Les Barbares, la nueva película de Julie Delpy (la Céline de la trilogía de Antes del amanecer) que se estrenó en Argentina en BAFICI, arranca con una premisa muy simpática: un pueblo francés se postula para recibir refugiados ucranianos, pero los ucranianos están en “alta demanda” en Europa, de modo que Joëlle, la maestra de escuela progresista detrás de todo este trámite (encarnada por la propia Delpy) organiza para que les envíen una familia de sirios. No estoy spoileando nada, todo esto se sabe en los primeros minutos de la película.

El corazón del film, entonces, no es tanto la decepción inicial de los franceses con la familia ni blanca ni europea que les toca recibir, sino las minucias de la dificultad de esa convivencia, para unos y para otros.

En una época en que la palabra empatía está en proceso de rehabilitación, después de los excesivos manoseos sufridos a manos tanto de sus detractores como de sus militantes, Delpy decide hacer una película que se trata exactamente sobre eso.

El caso que arma, además, está bien pensado: la familia siria que llega está compuesta por profesionales de clase media (un padre arquitecto, una hermana médica, un abuelo poeta), cuyas costumbres no colisionan particularmente con los del pueblo que los recibe. Nadie puede argumentar ningún “conflicto de valores” en esa familia perfectamente dispuesta a mandar a sus chicos a la escuela pública y a trabajar en los negocios locales en los términos que les ofrezcan. Sus vidas fueron, obviamente, surcadas por la tragedia, pero no piden que nadie les tenga lástima ni quieren presentarse como protagonistas de nada: de hecho, tantas ganas tienen de parecer “normales” que es Joëlle la que, luego de un par de incidentes entre los refugiados y algunos habitantes del pueblo, decide proponer que hagan una presentación de su historia para mostrarle al pueblo que no son intrusos ni aprovechados, sino gente que viene de una situación desesperada.

La escena en la que esta familia siria tiene que contar su persecución y huida con un powerpoint escolar es quizás mi favorita: es muy sutil, tiene muchos niveles. Los sirios se sienten claramente avergonzados de tener que hacer ese circo de la víctima; sobre todo, quizás, el padre de familia, que quiere ser respetado como arquitecto, como un profesional que puede sostener a su familia, y en cambio tiene que verse reducido a contar lo mal que la pasó para ver si mostrándose así, dañado y vulnerable, logra que dejen de destrozarle las cañerías, acusarlo de ladrón o dejarle pintadas en la casa.

Es algo humillante, entonces, la situación, pero hay que decir que Joëlle logra su cometido; vemos en la escena los rostros emocionados de la misma gente que, hasta hace un instante, miraba a los nuevos habitantes del pueblo con desconfianza. A veces la gente odia, es cierto, parece decir la misma película, pero a veces sencillamente necesita que le cuenten.

Es interesante, también, que la película ponga en el centro un gobierno local. Esta decisión le permite, por un lado, aventurarse hacia una estética y un humor cercanos a los de The Office o Parks and Recreation, reírse de los simulacros y el vacío de las pequeñas burocracias; pero sobre todo permite que las relaciones entre los refugiados y los ciudadanos que los reciben sean tanto institucionales como personales.

En París o en Londres una familia de refugiados es un número; el funcionario que los recibe no se los cruza en el almacén todos los días, como pasa en este pueblo. Pienso que hay algo de esta instancia, la de la pequeña alcaldía, que es muy productivo para pensar en la intimidad y lo político, y también en la relación entre la responsabilidad colectiva y la individual. Un pueblo tan pequeño no permite lavarse las manos, no permite pensar que da igual lo que yo haga como individuo, lo importante es lo que sea que hagan el Estado y el poder; y a la vez, la película tampoco es libertaria, en el sentido de pensar que lo único importante es la acción de los individuos. Les Barbares entiende el tándem necesario entre sociedad civil y Estado; entiende que nada se puede hacer sin papeles y ciudadanías, sin recursos económicos y políticos para solventar la vida de los refugiados, pero que eso no hace que dé igual si a nivel individual los ciudadanos no colaboran.

En el sentido de esto último, Les Barbares es una película algo ingenua. Lo digo, quizás, como un halago. Me resultó esperanzadora la idea de que la esfera de lo individual y la de lo político pudieran remar para el mismo lado; quizás, de nuevo, el contexto de un gobierno local de un pueblo pequeño en el que quienes toman las decisiones se conocen por nombre con quienes sufren sus consecuencias es un contexto demasiado específico. Quizás es, en esa situación, en que la empatía puede desplegar todo su potencial político; puede que justamente el desafío, o la desventaja, sea hacer que las personas empaticen con gente que muchas veces no conocen, que por las vidas segregadas que llevamos hoy sobre todo en las grandes ciudades jamán van a llegar a conocer. Puede que haya sido eso lo que hizo que el concepto de empatía perdiera su poder, el intento de hacerlo funcionar más allá de los límites de un pueblo o un barrio pequeño; quizás es eso lo que hizo que la gente se cansara de la globalización, lo que llevó a tantos politicos y ciudadanos hoy a volver a relatos “antiglobalistas”.

Y tal vez por eso mismo lo que es esperanzador de la película es también devastador: la sensación de que esa empatía política que se ve bella y posible en el pueblito francés que se inventa Julie Delpy es inalcanzable en el mundo globalizado en el que vivimos todos los días.

TT/MF

BAFICI

Vuelve el “Buenos Aires Festival Internacional de Cine”, el encuentro más importante de América Latina, con casi 300 películas de 44 países en más de 600 funciones. El evento reúne cineastas, productores, críticos y público en las salas de la Ciudad. Se desarrollará del 1 al 13 de abril. Toda la programación se puede consultar en bafici.org, donde también se pueden comprar las entradas, con descuento para estudiantes y jubilados.

Sabor a Buenos Aires

Arranca la segunda edición del encuentro que reúne lo mejor de la gastronomía porteña. Habrá más de 50 propuestas entre bodegones, pizzerías, parrillas, cafeterías y mucho más. Será este sábado, de 11 a 23.30, y el domingo, hasta las 21, en el Parque Thays (Av. Del Libertador 2048). 

Orquesta Estable Colón

La Orquesta Estable del Colón celebra sus 100 años con un concierto en el Teatro Coliseo. Será bajo la dirección musical del maestro Stefano Ranzani y el programa incluirá obras de Mozart y Mahler. Las entradas se pueden comprar en www.teatrocolon.org.ar.

BA Flota

El primer festival de globos aerostáticos de Buenos Aires. El público se podrá acercar a la exposición y ver los globos de cerca. Y contará con una amplia variedad de propuestas y entretenimiento para todas las edades. Abrirá el miércoles 2 y el fin de semana del 5 y 6 de abril en el Parque de la Ciudad (Av. Fernández de la Cruz 4000). Las entradas se pueden comprar en www.flotatour.com.ar. Se suspende por lluvia y por vientos fuertes.

Einstein en el Planetario

El Planetario Galileo Galilei (Av. Sarmiento y Av. Roldán) rinde homenaje a Albert Einstein a 100 años de su visita a Argentina con una serie de charlas y conferencias con referentes de la divulgación científica. Hay propuestas para chicos y para adultos. Toda la programación se puede consultar en www.planetario.buenosaires.gob.ar. La entrada es libre.

Cantar juntas

Este viernes a las 19.30, el Trío Vocat, integrado por Paula Chouhy, Belén Bilbao y Juana Silveyra, le da cierre a “Cantar Juntas”, el ciclo que reunió las mejores voces femeninas durante el Mes de la Mujer. Será en el Centro Cultural Recoleta (Junín 1930), gratis.

Más vale volando

Una feria con múltiples actividades orientadas a difundir la problemática del tráfico ilegal de fauna silvestre. Se realizará este domingo desde las 10 en el espigón Plus Ultra de la Reserva Ecológica Costanera Sur (Av. Tristán Achával Rodríguez 1550). El acceso es sin costo.

Jornada de adopción

Mañana, de 13 a 18, es la primera jornada de adopción de mascotas en el año. Será en Plaza Arenales (Mercedes y Nueva York, Villa Devoto). Tiene como fin encontrarles hogar a perros y gatos y fomentar la tenencia responsable.

Sansón de las islas

Se estrena este sábado la historia de Sansón, un luchador de catch muy popular pero enfermo y retirado, está de regreso, pero a la fuerza. Transcurre en la Guerra de Malvinas, cuando el gobierno militar que manda en Argentina necesita elevar la moral del país. Hay funciones de miércoles a sábados, a las 20.30, y los domingos, a las 19.30. Las entradas se pueden comprar en www.complejoteatral.gob.ar.

Música al aire libre

El ciclo en el Anfiteatro del Parque Centenario (Leopoldo Marechal y Av. Lillo) se inaugura con la presentación de Los Pájaros, el grupo que fusiona el folklore latinoamericano con el pop, la rumba, el bolero y la cumbia. Se lanza este sábado a las 20, con acceso libre y hasta agotar la capacidad del lugar.

¡Qué melancólicos o radiantes son los días que se equivocan de estación! - Silvina Ocampo

“En nagori, el apego, la nostalgia y la temporalidad se mezclan. Nagori indica tanto la nostalgia por nuestra parte, por lo que nos deja o que dejamos, como la idea de algo que se desliza ligeramente en la estación, como si esa cosa (por ejemplo, las flores, la nieve) dejara a regañadientes este mundo y la estación que le pertenece. Tanto la cosa contemplada como el contemplador parten a regañadientes”. Rescato en mi cuaderno de apuntes ese magrísimo párrafo del delicado ensayo Nagori. La nostalgia por la estación que termina, de la escritora japonesa Ryoko Sekiguchi. Me quedo con restos, apenas, porque no encuentro mi ejemplar del libro en casa. Justo ahora que quería anotar algo un poco destartalado acá sobre los cambios de estaciones; justo ahora que transitamos este limbo de días ni tan agobiantes, ni tan frescos, ni tan llenos de luz, ni tan rotundamente oscuros. Doy en algún pasillo non sancto de internet con la edición del libro en italiano. La repaso, me río del vaivén: ir atrás de palabras de un idioma que desconozco a otro que apenas me suena amigable.

Lo olvidamos porque la lectura tiene, también, algo de estos días inciertos: es limbo, trance, pasaje. Pero a veces es importante recordar que cualquier traducción implica más que nada buenas dosis de fragilidad, de imaginación y de poesía. Tratándose de una lengua remota para nosotros como el japonés, el ejercicio, incluso para el profesional más sensible, se intensifica. 

Abro este paraguas enorme –como si estuviera mirando ahora mismo por la ventana una tormenta otoñal que no termina de arrancar– para comentar que en japonés el término nagori, según la versión siempre transitoria de los traductores, quiere decir “la huella de las olas”. Al menos si se sigue un carril bien lineal. Pero no se queda ahí. Según esos mismos trabajadores silenciosos de las palabras –la del libro de Sekiguchi editado por la editorial Periférica se llama Regina López Muñoz– el término nagori también se abre para describir una especie de nostalgia estacional. O varias. 

“La nostalgia de la estación que termina, que nos deja y que, a nuestro pesar, dejamos atrás. Remite a la estacionalidad de un fruto o de una hortaliza anunciando su futura ausencia: para recuperar su olor, su sabor y su sensación no nos quedará otro remedio que aguardar un año entero conservando, eso sí, su recuerdo en la memoria de nuestros sentidos”, se lee en la contratapa del libro y sigue: “Nagori es asimismo la atmósfera de algo que ya no existe, como la de una casa que evoca el recuerdo de quienes la han habitado. Nagori es lo que queda tras el paso de una persona, de un objeto, de un acontecimiento. Nagori es, también, el momento de la despedida y el anhelo del regreso”.

El libro que sí encuentro en casa es uno que lleva como título Verano y es hermoso. Lo publicó Ediciones Godot hace unos años, forma parte de una saga de libros dedicados a las cuatro estaciones y compila fragmentos de distintos textos escritos por Henry David Thoreau (la selección es de Peter Saint-André, la traducción, de Natalia Barry).

Me cruzo con una entrada de sus diarios del 14 de julio de 1852. Me gusta porque las estaciones lejos de diferenciarse se solapan: aunque está escrita en verano, trae escenas que pertenecen a la primavera y al otoño. La transcribo.

“El joven prepara sus materiales para construir un puente a la luna, o quizás un palacio o un templo en la tierra, y con el tiempo, en la mediana edad, el adulto termina construyendo una cabaña de madera con ellos. 

Los árboles en general tienen dos etapas de crecimiento al año, una en primavera y otra en otoño, y puede verse dónde se interrumpió la primera, ya sea por frío o sequía, y uno se pregunta qué hubo en el verano para producir esa interrupción, esa dolencia. Lo mismo sucede con el hombre: la mayoría tiene solamente un crecimiento de primavera y nunca se recupera de esta primera interrupción de sus esperanzas de juventud; pero las plantas de constitución más fuerte, o quizás plantadas en suelos más amigables, se recuperan rápidamente y, aunque lleven la herida o el nudo como recuerdo de su desencanto, vuelven a avanzar y tienen un crecimiento otoñal vigoroso que equivale a una nueva primavera“.

Nostálgicos por lo que se deja atrás, heridos pero firmes por lo que vendrá, difíciles de traducir, desorientados, con calor en otoño: así son los pedacitos que componen esta nueva entrega de Mil lianas. Empecemos.

1. Bafici 2025. “La oferta es amplia (641 funciones de 298 cortos y largometrajes provenientes de 44 países), se suma un día de proyecciones (este año va del 1º al 13 de abril), hay una nueva sede (con el Teatro Alvear se llega a 13 salas en 7 complejos) y las entradas tienen precios más que accesibles (3.000 pesos y 2.000 para estudiantes y jubilados)”, apunta en esta nota el crítico de cine Diego Batlle sobre la 26ª edición del Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente (Bafici). Un clásico otoñal y porteño que comenzará la semana que viene. 

En ese texto de Batlle podrán encontrar una especie de mapa del festival, con sus comentarios de algunas de las películas destacadas y algunos de los focos de esta edición. Por mi parte, anoté para ir a ver en pantalla grande algunos documentales que pude pispear o que me interesaron particularmente cuando revisé el catálogo online (lo pueden descargar por acá).

Por un lado, en la sección Noches especiales se lanza el documental Una vez, un circo, dirigido por Saula Benavente. Una investigación repleta de testimonios de los artistas e imágenes alucinantes sobre ese suceso estrambótico que fue el Circo de Moscú y que en Argentina convocó a multitudes entre los años ‘60 y los ‘90 (más sobre la película, funciones y horarios, por acá).

Otra que necesito ver cuanto antes y que participa de la competencia oficial argentina: LS83, del cineasta argentino Herman Szwarcbart, con producción de Gabriel Kameniecki. “Los recuerdos de infancia del escritor Martín Kohan se entrelazan con el archivo inédito del noticiero de Canal 9 entre 1973 y 1980. A través de este acervo, se reconstruye un período clave de la historia argentina, explorando la relación entre la memoria personal y el discurso público de la época”, dice la sinopsis oficial de la película (horarios y salas donde se proyecta, en este enlace).

Por último, pude ir conociendo algunos detalles de su realización, ahora quiero ver el resultado final. El Bafici será el lugar de estreno de Una noche en Paladium, de Francisco Novick, un documental del que les hablé alguna vez en este espacio. Se trata de un repaso por la historia y los personajes que circularon en ese mítico boliche por el que solía desfilar buena parte del underground porteño a mediados de los '80 (sobre los días y fechas de las proyecciones, más información por acá). Una curiosidad: el próximo 4 de abril, tendrá lugar una nueva Fiesta Paladium en el espacio C Art Media de Chacarita, con una función de preestreno de la película y, claro, música, baile y sorpresas. En este enlace, un poco más.

La edición 2025 de Bafici tendrá lugar en Buenos Aires del 1 al 13 de abril. En este enlace, una guía con películas y secciones destacadas.

2. Apostilla. Por si se la perdieron en el cine o se les pasó el dato, va un aviso: por estas horas llegó a la plataforma Disney+ la película Un dolor real, protagonizada por Jesse Eisenberg y Kieran Culkin, que cuenta la historia de dos primos muy distintos que emprenden un viaje a Polonia para honrar de alguna manera a su abuela. En este enlace pueden leer un texto buenísimo sobre la película que escribió la querida Hinde Pomeraniec (de paso: volvió por estos días Vidas prestadas, su podcast “sobre libros y mundos posibles”). También les dejo el tráiler.

La película Un dolor real está disponible en Disney+.

3. Feria del Libro 2025. Otra cita clásica y otoñal: la Feria del Libro de Buenos Aires. Hace unos días estuve en la presentación para los medios de la edición 2025 de este encuentro literario, que tendrá lugar a partir del 24 de abril y hasta el 12 de mayo. Con todo lo que se anunció allí y a partir de lo que pude charlar con algunos representantes del sector, armé esta nota en la que pueden leer un poco más sobre las novedades para este año, las visitas internacionales que llegarán al predio porteño de La Rural, los escritores y escritoras locales que participarán, los precios de las entradas y algunas de las actividades destacadas previstas para esta ocasión.

La Feria Internacional del Libro de Buenos Aires tendrá lugar del 24 de abril al 12 de mayo en la sede de La Rural de Palermo. Más información, en este enlace.

Banda sonora. “El sol entra en la nube, estoy tan ciega y al fin te veo venir, causando claridad y confusión”, canta Rosario Bléfari en Exacto, el tema que abre su disco Estaciones. Me pareció la banda sonora perfecta para estos días de incertidumbre estacional, así que hice una selección de canciones de ahí para sumarlas a nuestra lista compartida. Se puede escuchar, como siempre, por acá.

Algo más. Me acaban de contar que se está armando un documental sobre una artista que admiro y que murió muy joven: la guitarrista y cantautora María Gabriela Epumer. Parece que la mismísima María Gabriela llevaba siempre consigo una cámara a varios lados con la que registró más de 50 horas de video. Con esas imágenes –preciosas, como se puede ver acá– se está armando una película independiente que lleva como título Perfume. En tiempos de recortes e incertidumbre en el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), quienes están detrás de este proyecto apuntan a la financiación colectiva de la película. Pueden conocer más en este enlace.

Bonus track. Por estas horas está saliendo a la luz el libro de cuentos Cómo me hice anarquista. Lo publicó la editorial independiente Ginebra, lo escribió Emilio Larrea (sí, es mi hermano; no, él no tiene ninguna responsabilidad en esa circunstancia: es lo que le tocó). Pude leer algunos de los relatos y están buenísimos. Pero prefiero no hablar yo y dejarles por acá algo que escribió Federico Falco sobre ellos: “Escenografías, productores televisivos, asistentes, la vida en la tele y la vida detrás de cámara. Los personajes de estos cuentos viven acechados por la rutina y el desgano de quien sabe que todo es falso. Consiguen participantes, hablan con comerciales, lidian con conductores estrellas, agendan taxis para los invitados, son testigos de la desesperación de los que quieren ser famosos y de la caída de aquellos a quiénes les bajó el dedo el rating. Y mientras tanto, intentan sostener otra vida: una vida verdadera, con parejas, amigos, mudanzas, una vida que también corre el riesgo de caerse a pedazos o volverse de cartón pintado. La mirada límpida y profunda de Emilio Larrea disecciona el mundo de la televisión y con humor y una extraordinaria precisión hecha de climas y sobreentendidos, encuentra en estos cuentos la forma perfecta de ponerlo en palabras. Un libro para leer, releer y disfrutar frente a la tele prendida y con el volumen muteado”.

Posdata. Arriba hablamos de traducción y de las estaciones del año. Como habrán notado, ilustra esta entrega de Mil lianas la imagen de una película de Aki Kaurismäki. En español la tradujeron como Hojas de otoño aunque el título internacional en inglés sea Fallen Leaves, es decir, hojas caídas, y en finlandés Kuolleet lehdet, que no tengo idea de qué significa. En cualquier caso, está disponible en Mubi y es encantadora.

¡Hasta la próxima!

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La oferta es amplia (641 funciones de 298 cortos y largometrajes provenientes de 44 países), se suma un día de proyecciones (este año va del 1º al 13 de abril), hay una nueva sede (con el Teatro Alvear se llega a 13 salas en 7 complejos) y las entradas tienen precios más que accesibles (3.000 pesos y 2.000 para estudiantes y jubilados). La 26ª edición del Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente comenzará dentro de una semana con la proyección de “(upa!) Una pandemia argentina - Lado A+B”, tercera entrega de la saga codirigida por Camila Toker, Tamae Garateguy y Santiago Giralt que se inició en 2007, pero uno de los momentos clave para luego llegar a disfrutar del festival en toda su dimensión se producirá mucho antes, más precisamente desde este miércoles 26, a las 10 de la mañana, cuando comience la venta online de tickets en https://bafici.org

Por eso, como para ir armando con tiempo la grilla de la maratón cinéfila, siempre es bueno contar con alguna guía que contemple desde películas de directores consagrados que fueron premiadas en otros festivales hasta óperas primas de nuevos talentos, pasando por rescates de clásicos en copias restauradas o films vinculados, por ejemplo, al universo del rock.

Grandes Maestros

Suelen ser las funciones que más rápidamente se agotan. Nadie quiere perderse los más recientes trabajos de autores de renombre como el chino Jia Zhang-ke (“Caught by the Tides”, sobre los profundos cambios socioeconómicos en el gigante asiático durante el período 2002-2022); el rumano Radu Jude (“Kontinental ’25”, sátira rodada con un iPhone que cuestiona desde el racismo estructural hasta la especulación inmobiliaria); el canadiense Denis Côté (“Paul”, retrato de un joven que lucha contra la depresión, la ansiedad, la soledad y la obesidad con estrategias decididamente poco convencionales); el español Albert Serra (“Tardes de soledad”, portentoso ensayo visual sobre un tema controvertido como la tauromaquia desde el punto de vista de un torero en ascenso); y el coreano Hong Sangsoo (“What Does That Nature Say to You”, sobre la relación que se establece entre un joven poeta y la familia de su novia).

Óperas primas

Una de las constantes en los 26 años del BAFICI ha sido descubrir nuevos realizadores. Si bien existe una sección dedicada exclusivamente a primeros largometrajes con 7 títulos (entre ellos “Gazer”, del estadounidense Ryan J. Sloan, film noir muy artesanal sobre las desventuras de una joven madre que sufre una enfermedad cerebral degenerativa), también hay varios otros repartidos en la Competencia Internacional (“Vingt dieux”, de la francesa Louise Courvoisier; sobre un muchacho de 18 años de un pueblo rural que tras la repentina muerte de su padre debe ocuparse de su hermana menor de 7 años y encontrar la manera de generar ingresos produciendo quesos; “Bajo las banderas, el sol”, documental del paraguayo Juanjo Pereira premiado en la reciente Berlinale sobre la omnipresente figura del dictador Alfredo Stroessner durante 35 años; y “Cactus Pears, del indio Rohan Parashuram Kanawade, sobre una sensible historia de amor gay en el conservador contexto de una comunidad campesina).

Por su parte, la competencia Vanguardia y Género también es rica en óperas primas como “Invention”, film de la estadounidense Courtney Stephens que le valió a Callie Hernandez el premio de actuación en el Festival de Locarno con las penurias de una treintañera que debe lidiar con el legado (las patentes) de un padre inventor cuya vida estuvo marcada por las controversias; y “La guitarra flamenca de Yerai Cortés”, de Antón Álvarez, más conocido como C. Tangana, sobre un joven músico flamenco que concibe un disco que reconstruye su historia y la de su familia.

Cine argentino

Pese a la profunda crisis que afecta al sector, el cine argentino más independiente presentará en el BAFICI 116 películas, de las cuales 61 son largometrajes y 55 cortos y mediometrajes. Habrá que prestar atención a muchos estrenos mundiales, pero la que ya viene generando interés desde su lanzamiento en el reciente Festival de Sundance es “La virgen de la tosquera”, impactante descripción del universo adolescente en tiempos de crisis dirigida por Laura Casabé con guion de Benjamín Naishtat y a partir de dos cuentos de Mariana Enriquez.

Cine y música

Entre las 9 películas de la sección Música hay propuestas tan diversas como “Pavements”, film de Alex Ross Perry que se acerca con muy diversos elementos documentales y ficcionales a la carrera de la mítica banda indie Pavement cuando en 2020 se reúne tras más de una década inactiva, se prepara un musical sobre sus canciones y se monta una exhibición en un Museo; y “Los años salvajes”, melancólica tragicomedia del chileno Andrés Nazarala sobre Ricky Palace (el gran Daniel Antivilo), un rockero sexagenario otrora popular y hoy en plena decadencia, y el fin de la movida más bohemia en la ciudad Valparaíso.

Más allá de la mencionada sección, hay otra llamada Britannia Lado B: We Will Rock You que entre sus 9 propuestas tiene dos documentales de Julien Temple sobre el festival más importante del mundo (“Glastonbury”) y sobre la banda Dr. Feelgood (“Oil City Confidential”); “Gorillaz: Reject False Icons”, sobre uno de los proyectos musicales de Damon Albarn; “Here to Be Heard: The Story of The Slits”, sobre la banda punk femenina; “Poly Styrene: I Am a Cliché”, sobre ese ícono punk y líder de X-Ray Spex; “Supersonic”, film de Mat Withecross sobre Oasis; “Teenage Superstars”, sobre la escena musical independiente de Escocia en los años '80 y '90 con bandas icónicas como The Jesus and Mary Chain y Teenage Fanclub; “The Beat Is the Law - Fanfare for the Common People”, sobre la banda Pulp que lidera Jarvis Cocker; y “Westwood: Punk, Icon, Activist”, sobre Vivienne Westwood, quien pasó de joven activista punk en la década de 1970 a dueña de un imperio de moda.

Retrospectiva Jacques Rozier

Jacques Rozier murió en junio de 2023, a los 96 años, siendo un desconocido para la gran mayoría y objeto de veneración por parte de la cinefilia más radical. Junto a Jean Eustache, quien fue reivindicado tiempo antes, Rozier quedó como uno de los cineastas “malditos” surgidos en tiempos de la Nouvelle Vague. Recién en septiembre del año pasado se reestrenaron en salas francesas con copias restauradas cuatro de sus largometrajes, “Adieu Philippine” (1962), su obra más emblemática rodada en 1960 y estrenada en Cannes dos años después; “Du côté d’Orouët” (1971); “Les Naufragés de l'île de la Tortue” (1976), con Pierre Richard; y “Maine Ocean” (1986).

Estas cuatro películas y “Fifi Martingale” (2001), que casi no se vio en salas después de su estreno en la Mostra de Venecia, se presentarán en el BAFICI junto a cortos como “Blue Jeans” (1958), la historia de dos jóvenes de juerga en Cannes que constituye una pieza insoslayable en la historia de la Nouvelle Vague; y “Le Parti des choses: Bardot et Godard” (1964), uno de los dos trabajos que Rozier hizo sobre la figura de Brigitte Bardot.

Cineasta muy influyente en las carreras de, por ejemplo, Justine Triet o Antonin Peretjatko (protagonista de otros de los valiosos focos de esta edición), Rozier tuvo una producción muy limitada: no solo “Fifi Martingale” casi no tuvo distribución sino que en 2007 dejó un largometraje inconcluso como “Le Perroquet parisien”. Celebrado y de alguna manera apadrinado por Jean-Luc Godard, Rozier comenzó con un cine libre, lúdico, juvenil y veraniego con algo del Eric Rohmer más descontracturado, pero luego fue mutando hacia obras más melancólicas, oscuras, pesimistas y angustiantes. Lo concreto es que el BAFICI permitirá la oportunidad única de (re)descubrir buena parte de su filmografía en impecables copias restauradas.

DB/MG

La muerte no existe. El nacimiento quizá sea una manera de morir. Trascendencia. El mármol puede moverse. Hay fuerza en un brazo tallado, va hacia alguna parte y altera el todo. Tener deseos, pedirlos, cumplirlos. El hombre es el único animal que puede hacer algo diferente para el resto de los hombres. La suerte o la desgracia de salvarse. Estas ideas y frases aparecen como poesía que se desprende del silencio en medio de la película documental de la directora Franca González sobre el escultor Leo Vinci: Vinci / Cuerpo a cuerpo.

La obra se mira y da tiempo a pensar. Cuando uno de sus amigos le pidió a Franca que le sacara unas fotos para promocionar su taller literario no imaginó lo que vendría después. Ella se vio cautivada por la locación, que le pareció una cápsula del tiempo, un viaje a otro siglo, un set de filmación con iluminación perfecta en el que encontró a la vitalidad encarnando a un hombre de, por aquel entonces, 91 años.

Franca conoció a Leo Vinci con varios sueños pendientes. Quería atacar un bloque de mármol, enfrentarlo cuerpo a cuerpo como los luchadores de sumo, como dice la reseña del film, pero también acampar frente al mar. Ella hizo las fotos que le pidió su amigo, pero no pudo evitar trabajar, con permiso de Leo, en una película sobre su vida. Al principio persiguió el conflicto del hombre, que sueña con recuperar todas su obras distribuidas por el mundo, regresarlas al país y que estén en su casa disponibles para cualquiera. La pandemia, problemas de presupuesto y los tiempos propios de cada uno cambiaron los planes. El resultado es una muestra poética, retratada y silenciosa de una idea revolucionaria: son suficientes dos manos para cambiar las cosas.

La película estará disponible en la Sala 3 del Cine Arte Cacodelphia, en diagonal R. Sáenz Peña 1150, CABA, todos los domingos de mayo a las 19. Luego de las proyecciones, Leo Vinci y la directora conversarán con el público. A días del estreno, ella, que es oriunda de General Pico, La Pampa, y ha sido multipremiada por su trabajo y trayectoria, habló con elDiarioAR sobre el proceso detrás de esta película documental.

“Conocí a Leo Vinci en febrero de 2019 y poco después comencé a filmarlo. Colgado de un andamio, con las manos enchastradas en yeso, Leo desafiaba la gravedad olvidándose de sus noventa y tantos años. Charlamos mucho. Compartimos días enteros en que simplemente lo veía trabajar concentradísimo. Obra tras obra. Varias a la vez. Con una pulsión de vida y una voracidad creativa apabullantes. El film no se limita a un público relacionado con el mundo de las Bellas Artes. Leo Vinci es un escultor que se define, antes que nada, como un ”laburante“. No cree en la ”inspiración“ ni en el ”sacrificio“. Para él, ”la palabra Sacrificio proviene de ese sagrado oficio que se elige cada día“, dice Franca y afirma que coincide con Vinci en que los artistas deberían ”dejar de estar pendientes de lo que se debe hacer o de lo que está de moda“ y volver la mirada a lo propio, ”aunque ello signifique mayor riesgo“.

–¿Cómo conociste a Leo Vinci?

–Fue de un modo bastante azaroso. Soy amiga de su hijo Pablo Vinci, que es escritor, y me pidió hacer unas fotos en un lugar donde iba a dar su taller literario, porque como no tenía espacio lo iba a dar en la casa taller de su papá, que me contó que era escultor. Cuando entré a ese lugar que está entre La Boca y Barracas, que es un espacio alucinante donde la luz entra por por los techos y las ventanas, una antigua panadería del siglo XIX donde se hacía el pan para la gente que llegaba al puerto de La Boca, donde hay esos ventanales que permiten el ingreso de luz...sentí que estaba realmente en un set de filmación, pero aparte de eso, era como entrar a otro siglo porque más allá de que Leo Vinci en poquitos días cumple 93 años, es alguien que construye sus propias herramientas o que tiene herramientas muy antiguas con las cuales poder trabajar los diferentes materiales duros y pesados como el mármol o el hierro. Realmente cuando ingresé a ese lugar podría haber sido prácticamente idéntico a si hubiésemos entrado en los años 40 o 50. Fue muy bella esa transición.

–¿Eso te llevó a la idea de hacer este documental?

–Por un lado me shockeó eso y, por otro, encontrarme a una persona bajita, menuda, colgada de los andamios, martillando unos dedos enormes de bronce con sus manos todas lastimadas de darle tanto a esos materiales, soldando y todo eso. Y bueno, quedé muy sorprendida, no sólo porque Leo estaba trabajando ahí, sino también su mujer, Marina Dogliotti, que es una excelente escultora con la que comparte casa, taller y esa experiencia de trabajar en lugares repartidos. Cada cual tiene su espacio. Entonces, era un mundo de esculturas, de formas y de seres rarísimos, muy diferentes. Cuando vi lo que hacen Marina y Leo quedé como realmente muy sorprendida e hice algunas fotos para Pablo, obviamente, pero bueno, le pedí a Leo si me permitía poder ir de vez en cuando a verlo trabajar y, de a poco, eso fue tomando forma de proyecto cinematográfico.

–El documental se apoya mucho en la imagen, tiene poco texto, casi todo en la voz de Leo que, quizá, sin saberlo habla de manera poética sobre problemáticas muy actuales. ¿Cómo adaptaste el guion a estos destellos reflexivos que se presentan de modo tan espontáneo pero son, a la vez, tan profundos?

–Como directora de cine me encantan esas cosas que van apareciendo sin ser esperadas. Es casi como el trabajo de un pescador. Uno está ahí, atento, pero cuando suceden algunas cosas tenés la clara conciencia de que eso, por más horas que tenga filmadas, va a quedar en la película. Es como que uno va editando su película en el mismo momento en que filma, cuando pasan esas cosas que yo también llamo joyitas. Entonces, después la edición es como que digo “a ver, tengo todo este material, cuáles son joyitas”. Y le llamo así a esos momentos en los que inconscientemente están aportando esa idea previa que yo tengo de la película que quiero hacer y, para mí, Leo en un punto más allá de su talento como artista, era una herramienta para hablar de muchas cosas: de de cómo se puede transformar el mundo con las manos y al mismo tiempo hace un trabajo muy analógico, manual, de la vida de la cual nos vamos alejando tanto. Porque cada vez más los trabajos son más con la cabeza que con el cuerpo.

Eso de poner el cuerpo y poner también un concepto detrás de la obra que uno quiere hacer son ideas como un poco todavía muy representativas del siglo XX 20, ¿no? Entonces, si bien Leo es un gran hablador yo quería que la película tuviera muchos espacios más bien silenciosos para que se pudiera disfrutar más de esas joyitas, porque por ahí si uno le pone todo el tiempo hablando o en voz en off, más allá que lo que diga es interesantísimo, te perdés esas cosas que surgen espontáneamente en una filmación y para la cual uno espera y filma mucho. Esas cosas pueden aparecer en esos diálogos entre ellos (Leo y Marina), en las cosas que le pasan a él cuando está trabajando en su modo ya más espontáneo y menos tenso de participar con la cámara en frente.

–¿Como directora le das espacio a esas situaciones, antepones el valor del tiempo?

–Por todo esto hay que ser buen espectador en el cine documental, por lo menos en el que a mí me gusta hacer, que está más construido en torno a esas cosas, a las pequeñas cosas más que a las grandilocuentes.

–¿Cuántos conceptos te sorprendieron o pudiste trabajar a medida que aparecieron en la voz de Leo?

–Leo reflexiona mucho sobre él. Por ejemplo, siente mucha culpa en relación a que es el único que sobrevive a todo su grupo de artistas que formaban el Grupo del Sur. Dice por momentos: “¿Por qué yo si ni siquiera era el más talentoso de todos? Porque soy yo el que tiene que vivir muchos más años que el resto”. Y sin embargo, a mí me parecía como que en esas pequeños diálogos, por ejemplo, el que se da con Marina cuando están descansando frente al fuego y esa cosa que incomoda al otro está la finitud del tiempo. Esas cosas para mí me parecieron bellísimas. Originariamente la película iba a tener como otro trazo narrativo, que tenía que ver con una necesidad de Leo de recuperar muchas de las obras que tiene desparramadas por el mundo. Él habla de eso cuando recorre un poco ese bosque de esculturas, que es como un mini museo que está haciendo en su casa con las obras que va recuperando. Él tenía toda una justificación teórica de por qué quería recuperar esos originales y y dejarlos en su casa. Decía que el arte argentino está sobre todo en el exterior, sobre todo la escultura, que como son piezas muy pesadas, es muy difícil que los argentinos tengamos acceso a poder verlas cara a cara, frente a frente, y que las vemos por reproducciones. Entonces, él quería que esas cosas volvieran y que quedaran ahí para para que cualquier argentino que quisiera pasar por su casa y verlas pudiera. Yo sentí que más allá de todas esas explicaciones, también había como un trabajo, una búsqueda de reencuentro con los orígenes de su obra. Algo de esto y que Leo pueda vivir este presente hace que la película sea, para mí, muy muy vital y, en un punto, estimulante.

–En el documental se ve esa vitalidad, que hasta aparece mencionada por Leo cuando se refiere al movimiento que puede tener un mármol labrado o dónde carga la fuerza un brazo en una escultura.

–Creo que tiene que haber ahí algún secreto sobre alguien que desde que se levanta hasta que se acuesta está intentando crear algo nuevo cada día con sus manos, que tiene tan presente también lo amoroso y la entrega a sus alumnos. Y creo que hay algo de eso que debe ayudar a que uno pueda vivir más años en plenitud. No sé, yo recuerdo, lo conocí justamente previo a la pandemia y estuve muy en contacto con ellos, con él, particularmente en esta idea de cómo escribir la película, cómo tratar de pensarla, desde qué lugar contarla. Y para ellos (Leo y Marina) la pandemia era como, en un punto, algo beneficioso porque podían estar todo el día dentro de ese taller sin tener que estar obligados en pensar en compromisos sociales, encuentros. Y el no tener miedo a crear, que todavía los artistas estamos como con tantos preconceptos de la forma, de lo que está bien y lo que está mal de acuerdo a las modas de las épocas.

Leo dice “somos el único animal que hace”. O sea que habla, como dice del Homo faber, pero aparte, los animales también hacen. Sin embargo, nada de lo que hacen los animales es algo nuevo para el mundo. Sí, en cambio lo que hace el hombre. El hombre puede hacer algo que no existía en el universo con sus manos, y eso ya no más es como muy revolucionario.

–¿Qué opinás de los recortes en cultura que afectan a la industria audiovisual, especialmente a quienes se autogestionan?

–Creo que películas como estas van a dejar de existir directamente. Creo que los recortes son muy injustificados porque el cine nacional nos ha dado muchísimos logros en el exterior, reconocimiento, inclusive beneficios para el país en torno a premios y a construcción de la identidad de de nuestro patrimonio audiovisual. Nos ha dado la posibilidad de conocernos mucho más entre nosotros y mostrarnos hacia afuera. Estas historias chiquititas ya no van a tener ningún tipo de financiación para ser contadas. Va a haber un cine, estimo, para un consumo masivo o para los que recién están arrancando y están haciendo sus primeras experiencias cinematográficas, un cine más como el que se pueda llegar a consumir a través de las plataformas que uno sin condicionamientos y con libertad absoluta para poder trabajar. Esta misma película con el condicionamiento de Netflix, por ahí hubiera sido completamente diferente, construida en torno a entrevistas. Es bastante frustrante ver cómo están limitando no sólo el acceso a hacer películas, sino también a que la gente pueda ir a verlas al cine. Prácticamente está completamente paralizada la industria cinematográfica y el BAFICI presentó el estreno de un montón de películas argentinas y seguro que para el año que viene no va a haber películas argentinas. O sí, cosas hechas de un modo muy diferente, con lo cual creo que hay que hacerse, como todo, un replanteo de cómo vamos a seguir.

MM/DTC

Oksana Karpovych nació en Kiev y, aunque pasó 9 de sus 34 años en Montreal, siempre siguió ligada a su Ucrania natal. De hecho, allí filmó su premiado primer largometraje documental, Don't Worry, The Doors Will Open (2019), sobre los pasajeros que viajan a bordo de un tren. Allí se encontraba tres semanas antes de la invasión ordenada por Vladimir Putin en febrero de 2022 y en su ciudad natal estaba también el 2 de enero último, cuando quedó junto a su familia en medio de un nuevo y arrasador ataque ruso sobre la capital.

Karpovych no solo es directora sino que además es una reconocida escritora y fotógrafa. Graduada en Estudios Culturales en la Universidad Nacional de Kiev y en producción de cine en la Universidad Concordia de Montreal, recorrió durante buena parte de 2022 distintos frentes de batalla como productora local y traductora de los corresponsales ingleses de la señal Al Jazeera. Durante esos meses conoció de primera mano lo que ella define sin tapujos como “todos los crímenes de guerra posibles” que cometió el ejército ruso en suelo ucraniano. Esa experiencia y las miles de comunicaciones telefónicas entre los soldados enemigos y sus familiares interceptadas por los servicios secretos ucranianos fueron el germen de Intercepted, impactante documental que la directora está presentando en Buenos Aires dentro de la Competencia Internacional del BAFICI.

“Me pasaba de día trabajando con el equipo de Al Jazeera para transmitir en vivo y por las noches desarrollé el hábito de escuchar las llamadas interceptadas. Ese contraste me causó una absurda disonancia cognitiva. Y ese fue el germen de Intercepted: una yuxtaposición de la realidad de los ucranianos que viven la guerra como sobrevivientes y la de los rusos que la perpetran”, indica.

Intercepted –una extraña mixtura entre una innegable obra de arte con mayúsculos hallazgos estéticos y un ejercicio de propaganda de guerra– es una película flamante, ya que en febrero último tuvo su estreno mundial en la prestigiosa sección Forum de la Berlinale (donde ganó uno de los premios del jurado SIGNIS) y luego solo se vio en el Festival de Hong Kong, desde donde llegó una directora que debe estar batiendo récords de millaje y de jet lag.

Construida exclusivamente con largos planos fijos (algunos tienen movimiento porque la cámara está montada sobre vehículos e incluso sobre tanques), Intercepted expone los efectos de la invasión. No hay vísceras ni sangre, pero el horror se adivina en cada una de sus imágenes (Karpovych trabajó nuevamente con el inglés Christopher Nunn, un talentoso experto en fotografía fija pero que ha ido incursionado también con ella en el cine). Vemos la vuelta a la cotidianeidad tanto de la vida urbana y rural: ciudadanos que limpian las esquirlas de una explosión u observan el crater que ha dejado un misil sobre el asfalto, perros que deambulan en busca de desechos o edificios abandonados con sus departamentos que muestran las huellas todavía visibles de los bombardeos.

Pero tan elocuentes como las imágenes son los extractos de audio que Karpovych eligió sobre un total de 31 horas de grabaciones. “Esas llamadas de los soldados rusos a sus madres, esposas, novias y amigos desde las trincheras están disponibles en sitios de YouTube de los servicios de seguridad de Ucrania, pero en muchos casos no están subtituladas y las terminaron escuchando los propios rusos”, explica la directora. En esas charlas se aprecian las disímiles pero siempre terribles consecuencias psicológicas de una guerra de la dimensión, duración y violencia extrema de esta: hay quienes hablan con un odio desgarrador sobre los “fascistas khokhols” (término despectivo para referirse a los ucranianos), otros se vanaglorian de los abusos cometidos (torturas, vejaciones, matanza de civiles), pero los restantes admiten que simplemente tienen miedo, tristeza, frustración y desesperanza.

Consultada por elDiarioAR sobre por qué decidió filmar solo planos fijos y evitó mostrar cadáveres, Karpovych explicó: “Quería salir de la urgencia, visceralidad y explicitud de los bombardeos u operaciones de combate que se manejan en los noticieros de televisión, donde abundan las imágenes impactantes o gráficas de la muerte. Con el equipo de Al Jazeera documentamos muchos de esos horrores, pero quería que en Intercepted aparecieran otras zonas también importantes de la guerra, no solo la deshumanización y la crueldad que son más que evidentes. Las formas de resiliencia, de resistencia, no son solo las de los soldados que combaten sino también las de los civiles que intentan retomar sus vidas luego de lo que han padecido. La guerra también tiene mucho que ver con el silencio y la espera, y con esta horrible sensación de que el tiempo está suspendido. La película también se construye como un viaje a través de Ucrania, nos movimos de región en región, seguimos de manera cronológica la invasión y la posterior desocupación de las regiones ucranianas por parte del ejército ruso. Hay cierta lógica en ese movimiento”.

Visiblemente emocionada tras la proyección, la charla con el público y el contacto con la prensa acreditada en el BAFICI, Karpovych aseguró que “Intercepted ha sido el desafío más importante de mi vida porque atravesé todo tipo de dificultades tanto íntimas y emocionales como intelectuales y creativas. Mientras la exhibo, la guerra sigue causando estragos y dolor en mi país. Dediqué casi por completo los dos últimos años de mi vida a esta película, que es arte, investigación, denuncia pero además la forma de establecer un diálogo respecto de lo que está pasando no solo en esta guerra sino en muchos otros lugares. Es un film sobre un conflicto que viene de hace varios siglos y se potenció aún más desde 2014, pero que advierte también sobre lo que pueden hacer las fake news, la desinformación, la manipulación desde los medios, desde las redes sociales, desde las élites del poder para generar campañas de odio y resentimiento, y justificar luego los peores crímenes. Quien quiera creer que este es un problema solo de Ucrania debería entender que en buena parte del mundo estamos demasiado cerca de cruzar ciertos límites que hasta hace poco nos parecían imposibles”.

Así, Intercepted ya es con todos sus logros artísticos y su polémica carga política una de las películas más relevantes de 2024. Si se tiene en cuenta que el último premio Oscar a Mejor Documental lo ganó 20 Days in Mariupol, registro de Mstyslav Chernov sobre los primeros días de la invasión rusa y la toma de la ciudad de Mariupol, y que In Ukraine, film de los polacos Piotr Pawlus y Tomasz Wolski también construido solo con planos fijos, fue uno de los títulos más importantes de la cosecha 2023 de no ficción, no es aventurado pronosticar que Intercepted –que recién en junio tendrá su estreno en salas de Ucrania– puede convertirse en uno de los films realmente insoslayables de este año.

Intercepted se puede ver en el marco del BAFICI este lunes 22 de abril, a las 11.50, en El Cultural San Martín (Sarmiento y Paraná).

Esta nota se realizó con la colaboración de ONG Ucrania Resiliente.

DB/DTC

Para algunos y algunas supuso algún tipo de clandestinidad (hacer algo nuevo, prohibido, “de grandes”). Para otros y otras, una iniciación: ir al cine lejos de los adultos, ver por primera vez a personas desnudas, conmoverse sin pudor frente a la pantalla. También estuvieron los que, gracias a la película, llegaron a un tipo de música que hasta ese momento desconocían o quienes encontraron en ella alguna forma de sentir que se rebelaban, que iban en contra de una época expulsiva como la del menemismo.

Con dirección del entonces debutante Marcelo Piñeyro y con Fernán Mirás y Cecilia Dopazo como protagonistas, en 1993 llegó a los cines argentinos Tango feroz, la leyenda de Tanguito. Una película que, en poco tiempo, se convirtió en un récord de audiencia y en un fenómeno que excedía todo eso que pasaba en las salas de cine. Mientras el público iba a verla con fervor, Tango feroz era debatida en la tele (el cineasta y la dupla protagónica llegaron, por ejemplo, a ser invitados de Hora clave, con Mariano Grondona, para hablar de lo que provocaba en la juventud y un televidente señaló que el largometraje bajaba un mensaje subliminal “de corte marxista”), discutida en los diarios (las críticas no fueron del todo favorables), cuestionada por el mundo del rock (¿era la historia del músico Tanguito o una versión libre y ficcional alrededor de un mito?), celebrada por multitudes, que además se hicieron también fans de la banda sonora, uno de los discos más vendidos de la historia local.

Treinta años después de aquellos días de gente que, entre la ñoñería, la convicción juvenil y el gesto naïf subrayaba aquello de “todo no se compra, todo no se vende” y repetía una y otra vez que “el amor es más fuerte”, los realizadores argentinos Denise Urfeig y Mariano Frigerio quisieron pensar de qué estaba hecho ese fenómeno, muy cercano para ellos generacionalmente. Entonces se pusieron a trabajar en Leyenda feroz, un documental que, repleto de testimonios y con una realización impecable, aborda todas las capas de una historia donde confluyen la leyenda, los conflictos y la época.

La dupla, que ya había rescatado otra película muy popular como Esperando la carroza en su documental Carroceros, profundizó el trabajo y en esta ocasión, además de convocar a los protagonistas de Tango feroz –hablan el director, gran parte del elenco, las figuras centrales del equipo de producción, los músicos creadores de los temas tan recordados–, se animaron a buscar el testimonio de personas que no quedaron conformes con el largometraje. Es el caso de algunos músicos como Javier Martínez o Pipo Lernoud y también algunos críticos que en aquel momento tuvieron palabras muy duras para la película, como Eduardo Antín, más conocido como Quintín. 

Profunda, reveladora, con momentos verdaderamente emotivos, Leyenda feroz se planta alrededor de un objeto con honestidad y un trabajo de investigación muy riguroso. Así consigue describir tiempos complejos y, sobre todo, homenajear esa máquina de la memoria colectiva que logran activar algunas películas.

“A nosotros Tango feroz nos pegó como personas, fue una película iniciática. Eso le pasó a muchos de nuestra generación. También fue la primera película que pudimos ver del mundo adulto, con esa cosa prohibida que tenía por los desnudos y la escena famosa de sexo. A la vez está este costado de la historia que tiene mucho que ver con los inicios del rock en el país. Hoy por hoy la información parece estar más a mano. Pero yo me acuerdo mucho de ser adolescente y querer buscar si Tanguito había existido o no, por ejemplo, o si El amor es más fuerte era de él o de otro (risas). Era toda una información que llegaba a cuentagotas después de ver la película y que nos íbamos pasando entre amigos. O que te compartían los que tenían hermanos más grandes o padres más copados que sabían de rock nacional. Y con eso se iba completando la experiencia de la película”, recuerda Frigerio en diálogo con elDiarioAR.

Para Urfeig, haber recorrido la historia de este hito del cine local combina su experiencia personal con la época de aquel estreno. “La fui a ver con mis amigas de la secundaria y me acuerdo que salí enamorada de Tanguito, lo veía como una especie de príncipe azul rockero (risas). Además fue el primer varón desnudo que vi y salí muy enamorada de la historia, más que de la película. Me acuerdo que mi amiga Paula arrancó el póster de la calle y lo colgó en la habitación, y yo la envidiaba muchísimo. Creo que a mí esos elementos fueron los que más me pegaron: poder volver a pensar en esa manera de ir al cine y volver a esa ciudad que ya no existe más. También está lo musical, es verdad que toda una generación conoció varias de las canciones que aparecen a partir de la película. Ese CD de Tango feroz fue un CD que teníamos todos. Y yo creo que incluso hoy debe haber gente que cree que todos los temas eran de Tanguito. Fue la puerta de entrada para muchos al cine y al rock nacional.

–¿Cómo trabajaron la idea de reconstruir lo que pasó desde tantas aristas y a partir de un relato coral y tan diverso?

–Mariano Frigerio: Nuestro norte era hacer una especie de homenaje a Tango feroz, pero incluyendo voces disidentes. Cuando empezamos a investigar sobre la película, más a nivel documental, nos pasaba que encontrábamos historias laterales interesantes. Por ejemplo, yo no sabía todo el conflicto que había con la historia de cómo se compuso La balsa, con Litto Nebbia, Tanguito y los demás. Marcelo Piñeyro y los productores de Tango feroz sí lo sabían, lo tenían muy claro y decidieron seguir adelante igual. A nosotros nos interesaba mostrar eso que les pasa a las películas que tienen alguna referencia con las historias reales. Lo mismo le pasó, por ejemplo, a la película Argentina1985, y está bueno ver eso que lleva a la gente a pensar qué pasó, qué se reconstruyó, cuánto se parece, cuánto no se parece al hecho real. También nos interesaba el otro debate, el de los críticos más cool o más intelectuales, para pensar qué opinaron en su momento y qué opinan hoy de la película, para que no fuera todo tan lineal.

–¿Cómo fue volver a ver la película para hacer el documental? ¿Algo los sorprendió 30 años después?

–Denise Urfeig: A mí me sorprendió que sea tan larga. A la vez no tenía tan presente la parte de la cárcel y de Imanol Arias, por ejemplo, ahí casi que empieza otra película. Pero todo el tiempo, me acordé mucho de mí misma adolescente y pensé en eso, en que es una película muy para adolescentes, muy para esa cosa iniciática. Así que lo que más me provocó fue emoción, porque me acordé de todo lo que me pasaba a los 15 años. También me pegó por el lado de lo que significó la película para el cine argentino, el hito, el antes y el después, eso de que se hizo tipo película hollywoodense. En los noventa los jóvenes no iban al cine a ver películas argentinas en general y con Tango feroz se logró que fueran muchísimos.

–MF: Yo soy más fan de Tango feroz, todavía, la vi cuarenta y cinco mil veces. Me sé las frases, me acuerdo mucho de memoria. También de los detalles, las locaciones. Tango feroz tiene una gran producción detrás. Repasar la película y ver todas las locaciones es muy impactante. Son muchísimas. Algunas quedaron intactas y otras hoy no tienen nada que ver.

–¿Costó conseguir los testimonios de los protagonistas? Suele pasar que ante fenómenos tan populares, las personas se cansen o quieran cambiar de tema.

–MF: Al primero que contactamos es a Marcelo Piñeyro. Y tanto él como el productor estaban muy sorprendidos por la propuesta de hacer un documental sobre su trabajo. Ellos saben del éxito, pero nunca terminan de dimensionar lo que genera Tango feroz en la gente. A los actores les pasa otra cosa y es que la gente por la calle o donde sea les sigue diciendo cosas sobre la película. Y eso les pasa todavía hoy tanto a Fernán Mirás y a Cecilia Dopazo, pero también a muchos de los otros.

–DU: Para los 30 años de la película, que se cumplieron el año pasado, hubo una proyección en el cine Gaumont y quedó gente afuera. Como se ve en nuestro documental, se llenó de personas de varias generaciones, muchos ahora padres o madres que llevaban a sus hijos y salían de la sala llorando. Recién ahí Piñeyro nos dijo que él terminó de entender lo que pasaba con Tango feroz.

–¿Cómo fue abordar a las personas, como Javier Martínez y otros personajes del mundo del rock que conocieron a Tanguito o vivieron aquellos años y no estaban conformes con que se hiciera Tango feroz?

–DU: Obviamente queríamos que estuviera Litto Nebbia, fue por donde empezábamos. Pero de alguna manera sabíamos que no iba a querer hablar. Lo que nosotros no queríamos era un ataque contra él o hacerlo quedar mal. En el mail que mostramos en el documental nos dice que no tiene ganas de hablar de esto y también que podíamos hacer o decir con eso lo que quisiéramos. Quedamos muy conformes con esto. Javier Martínez es otro caso. Él estuvo muy enojado con Tango feroz y todavía sigue. Es curioso que sigan todavía enganchados con la historia de quién compuso La balsa, pero es así: pasaron más de 50 años y hay gente que sigue peleada por ese tema. De todas maneras él estuvo muy dispuesto a hablar y a recibirnos. Lo mismo con Pipo Lernoud, que nos dijo que si a la película “le hubieran puesto ‘la leyenda de Cacho era otra cosa’”. Porque él entiende que es una ficción, pero la bajada dice ‘la leyenda de Tanguito’ y ahí de alguna manera tiene un punto. Después está Ricardo Soulé que quedó como en otro lado, él dice que le encantó que incluyeran su tema, que le parece bárbaro que los jóvenes lo conozcan por la película. Con los críticos fue divertido. 

–MF: Algunos críticos dijeron que Tango feroz no era tan feroz, o que el Tanguito de la película era un tipo medio light (risas).

–¿Cómo piensan que puede circular hoy una película como la de ustedes, que recupera también una forma de hacer cine, en un momento en el que desde el gobierno nacional actual se cuestiona el rol del INCAA y se lo quiere llevar a su mínima expresión? ¿Cómo creen que un espectador puede llegar a leer ese mundo que plantea el documental?

–MF: Por un lado, es muy loco cómo los ‘90 volvieron con todo. Ahora mismo, este año, en este momento. Y Tango feroz es muy de los ‘90. A nivel cultural está pasando que hay una revisión de los ‘90. Hay cosas que pueden ser casualidad, pero otras que no, qué sé yo. Que haya ganado (Javier) Milei, que hayan estrenado hace poquito una serie sobre Guillermo Coppola, que circule un documental sobre la muerte de Carlitos Menem, que dentro de poco se estrene una serie con Sbaraglia haciendo de Menem, todo pasa bastante junto y hay algo ahí. Por otro lado, a nivel del cine de hoy, estamos en una situación muy complicada. El otro día veía que a Paula Hernández, una cineasta zarpada, le quedó en una sola sala para ver El viento que arrasa. Se estrenó hace poquito y la película quedaba solo en un lugar. ¿Qué podemos esperar el resto de los mortales si películas tan importantes o esperadas tienen tan poca ventana de exhibición? Estamos en esa dualidad, me parece. Y el cine argentino, en general, está cada vez más frágil y con menos posibilidades de que la gente se entere y vaya a verlo.

–DU: Encima lugares como el Gaumont que terminan siendo el último espacio y también está tambaleante. A mí también me parece que está bueno mostrar en este momento que una película argentina como Tango feroz tuvo tanto éxito y fue tan importante para tanta gente. Porque está ese discurso repetido ahora de “no ve nadie las películas argentinas” o “gastan plata en bodrios que no le importan a nadie”. Y es mentira. Pasó hace poquito con Argentina 1985, que fue un furor. A la gente le gusta ver películas argentinas y ver a sus actores o sus ciudades. Lo que está pasando ahora con el INCAA, además de ser una aberración por todos lados, está avalado por un discurso mentiroso. Es directamente una mentira. Por otra parte, nadie nos preguntó si queremos o no queremos seguir viendo películas argentinas. Ni hablar que nuestro documental se hizo con subsidio, que Tango feroz en su momento también se hizo con subsidio y que es importante que se sigan haciendo películas. Entonces me parece que está bueno poder mostrar estos fenómenos de hace treinta años y de ahora. Argentina 1985 fue hace poquito, las películas de (Damián) Szifrón son súper taquilleras. A las películas argentinas les suele ir bien.

AL/DTC

El documental Leyenda feroz, de Denise Urfeig y Mariano Frigerio, podrá verse durante el BAFICI. Más información sobre las funciones y los horarios, en este enlace. Además, la película tendrá su estreno comercial el jueves 9 de mayo.

La 25ª edición del Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente (BAFICI) se realizará del miércoles 17 al domingo 28 de abril. La venta anticipada de entradas ($1.500 para el público general y $1.200 para estudiantes y jubilados) comenzó este martes, a las 10 de la mañana, y los cinéfilos ya tienen marcadas las películas insoslayables para adquirir los tickets antes de que se agoten.

Entre los 283 cortos, medios y largometrajes que se proyectarán en la Sala Lugones, El Cultural San Martín (dos salas), el Gaumont (también dos), el Cinépolis Plaza Houssay (cuatro pantallas), el Cine Arte Cacodelphia (tres salas) y el Museo del Cine “Pablo Ducrós Hicken” destacamos en esta guía los siguientes diez.

A Traveler’s Needs (Corea del Sur/2024), de Hong Sangsoo. Reecontrarse cada año con el maestro surcoreano es uno de los grandes placeres cinéfilos del BAFICI y, en este caso, tiene el plus de ser la tercera colaboración con Isabelle Huppert luego de En otro país (2012) y La cámara de Claire (2017). La estrella francesa interpeta a una mujer instalada en Corea que da clases particulares mediante un novedoso método de enseñanza de idiomas. Esta agridulce comedia ganó hace menos de dos meses el Gran Premio del Jurado, segundo en importancia del Festival de Berlín.

L’Empire (Francia/2024), de Bruno Dumont. La nueva película del siempre provocador director de La vida de Jesús, La humanidad, Flandres, Entre la fe y la pasión, Fuera de Satán, Camille Claudel 1915, La bahía y P’tit Quinquin se sitúa nuevamente en Normandia, escenario privilegiado de varias de sus últimas historias. Allí, en un pueblo costero epítome de lo anodino, encontramos a una mujer que celebra poder tomar sol desnuda y un hombre que remolca un barco del mar. Pero, a partir de allí, el realizador francés propone una suerte de parodia de La guerra de las galaxias / Star Wars para revisitar el mito, con un sorprendente uso de los efectos especiales y creando una suerte de multiverso propio. Ganadora del Premio del Jurado en la reciente Berlinale.

Segundo premio (España/2024), de Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez. Con más de tres décadas de trayectoria, Los Planetas es una de las bandas esenciales del rock español. Sin embargo, a fines de los años '90, con la partida de la bajista que los había acompañado desde los inicios y el guitarrista inmerso en una espiral de drogas, autodestrucción y continuas tensiones con el cantante, el grupo se encontraba muy cerca de la disolución. En medio de esa precaria situación, lograron concretar el sueño de grabar en Nueva York su tercer disco, Una semana en el motor de un autobús, que terminaría por consagrarlos. Ese es el período que Isaki Lacuesta (La leyenda del tiempo, Entre dos aguas, Un año, una noche), uno de los mejores directores españoles y siempre muy ligado a la música, eligió para una aproximación ficcional que le valió hace pocos días la Biznaga de Oro a la Mejor Película Española, el premio a Mejor Dirección y el de Mejor Montaje en el Festival de Málaga.

L’Amour fou (Francia/1969), de Jacques Rivette. Dentro de una sección Rescates que incluye desde Adiós Sui Generis, de Bebe Kamin; hasta Después de hora, de Martin Scorsese; pasando por París, Texas, de Wim Wenders, se destaca este clásico que, a pesar de haberse estrenado hace ya 55 años, sigue luciendo estimulante, provocador, moderno y audaz con su propuesta de teatro dentro del cine. La copia restaurada con la supervisión de la directora de fotografía Caroline Champetier que se presentó en el Festival de Cannes 2023, con la presencia en la Sala Debussy de los hoy veteranísimos protagonistas Bulle Ogier y Jean-Pierre Kalfon, es imponente y, así, la proyección de este film de algo más de cuatro horas de duración constituye uno de los hitos cinéfilos de esta edición.

Ospina Cali Colombia (Portugal/2023), de Jorge de Carvalho. Luis Ospina (1949-2019) fue una figura clave del cine colombiano, latinoamericano y mundial. Su infancia, su introducción a la cinefilia, su formación en los Estados Unidos donde conoció el movimiento under de Stan Brakhage, Jonas Mekas y Kenneth Anger, sus trabajos junto a Carlos Mayolo, el surgimiento del mítico Grupo de Cali o Caliwood, que comenzó en 1971 como una comuna hippie, un ámbito para el cine independiente y el cineclubismo, su relación con Andrés Caicedo, su amistad con Raúl Ruiz, su conexión con el grupo de Fassbinder, el fracaso de casi todo su cine de ficción (Pura sangre, incursión en la clase B, se convertiría con el tiempo en película de culto), la euforia de la cocaína y la destrucción de Cali por el narcotráfico que lo llevaron a abandonar la ciudad, su prolífica carrera como documentalista con el advenimiento de las cámaras portátiles de video, su permanente lugar de outsider, su mirada desencantada de la sociedad contemporánea marcada por la posverdad y el auge de las nuevas (ultra)derechas, sus siempre apasionantes análisis, y sus incursiones en el falso documental, desde Agarrando pueblo hasta Un tigre de papel, son solo algunos de los temas que se recorren en los apasionantes 81 minutos de la charla con el portugués Jorge de Carvalho.

Le Procès Goldman (Francia/2023), de Cédric Kahn. El realizador de largometrajes como L'ennui, Roberto Succo, Feux rouges, Les regrets, Une vie meilleure, Vie sauvage, La prière y Fête de famille apuesta por una película de juicio (el 90 por ciento de las casi dos horas está conformado por los testimonios y alegatos dentro de tribunales) con la reconstrucción del caso de Pierre Goldman, un militante e intelectual de extrema izquierda que fue condenado en primera instancia en 1969 a cadena perpetua por el asesinato de dos farmacéuticas, crimen que el imputado aseguró no haber cometido (sí se declaró culpable de varios robos con armas). La sentencia fue apelada y en 1976 se realizó un segundo juicio, que es el que Kahn muestra con absoluto detalle e indudable rigor. ¿Qué resonancias puede tener hoy un juicio a un activista izquierdista? Kahn logra no solo que nos sumerjamos en la apasionante vida de Goldman (de familia judía, largo accionar clandestino en guerrillas de América Latina, autor en la cárcel de un libro sobre sus experiencias y pensamientos que fue un furor editorial y alguien que contó con el apoyo y la presencia en los tribunales de figuras como Simone Signoret y Regis Debray) sino también un cuestionamiento del papel de una policía marcada por el racismo y los excesos (que se pueden apreciar en la actualidad en su extralimitada actitud represiva). Lo más interesante de Le procès Goldman, además de la impecable reconstrucción de las múltiples aristas del proceso, es la forma en que expone la dimensión ética y moral del protagonista y de sus abogados frente a unos fiscales y unos policías que de alguna manera intentaban sostener el status quo de la época. En ese sentido, el film de Kahn se suma a la tendencia reciente del cine francés (desde Saint Omer hasta Anatomía de una caída) a la hora de exponer mediante los detalles de un juicio las contradicciones y miserias tanto individuales como institucionales y sociales.

MMXX (Rumania/2023), de Cristi Puiu. El realizador de La noche del señor Lazarescu (2005), Aurora (2010), Sieranevada: Una reunión de familia (2016) y Malmkrog (2020) rodó un film de casi tres horas de duración con cuatro historias (la última de ellas es extraordinaria) ambientadas en tiempos de la pandemia de COVID-19. La maestría de la puesta en escena y de las actuaciones se advierten sobre todo en planos secuencia que pueden durar hasta 40 minutos.

Godard par Godard (Francia/2023), de Florence Platarets. ¿Hay algo nuevo que decir y/o mostrar a esta altura sobre Jean-Luc Godard? Probablemente, no, pero este documental de apenas una hora escrito por un experto en JLG como Frédéric Bonnaud al menos tiene el mérito de condensar buena parte de los aspectos esenciales y encima reuniendo un material de archivo extraordinario. En efecto, esta suerte de collage audiovisual está construido con entrevistas (cuando JLG las daba), fotos, detrás de escena de los rodajes, pruebas de cámara, participaciones públicas y muchos de sus testimonios que se escuchan en off. Dividido en capítulos ordenados de forma temporal con las distintas facetas de JLG (del rockstar de los '60, al militante, al intelectual/ensayista), de su época con Anna Karina a su etapa ya con Anne-Marie Miéville, Godard para Godard resulta un muy atractivo documental de archivo, en el que se van mechando participaciones de figuras que colaboraron con él o lo conocieron de cerca, como las propias Karina y Miéville, Claude Brasseur, Louis Aragon, Michel Piccoli, Anne Wiazemsky (otra de sus parejas largas), Jacques Dutron, Isabelle Huppert, Serge Toubiana, Serge Daney, Nathalie Baye, Bernardo Bertolucci, Johnny Hallyday y nada menos que François Truffaut. Desde su fascinación por Pickpocket / El carterista, de Robert Bresson, hasta su decisiva participación para detener el Festival de Cannes en medio del Mayo del '68, pasando por sus precisas indicaciones durante las filmaciones, Godard par Godard no será un documental rupturista ni demasiado sorprendente, pero sí valioso y disfrutable.

Comme le feu (Canadá/2024), de Philippe Lesage. Ganadora en febrero último de la sección Generation 14plus de la Berlinale, la nueva película del realizador de Ce cœur qui bat (2010), Laylou (2012), Les démons (2015), Copenhague a Love Story (2016) y Genèse (2018) es un bello y sensible retrato sobre el paso de la adolescencia a la adultez. Sensorial y rigurosa (mayoría de elocuentes planos fijos y una duración de casi tres horas), Comme le feu transmite con tersura, amabilidad, melancolía y con muy pocas palabras cómo los momentos que pueden cambiar una vida a veces llegan de la forma más simple e inesperada posible.

Fuck you! El último show (Argentina/2024), de José Luis García. Notable documentalista y director de fotografía, García vuelve después de una larga ausencia con este registro del en verdad penúltimo concierto de Sumo, el 10 de octubre de 1987 en el Estadio Obras Sanitarias (apenas dos meses y medio antes de la muerte de Luca Prodan el 22 de diciembre de ese año). El director de Cándido López, los campos de batalla y La chica del sur editó casi 37 años después este material inédito sobre la banda del propio Prodan, Ricardo Mollo, Germán Daffunchio, Diego Arnedo, Roberto Pettinato y Alberto “Superman” Troglio que promete generar tantas lágrimas de nostalgia y emoción como adrenalina en la función de clausura. El BAFICI estrenará además un film sobre el también fallecido Palo Pandolfo: Cenizas y diamantes, la película de Don Cornelio y La Zona, de Ricky Piterbarg.

La programación completa del BAFICI 2024 y la venta de entradas está disponible en este link.

DB/DTC

The New Greatness Case, de Anna Shishova, se llevó el Gran Premio del Jurado a la mejor película internacional en la 24ta edición del Bafici, que, si bien entregó los galardones hoy en una ceremonia en El Cultural San Martín, continúa con proyecciones en diversas salas de la ciudad hasta el lunes.

La segunda película de Shishova acompaña el juicio contra la adolescente Anya Pavlikova, acusada de conspiración contra el gobierno en un proceso que se muestra amainado y con pruebas fabricadas por los servicios secretos.

Se trata de un documental militante sin intenciones de imparcialidad y que se adentra en el seno de la familia de Pavlikova para mostrar no sólo las penurias de la joven, sino también cómo la propia familia se desmorona por la tragedia que vive.

The New Greatness Case se proyecta nuevamente mañana a las 11.45 y el domingo a las 16.25 en El Cultural San Martín.

En tanto, el premio a Mejor largometraje fue para And, Towards Happy Alleys, de Sreemoyee Singh (India), y el de Mejor cortometraje fue para Harvey, de Janice Nadeau (Canadá).

Desde hace tres ediciones, las competencias incluyen cortos y largos y para el Gran Premio del Jurado se tienen en cuenta ambos metrajes.

A su vez, Agustín Carbonere ganó Mejor Dirección por El santo (Argentina) y La sudestada, de Daniel Casabé y Edgardo Dieleke (Argentina), tuvo una mención especial. La película de Casabé y Diekele tendrá estreno comercial el 11 de mayo.

En la Competencia Argentina, el Gran Premio del Jurado fue para Terminal Young, de Lucía Seles. Y, como cumpliendo con una tradición insoslayable del Bafici, la productora El Pampero se llevó un premio: el rubro a Mejor Largometraje fue para Clorindo Testa, de Mariano Llinás.

El galardón al Mejor Cortometraje fue para Somos las dos, de Emilia Herbst. El de Mejor Dirección fue para Martín Shanly por Arturo a los 30 y el de Mejor Actuación fue Nicolás Goldschmidt por Boy. En el caso de la Competencia Internacional se lo llevó el elenco entero de Blondi, de Dolores Fonzi.

La calidad de los filmes, en su mayoría, pagó con creces el mote de “festival de cine independiente más importante de América Latina”, con destacadas películas tanto en sus competencias oficiales como en las paralelas. Es cierto que en un comienzo, anunciada la programación, se hizo sentir la falta de grandes nombres en su grilla: tan solo la última película de Paul Schrader y la retrospectiva dedicada a Adolfo Aristarain figuraban como los nombres que podrían convocar a un público por fuera del cinéfilo.

Sin embargo, la falta de directores de peso se suplió con una destacada programación y puntos altos como la húngara Zanox - Risks and Side Effects, de Benő Gábor Baranyi, Una claustrocinefilia, documental italiano de Alessandro Aniballi, el debut de Dolores Fonzi en la dirección con Blondi o la ruso-argentina Nevada, de Matías Musa y Anna Tyurina, en la Sección Vanguardia y Género.

Otros títulos que se destacaron fueron el documental sobre Néstor Varzé, el famoso Dragón Rojo de los Extermeitors, con dirección de Marcelo Charras en El Dragón, en la sección no competitiva que se mete en el mundo de Varzé, un experto en artes marciales y fabricante de armaduras samurai, que vive con su caballo en Avellaneda, al cual manguerea en la vereda mientras toma unos mates.

CRM con información de la agencia Télam

Empecé a ver con mucho entusiasmo El mundo vs. Boris Becker, un documental en dos partes que lanzó por estos días Apple TV+ sobre el tenista alemán (¿otra vez –como acá, acá, ¡y acá!– fascinada con las vidas de las grandes estrellas del tenis mundial? Sí, otra vez). Y aunque no me interesaba detenerme mucho en los episodios puntuales que se relatan ahí –obviamente no faltan escándalos personales, juicios millonarios, estafas, entrenadores ultra villanos, rencillas con rivales– me había anotado algo sobre una especie de rabia solapada que se trasluce cuando hablan algunos deportistas de élite. No está en primer plano, a veces es un gesto, un río subterráneo, una ira contenida con esclusas.

Con eso en la cabeza, me quede con una escena del primero de los capítulos. Becker recorre el estadio de Wimbledon –ahí donde descolló con 17 años y volvió a ganar dos veces más– y pasa por un cartel que los tenistas se cruzan antes de ingresar a la pista central que dice lo siguiente: “If you can meet with Triumph and Disaster and treat those two impostors just the same” (“Si puedes encontrarte con el Triunfo y el Desastre y tratar a esos dos impostores de la misma manera”, en la traducción del catedrático español Manuel Fonseca). Son versos del escritor inglés Rudyard Kipling que pertenecen al poema If, escrito en 1895. Una especie de lección vital y paternalista, la enumeración de consejos para un hijo, una oda al estoicismo que es apenas un pedacito. Porque la pared se queda ahí, en el condicional, tal vez por falta de espacio o tal vez porque pretenda invitar a los jugadores a completarla como quieran en ese tiempo de preparación, pocos minutos antes de algún partido.

El poema sigue nombrando cosas, que, si se llevan adelante con firmeza, aseguran una recompensa. Cierra, un poco solemne, así: “Si puedes llenar el implacable minuto/con sesenta segundos de diligente labor/Tuya es la Tierra y todo lo que hay en ella/y —lo que es más—: ¡serás un Hombre, hijo mío!”.

En eso estaba, anotando, buscando, intentando escribir, en mi propia gatera mucho menos pomposa, más ñoña, íntima. Hasta que un río subterráneo (otro) me sacó un poco de la cancha. Primero un temblor, después el frío más pregnante y ahora sí, creo que es fiebre.

Así que ni triunfo ni desastre para mí esta vez, que esos impostores se las arreglen como puedan. Tampoco el premio, ni la épica, ni la Tierra, tal vez apenas unas horas de reposo horizontal.

De ustedes es esta nueva e incompleta edición de Mil lianas y todo lo que hay en ella.

1. La paciencia del agua sobre cada piedra, de Alejandra Kamiya. “Toda la oscuridad del mundo cabe en una habitación pequeña. Porque la oscuridad no deja intersticios como dudas. No distingue entre rincones o espacios abiertos, no hay para esa boca nada demasiado ínfimo ni demasiado grande. Es de lo que no tiene medida, como Dios o el miedo”, se lee en las primeras líneas de La paciencia del agua sobre cada piedra (Eterna Cadencia, 2023) el reciente libro de cuentos de la escritora argentina Alejandra Kamiya.

Como un avance, como una muestra pequeña de todo eso que vendrá después y no siempre es ostensible al primer vistazo, los cuentos de Alejandra Kamiya exploran distintos tipos de oscuridades. A veces con la pérdida y el duelo en primer plano, a veces con eso que apenas se puede mencionar intentando salir a la superficie, la escritora, una de las más interesantes y sutiles de la literatura argentina contemporánea, busca en las hendiduras, tal como ocurría en sus libros de cuentos anteriores, Los árboles caídos también son el bosque (2015) y El sol mueve la sombra de las cosas quietas (2019) publicados por Editorial Bajo la Luna.

Por estos días tuve el gusto de entrevistar a la autora. Si tienen ganas de conocer un poco más sobre la trastienda de su escritura y meterse en su universo que es bien particular, les dejo por acá la nota.

La paciencia del agua sobre cada piedra, de Alejandra Kamiya, salió por Eterna Cadencia Editora. En este enlace, una entrevista con la autora.

2. Documentales gratis y online. Cambio climático, violencias, soberanía alimentaria y urbanismo son algunos de los ejes que cruzan una interesantísima selección de documentales sobre derechos humanos, entre cortos y largos, que se pueden ver de manera gratuita desde la Argentina en la plataforma Lumiton. Durante todo abril se propone “un ciclo curado para un público con conciencia de futuro” con producciones provenientes, entre otros países, de Dinamarca, Brasil, Corea del Sur, Reino Unido y Francia e historias que reflejan problemáticas en Colombia, Myanmar, Camboya, entre otros.

Justamente sobre este último país, entre lo que pude chusmear en la programación me interesó especialmente el documental Last Night I Saw You Smiling, de Kavich Neang. El largometraje tiene como protagonista a una emblemática construcción camboyana: el Edificio Blanco de Phnom Penh, que desde 1963 fue testigo de numerosos acontecimientos, desde la Edad de Oro de Camboya, hasta el colapso posterior, una suerte de renacimiento cultural y un emprendimiento comercial que causó su desaparición. Neang, nacido en 1987, es uno de los cientos de desalojados del edificio que, en esas circunstancias extremas, decide tomar su cámara y mostrar todo lo que pasa.

Usina Lumiton es un museo emplazado en la localidad bonaerense de Munro y también “un espacio de reflexión, intercambio, formación, aprendizaje, imaginación y producción de nuevos hechos artísticos”. Entre otras cosas, ofrece distintos materiales para ver online y todas sus actividades son gratuitas.

Más información del ciclo de películas sobre derechos humanos para ver online y gratis durante todo abril, por acá.

3. Fortuna, de Hernán Díaz. ¿De qué está hecha la riqueza? ¿Y las historias que intentan contarla? ¿De qué está hecha la Historia en mayúsculas? ¿Y las voces que la componen? En esa tensión, en eso que parece esbozarse y a la vez siempre ofrece una capa más, se planta la colosal y última novela de Hernán Díaz. El libro, escrito en inglés porque su autor nació en Argentina pero está radicado en los Estados Unidos hace más de dos décadas, salió en 2022, se llamó Trust (Riverhead Books, 2022) y se convirtió en una de las publicaciones más elogiadas por medios de todo el mundo. Ahora, traducido como Fortuna (Anagrama, 2023), llega al público hispanoparlante.

Entre lo más interesante de una narración tan magistralmente armonizada y llena de pliegues, está la forma que el autor encontró para narrar la historia. Es que Fortuna en realidad no es una novela única sino que la integran cuatro libros. El universo que aparece en ellos, tejido a partir de descripciones filosas y al mismo tiempo con un pulso atrapante, es el de los años ‘20 y los ‘30. Nueva York y en especial Wall Street: esas veredas del dinero fresco, de los personajes que se hacen millonarios en segundos, de la especulación, del lujo, de las reuniones sociales, de la envidia de los ricos de otras épocas.

Si quieren saber un poco más del autor y de su publicación, por acá armé unos apuntes que reúnen algo de información que el propio escritor brindó con lo que se comentó del libro en distintos medios internacionales. Algo más, por si quieren agendar: Hernán Díaz es uno de los escritores invitados a la próxima edición de la Feria del Libro. Va a presentar su novela junto a Graciela Speranza el 28 de abril a las 19 en la sala Alejandra Pizarnik y también participará de una conversación con Malena Rey el 24 de abril, a las 19, en la biblioteca del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba).

Fortuna, de Hernán Díaz, salió por Anagrama. Más sobre el libro y el autor, por acá.

Banda sonora. Lo adelantamos la semana pasada: por estos días en Buenos Aires tiene lugar el BAFICI y, como sucede cada año, hay varias secciones y ciclos del festival con la música como protagonista. En Artes y Oficios se presenta un documental que llamó mi atención de entrada por los personajes y la época que retrata. Se llama Scab Vendor, la dirigen Mariana Thome y Lucas Barros y tiene como protagonista a Jonathan Shaw, un hombre que revolucionó el mundo de los tatuajes en los ‘80 en Nueva York y se convirtió en una especie de leyenda de ese tipo de arte. Hijo de dos mitos de Hollywood y con una vida turbulenta, por sus manos pasaron varios músicos, como los integrantes de The Cure, The Velvet Underground, The Pogues, The Ramones y Sepultura. Pero también criminales, modelos, policías y artistas diversos como Johnny Depp, Iggy Pop y Jim Jarmusch (sobre estos dos últimos, ya que estamos, por estos días Mubi subió a su plataforma la incandescente Coffee and Cigarettes, una de mis películas favoritas de este director y de siempre).

Scab Vendor cuenta la curiosa vida del tatuador a partir de su relato, a partir de los testimonios de quienes lo conocieron y también con animaciones y dibujos súper atractivos. Si pueden pescarla, no se la pierdan, por acá están los horarios, y tanto Shaw como los realizadores participarán de algunas actividades durante el festival. Como una suerte de precalentamiento, agregué a nuestra lista compartida canciones de varios de los clientes y amigos del tatuador de los famosos.

Con Canadá siempre en el corazón, como dijimos por acá, estuve escuchando bastante el nuevo disco de la cantautora indie Feist. Se llama Multitudes y salió hace unos días. Elegí algunas canciones, las sumo también.

Por último, Él Mató a un Policía Motorizado –banda siempre cercana a esta casa virtual– presentó el single Diamante roto, el tercer adelanto del próximo disco de la banda, que llegará en mayo. Para acortar la espera, se agrega también a esta banda sonora.

Bonus track. Algo sobre una iniciativa que me pareció hermosa cuando la leí en esta nota (y tal vez, para quien tenga la posibilidad de viajar, un recordatorio para poner en el calendario). Se cumplen 40 años de la salida de Clics modernos de Charly García, uno de los discos más importantes de la historia del rock argentino.

Gracias a la idea de Mariano Cabrera, un actor argentino radicado en los Estados Unidos, en noviembre tanto el disco como el músico serán homenajeados en Nueva York, donde se realizó la producción de Clics modernos y donde Charly se tomó la emblemática foto con la inscripción Modern Clix estampada en una pared. Así, en la esquina de las calles Walker y Cortland Alley de esa ciudad, quedará instalada una placa que la designará de ahora en adelante como la Charly García Corner.

Bonus track II. Me encantó este texto de Alexandra Kohan y Nicolás Freibrun sobre la literatura, la pretensión extendida de quienes aspiran a ser escritores antes que a escribir y también sobre cierta tendencia entre los libros que se están publicando en la actualidad. Los invito a leer con atención, como Isabelle Huppert en la imagen que elegí para este cierre.

¡Hasta la próxima!

AL

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Con las competencias habituales que suelen incluir lo más vibrante del cine mundial, con más de 60 invitados internacionales, con el regreso a los cines del centro porteño además de la modalidad virtual y una programación que contará con 250 películas de las más diversas procedencias, desde este 19 de abril volvió el Festival de Cine Independiente de Buenos Aires, más conocido como el BAFICI.

El Festival arrancó este miércoles y se extenderá hasta el lunes 1° de mayo. El largometraje elegido para la noche de apertura fue Último recurso del realizador argentino Matías Szulanski. También se exhibió el cortometraje Continuum - La playa, de la cineasta tucumana Mariana Bomba.

La película elegida para el cierre, en tanto, será Soy una buena persona, del español Norberto Ramos del Val.

Como es habitual, el festival contará una vez más con las tres competencias oficiales del (Internacional, Argentina, Vanguardia y Género) y no faltarán homenajes y retrospectivas. Entre otras, habrá un repaso por la carrera del realizador indio Rajat Kapoor, que viajará hasta Buenos Aires y exhibirá siete películas. También habrá retrospectivas del francés Clément Cogitore, y del español Ramos del Val, elegido para la clausura del encuentro, del que se podrán ver cinco comedias.

Cine argentino y premieres

El BAFICI, además de una selección de lo más destacado del trabajo de realizadores internacionales, suele ser una gran vidriera para el cine argentino. En esta oportunidad, la programación incluye el debut como directora de la actriz argentina Dolores Fonzi, que mostrará su largometraje Blondi en la Competencia Internacional; el trabajo del realizador Mariano Llinás (con su película Clorindo Testa) y Conversaciones sobre el odio, de Vera Fogwill con Diego Martínez. Estas dos últimas y esperadas películas participarán de la Competencia Argentina.

Entre las novedades mundiales, se proyectarán  las nuevas películas del coreano Hong Sang-Soo (En agua), el estadounidense Paul Schrader (El maestro jardinero) y el filipino Lav Díaz (Cuando no hay más olas).

BAFICI materializa en la edición 2023 su mudanza a las salas ubicadas en el centro porteño, que comenzó de a poco durante 2022, con proyecciones en El Cultural San Martín, el Cine Multiplex Monumental Lavalle; el Lorca, Gaumont, el auditorio de la Alianza Francesa, la sala Leopoldo Lugones, el Cosmos, Arthaus, Museo del Cine, Centro Cultural 25 de Mayo, y proyecciones especiales en el Anfiteatro Eva Perón del Parque Centenario y en un autocine armado especialmente en Costanera Sur.

Entre las novedades, para la edición 2023 el Festival suma un día a su esquema habitual, –el 1° de mayo– en el que se podrá ver online gran parte de la programación, con una selección de distintas secciones del evento.

“El Bafici siempre es un festival que se parece a sí mismo y a la vez cambia todos los años, creo que la particularidad de esta edición es que se trata de un festival de mucha novedad y mucha exploración”, definió el director artístico de la muestra, Javier Porta Fouz, en diálogo con la agencia Télam hacia finales de marzo, cuando se anunció la nueva edición del BAFICI.

“El cine -agregó- es mucho más amplio de lo que uno ve en la cartelera comercial pero también de lo que uno está habituado a ver en los festivales y nosotros este año nos proponemos ir más allá, con cosas como una retrospectiva en Buenos Aires de un cineasta indio que viene al país y trae siete películas o un documental de manuales de enseñanza en Japón en la competencia internacional”.

Las entradas para todas las funciones tendrán un valor de 300 pesos (200 para jubilados y estudiantes) y se podrán comprar online o en salas a partir del 11 de abril, día en el que se revelará la grilla definitiva del encuentro.

En total están programados 250 materiales, entre largos y cortometrajes, de los cuales la mitad son premieres mundiales o fuera de sus países de origen y muchos se podrán ver online a través de la plataforma Vivamos Cultura, mientras que en salas se llevarán a cabo 450 funciones.

Secciones y homenajes

Tal como anunció su director artístico, en la edición 2023 del festival no faltarán algunas de las secciones temáticas clásicas del BAFICI.

En la sección Artes y Oficios, por ejemplo, se podrá ver el documental Llamen a Joe, sobre Joe Stefanolo, el abogado del rock argentino, dirigida por Hernán Siseles. También estará Scab Vendor, una película sobre Jonathan Shaw, el tatuador de celebridades que revolucionó el mundo de los creaciones en los años 80 en Nueva York, con dirección de los brasileños Mariana Thome y Lucas Barros.

La sección Música tendrá dos premieres esperadas: Canción sobre canción, documental sobre el proceso de grabación del disco homónimo de Liliana Herrero y Horacio González sobre las canciones de Fito Páez, de Fernardo Arca; y Tequila. Sexo, drogas y rock & roll, un documental sobre la legendaria banda de rock argentino-española Tequila liderada por Ariel Rot, con narración de la actriz Cecilia Roth, hermana del guitarrista argentino.

Además se proyectarán Miucha, la voz de la bossa nova, de Liliane Mutti y Daniel Zarvosy; Nightclubbing: The Birth of Punk Rock in NYC, sobre el famoso club nocturno York Max’s Kansas City, del realizador Danny Garcia.

También volverán al BAFICI las muy concurridas funciones trasnoche de la sección Late Night y en la sección Pasiones se podrá ver Daniel Pennac: Ho visto Maradona, historia de la investigación creativa y surrealista del conocido escritor francés Daniel Pennac sobre el mito de Diego Maradona, a través del nacimiento y la puesta en escena de un espectáculo en Nápoles.

Entre grandes figuras del cine argentino, en esta ocasión serán homenajeados Rafael Filippelli, realizador y docente cinematográfico fallecido este año, la escritora y música María Elena Walsh y Beatriz Guido, emblemática escritora y guionista de películas, como las del reconocido Leopoldo Torre Nilsson. Para ello, en colaboración con el Centro Cultural San Martín, se instalará una muestra en su recuerdo.

Otro de los infaltables de cada edición que también vuelve es BAFICITO, la sección exclusiva para el público infantil. 

Además, tal como anunciaron los organizadores, este año entre las actividades especiales habrá shows musicales, mesas debate, lecturas de guiones, funciones exclusivas para escuelas y el Programa Arte en Barrios, presentaciones de libros, charlas presenciales y online y clases magistrales de invitados internacionales.

El Festival Internacional de Cine Independiente de Buenos Aires (BAFICI) se lleva a cabo entre el 19 de abril y el 1° de mayo. A partir del 11 de abril se pondrán a la venta las entradas. Toda la programación se puede consultar aquí.

AL con información de agencias

La argentina Clementina, ópera prima de Agustín Mendilaharzu y Constanza Feldman, obtuvo el Gran Premio y Mejor Largometraje de la Competencia Oficial Internacional de la edición 23 del Bafici, que comenzó el 19 de abril y culmina este domingo con algunas proyecciones más en sala y cintas que todavía se pueden ver a través de Vivamos Cultura.

La cinta galardonada, que también se llevó el Premio del Público, rescata acontecimientos de la vida real y los transforma en una dulce comedia encantada, ficcionalizando avatares surgidos en la pandemia y en la vida de los directores, pareja en la realidad.

Mendilaharzu debuta como director, pero tiene una larga trayectoria como director de fotografía y teatrista y es uno de los miembros fundadores y cabeza decisoria de Pampero Cine, mientras que Feldman es actriz y bailarina.

En tanto, la realizadora catalana Neus Ballús ganó en el rubro Mejor Dirección por la muy buena cruda visión sobre las migraciones de su filme Sis dies corrent.

Carrero, opera prima de Fiona Lena Brown y Germán Basso, sobre la cruda realidad, hecha ficción, que explora la dura situación de las barriadas del conurbano, se llevó el premio Estímulo al Cine Argentino,

También en la Competencia Internacional pero en el apartado de cortometrajes, se impuso la argentina Ida, de Ignacio Ragone.

En cuanto a la Competencia Argentina Amancay, de Máximo Ciambella, ganó en Mejor Película, mientras que La edad media, de Alejo Moguillansky y Luciana Acuña -otra producción de Pampero Cine-, ganó en Mejor Largometraje, y El nacimiento de una mano, de Lucila Podestá, como Mejor Cortometraje.

Comenzada el miércoles 20 con la proyección del documental-ensayo A vendredi Robinson, de la iraní Mitra Farahani, la Competencia Internacional mostró una poco frecuente, pero finalmente efectiva, inclinación por el humor negro y plagado de ironía, lo que consiguió el efecto -perseguido o no- de presentar en cartel películas para un público menos cinéfilo que el que suele concurrir al Bafici.

Uno de los puntos altos de la principal sección del festival fue la argentina El Sistema KEOPS, en el regreso de Nicolás Goldbart a la dirección tras 12 años, con una historia de amigos, observados y perseguidos por una logia secreta y macabra, que deciden resolver todo a las trompadas.

“Como un Bud Spencer y Terrence Hill mala onda”, dijo Goldbart a la agencia Télam a propósito de la premiere.

En el mismo tren de sacar sonrisas, pero desde diferentes ángulos, se proyectaron la absurda y delirante L'Etat et Moi, del alemán Max Linz; La Croisade, culebrón francés de Louis Garrel que falla al final, pero no por eso pierde la gracia, y la más que atractiva El pa(de)ciente, de la chilena Constanza Fernández, que logra congeniar en un anciano médico los conflictos sociales, sanitarios, familiares y hasta éticos de la sociedad actual.

Un punto alto, sin embargo, llegó desde Alemania con Le prince, de Lisa Bierwirth, que muestra el choque de culturas, prejuicios y anhelos en la piel de una pareja conformada por una alemana y un congoleño.

Pero como en todo festival, lo atractivo no solo pasó por las competencias, sino que suele haber joyas o cintas llamativas en las secciones paralelas.

Este fue el caso de El fotógrafo y el cartero: el crimen de Cabezas, documental de Alejandro Hartman sobre el asesinato del fotoperiodista, que tuvo su premier mundial en Noches Especiales y que se verá a partir del 19 de mayo en Netflix.

A su vez, Eami, tercer largometraje de la destacada realizadora paraguaya Paz Encina que ganó en Mejor Dirección en la sección Vanguardia y Género, indaga aspectos relacionados a la tierra, los modos de vivir en el mundo, el avance irrefrenable de la explotación agrícola y la extensión de las fronteras productivas, las maneras que asume la vida en el monte paraguayo y las culturas que lo pueblan y son expulsadas del mismo.

Entre las obras de cineastas consagrados, estuvo presente la última producción del infaltable e infatigable Hong Sangsoo (The Novelist's Film), la francesa Claire Denis (Avec amour et acharnement), el estadounidense Paul Schrader (The Affairs of Lidia), el italiano Marco Bellocchio (Marx può aspettare) y Alain Guiraudie con Viens je t'emmène, que será la película de clausura de la muestra.

El nacional Santiago Mitre, en tanto, abrió el festival con Pequeña flor, junto al muy buen cortometraje Ahora ya sé dónde encontrarte, de Diego Berakha.

Este año, el Bafici presentó 290 películas repartidas en las diferentes secciones -de las cuales 223 filmes se pudieron ver online- con más de 450 funciones y alrededor de 60 actividades especiales en 15 sedes, con los principales puntos del festival ubicados en el centro de la ciudad, el espacio tradicional de la cinefilia porteña.

Algunas de las producciones continuarán en Vivamos Cultura por unos días más, de una edición que estuvo dedicada prácticamente al prócer viviente del cine argentino Manuel Antín.

CRM con información de la agencia Télam

Con 290 películas repartidas en las diferentes secciones y salas porteñas, (223 de ellas se podrán ver también online), con más de 450 funciones anunciadas y cerca de 60 actividades especiales en 15 sedes, con los principales puntos del festival ubicados en el centro de la ciudad, el Festival Internacional de Cine Independiente de Buenos Aires (BAFICI) regresó con varias novedades.

Luego de años de varias restricciones por la pandemia y proyecciones únicamente online, la edición 23 del festival, que se extenderá hasta el 1 de mayo, cuenta con la presentación de películas en varias salas de cine porteñas, con el eje puesto en la avenida Corrientes. 

En esta oportunidad, tanto para la exhibición de películas como para algunas actividades del evento, las salas elegidas son el Cine Lorca, el Cine Cosmos, el Cine Gaumont, el Multiplex Monumental Lavalle, la Alianza Francesa y la Sala Leopoldo Lugones.

Además, está previsto un circuito periférico comprendido por el Museo del Cine, la Usina del Arte, el Centro Cultural 25 de Mayo, el Anfiteatro del Parque Centenario, los Espacios Arte en Barrios y el Buenos Aires Museo, donde ya comenzaron las proyecciones y diversas actividades.

Con la posibilidad de recibir visitantes del exterior, en esta ocasión una de las figuras destacadas, que participará de varias actividades, será el cineasta canadiense Bruce LaBruce, un personaje muy cercano al evento porteño (en 2005 el festival proyectó su película The Raspberry Reich y en 2011, L.A Zombie). Este año llegará su película The Affairs of Lidia, que tendrá su premiere mundial en el cine Multiplex Monumental, ubicado en el centro porteño.

Selección internacional y destacados nacionales

Hasta el 1 de mayo el  festival ofrece películas de grandes directoras y directores independientes internacionales muy apreciados por el público local, como el surcoreano Hong Sang-soo, la francesa Claire Denis, el estadounidense Paul Schrader y los italianos Nani Moretti y Marco Bellocchio, entre otros.

Entre las películas argentinas destacadas se encuentra Pequeña flor de Santiago Mitre, basada en un libro del escritor argentino Iosi Havilio, con Daniel Hendler como protagonista. El largometraje fue el elegido para la apertura del gran encuentro cinéfilo y tendrá varias proyecciones.

Según detalló la agencia Télam, Pequeña flor “es un pensado aparato cinéfilo –nada más adecuado para la tradición del Bafici–, con un protagonista (Daniel Hendler) desenfocado por su propia historia, pero sobre todo por el lugar en donde le toca vivir, una ciudad de provincias en el denominado Macizo Central francés, con una hija recién nacida, una esposa (Vimala Pons) tan desorientada como él y, claro, un sofisticado y odioso vecino (Melvil Poupaud), el centro gravitacional de una historia que se repite como la ya mítica Día de la marmota pero en clave gore –con una sucesión de muertes que tienen una sola víctima–, tan absurda como fantástica y coherente con el universo que plantea la película”.

La edición 23 del Bafici vuelve de alguna manera a sus orígenes y cuenta con tres competencias: la internacional, la argentina y la llamada Vanguardia y Género. Las otras secciones temáticas son Artes y Oficios, Familias, Hacerse Grande, Lugares, Música, Nocturna, Pasiones, Películas sobre películas, Romances y Trayectorias.

Como en las entregas anteriores, en esta ocasión hay charlas presenciales y online con invitados internacionales y nacionales, el lanzamiento de cuatro libros y proyecciones aniversario, como un homenaje que se hará por los 25 años de la legendaria Happy Together, de Wong Kar-wai, que fue rodada en Argentina.

Entre las actividades previstas para las llamadas Noches Especiales se presentarán cuatro títulos argentinos inéditos que tendrán su premiere mundial en el Bafici: BJ: La vida y locuras de Bosco y Jojo, de Sergio Bonacci Lapalma; El fotógrafo y el cartero: El crimen de Cabezas, de Alejandro Hartmann; Que todo se detenga, de Juan Baldana; y Telma, el cine y el soldado, de Brenda Taubin.

En cuanto a los focos, es decir, la selección de varias producciones destacadas de una misma figura, en esta edición están dedicados a Pascale Bodet, directora, actriz y crítica francesa; Genadzi Buto, director, animador, artista y diseñador de Bielorrusia; y David Fisher, documentalista y gestor cultural israelí.

Entre los homenajes programados para ese año, están las proyecciones de La cifra impar, ópera prima de Manuel Antín, quien participó de la apertura del Bafici y fue ovacionado por el público; La aventura y El desierto rojo, dos clásicos de Michelangelo Antonioni, y Tras la pantalla, un retrato documental sobre el histórico distribuidor cinematográfico argentino Pascual Condito, fallecido recientemente.

Clases magistrales

El evento cuenta este año con una serie de clases magistrales, que en esta oportunidad tendrán lugar a partir del sábado 23 de abril en la sala B del Centro Cultural San Martín (Sarmiento y Paraná, CABA).

Según se anunció oficialmente, el compositor chileno Jorge Arriagada disertará sobre música y cine el sábado 23 a las 16.30; la directora tunecina Pascale Bodet se presentará el lunes 25 a las 16.30 para contar “qué es gracioso y qué no” a partir de las películas de Laurel & Hardy, y de sus propias historias.

El martes 26, a partir de las 19, tendrá lugar una de las clases magistrales más esperadas, la del canadiense Bruce LaBruce, que hablará de su provocadora filmografía. 

Por su parte, el documentalista israelí David Fisher lo hará el miércoles 27 a las 16.30 para contar detalles de su próximo largometraje.

La programación completa del Bafici, los links para comprar o reservar entradas para actividades gratuitas y el catálogo se encuentran disponibles en este link.

MA, con información de agencias

ABC Bafici es un programa disponible en la plataforma Vivamos Cultura, orientado a la formación de cineastas; las charlas abarcan distintas instancias del proceso, desde la preproducción, el rodaje y la postproducción. Las clases están disponibles durante dos semanas y todos los jueves se emite una nueva. Actualmente, se pueden ver las de Camila José Donoso, Peter Bogdanovich, Penelope Spheeris y Bruni Burres.

Transficciones: El cine como modo de vida 

Es una clase magistral de Camila José Donoso, directora  y guionista chilena de los films Naomi Campbel (2013), Casa Roshell (2017) y Nona, si me mojan, yo los quemo (2019), además del cortometraje El camino gris (2008). Sus films, marcados por la experimentación estética, tratan temas de actualidad y fueron estrenados en festivales europeos, como el de Rotterdam, Cinéma Du Réel y Berlinale. En la charla, la cineasta habla sobre sus métodos de creación y su cuestionamiento hacia las formas dominantes del cine. 

La clase se puede ver acá.

Peter Bogdanovich: El maestro y sus maestros

Es un director, actor, productor y crítico de cine estadounidense conocido por películas como The Thing Called Love (1993), Mask (1985) y She’s Funny That Way (2014). Como actor, participó del film The Other Side of the Wind (2018), de Orson Welles, y en la serie Los Sopranos, de HBO. Representante del Nuevo Hollywood, el cineasta además es historiador de cine y autor de varios libros. Su clase magistral está centrada en la etapa de rodaje de las películas y en cómo resolver los problemas que pueden surgir.

La charla se puede ver acá.

Bruni Burres: Cine de lo real y derechos humanos

Burres es una productora, educadora y mentora de proyectos estadounidense con más de veinticinco años de experiencia. Trabaja como consultora senior en el Programa de Documentales del Instituto Sundance y es tutora de programas como Ambulante, Close-Up y Chiledoc. Fue directora del Festival de Cine Human Rights Watch entre 1991 y 2008. Además, produjo el documental La Toma (2011), sobre la toma del palacio de Justicia en Colombia en 1985, y fue co-guionista y productora de Allende, mi abuelo Allende (2015), de Marcia Tambutti Allende, entre otras películas. El tema de la clase son los cruces entre arte, cultura y derechos humanos en el cine.

La charla está disponible acá. 

Penelope Spheeris: La punk-rocker

Nacida en Nueva Orleans en 1945, Spheeris es una directora, guionista y productora conocida como la “antropóloga del rock” o la “chica rebelde”. Dirigió la saga The Decline of Western Civilization (1981), El mundo según Wayne (1992), Black Sheep (1996), y produjo películas de Albert Brooks. Su filmografía va desde documentales hasta películas de ficción que abordan temas vinculados a la escena punk-rock de Estados Unidos.

La charla está disponible acá.

MGF

El Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires habilitó el registro para postularse en la 23° edición del Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente (BAFICI). Se puede hacer desde el pasado jueves 14 de octubre y hay tiempo hasta el 13 de enero del 2022.

Los artistas que quieran participar deberán completar un formulario online con datos sobre la película y la persona que posee los derechos, además de enviar la producción a través de un link para ver online o un link de descarga. En el primer caso, recomiendan usar la plataforma Vimeo y resguardar el film con una clave.

Se pueden proponer largometrajes o cortometrajes. Los mismos pueden ser de ficción, documentales o películas internacionales; y pueden ser nacionales o internacionales. En las condiciones de selección aclaran que priorizarán los estrenos regionales y descartarán las películas argentinas que ya hayan tenido un estreno o pre-estreno previo en el país, salvo alguna excepción definida por los organizadores.

Para participar de la selección, además de completar el formulario, solicitan una copia o link de la película hablada o subtitulada en español o inglés. Dentro de los comentarios o detalles anexos, debe figurar el título del film, el nombre del director, duración, subtitulado (si tuviese) y una dirección de contacto. También es necesario aclarar si se trata del corte final, un primer armado o un trabajo en proceso.

Hay secciones no competitivas y competitivas. En el caso de estas últimas, se otorgarán los siguientes premios: Mejor Actuación, Mejor Dirección, Mejor Cortometraje, Mejor Largometraje y Gran Premio del Jurado. El ganador de ese trofeo recibirá un total de $200.000 y el ganador del premio a Mejor Dirección de la Competencia Argentina recibirá un total de $100.000.

Los resultados de las películas que fueron seleccionadas para participar del BAFICI estarán a fines de marzo del 2022. El festival se realizará entre el 30 de marzo y el 10 de abril. 

MGF