recital que los Redondos dieron en Tandil el 13 de noviembre de 2010.

El video, dirigido por Tian Cartier con la producción de Martín Longo, muestra la lógica y el sentido de pertenencia de los fans, la procesión y la misa ricotera.

El Indio Solari, quien murió este viernes a los 77 años, fue una figura pública que nunca evitó la controversia. A lo largo de décadas de entrevistas esporádicas y declaraciones públicas, el ex líder de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota construyó un discurso tan admirado como discutido, atravesado por críticas políticas, cuestionamientos al sistema cultural y opiniones tajantes sobre otros músicos.

Una de sus frases más recordadas fue “El lujo es vulgaridad”, parte de la letra de su canción Un poco de amor francés que se convirtió con el tiempo en una consigna generacional contra el consumismo y la ostentación. La sentencia, surgida en los años noventa en pleno auge menemista, terminó sintetizando buena parte del imaginario ricotero.

Sobre el dinero y el éxito, el Indio siempre fue muy claro: “El que le chupa las medias al poder no puede ser un artista. Me jode cuando hablan de que yo tengo dinero. Sí, tengo dinero, porque un artista independiente tiene que poder resistir los embates del poder”.

Si bien mantuvo un perfil bajo a lo largo de su carrera, en los últimos años Solari participó más activamente del debate público y se alineó discursivamente con el kirchnerismo. “Si la pandemia nos tocaba hace dos años moríamos todos. Porque ese es el espíritu de esa gente. Se dicen libertarios y me parece una locura”, manifestó en 2020.

En ese sentido, fue muy crítico de la gestión de Mauricio Macri: “¿Cómo hacés para olvidar que cada vez que vienen a desembarcar afanan todo lo que pueden? Ahora están recorriendo el mundo y nadie les dice que vengan. Espero que pase cuanto antes porque se han robado el país. No es que se llevaron un vueltito. Son fortunas internacionales que no están más acá y dinero que está en el exterior”.

Su admiración por la expresidenta Cristina Fernández de Kirchner nunca fue un secreto. “Tengo un respeto muy grande por Cristina. Como cuadro político es impecable”, afirmó en una entrevista.

Sobre la sociedad y los medios lanzó en una entrevista con Página 12: “Argentina puede ser un lugar que elija el bastión de los blancos, así como lo tienen a Israel en el mundo árabe. Acá también corremos el peligro de ser un bastión del imperio yankee”

La separación de los Redondos, Maradona, Cerati y los Beatles

También generó repercusión cuando descartó cualquier regreso de Los Redondos. “Volver con Los Redondos sería una estafa”, afirmó en una entrevista difundida en redes sociales, apagando una vez más las expectativas de millones de seguidores que soñaban con una reunión histórica de la banda.

El propio Solari también habló públicamente sobre la ruptura de Los Redondos y dejó frases que reavivaron viejas tensiones con Skay Beilinson. “Viví un duelo con el final de la banda”, dijo años después, al recordar el quiebre del grupo más convocante del rock argentino.

En otra entrevista, el Indio también se refirió a otro ídolo popular como Diego Armando Maradona: “Era un tipo que entraba con un Scania al barrio de los cogotudos. Diego era la venganza de los pobres”. 

Otra polémica se produjo por sus opiniones sobre The Beatles y, especialmente, sobre Paul McCartney. En una entrevista comparó el perfil artístico de McCartney con el de John Lennon y calificó parte de la obra del ex beatle como “flan”, una expresión que provocó rechazo entre fanáticos de la banda británica y abrió un intenso debate en medios y redes sociales.

El Indio además echó por tierra esa rivalidad de los Redondos con Soda Stereo, ese River-Boca del rock que fue alimentado por los fans durante décadas, especialmente en los años ochenta. Cuando murió Gustavo Cerati, en 2014, el cantante escribió: “Me has hecho disfrutar de tu dulce voz y de tus espléndidos juegos con las guitarras. Tu etapa solista fue sólida y aventurera y es lo que más me gusta de lo que nos has dejado. Mi aplauso para vos”.

Dueño de una personalidad esquiva y de un discurso cargado de ironía y crítica social, el Indio Solari se mantuvo durante décadas como una de las voces más influyentes y discutidas de la cultura argentina. Sus declaraciones, al igual que sus canciones, quedaron marcadas por la intensidad, la provocación y una permanente desconfianza hacia el poder y la industria.

El 5 de diciembre, el Indio Solari fue entrevistado por Andy Kusnetzoff en su programa de Urbana Play. “A la muerte no le tengo ningún miedo”, dijo entonces. Fue ese su último reportaje.

 “No tengo ningún miedo (...) creo que cuando tengas 76 años vos tampoco vas a tener miedo a la muerte”, afirmó el Indio. Y Kusnetzoff insistió: “¿Pero entonces antes la tenías y ahora no?”.

– “No, porque la vida mía ha pasado con pie pie rápido. Cuando tenés una personalidad como la mía, la gente te va transformando en un inútil también, porque te hacen todo: te te van abriendo las puertas, vos vas caminando y no te para nadie. Y eso te malcría. (A la muerte) la pienso en términos poéticos, y vivo de la misma manera que cuando tenía 20 años, en el presente; y no se me ocurre pensar en eso y no se me ocurre saber cómo es, nada: no sé cómo abarcar la muerte. Es como una gloria que te excede”.

El Día de la Lealtad

Unos meses antes, el 17 de octubre del año pasado, Día de la Lealtad Peronista, el Indio también dio otra entrevista a los periodistas Gabriel Sued y Leandro Renou para FutuRock. Fueron 35 minutos en los que el Indio habló de todo, desde su salud maltrecha, política y también elogios para Wos y Lali, dos artistas que vienen incluyendo sus temas en sus recitales.

Mezcla de cínico e irónico hasta con él mismo, ese día dijo: “Últimamente me paso la vida empeorando –ese es mi trabajo actual–, empeorando mi salud. Hay días que no tengo ganas de nada. Y cuando no tengo ganas de nada, no hago nada”.

Y con esa agudeza habló sobre la situación del país: “Veo una sociedad cansada, agobiada. Nos falta alegría. La gente vive con miedo, con bronca. No confía en nadie, ni siquiera en sí misma. El problema es que el ciudadano común no tiene herramientas para cambiar las cosas: está ocupado tratando de sobrevivir. La desigualdad, la pobreza, la falta de educación… todo eso te deja sin margen para pensar en comunidad. Y cuando no hay comunidad, aparece el sálvese quien pueda. Eso es lo que estamos viviendo”.

En ese mismo reportaje, también tuvo elogios para Máximo Kirchner: “Me considero amigo y aparte respeto su manera de pensar y su nivel intelectual. Todos me tratan de decir lo contrario, bueno, yo soy una de las voces que dice que Máximo es un gran jugador político. No soy militante, pero sí soy un tipo que los aprueba públicamente como mejores que todo al resto de las cosas que estoy viviendo y viendo”.

Sobre Wos, opinó que le gustaba “mucho, sobre todo porque no está todo el tiempo con eso de ‘dame la mamita, dame la mamita’. El reguetón alcanza para divertirse en la noche, pero no para mucho más. En cambio, Wos me cae simpático, y me gusta la gente a la que yo también le caigo simpático.”

En 2023, el Indio grabó con Wos “Quemarás”. Fue una de las pocas colaboraciones que hizo en su vida.

En el mismo reportaje, el músico también mostró su respeto por la versión del clásico de los Redondos “Vencedores vencidos” que Lali incluyó en un show en Velez. “¿Cómo se llama esta muchachita? Lali... Lali Espósito. También me llama la atención. Cantó Vencedores vencidos, creo. Le preste atención y se nota que no es un producto de alguien que la promueve, sino que la piba vale artísticamente ”, dijo.

MG

Carlos Alberto Solari murió este viernes en su casa de Parque Leloir, en Ituzaingó. Tenía 77 años y padecía Parkinson desde hacía una década. Se fue el Indio, la voz que durante más de cuarenta años le puso letra al rock argentino con una densidad poética sin equivalente en el género: nacido en Paraná, formado en La Plata, convertido en fenómeno nacional que llenaba estadios sin hacer prensa, sin dar entrevistas, sin conceder casi nada a la lógica del espectáculo masivo.

El under en La Plata y los redondos

Todo empezó en 1976 cuando Solari y Eduardo “Skay” Beilinson pusieron en marcha Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota en La Plata. El nombre era una broma dadaísta y los primeros shows eran exactamente eso: teatro, ballet, redonditos de ricota repartidos entre el público, una performance más cercana al happening que al rock. El underground porteño los fue adoptando durante los años de la dictadura, y a mediados de los 80 ya eran una de las bandas más singulares del circuito alternativo.

El debut discográfico llegó con Gulp! en 1985. Al año siguiente vino Oktubre (1986), el álbum que los consagró como referencia ineludible del rock nacional y que superó las 120.000 copias vendidas en una época en que el mercado independiente no tenía esas cifras. Después llegaron Un baión para el ojo idiota (1988), ¡Bang! ¡Bang! Estás liquidado (1989) y La mosca y la sopa (1991), cinco discos en seis años que construyeron un universo lírico propio: letras barrocas, referencias literarias, imágenes oníricas que sus seguidores —los ricoteros— aprendieron de memoria sin necesitar que nadie las explicara.

De Obras a River: la épica de la masividad

La primera gran tragedia que marcó la historia de la banda ocurrió en 1991, durante un show en el Estadio Obras Sanitarias: Walter Bulacio, un adolescente de 17 años, fue detenido por la policía en las inmediaciones y murió días después a causa de los golpes recibidos en comisaría. El caso derivó en una condena de la Corte Interamericana de Derechos Humanos al Estado argentino y se convirtió en una herida abierta en la memoria ricotera.

Pero la banda siguió creciendo. Lobo suelto, cordero atado (1994) se presentó con dos shows en el Estadio de Huracán ante 80.000 personas en total. Luzbelito (1996) profundizó la experimentación sonora. Último bondi a Finisterre (1998) —el disco del giro electrónico, con samplers y sonidos digitales— convocó a 90.000 personas en Racing en dos noches consecutivas. Y el cénit llegó en abril del 2000, cuando los Redondos tocaron en River Plate ante 140.000 personas en dos fechas: el número más grande en la historia del rock argentino hasta ese momento, y probablemente el show más citado de toda la historia de la música popular del país.

El último álbum de estudio fue Momo Sampler (2000). En 2001, sin anuncio oficial, sin conferencia de prensa, sin despedida, Patricio Rey dejó de existir. La sociedad entre Solari y Skay simplemente se disolvió.

El Indio en los Fundamentalistas: cinco discos más

Tres años de silencio después, en 2004, Solari volvió con una nueva banda: Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado, integrada por Julio Sáez, Baltasar Comotto y Eduardo Herrera en guitarras, Marcelo Torres en bajo y Hernán Aramberri en batería. El nombre era otro guiño irónico. La música era densa, oscura, más experimental que los Redondos, pero con la misma arquitectura lírica inconfundible.

El tesoro de los inocentes (Bingo Fuel) (2004) fue el debut solista. Siguieron Porco Rex (2007) —con Andrés Calamaro como invitado en el tema “Veneno paciente”, bajo el seudónimo “el Inefable Señor Gama Alta”—, El perfume de la tempestad (2010) y Pajaritos, bravos muchachitos (2013), que contó con la participación de ex compañeros de los Redondos: Semilla Bucciarelli, Sergio Dawi y Walter Sidotti. El quinto y último álbum, El ruiseñor, el amor y la muerte, llegó en 2018.

En sus créditos discográficos, Solari firmaba con seudónimos: “Caballo Loco”, “Monsieur Sandoz”, “El Fisgón Ciego”. El juego de identidades era parte del personaje.

El último show y el retiro

El recital más masivo de su etapa solista fue también el más trágico: Olavarría, marzo de 2017. Cientos de miles de personas viajaron desde todo el país para el show. La organización colapsó, hubo víctimas fatales entre la multitud, y el evento quedó marcado como el final de una era. Solari no volvió a subirse a un escenario desde entonces.

En 2016, durante un show en Tandil, ya había dado la señal de lo que venía: “El Parkinson me anda pisando los talones”, dijo ante la multitud. En 2023 confirmó su retiro definitivo con una frase que resumía su visión sobre el oficio: “El Indio ya cumplió su tiempo, y el mister no tiene vocación de directo, tiene ganas de hacer música y que la toque quien quiera”.

Aun así, siguió activo. En 2022 lanzó un proyecto experimental bajo el nombre El Mister y los Marsupiales Extintos, volcando nuevas composiciones en su canal de YouTube. En 2020 había recurrido a técnicas holográficas para un concierto virtual. Y en uno de sus últimos gestos públicos colaboró con Wos en la canción “Quemarás”, una muestra de que seguía atento al rock de las nuevas generaciones.

El legado

Hay pocas figuras en la historia de la cultura popular argentina que hayan construido una mitología tan sólida con tan poca exposición mediática. Esa esfinge fue parte central del mito. Pero lo que perduró fue la escritura: letras que combinaban surrealismo y marginalidad urbana, referencias a Rimbaud y a la cumbia, imágenes de una Argentina nocturna y esquiva que sus seguidores reconocían como propia.

Nacido en Paraná el 17 de enero de 1949, Carlos Alberto Solari deja detrás diez álbumes con los Redondos, cinco álbumes solistas, una legión de seguidores que no tienen equivalente en el rock argentino y una biblioteca de canciones que van a seguir girando mucho tiempo después de hoy.

Carlos Alberto “Indio” Solari, uno de los artistas más influyentes de la historia del rock argentino, murió este viernes a los 77 años. El músico atravesaba desde hace años un cuadro de Parkinson, enfermedad que él mismo había hecho pública y que lo había alejado definitivamente de los escenarios en 2023. Su última aparición en vivo había sido en 2017, el último ritual ricotero, en Olavarría. Después, formó parte de recitales de Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado a través de técnicas holográficas. Fue la banda sonora de la vida de varias generaciones de argentinos.

De acuerdo a las primeras informaciones, Solari fue hallado a las 8 de este viernes por su cuidadora, quien al llegar a su casa de Parque Leloir, en la calle Calixto Oyuela al 4000, lo vio tirado en en el suelo, a metros de la pileta en el jardín de la residencia. De inmediato, llamó al servicio de emergencias médicas que se trasladó al lugar para darle asistencia, pero no pudieron reanimarlo. A las 8:30, dieron el alerta a las autoridades y, por protocolo, se abrió una causa por averiguación de las causales de muerte, a cargo del fiscal Lucio Rivero, titular de la UFI Descentralizada N°2 de Ituzaingó, quien convocó a personal de la Policía Científica y adelantó se le realizará una autopsia al cuerpo del músico.

Los resultados de la autopsia

La autopsia sobre el cuerpo del Indio Solari inició pasadas las 15.45, por un equipo forense. El resultado preliminar indicó que el artista habría tenido un ACV no traumático. Las primeras informaciones indican que, si bien se encontraba en inmediaciones de la pileta, “no se habría ahogado, ni tragó agua”. Los profesionales de la salud no descartan futuros estudios complementarios con el fin de brindar detalles más certeros.

El mensaje de la familia: “La noticia más triste”

Cerca del mediodía, la familia se expresó en las redes sociales oficiales del Indio: “La noticia más triste, esa que hubiésemos querido no dar nunca, es cierta. Nuestro amado Indio -su cuerpo, su manifestación física- ya no está. No hay forma de expresar nuestro dolor, ni hace falta: es el mismo que sienten ustedes”, comienza el posteo.

“Contamos con su comprensión para atravesar estas primeras horas de desolación. Lo despedirá su familia ahora, en la intimidad que merece. Y en breve les informaremos dónde se realizará la despedida pública, para que todos y todas los que lo amaron puedan despedirse también. Mientras tanto, lloremos como corresponde, escuchemos sus canciones y, sobre todo, cuidémonos entre nosotros, como él nos enseñó”, pideron los familiares a los fans de Solari.

Un símbolo de nuestra cultura

Solari fue mucho más que un cantante: fue un símbolo cultural. Su figura, envuelta en misterio, hermetismo y una poética única, moldeó la identidad de varias generaciones. Su voz —barítono áspero, inconfundible— y sus letras cargadas de metáforas lo convirtieron en un referente de la contracultura argentina. Sus recitales en vivo, convocaban multitudes irrepetibles.

De Los Redondos al mito colectivo

Nacido en Paraná en 1949 y criado en La Plata, Solari fundó en 1975 junto a Skay Beilinson Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, la banda que redefinió la escena musical argentina con un modelo autogestivo, sin exposición mediática y con un culto que creció de boca en boca.

Los Redondos editaron nueve discos de estudio hasta su separación en 2001 y construyeron una de las comunidades de seguidores más intensas del país. Sus recitales, multitudinarios y rituales, se convirtieron en un fenómeno social sin precedentes.

Tras la disolución, Solari continuó su camino con Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado, con quienes publicó cinco álbumes y mantuvo vivo el magnetismo de sus presentaciones. Su último show presencial fue en Olavarría en 2017, un concierto que reunió a cientos de miles de personas y que terminó marcado por una tragedia con dos muertos y decenas de heridos.

El retiro, la enfermedad y la obra final

En 2023, el Indio confirmó públicamente su retiro de los escenarios debido al avance del Parkinson. Desde entonces se dedicó a trabajar en estudio, publicar libros y experimentar con formatos virtuales, como el concierto holográfico de 2020.

En mayo de 2026 recibió el título de Doctor Honoris Causa de la Universidad de Buenos Aires, un reconocimiento institucional inédito para una figura históricamente reacia a los homenajes.

Un legado que excede la música

Solari deja una obra que atraviesa generaciones y que se expandió más allá del rock: poesía, artes visuales, narrativa y una forma de entender la cultura popular argentina. Su figura pública —escasa, controlada, casi mítica— convivió con un impacto masivo que ningún otro artista del país logró replicar.

Su muerte cierra una era. Pero su obra, sus canciones y la comunidad que lo acompañó durante décadas seguirán alimentando un mito que ya forma parte del ADN cultural argentino.

Entre sus acercamientos más recientes al público, el artista recibió un homenaje por parte de la Universidad de Buenos Aires que le otorgó el doctorado Honoris Causa, con un acto en el Aula Magna de la Facultad de Medicina y el músico envío un mensaje en agradecimiento por la distinción.

En el mismo acto, el guitarrista e integrante de Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado, Gaspar Benegas, junto a un octeto de cuerdas, interpretaron diez canciones del Indio, que fueron ovacionados por el público presente.

El 6 de diciembre pasado, un show de Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado en el Estadio Único Diego Armando Maradona de la ciudad de La Plata, dejó uno de los momentos más conmovedores del año: la aparición del Indio Solari a través de un video especialmente grabado para la ocasión.

El estadio quedó en silencio cuando el músico irrumpió en las pantallas gigantes con su tono inconfundible y visible emoción. De esa manera, el Indio le habló directamente a los “ricoteros”:

“Me acompañaron durante ese tiempo hasta que la providencia quiso que se cruzaran conmigo un par de cositas que me impiden… ya saben ustedes de qué hablo”, dijo, en referencia a la enfermedad de Parkinson que padecía.

“No quería dejar pasar este momento para jugar a que estoy con ustedes. Los quiero mucho, los respeto mucho como público. Son de los mejores del planeta”, expresó.

El mensaje, breve pero contundente, despertó una ovación unánime que recorrió todo el estadio. Esa aparición del Indio volvió a confirmar que su legado va mucho más allá del escenario y acompañará por siempre a los fans.

Sus últimas entrevistas

Con Lucrecia Martel se cierra “Destellos en la oscuridad”, el ciclo conducido por Ana Cacopardo y auspiciado por elDiarioAR que culminó en un videopodcast disponible en YouTube y Spotify.

“Destellos en la oscuridad”  inauguró una nueva forma de pensar el cruce entre pensamiento, cultura y periodismo: cada semana se publicará un episodio que combina conversación, reflexión y registro audiovisual en torno a temas centrales de nuestro presente histórico.

Martel presentó en La Paz Arriba, el centro cultural donde se realizaron todos los encuentros, su última producción, “Nuestra Tierra”. Allí, diseccionó el proceso de realización de este último trabajo y reflexionó sobre el racismo y el rol del cine para desandar “la ficción de la historia argentina”. “No voy a esperar que mi vida pase quejándome. No elegí el cine para hacerlo cuando me favorezca un gobierno. Elegí el cine porque creo que puede transformar el mundo”, dijo.

Y en otro tramo de la charla, agregó: “Nosotros crecimos pensando que ”al enemigo ni justicia“ Fachos corran, zurdos corran. Todas esas afirmaciones donde vos te ubicas en el lugar del bien y el otro está en el lugar del mal, no sirven. La batalla cultural es una idea estúpida porque la cultura puede ser justamente lo contrario”.

Hacen Destellos:

Producción y contenidos: @curiadolores @lulubarsky@cacopardoll

Audiovisual: @andres_pacifico_irigoyen y Lucía Lubarsky

Realización: Casa productora Pacífico

Diseño gráfico: @denuma

Maquillaje: @nati.skincare

La artista franco-iraní Marjane Satrapi, mundialmente famosa por su obra Persépolis, murió a los 56 años. De acuerdo con un comunicado de su entorno, Satrapi falleció “de tristeza” un año después de la muerte de su esposo y compañero de vida, Mattias Ripa. En sus últimos meses, el Instagram de la dibujante y cineasta se convirtió en el reflejo de su luto con el mensaje recurrente: “Porque perdí al amor de mi vida”.

Satrapi nació en 1969 en Rasht (Irán), en el seno de una familia acomodada y de ideología progresista. El complejo contexto político que se dio en su país en los años posteriores a la revolución de 1980, motivó que fuera enviada a Viena para que continuara sus estudios de secundaria en el Liceo Francés de la capital austríaca. Una vez que volvió a Irán, se inscribió en Bellas Artes en la Universidad de Teherán, donde obtuvo el máster en Comunicación Audiovisual.

En 1994 se trasladó a Francia, donde vivía desde entonces. Estudió en la Escuela de Artes Decorativas de Estrasburgo y después se mudó a París. En 1997 inició su carrera como ilustradora de libros de cuentos para niños como Adjar y Los monstruos tienen miedo de la luna.

La artista se introdujo en el mundo del cómic de la mano del dibujante y guionista David B, que fue quien le sugirió narrar en este formato los recuerdos de su infancia y adolescencia en Teherán. El resultado fue Persépolis, la novela gráfica ilustrada en blanco y negro en la que Satrapi logró que se hablara de la Revolución iraní como nadie antes lo había hecho: en primera persona y de manera divulgativa, no como un conflicto alejado y ajeno al mundo.

Publicada en cuatro tomos, Persépolis alcanzó gran éxito de crítica y público. La propia dibujante se encargó de llevarla a la gran pantalla junto a Vincet Paronnaud en 2007. El largometraje de animación fue galardonado con el Premio del Jurado del Festival de Cannes, dos premios César y fue nominada al Oscar a Mejor película de animación. Su gran repercusión la impulsó a seguir transitando y combinando ambas vías: historieta y cine.

En 2003 publicó el cómic Bordados, en el que presentó una serie de reflexiones sobre las mujeres iraníes; y en 2006 Pollo con ciruelas, con el que obtuvo el reconocimiento a Mejor álbum en el Festival del Cómic de Angulema 2005. Ambientada en su Irán natal en 1928, narraba la historia de Nasser Alí, un músico que perdía las ganas de vivir después de que su mujer le rompiera su tar, el instrumento que lo había acompañado hasta entonces.

Entre el cine y el cómic

Satrapi volvió a adaptar al cine su obra junto a Vincent Paronnaud, y posteriormente estrenó otras tres películas. En la comedia La bande des Jotas (2013) mostró una versión absurda de la habituales confusiones de valijas que se dan en los aeropuertos a través de Nils y Didier, dos jóvenes que viajaban al sur de España para participar en un campeonato de bádminton.

En Las voces (2014) mezcló humor y comedia con un reparto liderado por Ryan Reynolds, Gemmar Arterton y Anna Kendrick. El film sigue a Jerry, hombre que sufre con esquizofrenia y trabaja de mantener en secreto sus alucinaciones.

En Radioactive (2020), narró la vida de la química Marie Curie y su pareja, Pierre Curie, quienes desarrollaron la teoría de la radiactividad y descubrieron tanto el radio como el polonio. El largometraje, liderado por Rosamund Pike, estaba basado en la novela homónima de Lauren Redniss. “Fue una mujer que no buscaba gustar ni ser querida, y de ese modo es más fácil quererla”, describió Satrapi a Marie Curie durante la promoción del film. Su última película fue la comedia dramática Paradis Paris (2024), protagonizada por Monica Bellucci y Ben Aldridge.

Mujer, Vida, Libertad (2023) fue el último proyecto gráfico de la artista. Un volumen colectivo de no ficción en el que participaron el politólogo iraní Farid Vahid, el historiador también iraní Abbas Milani, el reportero francés Jean-Pierre Perrin y un grupo de diecisiete autores de cómic. El libro ilustra las revueltas producidas en Irán a partir del asesinato de Mahsa Amini en 2022, a manos de la llamada 'policía de la moral'. En él se denuncia la represión y falta de derechos humanos que, según Satrapi, sufre la sociedad iraní, muy en especial las mujeres, por culpa del régimen.

Otra de las disciplinas en las que Satrapi destacó fue la pintura, con relevantes exposiciones en galerías parisinas como la Jérôme de Noirmont. Comandante de la Orden de la Artes y las Letras de Francia, la artista fue doctora honoris causa por las universidades belgas UC Louvain y KU Leuven. En 2024 fue elegida miembro de la Academia de las Bellas Artes de Francia.

Todo lo que queríamos saber sobre Inteligencia Artificial y no nos animábamos a preguntar lo reunió Irina Sternik en su primero libro, “Inteligencia Artificial, el futuro llegó hace rato”, publicado por AZ Editora. Qué es y qué no es, los mitos, realidades y verdades a medias, y hasta un recorrido por las IA generativas que más usamos y sobre las que necesitamos tener más información. Una charla honesta y libre del humo de la IA.

Irina Sternik es periodista de cultura digital. Estudió Comunicación Social y colaboró en Pagina12, Revista Elle, El Planeta Urbano y La Nación. Es la creadora del blog LadoB.net.

La ventana indiscreta es un podcast para mirar qué hay detrás de un libro, una serie, una historia. Cada episodio tiene un tema y un entrevistado. Así nos metemos con las historias que se cuentan en los libros, en las películas, en las canciones y también con temas actuales como la inteligencia artificial, los trolls, las redes sociales. 

Por supuesto que es un homenaje a la película del mismo nombre dirigida por Alfred Hitchock, que advertía que nos estábamos convirtiendo en una sociedad de mirones pero a la vez es una invitación a quedarse un poco quietos y mirar más allá de lo que vemos al pasar.

La Ventana Indiscreta

Conduce Ana Correa

La producción es de Pablo Waimann

En la edición está Jorge de Tezanos