Algo Prestado es un podcast de elDiarioAR realizado por Tamara Tenenbaum, junto a un invitado cada semana. Está alojado en Spotify, plataforma líder para la publicación de podcast, y también en otras aplicaciones de streaming.

Madonna tenía 24 años cuando lanzó su primera canción en solitario, Everybody. Era 6 de octubre de 1982, fecha que cambiaría para siempre la historia de la música. Nacía la que terminaría convirtiéndose en la 'reina del pop'. Soberanía que su majestad mantiene más de cuatro décadas después en las que, con ahora quince álbumes de estudio a sus espaldas, compuso himnos como Like a Prayer, Like a Virgin, Vogue, Hung Up y La Isla Bonita.

Pero su legado no se limitó únicamente a su talento como artista. Madonna rompió los moldes del mainstream, transgredió a nivel sexual, tomó las riendas de toda su corporalidad y look, y dio visibilidad al sida cuando era un tabú envuelto en estigmas, desafió al Vaticano y subió la bandera palestina al escenario de Eurovisión en Israel.

“Siempre abrió camino”, afirma Eduardo Viñuela, Doctor en Musicología y autor de la biografía Bitch She's Madonna (Dos Bigotes). Un camino que sigue ampliando con el lanzamiento de su nuevo disco, Confessions II, este viernes, siete años después del anterior, a punto de cumplir 68.

“Está haciendo algo que no hizo nadie, que es envejecer siendo mujer en un género musical como el pop. No estamos hablando de una artista de country, ni de blues, ni de jazz, sino del pop, que siempre se asoció a la juventud”, valora el experto, que incide en que la cantante fue y es blanco de edadismo: “Se le criticó mucho, cuestionando que por qué no se retira; que además tiene un componente de género, porque desde luego no es algo que le digan a Bruce Springsteen”.

Leyre Marinas, publicista y Doctora en Periodismo, analizó en Fucked Feminist Fans. Los orígenes del #MeToo desde la cultura pop musical las conexiones que registradas en los últimos treinta años entre la música, los movimientos feministas y el sexismo divulgado por los medios de comunicación, en las que Madonna cuenta con su propio apartado.

Para la investigadora, la artista “sufrió y sufre todas las normas de vigilancia y control sobre absolutamente todo lo que pueda atravesar a cualquier mujer. Ya sea por edadismo, su sexualidad, su talento, sus creaciones, su poder dentro de la industria musical y su influencia. Las críticas siempre han sido sexistas. No vas a encontrar a ningún hombre del pop, rock o cualquier otro género al que le digan 'deja de ocupar este espacio'”.

La doctora en periodismo incide en que desde el inicio de su carrera, la artista “obligó a que la sociedad se hiciera preguntas muy incómodas dentro del papel de las mujeres en la industria musical y los videoclips. Mostró su sexualidad sin estar subordinada a la mirada masculina. Siempre enseñó su deseo como herramienta de poder y de liberación; y a ella misma como mujer ambiciosa dentro de la industria. Eso rompía muchísimos esquemas”. “Su gran aportación fue demostrar que las mujeres podían llegar al poder y al éxito”, suma.

El intocable trono de la 'reina del pop'

Desde que Madonna fuera apodada como la 'reina del pop', la industria musical ha contó con un radar particular sobre quién sería su digna sucesora, creando una necesidad de relevo, realmente inexistente, fruto de la competitividad entre las mujeres impuesta por patriarcado y capitalismo. Sin embargo, ella fue a la contra, poniendo el foco en generar precisamente lo contrario.

“Desde los ochenta le persiguió ese buscar a la siguiente reina para cuando hiciera falta el relevo generacional. Mientras tanto, ella reivindicó la unión y validación a las figuras del pop de cada momento”, apunta Eduardo Viñuela, haciendo referencia a su apoyo a Christina Aguilera, Britney Spears, Nicki Minaj, Sabrina Carpenter –con quien tiene una colaboración en su último disco–, Arca y Charli XCX.

“En vez de rivalidad, está creando sororidad”, añade el experto, que aplaude que a su vez ponga en valor a figuras del pasado, como Tamara de Lempicka y Liza Minnelli.

Leyre Marinas comparte su valoración, aplaudiendo que en ese 'ir por delante', Madonna supo incluso “sacarle partido al jugo que podía haber en esa construcción cultural de la competitividad entre mujeres, de 'peleas de gatas'”, y cita como el gran epítome el icónico beso que se dio con Britney Spears en la gala de los MTV Awards celebrada en 2003.

“Fue un diálogo generacional. Una actuación plagada de safismo. No solo fue una provocación mediática, sino una transmisión simbólica de la reina del pop a su heredera. Ahora estamos más acostumbrados a ver colaboraciones y halagos entre artistas, pero en su momento rompió con ello bastantes esquemas”, reivindica.

El poder político de Madonna

Más allá del éxito de su música, Madonna siempre llevó el significarse políticamente por bandera, que en numerosas ocasiones derivó en polémicas. Uno de sus grandes hitos fue dar visibilidad a la lucha contra el sida en los ochenta, rompiendo por completo con el tabú que suponía en ese momento. “Fue un gran altavoz de este problema en un momento en el que estaba muy escondido”, recuerda y menciona otros hitos controvertidos como sus enfrentamientos con el Vaticano. “Al mercado no le interesa mucho cuando alguien mete mucho el dedo en la llaga, pero le dio igual”, explica.

El videoclip de Like a Virgin, que culminaba con la cantante bailando rodeada de cruces en llamas fue todo un escándalo en 1989, al que siguió que, un año después, Madonna llegara a ser amenazada por la Policía. Varios agentes le advirtieron de que si volvía a simular una masturbación durante su interpretación de la misma canción en un concierto en Canadá, sería arrastrada por escándalo público. Por supuesto su reacción fue hacerlo aún con más entusiasmo que sus actuaciones previas.

En su 'idilio' con la Iglesia faltaría sumarle el lanzamiento de la canción Papa Don't Preach en 1986, en el que hablaba sobre una adolescente que decidía seguir adelante con su embarazo, y que durante su tour internacional en 1987, dedicó al papa Juan Pablo II, que la institución entendió como una provocación directa, ofensiva e irrespetuosa.

En 2019 protagonizó otro momento histórico, esta vez sobre el escenario de Eurovisión. Con Israel como sede del concurso, la cantante incluyó en su puesta en escena a dos bailarines subiendo una escalinata tomados de la mano, con la bandera de Palestina e Israel cosidas en la espalda. “La música hace que la gente esté unida”, dijo la artista durante la gala. El gesto no gustó en el país anfitrión, cuya ministra de Cultura calificó de “error inapropiado”.

Madonna volvió a significarse sobre el genocidio en Gaza. De hecho, incluyó un alegato en su gira mundial de 2023. “Podemos unirnos de una forma oscura y malvada, o podemos unirnos para crear un espacio de luz y amor. Y si todos tenemos esta conciencia colectiva, podremos cambiar el mundo y traer paz no solo a Oriente Medio, sino a todo el mundo”, expuso durante sus shows.

“No se ha valorado nada político de lo que hizo”, critica Leyre Marinas, mencionando el citado beso con Britney Spears, pero también en su reivindicación de la sexualidad femenina, el feminismo en sí, la visibilidad sobre el colectivo LGTBIQ+ y rechazo al racismo. La Doctora en Periodismo considera que muchas veces la sensación de 'polémica' haya “eclipsado a veces el contexto sociocultural y político en el que han ido sucediendo”, empezando por el marco que acompañó el lanzamiento de cada uno de sus discos, que provocaron que discos como Erotica (1992) fuera todo un escándalo.

Leyre Marinas critica que hasta hay quien leyó sus polémicas como “incluso individualistas, o meras provocaciones de una artista que se subió a un escenario con un talento y éxito mundial, y que, sin embargo, no se le ha tomado en serio”. La investigadora apunta que “ocurre siempre como reacción a cualquier acción de mujeres o colectivos discriminados, que parece que pasan sin pena ni gloria, pero funcionan igualmente como intervención cultural, de representación y visibilidad”. “Esto también ayuda mucho a entender por qué Madonna sigue siendo una figura imprescindible dentro de la historia del pop y de la industria del entretenimiento en general”, concluye.

La capacidad de “augurar” el futuro

La cantante publica este viernes Confessions II y hay una sensación generalizada de que el final de su carrera quede aún muy lejos, también para ambos expertos. “Madonna augura el futuro y el público obedece. Da igual hablar de la industria musical, la estética o el apoyo público a comunidades discriminadas; ella siempre fue un paso por delante de las mortales y es la que guía”, alaba Leyre Marinas.

Eduardo Viñuela destaca que en su nuevo trabajo podría haber optado por acercarse a “la línea de lo que se escucha, quizás algo más de reguetón, pero lo que está haciendo es reivindicar la música disco”. Madonna sorprendió a sus fans con un concierto sorpresa en Times Square presentando su disco a principios de junio, del que también adelantó un cortometraje de trece minutos, Confessions II - The Film, disponible en YouTube.

“En un momento en el que todo es muy fugaz y líquido, en el que todo son eras que pasan muy rápidamente, solo hay que ver cómo Taylor Swift o Rosalía cambian cada dos años de concepto; ella se mantiene en una línea que ha estado muy presente en su carrera”, considera, “todavía le quedan muchas cosas por decir, y eso que ya todo lo que lleva haciendo muchos años está por encima de lo que se podría esperar de un artista”.

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Después de más de dos décadas explorando los cruces posibles entre las músicas de raíz latinoamericanas, la experimentación electrónica y la percusión ritual, Tremor vuelve a abrir una nueva puerta. El sábado 20 de junio, el grupo integrado por Leonardo Martinelli, Camilo Carabajal y Alex Musatov presentará oficialmente Takuy en Galpón B, en una fecha que tendrá como invitadas a Ignacia y Lucy Patané, dos de las artistas que participaron del álbum, además de las visuales de Rosario Murúa y la intervención de Ch Respira como maestro de ceremonias.

Editado por ZZK Records y disponible desde mayo en plataformas digitales, Takuy marca un nuevo capítulo para una banda que desde principios de los años 2000 viene construyendo un lenguaje propio, difícil de encasillar y todavía más difícil de imitar. Folklore, electrónica, psicodelia, texturas acústicas, instrumentos ancestrales, procesamiento digital y ritmos provenientes de distintos territorios conviven en una obra que parece moverse constantemente entre el pasado y el futuro.

El título elegido resume buena parte de ese recorrido. “Takuy” es una palabra quechua que puede traducirse tanto como “mezclar” como “permanecer”. Y para Martinelli, ambas acepciones funcionan como una declaración de principios.

“Siempre fue una palabra que me gustó. La parte de la mezcla caía como anillo al dedo porque la propuesta de Tremor tiene que ver con eso. Si bien siempre está la raíz latinoamericana, el folklore y la electrónica, cuando uno escucha los temas hay referencias de muchas partes del mundo: melodías balcánicas, cosas africanas, árabes, hindúes, elementos del rock y hasta del ruidismo”, explica a elDiarioAR.

Pero hay otra dimensión del término que lo interpela especialmente. “Habla de permanecer, de habitar, de existir. Estos últimos años la banda atravesó transformaciones importantes y para nosotros, que hacemos una música instrumental, con una personalidad bastante particular y alejada de las tendencias, también había algo emotivo en seguir estando. En seguir permaneciendo”.

La referencia apunta a los cambios internos que atravesó el grupo en los últimos años. El proceso de creación del disco comenzó antes de la pandemia con la formación integrada por Martinelli, Carabajal y Gerardo Fares. Con el tiempo, Fares dejó el proyecto y su lugar fue ocupado por el violinista Alex Musatov, cuya llegada terminó modificando profundamente la dinámica de la banda.

“Volvimos a ser un trío, pero otro trío”, resume Martinelli. “Los cambios te aniquilan o te potencian. Por suerte, en nuestro caso potenciaron el proyecto. Acabamos de volver de una gira por Europa y estamos muy felices con lo que está pasando”.

La incorporación de Musatov nació a partir de otro proyecto fundamental en la actualidad de Martinelli: su trabajo junto a la legendaria cantora boliviana Luzmila Carpio, de quien Tremor es actualmente banda estable.

“Lo conocí grabando el último disco de Luzmila. Yo estaba haciendo los arreglos y quería incorporar cuerdas. Lo invité a grabar y pegamos una onda medio mágica rápidamente”, recuerda. “Después empezamos a trabajar juntos en otras cosas, nos hicimos amigos y sentí que era alguien que podía encajar muy bien en Tremor”.

La llegada del violinista aportó una nueva paleta tímbrica y también una renovación creativa. “Cuando aparece una persona nueva pasan muchas cosas. Está lo humano, pero también está esa comunicación no verbal que ocurre en la música. Todavía hoy siento que seguimos descubriendo cosas. Cada show es mejor que el anterior porque seguimos encontrando lugares donde potenciarnos mutuamente”.

Esa expansión sonora puede escucharse con claridad en Takuy, quizás el disco más melódico y psicodélico de Tremor. Violines, aerófonos, sachaguitarras, quenas, sikus y otros instrumentos acústicos amplían un universo que históricamente se construyó a partir del diálogo entre la tradición y la tecnología.

Para Martinelli, sin embargo, el punto de partida no suele ser un género ni una fórmula determinada.

“No hay una manera de componer. Algunos temas nacen de una melodía, de algo espontáneo. Pero otras veces primero aparece una idea, un escenario. Como pensar qué pasaría si un instrumento africano conviviera con determinada rítmica folklórica. Muchas veces el proceso tiene que ver con explorar territorios que todavía no conocemos”.

Ese impulso exploratorio atraviesa todo el álbum. Las influencias afroperuanas, rioplatenses, colombianas, brasileñas y argentinas dialogan con referencias provenientes de distintos rincones del mundo para construir una geografía imaginaria que, sin embargo, nunca pierde su anclaje latinoamericano.

“Si simplemente hiciera lo que me sale naturalmente, todo sería más aburrido”, admite entre risas. “Uno tiene lugares comunes, una especie de memoria muscular. Entonces intento forzarme a buscar escenarios nuevos para la banda”.

Las colaboraciones presentes en el disco surgieron también desde esa lógica orgánica. Lejos de la dinámica de los featuring pensados para multiplicar reproducciones o visibilidad, las participaciones de Ignacia, Lucy Patané y Santiago Vázquez nacieron de afinidades artísticas y encuentros concretos.

“Es una época donde parece que hay que tener invitados sí o sí, pero nunca me interesó pensar a quién convocar por una cuestión comercial”, afirma.

Con Ignacia, la conexión apareció cuando Martinelli terminó la base instrumental de “Ánima Digital”. “Escuché el tema y sentí que era para su voz. Ella conocía la banda, le gustaba lo que hacíamos y cuando se lo propuse se copó enseguida”.

Algo similar ocurrió con Lucy Patané. “Primero apareció la música instrumental y después su voz empezó a rondarme la cabeza. Nos juntamos en el estudio, charlamos algunas horas sobre la idea de la canción y así terminó naciendo el tema”.

La dificultad para definir la música de Tremor ha acompañado al grupo desde sus comienzos. Folktrónica, folklore digital, electrónica de raíz, electrónica orgánica. Las etiquetas fueron cambiando con los años, aunque ninguna parece alcanzar del todo.

“Al principio me enojaba mucho porque ninguna me gustaba”, reconoce Martinelli. “Después entendí que las etiquetas sirven para que alguien se haga una idea rápida. Pero la verdad es que sigo sin saber qué responder cuando me preguntan qué música hacemos. Veinte años después todavía no lo resolví”.

Quizás porque Tremor nunca buscó construir un estilo reconocible en términos convencionales. Su identidad parece estar justamente en ese movimiento constante, en la mezcla permanente, en la voluntad de evitar la repetición.

“Nos interesa movernos en un territorio donde el género deja de ser una referencia fija”, sostiene.

La presentación de Takuy llegará además después de una reciente gira europea que llevó al grupo por ciudades como Barcelona, Madrid, Berlín, Viena y Copenhague. Una experiencia que confirmó el buen momento creativo que atraviesa la banda y que funcionó como preparación para este reencuentro con el público local.

El concierto en Galpón B será también una edición especial de Caracol, la fiesta que Tremor organiza junto a Villa Diamante como espacio de encuentro para músicas experimentales, cruces inesperados e improvisaciones.

“Queremos que sea una especie de casa propia, un lugar donde pasen cosas que no sabemos exactamente cómo van a terminar sucediendo”, explica Martinelli.

Después de veinte años de trayectoria, Takuy encuentra a Tremor en un punto singular: con una historia consolidada detrás, pero todavía impulsado por la curiosidad. Mezclar y permanecer. Dos verbos que podrían parecer opuestos y que, en el universo del grupo, terminan funcionando como una misma idea. La de seguir explorando sin dejar de ser quienes son.

CRM

Grammy al Mejor álbum del año, siendo el primero íntegramente en español en alzarse con este premio. Protagonista del show de medio tiempo del Superbowl, con un espectáculo en directo del que se habló durante días. Ahora, rey de Madrid con diez conciertos programados en la capital que no paran de dar contenido. Lo que está pasando estos últimos meses demuestra cómo Bad Bunny se convirtió en un fenómeno global.

Pero esto no siempre fue así. Hace 10 años, el artista puertorriqueño acababa de desembarcar en la industria musical y lo hacía como un completo desconocido para el público. Su primer tema en solitario, Diles, lo subió el propio Benito a Soundcloud en 2016. En aquel momento, trabajaba en un supermercado de su pueblo natal, Vega Baja, pero ya tenía el sueño de ser algo grande.

Sin darse cuenta, acaba de dar el primer paso para conseguirlo. Aquella canción que grabó en solitario no tardó en llamar la atención del productor musical DJ Luian, que decidió ficharlo para su sello discográfico Hear This Music. Meses después de ese primer sencillo en solitario, llegó el rémix. Esta vez, Bad Bunny cantaba Diles acompañado de los mejores reguetoneros del momento: Ozuna, Farruko, Arcángel y Ñengo Flow.

El Conejo Malo se consolidó entonces como una de las figuras principales del género urbano, un pionero del trap, presentando ese mismo año otro de sus temas todavía hoy populares: Soy Peor. En aquella época, hizo sus primeros conciertos alrededor del mundo, actuando también en salas pequeñas de nuestro país. 

El 18 de abril de 2017, por ejemplo, durante las Fiestas de Primavera de Murcia, actuó en una discoteca de la ciudad por apenas 38 euros. Era la primera oportunidad que el público español tenía de ver al de Puerto Rico en directo cantando algunos de sus entonces grandes éxitos. Pocos podían imaginarse entonces que el artista volvería a actuar en España, esta vez en estadios con 64.000 personas.

La letra de ‘Diles’

En su primer tema, Bad Bunny ya dejó claro por dónde irían las letras de sus primeros canciones. “Diles Que yo me sé tu' pose' favoritas / Que te hablo malo y que eso te excita / Que te hago todo lo que necesitas / Pa' hacerte venir”, cantaba el puertorriqueño en Diles, una canción donde el sexo y la relación clandestina con una mujer eran las principales protagonistas.

Aunque las composiciones de Bad Bunny han evolucionado, y su último disco DeBÍ TiRAR MáS FOToS tiene multitud de temas con un trasfondo político sobre la situación económica, política y social de Puerto Rico, su país natal, muchas de sus canciones (y también actuaciones en directo) siguen siendo objeto de análisis y debate a día de hoy por la representación que hace de las mujeres. 

La violinista japonesa Akiko Suwanai, una de las figuras más prestigiosas de la escena clásica internacional, llegará a Buenos Aires para protagonizar el Concierto Conmemorativo de la Amistad entre Argentina y Japón, una velada especial organizada en el marco del 140° aniversario de la inmigración japonesa en el país.

La presentación se realizará el viernes 5 de junio a las 17 en la sala principal del Teatro Colón y contará también con la participación del pianista canadiense de origen japonés Ryo Yanagitani. Juntos interpretarán un programa integrado por obras de Ludwig van Beethoven, César Franck y Pablo de Sarasate.

El concierto forma parte de las actividades que durante 2026 recuerdan la llegada de Makino Kinzo, considerado el primer inmigrante japonés en la Argentina, en 1886. La efeméride celebra más de un siglo de vínculos culturales, sociales y económicos entre ambos países, así como el aporte de la comunidad nikkei al desarrollo de la sociedad argentina.

“Es de suma alegría anunciar que la destacada violinista japonesa Akiko Suwanai, reconocida mundialmente, se presentará en un único Concierto Conmemorativo de la Amistad entre Argentina y Japón en el Teatro Colón de la ciudad de Buenos Aires. Una velada que será, sin dudas, histórica y significativa de la unión de nuestros pueblos”, señaló el profesor Yuzuru Yoshii, representante del Proyecto TAO de la Universidad de Tokio y de Tao Production.

Por su parte, Víctor Murase, presidente de la Federación de Asociaciones Nikkei en la Argentina (FANA), destacó que la conmemoración busca rendir homenaje a los primeros inmigrantes japoneses y agradecer a la sociedad argentina que los recibió. “Este recital, a cargo de una de las más eximias violinistas japonesas y uno de los más reconocidos pianistas de origen japonés, se enmarca dentro de dicha celebración como muestra de gratitud hacia toda la sociedad argentina”, expresó.

Una carrera de excelencia internacional

Suwanai ocupa desde hace décadas un lugar destacado en el circuito internacional de la música clásica. Su carrera tomó impulso definitivo en 1990, cuando se convirtió en la ganadora más joven de la historia del prestigioso Concurso Internacional Chaikovski de Moscú, uno de los certámenes más importantes del mundo.

Desde entonces se presentó junto a las principales orquestas y directores del planeta, construyendo una trayectoria que combina el gran repertorio clásico con una intensa dedicación a la música contemporánea.

La violinista ha estrenado obras de destacados compositores actuales como Misato Mochizuki, Dai Fujikura, Peter Eötvös, James MacMillan, Esa-Pekka Salonen y Krzysztof Penderecki, consolidándose como una de las principales impulsoras de la creación musical de nuestro tiempo.

Su actividad artística la ha llevado a escenarios de Europa, Asia, América y Oceanía, donde ha colaborado con agrupaciones de referencia como la Orquesta Sinfónica de la NHK, la Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, la Orquesta del Festival de Budapest y la Orquesta Sinfónica de Sídney, entre muchas otras.

Integrante del prestigioso sello Decca Classics, Suwanai también ha recibido elogios de la crítica por sus grabaciones del repertorio tradicional. Entre sus trabajos más recientes se encuentran las Sonatas para violín y piano de Johannes Brahms, publicadas en 2024, y la grabación integral de las Sonatas y Partitas para violín solo de Johann Sebastian Bach.

Además de su actividad como intérprete, en 2012 fundó el Festival Internacional de Música NIPPON, del que es directora artística. El encuentro, que se realiza en Tokio y Nagoya, promueve el intercambio cultural y el estreno de nuevas composiciones de autores japoneses e internacionales.

Actualmente, Suwanai toca un excepcional violín Guarneri del Gesù de 1732, conocido como “Charles Reade”, cedido por el coleccionista y filántropo japonés-estadounidense Ryuji Ueno.

Un pianista de referencia

La velada contará también con la participación de Ryo Yanagitani, considerado uno de los pianistas más destacados de Canadá. El Washington Post lo definió como “un pianista de pianistas”, reconocimiento que resume una trayectoria distinguida por numerosos premios internacionales.

Ganador de la medalla de oro en el Concurso Internacional de Piano de San Antonio, Yanagitani ha actuado junto a orquestas de Estados Unidos, Canadá, Marruecos y Japón, y se presentó en escenarios emblemáticos como el Carnegie Hall de Nueva York, el Kennedy Center de Washington, el Suntory Hall de Tokio y la Salle Cortot de París.

Además de su actividad como solista, desarrolla una intensa labor como músico de cámara, docente y gestor cultural. Actualmente se desempeña como profesor visitante de piano colaborativo en el Conservatorio Shenandoah de Virginia y dirige proyectos vinculados a la promoción de jóvenes talentos.

La presentación de Suwanai y Yanagitani promete convertirse en uno de los momentos destacados de la agenda cultural porteña, al reunir en el escenario del Teatro Colón a dos artistas de proyección internacional en una celebración que busca fortalecer los lazos históricos y culturales entre Argentina y Japón.

Sonny Rollins, uno de los saxofonistas de jazz más influyentes de todos los tiempos y conocido como el 'coloso del saxofón', murió a los 95 años. La noticia se comunicó “con profunda tristeza y gran cariño” en la página web del músico y fue confirmada por su agente, Terri Hinte. No se especificó la causa de la muerte.

Rollins fue considerado una voz de jazz tan innovadora como la de su amigo y contemporáneo John Coltrane, con quien protagonizó el disco Tenor Madness en 1956. Desde entonces, el artista escribió temas que hoy son clásicos del género como Airegin, Doxy y Oleo. También es esencial en su repertorio St. Thomas, una interpretación que reflejaba los orígenes caribeños de su familia.

En total, Sonny Rollins publicó más de 60 álbumes desde finales de la década de 1940 en adelante, incluyendo colaboraciones con Miles Davis y Thelonious Monk. Transformó el jazz, hasta entonces predominantemente bailable o en su totalidad de balada, a un territorio completamente único. Uno de sus discos más célebres, Way Out West (1957), se basó en sus interpretaciones de canciones vaqueras.

Recibió dos premios Grammy a lo largo de su trayectoria. En 2004, fue honrado con un gramófono a la trayectoria artística. Tras realizar giras y actuaciones durante toda su vida, se retiró en 2014 al ser diagnosticado con fibrosis pulmonar. La web de Rollins muestra ahora una reflexión del músico sobre la muerte: “Creo que cuando la persona creativa termina su existencia, continúa en la siguiente. Soy una persona que cree que esta vida no lo es todo. Una persona espiritual no piensa así”.

Las pieles de los tambores se tensaron y se aflojaron miles de veces. Cambiaron los uniformes, las luces, el sonido y hasta la forma de organizarse. Pero hay algo que sigue intacto desde hace dos décadas: todos los lunes, La Bomba de Tiempo vuelve a subir al escenario de Ciudad Cultural Konex para convertir la noche en un ritual colectivo.

Este año, el grupo celebra sus 20 años de historia con giras nacionales e internacionales, además de sus clásicos “Lunes Bomba”, que ya forman parte del ADN cultural porteño. Lo que empezó como un experimento de improvisación y percusión terminó convirtiéndose en uno de los fenómenos musicales más singulares de la Argentina, con más de siete millones de espectadores y un lenguaje propio que se expandió a distintas partes del mundo.

“Lo que más hice en mi vida fue trabajar en la Bomba; mi hijo es más joven que el grupo”, bromea uno de sus productores.

Alrededor de los 14 músicos funciona una estructura enorme que incluye técnicos, asistentes, productores y colaboradores. Marina Belinco, responsable de prensa, y Nicolás Flam, manager histórico del grupo, forman parte del proyecto desde hace años y conocen cada engranaje del funcionamiento interno: desde conseguir un tambor durante una gira europea hasta coordinar colaboraciones con otros artistas.

Gracias a esa maquinaria colectiva, desde 2006 La Bomba de Tiempo compartió escenario con más de 1.300 artistas, entre ellos Ca7riel, Paco Amoroso, WOS, Evlay y Julieta Venegas. De esos cruces surgieron proyectos como el EP Vivo Berlín o el disco Revolución Beat.

La capacidad de adaptación parece ser una de las claves de la longevidad del grupo. Reducir personal para las giras, repartirse tareas o reorganizar funciones cuando alguien falta forman parte de la dinámica habitual. Incluso durante la pandemia, la idea fue resistir para volver a los lunes en el Konex, espacio con el que mantienen una relación casi simbiótica.

“Antes había manchas en el cemento y todo era de madera. Cuando éramos muchos arriba, el piso se movía todo”, recuerda Javier, uno de los seguidores más fieles del grupo. Hace 19 años y medio que no falta prácticamente a ningún lunes.

Los “loquitos de la Bomba”

Javier y Julián nunca subieron al escenario, pero son parte de la identidad del show. Integran el grupo de fanáticos históricos conocidos cariñosamente como “los loquitos de la Bomba”, una especie de comunidad informal de bailarines y habitués que convirtió cada fecha en una experiencia colectiva.

“Al principio era un grupo enorme donde la gente bailaba, hacía acrobacias y expresión corporal. Era medio un circo”, recuerda Julián.

Con el tiempo, la dinámica fue cambiando. El crecimiento del turismo y la masividad transformaron parte del clima original y algunos de los seguidores históricos sintieron cierta nostalgia por aquella primera etapa más under y comunitaria.

“Después de 2013 empezó a perderse algo de eso. Mucha gente sentía que se volvió más para turistas que para quienes estaban desde el principio”, dice Javier.

Sin embargo, el espíritu central sigue siendo el mismo: improvisar a partir del sistema de “ritmo con señas” creado por Santiago Vázquez, fundador del proyecto. Sobre el escenario conviven surdos, congas, campanas, chekerés, semillas y distintos instrumentos de percusión que mezclan ritmos afro, latinoamericanos, funk y electrónica.

“Vengo porque es sanador”, cuenta Javier. “Me conecta con mis ancestros, con los que estuvieron antes y con los que van a venir”.

La relación de los fans con la música llega a un nivel de precisión casi obsesivo. Algunos incluso tomaron clases para aprender las más de 70 señas que usan los directores durante la improvisación. Julián, por ejemplo, tiene un grito perfectamente sincronizado que repite en ciertos momentos del show. Javier responde con un silbido característico cuando la banda baja el volumen y queda solo el bombo.

“Es como estar adentro de la Bomba”, explica Julián.

La transformación después de Santiago Vázquez

La salida de Santiago Vázquez marcó uno de los momentos más importantes en la historia del grupo. El creador del sistema de “ritmo con señas” dejó atrás el proyecto para seguir difundiendo el lenguaje en distintas partes del mundo y la banda tuvo que reorganizarse.

Hoy la dirección está repartida entre seis músicos distintos y las decisiones se toman de manera más horizontal. “Somos muchas personas, con trayectorias y sensibilidades diferentes, pero encontramos una forma de seguir adelante sin perder identidad”, explica Marina Belinco.

El grupo incluso comenzó a trabajar con especialistas externos para fortalecer esa dinámica colectiva basada en asambleas, votaciones y consensos.

Los cambios también modificaron la relación con el público. Según cuentan seguidores históricos, antes existía una distancia más marcada entre músicos y espectadores. Ahora las interacciones son más frecuentes y cercanas. “Siguen siendo tranquilos y amorosos, pero hoy se muestran mucho más humanos”, resume Javier.

Con el paso del tiempo, también evolucionó el aspecto visual y técnico de los shows. Cambiaron las luces, el audio, la puesta en escena y la comunicación interna. Pero el núcleo sigue siendo la escucha mutua y la improvisación colectiva. “No significa que no haya tensiones o desafíos. Pero ahí también está parte de nuestra potencia”, sostiene Belinco.

A veinte años de su nacimiento, La Bomba de Tiempo ya fue declarada de Interés Cultural por la Legislatura porteña y logró algo poco común: convertir un espectáculo musical en un ritual social que atraviesa generaciones, turistas, fanáticos y músicos.

Y mientras el lenguaje de la Bomba se replica en otros países y aparecen nuevos grupos inspirados en el sistema de señas, los lunes siguen teniendo el mismo pulso en el Konex. Como hace veinte años.

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Lo que prometía ser una noche más dentro de la serie de shows agotados de Fito Páez en el Movistar Arena terminó convirtiéndose en uno de los recitales más tensos y comentados de los últimos años del músico rosarino. Durante su cuarta presentación en Buenos Aires como parte del “Sale el Sol Tour”, el artista decidió interpretar de manera íntegra Novela, su más reciente trabajo discográfico, y la reacción de parte del público fue inmediata: hubo silbidos, quejas y hasta personas que abandonaron el lugar antes del final.

La apuesta de Páez había sido anunciada apenas unas horas antes del recital. A través de sus redes sociales, el músico adelantó que tocaría completo Novela, un disco de 25 canciones cuya historia comenzó a escribir en los años 80 y que presentó oficialmente este año en Rosario, durante la llamada “Semana Páez”.

“¿Y si el miércoles despido Novela en el Movistar? ¿Por qué no?”, había dicho en un video publicado en Instagram, donde incluso contó que la decisión había generado “un panic attack general” en su equipo. “Ojalá tengan ganas de escucharlo. Yo me muero de ganas de tocarlo”, agregó.

Ya sobre el escenario del Movistar Arena de Villa Crespo, Páez explicó brevemente el concepto del álbum y comenzó a interpretar la obra en orden cronológico, acompañado por una banda de primer nivel y una puesta visual a cargo de Sergio Lacroix. El espectáculo incluyó además la participación de la actriz Lorena Vega, encargada de relatar el hilo conductor de la historia.

Sin embargo, mientras avanzaban las canciones, el clima empezó a tensarse. Muchos asistentes esperaban escuchar desde el comienzo los clásicos más populares del rosarino y reaccionaron con indiferencia frente al nuevo material. En las redes sociales comenzaron a multiplicarse los comentarios críticos de fanáticos que cuestionaban la elección del repertorio.

“Vinimos a ver a Fito Páez y hace 50 minutos que está tocando un disco nuevo que nadie conoce”, escribió uno de los usuarios. Otros aseguraron que parte del público comenzó a impacientarse durante la primera hora del show.

La situación escaló cuando, antes del cierre de Novela, comenzaron a escucharse silbidos desde algunas plateas. Tras un breve intervalo, Páez regresó al escenario y respondió desde el micrófono. Durante “El amor después del amor”, desafió directamente a quienes lo habían abucheado: “Los quiero escuchar allá atrás. Silbaron muchísimo, ahora a cantar”, lanzó mientras dirigía el coro del estadio.

Más tarde, sentado al piano antes de interpretar “Al lado del camino”, el músico volvió a referirse al episodio con un tono más reflexivo. “Yo amo, no sé odiar. Y me gusta compartir todo. Todo es todo”, dijo. Y agregó: “Menos, muchaches, menos. Está bueno detenerse a escuchar al otro, porque te están haciendo un regalo”.

A partir de allí, el recital cambió de clima. Paéz encadenó clásicos como “La rueda mágica”, “Circo Beat”, “Brillante sobre el mic”, “Ciudad de pobres corazones”, “A rodar mi vida” y “Mariposa Technicolor”, con un público ya entregado a los himnos que había ido a escuchar.

Lejos de esquivar la polémica, el músico pareció asumirla como parte de la experiencia artística. “Como te quiero Buenos Aires, sabés cómo te conozco”, gritó cerca del final del concierto. Más tarde, ya en redes sociales, resumió la intensidad de la noche con un mensaje cargado de emoción: “Nunca voy a olvidar este concierto. Me sentí más vivo que nunca”.

El episodio volvió a mostrar la relación siempre intensa entre Fito Páez y su público porteño: una mezcla de admiración, exigencia y tensión creativa que, incluso entre silbidos y aplausos, sigue generando noches imposibles de olvidar.

La cantante colombiana Totó la Momposina, una de las máximas exponentes de la música tradicional del Caribe y referente de ritmos como la cumbia, el bullerengue y el mapalé, murió este martes a los 85 años, informó el Ministerio de las Culturas de Colombia.

“Hoy despedimos a la eterna Totó. A la eterna maestra que recorrió el mundo entero a ritmo de cumbias, porros, mapalés y bullerengues nacidos en el corazón de nuestra tierra”, expresó el Ministerio en un comunicado.

Nacida en la isla fluvial de Mompox, en el departamento de Bolívar, como Sonia Bazanta Vides, Totó la Momposina dedicó más de seis décadas a preservar y difundir los ritmos afroindígenas y campesinos de la región Caribe colombiana, llevando esa tradición a escenarios internacionales y convirtiéndose en una de las voces más reconocidas de la música latinoamericana.

La noticia del deceso fue confirmada por la mánager de la artista, Carolina Gotok, y por su hijo, Marco Vinicio, quien reveló que la intérprete sufría desde finales del año pasado problemas delicados de salud, según medios locales.

Totó la Momposina participó en festivales alrededor del mundo y grabó discos emblemáticos como 'La Candela Viva', 'Pacantó' y 'La Bodega', además de interpretar canciones como 'El pescador' y 'Yo me llamo cumbia', convertidas en himnos de la música popular colombiana.

La cartera de Cultura destacó que la artista “habló de la música tradicional del Caribe, la potenció y la enriqueció durante décadas para escribir un capítulo entero de la historia cultural” de Colombia.

Una vida dedicada a la música

Totó nació en una familia de músicos y desde niña comenzó a actuar a lo largo de los pueblos ribereños del río Magdalena cantando con un estilo que forjaría su sello personal, que se nutre de la fusión de elementos africanos e indígenas.

Con los años, terminó siendo definida como una 'cantadora', una intérprete musical que cultiva la cultura tradicional de un pueblo.

Bailadora de ritmos como la gaita, cumbia, porro y champeta, entre otros, su trabajo es reconocido a nivel internacional, y entre sus más recordadas actuaciones figura la que hizo en 1982 durante la entrega en Estocolmo del Premio Nobel de Literatura a su compatriota Gabriel García Márquez.

Con una carrera de más de medio siglo a sus espaldas en la que llevó los sonidos de su tierra a escenarios de Europa, Estados Unidos y América Latina, Totó fue reconocida en 2013 con el Premio a la Trayectoria del Grammy Latino por su aporte a la preservación y difusión de la música folclórica.

Totó la Momposina se despidió de los escenarios en septiembre de 2022 con un concierto en el Festival Cordillera, donde compartió escenario con artistas como Adriana Lucía y Nidia Góngora en una presentación celebrada como homenaje a su legado musical y cultural.

Con información de la agencia EFE

Entre mayo y junio, Bebop Club recibirá al pianista Julius Rodriguez, la arpista Brandee Younger, el guitarrista y cantante Kirk Fletcher, la pianista Tomoko Ohno, la contrabajista Linda May Han Oh y la cantante Eve Cornelious en una programación internacional que recorrerá distintas tradiciones del jazz contemporáneo, el blues y la música afroamericana.

JULIUS RODRIGUEZ

El pianista y compositor neoyorquino Julius Rodriguez llegará por primera vez a Bebop Club los días lunes 18 y martes 19 de mayo al frente de un quinteto integrado por Emilio Modeste en saxo tenor, Brandon Rose en guitarra, Tyrone Allen II en bajo y Miguel Russell en batería.

Considerado una de las figuras más innovadoras surgidas de la escena jazzística estadounidense en los últimos años, Rodriguez desarrolló una carrera que cruza jazz, gospel, funk, soul y hip hop, trabajando junto a artistas como Meshell Ndegeocello, Wynton Marsalis y A$AP Rocky.

Artista del sello Verve Records, su música combina improvisación contemporánea, groove urbano y una fuerte influencia de la tradición afroamericana, consolidándolo como uno de los músicos jóvenes más comentados de la nueva escena de Nueva York.

KIRK FLETCHER

Los días miércoles 20 y jueves 21 de mayo será el turno de Kirk Fletcher, uno de los guitarristas más importantes del blues contemporáneo. Reconocido por su potente sonido eléctrico y profundo conocimiento del blues clásico, Fletcher desarrolló una sólida trayectoria tanto como solista como acompañando a figuras históricas del género.

Su música combina Chicago blues, soul y funk con una sensibilidad contemporánea que lo convirtió en una de las figuras más respetadas de la escena blusera internacional.

BRANDEE YOUNGER

Los días domingo 24 y lunes 25 de mayo se presentará Brandee Younger, una de las artistas más originales del jazz contemporáneo y responsable de haber redefinido el lugar del arpa dentro del género. Younger llegará acompañada por Rashaan Carter en contrabajo y Allan Mednard en batería.

Primera mujer negra nominada al Grammy en la categoría Best Instrumental Composition y ganadora del NAACP Image Award al Mejor Álbum de Jazz, construyó una carrera singular cruzando jazz espiritual, música clásica, R&B y hip hop, colaborando con artistas como Pharoah Sanders, Ravi Coltrane, Stevie Wonder, Lauryn Hill, Common, John Legend y Beyoncé.

En Bebop interpretará, entre otras composiciones, música de Gadabout Season, su nuevo álbum, grabado para el histórico sello Impulse! Records, junto a Carter y Mednard. El disco —registrado en gran parte en su departamento de Harlem y utilizando el arpa restaurada de Alice Coltrane— marca un giro profundamente personal en su carrera, incorporando texturas electrónicas, improvisación y una estética afrofuturista.

TOMOKO OHNO & RICARDO LEW QUARTET

Viernes 29 y sábado 30 de mayo: la pianista japonesa Tomoko Ohno y el guitarrista argentino Ricardo Lew encabezarán dos conciertos diferentes en Bebop Club, acompañados por Jerónimo Carmona en contrabajo y Oscar Giunta en batería.

El primero, New York Jazz Connection, recorrerá el lenguaje del jazz neoyorquino contemporáneo desde una mirada cosmopolita y abierta a la improvisación. Al día siguiente presentarán Piazzolla y el Jazz, un proyecto centrado en la obra de Astor Piazzolla y sus vínculos con el jazz moderno, combinando sensibilidad tanguera, arreglos contemporáneos e improvisación.

LINDA MAY HAN OH

Los días lunes 8 y martes 9 de junio llegará la contrabajista Linda May Han Oh, una de las músicas más prestigiosas y solicitadas de la escena internacional actual. Nacida en Malasia, criada en Australia y radicada desde hace años en Nueva York, desarrolló una destacada carrera junto a figuras como Pat Metheny, Vijay Iyer, Joe Lovano, Kenny Barron y Dave Douglas, entre muchos otros.

Reconocida por una mirada musical que combina virtuosismo técnico, composición contemporánea e improvisación, Linda May Han Oh se presentará junto a un cuarteto internacional integrado por Greg Ward en saxo, Fabian Almazan en piano y Mark Whitfield Jr. en batería.

EVE CORNELIOUS & MARIANO LOIÁCONO

La programación internacional continuará los días jueves 18 y viernes 19 de junio con la llegada de la cantante estadounidense Eve Cornelious, reconocida figura de la escena jazzística norteamericana, quien tendrá como anfitrión al trompetista Mariano Loiácono.

Las funciones son dobles: 20 y 22.30 h, en Uriarte 1658 (Palermo, CABA) - Entradas desde $ 25.000 a través de www.bebopclub.com.ar, por boletería de martes a domingos de 17 a 20 o en puerta.

Algo Prestado es un podcast de elDiarioAR realizado por Tamara Tenenbaum, junto a un invitado cada semana. Está alojado en Spotify, plataforma líder para la publicación de podcast, y también en otras aplicaciones de streaming.

Puede que no sepas quién es Sienna Rose, pero tres canciones bajo su nombre llegaron a estar entre los 50 temas más escuchados del día en Spotify. No te preocupes, es normal que no sepas mucho sobre su existencia: no tiene identidad pública, tampoco cuenta con perfil en redes sociales y su presencia en internet es nula. Esta invisibilidad como artista responde a que detrás de lo que aparenta ser una cantante de soul se encuentra una inteligencia artificial, que ni siquiera advierte de que lo es. De hecho, ojear las listas de éxitos de las principales plataformas de streaming y que aparezcan canciones hechas con IA se volvió algo cada vez más común.

El problema radica en que empieza a ser frecuente que la gente escuche este tipo de temas creyendo que quien los canta es una persona real. Según un estudio del servicio de streaming Deezer, el 97% de los oyentes no sabe distinguir entre música generada por IA y música hecha por humanos en una prueba a ciegas con dos canciones de IA y una real. A Spotify le interesa elegir las canciones que escuchás, pero el aumento en sus playlists de aquellas hechas con inteligencia artificial elevó todavía más la preocupación del sector. Tanto es así que Echoberyl, grupo francés que se convirtió en una referencia dentro de la música electrónica y darkwave, hizo un llamamiento a la industria.

La banda integrada por Cecilia Dassonneville y Adriano Iacoangeli propone una acción sencilla que ayuda a saber si algo fue creado o no por humanos: identificar cada lanzamiento con una etiqueta que señale que no se utilizó la IA, una idea que consideran importante “por respeto al público”. “La gente se siente traicionada cuando descubre que un artista al que escucharon y apoyaron es en realidad falso. En un mundo de apariencias, la sinceridad puede ser la última salvaguarda”, declara Dassonneville, añadiendo que “también es una forma de destacar el trabajo de artistas que luchan mucho por ganarse la vida con esta profesión y que ven cómo se copia su obra”.

Advertencia: 100% hecho por humanos

Esta etiqueta es similar a lo que se hace actualmente con el “Parental Advisory: Explicit Content”, un sello en la portada de los discos que informa a los consumidores sobre la presencia de lenguaje fuerte, contenido sexual, violencia o referencias al consumo de drogas en grabaciones de audio. Adriano Iacoangeli argumenta que no ve “por qué no se debería aplicar el mismo concepto a la IA generativa” y explica que esta etiqueta podría llamarse “No IA Used (No se usó IA)”, pero que hay quien sugirió alternativas como “100% hecho por humanos” por temor a la negación en la frase que ellos propusieron.

“Hoy en día no deberíamos ser demasiado sutiles al respecto, porque hay muchísima gente haciendo trampa, ganando mucha plata con eso, y que hará todo lo posible por ocultar que la están haciendo”, detalla el músico, que celebra junto a Dassonneville que la mayoría de compañeros respondió de forma muy positiva a la propuesta y está dispuesta a apoyarla. “Esto es muy tranquilizador y nos da esperanza”, confiesa la vocalista, que teme que el trabajo de los artistas quede eclipsado por la inteligencia artificial. “Crear música requiere tiempo y dedicación. Con la IA, todo va más rápido, por eso se publicaron tantas canciones generadas por IA durante el último año”, comenta.

Estas canciones perjudican de manera directa al resto de artistas, sobre todo porque, en plataformas como Spotify, a los autores no se les paga una tarifa fija por reproducción, sino en función del streamshare. Spotify explica en qué consiste: “Calculamos el streamshare sumando el número total de reproducciones en un mes determinado. Si un artista representa el 1% de todas las reproducciones en un país concreto, sus titulares de derechos reciben el 1% de las regalías de grabación que pagamos allí”. Esto significa que cuantas más canciones se publiquen en general, menos vale cada reproducción individual. Si aumenta el porcentaje de canciones con IA, el resto de artistas gana cada vez menos.

“Sin embargo, esperamos que crear música de forma orgánica pueda, en última instancia, ayudar a los artistas a destacar, ya que la música generada por IA no es muy creativa y, por lo general, imita otras canciones”, cuenta Dassonneville, siendo esta la razón por la que proponen que se indique claramente una distinción que haga a los oyentes poder tomar su propia decisión. Aun así, más allá esto, Iacoangeli considera que “se debería impedir a las grandes corporaciones de software —propiedad de personas cuya única experiencia es escribir código— entrar en mercados como la música, la ilustración y la literatura, que no son su ámbito de competencia”.

Bandcamp, la principal plataforma de música independiente, prohibió la IA en su catálogo a inicios de año, por lo que todo lo que se escuche ahí está hecho por humanos. “Si encontrás música o audio que parezca haber sido creado total o parcialmente mediante inteligencia artificial generativa, o que dependa en gran medida de ella, utilizá nuestras herramientas de denuncia para que nuestro equipo revise el contenido. Nos reservamos el derecho de eliminar cualquier música si sospechamos que fue generada por IA”, alegó Bandcamp en un comunicado, destacando que “la música es mucho más que un producto de consumo” y que “los músicos son más que meros productores de sonido”.

Por su parte, Deezer alertó la semana pasada de que recibe al día casi 75.000 canciones generadas por IA al día, lo que representa aproximadamente el 44% de sus publicaciones diarias. Es por ello que optó por informar a sus usuarios de si están escuchando o no a una persona real con un cartel bajo el disco o la canción. Spotify y Apple Music también trabajan en implementar elementos similares. “Si alguien es feliz escuchando música cliché generada por una máquina y fantaseando con la imagen provocativa de un cantante creado en una computadora, es su problema”, dice Adriano Iacoangeli. “Pero si el público empieza a evitar ese contenido, entonces tomarán medidas para limitar sus pérdidas en publicidad y suscripciones”, declara el artista. De hecho, YouTube empezó a desmonetizar activamente los canales que dependen mucho del contenido generado por IA.

Los artistas, a la acción

La propuesta de Echoberyl no es la única que surgió en los últimos meses con tal de combatir el auge de la inteligencia artificial. Como acción reivindicativa, el grupo británico-australiano Dead Can Dance, del que forma parte Lisa Gerrard, la autora de bandas sonoras como Gladiator, anunció su vuelta con nuevos temas, pero no los publicarán en plataformas como Spotify: “Decidimos dejar de apoyar a las plataformas de streaming que siguen explotando a los artistas y promoviendo la música generada por IA”.

La banda alegó que a partir de ahora venderá su música a través de Bandcamp, una “plataforma que sigue apoyando a los artistas independientes y que, de forma encomiable, prohibió toda forma de música generada por IA, una tecnología que amenaza la esencia misma de nuestra profesión”. Ya lanzó dos canciones, Our Day Will Come y Death Cults, y todo lo recaudado con la primera de ellas irá destinado a la organización médica palestina MAP (Medical Aid for Palestinians). “MAP realiza una labor increíble proporcionando atención médica, así como alimentos y ayuda nutricional al pueblo palestino”, recalcó Dead Can Dance en redes sociales.

Asimismo, para protegerse de la IA, Taylor Swift solicitó el registro de su voz e imagen como marca. Se trata de una decisión tomada por la artista después de haber experimentado de primera mano cómo se viralizaron versiones de sus canciones o temas que imitan su voz con inteligencia artificial, además de imágenes falsas difundidas por Trump que pretendían demostrar que tanto ella como sus fans lo respaldaban. Por su parte, Echoberyl defendió que “la falta de recursos estimula la imaginación”: “Siempre existe la posibilidad de crear algo. Creo que es mucho mejor ser sincero y trabajar con lo que se tiene, aunque el resultado sea imperfecto. Ahora solo parece importar el éxito del resultado final. Todo empieza a parecer igual. Eso es muy triste y empobrece un poco el mundo”.

Algo Prestado es un podcast de elDiarioAR realizado por Tamara Tenenbaum, junto a un invitado cada semana. Está alojado en Spotify, plataforma líder para la publicación de podcast, y también en otras aplicaciones de streaming.

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A poco menos de un mes para la celebración de Eurovisión 2026, más de un millar de artistas, músicos y personalidades de la cultura unieron sus voces para promover un boicot al festival de la Unión Europea de Radiodifusión (UER) hasta que expulsen a Israel. Un llamamiento al sector cultural, en el marco de la que será la tercera edición del certamen en la que se permite la participación de la Corporación de Radiodifusión Israelí (KAN) mientras su gobierno comete un genocidio en Gaza.

A través de una carta compartida en la plataforma No music for genocide (No hay música para el genocidio), más de mil profesionales del arte firman contra la UER y rechazan públicamente “que Eurovisión se utilice para encubrir y normalizar el genocidio”. Como ya hicieron cerca de un centenar de artistas eurovisivos en la previa de Basilea 2025, ahora son más nombres de la cultura los que unen sus voces para señalar la “hipocresía” de los organizadores del festival al no seguir con Israel el criterio que ellos mismos instauraron al vetar a Rusia por su invasión a Ucrania.

En su carta abierta, los firmantes aplauden además la retirada “basada en principios” de las cadenas públicas de España, Irlanda, Islandia, Eslovenia y Países Bajos, y rechazan guardar silencio: “Como artistas, reconocemos nuestra capacidad de acción colectiva y el poder de la resistencia. Nos negamos a callar. Nos negamos a ser cómplices”, escriben.

Entre los primeros firmantes de la lista, que ya supera los 1.000 nombres, figuran artistas como Brian Eno, Massive Attack, Sigur Rós, Nadine Shah, Idles, Young Fathers, Kneecap, Erika de Casier, Paul Weller, Mogwai, Smerz, Nemahsis o Macklemore. En el listado también aparecen ganadores de Eurovisión como Emmelie de Forest (Dinamarca, 2013) y Charlie McGettigan (Irlanda, 1994), así como la española Blanca Paloma (2023).

Comunicado completo de los artistas y personalidades de la cultura

“Este mayo, se espera que millones de personas sintonicen el 70º Festival de Eurovisión. Por tercer año consecutivo, verán a Israel en el escenario a pesar del genocidio que sigue cometiendo en Gaza, mientras que Rusia permanece vetada por su invasión ilegal de Ucrania. 

Como músicos y trabajadores culturales, muchos de nosotros residentes en el área de influencia de la Unión Europea de Radiodifusión (UER), rechazamos que Eurovisión se utilice para encubrir y normalizar el genocidio, el bloqueo y la brutal ocupación militar israelí contra los palestinos. 

Nos solidarizamos con los llamamientos palestinos a las emisoras públicas, artistas, organizadores de eventos, equipos técnicos y aficionados para que boicoteen Eurovisión hasta que la UER vete a la emisora israelí cómplice KAN.

Aplaudimos la retirada, basada en principios, de las emisoras española, irlandesa, islandesa, eslovena y neerlandesa, y de los numerosos finalistas de las selecciones nacionales que se comprometieron a no participar en Eurovisión. Al igual que los artistas se opusieron a la opresión en Sudáfrica, nos mantenemos unidos ahora. 

El presidente del Israel del apartheid, Isaac Herzog -mencionado en la denuncia de Sudáfrica ante la Corte Internacional de Justicia por incitación al genocidio- desempeñó un papel fundamental en la presión ejercida sobre las cadenas de televisión para que no prohíban la participación de Israel en el concurso, el evento musical en directo más visto del mundo.

Las hipócritas respuestas de la UER a los crímenes de Rusia e Israel disiparon cualquier ilusión sobre la supuesta 'neutralidad' de Eurovisión. En 2022, la UER declaró que la presencia de Rusia 'desprestigiaría la competición'. Sin embargo, tras más de 30 meses de genocidio en Gaza -junto con la limpieza étnica y el robo de tierras en la asediada Cisjordania- no se consideran suficientes para aplicar la misma política a Israel.

¿Cómo puede un artista o un fan de Eurovisión participar con la conciencia tranquila en la próxima edición del concurso en Austria, en medio de los planes estadounidenses e israelíes para establecer campos de concentración con vigilancia extrema en la 'Nueva Gaza'? Hay momentos en que el silencio pasivo no es una opción. 

Nos negamos a guardar silencio cuando la violencia genocida de Israel pone banda sonora y silencia las vidas palestinas. Cuando los niños en las cárceles israelíes sufren palizas por tararear una melodía. Cuando de casi todos los escenarios, estudios, librerías y universidades de Gaza solo quedan montones de escombros, bajo los cuales los cuerpos masacrados aún esperan ser recuperados y recibir un entierro digno. 

Como artistas, reconocemos nuestra capacidad de acción colectiva y el poder de la resistencia. Nos negamos a callar. Nos negamos a ser cómplices. Hacemos un llamamiento a otros en nuestra industria para que se unan a nosotros. Y nos solidarizamos con todos los esfuerzos basados en principios para acabar con la complicidad en todas las industrias.

No hay lugar para el genocidio. #BoicotEurovisión“.

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Madonna regresa con nueva música. La leyenda del pop, que llevaba siete años sin publicar material inédito, vuelve a la industria con uno de los proyectos que más tiempo llevan esperando sus fans: la segunda parte del aclamado y exitoso disco Confessions on a Dance Floor (2005). Su lanzamiento está programado para el próximo 3 de julio y en este vuelve a trabajar en la producción con el DJ Stuart Price, quien ya estuvo presente en el décimo álbum de estudio de la cantante con hits como Hung Up, Sorry o Jump.

“Debemos bailar, celebrar y orar con nuestros cuerpos. Son prácticas que hemos llevado a cabo durante miles de años; son, en realidad, prácticas espirituales. Al fin y al cabo, la pista de baile es un espacio ritualístico”, declaró Madonna en un comunicado de prensa que recoge el “manifiesto” que ella y Price escribieron durante la creación del disco. “Es un lugar donde conectás con tus heridas, con tu fragilidad. Ir de fiesta es un arte. Se trata de superar tus límites y conectar con una comunidad de personas afines”, agregó.

La artista hace alusión al “sonido”, la “luz” y la “vibración”: “Remodelan nuestras percepciones, nos sumergen en un estado de trance. La repetición del bajo no solo la oímos, sino que la sentimos. Altera nuestra conciencia y disuelve el ego y el tiempo”. El anuncio se produce después de que Madonna insinuara que un nuevo álbum de música dance saldría en 2026 tras su regreso al sello discográfico Warner Records casi dos décadas después de haberlo abandonado.

Madonna también aprovechó para revelar la portada de este proyecto, en la que aparece sentada sobre unos parlantes morados y con la cara cubierta por un velo rosa. Asimismo, la intérprete publicó un adelanto musical de hasta un minuto de duración del primer single, que se titulará I Feel So Free. El disco pretende seguir la misma estética que Confessions on a Dance Floor y promete grandes melodías y ritmos que inviten al oyente a bailar. Todavía falta por conocer, no obstante, cuántas canciones lo compondrán y el título de las mismas.

Quien más y quien menos habrá tenido alguna vez la sensación de que todo lo que escucha suena igual. Es una sensación subjetiva y, a menudo, fruto de una falta de atención. Pero hay algo cierto en ella, porque en las últimas décadas casi todas las canciones que oímos coinciden en algo: su compás binario. Sea de dos por dos, de cuatro por cuatro o de ocho tiempos, el patrón binario es tan hegemónico que aparece en el 95% y hasta en el 100% de las cien canciones más exitosas del momento en decenas de países. Así lo comprobó Edi Pou, baterista, compositor y activista musical, y así lo explica en Nou elogis de l’imparell (Nueve elogios del impar, editorial H&O).

Este microensayo, de apenas 120 páginas y con mucho ritmo, revela que se nos está imponiendo la música de compás más simple, aunque el cerebro humano es capaz de disfrutar de opciones más complejas (compases ternarios, de cinco, de siete, amalgamas...) porque esta es la más fácil de vender. También, que en épocas de la historia no tan lejanas y en culturas no europeas, la riqueza rítmica era mucho mayor. Pou, periodista en feliz excedencia y mitad de los dúos Za! y Los Sara Fontan, afirma que esta dieta sonora tan limitada está reduciendo nuestra capacidad de escucha y nos insta a rebelarnos contra la uniformización de la música que oímos.

¿Por qué podría interesarle este ensayo a alguien que jamás ha prestado atención al compás de las canciones que escucha?

Por un lado, porque es interesante reflexionar sobre cómo escuchamos la música y por qué escuchamos lo que escuchamos. Por otro, porque la música es reflejo, síntoma o indicador predictivo de la sociedad. La falta de diversidad que creo que hay actualmente va acompañada de una falta de diversidad de fauna, de formas de comunicarnos, de centros de las ciudades cada vez más iguales... La música es un espejo de muchas otras cosas.

¿Cómo escucha usted la música? Por ejemplo, en un concierto.

Pongo mucha atención. Me cuesta estar hablando con alguien y a la vez escucharla. Pongo todo el cuerpo y a veces soy un poco pesado reaccionando con ‘¡uuuh!’ pensando: al grupo le gustará que haga esto. No soy muy freak de los baterías, pero sí de los ritmos y las armonías. No puedo evitar, mientras disfruto, identificar compases y alucinar con las armonías.

Hay quien piensa que si te concentras mucho dejas de disfrutar la música. Como si disfrutar pasase únicamente por dejarse llevar sin pensar. ¿Nos perdemos algo si no analizamos la música que escuchamos?

Rotundamente, sí. Poner el foco en lo que haces o escuchas te ayuda a disfrutarlo más y a entenderlo mejor. Pero, claro, vivimos en un momento de hiperestimulación y la saturación mental que tenemos hace difícil que podamos concentrarnos en algo. Por eso triunfa la idea de que la música ha de ser un lugar donde olvidarte de ti mismo y desconectar. Esa es una de sus funciones, y me encanta, pero no puede ser la única ni puede dominar todo el panorama. Me pone muy nervioso esa frase que he leído mucho a programadores de festivales y he oído a muchos grupos de ‘esperemos que durante un rato la gente olvide sus problemas y desconecte’. Por un lado, es asumir que la gente tiene unas vidas insatisfactorias. Y, si es así, deberíamos rebelarnos. Por otro, ojalá el discurso fuese al revés: esperamos que durante este rato la gente encuentre aquí la energía para pensar sobre sus vidas y busque soluciones cuando vuelvan a presentarse los problemas.

Estudiando el Top 100 de numerosos países, detecta que en muchos el 99% de las canciones más exitosas son de compás binario. Pero, claro, el mainstream tiende por naturaleza a uniformizarlo todo. ¿También se está reduciendo la música de otros compases fuera del mainstream?

No tengo pruebas empíricas, pero mi impresión es que sí. Hasta en el underground hemos confundido en los últimos veinte años mayoritario con popular y minoritario con elitista. Y, de repente, hacer música que se saliera del mainstream parecía esnob. En el libro intento demostrar que históricamente los ritmos impares han estado mucho más extendidos que ahora.

Las plataformas de streaming nos llevan a un túnel donde las ideas minoritarias son cada vez más minoritarias y las más generalistas devienen más generalistas más rápido. Hay intereses económicos en que sea así.

La tecnología facilita crear música mucho más compleja, pero en muchos estilos los sintetizadores y las cajas de ritmos se han convertido en un camino fácil para perpetuar la hegemonía del cuatro por cuatro.

Hay partes de tecnología que ratifican el statu quo cuatrocuatrista, pero los sintetizadores modulares, por ejemplo, abren todo un mundo de música generativa que puede ser muy sorpresiva. La tecnología más perniciosa para irse cargando la diversidad rítmica es la que difunde la música, más que la que la hace. Las plataformas de streaming nos llevan a un túnel donde las ideas minoritarias son cada vez más minoritarias y las más generalistas devienen más generalistas más rápido. Y eso no pasa porque la tecnología en sí sea malvada, sino porque hay intereses económicos en que sea así.

La inteligencia artificial también tenderá, por definición, a sobrerrepresentar lo más común y a infrarrepresentar lo diferente. ¿Vamos hacia un mundo donde la definición de música será “conjunto de sonidos ordenados en compás binario” y el ritmo impar se habrá extinguido?

Tengo la esperanza de que cuando hacer música ya no tenga valor, porque la podrá crear una máquina, hacer música que salga de lo normal volverá a adquirir valor. Y la humanidad disfrutará de lo que se cree en los márgenes porque la zona intermedia ya no tendrá ningún interés. Tengo la esperanza de que la inteligencia artificial sea el acelerador de un cambio a favor de la diversidad. Quiero ser optimista, aunque hay días en que cuesta serlo.

¿Necesitamos música sencilla y binaria porque vamos estresados todo el día y no tenemos tiempo para escuchar con atención o la simplificación de la música en las últimas décadas hace que ya solo seamos capaces de digerir música sencilla porque nuestro cerebro no da para más?

La falta de costumbre provocará cada vez menos capacidad de escucha. Eso se podría revertir fácilmente con un poco de dedicación diaria, pero la falta de tiempo en nuestro día a día hace difícil revertir esta dinámica porque nos queda muy poco espacio mental. Vamos muy saturados. Llegamos a casa con la cabeza reventada. Y, además, tenemos cierta obsesión por la utilidad de las cosas. Detenerte a escuchar tranquilamente algo nuevo o dedicar tiempo a trabajar la escucha nos parece algo totalmente inútil cuando creo que es de las cosas más útiles que podemos hacer. Vamos entendiendo que debemos cuidar el cuerpo, que debemos cuidar la alimentación y se empieza a ver que debemos cuidar también nuestra mente. E igual que el cuerpo se entrena haciendo ejercicio, la cabeza y el oído se pueden entrenar con la música. Y me gustaría pensar que una escucha más empática puede ayudar a tener una actitud vital más empática en todos los ámbitos.

Tengo la esperanza de que cuando hacer música ya no tenga valor, porque la podrá crear una máquina, hacer música que salga de lo normal volverá a adquirir valor

Suponemos que un compás binario es más fácil al oído y que los ritmos impares son más difíciles. Pero explica que esa facilidad o dificultad de unos u otros es un hecho cultural fruto de la costumbre. ¿Podríamos deducir que la industria musical, fomentando un consumo de músicas cada vez más simples, nos está atrofiando el oído?

Eso sería mucho decir. Pero oír siempre el mismo tipo de música atrofia la capacidad de escucha, sin duda. Si solo escuchas música en la misma escala do re mi fa sol la si cuando oigas música microtonal pensarás que está desafinada. Tu cerebro ha aprendido a clasificar la música de un modo que deduce que eso es incorrecto. Los estudios afirman que tenemos un cerebro superpotente capaz de entender y disfrutar todo tipo de ritmos y armonías, pero la falta de costumbre va reduciendo la posibilidad de disfrutarlas. El placer musical, simplificando mucho, proviene de dos lados: uno es predecir la repetición, lo cual nos genera satisfacción, y otro es la sorpresa de un giro inesperado, que también nos provoca satisfacción. En el libro lanzo la intuición de que está triunfando más la versión conservadora del disfrute: la previsible. Y seguramente es así debido a unos intereses: es más fácil para un empresario venderte una y otra vez lo mismo.

¿A quién interesa que cada vez haya menos diversidad lingüística, de fauna, de vegetación, de alimentos y, también, de ritmos?

A las cuatro personas más ricas del planeta. Que cada vez haya menos diversidad anula todo lo que escapa a su control. Vamos hacia ese mundo de hipermultimillonarios, hacia esa especie de nuevo antiguo régimen donde interesa que todos consumamos lo mismo porque es mucho más fácil fabricar un millón de bollicaos que un millón de productos alimentarios diferentes. Seguramente por ello nunca antes la música ha sido menos diversa.

¿Es casual que todas las marchas militares sean de compás binario?

En absoluto.

No podemos cambiar nuestras vidas de hoy para mañana, pero podemos tomar las riendas de la banda sonora de nuestras vidas. ¿Cómo?

Se me ocurre una respuesta más teórica y otra de gestos concretos. La teórica sería tender a una escucha crítica, pensar por qué escuchas lo que escuchas y cómo te ha llegado; tender también a una escucha curiosa e incluso plantearse escuchar nuestro entorno: la realidad. Cuando fui a Nueva York a tocar con Los Sara Fontan flipé porque todo el mundo iba por la calle conectado a sus AirPods. Esa desconexión con el presente es muy bestia.

Hay gestos concretos que te permiten hackear un poco ese embudo en el que vamos cayendo sin pensar demasiado. No debemos perder la curiosidad ni en la música ni en cualquier otro ámbito porque entonces nos rendimos como humanos

¿Y esos gestos más concretos?

El primero es espiar las playlists que hace la gente en las plataformas. Son una fuente de descubrimiento extraordinaria: las hay de música india de los 70, hip-hop con patrones extraños… El segundo, hablar de música con tus vecinos, con gente de otras generaciones… Y el tercero, escuchar música fuera las plataformas: en vinilo, en conciertos, en emisoras digitales… Todo ello te permite hackear un poco ese embudo en el que vamos cayendo sin pensar demasiado. No debemos perder la curiosidad ni en la música ni en cualquier otro ámbito porque entonces nos rendimos como humanos.

Perder esa curiosidad, perder incluso la capacidad para disfrutar músicas con compases diferentes, ¿a dónde nos aboca como especie?

A ser como los personajes de la película Wall-E: personas que han abandonado su cuerpo, que son incapaces de hacer ejercicio, que viven mirando una pantalla que tienen delante y se mueven a través de una cinta transportadora. Tienen una vida comodísima, tienen comida y se pasan el día tumbados, pero han perdido todo poder de decisión sobre sus vidas. El interés de los cuatro oligarcas es tenernos tumbados ante la pantalla, pero los humanos tenemos un cerebro privilegiado y confío en que sabremos reaccionar.