Una canción puede hablar de una época incluso sin proponérselo. Puede revelar cómo se bailaba, qué se entendía por arte, cuáles eran las divisiones de clase, de qué manera una generación se pensaba a sí misma o qué sonidos podían convivir en un momento determinado. Sobre esa idea trabaja Diego Fischerman en Hoy desperté cantando esta canción. Canciones populares argentinas, una historia, un recorrido por más de cien años de música nacional que utiliza las canciones como puertas de entrada a historias mucho más amplias.

Gardel, Discépolo, María Elena Walsh, Atahualpa Yupanqui, Eduardo Falú, Ramona Galarza, Troilo, el Cuchi Leguizamón, Spinetta, Moris, Manal, Charly García, Fito Páez y Los Redondos son algunos de los nombres que atraviesan el libro. Pero a Fischerman no le interesa solamente qué canción fue escrita, sino quién la cantó, cómo lo hizo y qué ocurrió cuando una interpretación transformó esa composición en otra cosa. Porque, sostiene, en las músicas de tradición popular la versión es parte inseparable de la obra.

—Para el título tomaste un verso de “Inconsciente colectivo”. ¿Por qué esa canción y esa frase?

—Porque se le ocurrió a Abel Gilbert, que es un tipo brillante. El título iba a ser el que terminó siendo el subtítulo: Canciones populares argentinas, una historia. Un día, tomando un café, Abel me dijo: “¿Por qué no buscás una frase de una canción?”. Yo le decía que tenía que ser una que hablara de todo y que, además, fuera significativa. Empezamos a pensar y él dijo: “Hoy desperté cantando esta canción”. Y era el título. Fue idea de Abel. El libro está lleno de ideas de otros, en realidad.

—¿Cómo surgió la idea de contar más de un siglo de historia argentina a través de canciones?

—No sé si hubo un comienzo tan delimitado. Surgió en una conversación con Juancho Boido, de Penguin Random House, cuando yo acababa de entregar mi libro anterior. Al principio habíamos pensado en una canción por año, pero rápidamente vimos que no tenía sentido. Entre 1935 y 1936, por ejemplo, no necesariamente había grandes diferencias en cuanto a la representatividad de una canción, mientras que hay años como 1968, 1969 o 1982 en los que una sola canción no alcanza ni a palos. Lo que sí estaba desde el comienzo era la idea de que la canción es un objeto cultural de una complejidad increíble. Está informada por lo que sucede alrededor y, a su vez, informa sobre lo que sucede alrededor.

Además, no todas las canciones son la misma clase de objeto ni funcionan de la misma manera. Durante muchísimo tiempo la canción también fue bailable, y hubo épocas en las que se construyó una oposición entre bailar y escuchar. Piazzolla decía en un reportaje de los años 50: “Yo ya empezaba a dejar de pensar en los bailarines y a pensar en la música”, como si una cosa fuera contradictoria con la otra. Y Manolo Juárez decía que el folklore, para evolucionar, tenía que abandonar la coreografía. Esa idea fue muy fuerte. Me interesaba la canción como un material muy rico para hablar de distintas cosas, pero también porque edificó parte de la cultura de un país y la vida de cada uno de nosotros. El problema era cómo elegir frente a esa vastedad.

—¿Qué criterio usaste para decidir qué canciones entraban?

—Hubo varias listas. La “Marcha Peronista”, por supuesto, estuvo en alguna. También había canciones que podían estar porque eran muy significativas aunque a mí me parecieran muy feas. Por ejemplo, me preguntaba si “La felicidad”, de Palito Ortega, tenía que estar. Y en otra canción hay un verso que dice “Tírate al río en la parte más profunda...”, en una época en la que la Armada tiraba prisioneros vivos al Río de la Plata. Palito haya tenido eso en la cabeza o no. Pero entonces la pregunta era: ¿yo quiero hablar de eso? Además quería que, por lo menos en un porcentaje alto, el libro le diera ganas a quien lo leyera de escuchar las canciones. Que fueran canciones que yo tuviera ganas de que la gente escuchara. Busqué una especie de equilibrio entre canciones que me parecían significativas y canciones que me parecían bellas y, en lo posible, que fueran ambas cosas. Por supuesto que hay algo absolutamente subjetivo. ¿Cuáles son bellas? Las que a mí me parecen bellas.

—En el libro no hablás solamente de las canciones sino de versiones muy precisas. ¿Por qué era tan importante la interpretación?

—Porque, si hay algo que sigue diferenciando a la música de tradición popular de otras tradiciones, es el lugar de la interpretación. Prefiero hablar de tradiciones y no de música “popular” y “clásica”, porque ya no estamos hablando realmente de popularidad. La melodía final de la Novena Sinfonía de Beethoven probablemente sea más popular que Egberto Gismonti o Don Olimpio. En una sonata de Beethoven la interpretación es fundamental, pero la obra sigue siendo la obra. En la música de tradición popular, en cambio, sin la versión no hay nada. “La cumparsita de Firpo”, la de Troilo o las que grabó Piazzolla son obras totalmente diferentes entre sí. En el jazz esto resulta evidente: si le preguntás a alguien si tiene “My Funny Valentine”, te va a contestar: “¿Cuál?”. La de Chet Baker no es la de Miles Davis. Con el tango pasa lo mismo. “Cambalache” en la voz de Julio Sosa no tiene nada que ver con otras versiones, no solamente porque modifica elementos de la letra sino por la entonación y por el carácter que le da. En “Fuimos”, que es una despedida doliente, me interesaba hablar de la versión de Susana Rinaldi porque es donde aparece con mayor claridad alguien que se está despidiendo y al que no le da para gritar. Todo sucede en voz muy baja. Y está “Garúa”, que para mí la construye Goyeneche. La canción existía antes, pero él hace con ella algo extraordinario. Incluso creo que, si uno mira la letra aisladamente, tiene redundancias y cosas que no funcionan demasiado bien. Pero Goyeneche construye un tango extraordinario. Es una opinión, claro. El libro está lleno de opiniones y trato de que quede claro cuándo algo es una opinión y cuándo no.

—Decís que las canciones pueden retratar una época incluso cuando no se lo proponen. ¿Te sorprendió alguna al volver a escucharla desde esa perspectiva?

—La historia no son los hechos sino el discurso que uno hace sobre los hechos, cómo los ordena y cómo los selecciona. El hecho de poner una escucha histórica sobre una canción ya hace que la escuches de otra manera. La primera vez que escuché “Tema de Pototo”, de Almendra, no pensé que estaba ante una canción que hablaba de un sentimiento de tristeza muy fuerte, una temática que en principio estaba vedada en ese género, y que allí se estaba fundando algo distinto. Nadie que participaba en la Guerra de los Treinta Años decía “me voy a pelear a la Guerra de los Treinta Años”. La mirada posterior construye también lo que vemos. Me pasó además con voces que había escuchado muchas veces. Volver a la Mercedes Sosa joven después de haber oído su voz madura, incluso cascada, en los últimos dúos de Cantora, produce otra escucha. También aparecieron detalles que había olvidado. En “No bombardeen Buenos Aires”, de Charly García, hay frases que habían quedado opacadas en mi recuerdo por la potencia del título. O volver a Mujeres argentinas y escuchar un clave junto a un charango. El clave era un sonido muy de época, aparecía en muchas músicas populares, pero un clave con un charango debe haber muy pocos discos donde suene. Y ahí cumple casi la función de una guitarra eléctrica. Escribir el libro me llevó a revalorizar muchas cosas y a prestar atención a elementos a los que mi oído de otra época no les había prestado atención. Uno tampoco es el mismo. Cuando volvemos a ver una película o a leer un libro muchos años después, vemos y leemos cosas distintas.

—¿Sentís que las canciones siguen ocupando hoy el mismo lugar que tuvieron para otras generaciones?

—Primero tengo que aclarar que no puedo desprenderme de mi propia percepción, de mi educación ni de mi generación. Almendra y Manal construyeron mi gusto por la canción en castellano cuando yo tenía 12 años. Los Redondos ya los escuché desde otro lugar. Y hoy no conozco todo lo que se hace ni con la misma profundidad con la que conocía la música a los 12 o 13 años, cuando trataba de absorberlo todo y además tenía mucho más tiempo. Dicho eso, creo que la música, o la canción, no ocupa el mismo lugar en la vida cotidiana. En las generaciones educadas sentimentalmente con los Beatles, en cualquier división de una escuela secundaria había dos o tres grupos, cuatro personas que cantaban y seis o siete que tocaban la guitarra. Y ahí también tuvo una importancia enorme el boom del folklore. Muchos de los músicos que después hicieron rock habían sido chicos que tocaban la guitarra y cantaban folklore en la escuela. Los coros de Almendra o de Arco Iris, por ejemplo, tienen cosas que vienen muy claramente de ahí. Lo que no se ha investigado demasiado es por qué sucedió eso.

—¿Encontraste alguna pista?

—Lo que pude encontrar es una recomendación del Segundo Plan Quinquenal, durante el segundo gobierno de Perón, donde se planteaba fomentar en las escuelas el canto folklórico, la gimnasia y la religión. La religión tuvo su época obligatoria y después se sacó; la gimnasia continuó de otras maneras. Y lo del folklore creo que quedó sin que nadie supiera demasiado cómo. Eso formó un caldo de cultivo en el que la canción tenía un lugar muy importante. Muchos chicos querían ser cantantes. Después quisieron ser tenistas, futbolistas o modelos, según las épocas. Hoy probablemente un chico creativo de 16 o 17 años invente algo relacionado con el animé, con la gráfica o con otros lenguajes. Por lo menos hasta donde yo conozco, no necesariamente está esperando formar un grupo con amigos para hacer sus propias canciones. Pero insisto: es un terreno para investigar. No estoy diciendo que las canciones de antes fueran mejores. Estoy hablando del lugar que ocupaban.

—En el libro prácticamente no aparece la música tropical, la cumbia o el cuarteto. ¿Por qué?

—Durante muchísimo tiempo esa música no fue considerada una música para ser escuchada. Hubo ahí contenidos de clase muy claros. No tuvo un desarrollo como objeto de escucha del mismo modo que sí lo tuvo, por ejemplo, el chamamé, tempranamente con el Cuarteto Santa Ana o el Trío Cocomarola, y después con Teresa Parodi, Tarragó Ros o el Chango Spasiuk, por nombrar algunos. El libro está enfocado en canciones que funcionaron también para sus públicos como objetos de escucha, independientemente de que tuvieran otras funciones. Una canción de Moris se escuchaba. Una canción de Los Fronterizos podía bailarse, por supuesto, pero también existía como objeto de escucha. Eso estaba muy ligado a la industria del disco, que fue muy fuerte en los años 60 y 70, y a la radio como instrumento de difusión. Eso no quiere decir que la música tropical fuera peor. Funcionó de una manera diferente. Tampoco haría mía aquella idea de los años 60 según la cual, si se bailaba, no se escuchaba. Bailar también es una forma de escuchar.

—A lo largo del libro aparece una pregunta de fondo: ¿qué hace que una canción trascienda su función inmediata y se convierta en otra cosa?

—Es una pregunta que preocupa al ser humano desde hace muchísimo: qué hace que algo sea artístico. Y las definiciones cambian según las épocas, los lugares y los grupos sociales. Cuando Yupanqui escribe “El arriero”, muy tempranamente, antes del boom del folklore, podría decir simplemente que atardece. Pero escribe “un degüello de soles muestra la tarde”. Si dijera “atardece”, por ahí sería una milonga más. Esa forma de decirlo obliga al oyente a prestar una atención determinada. Para mí, ahí aparece lo artístico como función. Hay algo que trasciende la comunicación inmediata y pone el acento en otro lugar. Puede pasar en Yupanqui, en los Beatles o en una canción contemporánea. Cuando utilizás el trap pero lo superponés con un malambo y empezás a hablar del destino, de quién es uno y de la duda existencial, se produce algo que trasciende la funcionalidad primaria. Los objetos culturales, además, cambian con el tiempo. Siempre acarrean algo de la cultura que los originó, pero también se van cargando con elementos de las culturas que los reciben. Elvis Presley ya no es hoy aquella música juvenil y bailable con las connotaciones sociales que tenía cuando apareció. Algo parecido puede ocurrir con el rap o el trap. Quizás dentro de cien años, si sigue habiendo especie humana sobre la Tierra, alguien haga un disco arqueológico después de una ardua investigación sobre cantos de hinchadas de fútbol de fines del siglo XX y comienzos del XXI. Hoy no parecen una música destinada a perdurar. Pero tampoco sabemos qué va a escuchar el futuro cuando vuelva sobre nosotros.

CRM

Ricardo Soulé, fundador de Vox Dei y uno de los músicos que protagonizaron los años fundacionales del rock argentino, murió este viernes 2 de octubre a los 76 años. El fallecimiento se produjo a las 6:43 y fue confirmado por su hija María Victoria, también cantante.

Guitarrista, violinista, compositor y cantante, Soulé desarrolló una carrera de casi seis décadas y dejó su marca tanto al frente de Vox Dei como en sus distintos proyectos solistas. Su nombre quedó ligado especialmente a “Presente (El momento en que estás)”, una de las canciones emblemáticas del rock nacional, y a La Biblia, la obra conceptual que el grupo publicó en 1971.

La noticia de su muerte se conoció pocas semanas después de que el músico anunciara una pausa en su actividad debido a un problema de salud. Soulé había decidido entonces suspender sus compromisos y mantenerse alejado de los escenarios, sin brindar detalles sobre su estado y con un pedido de privacidad para atravesar ese momento junto a su familia.

A mediados de septiembre había manifestado su deseo de recuperarse para poder retomar las presentaciones. Tras conocerse su situación, músicos como Guillermo Vadalá, Carca y Fabián “Zorrito” Quintiero le habían expresado públicamente su acompañamiento.

De Vox Dei a La Biblia

Nacido en Quilmes, Soulé formó parte de la generación que, durante la segunda mitad de la década de 1960, comenzó a construir una identidad propia para el rock hecho en la Argentina. En 1967 fundó junto con Willy Quiroga, Rubén Basoalto y Juan Carlos “Yodi” Godoy el grupo Mach 4, que inicialmente interpretaba canciones en inglés y poco después adoptó el nombre de Vox Dei.

La banda comenzó entonces a escribir sus propias composiciones en castellano y en 1970 editó su primer disco, Caliente. Allí apareció “Presente (El momento en que estás)”, compuesta por Soulé y convertida con el paso de los años en una de las canciones más reconocibles de aquella primera etapa del rock argentino.

Solo un año después llegó el trabajo que terminaría de colocar a Vox Dei en un lugar singular dentro de esa historia. La Biblia, publicada en 1971, trasladó distintos episodios de las Sagradas Escrituras al lenguaje del rock en una obra conceptual en la que Soulé tuvo un papel decisivo.

Después de la salida de Godoy, Vox Dei continuó como trío y atravesó una etapa de intensa producción. En esos años aparecieron discos como Jeremías, pies de plomo, La nave infernal, Es una nube, no hay duda y Vox Dei para Vox Dei.

Una trayectoria de casi seis décadas

A mediados de los años 70, Soulé comenzó a alternar su participación en Vox Dei con una carrera propia. Su primer trabajo solista fue Vuelta a casa, al que seguirían otros proyectos mientras su relación con la banda atravesaba diferentes separaciones y regresos.

Tras la disolución de Vox Dei en 1981, publicó Romances de gesta en 1982, un álbum inspirado en la figura del Cid Campeador. La banda volvió a reunirse en 1986 con Soulé, Quiroga y Basoalto para presentar nuevamente La Biblia y dos años después esa formación editó Tengo razones para seguir.

En las décadas siguientes, Soulé continuó su recorrido por fuera de Vox Dei con proyectos como Dolmen y La Bestia Emplumada, además de regresar en distintas oportunidades a las canciones que había creado con el grupo.

Su obra estuvo atravesada por el rock, la literatura y las referencias espirituales, pero fueron sobre todo “Presente” y La Biblia las que quedaron como marcas de una época y de una banda que participó de la construcción del rock argentino desde sus primeros años. Con la muerte de Soulé desaparece uno de los protagonistas de aquella generación que, a fines de los años 60, comenzó a hacer del rock en castellano un lenguaje propio.

Con información de la agencia NA

En la cultura japonesa, preñada de matices, existe una palabra, utsuroi, que dibuja la relación secreta entre luz y penumbra, ese continuo fluir, sus fronteras débiles. Veo una película de Wim Wenders donde un hombre solitario, cuya ocupación es limpiar los retretes de Tokio, se distrae y atrapa la belleza observando las sombras de los árboles. Las fotografía. Las revela en blanco y negro. También lee libros sobre árboles, oye música. Cumple con su rutina de manera perfecta y reviste todo de dignidad. Suceden las mil pequeñas aventuras de aquello que llamamos vida. No es mucho, o tal vez demasiado.

Esa manera de mirar al bies. Esa ternura.

Mientras escribo, pienso que me parezco a él. Mi vida transcurre sin sobresaltos. Tacho una frase. La vuelvo a escribir. Soy como los niños que dibujan letras en el aire, las hacen volar. Pinzar el momento. Escribir un árbol.

A veces escribo una palabra y me quedo mirándola hasta que empieza a brillar.

Si regreso dentro de una hora, ya no serán los mismos árboles, ni la misma plaza, ni la misma mesa, ni el mismo cielo. Las hojas que se frotan no cantarán la misma canción, transformarán su misterio las infinitas variantes de la luz.

Entremos más adentro, en la espesura.

Subrayé muy conmovida este fragmento en Un árbol de compañía (Páginas de Espuma, 2026), un diálogo-diario-ensayo entre la escritora Clara Obligado, el biólogo Raúl de Tapia y una sucesión divina de árboles. Quería compartirlo en este espacio e invitarlos a la lectura del libro, si tienen ganas. Mientras tanto mi colección de árboles no para de crecer, atravesamos días de ramas que se van poniendo cada vez más frondosas y a varios nos acechan algunas sombras implacables.

Empieza una nueva entrega de Mil lianas. Una manera de mirar, también al bies, algunas cosas para aferrarse en medio del desconcierto.

1. Un amor sin futuro, de Betina González. “No es culpa de las amigas ni del feminismo. A muchos les resulta imposible pensar en un amor ‘sin futuro’, un amor que no termine en la tierra infértil de la familia”, apunta la protagonista de esta historia y sigue: “Hay secretos que no necesitan esconderse para ser guardados. Ahora mismo estás custodiando ese umbral que solo él y vos conocen. Lo estás guardando al escribirlo. Porque no querés que sean las palabras más vulgares de la lengua las que lo alcancen”.

En su reciente novela Un amor sin futuro (Tusquets, 2026), la escritora Betina González presenta una narradora que flota, que deambula, que se mueve entre sus lecturas alrededor de la belleza, el deseo y el amor y eso que le pasa cuando empieza a recibir correos electrónicos cada vez más encantadores de un joven estudiante de una de sus clases de literatura.

Con una segunda persona magnética, fragmentos de zonas ensayísticas y una prosa envolvente como el cortejo de los protagonistas ante un amor inquietante, la autora indaga lúcidamente en esa atracción singular que se produce cuando dos personas se desean. Pero al hacerlo, lejos de quedarse en estereotipos o lugares comunes, también propone una torsión: reparar en las expectativas ajenas, en los prejuicios de clase, en los pequeños actos de rebeldía que todavía pueden llegar a aflorar en un mundo cada vez más aplastante.

Hace unas semanas entrevisté a Betina González, una autora a la que siempre estamos volviendo en este espacio, para hablar sobre este libro. La charla nos fue llevando a la cocina de la novela, su experiencia como docente, los discursos que ella da en llamar “anti joven”, los prejuicios que siguen pesando sobre las personas que no se ajustan al modelo clásico de familia. Dejo la nota en este enlace.

Un amor sin futuro, de Betina González, salió por Tusquets. Más sobre el libro, en esta entrevista con la autora. Más novedades literarias, por acá.

2. La tristeza, de Consuelo Iturraspe. Como si la tristeza tuviera una raíz hundida en algún punto remoto de la Tierra. O como si existiera un cable subterráneo que se puede recorrer para saber dónde nace la tristeza, indagar cómo es que se prolonga en la profundidad, dar con su núcleo y, finalmente, arrancarla de un tirón. Me gustaron muchísimas cosas de la obra de teatro La tristeza, de Consuelo Iturraspe con la actuación prodigiosa de Fernanda Bercovich, y una es esa: que se anima a mostrar –tomándosela en serio y a la vez abordando el asunto con muchísima gracia– los lugares comunes que creamos o imaginamos alrededor de la tristeza. También los pequeños atisbos de complicidad donde ese pesar puede ablandarse, tomar aire, volverse absurdo.

En el centro está Sonia, una mujer que atiende llamados en la última remisería del planeta o algo parecido a eso. En las horas muertas de ese trabajo que la agobia –es decir, casi todo el tiempo porque la remisería es una especie en extinción en días de apps y celulares– habla por la radio con Caballo, un compañero que circula por la calle con su auto a la espera de pasajeros. Los dos saben que la tristeza está ahí, que los circunda, que es inevitable, pero no terminan de nombrarla. Hay días que hacen listados insólitos como para exorcizarla (famosos improbables que podrían asistir a un cumpleaños, frases en coreano, refranes con la palabra “caballo”), hay momentos en los que se preguntan qué pasó con otra compañera de la remisería que se quitó la vida, hay escenas que los enfrentan a un fantasma generalizado y muy íntimo a la vez: ¿qué se hace con tanta tristeza? ¿de dónde viene? ¿dónde ubicarla cuando el mundo nos pesa?

Si están por Buenos Aires o planean hacerlo, pasen por La tristeza. Se puede ver en el espacio teatral Zelaya, en el barrio del Abasto, y es una obra potente, preciosa.

La tristeza, de Consuelo Iturraspe, con la actuación de Fernanda Bercovich, se puede ver en la sala Zelaya (Zelaya 3134, CABA). Más información sobre entradas y funciones, por acá.

3. Hospital Británico, de Gloria Peirano y Gustavo Fontán. “Hospital Británico es el último libro de un enorme poeta argentino: Héctor Viel Temperley (1933-1987). Después de ser operado de un tumor en el cerebro, Viel escribió una de las obras más hermosas y perturbadoras que se han escrito en lengua castellana. Primero lo comprobamos en carne propia: no se sale indemne después de leer a Viel. O, como dice la poeta y crítica Tamara Kamenszain, ‘para escribir después de Viel habrá que aprender a nadar”. A lo largo de los años, escuchamos numerosos testimonios que coincidían con nuestra impresión: su lectura deja una marca irreductible. La potencia lírica de Hospital Británico se articula alrededor de la convivencia entre un profundo misticismo y un apego a la sensualidad. Esto impacta de modo radical en la forma del poema, en la cadencia de las palabras, que se sienten como brazadas infinitas. Nos propusimos en esta película dialogar con el poema de Viel Temperley, como una manera de manifestar la huella del libro en nosotros y de recoger los testimonios de ese impacto en otros lectores“, apuntan los directores Gloria Peirano y Gustavo Fontán.

Después de pasar por el festival internacional de cine de Marsella, por estos días se estrena la película Hospital Británico que, tal como los realizadores señalan, es una aproximación, un merodeo alrededor de esa obra fascinante de Viel Temperley que combina sus palabras con una serie de imágenes encantadoras, muchas de ellas hechas con una cámara estenopeica, de lugares bucólicos y misteriosos enrarecidos por esa técnica. Para ese movimiento, además de mostrar un viaje en tren por la pampa argentina, los directores invitaron a un grupo de peregrinos –la mayoría de ellos escritoras y escritores que quedaron también prendados de la poesía de Viel, como Alicia Genovese, Julián López o Teresa Arijón, entre otros– que a veces frente a cámara, a veces como voces radiantes, intentan dar cuenta de ese encantamiento. En el medio, se suceden tomas que lejos de venir a ilustrar los poemas, invitan a la percepción sin red, a desarticular la mirada, a ir, como señala uno de los versos más célebres del poeta en Hospital Británico, a lo menos conocido, al propio cuerpo.

Hospital Británico, de Gloria Peirano y Gustavo Fontán, se puede ver en la Sala Leopoldo Lugones del Teatro San Martín (Corrientes 1530 CABA). Más información sobre horarios y entradas, en este enlace.

Apostilla. Algo que me tiene impactada por estas horas (¡y ya estoy esperando que salgan más capítulos!). Tal vez conozcan a Diego Genoud por sus análisis, sus investigaciones, sus libros o sus entrevistas como periodista político. Por estos días lanzó Manuela Santucho. La vida, los nombres, el lugar, un podcast documental en el que Genoud tal vez haya encarado una de las misiones más difíciles de su carrera: contar la vida de su madre. Una vida que es la vida de una chica católica, de la hija de una destacada familia numerosa de Santiago del Estero, diezmada tiempo después por el terrorismo de Estado; de una abogada que defendía a presos políticos, de una joven que varios conocían como Mariana y fue perseguida por los servicios de inteligencia, de una militante revolucionaria comprometida, de una madre desaparecida por la última dictadura.

Dispuesto a hacer una arqueología familiar, entre la búsqueda documental y la indagación afectiva, Genoud recorre esta historia que es, a la vez, la de buena parte del siglo XX en Argentina. Y lo hace, con una enorme sensibilidad, a partir del testimonio de quienes conocieron a su madre, de quienes la vieron en acción, de las cartas que perduran en el acervo familiar, de los documentos históricos, de las voces que se escapan y de sus propias preguntas –como periodista inquieto, como hijo que busca descifrar el gran enigma de su vida–, alrededor de la memoria.

El podcast Manuela Santucho. La vida, los nombres, el lugar, de Diego Genoud, se puede escuchar en YouTube y en Spotify.

Banda sonora. Como les conté hace algunas semanas (pueden chusmear el listado completo por acá si se les pasó), uno de los estrenos más interesantes del mes en el universo del streaming es el documental Pulp: ¿Qué harías por una canción más?, que se podrá ver desde hoy a través de Mubi.

“Dirigida por su colaborador habitual, el aclamado director, productor y actor británico Garth Jennings, y narrada por el líder de Pulp, Jarvis Cocker, la película entrelaza imágenes de sus ingeniosos conciertos con cuatro décadas de material de archivo inédito”, informaron desde la plataforma y agregaron: “Con veinte canciones que abarcan toda su trayectoria, Pulp: ¿Qué harías por una canción más? es un tributo a una banda de inadaptados cuyo agudo comentario social, ingenio sarcástico pero sincero y empatía inquebrantable con su público siguen resonando a través de las generaciones”.

Este lanzamiento es la excusa perfecta para sumar varias canciones de Pulp a nuestra lista compartida. Se escucha, como siempre, en este enlace.

Bonus track. Para quienes no pudieron estar, para quienes prefieren escuchar este tipo de conversaciones sin apuro, una novedad: la Feria de Editores empezó a subir a su canal de YouTube las charlas que tuvieron lugar durante su última edición. Anoto dos que me interesaron particularmente. Por acá, una entrevista con Mauricio Kartun, donde habla sobre la creación, a partir de su trabajo y de la salida de su libro Crear, publicado por Ediciones Godot. Por otra parte, en este enlace pueden ver la charla Horizontes especulativos, que tuvo como participantes a Cecilia Garrafo, Juan Mattio y Ricardo Romero para hablar sobre el realismo especulativo, su influencia en las ciencias naturales y la literatura, y la necesidad de repensar ciencia ficción. 

Posdata. Gracias especiales a Yanina, Mijal, Marisa, Diego y Alicia desde Mar del Plata por escribirme con sugerencias sobre los problemas en mis oídos que comenté por acá y por sus buenos deseos. Me encanta leer sus comentarios sobre este espacio de palabras despatarradas (ya que estamos, les recuerdo que siempre me encuentran por acá). Y, algo más: Mil lianas no tiene difusión más que el boca en boca de sus lectores y en mis propias redes. Así que, si tienen ganas de compartirlo, difundirlo como quieran o reenviarlo a alguien que le pueda interesar, estaré muy agradecida.

¡Hasta la próxima!

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Las Spice Girls anunciaron que lanzarán el próximo 6 de noviembre una edición especial de su música, que incluirá canciones inéditas –sin especificar el número– como “Do You Think About Me”. Ofrecerán dos tipos packs, con versión en vinilo o cedé, cuyos precios oscilan entre las 100 y 280 libras (entre 135 y 380 dólares). Las colecciones las completan libretos, postales y un colgante.

El grupo formado por Mel B, Mel C, Emma Bunton, Geri Halliwell y Victoria Beckham hizo saltar este miércoles las alarmas con un misterioso video en el que anticipaban un anuncio –dejando en el aire si sería un posible regreso a los escenarios o la publicación de nueva música–, que tendría lugar este jueves. Finalmente, no habrá gira, pero sí material que no habían publicado hasta ahora y decidieron rescatar.

El video compartido en sus redes sociales hacía referencia a su mítico Wannabe, que precisamente este 2026 cumplió treinta años, en su puesta en escena. La pieza fue grabada en las escaleras del mismo hotel en el que en su día se grabó el videoclip. Sobre ellas aparecía un periódico planteando varias preguntas: “¿Sos fan de las Spice Girls con capacidad de cantar y bailar? ¿Sos un superfan, un coleccionista, un melómano?”.

Los seguidores del grupo comenzaron a mirar con lupa cada uno de los detalles del mansaje, como que el periódico que referenciaban era The Stage. Este fue el medio que en 1994 publicó el anuncio de la búsqueda de una nueva 'girlband' que terminó dando lugar a las Spice Girls.

Las Spice Girls son una de las bandas femeninas más exitosas de la historia de la música reciente, con nueve números uno en Reino Unido y más de 100 millones de copias vendidas. El grupo se mantuvo entre 1996 y 2001, y posteriormente entre 2007 y 2008, además de una aparición en 2012 durante la clausura de los Juegos Olímpicos de Londres 2012. Ya sin Victoria Beckham, las otras cuatro integrantes estuvieron de gira entre 2018 y 2019, el Spice World Tour 2019; pero no habían vuelto a reunirse hasta ahora.

El pasado mes de junio se avivaron los rumores sobre su posible regreso, con la celebración por parte de las cantantes del 30 aniversario de su primer gran éxito, Wannabe. A propósito del mismo, Emma Bunton y Mel C mostraron su optimismo respecto a un posible reencuentro en una entrevista en la radio iHeart, donde afirmaron: “No puedo pensar ahora mismo nada mejor en el mundo que el que haya una reunión de las Spice Girls”. “Sería tan bonito, manifestémoslo, digámoslo en alto”, añadieron.

Algo Prestado es un podcast de elDiarioAR realizado por Tamara Tenenbaum, junto a un invitado cada semana. Está alojado en Spotify, plataforma líder para la publicación de podcast, y también en otras aplicaciones de streaming.

A los 83 años, Tata Cedrón continúa encontrando nuevas formas de volver sobre las canciones que acompañaron su extensa trayectoria. El músico, compositor y guitarrista será protagonista este viernes 14 de agosto de una noche especial en Cuerda Mecánica, donde inaugurará Repertorios, un ciclo concebido como un recorrido por distintas expresiones de la canción criolla.

El encuentro será a las 20.30 en La Caja de Madera, el auditorio del espacio cultural de Villa Urquiza, con capacidad para unas 60 personas. Allí, Cedrón se presentará en un formato despojado de guitarra y voz, al que podrán sumarse músicos invitados, para abordar un programa que combinará tangos, canciones lunfardas, folclore y algunas de sus propias composiciones, las llamadas “cedroniadas”.

La propuesta no busca reconstruir el pasado como una pieza de museo. Por el contrario, parte de la experiencia de un músico que lleva décadas trabajando sobre la canción popular y que todavía encuentra en esos repertorios posibilidades de interpretación y nuevos sentidos.

Cada presentación de Repertorios tendrá un programa diferente. De ese modo, el ciclo propone un recorrido abierto por la música criolla, en el que las canciones funcionan como punto de partida para recuperar autores, historias y formas de interpretar que forman parte de la identidad musical argentina.

En La Caja de Madera, además, el formato del encuentro tendrá un papel central. El auditorio fue construido íntegramente en madera y está pensado para recibir a un público reducido. La cercanía entre los músicos y los espectadores modifica las condiciones habituales de un concierto y convierte la escucha en una experiencia particularmente próxima.

En ese espacio, cada palabra y cada silencio forman parte de la interpretación. La distancia entre escenario y platea prácticamente desaparece y las canciones pueden escucharse en una escala que favorece el intercambio directo entre artista y público.

Cedrón resume el espíritu de la propuesta como “una invitación a revivir las melodías que marcaron nuestros orígenes” y, a través de ellas, reconocer “su calidad musical y poética, la poderosa identidad de nuestra música, el valor de la propia historia y del lugar de dónde venimos”.

Con Repertorios, el músico vuelve entonces a poner en circulación un repertorio que conoce profundamente, pero que no aparece presentado como una colección cerrada. Cada concierto será una nueva oportunidad para recorrer esas canciones desde el presente y desde la mirada de uno de sus intérpretes más personales.

La presentación será este viernes 14 de agosto a las 20.30 en Cuerda Mecánica, Juramento 4686, Villa Urquiza. Las entradas están disponibles a través del sitio oficial del espacio.

Los días jueves 23 y viernes 24 de julio, Bebop Club recibirá al legendario baterista norteamericano Lewis Nash, una de las figuras más influyentes y respetadas de la historia del jazz. En dos funciones por noche, a las 20 y 22:30 horas, se presentará junto a un quinteto integrado por destacados referentes de la escena argentina: Mariano Loiácono (trompeta), Sebastián Loiácono (saxo), Ernesto Jodos (piano), Santiago Lamisovski (contrabajo) y el propio Lewis Nash en batería.

Considerado universalmente como uno de los grandes bateristas del jazz de todos los tiempos, Nash desarrolló una extraordinaria carrera de más de cuatro décadas y participó en más de 500 grabaciones, incluyendo diez álbumes ganadores del Premio Grammy. A lo largo de su trayectoria compartió escenarios y estudios de grabación con algunas de las figuras más importantes de la historia del género, entre ellas Oscar Peterson, Dizzy Gillespie, Sonny Rollins, Stan Getz, McCoy Tyner, Ron Carter y Wynton Marsalis, entre muchos otros referentes fundamentales del jazz moderno.

Reconocido además por su labor educativa, fue integrante del cuerpo docente fundador del programa de jazz de la Juilliard School y actualmente se desempeña como profesor en Arizona State University. Su visita a Buenos Aires representa una oportunidad única para disfrutar de cerca a una verdadera leyenda viva del jazz, compartiendo escenario con algunos de los músicos más importantes del jazz argentino, en la intimidad y cercanía que distinguen a Bebop Club.

Reconocido universalmente como uno de los grandes bateristas de la historia del jazz, su ilustre carrera abarca ya más de cuatro décadas. Nash es uno de los músicos más grabados del jazz, con participación en más de 500 registros discográficos, incluidos 10 álbumes ganadores del Premio Grammy y numerosos nominados.

De hecho, tiene la distinción de ser el único músico en la historia del jazz que participó en los álbumes ganadores de las categorías “Mejor Álbum Vocal de Jazz” y “Mejor Álbum Instrumental de Jazz” en dos años diferentes: en los Grammy de 2004 junto a Nancy Wilson y McCoy Tyner, y nuevamente en 2010 junto a Dee Dee Bridgewater y James Moody.

Nacido en Phoenix, Lewis llegó a New York City en 1981, a los 22 años, y obtuvo su primer reconocimiento internacional como integrante del trío de la vocalista Betty Carter. Ese fue un período decisivo en su desarrollo artístico, ya que recorrió el mundo durante casi cuatro años junto a Carter y tuvo la oportunidad de conocer e interactuar con muchos de sus colegas y predecesores musicales.

En los años siguientes, Nash realizó giras, grabaciones y actuaciones con muchas de las figuras más celebradas del jazz, y su trayectoria parece un auténtico “quién es quién” de la realeza del género. Entre estas leyendas se encuentran Oscar Peterson, Dizzy Gillespie, J. J. Johnson, Sonny Rollins, Tommy Flanagan, Sonny Stitt, Clark Terry, Stan Getz, Benny Golson, Art Farmer, Gerry Mulligan, Hank Jones, Horace Silver, McCoy Tyner, Ray Brown, Milt Jackson, Jimmy Heath, Randy Weston, Cedar Walton, Ron Carter, Wynton Marsalis, Branford Marsalis, entre tantos otros.

En 2012 se creó The Nash, un centro educativo y espacio de conciertos dedicado al jazz que lleva su nombre, en su ciudad natal de Phoenix. Desde su inauguración se ha convertido en uno de los principales focos de actividad jazzística de la ciudad y ha sido reconocido de manera constante por DownBeat como uno de los mejores clubes de jazz. Maestros del género como Randy Weston, Jimmy Cobb y Roy Hargrove ofrecieron algunas de las últimas actuaciones de sus carreras en The Nash.

Además de su prestigio como baterista, Lewis es ampliamente requerido por su labor educativa y dicta clínicas, clases magistrales y talleres en instituciones de todo el mundo. En 2001 integró la primera planta docente del programa de estudios de jazz de The Juilliard School, y durante los últimos 20 años ha formado parte del cuerpo docente del Vail Jazz Workshop.

En 2017, Nash se incorporó al departamento de estudios de jazz de Arizona State University, donde fue nombrado Profesor de Práctica en Jazz Bob y Gretchen Ravenscroft. A comienzos de 2021, la universidad creó el Lewis Nash Scholarship Endowment, una beca que se otorga anualmente a un estudiante destacado de grado o posgrado en interpretación de jazz de ASU.

Algo Prestado es un podcast de elDiarioAR realizado por Tamara Tenenbaum, junto a un invitado cada semana. Está alojado en Spotify, plataforma líder para la publicación de podcast, y también en otras aplicaciones de streaming.

El Día Mundial del Rock se celebra por los mega conciertos benéficos “Live Aid” realizados en Londres y Filadelfia el 13 de julio de 1985, con el objetivo recaudar dinero para ayudar a los países de África afectados por hambrunas, en especial Somalia y Etiopía.

Este evento se llevó a cabo en dos escenarios principales en simultáneo, siendo estos organizados en las ciudades de Londres en Inglaterra y Filadelfia en Estados Unidos, y su principal ideólogo fue el compositor irlandés Bob Geldof, quien fundó la organización “Band Aid Trust” para lograr su cometido.

Artistas consagrados ayudando al Africa

Durante su desarrollo pasaron por los escenarios bandas de la talla de Queen, U2, The Beach Boys, Dire Straits, Reo Speedwagon, Black Sabbath, Led Zeppelin, Judas Priest, The Who e intérpretes como Mick Jagger, Tina Turner, George Michael, Bryan Adams, Kenny Loggins, Eric Clapton, Sting, Phil Collins, David Gilmour, David Bowie, Elton John, Bob Dylan, Paul McCartney, entre otros.

El éxito de este evento traspasó las fronteras de los lugares en donde se desarrolló, lo que finalmente terminaría motivando la declaración, a partir del año siguiente, del día 13 de julio como el Día Mundial del Rock, en homenaje al evento Live Aid y a la gran convocatoria de artistas que generó por motivos meramente humanitarios.

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Madonna tenía 24 años cuando lanzó su primera canción en solitario, Everybody. Era 6 de octubre de 1982, fecha que cambiaría para siempre la historia de la música. Nacía la que terminaría convirtiéndose en la 'reina del pop'. Soberanía que su majestad mantiene más de cuatro décadas después en las que, con ahora quince álbumes de estudio a sus espaldas, compuso himnos como Like a Prayer, Like a Virgin, Vogue, Hung Up y La Isla Bonita.

Pero su legado no se limitó únicamente a su talento como artista. Madonna rompió los moldes del mainstream, transgredió a nivel sexual, tomó las riendas de toda su corporalidad y look, y dio visibilidad al sida cuando era un tabú envuelto en estigmas, desafió al Vaticano y subió la bandera palestina al escenario de Eurovisión en Israel.

“Siempre abrió camino”, afirma Eduardo Viñuela, Doctor en Musicología y autor de la biografía Bitch She's Madonna (Dos Bigotes). Un camino que sigue ampliando con el lanzamiento de su nuevo disco, Confessions II, este viernes, siete años después del anterior, a punto de cumplir 68.

“Está haciendo algo que no hizo nadie, que es envejecer siendo mujer en un género musical como el pop. No estamos hablando de una artista de country, ni de blues, ni de jazz, sino del pop, que siempre se asoció a la juventud”, valora el experto, que incide en que la cantante fue y es blanco de edadismo: “Se le criticó mucho, cuestionando que por qué no se retira; que además tiene un componente de género, porque desde luego no es algo que le digan a Bruce Springsteen”.

Leyre Marinas, publicista y Doctora en Periodismo, analizó en Fucked Feminist Fans. Los orígenes del #MeToo desde la cultura pop musical las conexiones que registradas en los últimos treinta años entre la música, los movimientos feministas y el sexismo divulgado por los medios de comunicación, en las que Madonna cuenta con su propio apartado.

Para la investigadora, la artista “sufrió y sufre todas las normas de vigilancia y control sobre absolutamente todo lo que pueda atravesar a cualquier mujer. Ya sea por edadismo, su sexualidad, su talento, sus creaciones, su poder dentro de la industria musical y su influencia. Las críticas siempre han sido sexistas. No vas a encontrar a ningún hombre del pop, rock o cualquier otro género al que le digan 'deja de ocupar este espacio'”.

La doctora en periodismo incide en que desde el inicio de su carrera, la artista “obligó a que la sociedad se hiciera preguntas muy incómodas dentro del papel de las mujeres en la industria musical y los videoclips. Mostró su sexualidad sin estar subordinada a la mirada masculina. Siempre enseñó su deseo como herramienta de poder y de liberación; y a ella misma como mujer ambiciosa dentro de la industria. Eso rompía muchísimos esquemas”. “Su gran aportación fue demostrar que las mujeres podían llegar al poder y al éxito”, suma.

El intocable trono de la 'reina del pop'

Desde que Madonna fuera apodada como la 'reina del pop', la industria musical ha contó con un radar particular sobre quién sería su digna sucesora, creando una necesidad de relevo, realmente inexistente, fruto de la competitividad entre las mujeres impuesta por patriarcado y capitalismo. Sin embargo, ella fue a la contra, poniendo el foco en generar precisamente lo contrario.

“Desde los ochenta le persiguió ese buscar a la siguiente reina para cuando hiciera falta el relevo generacional. Mientras tanto, ella reivindicó la unión y validación a las figuras del pop de cada momento”, apunta Eduardo Viñuela, haciendo referencia a su apoyo a Christina Aguilera, Britney Spears, Nicki Minaj, Sabrina Carpenter –con quien tiene una colaboración en su último disco–, Arca y Charli XCX.

“En vez de rivalidad, está creando sororidad”, añade el experto, que aplaude que a su vez ponga en valor a figuras del pasado, como Tamara de Lempicka y Liza Minnelli.

Leyre Marinas comparte su valoración, aplaudiendo que en ese 'ir por delante', Madonna supo incluso “sacarle partido al jugo que podía haber en esa construcción cultural de la competitividad entre mujeres, de 'peleas de gatas'”, y cita como el gran epítome el icónico beso que se dio con Britney Spears en la gala de los MTV Awards celebrada en 2003.

“Fue un diálogo generacional. Una actuación plagada de safismo. No solo fue una provocación mediática, sino una transmisión simbólica de la reina del pop a su heredera. Ahora estamos más acostumbrados a ver colaboraciones y halagos entre artistas, pero en su momento rompió con ello bastantes esquemas”, reivindica.

El poder político de Madonna

Más allá del éxito de su música, Madonna siempre llevó el significarse políticamente por bandera, que en numerosas ocasiones derivó en polémicas. Uno de sus grandes hitos fue dar visibilidad a la lucha contra el sida en los ochenta, rompiendo por completo con el tabú que suponía en ese momento. “Fue un gran altavoz de este problema en un momento en el que estaba muy escondido”, recuerda y menciona otros hitos controvertidos como sus enfrentamientos con el Vaticano. “Al mercado no le interesa mucho cuando alguien mete mucho el dedo en la llaga, pero le dio igual”, explica.

El videoclip de Like a Virgin, que culminaba con la cantante bailando rodeada de cruces en llamas fue todo un escándalo en 1989, al que siguió que, un año después, Madonna llegara a ser amenazada por la Policía. Varios agentes le advirtieron de que si volvía a simular una masturbación durante su interpretación de la misma canción en un concierto en Canadá, sería arrastrada por escándalo público. Por supuesto su reacción fue hacerlo aún con más entusiasmo que sus actuaciones previas.

En su 'idilio' con la Iglesia faltaría sumarle el lanzamiento de la canción Papa Don't Preach en 1986, en el que hablaba sobre una adolescente que decidía seguir adelante con su embarazo, y que durante su tour internacional en 1987, dedicó al papa Juan Pablo II, que la institución entendió como una provocación directa, ofensiva e irrespetuosa.

En 2019 protagonizó otro momento histórico, esta vez sobre el escenario de Eurovisión. Con Israel como sede del concurso, la cantante incluyó en su puesta en escena a dos bailarines subiendo una escalinata tomados de la mano, con la bandera de Palestina e Israel cosidas en la espalda. “La música hace que la gente esté unida”, dijo la artista durante la gala. El gesto no gustó en el país anfitrión, cuya ministra de Cultura calificó de “error inapropiado”.

Madonna volvió a significarse sobre el genocidio en Gaza. De hecho, incluyó un alegato en su gira mundial de 2023. “Podemos unirnos de una forma oscura y malvada, o podemos unirnos para crear un espacio de luz y amor. Y si todos tenemos esta conciencia colectiva, podremos cambiar el mundo y traer paz no solo a Oriente Medio, sino a todo el mundo”, expuso durante sus shows.

“No se ha valorado nada político de lo que hizo”, critica Leyre Marinas, mencionando el citado beso con Britney Spears, pero también en su reivindicación de la sexualidad femenina, el feminismo en sí, la visibilidad sobre el colectivo LGTBIQ+ y rechazo al racismo. La Doctora en Periodismo considera que muchas veces la sensación de 'polémica' haya “eclipsado a veces el contexto sociocultural y político en el que han ido sucediendo”, empezando por el marco que acompañó el lanzamiento de cada uno de sus discos, que provocaron que discos como Erotica (1992) fuera todo un escándalo.

Leyre Marinas critica que hasta hay quien leyó sus polémicas como “incluso individualistas, o meras provocaciones de una artista que se subió a un escenario con un talento y éxito mundial, y que, sin embargo, no se le ha tomado en serio”. La investigadora apunta que “ocurre siempre como reacción a cualquier acción de mujeres o colectivos discriminados, que parece que pasan sin pena ni gloria, pero funcionan igualmente como intervención cultural, de representación y visibilidad”. “Esto también ayuda mucho a entender por qué Madonna sigue siendo una figura imprescindible dentro de la historia del pop y de la industria del entretenimiento en general”, concluye.

La capacidad de “augurar” el futuro

La cantante publica este viernes Confessions II y hay una sensación generalizada de que el final de su carrera quede aún muy lejos, también para ambos expertos. “Madonna augura el futuro y el público obedece. Da igual hablar de la industria musical, la estética o el apoyo público a comunidades discriminadas; ella siempre fue un paso por delante de las mortales y es la que guía”, alaba Leyre Marinas.

Eduardo Viñuela destaca que en su nuevo trabajo podría haber optado por acercarse a “la línea de lo que se escucha, quizás algo más de reguetón, pero lo que está haciendo es reivindicar la música disco”. Madonna sorprendió a sus fans con un concierto sorpresa en Times Square presentando su disco a principios de junio, del que también adelantó un cortometraje de trece minutos, Confessions II - The Film, disponible en YouTube.

“En un momento en el que todo es muy fugaz y líquido, en el que todo son eras que pasan muy rápidamente, solo hay que ver cómo Taylor Swift o Rosalía cambian cada dos años de concepto; ella se mantiene en una línea que ha estado muy presente en su carrera”, considera, “todavía le quedan muchas cosas por decir, y eso que ya todo lo que lleva haciendo muchos años está por encima de lo que se podría esperar de un artista”.

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Después de más de dos décadas explorando los cruces posibles entre las músicas de raíz latinoamericanas, la experimentación electrónica y la percusión ritual, Tremor vuelve a abrir una nueva puerta. El sábado 20 de junio, el grupo integrado por Leonardo Martinelli, Camilo Carabajal y Alex Musatov presentará oficialmente Takuy en Galpón B, en una fecha que tendrá como invitadas a Ignacia y Lucy Patané, dos de las artistas que participaron del álbum, además de las visuales de Rosario Murúa y la intervención de Ch Respira como maestro de ceremonias.

Editado por ZZK Records y disponible desde mayo en plataformas digitales, Takuy marca un nuevo capítulo para una banda que desde principios de los años 2000 viene construyendo un lenguaje propio, difícil de encasillar y todavía más difícil de imitar. Folklore, electrónica, psicodelia, texturas acústicas, instrumentos ancestrales, procesamiento digital y ritmos provenientes de distintos territorios conviven en una obra que parece moverse constantemente entre el pasado y el futuro.

El título elegido resume buena parte de ese recorrido. “Takuy” es una palabra quechua que puede traducirse tanto como “mezclar” como “permanecer”. Y para Martinelli, ambas acepciones funcionan como una declaración de principios.

“Siempre fue una palabra que me gustó. La parte de la mezcla caía como anillo al dedo porque la propuesta de Tremor tiene que ver con eso. Si bien siempre está la raíz latinoamericana, el folklore y la electrónica, cuando uno escucha los temas hay referencias de muchas partes del mundo: melodías balcánicas, cosas africanas, árabes, hindúes, elementos del rock y hasta del ruidismo”, explica a elDiarioAR.

Pero hay otra dimensión del término que lo interpela especialmente. “Habla de permanecer, de habitar, de existir. Estos últimos años la banda atravesó transformaciones importantes y para nosotros, que hacemos una música instrumental, con una personalidad bastante particular y alejada de las tendencias, también había algo emotivo en seguir estando. En seguir permaneciendo”.

La referencia apunta a los cambios internos que atravesó el grupo en los últimos años. El proceso de creación del disco comenzó antes de la pandemia con la formación integrada por Martinelli, Carabajal y Gerardo Fares. Con el tiempo, Fares dejó el proyecto y su lugar fue ocupado por el violinista Alex Musatov, cuya llegada terminó modificando profundamente la dinámica de la banda.

“Volvimos a ser un trío, pero otro trío”, resume Martinelli. “Los cambios te aniquilan o te potencian. Por suerte, en nuestro caso potenciaron el proyecto. Acabamos de volver de una gira por Europa y estamos muy felices con lo que está pasando”.

La incorporación de Musatov nació a partir de otro proyecto fundamental en la actualidad de Martinelli: su trabajo junto a la legendaria cantora boliviana Luzmila Carpio, de quien Tremor es actualmente banda estable.

“Lo conocí grabando el último disco de Luzmila. Yo estaba haciendo los arreglos y quería incorporar cuerdas. Lo invité a grabar y pegamos una onda medio mágica rápidamente”, recuerda. “Después empezamos a trabajar juntos en otras cosas, nos hicimos amigos y sentí que era alguien que podía encajar muy bien en Tremor”.

La llegada del violinista aportó una nueva paleta tímbrica y también una renovación creativa. “Cuando aparece una persona nueva pasan muchas cosas. Está lo humano, pero también está esa comunicación no verbal que ocurre en la música. Todavía hoy siento que seguimos descubriendo cosas. Cada show es mejor que el anterior porque seguimos encontrando lugares donde potenciarnos mutuamente”.

Esa expansión sonora puede escucharse con claridad en Takuy, quizás el disco más melódico y psicodélico de Tremor. Violines, aerófonos, sachaguitarras, quenas, sikus y otros instrumentos acústicos amplían un universo que históricamente se construyó a partir del diálogo entre la tradición y la tecnología.

Para Martinelli, sin embargo, el punto de partida no suele ser un género ni una fórmula determinada.

“No hay una manera de componer. Algunos temas nacen de una melodía, de algo espontáneo. Pero otras veces primero aparece una idea, un escenario. Como pensar qué pasaría si un instrumento africano conviviera con determinada rítmica folklórica. Muchas veces el proceso tiene que ver con explorar territorios que todavía no conocemos”.

Ese impulso exploratorio atraviesa todo el álbum. Las influencias afroperuanas, rioplatenses, colombianas, brasileñas y argentinas dialogan con referencias provenientes de distintos rincones del mundo para construir una geografía imaginaria que, sin embargo, nunca pierde su anclaje latinoamericano.

“Si simplemente hiciera lo que me sale naturalmente, todo sería más aburrido”, admite entre risas. “Uno tiene lugares comunes, una especie de memoria muscular. Entonces intento forzarme a buscar escenarios nuevos para la banda”.

Las colaboraciones presentes en el disco surgieron también desde esa lógica orgánica. Lejos de la dinámica de los featuring pensados para multiplicar reproducciones o visibilidad, las participaciones de Ignacia, Lucy Patané y Santiago Vázquez nacieron de afinidades artísticas y encuentros concretos.

“Es una época donde parece que hay que tener invitados sí o sí, pero nunca me interesó pensar a quién convocar por una cuestión comercial”, afirma.

Con Ignacia, la conexión apareció cuando Martinelli terminó la base instrumental de “Ánima Digital”. “Escuché el tema y sentí que era para su voz. Ella conocía la banda, le gustaba lo que hacíamos y cuando se lo propuse se copó enseguida”.

Algo similar ocurrió con Lucy Patané. “Primero apareció la música instrumental y después su voz empezó a rondarme la cabeza. Nos juntamos en el estudio, charlamos algunas horas sobre la idea de la canción y así terminó naciendo el tema”.

La dificultad para definir la música de Tremor ha acompañado al grupo desde sus comienzos. Folktrónica, folklore digital, electrónica de raíz, electrónica orgánica. Las etiquetas fueron cambiando con los años, aunque ninguna parece alcanzar del todo.

“Al principio me enojaba mucho porque ninguna me gustaba”, reconoce Martinelli. “Después entendí que las etiquetas sirven para que alguien se haga una idea rápida. Pero la verdad es que sigo sin saber qué responder cuando me preguntan qué música hacemos. Veinte años después todavía no lo resolví”.

Quizás porque Tremor nunca buscó construir un estilo reconocible en términos convencionales. Su identidad parece estar justamente en ese movimiento constante, en la mezcla permanente, en la voluntad de evitar la repetición.

“Nos interesa movernos en un territorio donde el género deja de ser una referencia fija”, sostiene.

La presentación de Takuy llegará además después de una reciente gira europea que llevó al grupo por ciudades como Barcelona, Madrid, Berlín, Viena y Copenhague. Una experiencia que confirmó el buen momento creativo que atraviesa la banda y que funcionó como preparación para este reencuentro con el público local.

El concierto en Galpón B será también una edición especial de Caracol, la fiesta que Tremor organiza junto a Villa Diamante como espacio de encuentro para músicas experimentales, cruces inesperados e improvisaciones.

“Queremos que sea una especie de casa propia, un lugar donde pasen cosas que no sabemos exactamente cómo van a terminar sucediendo”, explica Martinelli.

Después de veinte años de trayectoria, Takuy encuentra a Tremor en un punto singular: con una historia consolidada detrás, pero todavía impulsado por la curiosidad. Mezclar y permanecer. Dos verbos que podrían parecer opuestos y que, en el universo del grupo, terminan funcionando como una misma idea. La de seguir explorando sin dejar de ser quienes son.

CRM

Grammy al Mejor álbum del año, siendo el primero íntegramente en español en alzarse con este premio. Protagonista del show de medio tiempo del Superbowl, con un espectáculo en directo del que se habló durante días. Ahora, rey de Madrid con diez conciertos programados en la capital que no paran de dar contenido. Lo que está pasando estos últimos meses demuestra cómo Bad Bunny se convirtió en un fenómeno global.

Pero esto no siempre fue así. Hace 10 años, el artista puertorriqueño acababa de desembarcar en la industria musical y lo hacía como un completo desconocido para el público. Su primer tema en solitario, Diles, lo subió el propio Benito a Soundcloud en 2016. En aquel momento, trabajaba en un supermercado de su pueblo natal, Vega Baja, pero ya tenía el sueño de ser algo grande.

Sin darse cuenta, acaba de dar el primer paso para conseguirlo. Aquella canción que grabó en solitario no tardó en llamar la atención del productor musical DJ Luian, que decidió ficharlo para su sello discográfico Hear This Music. Meses después de ese primer sencillo en solitario, llegó el rémix. Esta vez, Bad Bunny cantaba Diles acompañado de los mejores reguetoneros del momento: Ozuna, Farruko, Arcángel y Ñengo Flow.

El Conejo Malo se consolidó entonces como una de las figuras principales del género urbano, un pionero del trap, presentando ese mismo año otro de sus temas todavía hoy populares: Soy Peor. En aquella época, hizo sus primeros conciertos alrededor del mundo, actuando también en salas pequeñas de nuestro país. 

El 18 de abril de 2017, por ejemplo, durante las Fiestas de Primavera de Murcia, actuó en una discoteca de la ciudad por apenas 38 euros. Era la primera oportunidad que el público español tenía de ver al de Puerto Rico en directo cantando algunos de sus entonces grandes éxitos. Pocos podían imaginarse entonces que el artista volvería a actuar en España, esta vez en estadios con 64.000 personas.

La letra de ‘Diles’

En su primer tema, Bad Bunny ya dejó claro por dónde irían las letras de sus primeros canciones. “Diles Que yo me sé tu' pose' favoritas / Que te hablo malo y que eso te excita / Que te hago todo lo que necesitas / Pa' hacerte venir”, cantaba el puertorriqueño en Diles, una canción donde el sexo y la relación clandestina con una mujer eran las principales protagonistas.

Aunque las composiciones de Bad Bunny han evolucionado, y su último disco DeBÍ TiRAR MáS FOToS tiene multitud de temas con un trasfondo político sobre la situación económica, política y social de Puerto Rico, su país natal, muchas de sus canciones (y también actuaciones en directo) siguen siendo objeto de análisis y debate a día de hoy por la representación que hace de las mujeres. 

La violinista japonesa Akiko Suwanai, una de las figuras más prestigiosas de la escena clásica internacional, llegará a Buenos Aires para protagonizar el Concierto Conmemorativo de la Amistad entre Argentina y Japón, una velada especial organizada en el marco del 140° aniversario de la inmigración japonesa en el país.

La presentación se realizará el viernes 5 de junio a las 17 en la sala principal del Teatro Colón y contará también con la participación del pianista canadiense de origen japonés Ryo Yanagitani. Juntos interpretarán un programa integrado por obras de Ludwig van Beethoven, César Franck y Pablo de Sarasate.

El concierto forma parte de las actividades que durante 2026 recuerdan la llegada de Makino Kinzo, considerado el primer inmigrante japonés en la Argentina, en 1886. La efeméride celebra más de un siglo de vínculos culturales, sociales y económicos entre ambos países, así como el aporte de la comunidad nikkei al desarrollo de la sociedad argentina.

“Es de suma alegría anunciar que la destacada violinista japonesa Akiko Suwanai, reconocida mundialmente, se presentará en un único Concierto Conmemorativo de la Amistad entre Argentina y Japón en el Teatro Colón de la ciudad de Buenos Aires. Una velada que será, sin dudas, histórica y significativa de la unión de nuestros pueblos”, señaló el profesor Yuzuru Yoshii, representante del Proyecto TAO de la Universidad de Tokio y de Tao Production.

Por su parte, Víctor Murase, presidente de la Federación de Asociaciones Nikkei en la Argentina (FANA), destacó que la conmemoración busca rendir homenaje a los primeros inmigrantes japoneses y agradecer a la sociedad argentina que los recibió. “Este recital, a cargo de una de las más eximias violinistas japonesas y uno de los más reconocidos pianistas de origen japonés, se enmarca dentro de dicha celebración como muestra de gratitud hacia toda la sociedad argentina”, expresó.

Una carrera de excelencia internacional

Suwanai ocupa desde hace décadas un lugar destacado en el circuito internacional de la música clásica. Su carrera tomó impulso definitivo en 1990, cuando se convirtió en la ganadora más joven de la historia del prestigioso Concurso Internacional Chaikovski de Moscú, uno de los certámenes más importantes del mundo.

Desde entonces se presentó junto a las principales orquestas y directores del planeta, construyendo una trayectoria que combina el gran repertorio clásico con una intensa dedicación a la música contemporánea.

La violinista ha estrenado obras de destacados compositores actuales como Misato Mochizuki, Dai Fujikura, Peter Eötvös, James MacMillan, Esa-Pekka Salonen y Krzysztof Penderecki, consolidándose como una de las principales impulsoras de la creación musical de nuestro tiempo.

Su actividad artística la ha llevado a escenarios de Europa, Asia, América y Oceanía, donde ha colaborado con agrupaciones de referencia como la Orquesta Sinfónica de la NHK, la Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, la Orquesta del Festival de Budapest y la Orquesta Sinfónica de Sídney, entre muchas otras.

Integrante del prestigioso sello Decca Classics, Suwanai también ha recibido elogios de la crítica por sus grabaciones del repertorio tradicional. Entre sus trabajos más recientes se encuentran las Sonatas para violín y piano de Johannes Brahms, publicadas en 2024, y la grabación integral de las Sonatas y Partitas para violín solo de Johann Sebastian Bach.

Además de su actividad como intérprete, en 2012 fundó el Festival Internacional de Música NIPPON, del que es directora artística. El encuentro, que se realiza en Tokio y Nagoya, promueve el intercambio cultural y el estreno de nuevas composiciones de autores japoneses e internacionales.

Actualmente, Suwanai toca un excepcional violín Guarneri del Gesù de 1732, conocido como “Charles Reade”, cedido por el coleccionista y filántropo japonés-estadounidense Ryuji Ueno.

Un pianista de referencia

La velada contará también con la participación de Ryo Yanagitani, considerado uno de los pianistas más destacados de Canadá. El Washington Post lo definió como “un pianista de pianistas”, reconocimiento que resume una trayectoria distinguida por numerosos premios internacionales.

Ganador de la medalla de oro en el Concurso Internacional de Piano de San Antonio, Yanagitani ha actuado junto a orquestas de Estados Unidos, Canadá, Marruecos y Japón, y se presentó en escenarios emblemáticos como el Carnegie Hall de Nueva York, el Kennedy Center de Washington, el Suntory Hall de Tokio y la Salle Cortot de París.

Además de su actividad como solista, desarrolla una intensa labor como músico de cámara, docente y gestor cultural. Actualmente se desempeña como profesor visitante de piano colaborativo en el Conservatorio Shenandoah de Virginia y dirige proyectos vinculados a la promoción de jóvenes talentos.

La presentación de Suwanai y Yanagitani promete convertirse en uno de los momentos destacados de la agenda cultural porteña, al reunir en el escenario del Teatro Colón a dos artistas de proyección internacional en una celebración que busca fortalecer los lazos históricos y culturales entre Argentina y Japón.

Sonny Rollins, uno de los saxofonistas de jazz más influyentes de todos los tiempos y conocido como el 'coloso del saxofón', murió a los 95 años. La noticia se comunicó “con profunda tristeza y gran cariño” en la página web del músico y fue confirmada por su agente, Terri Hinte. No se especificó la causa de la muerte.

Rollins fue considerado una voz de jazz tan innovadora como la de su amigo y contemporáneo John Coltrane, con quien protagonizó el disco Tenor Madness en 1956. Desde entonces, el artista escribió temas que hoy son clásicos del género como Airegin, Doxy y Oleo. También es esencial en su repertorio St. Thomas, una interpretación que reflejaba los orígenes caribeños de su familia.

En total, Sonny Rollins publicó más de 60 álbumes desde finales de la década de 1940 en adelante, incluyendo colaboraciones con Miles Davis y Thelonious Monk. Transformó el jazz, hasta entonces predominantemente bailable o en su totalidad de balada, a un territorio completamente único. Uno de sus discos más célebres, Way Out West (1957), se basó en sus interpretaciones de canciones vaqueras.

Recibió dos premios Grammy a lo largo de su trayectoria. En 2004, fue honrado con un gramófono a la trayectoria artística. Tras realizar giras y actuaciones durante toda su vida, se retiró en 2014 al ser diagnosticado con fibrosis pulmonar. La web de Rollins muestra ahora una reflexión del músico sobre la muerte: “Creo que cuando la persona creativa termina su existencia, continúa en la siguiente. Soy una persona que cree que esta vida no lo es todo. Una persona espiritual no piensa así”.

Las pieles de los tambores se tensaron y se aflojaron miles de veces. Cambiaron los uniformes, las luces, el sonido y hasta la forma de organizarse. Pero hay algo que sigue intacto desde hace dos décadas: todos los lunes, La Bomba de Tiempo vuelve a subir al escenario de Ciudad Cultural Konex para convertir la noche en un ritual colectivo.

Este año, el grupo celebra sus 20 años de historia con giras nacionales e internacionales, además de sus clásicos “Lunes Bomba”, que ya forman parte del ADN cultural porteño. Lo que empezó como un experimento de improvisación y percusión terminó convirtiéndose en uno de los fenómenos musicales más singulares de la Argentina, con más de siete millones de espectadores y un lenguaje propio que se expandió a distintas partes del mundo.

“Lo que más hice en mi vida fue trabajar en la Bomba; mi hijo es más joven que el grupo”, bromea uno de sus productores.

Alrededor de los 14 músicos funciona una estructura enorme que incluye técnicos, asistentes, productores y colaboradores. Marina Belinco, responsable de prensa, y Nicolás Flam, manager histórico del grupo, forman parte del proyecto desde hace años y conocen cada engranaje del funcionamiento interno: desde conseguir un tambor durante una gira europea hasta coordinar colaboraciones con otros artistas.

Gracias a esa maquinaria colectiva, desde 2006 La Bomba de Tiempo compartió escenario con más de 1.300 artistas, entre ellos Ca7riel, Paco Amoroso, WOS, Evlay y Julieta Venegas. De esos cruces surgieron proyectos como el EP Vivo Berlín o el disco Revolución Beat.

La capacidad de adaptación parece ser una de las claves de la longevidad del grupo. Reducir personal para las giras, repartirse tareas o reorganizar funciones cuando alguien falta forman parte de la dinámica habitual. Incluso durante la pandemia, la idea fue resistir para volver a los lunes en el Konex, espacio con el que mantienen una relación casi simbiótica.

“Antes había manchas en el cemento y todo era de madera. Cuando éramos muchos arriba, el piso se movía todo”, recuerda Javier, uno de los seguidores más fieles del grupo. Hace 19 años y medio que no falta prácticamente a ningún lunes.

Los “loquitos de la Bomba”

Javier y Julián nunca subieron al escenario, pero son parte de la identidad del show. Integran el grupo de fanáticos históricos conocidos cariñosamente como “los loquitos de la Bomba”, una especie de comunidad informal de bailarines y habitués que convirtió cada fecha en una experiencia colectiva.

“Al principio era un grupo enorme donde la gente bailaba, hacía acrobacias y expresión corporal. Era medio un circo”, recuerda Julián.

Con el tiempo, la dinámica fue cambiando. El crecimiento del turismo y la masividad transformaron parte del clima original y algunos de los seguidores históricos sintieron cierta nostalgia por aquella primera etapa más under y comunitaria.

“Después de 2013 empezó a perderse algo de eso. Mucha gente sentía que se volvió más para turistas que para quienes estaban desde el principio”, dice Javier.

Sin embargo, el espíritu central sigue siendo el mismo: improvisar a partir del sistema de “ritmo con señas” creado por Santiago Vázquez, fundador del proyecto. Sobre el escenario conviven surdos, congas, campanas, chekerés, semillas y distintos instrumentos de percusión que mezclan ritmos afro, latinoamericanos, funk y electrónica.

“Vengo porque es sanador”, cuenta Javier. “Me conecta con mis ancestros, con los que estuvieron antes y con los que van a venir”.

La relación de los fans con la música llega a un nivel de precisión casi obsesivo. Algunos incluso tomaron clases para aprender las más de 70 señas que usan los directores durante la improvisación. Julián, por ejemplo, tiene un grito perfectamente sincronizado que repite en ciertos momentos del show. Javier responde con un silbido característico cuando la banda baja el volumen y queda solo el bombo.

“Es como estar adentro de la Bomba”, explica Julián.

La transformación después de Santiago Vázquez

La salida de Santiago Vázquez marcó uno de los momentos más importantes en la historia del grupo. El creador del sistema de “ritmo con señas” dejó atrás el proyecto para seguir difundiendo el lenguaje en distintas partes del mundo y la banda tuvo que reorganizarse.

Hoy la dirección está repartida entre seis músicos distintos y las decisiones se toman de manera más horizontal. “Somos muchas personas, con trayectorias y sensibilidades diferentes, pero encontramos una forma de seguir adelante sin perder identidad”, explica Marina Belinco.

El grupo incluso comenzó a trabajar con especialistas externos para fortalecer esa dinámica colectiva basada en asambleas, votaciones y consensos.

Los cambios también modificaron la relación con el público. Según cuentan seguidores históricos, antes existía una distancia más marcada entre músicos y espectadores. Ahora las interacciones son más frecuentes y cercanas. “Siguen siendo tranquilos y amorosos, pero hoy se muestran mucho más humanos”, resume Javier.

Con el paso del tiempo, también evolucionó el aspecto visual y técnico de los shows. Cambiaron las luces, el audio, la puesta en escena y la comunicación interna. Pero el núcleo sigue siendo la escucha mutua y la improvisación colectiva. “No significa que no haya tensiones o desafíos. Pero ahí también está parte de nuestra potencia”, sostiene Belinco.

A veinte años de su nacimiento, La Bomba de Tiempo ya fue declarada de Interés Cultural por la Legislatura porteña y logró algo poco común: convertir un espectáculo musical en un ritual social que atraviesa generaciones, turistas, fanáticos y músicos.

Y mientras el lenguaje de la Bomba se replica en otros países y aparecen nuevos grupos inspirados en el sistema de señas, los lunes siguen teniendo el mismo pulso en el Konex. Como hace veinte años.

Algo Prestado es un podcast de elDiarioAR realizado por Tamara Tenenbaum, junto a un invitado cada semana. Está alojado en Spotify, plataforma líder para la publicación de podcast, y también en otras aplicaciones de streaming.

Lo que prometía ser una noche más dentro de la serie de shows agotados de Fito Páez en el Movistar Arena terminó convirtiéndose en uno de los recitales más tensos y comentados de los últimos años del músico rosarino. Durante su cuarta presentación en Buenos Aires como parte del “Sale el Sol Tour”, el artista decidió interpretar de manera íntegra Novela, su más reciente trabajo discográfico, y la reacción de parte del público fue inmediata: hubo silbidos, quejas y hasta personas que abandonaron el lugar antes del final.

La apuesta de Páez había sido anunciada apenas unas horas antes del recital. A través de sus redes sociales, el músico adelantó que tocaría completo Novela, un disco de 25 canciones cuya historia comenzó a escribir en los años 80 y que presentó oficialmente este año en Rosario, durante la llamada “Semana Páez”.

“¿Y si el miércoles despido Novela en el Movistar? ¿Por qué no?”, había dicho en un video publicado en Instagram, donde incluso contó que la decisión había generado “un panic attack general” en su equipo. “Ojalá tengan ganas de escucharlo. Yo me muero de ganas de tocarlo”, agregó.

Ya sobre el escenario del Movistar Arena de Villa Crespo, Páez explicó brevemente el concepto del álbum y comenzó a interpretar la obra en orden cronológico, acompañado por una banda de primer nivel y una puesta visual a cargo de Sergio Lacroix. El espectáculo incluyó además la participación de la actriz Lorena Vega, encargada de relatar el hilo conductor de la historia.

Sin embargo, mientras avanzaban las canciones, el clima empezó a tensarse. Muchos asistentes esperaban escuchar desde el comienzo los clásicos más populares del rosarino y reaccionaron con indiferencia frente al nuevo material. En las redes sociales comenzaron a multiplicarse los comentarios críticos de fanáticos que cuestionaban la elección del repertorio.

“Vinimos a ver a Fito Páez y hace 50 minutos que está tocando un disco nuevo que nadie conoce”, escribió uno de los usuarios. Otros aseguraron que parte del público comenzó a impacientarse durante la primera hora del show.

La situación escaló cuando, antes del cierre de Novela, comenzaron a escucharse silbidos desde algunas plateas. Tras un breve intervalo, Páez regresó al escenario y respondió desde el micrófono. Durante “El amor después del amor”, desafió directamente a quienes lo habían abucheado: “Los quiero escuchar allá atrás. Silbaron muchísimo, ahora a cantar”, lanzó mientras dirigía el coro del estadio.

Más tarde, sentado al piano antes de interpretar “Al lado del camino”, el músico volvió a referirse al episodio con un tono más reflexivo. “Yo amo, no sé odiar. Y me gusta compartir todo. Todo es todo”, dijo. Y agregó: “Menos, muchaches, menos. Está bueno detenerse a escuchar al otro, porque te están haciendo un regalo”.

A partir de allí, el recital cambió de clima. Paéz encadenó clásicos como “La rueda mágica”, “Circo Beat”, “Brillante sobre el mic”, “Ciudad de pobres corazones”, “A rodar mi vida” y “Mariposa Technicolor”, con un público ya entregado a los himnos que había ido a escuchar.

Lejos de esquivar la polémica, el músico pareció asumirla como parte de la experiencia artística. “Como te quiero Buenos Aires, sabés cómo te conozco”, gritó cerca del final del concierto. Más tarde, ya en redes sociales, resumió la intensidad de la noche con un mensaje cargado de emoción: “Nunca voy a olvidar este concierto. Me sentí más vivo que nunca”.

El episodio volvió a mostrar la relación siempre intensa entre Fito Páez y su público porteño: una mezcla de admiración, exigencia y tensión creativa que, incluso entre silbidos y aplausos, sigue generando noches imposibles de olvidar.