Coincidieron en un piso de amigos comunes en octubre de 1998 y ya no volvieron a separarse. Él quería ir a un concierto, el primero que daban los alemanes Kraftwerk en Argentina, pero no podía pagarlo. Ella no. Solo fue alguien que se cruzó en su camino, fortuita, en un día que pretendía haber sido de otra manera. Aquella noche, sin embargo, se plantó la semilla de lo que, años después, se convertiría en Miranda!, la banda de pop electrónico más famosa del país americano. 

Entonces, Ale Sergi y Juliana Gattas tenían poco más de veinte años y les gustaba el vodevil, el cabaret, el jazz y el teatro. Sobre todo el teatro. Se lanzaron, casi de inmediato, a la busca de un sonido propio al que decidieron llamar electropop melodramático -aún lo hacen-.Recopilaron sus primeras maquetas en CDs baratos que fueron repartiendo por las calles, de bar en bar, como fanzines. Luego, llegaron las demos a las peluquerías. Ellos cuentan que allí les descubrió, mientras se cortaba el pelo, Gustavo Cerati, líder de Soda Stereo. Cerati les tendió la mano y les ayudó a volar. 

Después, llegaron la banda -Bruno de Vicenti y Leandro ‘Lolo’ Fuentes- y los discos que se sucedieron uno tras otro. Su primer gran éxito fue ‘Don’ (Sin restricciones, 2004). A mitad de la pista, en el original, suena lo que se convertiría, casi, en su grito de guerra: “Es un solo… ¡es la guitarra de Lolo!”. Una frase que, de escenario en escenario, recorrería toda Latinoamérica. Hasta que se hizo el silencio. Todos los grupos tienen su historia negra, la suya fue la del enfrentamiento con el ex guitarrista. Se separaron en 2014. Sergi y Gattas no han vuelto a entonar el cántico.

Al principio eran ellos. Después formaron una banda, luego fueron otra vez ellos solos. Los dos. Ale Sergi y Juliana Gattas, hoy ya no tan jóvenes, ya nada novatos, recorren en su último trabajo -que les ha granjeado otro pico de popularidad en su madurez- las canciones que los lanzaron a los brazos de la fama internacional cuando apenas despuntaba el nuevo siglo. Recién aterrizado en Madrid y a punto de comenzar la ruta de los cinco conciertos que tienen programados en España este verano, Sergi atiende desde un hotel a este periódico a través de una videollamada.

Empecemos tirando del hilo del recuerdo, ¿Qué fue Miranda! en los 2000 y qué es Miranda! hoy?

Para mí es más o menos lo mismo. Es el grupo que yo tengo, el que montamos con amigos para crear la banda que nos gustaría ir a ver. Juliana y yo nos consideramos fans antes que músicos, siempre ha sido así. Tocamos porque nos gusta, porque lo disfrutamos, y aún mantenemos ese entusiasmo intacto. Seguimos escuchando cosas nuevas, investigando, intercambiándonos información como hacíamos entonces. No ha variado mucho, sólo somos más viejos (risas). Seguimos tocando música pop de baile por una cuestión de gusto antes que de fidelidad. Buscamos el entretenimiento, la diversión. 

Cuando mira atrás, ¿qué es lo que más recuerda de sus inicios?

En lo que más pienso es en el proceso que ha atravesado la industria geográfica, la manera de escuchar música. Ha cambiado mucho desde que empezamos [2001]. Yo siempre he escuchado mucha música, primero en vinilo y después en CD, pero desde que arrancó Miranda! todo comenzó a girar muy deprisa. Recuerdo que del CD cambiamos al ‘streaming’ y hubo un momento en el que no se sabía muy bien cómo conseguir la música. ¡Al final la bajábamos todos pirata! [risas], luego llegaron las plataformas y tuvimos que adaptarnos.

Ahora hay más música disponible que nunca en la historia, cualquiera puede subir sus maquetas y llegar, en potencia, a un montón de gente. ¡Fíjate!, pienso en cosas que hicimos entonces y hoy casi suenan un poco ridículas. Grabábamos las demo y las vendíamos en los recitales. Era todo un proceso muy artesanal que íbamos montando en nuestras propias computadoras. Lo pasábamos bien, pero tuvimos que trabajarlo todo desde abajo. Hemos vivido un cambio enorme en muy poco tiempo. 

El público en España se relaciona de manera más dispersa, come y habla en los conciertos. Cuesta más llamar la atención. Creo que es porque estáis acostumbrados a ver muchas giras

Miranda! — Dúo musical

Veinte años son casi una vida. En dos décadas pasa de todo, muchos grupos rompen o se abren heridas, a vosotros se os abrió la de la marcha de Lolo, el guitarrista, ¿Cómo ve en retrospectiva ese desamor?

No sé si llamarlo desamor. Al final, cada uno tenía ideas e intenciones diferentes sobre qué hacer con su carrera. Nosotros empezamos sin pretensiones, éramos un grupo de amigos que iba a tocar a los lugares donde nos gustaba bailar, pero entonces la cosa se fue haciendo grande y aparecieron otras obligaciones que no todos tenían ganas de tomar. A medida que la popularidad del grupo fue creciendo hubo más cosas que hacer. No todo era música, y unos estábamos más cómodos que otros. Hace tanto tiempo de aquello que ya no lo pienso, llevamos más años trabajando con nuestra banda actual que con Lolo. Fueron siete años, nada más. La separación no fue grata, pero tampoco un drama. 

Con la mirada aún puesta en el pasado, vayamos a vuestras influencias, hablemos quizá de la más importante, Soda Estéreo y Gustavo Cerati, ¿Qué ha supuesto su figura para vuestra carrera?

Ha sido una influencia muy grande porque, claro, éramos súper fanáticos y el nos contactó y llegó a recomendarnos cuando éramos muy chicos. Puntuó nuestra primera canción, “Imán”, en un suplemento de rock y acabamos tocando con él, pero si tengo que señalar la influencia más grande diría que está acá, en España. Hay una tradición de pop que no teníamos en Argentina, es un país más rockero. 

Hablamos el mismo idioma, pero tenemos culturas distintas, ¿Qué diferencias notáis entre el publico español y el argentino?

Cuando tocamos aquí por primera vez, vinimos de la mano de Fangoria. Fuimos sus teloneros durante tres o cuatro conciertos y eso nos acercó a una base de fanáticos fieles que se mantiene aún hoy. Eso fue en 2007 y desde entonces hemos tocado en España varias veces. Lo que yo he notado, invariablemente, es que el público se relaciona de manera más dispersa, come y habla en los recitales. Cuesta más llamar vuestra atención y creo que es porque en España estáis acostumbrados a ver una gran cantidad de giras. Y eso en Argentina no pasa. Yo aquí voy por la calle y está cuajada de cuártelos de los grupos que van a tocar este año. ¡Viene todo el mundo!, allí es un acontecimiento, no hay tanta cantidad de conciertos. Eso moldea el comportamiento del público

Vayamos ya, hacia vuestro último disco, Hotel Miranda! (2023) ese traer al presente vuestros grandes hits con colaboraciones de la talla de Calamaro, Lali, Emilia o Francisca Valenzuela

Este es el disco que hacen todas las bandas en algún momento de su carrera. Unos hacen versiones en acústico, otros remixes en sinfónico, en vivo… hay mil maneras. Nosotros elegimos regrabar nuestras canciones con nuevos productores y diferentes cantantes. Decidimos hacerlo así porque nos parecía la manera más sencilla de alejarnos del proceso, que se apropiaran de nuestra música artistas que nos gusten. Darles libertad aunque supervisáramos el proceso.

¿Se les ha quedado alguna en el tintero?

¡Muchísimas!, pero por suerte no nos vamos a quedar con las ganas porque estamos preparando una sucesión de este disco y que se va a llamar “Nuevo hotel Miranda!”. La diferencia es que esta vez van a ser canciones inéditas que también grabaremos con artistas y productores invitados.

Hablemos de Argentina en particular y en Latinoamérica en general, ¿Cómo cree que ustedes han impactado en la escena musical y social de vuestro país y continente?

Siento que nosotros acompañamos un cambio social que tiene que ver con varias cosas en la englobadas en el desprecio. Cuando empezábamos hubo mucho prejuicio con nuestro trabajo y se nos llegó a asociar con ciertas preferencias sexuales. Como si escuchar un tipo de música u otro te encasillara en una sexualidad u otra. ¡Ja!

Cuando empezábamos hubo mucho prejuicio con nuestro trabajo. Como si escuchar un tipo de música u otro te encasillara en una sexualidad u otra

Miranda! — Dúo musical

Nos lo tomamos con humor, pero se decía con tono ofensivo. Eso hoy ha cambiado, la gente ya no señala tanto, hay menos encorsetamiento. En los festivales se mezclan distintos géneros, cosa que hasta hace unos años era impensable. Han cambiado muchos discursos para bien, y yo siento que nuestra música ha formado parte de este cambio. No somos los únicos responsables, pero sí que hemos sido protagonistas activos.

Se convirtieron en iconos de lo gay, lo queer, muy pronto, ¿cuál es su radiografía social del tema en este momento?

Todavía queda muchísimo trabajo por hacer, claro. Pero creo que, aunque el mundo esté convulso, los cambios se generan de todos modos. Y si te ponen un palo en las ruedas más aún. Ahora, por ejemplo, ya no se hacen tantos comentarios peyorativos sobre las preferencias sexuales de los demás, queda mal decirlo. Eso es un paso. Yo soy un idealista y confío en la humanidad por más que pasen cosas feas en el ámbito político. Ninguna entidad puede dictar realmente el camino, es la gente quien lo construye y decide ser libre. Lo que sí me preocupa de verdad es que vaya por la calle y me peguen un balazo para robarme el celular, porque ahí sí se termina la cultura, se termina todo. Me intranquiliza mucho más eso, la inseguridad. 

Estáis viviendo un segundo pico de fama tras la edición de Hotel Miranda!, eso no es habitual ¿Cómo sobrevive una banda, un dúo, tanto tiempo en el ojo del huracán en un mundo en el que todo caduca tan rápido?

La verdad es que nosotros hacemos lo que hacemos desde el día uno y, afortunadamente, la gente siempre nos ha prestado atención, nunca nos detuvimos. Pero sí que es verdad que ahora estamos viviendo un segundo momento de popularidad, más grande incluso que el primero. Y yo creo que esto ha ocurrido porque se apoya en una carrera sólida, lo que hace que estemos mejor preparados en el escenario y, en definitiva, que nuestros nuevos discos y conciertos sean más profesionales

Llegamos al final de la entrevista y toca una pregunta clásica, obligada. Si un músico novel se topara con un artículo de Miranda! en 2024 buscando consejos para lanzar su carrera, ¿Cuál sería?

Daría el mismo consejo que le leí a Charly García cuando respondió a esta misma pregunta y nosotros éramos esos novatos a punto de lanzar nuestra carrera: “Grábense”. Tocar música es muy divertido, pero tenés que hacer que se igual de divertido escucharla. Cuando uno está emitiendo vos podés decir que sos “Wow”, pero realmente vas a saber si algo es bueno cuando lo escuchas a posteriori, en frío, tras el subidón. Ese me parece un gran consejo que sigue vigente. No hay otra, grábense y escúchense. Así podrán saber si se gustan a sí mismos. Ese es el primer gran paso.

El dúo de pop Miranda! se convirtió este martes en el gran triunfador de los Premios Gardel 2024, donde se alzó con el premio a mejor álbum del año por su disco ’Hotel Miranda!’ en una edición dominada por la música urbana con artistas como Milo J, Lali Espósito o Emilia Mernes.

En una gala celebrada en el estadio Movistar Arena de Buenos Aires, la Cámara Argentina de Productores de Fonogramas y Videogramas otorgó tres premios al dueto compuesto por Alejandro Sergi y Juliana Gattas.

Miranda! también ganó en las categorías de mejor videoclip largo y mejor álbum de grupo pop.

Los premios Gardel, denominados en honor al legendario cantante de tango rioplatense Carlos Gardel, encumbraron al joven rapero Milo J. El chico de Morón ganó cuatro premios, entre ellos el de mejor nuevo artista, consolidando su posición emergente en la música urbana argentina.

Por su parte, la cantante Lali Espósito ganó tres premios y fue distinguida como autora del mejor álbum pop y de la mejor canción del año por su tema ’Obsesión’.

Artistas como Fito Páez, el grupo Él Mató a un Policía Motorizado, Emilia, Nicki Nicole o Bizarrap recibieron menos premios, pero también fueron reconocidos en la gala más importante de la música argentina.

Los productores también reconocieron a la fallecida Mercedes Sosa -la intérprete más emblemática del folclore argentino- por su disco ’Mercedes Florecida’ un álbum conceptual en el que varios artistas del país suramericano recuperaron grabaciones inéditas de ’La Negra Sosa’.

Entre los exponentes de géneros locales, destacó la victoria del cantante de cuartetos cordobeses Luck Ra y su éxito ’La Morocha’, la canción del verano en Argentina.

En el tango fue galardonado por partida doble el Quinteto Negro La Boca.

En una gala plagada de actuaciones y con tiempo para un sentido homenaje al rockero Charly García, la música argentina celebró su buen estado de forma.

Todos los ganadores

Álbum del año/Gardel de Oro: Miranda! por Hotel Miranda!

Canción del año: Obsesión - Intérprete: Lali / Autores: Mariana Espósito, Mauro De Tommaso y Martín D’Agosto / Compositores: Mariana Espósito, Mauro De Tommaso y Martín D’Agosto.

Grabación del año: La rueda mágica - Intérpretes: Fito Páez feat. Andrés Calamaro y Conociendo Rusia / Productores: Fito Paez, Gustavo Borner y Diego Olivero / Ingenieros: Gustavo Borner, Phil Levine, Diego Olivero, Augusto Flores y Justin Moshkevich.

Ingeniería de grabación: Escalectric - Intérprete: Escalandrum / Ingeniero: Facundo Rodríguez.

Mejor Álbum Urbano: Alma - Nicki Nicole

Mejor Colaboración Urbana: Los del Espacio – Lit Killah, Duki, Emilia Mernes, TiagoPZK, FMK, Rusherking, María Becerra y Big One

Mejor Canción Urbana: Fruto - Bizarrap & Milo J

Mejor Álbum Grupo Pop: Hotel Miranda! – Miranda!

Mejor Álbum Artista Pop: Lali – Lali

Mejor Artista Pop Tradicional: Toda una vida – Dany Martin

Mejor Álbum Pop Alternativo: Nafta II - Nafta

Álbum Artista Pop Urbano: .mp3 – Emilia Mernes

Canción de Pop: Mejor que ayer – Diego Torres

Canción de Pop Urbano: Shakira: Bzrp music sessions, vol. 53 - Bizarrap & Shakira

Mejor Álbum Instrumental-Fusión-World Music: Eiké! (Entrar en el alma) – Chango Spasiuk

Mejor Álbum Canción de Autor: El rostro de los acantilados - Lisandro Aristimuño

Mejor Álbum Conceptual: Mercedes Sosa- Mercedes florecida

Mejor Colección de Catálogo: El hombre que canta al hombre (1964 - Remasterizado) - Ramón Ayala El Mensú

Mejor Nuevo Artista: 111 - Milo J

Productor del año: 111 - Intérprete: Milo J / Productor: Facundo Yalve

Mejor Álbum En Vivo: Divididos en Vélez - Agradecer y seguir - Divididos

Mejor Videoclip Largo: Hotel Miranda! - Intérprete: Miranda! / Directora: Melanie Anton Def

Mejor Videoclip Corto: Quiénes son? - Intérprete: Lali / Directora: Lali

Mejor Diseño de Portada: 333 - Intérprete: Evlay / Diseñadora: Paula Fernández

Mejor Colaboración: Shakira: Bzrp music sessions, vol. 53 - Bizarrap & Shakira

Mejor Canción Tropical: Adicto - Emanero, La K’onga & Antonio Rios

Mejor Álbum Grupo Tropical: Los Charros 30 años - Los Charros

Mejor Álbum Artista Tropical: Porque te quiero - Nico Mattioli

Mejor Canción de Tango: Cicatrices - Quinteto Negro La Boca

Mejor Álbum Artista de Tango: El cantor de tangos - Guillermo Fernández

Mejor Canción de Rock: San saltarín - Divididos

Mejor Álbum Grupo de Rock: Super terror - El Mató a un Policía Motorizado

Mejor Álbum Artista de Rock: Herencia Lebón -David Lebón

Mejor Álbum Rock Alternativo: Tripolar - Usted Señalemelo

Mejor Álbum de Rock Pesado / Punk: Constimordor - Barro

Mejor Canción de Folklore: Baile Eterno - Mery Murua

Mejor Álbum Grupo de Folklore: Eco – Ahyre

Mejor Álbum Artista de Folklore: Canciones del viento - Maggie Cullen

Mejor Álbum de Chamamé: Aromas del tiempo - Flor Bobadilla Oliva & Abel Tesoriere

Mejor Canción de Cuarteto: Si pudiera - La K’onga, Luck Ra & El Vecino

Mejor Álbum Artista de Cuarteto: La muela – Lbc - Eugenia Quevedo & La Banda de Carlitos

Mejor Álbum Orquesta Y/o Grupo De Tango Y/o Instrumental: Cicatrices - Quinteto Negro La Boca

Mejor Álbum de Música Clásica: Dos siglos de música/ Compositoras argentinas: Volumen 2 - Melina Marcos

Mejor Álbum de Jazz: Escalectric - Escalandrum

Mejor Álbum Banda de Sonido de Cine/Televisión/Producción audiovisual: The last of us, season 1 - Gustavo Santaolalla

Mejor Álbum Infantil: Para saber que te quiero - Canticuénticos

EFE.

IG

“Hablale, papá, ella es doctora”. El chico lo dice con ilusión, con la fe del que cree que ahí, en ese título, se juega su destino mientras el padre duda. Se refiere a Dr. Marcia Fieldstone, la doctora, pongamos, que atiende un consultorio sentimental a cielo abierto. Un programa radial de madrugada donde recibe consultas y da consejos a personas con el corazón roto. Para mantener el anonimato, cada oyente que llama es un caso y un apodo que viene acompañado por la ciudad donde vive. Lo particular de cada pena de amor y lo universal del dolor: Solitario en Detroit, Desesperada en Cleveland o Confundida en Houston somos todos.

Porque estoy escribiendo un texto sobre Nora Ephron, porque es una de mis películas preferidas de toda la vida y porque es hermosa, vuelvo a esa escena de Sintonía de amor (o Sleepless in Seattle, en el original, que es el título que le ponen a Sam, el personaje interpretado por Tom Hanks, o a su caso: el hombre no duerme desde que murió su esposa. En los subtítulos eligen traducirlo como insomne, yo me quedo con desvelado).

La historia es bastante conocida (aunque si alguno se la perdió está disponible en HBO): a partir del relato que se ve obligado a hacer Sam, y gracias a las gestiones de su hijo que llamó al programa y conmovió al país, empiezan a lloverle cartas de personas que quieren conocer a este padre en duelo.

Ese que habla de un millón de cosas pequeñas que hacían tan especial a su mujer, el mismo que dice que acercarse a ella fue como llegar a casa, solo que se trataba de una casa que no conocía de antes. El recuerdo de Tom Hanks se superpone a la cara de Annie/Meg Ryan, que se desarma en lágrimas mientras maneja con la radio prendida. Llora un país, llora un planeta.

Nunca beses a un hombre en una canoa es el título de un libro de 2009 que escribió la periodista británica Tanith Carey. Ahí recopila consejos de “la era dorada” de los consultorios sentimentales de diarios y revistas de su país entre 1850 y 1960, que en este caso estaban a cargo de personas a las que se llamó y se sigue llamando Agony Aunts. Un nombre divino para una imagen que me fascina: en esa intimidad expuesta ante miles, la que escucha a los corazones desesperados y anónimos es una mujer, también anónima, con algún tipo de sabiduría, de familiaridad. El pacto implícito: ellas tienen un conocimiento, un saber, alguna solución; las y los agónicos pueden confiar en eso que les aconsejen. Una palabra tuya, etc.

Así, sin las credenciales pomposas de la doctora Fieldstone de Sintonía de amor, estas personas que respondían consultas de lectoras y lectores sobre enamoramientos, desamores, desencuentros, promesas, ilusiones de todo tipo. La propia investigadora no sabe si al principio efectivamente eran solo mujeres las que llevaban adelante ese rol, si era una única persona para cada medio, si contrataban a escritores fantasma para esto. El dato que me impactó: Carey detectó este espacio de consejos y consultas por primera vez en una publicación de finales del 1600. 

Cansado de la dureza de las noticias políticas y económicas el editor británico John Dunton tenía la idea de que algunos de los dramas domésticos de los lectores podían llegar a ser atractivos para el público (también vio una forma barata de llenar sus páginas: detrás de cada necesidad existe, también, alguna avivada). Entonces los invitó a que mandaran por correo sus consultas sobre temas personales que los preocuparan y las empezó a publicar. Los inundaron con cartas, en su mayoría con intrigas sentimentales (“¿quién es más sagaz, un hombre que se casa por amor o por conveniencia? ¿está justificado el divorcio de una mujer que arrastró a su esposo al matrimonio usando maquillaje?”, rescata Carey en su libro). Con los años, Dunton contrató a varias personas para que respondieran las preguntas y el correo sentimental se convirtió en un espacio importante para varias publicaciones, en una institución. Mientras tanto, a veces moralistas, a veces pícaras, a veces comprensivas y a veces despiadadas, las agony aunts fueron acompañando usos y costumbres, cambios radicales en las sociedades y en los medios.

Lo notable, al ver las preguntas y sobre todo las respuestas del libro de Carey, incluso en esas variaciones de tiempos y de tonos, es que los conflictos no difieren demasiado. Cordelia, cuando un caballero desaira en público a una dama, esta no debe ser quien busca la reconciliación. Es recomendable tratarlo con una fría indiferencia. Eso, viniendo de una dama, generalmente hace que el hombre se sienta humillado en exceso“, aconseja una Agony Aunt en el London Journal de 1855 a una joven seguramente ghosteada por un pretendiente. 

Con figuras así, el espacio de los consultorios sentimentales, en todas las versiones imaginables, se mantiene hasta hoy con un formato más o menos parecido: alguien sufre, alguien aconseja, todos leen, cualquiera podría estar ahí. También están, por supuesto, las amigas y los amigos, que sin títulos habilitantes, prestan oídos, esbozan sus teorías sin ton ni son. Vuelvo un segundo a Nora Ephron y anoto a los de Cuando Harry conoció a Sally que se reúnen para intentar desentrañar estos conflictos amorosos en restaurantes, buscan en ficheros teléfonos para armar citas, escuchan al teléfono los dilemas de los protagonistas la primera noche que duermen juntos.

Leyendo hace muchos años en un diario inglés el obituario de una agony aunt histórica –en algunos casos se convirtieron en personajes célebres– fue que llegué a conocer esa definición, su trascendencia y la existencia de este libro. Entonces le pedí a mi amigo Pablo (sí, el mismo del que les hablé acá) que me lo trajera justo cuando volvía de un viaje. Lo devoré, lo subrayé, se me abrió un mundo, que quise trasladar al terreno local. De hecho le presenté a más de un editor la idea de contar en un libro la historia de diarios y revistas argentinos a partir de sus consultorios sentimentales. No tuve éxito pero la inquietud me sigue acompañando y me llevó por terrenos apasionantes: pasé días en la hemeroteca, vi en trabajos académicos que hubo publicaciones en las que grandes figuras como Palito Ortega o Violeta Rivas respondían consultas del corazón a las lectoras, llegué hasta las columnas de Gino Germani y Enrique Butelman bajo seudónimo en Idilio y la interpretación de los sueños de sus lectoras acompañadas por fotomontajes de Grete Stern (a propósito, está el libro Los sueños, de Caja Negra, un compilado a cargo de Marina Mariasch y Syd Krochmalny); pasé por la revista Claudia y me reí muchísimo (a propósito dos: en el libro Yo, Claudia, que salió por Ediciones en Danza en 2012, se recopilan los textos de la poeta Olga Orozco en esa publicación, donde usó ocho seudónimos y respondía sin piedad preguntas de todo tipo); entrevisté a una prominente escritora actual que desde el anonimato respondía el correo sentimental de un diario a mediados de los 2000, vi todos los capítulos de Tamara y Teresa, el consultorio sentimental de Tamara Di Tella que, al comienzo de la era de los blogs, aconsejaba en videos breves a los lectores de Clarín acompañada por su empleada doméstica.

Ay, pasan los años, el desvelo es el mismo: la inquietud cuando un amor no es lo que se espera genera una correspondencia paralela, las ganas de apelar a un conocimiento ajeno que está pinchado de antemano, la apuesta por descifrar en un terreno donde todo es inestable. 

En cualquier caso, doctoras, tías por carta, escritores y escritoras fantasma, amigos y amigas del otro lado de Whatsapp, ¡gracias por el intento y larga vida a todos!

Hay pasiones, agonías, amores y corazones rotos en esta nueva entrega de Mil lianas.

Hecha la advertencia, pueden pasar.

1. Siempre las sombras, de Mariana Skiadaressis. Lara es verborrágica, al menos al principio de la novela, desatada, apabullante. Tiene treinta y pico, es atractiva, se mueve en el mundo de la publicidad. Un ámbito masculino donde llama la atención por su desparpajo (es la que se emborracha en las fiestas, es la que se convierte en el comentario posterior). También es la que está a cargo, la que toma ciertas decisiones, la que elige, la que concreta algunas de sus fantasías sexuales con los varones que la rodean. En medio de una de sus misiones laborales va a conocer a Dante, a quien apoda rápidamente El Niño. Se trata de un chico caprichoso y agresivo de veintipocos con el que va a establecer una relación de amor inesperada, bastante tradicional y también violenta. Porque sí, Siempre las sombras (Editorial Nudista, 2022), la segunda novela de la escritora argentina Mariana Skiadaressis, es una historia de amor en la que, mientras avanza, se van a ir desplegando el desenfreno, las dudas, el goce y también la violencia de género.

Con una escritura directa, por momentos arrolladora, la búsqueda del libro –y tal vez sea ese su gran logro: no recalcar, no definir, no querer orientar en ese piso flotante que es el deseo y todavía más: el deseo del otro– no va por el lado de lo asertivo. Y no porque la autora eluda las preguntas (¿es Lara una víctima? ¿es Dante un victimario? ¿y si son más de una sola cosa? ¿hasta dónde se elige lo que se elige?), sino porque se trata de una exploración con un mapa sobre el que las brújulas no pueden más que paralizarse.

Con inteligencia, entonces, Siempre las sombras deja expuestos los nudos que tensionan un vínculo y los vínculos en general, con sus contradicciones inherentes. Esas relaciones donde se empastan el deseo, el sexo, el vértigo, el dolor, los mandatos, las heridas, los golpes, las épocas. Así, lejos de las ideas iluminadoras que proponen los discursos prescriptivos y cada vez más recurrentes, el libro se abre en un tránsito a contraluz; un paisaje por el que se interponen, siempre, las sombras.

Mariana Skiadaressis es escritora y licenciada en Letras por la Universidad de Buenos Aires. En 2018 publicó su primera novela, La felicidad es un lugar común (Entropía). Coordina talleres de narrativa y escribe crítica literaria en distintos medios digitales.

La novela Siempre las sombras, de Mariana Skiadaressis, salió por editorial Nudista. Por aquí, una entrevista de Nancy Giampaolo con la autora.

2. Eva después de Eva. En julio se cumplieron 70 años de la muerte de Eva Perón. Pero las conmemoraciones, los homenajes, los análisis de todo tipo alrededor de su figura –tan imponente, tan única– se siguen multiplicando. Por estos días se estrenó el podcast Eva después de Eva, una interesante producción documental de cuatro capítulos que intenta abordarla a partir, justamente, de la construcción de su mito y su expansión a lo largo de las décadas. La tarea, a priori, no parece sencilla (tanto se dijo, tanto queda por contar). Sin embargo, Eva después de Eva lo consigue a partir de un equilibrio delicado: sin solemnidad y a la vez sin simplificaciones.

Para esto, Eva después de Eva se desarrolla en un formato mixto y muy entretenido: hay una conducción tradicional a cargo de la periodista Julia Muriel Dominzain –también directora del proyecto, junto a Diego González–, hay una suerte de cuota de animación por parte de la actriz y performer Costa –alguien que, por una historia familiar sorprendente, se sabe fragmentos de La razón de mi vida de memoria–, hay investigación periodística con datos biográficos y también búsqueda de material sonoro en archivos.

Todo esto se combina con testimonios de personas que conocieron a Evita (entre los más conmovedores está el de Saúl Macyszyn, el fundador de Discapanch, la panchería que durante más de una década funcionó en Retiro para darle trabajo a personas con discapacidad, un hombre que desde niño tuvo con ella un vínculo estrecho), la interpretaron (de Paloma San Basilio a Benjamín Vicuña), la admiran (son el influencer Santi Maratea) o la estudiaron (desde la historia Julia Rosemberg, autora del destacado libro Eva y las mujeres. Historia de una irreverencia, hasta el humorista Pedro Saborido, que aporta su vozarrón y toda su gracia).

En el recorrido, y con la intención de traer al gran emblema justicialista al presente, la narración apela a su vez a memes, a algunas citas pop con audios, a pensarla desde un posible metaverso y a algo de experimentación sonora a cargo de Alexis Moyano (hablamos de él varias veces por acá, es un amigo de esta casa), que aporta canciones hilarantes y muy pegadizas, en un plan similar a las que compone en el podcast Un mundo maravilloso. Esto le suma nuevas capas de análisis a una construcción histórica que no deja de ser dinámica y siempre proyectada hacia el futuro, para una figura tan trascendental, rodeada de tantas pasiones. 

Los cuatro episodios del podcast Eva después de Eva se pueden escuchar en Spotify.

3. El polaco, de J. M. Coetzee. “¿Es el amor un estado de la mente, un estado del ser, un fenómeno, una moda que va quedando relegada, mientras la observamos, en el pasado, en los remotos reinos de la historia? El polaco estaba enamorado de ella, gravemente enamorado –y es probable que lo siga estando– pero el polaco mismo es una reliquia de la historia y de una época en que el deseo debía estar teñido de lo inalcanzable antes de ser considerado auténtico”.

La que aparece en primer plano es Beatriz, una mujer española que después de haber conocido a Witold, un músico polaco que visitó Barcelona, se queda pensando. Piensa en ese encuentro, en la música de Chopin que los une, en la traducción como un atisbo nunca definitivo (hablan en inglés entre ellos, van y vuelven con términos que por momentos los desbordan), en las palabras de amor que él le dedica como partículas de ese universo fraguado, postizo. Es el amor –uno un poco roto, un poco a medias, un poco incompleto– el que recorre las páginas de El polaco, la nueva novela del escritor sudafricano J. M. Coetzee, ganador del premio Nobel de literatura y uno de los más destacados autores en lengua inglesa.

Se trata en este caso de una novela bella, breve y contundente que por un lado es una variación de la historia clásica de Dante y Beatrice y que, por el otro, parte de una inversión de la propuesta del autor de la Divina Comedia y su mito: lo que leemos en el libro está contado desde la perspectiva de una Beatriz en estado de inquietud y sorpresa.

Hace unos días pude enviarle algunas preguntas por correo a Coetzee (sí, ya sé, es un poco cortito lo que vino, pero créanme que, incluso a pesar de ese tono que se parece bastante al meme de con la peor de las ondas, el libro vale la pena) y con eso más algunos apuntes armé esta nota que salió en elDiarioAR.

La novela El polaco, de J.M. Coetzee, salió por el sello local El hilo de Ariadna. Más sobre la novela y unas palabras de su autor, por acá.

Banda sonora. Por estas horas, Miranda!, una de mis bandas favoritas de todos los tiempos, está lanzando un nuevo single. Se llama Dos y para hacerlo se juntaron con el rapero argentino Dillom. Buena excusa, entonces, para sumar a nuestra lista compartida algunos temas en las voces de Juliana Gattas y Ale Sergi, además de esta novedad.

Pero, como en gran parte de este envío hablamos de amor y romance, también se me ocurrió usar el título del lanzamiento de Miranda! para agregar canciones apasionadas, a su modo, que tienen la palabra dos en el título y me encantan. Van algunas versiones de Como dos extraños (de María Graña a Horacio Molina, de Andrés Calamaro a Mercedes Sosa: elijan su propia aventura) y de Dos gardenias. En inglés, siguiendo con la tendencia todos los climas de este espacio, una de Phil Collins y otra de Harry Styles. Espero que las disfruten (si tienen más que les gusten especialmente, ya saben, me escriben).

Posdata. Este lugar no deja de sorprenderme. Hace unas semanas hablamos por acá de Martha Argerich, les conté que estaba derrotada de antemano porque no iba a poder verla durante sus presentaciones en el Teatro Colón y comentamos algo sobre Bloody Daughter, el documental que dirigió su hija. Pocos días después apareció un lector de Mil lianas, fan intenso de la pianista y de la música en general, con mensaje, un abracadabra del que todavía no me recupero: acá tenés una entrada para ver a Martha (tampoco me recupero todavía de la emoción de ese concierto, de ese viaje entre la música y el encantamiento, de haber tenido tan cerca a alguien tan fundamental).

Es un clásico, una bandera, un lugar común y también algo muy cierto para varios, entre quienes me incluyo: como el personaje de Un tranvía llamado deseo, siempre dependí de la amabilidad de los extraños. Y también de esas vueltas insólitas cuando todo parece hostil, de esas magias chiquitas, de los guiños en medio del ruido, de esos extraños que a pura amabilidad se vuelven cómplices. ¡Gracias por tanto, Julián!

¡Hasta la próxima!

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Un PH en Pichincha y Carlos Calvo. Ahí acababa de mudarse, a los veintipocos, Juliana Gattas con una amiga. La política de admisión era clara: todos los días aparecía alguien nuevo. Un amigo de alguna que era desconocido para la otra, amigos de amigos desconocidos para las dos, “freakies que nos resultaban interesantes”, cuenta Gattas, sentada en el piso de la planta alta de su dúplex de Palermo, con una guitarra criolla sobre el sillón y un busto de modista listo para ser intervenido detrás.

“Ale llegó con unos amigos que tenían una banda, Demonio de Tasmania, y me pareció un freak interesantísimo. Tenía el corte hardcore, peladito a los costados y rulos, y hablaba con los ojos muy abiertos, tal cual es ahora pero sin ser famoso. Fue instantánea la onda por el lado de la música, y yo en ese momento cantaba jazz en restoranes, así que le dije: ‘Si querés hacemos algo juntos, yo canto’. Él estaba experimentando con música electrónica, se había comprado un sintetizador y me dijo que fuera a su casa de Haedo a ver si salía algo”, se acuerda Gattas.

Salió algo: “En ese momento sonaba fuerte Morcheeba, por ejemplo, bandas que sampleaban algo de jazz y lo usaban en electrónica. Ale y yo armamos Lirio, un proyecto que nos hizo tocar en Ave Porco -ese templo noventoso kitsch- y en el cumpleaños de una amiga de mi mamá”, dice, riéndose, la artista. Ella cantaba, “él tocaba las perillitas”.

El PH era a diez cuadras de Estados Unidos 1234, más precisamente conocido como Cemento: “Con Ale íbamos caminando desde mi casa, estábamos muy cerca. Íbamos a ver música y nos presentamos cuando Omar Chabán publicó un aviso en el Sí! para encontrar músicos, actores, humoristas… Ale se ofreció como musicalizador y yo cantaba jazz tipo vodevil, y después colaboraba en el sketch de Omar: había que ponerle cien huevos en la cabeza, tipo bonete, y después él los rompía todos. Algunas veces, Ale después de musicalizar toda la varieté pasaba un poco de música. Se puso DJ Miranda. Después Ale compuso ‘Imán’, la primera canción propia para el proyecto que estábamos armando. Y bueno, nos quedamos con ese nombre”.

El “Ale” del que Juliana Gattas habla es Alejandro Sergi, el creador principal de las canciones de Miranda!, el proyecto artístico que comparten desde hace dos décadas. Allí Gattas canta, baila, piensa escenografías y vestuarios para videos y shows, intenta inventar la maqueta que contenga todo ese melodrama de las letras que interpreta.

Eso de pensar vestuarios se le nota en la casa: hay, en la planta alta, un vestidor del que se asoman abrigos peludos verde esmeralda y trajes parecidos a los que usaría un novio, tal como vistió Gattas en la tapa del disco Fuerte, de 2017. Pero el verdadero tesoro está en la habitación de la planta baja que le destina especialmente a todo lo que haya servido o pueda servir para que Miranda! se pare sobre un escenario o se presente en una conferencia de prensa. La inspiran David Bowie, David Byrne, Almodóvar, el cine clásico y también la fotógrafa estadounidense Cindy Sherman, que la deslumbra cada vez que postea algo nuevo a su cuenta de Instagram. La inspiran también los precios quedados en el tiempo de la feria de ropa que organizan las monjas de una iglesia cercana a su casa.

En la habitación-baúl hay una treintena de anteojos de sol, pelucas enruladas y lacias y platinadas y pelirrojas, lentejuelas en pantalones y en tops, y una de sus últimas ideas: los trajes de arlequines que pintó a mano, un poco inspirada en Ashes to ashes, de David Bowie, y otro poco en Picasso. En la entrada de esa planta de su casa, en un portarretratos que cuelga de un clavito en la pared, una foto de Lucía Galán, la pimpinela. “La patrona. Me cuida la casa”. Toca la foto y se ríe.

¿Qué hay que hacer para cuidar un proyecto que ya cumplió 20 años?

En principio el proyecto está cuidado porque todavía queremos trabajar en esta estética y en esta creación que nos da tanta alegría. Yo me quería dedicar a proyectar la influencia de la fiesta, el absurdo, la alegría. Como B-52s, Erasure o Los Twist. No me alcanzaba con ejecutar la música grabada tal cual en el vivo. Siempre me gustaron mucho los shows que iban un poquito más allá y hacían, por ejemplo, un videoclip en vivo.

Ale y yo todavía queremos la misma cosa y queremos hacerla bien y linda. Me parece que eso hace que el proyecto se mantenga con alegría y esa alegría es transmitida en el show, porque nosotros estamos alegres de estar ahí. Aunque sean shows melodramáticos, porque en las letras sobrevuelan los malestares de las cosas que nos pasaron, que vivimos. Miranda! es la alquimia entre una frustración, un desamor, y sonidos de calesita y circo. Pero transmite alegría porque estamos muy felices de estar cantando y bailando en ese escenario. Y la gente es muy feliz cuando va a un show, baila y exorciza el drama.

En un país tan aferrado al rock barrial Miranda! hizo posible hacer algo absurdo y que fuera gente

Alejandro suele estar mucho más metido en el estudio y vos te ocupás de pensar la puesta en escena y más de una vez dijiste que disfrutás sobre todo del vivo, ¿cómo te impactó la pandemia en ese sentido?

Tardo un poco en poder darme cuenta cómo me impacta todo este proceso. Vivimos dos o tres meses medio parecidos y recién ahí puedo hacer un balance. Pero sí percibo lo mucho que me hace falta esa parte de mi trabajo, que es el vivo: es lo que más me gusta de lo que hago, esa fístula de escape de energía. Teniendo en cuenta la emergencia de los hechos no me parecía tan importante hacer un show, pero ahora veo que sí, hay algo de mi personalidad que se va a ver afectado o ya se ve afectado por esta larga interrupción. La explosión del vivo, el amor de la gente, el grito, no tiene reemplazo y hace falta. Y también viajar, que era parte de mi estructura mental y cambió abruptamente. Me adapté muy agradecida por poder estar en mi casa, no quedar varados en una gira, pero algún impacto tiene que tener todo eso.

Pandemia mediante, Miranda! adoptó todas las posibilidades de performance posibles: streamings en vivo desde el estudio y desde un estadio, shows para los autos con el público adentro y afuera del vehículo. “Para felicidad mía, nos apoyamos muchísimo en el vestuario y la performance porque eran shows con la gente alejada, sin poder bailar, entonces nos cambiábamos de ropa en cada canción. Nos aprovechamos del electropop, de que suene la música de base, y cambiábamos el vestuario: no se podía bailar pero sí mirar algo que podía resultar novedoso durante todo el show”, cuenta Gattas. Algo de eso, pero también una parte acústica y otra con la banda completa, hará Miranda! el 15 de octubre en el Teatro Broadway y el 30 de octubre en Vorterix Rosario.

¿Cómo es el proceso creativo para armar el vestuario de una banda tan performática?

Por lo general tiene que ver con algún capricho o deseo que voy teniendo, algo que me queda fijado. Cosas de Bowie, o Stop making sense, de Byrne, que es el sueño de mi vida: es tan único que no lo podés copiar porque es muy obvio. El tipo salió a tocar con algo tan simple como un traje seis talles más grande. Sólo eso y a mí me voló la cabeza para siempre.

Ese capricho o deseo que anda circulándome se matiza con nuestra impronta, por eso nunca se ve tan claramente la influencia. No sólo aplicamos eso a los shows: en las salidas de los discos cada vez nos resulta más llevar la tapa a las conferencias de prensa, a las firmas de autógrafos. Cuando salió Fuerte, que en la tapa estoy yo vestida de novio y Ale de novia, nos mencionaban eso todo el tiempo, así que fuimos vestidos de novios a todos lados.

¿Son un matrimonio ya?

Creo que sí. Uno que funciona muy muy bien y que hay que cuidarlo. No sé qué hacemos para cuidarlo porque nos sale muy natural. No nos molesta realmente nada del otro: podemos estar en silencio, criticar, nada de lo que el otro hace o dice significa algo más. Creo que funciona porque todo el tiempo cuidamos mucho algo que hicimos juntos, por encima de lo que nos pase a nosotros. Cuidamos algo lindo que queremos que siga así de lindo, seguimos queriendo la misma cosa.

Una casa con mil artes

La planta alta en la que Gattas conversa con elDiarioAR es como una muestra de varias disciplinas artísticas a la vez: hay, aparte de la criolla, una guitarra eléctrica y un teclado; algunos pequeños bustos esculpidos y pintados por ella; una caja de lápices acuarelables bien a mano; libros de fotografía a los que Juliana les ha recortado algunas de sus imágenes favoritas para ponerlas en portarretratos y mirarlas más seguido; muñequitos de los personajes de El mago de Oz; una biografía del Puma Rodríguez y otra de Marilyn Monroe; un tocadiscos.

En el momento más encerrado de la cuarentena empezaste a mostrar tus dibujos vía redes sociales, en general acompañando algún chiste o directamente como piezas de humor gráfico. ¿Qué encontraste en esas otras expresiones?

Muchas veces me autojuzgué porque empezaba a estudiar cosas y no terminaba esa formación. Estudié violín, guitarra, artes plásticas. Es que cuando me interesó el arte me interesaron muchas disciplinas, no sólo la música. Voy a un recital y voy a una muestra de arte y las dos cosas me llaman totalmente la atención, sin distinción. En pandemia, esas expresiones en principio fueron cosas para hacer, para sacar la creatividad afuera. Me puse a dibujar más de lo que ya hacía. A pintar, a hacer escultura. Mostrarlo en redes no me sirvió para nada en términos de proyecto concreto, y cada tanto me juzgo eso. Con algunos de los chistes hice algunas remeras y las vendí. Pero no me sirvió para casi nada y esa es mi forma de hacer: lo que sirve ahora mismo es hablar, comunicar algo, y yo estoy fuera de agenda, hago algo inútil. Pero lo que sí encontré fue un feedback de risas que fue muy satisfactorio. Fue muy gratificante generar esa risa unánime, eso me hace muy bien, y además apareció el año pasado, cuando el mundo era todo menos risas.

La primera vez que, desde el escenario, vio que el público no sólo cantaba sus canciones sino que bailaba, sintió que dedicarse a eso era “un negocio hermoso”. “Fue en una fiesta Brandon. Para mí ya tener una banda y tocar en vivo era una ebullición de felicidad, me pasaba incluso en los restoranes cuando cantaba jazz, aunque estuviera prácticamente vacío. Cantar en vivo me produce eso desde siempre. Pero cuando vi al público bailar sentí que era muy bueno lo que estaba pasando”, cuenta Gattas. Le presta atención a los movimientos de Gigi, el gato color té con leche al que su hija Juana le puso un nombre inspirado en un personaje del cineasta Hayao Miyazaki. El otro gato, Blixa, está escondido: le teme a los humanos desconocidos.

También sintió que “lo que estaba pasando era muy bueno” una noche de Luna Park en la que por primera vez vio un pogo basado en melodías electropop. “Empezamos a tocar ‘Otra vez’ y se armó esa ronda de pogo en la que se separan, saltan y se vuelven a juntar. Jamás pensé que iba a ver eso con una canción así: ahí sentí que Miranda! había funcionado, como en retroactivo”, explica.

¿Qué le hizo Miranda! a la música argentina?

Creo que abrió el espectro. No sólo Miranda! sino también Leo García o el propio Cerati: las bandas de rock y pop se empezaron a mezclar mucho más a partir de proyectos electrónicos mainstream que fueron apareciendo. Antes de Babasónicos o Miranda lo que había era muy solamente rock. Y a partir de ahí se permitió más el juego, no fue tan en serio todo. En un país tan aferrado al rock barrial Miranda! hizo posible hacer algo absurdo y que fuera gente.

¿Qué implicancias tuvo ser mujer en ese mundo?

Yo siento que crecí en una burbuja. Al estar en una banda pop, con la burbuja de la discoteca, el desprejuicio, cierta cosa travesti, no percibí el prejuicio que recae sobre muchas mujeres en el mundo de la música. En todo caso, el prejuicio hacia Miranda! pasaba por un lugar diferente: nos decían “putos”, nadie se detenía en el hecho de que había una mujer en la banda.

Creo que todavía falta bastante de desarmar el prejuicio hacia las mujeres en el mundo de la música en general. Se hizo mucho, por ejemplo en las movidas de alentar el cupo femenino en los recitales, pero falta naturalizar que una mujer sea productora o ingeniera de sonido. Pero en mi mundo nunca padecí ese prejuicio: ni en mi banda ni con los productores. Nadie me pidió que me pusiera la pollerita: ya la tenía puesta.

Alaska, la mujer del dúo español Fangoria, Róisín Murphy, Grace Jones, Tracey Thorn, de Everything but the Girl, Juana Molina, María Gabriela Epumer y Érica García son las mujeres de la música que Juliana miraba cuando quería empezar a ser ella misma una mujer de la música.

El secreto de las armonías travestis

“No tengo tanta técnica musical. No sé leer música y empecé a componer algunas partes en las que canto yo, pero me siento más letrista invitada que compositora musical. No es que quiera componer para que me tomen en serio, está bueno componer pero no me quita el sueño: me encanta ser intérprete”, dice, y mueve las manos, y sonríe con la boca pero también con los ojos cada vez que termina de hablar y está lista para la siguiente pregunta.

“No soy como un cantautor que lo que quiere comunicar es su poesía. Lo que más me gusta es cuando canto lindo”, explica. Para entrenar su voz comparte maestro con Sergi: los dos practican con una técnica basada en el canto gregoriano. “Se repite la a como un mantra para lograr que la voz llegue bien arriba y ahí sostenerla livianita, y después bajás hasta donde quieras”, cuenta, y abre la boca y dice “aaaaa” y su living parece una misa o una ópera, así, de repente.

Para cuidar la voz, asegura, lo mejor es dormir bien. “Y no fumar. Yo fumaba pero dejé en el embarazo. No tuvo nada que ver con la banda pero me di cuenta de que ya no me despertaba tosiendo como una tía grande que fumó toda la vida y no volví más”. La clave de ese cambio hay que buscarla en El disco de tu corazón, que Miranda! editó en 2007: “Antes de eso yo tenía la voz más tanguera, más baja, y cuando dejé de fumar Ale empezó a componer para mi nuevo registro. Se dieron vuelta las armonías, él dejó de hacer el falsete alto y bajó el tono, yo lo subí. Empezaron unas armonías menos travestis”, se ríe. Su gato-gata de nombre japonés la mira desde el sillón de enfrente, con la atención fija en que ningún desconocido se sienta demasiado en casa. Juana, producto de ese embarazo durante el que abandonó el cigarrillo para siempre, sonríe en varias fotos de las que hay en el mueble enorme que alberga libros, tazas y un cubilete para jugar a la generala.

¿Cómo conjugaste la maternidad con estos veinte años de banda?

El momento en el que me hice el planteo más difícil fue cuando Juana era una bebita, que coincidió con giras largas. Pensé junto al papá de Juana, un psicólogo, mi psicóloga y el pediatra. Me proyectaba a mí misma viendo a la banda sin mí y, en esa escena, me veía medio odiando a la bebé. Entonces en esa ecuación decidí hacer el esfuerzo de sostener las dos cosas: se mamá de una bebita y hacer giras. Hubo una, en México, que duró 45 días: los chicos fueron y se quedaron y yo fui y volví 5 veces. Me gasté lo que gané en pasajes pero hice las dos cosas y realmente valió mucho la pena. Con el tiempo, Juana empezó a venir a las giras si le gustaba el lugar: googleaba el lugar en el que íbamos a quedarnos, si tenía juegos, si le parecía lindo. Y eso se convirtió en nuestra vida.

El prejuicio hacia Miranda! pasaba por un lugar diferente: nos decían “putos”, nadie se detenía en el hecho de que había una mujer en la banda

La pandemia -y las restricciones que implicó- puso en pausa el lanzamiento del disco solista que Gattas grabó pero que, en medio de la demora, todavía no consiguió nombre. Está cerca de mostrar alguna canción pero, como presentarse en vivo es la parte favorita de su trabajo, quiere hacerlo cuando pueda acompañar ese lanzamiento con alguna performance. “Aunque sea en un lugar chiquito”, dice. “Lo que me frenó de querer mostrarlo es que ahora que no se toca en vivo es tan vertiginosa la salida de canciones que quiero hacer algo que sea más que eso. Ahora la canción sale, la escuchan, la agregan o no a una playlist, y viene la siguiente, y todo se hace como un humito”, explica Gattas.

¿Cómo impacta ese ritmo vertiginoso a la hora de hacer canciones? ¿Hay que tenerlo en cuenta?

No sé si hay que pensarlo como riesgo. Pero sí siempre hay que tener en cuenta que las canciones sobrevivan el paso del tiempo. Nosotros siempre tuvimos eso en cuenta: que las canciones se entiendan con el tiempo y en todos los países de habla hispana. Salvo que sea una palabra local muy buena, muy rítmica, si no siempre tratamos de que se sostenga en el tiempo y en el mundo. Yo por ejemplo no pondría “Tik Tok” en una canción porque tal vez en dos años o antes no se entiende más.

Hablás de que una canción tiene que sobrevivir en el tiempo. ¿Qué riesgos supone la era de la cancelación cuando se piensa una canción o cualquier obra artística?

Mirá, sin ir nada lejos, con los gauchos del video de “Por amar el amor” pensamos que un poco existía esa posibilidad. Tal vez una cancelación desde el lado vegano. Siempre hay un riesgo, pero la cultura de la cancelación me parece muy incómoda para ser artista. En nuestro caso la banca que tenemos son 20 años de plataforma: en ese caso no te tiran tan fácil, tiene que haber algo sólido. Pero para un artista que recién empieza ese riesgo de que lo cancelen es mucho más alto. Es muy difícil esta era para los artistas nuevos porque casi que lo único que podés hacer es una sola cosa: la correcta. Es una era tal vez necesaria en algunos aspectos, pero aburrida. Y peligrosa, porque no se toman riesgos. Que los artistas que aparecen no animen a tomar riesgos por no tener espalda es poco estimulante. Cuando era chica yo esperaba locura de los artistas.

JR