Una mezcla de mujer y niña. Alguien que vestía vestidos cortísimos y a quien, en algunos de los cortometrajes que protagonizaba, se le llegaba a ver la ropa interior. Un personaje perverso, cuyos films, casi un siglo después, ganarían con facilidad el premio a la acumulación de incorrecciones políticas. Con sus grandes ojos de nena ribeteados por un abundante maquillaje de adulta, ella tarareaba, como para sí, unas pocas sílabas, “boop-boop-a-boop”. Imitaba, en su aspecto y en ese murmullo musical con voz aguda –de niña-mujer– a una estrella, Helen Kane, que acabó haciéndole juicio a sus creadores, el productor Max Fleischer y el dibujante Grim Natwick. Ella, Betty Boop, vestida de exploradora, era capturada por una tribu de antropófagos africanos, mientras la cara de otro negro, en este caso nacido en losEstados Unidos y llamado Louis Armstrong, corría tras sus posibles salvadores, Bimbo y Koko el clown, y cantaba desde el cielo, un blues: “Seré feliz cuando mueras”.

Betty Boop con Louis Armstrong, 1932

Helen Kane, la verdadera Betty Boop

La escena era terrorífica. El film era de 1932 y no fue la única vez en que ese género triste –la asociación entre la palabra blue y el color azul con la melancolía venía del romanticismo inglés– tuvo connotaciones ligadas al horror, lo diabólico o lo sobrenatural. En 1936, Robert Johnson grabó por primera vez “Cross Road Blues” (Blues del cruce de caminos) y aunque la letra nada decía al respecto todos supieron que allí, en esa encrucijada, era donde Johnson le había entregado al diablo su alma a cambio del talento. La canción se convirtió en un clásico de la cultura afro norteamericana y fue resucitada por el trío inglés Cream, como apertura del segundo disco del álbum Wheels of Fire –grabado en vivo–, en 1968. El guitarrista del grupo, Eric Clapton, volvió a tocar el tema infinidad de veces y otro trío, los canadienses Rush, revisitaron la versión de Cream en el disco Feedback, de 2004.

La película Sinners, nominada a 16 premios en la última edición de los Oscars –un récord–, ganó, finalmente, sólo cuatro, entre ellos a mejor banda sonora. Dirigida, escrita y producida por Ryan Coogler y protagonizada por Michael B. Jordan –que personifica a dos hermanos gemelos y ganó otro de los Oscars del año– es, entre muchas otras cosas, un film de terror. Transita, sin embargo, por cuanto género existe –y ese es uno de sus atractivos– aunque tiene un ancla: el blues. Los hay antiguos y nuevos; se mezclan con el gospel, con el rap y con otros géneros folklóricos del sur profundo de Norteamérica. Pero alcanzan para situar el mundo en el Mississippi de 1932 –el mismo año en que Armstrong aterrorizaba a Betty Boop– y, sobre todo, al blues como uno de los ingredientes fundamentales de la relación entre los seres humanos y el mal absoluto –una relación que ha sido abundantemente explorada por Stephen King–.

La música de Sinners incluye aquello que fue compuesto especialmente por Ludwig Göransson y lo que fue interpretado por artistas extraordinarios como Rhiannon Giddens y Justin Robinson (fundadores del grupo Carolina Chocolate Drops), una larga lista de grandes guitarristas, entre ellos Buddy Guy, Eric Gales y Christone “Kingfish” Ingram, más un ícono del Rhythm & Blues como Raphael Saadiq, la cantante Brittany Howard, de los Alabama Shakes, el autor y cantantebritánico James Blake, Jerry Cantrell, de Alice in Chains, y Lars Ulrich de Metallica.

Otra de las músicas originales nominadas al Oscar fue la que Jonny Greenwood creó para One Battle After Another, el film de Paul Thomas Anderson que ganó los premios a mejor película, mejor director y mejor actor secundario entre otros. La adaptación de la novela Vineland, de Thomas Pynchon, que los tiempos de Trump volvieron costumbrista, establece con la obra de Greenwood una clase de relación totalmente distinta que la habitual no sólo en Hollywood sino en casi toda la historia del cine. La música no ambienta –salvo en contadas ocasiones– sino que dibuja otra voz narrativa, uniendo escenas o fragmentándolas. El uso de una guitarra desafinada, del ostinato del piano o de las cuerdas y un tránsito fluido entre lo tonal y lo atonal –algo frecuente, no obstante, en los trabajos para el cine de quien fue socio fundador de Radiohead y del trío Smile– remite, eventualmente, a Muriel, de Alain Resnais, un film ejemplar –y por momentos incomodísimo– que puede verse en Mubi y en que la música, creada por el compositor Hans Wener Henze, corre con el mismo riesgo estético que el guion y la imagen.

Estrenada en 1963, Muriel, una película en que la música no puede no ser notada, fue festejada ampliamente por la revista Cahiers du Cinema, que ya había anticipado el estreno con dos artículos en el número de agosto de ese año –la relación entre esa publicación y la nueva ola del cine francés puede disfrutarse en la exquisita Nouvelle Vague, dirigida por Richard Linklater–. La extensa crítica asegura que no se trata sólo del film más bello de Resnais sino del único. “Los otros, si se quiere –dice–, son sólo bocetos, borradores, apuntes, anuncios”. Allí se hace un pormenorizado análisis de los aspectos simbólicos, de la relación del director y sus personajes con la memoria y con lo no dicho, del peso de la guerra de Argelia, de las imágenes y de las actuaciones. Como suele suceder, la música no se menciona ni una sola vez.

DF/MF

La ceremonia de los Premios Oscar 2026 dejó un claro protagonista. La película “Una batalla tras otra”, dirigida por Paul Thomas Anderson, se convirtió en la gran vencedora de la noche al conquistar seis estatuillas y consolidarse como uno de los títulos más destacados del cine reciente.

El film llegó a la gala con 13 nominaciones, una cifra que solo han alcanzado algunas de las producciones más emblemáticas de la historia de Hollywood. Finalmente, logró imponerse en varias de las categorías más importantes, entre ellas mejor película y mejor dirección.

El éxito de la obra ha despertado el interés de muchos espectadores que ahora se preguntan dónde ver “Una batalla tras otra”, la película que ha dominado los Oscar 2026 y que ha sido reconocida tanto por la crítica como por la Academia de Hollywood.

“Una batalla tras otra”, la gran triunfadora de los Oscar 2026

Las previsiones previas a la gala se cumplieron. “Una batalla tras otra” partía como una de las grandes favoritas de la temporada cinematográfica y terminó confirmando su dominio en la ceremonia.

La película se llevó un total de seis premios Oscar de las trece categorías en las que estaba nominada. Los galardones obtenidos fueron:

El reconocimiento al reparto también fue especialmente destacado. El film cuenta con un elenco encabezado por Leonardo DiCaprio y con la participación de actores reconocidos como Sean Penn y Benicio del Toro, además de nuevas figuras como Teyana Taylor y Chase Infiniti.

Con sus 13 nominaciones, la película se sitúa en un grupo muy selecto dentro de la historia de los Oscar, junto a producciones que alcanzaron esa misma cifra.

Dónde ver “Una batalla tras otra”

Para quienes quieran descubrir la película que ha conquistado los Oscar 2026, el filme está disponible en plataformas digitales. “Una batalla tras otra” puede verse desde el 19 de diciembre de 2025 en el catálogo de HBO Max.

Además, los usuarios que dispongan del paquete Movistar Plus+ Ficción Total también pueden acceder a esta plataforma y ver la película.

De qué trata la película de Paul Thomas Anderson

“Una batalla tras otra” es considerada la película más política de Paul Thomas Anderson. El director examina la evolución de Estados Unidos durante las últimas décadas y presenta un relato que conecta pasado y presente.

El filme está inspirado en la novela Vineland (1990) de Thomas Pynchon, autor al que Anderson ya había adaptado anteriormente en Vicio propio.

La historia recorre un amplio arco temporal de aproximadamente quince años, desde los primeros indicios de la crisis de la globalización durante la era Obama hasta un panorama marcado por el segundo triunfo de Donald Trump.

En ese contexto se abordan fenómenos como la xenofobia, los movimientos ambientalistas y las tensiones raciales, dibujando un escenario político y social complejo.

Los protagonistas de la historia

En el primer acto de la película aparecen dos militantes de una organización clandestina llamada French’75.

Su primera misión consiste en liberar a un grupo de migrantes detenidos en un campo militar situado en la frontera con México.

Los protagonistas son Perfidia Beverly Hills (Teyana Taylor), una mujer negra de fuerte temperamento y con un marcado linaje revolucionario, y Bob (Leonardo DiCaprio), especialista en explosivos y compañero en las operaciones.

La dinámica entre ambos combina tensión política, acción y un vínculo emocional que se alimenta del riesgo y la adrenalina de sus misiones.

Durante una de esas operaciones aparece el sargento Steven J. Lockjaw, interpretado por Sean Penn, vigilante del campo militar que se convierte en un personaje clave dentro de la trama.

Un salto temporal que cambia el rumbo de la historia

Quince años después de aquellas acciones revolucionarias, la vida de los protagonistas ha cambiado de forma radical.

Bob y la hija que tuvo con Perfidia viven exiliados en un pueblo de California. El personaje interpretado por DiCaprio pasa el tiempo entre la marihuana y largas tardes viendo la película La batalla de Argel.

Mientras tanto, su hija Willa (Chase Infiniti) atraviesa la adolescencia bajo la tutela del sensei mexicano Sergio St. Carlos, interpretado por Benicio del Toro.

Sin embargo, el pasado vuelve a aparecer cuando el sargento Lockjaw decide ir en su busca.

La película también destaca por su ambición técnica y narrativa. Se trata del proyecto más caro de la filmografía de Anderson y cuenta con una de las bandas sonoras más destacadas de su carrera.

El filme incluye además escenas rodadas en VistaVision, como una persecución final en carreteras onduladas que ha sido especialmente celebrada. Con esta producción, Paul Thomas Anderson reivindica un tipo de cine adulto y comprometido que durante décadas fue característico de Hollywood. La propuesta recuerda una etapa en la que la industria combinaba prestigio artístico y éxito comercial, apostando por historias complejas y dirigidas a un público exigente.

Con seis premios en los Oscar 2026, “Una batalla tras otra” se consolida como una de las películas más relevantes del año y una de las obras más ambiciosas de su director.

Este domingo se ha celebrado en Los Ángeles la gala de los Oscar 2026, en la que la española Sirat de Oliver Laxe optaba a dos galardones pero no ha logrado hacerse con ninguno. El gran triunfador de la noche ha sido Paul Thomas Anderson, que ha visto cómo su película Una batalla tras otra se hacía con seis galardones, incluyendo la estatuilla a la mejor película.

Ganadores de los Oscars 2026:

Mejor película

Mejor actor protagonista

Mejor actriz protagonista

Mejor dirección

Mejor actor secundario

Mejor actriz secundaria

Mejor película internacional

Mejor película de animación

Mejor película documental

Mejor montaje

Mejor dirección de fotografía

Mejor guion adaptado

Mejor guion

Mejor maquillaje y peluquería

Mejor canción original

Mejor banda sonora

Mejor diseño de vestuario

Mejor sonido

Mejor diseño de producción

Mejores efectos visuales

Mejor corto de animación

Mejor corto de ficción

Mejor corto documental

Mejor Fotografía

Mejor casting

Parecía una broma de mal gusto que hasta ahora Paul Thomas Anderson no tuviera un Oscar. Ninguno. Ni a mejor guion, ni como director… nada. El genio detrás de varias de las mejores películas de las últimas tres décadas como Magnolia, Pozos de ambición o El hilo invisible tuvo que esperar a su décima película para lograr que la Academia de Hollywood se rinda ante él. Eso sí, lo hizo a lo grande, coronando Una batalla tras otra con seis premios Oscar, entre ellos los más importantes: Mejor película, Mejor dirección, Mejor guion adaptado (por ser una libérrima adaptación del Vineland de Thomas Pynchon), además de Actor de reparto para Sean Penn (que se llevó su tercer Oscar pero no fue a recogerlo), montaje y casting, premio que se entregaba por primera vez este año.

No podía ser de otra forma, Una batalla tras otra es la mejor película del año. O, al menos, la mejor hecha en Hollywood. El Oscar para el filme es, además, una declaración de intenciones en el momento actual de la industria de cine en EE.UU. y del país en general. Primero, por ser un filme arriesgado, caro, que no depende de una franquicia conocida y que produjo un estudio de los de toda la vida (Warner) dando la libertad creativa y financiera a un director tan personal pero, a priori, poco taquillero como Paul Thomas Anderson. Encima, en un momento en el que Warner será comprada dentro de poco por Paramount y el futuro de filmes como este queda pendiendo de un hilo.

Segundo, porque en la América de Trump, Una batalla tras otra era una de las películas que se atrevía a mostrar sus heridas y las formas de confrontarlas. La película de PTA habla de las revoluciones fallidas y de cómo el amor y el cariño es la forma de transmitir el activismo como legado de padres a hijos. A pesar de ser alérgico a los discursos políticos, en esta ocasión asomó algo de colmillo cuando contó que escribió este filme para sus hijos, “para pedirles perdón por el desastre que hemos dejado en este mundo que les estamos entregando, pero también con la esperanza de que ellos sean la generación que, ojalá, nos devuelva el sentido común y la decencia”.

Los pecadores puso emoción hasta el final, ya que fue sumando estatuillas como guion original, Mejor banda sonora para Ludwig Goransson —el tercero tras los logrados por Black Panther y Oppenheimer–, fotografía (premio histórico al ser Autumn Durald Arkapaw la primera mujer en lograrlo en 98 años) y, sobre todo, hizo pensar en que podía dar la sorpresa cuando Michael B. Jordan ganaba al favorito Timothee Chalamet como Mejor actor, un premio que fue recibido en la sala de prensa del Dolby Theatre con un estruendoso aplauso. Un estupendo botín para una de las películas más queridas en EE.UU. este año. Si sorprendente fue el de Mejor actor, cero sorpresas hubo en el de Mejor actriz, que fue para la desgarradora interpretación de Jessie Buckley en Hamnet, la adaptación del libro de Maggie O'Farrell. La película de Chalamet, Marty Supreme, fue de lejos la gran derrotada de la noche. El filme de Josh Safdie no pudo convertir en premio ninguna de sus nueve candidaturas.

La de Mejor película internacional fue para la noruega Valor sentimental, un premio entregado por un Javier Bardem que volvió a demostrar su compromiso político diciendo desde el escenario: “No a la guerra, Palestina libre”.

Oscar para los fenómenos populares

El primer premio de la noche no fue para ninguna de las dos favoritas. Amy Madigan ganó el premio a la Mejor actriz de reparto por el personaje más icónico de la temporada, la Tía Gladys de Weapons, otro éxito de Warner este año. Era una de las categorías más abiertas de la noche, pero tras ver el brillante comienzo de Conan O’Brien parece hasta lógico. El presentador se coló en las películas nominadas caracterizado como Gladys y, poco después, Madigan fue coronada con el Oscar por ese personaje. Madigan, que protagonizó hace décadas un momento emblemático de la historia de los Oscar cuando no aplaudió ni se levantó a aplaudir a Elia Kazan —que delató a sus compañeros comunistas durante el Macartismo—, tiene ahora otro para el recuerdo.

Sin duda, los Oscar este año se rindieron a los fenómenos populares, y así lo acreditan también los dos previsibles Oscar a Las guerreras K-Pop, la película más vista de la historia de Netflix, que ganó el de Mejor película de animación y el de Mejor canción para la hiper cantada y tarareada Golden. Netflix, por cierto, se llevó uno de los mejores dardos de Conan O’Brien, que le dijo que Ted Sarandos, el mandamás de la plataforma allí presente, era la primera vez que pisaba un cine en su vida. Incluso se podría entender así los tres premios técnicos que se llevó el Frankenstein de Guillermo del Toro (vestuario, maquillaje y peluquería y diseño de producción) y todo un éxito en Netflix.

Y, como si fueran los Goya del año pasado, hubo un 'ex aequo', aunque no fue en Mejor película, sino en la de Mejor corto de ficción, pero provocó un momento de sorpresa muy bien resuelto por el presentador, Kumail Nanjiani, que aclaró que no era una broma y que leería primero un nombre, y tras agradecer el premio, el segundo. Así, The Singers y Two People Exchanging Saliva recogieron su Oscar en un momento que no se daba desde 2012, tal como aclararon rápidamente los documentalistas de la Academia de Hollywood en la sala de prensa.

Conan O'Brien triunfa en una gala brillante

Aunque no estuviera nominado a nada, quien salió triunfante de su difícil papel fue Conan O'Brien, que repitió como maestro de ceremonias y lo clavó desde el primer momento, con ese gag vestido de Tía Gladys, hasta su última aparición. Entre medias un primer monólogo cargado de dardos a Netflix y hasta al príncipe Andrés. “No hay británicos nominados en la categoría de mejor actor o mejor actriz. El portavoz de los británicos ha dicho, 'bueno, por lo menos hemos arrasado en el sector de la pedofilia'”, dijo el presentador ante la risa y el asombro del público del Dolby.

Hubo gags muy divertidos sobre ver cine en el móvil, clásicos reactualizados, y una aparición de Jimmy Kimmel, que subió al escenario tras un año en el que su programa fue cancelado por sus críticas a Trump y finalmente recuperado por las críticas del sector y el público. Kimmel no se domesticó en su discurso: “Como saben, hay países cuyos líderes no aceptan la libertad de expresion, pero no nos permiten decir cuáles. Llamémosles Corea del Norte y CBS”. Minutos después, cuando presentó el premio al mejor documental dijo, refiriéndose al presidente de EEUU, que se iba a enfadar cuando viera que el documental de su esposa no estaba ni siquiera nominado.

No todo fue tan brillante. Se esperaba más de la reunión de las protagonistas de La boda de mi mejor amiga, y la actuación de Golden dejó mucho que desear. No así la actuación de la canción nominada de Los pecadores, puro riesgo en el escenario. Pero, sobre todo, emocionó la forma en la que afrontaron el 'in memoriam' en un año donde las muertes han sacudido Hollywood. Los homenajes a Rob Reiner (por parte de Billy Crystal y junto a actrices como Meg Ryan y otras de sus películas), Diane Keaton y, sobre todo, el que hizo Barbra Streisand a Robert Redford cantando The way we were sacaron las lágrimas a más de uno. Eso sí, las alusiones políticas volvieron a ser escasas. Más allá de Bardem, los ganadores del Oscar al Mejor documental por Mr. Nobody against Putin y algún dardo de los presentadores, Hollywood volvió a demostrar que el miedo sigue reinando a la hora de dar discursos.

No es agradable acercarse a la muerte. Aunque es mucho lo que se escribió, cantado o rodado sobre ella, el mero hecho de imaginar qué hay más allá suele provocar una reacción evitativa: mirarla pone de manifiesto que el tiempo no es ilimitado y que el control que tenemos sobre el mismo es escaso. Cuando Andrea Gibson, una de las voces principales de la poesía hablada, recibió un diagnóstico de cáncer incurable, todo lo que creía conocer sobre el mundo cambió por completo. Su lucha ante la enfermedad también se convirtió en una carrera constante frente a un reloj cuyas agujas empezaron a girar hacia atrás.

Quizás porque somos más felices tratando de no pensar que el tiempo se agota, la experiencia de quien de pronto percibe que hay una cuenta regresiva imposible de frenar se vuelve todavía más compleja. Esa cuenta atrás revolotea de manera constante por Come See Me in the Good Light, un documental que retrata cómo Andrea Gibson afrontó la última etapa de su vida antes de fallecer el pasado 14 de julio a los 49 años. Siendo una de las figuras más reconocidas del slam estadounidense, la cinta dirigida por Ryan White sigue a Gibson tanto en sus sesiones de composición como en sus tratamientos hospitalarios para reivindicar que darnos cuenta de que somos mortales puede hacernos despertar.

Pero Andrea Gibson no gestionó la enfermedad en soledad. Su esposa, Megan Falley, igualmente poeta, fue un apoyo esencial y estuvo a su lado en todo momento. “A Andrea le dan un diagnóstico que mucha gente consideraría una tragedia, y es una tragedia, pero Andrea se negó a considerar el cáncer como una batalla”, contó Falley a elDiario.es. “No quería que nadie dijera que había perdido la batalla contra el cáncer. Decía que, si moría, ese día sería una ganadora. Después de haberla visto pasar por algo tan difícil con tanta alegría, y tras haberla perdido, es un modelo a seguir para mí, para vivir con el baile y la risa con la que vivía Andrea, y así lo hago”, agrega.

El filme nació gracias a su amiga Steph Wilson, una de las productoras, quien pasó mucho tiempo con Gibson y Falley, siendo así testigo de la transformación de ambas tras el peligro del diagnóstico y de la magnificación de la historia de amor que proyecta el documental. Aunque la visión de Gibson estaba muy afectada por la quimioterapia que estaba recibiendo, dificultándola escribir, adoraba crear arte de forma pasiva, simplemente viviendo, y la cinta captura la chispa de quien se dedica a esta disciplina con la conciencia de que el tiempo se está acabando. “Poder estar en la cama, en el hospital o jugando con nuestros perros, y saber que alguien convertiría eso en cine, en algo que ayudaría a la gente, era muy atractivo para Andrea”, señaló Megan Falley.

La resistencia de Gibson tras los resultados médicos invita a reflexionar sobre cuán fácil es encontrar la felicidad cuando sabemos que no tenemos todo el tiempo del mundo para encontrarla. “Cuando te enfrentas tan íntimamente a tu mortalidad o a la mortalidad de alguien a quien amas, es como si el velo de todo lo que no importa se desvaneciera. Las críticas, las culpas, los juicios, la ansiedad y todo lo que no es amor”, explicó Falley. “Llegamos a aceptar que, cuando morimos, no podemos llevarnos nada: ni nuestra identidad, ni nuestras creencias, ni nuestra ropa, ni nuestros coches, ni nuestros trofeos ni nada de eso. Pero tenemos este tiempo, y lo mejor de este tiempo es que nos permite amarnos los unos a los otros”, indicó la artista.

Las personas con dinero tenemos más acceso a mejores médicos y mejores medicamentos, pero es una pena que la curación tenga un precio

Megan Falley — Escritora

Entrelazando algunos de los poemas de Andrea Gibson con episodios menos esperanzadores en los que sobrellevó los tratamientos, Come See Me in the Good Light logró que esté más cerca de alcanzarse su propósito, que consistía en que las personas no necesitaran tener una enfermedad tan grave para darse cuenta de la belleza de la vida. Que no fuese necesario que alguien te diga que te queda un tiempo limitado de vida para apreciar aquello que te rodea. “Andrea diría: 'No estás a las puertas de la muerte, pero estás cerca. No hablo de mi cáncer para que todo el mundo sepa que soy mortal, hablo de ello para que todo el mundo se dé cuenta de que es mortal'”, subrayó Megan Falley, “y la película está ayudando a que la muerte sea más accesible y a que la gente pueda hablar de algo que nos pasa a todos”.

Además, la cinta refleja la importancia de la seguridad social en España, pues el nivel económico continúa siendo clave en países como EE.UU. a la hora de someterse a tratamientos por enfermedades. De hecho, en una parte del filme, Andrea Gibson hace alusión a las “facturas médicas carísimas” que está recibiendo. “Curarse es un privilegio para los ricos”, afirmó tajantemente Falley, sosteniendo que “el seguro médico y el sistema sanitario en EE.UU. son absolutamente ridículos, una locura y horribles”. “Pero los ricos también mueren de cáncer. Está claro que las personas con dinero tenemos más acceso a mejores médicos y mejores medicamentos, pero es una pena que la curación tenga un precio”, advirtió.

Asimismo, Gibson, que es de género no binario, relató en el largometraje su experiencia como persona queer que impulsó su convicción en utilizar el arte para que otra gente pueda sentirse identificada o menos sola. Una de las reflexiones que plasmó en sus poemas es que muchas personas queer, a diferencia de las personas heterosexuales, no se llevan mal con sus ex porque perdieron a tanta familia que, cuando encuentran a personas a las que sienten como tal, hacen lo que sea por no perderlas. Aun así, Falley indicó que le gusta que el documental no sea una “película política en sentido estricto”: “No hay mucho dogma intencionado ni enseñanza, ni siquiera las formas tradicionales en que se ve el activismo o la educación”.

“Esta es solo una historia de amor entre dos personas y el cáncer, y eso nos afecta a todos, sin importar nuestra raza, nuestra sexualidad, nuestro género, nuestra situación económica o el lugar del mundo en el que estemos”, contó Megan Falley, enfatizando que algo así “nos conmueve a todos”. La artista comentó que “gran parte de nuestro odio, nuestra intolerancia y nuestra fobia hacia los demás proviene simplemente de no conocerlos”, y Come See Me in the Good Light ayuda a combatirlo. Andrea Gibson dio una nota al director recalcando que no quería que hubiera villanos en la película, ni siquiera el cáncer. No quería ver nada a través del prisma de que hubiera un villano.

La cinta parte como favorita en los premios Oscar de este domingo en la categoría de Mejor Película Documental. “Estoy muy emocionada porque he notado que mucha más gente está viendo la película solo porque tiene ese sello de aprobación”, admitió Falley. “Cuanta más gente la vea, más gente se verá ayudada por Andrea. Y eso era lo que siempre quiso, ayudar a los demás”, argumentó, concluyendo que “la gente tiene miedo a ser olvidada” y ella se siente “muy agradecida” por la decisión de hacer este documental, pues “hará que Andrea no sea olvidada durante esta vida ni durante la vida de las generaciones venideras”.

Este jueves por la mañana se anunciaron finalmente las nominaciones para la edición número 98 de los Premios Oscar, y todas las miradas argentinas estuvieron puestas en una película. Belén, de y con Dolores Fonzi, que figuraba entre las 15 preseleccionadas para competir en el rubro de Mejor Película Internacional.

Cerca de las 10.45 hora argentina, la transmisión oficial conducida por Lewis Pullman y Danielle Brooks dio a conocer los cinco títulos que participarán en la ceremonia que se realizará el 15 de marzo. Los seleccionados fueron The Secret Agent (Brasil), It Was Just an Accident (Francia), Sentimental Value (Noruega), Sirāt (España) y The Voice of Hind Rajab (Túnez).

Ahora, la carrera internacional de Belén mira a los Premios Goya, donde competirá a mejor película iberoamericana con La misteriosa mirada del flamenco, de Diego Céspedes (Chile); La piel del agua, de Patricia Velásquez (Costa Rica); Manas, de Marianna Brennand (Brasil) y Un poeta, de Simón Mesa Soto (Colombia). La ceremonia será el 28 de febrero y buscará agrandar sus vitrinas, que cuentan con el Premio Forqué de los productores españoles a la mejor película iberoamericana y por la Concha de Plata del Festival de San Sebastián a la mejor interpretación de reparto, que se llevó Camila Plaate.

Oscar 2026: lista completa de nominados de la gala más prestigiosa del cine

La 98.ª edición de los Premios Oscar celebrará las mejores películas estrenadas en 2025, en una ceremonia prevista para el 15 de marzo de 2026. El evento tendrá lugar en el Dolby Theatre de Hollywood, en Los Ángeles, California, y será transmitido en vivo para Estados Unidos por el canal ABC.

La gala contará nuevamente con la conducción del comediante Conan O’Brien, quien asumirá el rol de anfitrión por segundo año consecutivo. Raj Kapoor y Katy Mullan se encargarán de la producción de esta edición.

La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas confirmó que la entrega incluirá 24 categorías, abarcando desde las interpretaciones más aclamadas hasta los rubros técnicos clave de la industria.

Lista de nominados a los Oscar 2026

Mejor Película

Mejor Dirección

Mejor Actor Protagonista

Mejor Actriz Protagonista

Mejor Actor de Reparto

Mejor Actriz de Reparto

Mejor Guion Adaptado

Mejor Guion Original

Mejor Cortometraje Animado

Mejor Diseño de Vestuario

Mejor Dirección de Casting

Mejor Cortometraje de Ficción

Mejor Maquillaje y Peinado

Mejor Banda Sonora Original

Mejor Película Animada

Mejor Fotografía

Mejor Largometraje Documental

Mejor Cortometraje Documental

Mejor Montaje

Mejor Película Internacional

Mejor Canción Original

Mejor Diseño de Producción

Mejor Sonido

Mejores Efectos Visuales

Esta es la lista completa de nominaciones a los Premios Oscar 2025 de la Academia de Hollywood. Emilia Pérez ha acapatado 13 nominaciones, seguida de 'The brutalist' y 'Wicked' con 10. La sorpresa la da la brasileña 'I'm still here', que opta a Mejor película, Mejor película internacional y Mejor actriz protagonista.

Nominaciones a los Oscars 2025: listado completo

Mejor película

Mejor actor protagonista

Mejor actriz protagonista

Mejor dirección

Mejor actor secundario

Mejor película internacional

Mejor película de animación

Mejor película documental

Mejor montaje

Mejor dirección de fotografía

Mejor música

Mejor guion adaptado

Mejor guion

Mejor actriz secundaria

Mejor maquillaje y peluquería

Mejor canción original

Mejor diseño de vestuario

Mejor sonido

Mejor diseño de producción

Mejor efectos visuales

Mejor corto de animación

Mejor corto de ficción

Mejor corto documental

Uno. El año pasado entrevisté a Horacio Convertini por la salida de su libro La exactitud del dolor (dicho sea de paso, por estos días se anunció que es finalista en la Semana Negra de Gijón por el Dashiell Hammett a la mejor novela de género negro en español: va desde aquí un aplauso). Hablando de esa novela y en general de los comentarios que nos hacen a quienes escribimos, Horacio usó una expresión que a mí me encantó y que por supuesto ya le robé varias veces. Se refirió a los “elogios envenenados”. En especial cuando alguien te dice que lo que escribiste es “urgente y necesario”, dos adjetivos recurrentes entre los utilizados para la literatura negra o policial y dicho sea de paso, también, para algunos trabajos periodísticos. Se supone que todos esos rubros deberían “decir” algo o ser espejo de lo que supuestamente ocurre en un país o en una sociedad determinada. Voy a citar a Convertini: “Algo que es urgente y necesario tiene una fecha de caducidad. O sea, funciona en este momento y frente a esta necesidad puntual, pero dentro de cinco años no funciona más. Con lo ‘urgente y necesario’ aparece también la idea de que tenés que hablar de lo que está pasando, es decir, tenés que asimilar tu agenda literaria a la agenda periodística. Una cosa absolutamente pesada, decimonónica, clerical, inquisidora. Una forma de pensar que termina haciendo del trabajo intelectual, cultural, literario, o como le quieras llamar, un minué que debe ser bailado de una determinada manera”.

Dos. ¿Por qué evito, entonces, decir que El misterio de los mutilados, la flamante novela juvenil de Convertini, es un libro “urgente y necesario”? Primero, claro, porque no quiero caer en el elogio envenenado que el libro no merece ni necesita. Tampoco en unas categorías que lo atarían a parámetros a los que el propio libro pareciera escaparle. La urgencia siempre está fechada y supone una premura, un punto de llegada, un tic tac medio demencial, una suerte de objetivo o misión fruto del apuro. Ocurre que en la literatura de Convertini y en este libro particular –en el que por supuesto no faltan el vértigo o las peripecias–, lo que sobresale es una manera muy singular de la pausa. Una forma desbocada, sí, pero pausada al fin, un modo de reparar en los escenarios que elige, en los protagonistas de las historias y, sobre todo, me atrevo a decir, en los fantasmas de las épocas que decide narrar. Convertini es como un desvelado, alguien que puede crear mundos imaginarios y horrorosos desde la quietud de su cama una noche particularmente difícil. El misterio de los mutilados, de hecho, arranca con la descripción de una pesadilla. 

Tres. El misterio de los mutilados tiene en el centro al empleado de una empresa que vende prótesis ortopédicas, Giménez, a quien no le queda otra que aceptar un pedido que le hace su jefe. Los terrores privados y los generales de los años ‘90 se pueden contar de muchas maneras. Convertini decide ubicarlos en un escenario bien aterrador: el mundo del trabajo y el riesgo de perderlo. Pero lejos de la denuncia, lo que se destaca aquí y en otros libros de este autor es justamente la precisión para conectar lo vivo –incluso lo insoportablemente vivo– con aquello que va desapareciendo pero no se termina de ir. Lo que quiere seguir existiendo en cinchada con lo que aterra de noche, lo no muerto, el fantasma. 

Cuatro. Esta vez entran en acción, con escenas muy graciosas y también pavorosas, un pueblo lleno de gente que por razones que no revelaré es amputada y una fábrica porteña que provee prótesis. Mutilados, desencantados, policías, médicos y políticos sospechosos, falsas alemanas que venden comida en la ruta, hombres y mujeres honestos (pocos), una pareja de hoteleros que sueña un destino distinto para su hijo, chicos que juegan al fútbol (un elemento que nunca falta en la obra de Convertini). A todo esto se enfrenta un hombre que, con todos sus terrores encima, hace lo posible por apostar a eso que llamamos vida y amor. Alguien que hacia el final dice, y cito: “Bienvenida la zozobra de lo extraordinario” y “yo, finalmente, convertido en una irregularidad”.

Cinco. No hay necesidad ni urgencia en los libros de Horacio Convertini. Como en la literatura más vital e inquietante, hay irrupción, hay desvelo, hay ganas de seguir intentándolo pese a cualquier escenario de pesadilla.

Esta semana leí una versión de este texto en la presentación del libro El misterio de los mutilados (Sudamericana Joven, 2025) de Horacio Convertini. Pueden ver la charla posterior con el autor y conocer más sobre este libro sorprendente por acá.

Ahora sí, empieza una nueva edición de Mil lianas. También hay más de un desvelo.

1. Día cero. Con un elenco que salva a puro talento algunas –tal vez demasiadas– digresiones del guión, esta miniserie protagonizada por un deslumbrante Robert De Niro recrea los días posteriores a un devastador ataque cibernético que causa caos en los Estados Unidos y pone al país en llamas. Denominado “Día cero”, ese misterioso episodio, que deja miles de muertos y un montón de inquietudes alrededor de la seguridad de la ciudadanía, deberá ser investigado por una comisión encabezada por George Mullen, el personaje que encarna De Niro.

Mullen es un ex presidente bastante respetado que lleva una aparente vida tranquila en una mansión alejada de cualquier ruido. Sin embargo, por una serie de vericuetos, la propia presidenta le terminará encargando la misión de buscar a los responsables detrás del Día Cero y él, pese a estar prácticamente retirado, acepta el desafío.

Como todo buen thriller político, en Día cero hay desenfreno, una sociedad primero asustada y luego dividida, intereses cruzados, intrigas palaciegas, conspiranoia, miserias humanas, personajes surgidos de las redes sociales que alientan el caos y la desinformación, conflictos internacionales y algún secreto del propio Mullen que es preferible no revelar.    

Escrita y producida por Eric Newman (también creador de Narcos) y Noah Oppenheim (ex productor televisivo del clásico de la NBC Today Show y gran trayectoria en medios informativos), Día cero resulta entretenida y también perturbadora. Del elenco también forman parte Angela Bassett, Lizzy Caplan, Jesse Plemons, Joan Allen, Connie Britton, Matthew Modine, Dan Stevens, Bill Camp, Gaby Hoffmann y Clark Gregg. 

La miniserie Día cero está disponible en Netflix.

2. Oscar 2025. El domingo 2 de marzo tendrá lugar una nueva entrega de los Premios Oscar. A veces controversiales, a veces un cachito tediosas, a veces simpáticas y últimamente con pocas sorpresas, las ceremonias suelen ser de todos modos materia de conversación y debate. Esta vez el conductor elegido es el presentador de televisión y humorista Conan O'Brien, quien debuta en ese rol luego de algunas ediciones con el comediante Jimmy Kimmel al frente. Por acá pueden leer un poco más sobre horarios y lugares para mirar la transmisión desde Argentina.

Aunque varias de las películas en competencia todavía están en cartel en las salas de cine (de paso: que alguien me devuelta las mil horas que pasé envejeciendo mientras veía esa deformidad sin ningún tipo de gracia titulada El brutalista), algunas de las candidatas ya llegaron a las plataformas de streaming. Entre otras, están disponibles en formato hogareño La sustancia, Intensamente 2, Wallace & Gromit y varios documentales, entre cortos y largos, con nominaciones en distintos rubros. Armé una guía con once de ellos, se puede leer en este enlace.

La guía con once películas y cortometrajes nominados al Oscar 2025 disponibles para ver por streaming se puede leer en este enlace.

3. Apostilla. Mientras escribo esto, impacta al mundo la triste noticia de la muerte de Gene Hackman. En su cuenta de Twitter, el crítico de cine Diego Lerer recordó que dos de las películas en las que el actor se luce especialmente se pueden ver desde Argentina por streaming. Una es La conversación, disponible en Netflix, la otra es Contacto en Francia, presente en el menú de Disney+. Además, el colega y amigo de esta casa virtual Federico Poore compartió un listado de películas de su sitio Periodistas en el cine (hablamos de él por acá), donde el actor participa y donde el periodismo o los periodistas aparecen de alguna manera representados. Lo encuentran aquí.

Banda sonora. Hablábamos de los Oscar y mi favorita total este año es Anora, de Sean Baker, con una Mikey Madison que brilla sin parar (abajo les dejo el trailer). Mientras pienso cómo voy a hacer hinchada por esa película extraordinaria frente a la pantalla, me puse a escuchar su banda sonora que es pringosa, chirriante y súper bailable. Trafiqué algunas de las canciones que interpretan, entre otros, Blondie, t.A.t.U. y Take That para nuestra lista compartida. Esa que crece semana a semana y puede escucharse por acá.

Bonus track. Va un recordatorio, por si andan con ganas de ver buenas películas (¡y gratis!) desde sus casas en este fin de semana largo que se aproxima. Como les conté hace unos días, hasta el 3 de marzo sigue vigente el ciclo online dedicado al cine de los hermanos Dardenne en la plataforma Lumiton (anoten, por favor, Rosetta). Es por acá. También están disponibles gratis en Octubre TV hasta el 10 de marzo varias de las películas que pasaron por el Festival Internacional de Cine Cannábico. Más, en este enlace.

Posdata. Después de un verano desaforadamente urbano, me voy unos días lejos de Buenos Aires. Nos reencontramos en dos semanas, pero si sienten algún tipo de abstinencia de Mil lianas, les recuerdo que todas las ediciones del newsletter se pueden leer por acá. También pueden escribirme, me encanta la correspondencia en todas sus formas. 

¡Hasta la próxima!

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La cuenta regresiva llega a su etapa final. El domingo 2 de marzo se realizará una nueva entrega de los Premios Oscar, una de las distinciones más importantes para el cine mundial. Como cada año, la ceremonia tendrá lugar en Los Ángeles, Estados Unidos, y el público de Latinoamérica podrá seguir la transmisión en vivo por televisión y por streaming.

“La 97ª entrega de los Oscars, el evento más prestigioso del cine, se transmitirá en vivo por TNT y Max en Latinoamérica el 2 de marzo a las 9:00 PM”, informaron en un comunicado las señales que ofrecerán la emisión.

“La transmisión comenzará con el pre-show especial desde la alfombra roja, Punto de encuentro, a partir de las 8:00 PM con la conducción de Lety Sahagún y Axel Kuschevatzky. La ceremonia contará con los comentarios de Ileana Rodríguez y Rafa Sarmiento, con traducción en vivo de Flor Coianis y Carlos Arroyo”, agregaron.

Como sucede anualmente, la entrega de los premios, uno de los más importantes de Hollywood, tendrá lugar en el Dolby Theatre de la ciudad de Los Ángeles. Allí se reunirán las figuras más destacadas del cine internacional. 

En esta oportunidad, la ceremonia será conducida por el presentador de televisión, productor y comediante Conan O'Brien, quien debutará como anfitrión del Oscar.

“Entre los presentadores confirmados para la ceremonia se encuentran Halle Berry, Penélope Cruz, Robert Downey Jr., Elle Fanning, Whoopi Goldberg, Scarlett Johansson, John Lithgow, Cillian Murphy, Amy Poehler, Da’Vine Joy Randolph, June Squibb, Emma Stone, and Bowen Yang”, adelantó la plataforma Max, que transmitirá la previa y también la premiación completa para Latinoamérica.

Desde 1929, la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de los Estados Unidos lleva adelante esta ceremonia para reconocer a artistas, directores, técnicos y distintos representantes de la industria cinematográfica mundial.

“Tras la transmisión en vivo, la audiencia podrá revivir los mejores momentos de la gala en Max, donde la ceremonia estará disponible durante tres días”, detallaron desde Max.

AL/JJD

Comenzó la cuenta regresiva para la nueva entrega de los Premios Oscar, que tendrá lugar el domingo 2 de marzo en Hollywood, y más allá de que varias de las películas en competencia todavía se encuentran en cartel en algunos cines argentinos, hay muchas candidatas que ya se pueden ver en distintas plataformas en formato hogareño.

A continuación, un repaso por once producciones nominadas al galardón más importante de la industria audiovisual, entre largos y cortometrajes, disponibles para ver por streaming desde Argentina.

1. La sustancia. Con seis nominaciones, que incluyen las categorías Mejor película, Guión, Dirección, Vestuario, Maquillaje y peinado y Actriz, esta película tiene como protagonistas a una destacadísima Demi Moore, a Margaret Qualley y Dennis Quaid.

Dirigida y escrita por Coralie Fargeat, el largometraje tiene en el centro a una celebridad un poco en decadencia que al cumplir 50 años recibe una noticia laboral que la descoloca. Con elementos del cine de terror, la historia cuenta cómo esta mujer empezará a consumir un producto del mercado negro en formato de suero que creará una versión más joven de sí misma. Pero claro, eso que parece una solución mágica, traerá más de una consecuencia inesperada. Luego de circular internacionalmente con éxito, la película se encuentra disponible en la plataforma Mubi.

La película La sustancia está disponible en Mubi.

2. Intensamente 2. Después de un exitoso paso por las salas de cine de todo el mundo, este largometraje de Pixar, que compite en el rubro Mejor película de animación, se puede ver en Disney+.

La historia vuelve a meterse en la mente de Riley. Pero hora la protagonista es una adolescente que empieza a notar algunos cambios emocionales. De esta manera, a las viejas y conocidas Alegría, Tristeza, Furia, Temor y Desagrado se le sumarán otras, como Ansiedad, Envidia, Ennui y Vergüenza.

La película Intensamente 2 está disponible en Disney+.

3. La chica de la aguja. Dirigida por Magnus von Horn y en competencia en la categoría Largometraje Internacional, esta película está ambientada en 1919 y tiene como protagonista a Vic Carmen Sonne. El largometraje cuenta la historia de una joven que comienza a trabajar como cuidadora en una misteriosa agencia de adopción para madres necesitadas, pero que comienza a tener sospechas de la mujer que dirige la organización. 

Basada aunque con algunas libertades en una historia real que tuvo lugar en Dinamarca, la película se estrenó en 2024 en el Festival de Cine de Cannes, donde cosechó elogios de la prensa especializada. En la actualidad, está disponible en la plataforma Mubi.

La película La chica de la aguja está disponible en Mubi.

4. Duna: Parte 2. Con tres nominaciones (Mejor película, Diseño de producción y Fotografía), este largometraje es la segunda entrega de la saga épica de ciencia ficción que comenzó en 2021, con la primera película. Dirigida por Denis Villeneuve, es la segunda parte de la adaptación de la novela homónima de 1965 de Frank Herbert.

Disponible en la plataforma Max, cuenta con un elenco repleto de grandes estrellas del cine internacional como Timothée Chalamet, Zendaya, Rebecca Ferguson, Christopher Walken, Josh Brolin, Austin Butler, Florence Pugh, Léa Seydoux, Souheila Yacoub, Stellan Skarsgård, Charlotte Rampling, Javier Bardem y Anya Taylor-Joy.

La película Duna: Parte 2 está disponible en Max.

5. Wallace & Gromit. La venganza se sirve con plumas. Clásico británico del cine de animación en stop motion, esta película es una nueva y muy graciosa entrega de la saga, producida por Aardman Animations y dirigida por Nick Park y Merlin Crossingham. Ganadora recientemente en los premios BAFTA, considerados por los expertos como la antesala del Oscar, y candidata en el rubro Película de animación, está disponible en Netflix.

Según la sinopsis oficial, “Gromit está preocupado por el hecho de que Wallace se haya vuelto demasiado dependiente de sus inventos, lo que resulta justificado cuando Wallace inventa un ‘gnomo inteligente’ que parece desarrollar una mente propia. A medida que los acontecimientos se descontrolan, Gromit tiene que dejar de lado sus reparos y luchar contra fuerzas siniestras... o Wallace no podrá volver a inventar nunca más”.

La película Wallace & Gromit. La venganza se sirve con plumas está disponible en Netflix.

6. Sugarcane. Producido por National Geographic y disponible en Disney+, este impactante largometraje compite en la categoría Mejor documental.

A lo largo de sus 107 minutos, propone una investigación alrededor de la segregación en las iglesias católicas y los numerosos casos de abusos y desapariciones de niños aborígenes cometidos por sacerdotes en internados de Canadá. Estos delitos desencadenan una encendida búsqueda de justicia de parte de familiares de víctimas.

El documental Sugarcane está disponible en Disney+.

7. La única mujer de la orquesta. Otra producción estadounidense que compite en el rubro Corto documental. Este mediometraje dirigido por Molly O'Brien, sobrina de la protagonista, rinde homenaje a Orin O'Brien, una contrabajista pionera y la primera mujer que la Filarmónica de Nueva York contrató en su orquesta. 

Con 87 años y recientemente jubilada, la mujer reflexiona ante las cámaras sobre su destacada carrera. De 35 minutos de duración, está disponible en Netflix.

La única mujer de la orquesta está disponible en Netflix.

8. Incident. Nominado en la categoría que distingue a los cortometrajes documentales, esta producción, que se puede ver subtitulada en el canal de YouTube de la revista estadounidense The New Yorker, cuenta una historia escalofriante que tuvo lugar en la ciudad de Chicago, en 2018.

“Un hombre es asesinado por la policía en la calle. A través de un montaje compuesto de imágenes procedentes de grabaciones de vigilancia y seguridad, así como de las cámaras corporales de la policía, Incident recrea el suceso y sus consecuencias, presentando vanas justificaciones, altercados e intentos de eludir la culpa. Bill Morrison ofrece una exhaustiva investigación política en busca de la verdad”, señala la sinopsis oficial de este corto, de 30 minutos de duración.

El cortometraje documental Incident está disponible en YouTube.

9. Elton John: Never Too Late. Con el tema del título, nominado en la categoría que premia a la mejor canción original, este documental llegó a la plataforma Disney+ en diciembre y tiene como protagonista al músico Elton John.

“Elton John: Never Too Late acompaña a Elton John en sus reflexiones sobre su vida y los impresionantes primeros tiempos de sus 50 años de carrera, en un viaje de gran carga emocional, íntimo e inspirador que cierra un ciclo. Mientras se prepara para su último concierto en América del Norte en el Dodger Stadium, Elton nos hace viajar al pasado para recordar los extraordinarios buenos momentos y los desgarradores malos trances de sus primeros años y de cómo superó la adversidad, el abuso y la adicción para convertirse en el ícono que es hoy”, informó la plataforma sobre la película.

La película documental Elton John: Never Too Late está disponible en Disney+.

10. Instruments of a Beating Heart. Esta sensible producción de origen japonés, de 23 minutos de duración, compite en la categoría que distingue al mejor corto documental.

“A los alumnos de primer año de una escuela primaria pública de Tokio se les presenta un reto para el último semestre: interpretar el ‘Himno a la Alegría’ en la ceremonia de ingreso de los nuevos alumnos de primer curso. Ayame, quien a menudo tiene dificultades para seguir el ritmo del grupo, está decidida a tocar un papel importante: el gran tambor”, señala la sinopsis oficial de Instrument of a Beating Heart, que está disponible para ver gratis en el canal de YouTube del diario The New York Times con dirección de Ema Ryan Yamazaki.

El corto documental Instruments of a Beating Heart está disponible en YouTube.

11. I Am Ready, Warden. Producida y dirigida por Smriti Mundhra, esta producción nominada en el rubro Mejor corto documental cuenta los últimos días antes de la ejecución de un hombre llamado John Henry Ramírez, quien permanece preso y condenado a muerte en una prisión de Texas. Después de su estreno mundial en el Big Sky Documentary Film Festival en febrero de 2024, el mediometraje está disponible en la plataforma Paramount+.

El documental I Am Ready, Warden está disponible en Paramount+.

AL/JJD

El de los desaparecidos por el narco es uno de los temas que vertebran el musical Emilia Pérez (2024), dirigido por el cineasta francés Jacques Audiard. El filme ha cosechado el aplauso de la crítica y del público desde su estreno en la pasada edición del Festival de Cannes (alzándose también ganadora a mejor película musical en los Globos de Oro) pero ha levantado muchas ampollas en el país latinoamericano -semana antes de su estreno- por la perspectiva que adopta sobre una de las mayores heridas de México y los clichés con los que, aseguran, retrata su cultura.

La película sigue la redención de Manitas del Monte, un sanguinario narco que desea convertirse en mujer y abandonar su vida criminal para abrazar su lado más femenino y maternal convirtiéndose en Emilia Pérez (interpretada por la española Karla Sofía Gascón), que se ha convertido en la primera actriz trans en ganar el premio a mejor actriz en Cannes). Para ello, secuestrará en plena calle a Rita (Zoe Saldaña) una abogada de poca monta que subsiste a base de defender mafiosos locales. El filme recorrerá la nueva vida de Manitas -ahora Emilia- como gran samaritana en su propio país, ayudando a las madres 'buscadoras' a través de una asociación.

Las 'buscadoras' son madres que buscan a sus hijos y a los hijos de otras. Su principal herramienta, casera, es una varilla larga de acero como las que se utilizan para reforzar el hormigón en una obra. En un extremo, atan un palo vertical u otra varilla para hacerse un mango en forma de cruz. El otro lo afilan y clavan la punta profunda en la tierra. Después lo sacan y lo huelen. Si huele a podrido es que ahí abajo hay un cadáver. Las ‘buscadoras’ representan, para la mayoría, un símbolo de resistencia frente a la impunidad y violencia del crimen organizado en México.

“Ellas viven en el límite de lo burocrático”, explica el crítico de cine y periodista cultural Nicolás Ruiz, desde su casa en Ciudad de México. “Tienen que pelear con los gobiernos locales o los sistemas de justicia feudales de lugares particularmente pequeños y olvidados del país para hacer un trabajo de amor absolutamente sórdido” continúa para señalar que todo el mundo en su país ha perdido a alguien. “Todos conocemos a personas a las que desaparecieron”, sentencia. Él tuvo que ir a reconocer el cadáver de un familiar a una morgue y se cruzó con una niña de 14 años que iba a identificar a su padre. “Los funcionarios la trataban como si estuviera en una pollería mientras caminábamos por un pasillo encharcado de agua y sangre. Es algo tan habitual, tan corriente, que situaciones tan horribles como aquella acaban burocratizándose”, explica.

No obstante, y a pesar del reconocimiento a la figura de las 'buscadoras', Nicolás Ruiz califica la película como “espantosa”. El crítico mexicano asegura que el gran problema del filme de Audiard no es que sea extranjero y mire desde fuera la sociedad mexicana sino su perspectiva. “Vi la película en el festival de Morelia cuando el propio Audiard vino a presentarla y él mismo dijo que no había pisado México durante el rodaje. Yo aluciné y creo que ahí es donde comenzó a hacerse fuerte la crítica general, aunque desde Cannes algunos colegas habían salido enfadados”, continúa Ruiz.

La cinta, que se estrena comercialmente en México el 23 de enero, ha sido ampliamente pirateada por la red y ha dejado un buen puñado de memes ironizando con los temas que trata y los lugares comunes en los que incurre la radiografía que la película hace de la cultura mexicana. “Es uno de nuestros mecanismos de defensa, el humor”, cuenta Karina Solórzano, maestra en Estudios de Cine e investigadora de cine mexicano.

Por otro lado, asociaciones como GLAAD (Alianza de Gays y Lesbianas contra la difamación) han condenado la representación del personaje trans en la película, calificándola de retrógrada. E intelectuales, como el escritor mexicano Jorge Volpi o el filósofo Paul B. Preciado, han escrito en prensa señalando el primero que el filme presenta una narrativa que simplifica y estetiza la violencia del narcotráfico, convirtiéndola en un trasfondo anecdótico, mientras que el segundo señala que las representaciones trans en los medios todavía están atrapadas entre el exotismo y la patologización.

“El problema es que tiene una lectura de género muy simple”, analiza Solórzano. “O sea, ¿cuando el personaje de Emilia Pérez es hombre es muy malo y cuando es mujer entonces se vuelve bueno?”, y añade que “cambia de una cosa a la otra como quien se pone unos pantalones nuevos, sin indagar en los procesos psicológicos”. La investigadora señala que el tema del narcotráfico y el drama mexicano “no se ha tratado lo suficiente en el cine”. “Es una tarea pendiente y, claro, cuando viene un cineasta francés, hace una producción a gran escala, y te encuentras con un cliché tras otros y recibe muchos premios es normal que no termine de gustar”, continúa.

“En cierto punto”, añade Nicolás Ruiz, “somos un país que ha exportado ese exotismo con el que se mira el mundo del narcotráfico, pero no permitimos que cualquier persona hable de ello como sea. Es un tema muy complicado de tratar aún siendo mexicano”, explica.

Más de cien mil desaparecidos

Desde que comenzó el registro en los años 50, unas 115.000 personas han desaparecido en el país latinoamericano. Y esto son solo las cifras oficiales. Además, según datos proporcionados por Roberto González Villarreal, destacado académico mexicano y autor de La desaparición forzada en México: de la represión a la rentabilidad, el 75% de los desaparecidos en el país son hombres salvo en el Estado de México donde la cifra se iguala en el 50-50. Ellos, para trabajar como esclavos hasta la extenuación. Ellas, prostituidas. “La mayoría de los desaparecidos hombres en la actualidad son jóvenes entre los 14 y los 30 años y las mujeres entre los 10 y los 19”, explica González Villarreal por teléfono desde Acapulco.

Para Alonso Díaz de la Vega, crítico de cine y autor de Emilia Pérez o de cómo el imaginario colonialista caricaturiza la violencia -un artículo ampliamente leído y publicado en la revista Gatopardo- el mayor problema de la cinta es la ligereza con la que aborda el tema. “No creo que la intención sea hacer daño ni mucho menos, pero cuando admites que no has investigado demasiado el entorno y que has contratado a las actrices por una cuestión comercial, ahí ya sí vas a fallar, y eso es lo que ha ocurrido”, argumenta en conversación con este periódico.

Díaz de la Vega se pregunta cómo sería la reacción si se hiciera un musical sobre los tiroteos de la sala Bataclán en París. El informador cinematográfico compara en cifras la situación mexicana con la guerra de los Balcanes en Europa e ironiza en su artículo qué hubiera ocurrido si un estadounidense hubiera dirigido un musical ligero sobre un suboficial de Ratko Madlic que hubiera matado a gente en Srebrenica porque no podía expresar su identidad de género; sobre cómo huyó, se hizo una cirugía y ahora es santificada por sus víctimas gracias a sus esfuerzos por esclarecer cada muerto. “No es comparable, lo sé, son contextos muy distintos, pero creo que nos da una idea del nivel de violencia que hay en México. Es una crisis humanitaria”, asegura.

Una herida que no deja de sangrar

Todos los días desaparecen a alguien. Todos. Lo asegura González Villarreal que matiza que, en las últimas décadas ha habido un cambio en los secuestros. “A partir de los años 90 se da una verdadera explosión en las desapariciones”, cuenta para añadir que, durante muchos años, tuvieron que ver con el mundo del narco, con la guerrilla, pero que ahora lo que se busca es mano de obra. “Todo esto va ligado a la industria criminal, no es el narco solo, sino empresas que producen bienes ilegales de todo tipo”, explica para agregar que, a veces, las acciones de la gente, la resistencia, consiguen devolver a los desaparecidos a sus hogares. Otras, en cambio, todo esfuerzo es inútil. “La gente, las asociaciones, suelen reaccionar rápido porque muchas veces ocurren en plena calle, y se cortan calles y se hacen huelgas para presionar y que el secuestrado regrese de un destino que es peor que la esclavitud porque, en estos casos, trabajas hasta la muerte. Salvo que consigas escapar”, zanja.

Días antes de que se escriba este artículo, Flora Sánchez Guillén, controladora del municipio de Atarjea en Guanajuato, es secuestrada frente a su hija en plena calle. En el momento en el que se escriben estas líneas hace unas horas que ha sido liberada. Ilesa. Flora Sánchez Guillén se cuenta entre los que, secuestrados, tienen suerte. Otros, muchos, no. 

DM

La Academia de Hollywood anuncio este jueves la lista completa de nominados a los Premios Oscar 2025. Los intérpretes Bowen Yang y Rachel Sennott fueron los encargados de hacer públicos los nombres y títulos que pujarán por hacerse con las respectivas estatuillas el próximo 2 de marzo en el Dolby Theatre de Los Ángeles. El cómico Conan O'Brien conducirá la ceremonia en la que la española Karla Sofía Gascón ha hecho historia logrando la nominación a Mejor actriz protagonista por Emilia Pérez, convirtiéndose en la primera intérprete trans en conseguirlo.

El filme de Jacques Audiard parte como favorito gracias a sus trece nominaciones, por encima de Wicked y The Brutalist, que acumulan diez cada una. Además, se convierte en la película de habla no inglesa más nominadas de la historia, con un total de trece superando a Tigre y dragón de Ang Lee y Roma de Alfonso Cuarón. Lo hace a pesar de todas las críticas recibidas por transfobia y por su mirada a los desaparecidos de México. El cineasta francés opta al Oscar a Mejor dirección, categoría en la que competirá con Sean Baker por Anora, Brady Corbet por The Brutalist, James Mangold por A Complete Unknown y Coralie Fargeat por La sustancia.

Karla Sofía Gascón, por su parte, comparte nominación con Cynthia Erivo por Wicked, Mikey Madison por Anora, Fernanda Torres por I'm still here (la gran sorpresa de las nominaciones, con también opciones en Mejor película y Mejor película de habla no inglesa), y la gran favorita tras alzarse con el Globo de Oro, Demi Moore, por su trabajo en La sustancia.

Adrien Brody (The Brutalist), Timhothée Chalamet (A complete unknown), Colman Domingo (Sing sing), Ralph Fiennes (Cónclave) y Sebastian Stan pujarán por la estatuilla a Mejor actor protagonista. Este último por encarnar a Donald Trump de joven en The Apprentice, precisamente en el año en el que republicano ha vuelto a convertirse en presidente de Estados Unidos. El largometraje tuvo problemas para ser financiada, fue amenazada por el propio Trump y, en consecuencia, no contó con la distribución esperada. Aun así, ha entrado en los Oscar con opciones igualmente para Jeremy Strong como Mejor actor secundario. Categoría en la que figuran igualmente como aspirantes Yura Borísov (Anora), Kiera Culkin (A real pain), Edward Norton (A complete unknown) y Guy Pearce (The Brutalist). 

Otro de los títulos más llamativos que estarán en los Oscar es No other land, el documental sobre la ocupación israelí en Cisjordania, que por el momento no ha encontrado distribución en Estados Unidos. Sus contrincantes serán Black Box Diaries, Porcelain War, Soundtrack to a Coup d'Etat y Sugarcane. En animación, Flow –que ganó el Globo de Oro–, Del Revés 2, Memorias de un Caracol, Wallace y Gromit: La venganza se sirve con plumas y Robot Salvaje serán las cintas que se disputen la estatuilla.

En lo que respecta al cine español, se quedan sin nominación Pedro Almodóvar y Alberto Iglesias por el guion y la música, respectivamente, de La habitación de al lado. Tampoco ha habido suerte para los cortos La gran obra de Álex Lora y París 70 de Dani Freixas.

Homenaje a las víctimas de los incendios

Durante la gala, según avanzó la organización en un comunicado emitido este miércoles, se rendirá homenaje a las víctimas de la ola de incendios que suma ya cinco muertos y más de 100.000 evacuados en la ciudad. También avanzaron que se dejarán a un lado las interpretaciones musicales para centrarse en las composiciones. Aun así, prometieron que, aun así, habrá “poderosos momentos musicales que conectan la rica historia del cine con su futuro audaz e inspirador”.

La Academia de Cines y Artes Audiovisuales de Hollywood dio a conocer las nominaciones para los Premios Oscar 2025 a lo mejor del cine del último año.

Emilia Pérez obtuvo 13 nominaciones y con ese número marcó un récord para una ficción de habla no inglesa en la historia de la Academia.

La transmisión online fue conducida por Bowen Yang y Rachel Sennott, una ceremonia que la industria cinematográfica tuvo que posponer dos veces la fecha debido a los devastadores incendios que azotaron Los Ángeles.

De acuerdo a cifras que dio a conocer The Hollywood Reporter, el 60% de los miembros de la Academia vive en Los Ángeles o alrededores, por lo que de una u otra manera fueron afectados por el fuego.

La ceremonia de los Oscar será el domingo 2 de marzo, siempre y cuando no haya ningún cambio de último momento por la situación. El conductor será por primera vez Conan O’Brien.

Se sospecha que toda la gala de ese día estará teñida por dos cuestiones que cobraron relevancia en las últimas dos semanas: la reciente asunción de Donald Trump como presidente de los Estados Unidos y los severos daños que provocaron los incendios en California.

Todas las nominaciones a los Premios Oscar 2025

Mejor película

Anora.

The Brutalist.

Un completo desconocido.

Cónclave.

Dune: parte 2.

Emilia Pérez.

I’m still here.

Nickel Boys.

La sustancia.

Wicked.

Mejor actor de reparto

Yura Borisov, Anora.

Kieran Culkin, Un dolor real.

Jeremy Strong, El aprendiz.

Edward Norton, Un completo desconocido.

Guy Pearce, The Brutalist.

Mejor guion original

Anora.

The Brutalist.

Un dolor real.

La sustancia.

September 5.

Mejor guion adaptado

Emilia Pérez.

Un completo desconocido.

Cónclave.

Sing Sing.

Nickel boys.

Mejor actriz de reparto

Ariana Grande, Wicked.

Felicity Jones, The Brutalist.

Monica Barbaro, Un completo desconocido.

Isabella Rossellini, Cónclave.

Zoe Saldaña, Emilia Pérez.

Mejor documental

Black box diaries.

No Other Land.

Porcelain War.

Soundtrack to a Coup d’Etat.

Sugarcane.

Mejor película animada

Robot salvaje.

Flow.

Intensa-Mente 2.

Memoir of a Snail.

Wallace y Gromit: La venganza se sirve con plumas.

Mejor diseño de producción

The Brutalist.

Cónclave.

Dune: Parte 2.

Nosferatu.

Wicked.

Mejor actor

Adrien Brody, The Brutalist.

Timothée Chalamet, Un completo desconocido.

Sebastian Stan, El aprendiz.

Colman Domingo, Sing Sing.

Ralph Fiennes, Cónclave.

Mejor actriz

Demi Moore, La sustancia.

Karla Sofía Gascón, Emilia Pérez.

Cynthia Erivo, Wicked.

Mikey Madison, Anora.

Fernanda Torres, I’m Still Here.

Mejor director

Jacques Audiard, Emilia Pérez.

Sean Baker, Anora.

Brady Corbet, The Brutalist.

James Mangold, Un completo desconocido.

Coralie Fargeat, La sustancia.

Mejor fotografía

The Brutalist.

Dune: parte 2.

Emilia Pérez.

María.

Nosferatu.

Mejores efectos visuales

Alien: Romulus.

El planeta de los simios: Nuevo reino.

Better Man.

Duna: parte 2.

Wicked.

Mejor sonido

Un completo desconocido.

Duna: parte 2.

Emilia Pérez.

Robot salvaje.

Wicked.

Mejor película internacional

Emilia Pérez.

Flow.

I’m Still Here.

The girl with The Needle.

The seed of The Sacred Fig.

Mejor corto documental

Death by Numbers.

I Am Ready, Warden.

Incident.

The Only Girl in The Orchestra.

Instruments of a Beating Heart.

Mejor canción original

“Never Too Late”, en Elton John: Never Too Late.

“El Mal”, en Emilia Pérez.

“Mi camino”, en Emilia Pérez.

“Like a Bird”, en Sing Sing.

“The Journey”, en The Six Triple Eight.

Mejor vestuario

Emilia Pérez.

A Different Man.

La sustancia.

Nosferatu.

Wicked.

Mejor montaje

The Brutalist.

Anora.

Cónclave.

Emilia Pérez.

Wicked.

Mejor maquillaje y peinados

A Different Man.

Emilia Pérez.

Nosferatu.

La sustancia.

Wicked.

Mejor corto animado

Beautiful Men.

In the Shadow of the Cypress.

Magic Candies.

Wander to Wonder.

Yuck!

Mejor corto de ficción

A Lien.

Anuja.

I’m Not a Robot.

The Last Ranger.

The Man Who Could Not Remain Silent.

Mejor banda sonora original

The Brutalist.

Cónclave.

Emilia Pérez.

Wicked.

Robot salvaje.

NB

La película El Jockey representará a Argentina en la carrera por los Premios Oscar, de la Academia de Hollywood, y Goya, de la Academia del Cine español, según informó este lunes la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas.

En una ceremonia celebrada en la sede de Directores Argentinos Cinematográficos (DAC), en Buenos Aires, se dio a conocer que la película dirigida por Luis Ortega, recién estrenada en el Festival de San Sebastián y que tuvo notable repercusión en Venecia, representará al país en la carrera por ambos galardones.

En el caso de los Premios Goya, que se entregarán el 5 de febrero de 2025, “El Jockey” optaría a la categoría de Mejor Película Iberoamericana, mientras que en los Oscar, cuya ceremonia tendrá lugar el 2 de marzo de 2025, sería al galardón de Mejor Película Internacional.

En el caso de los premios de la Academia de Hollywood, el 17 de diciembre se anunciarán las 15 películas internacionales preseleccionadas y, un mes más tarde, el 17 de enero, se dará a conocer las cinco nominadas.

El filme protagonizado por Nahuel Pérez Biscayart y la española Úrsula Corberó cuenta la historia de un jockey legendario con un comportamiento autodestructivo que pone en peligro su vida y su relación con su novia, y que acaba siendo perseguido por un grupo peligroso.

Uno de los actores que participó de la película fue Daniel Fanego, que murió el pasado 19 de septiembre, por lo que todo el equipo le dedicó un cálido homenaje durante su estreno del pasado sábado en San Sebastián.

Hasta la fecha, Argentina acumula nueve galardones de la Academia de Hollywood -dos en la categoría de Mejor Película Internacional y otros siete en distintos rubros-.

‘La historia oficial’, de Luis Puenzo, en 1985, y ‘El secreto de sus ojos’, de Juan José Campanella, en 2009, son los dos filmes premiados con la estatuilla, a la que también aspiraron filmes como ‘La tregua’ (1974), ‘El hijo de la novia’ (2001) o ‘Argentina, 1985′ (2023).

Respecto a los premios de la Academia del Cine español, Argentina es el país con más 'cabezones' a Mejor Película Iberoamericana, con 19 triunfos, entre ellos algunos títulos destacados como 'Un lugar en el mundo' (1992), 'Cenizas del paraíso' (1997), 'Iluminados por el fuego' (2005), 'Un cuento chino' (2011) o 'El ciudadano ilustre' (2016).

También 'El secreto de sus ojos' y 'Argentina, 1985' ganaron el Goya en esa categoría; en el caso de la película de Campanella, Soledad Villamil fue, además, galardonada como Mejor Actriz Revelación.

La Academia del Cine de Argentina celebra su vigésimo aniversario desde que en 2004 se refundó una institución “que representara la diversidad y calidad del cine argentino” para ocupar la que se creó en 1941 y fue disuelta en 1955 por el Gobierno militar que derrocó al hasta entonces presidente Juan Domingo Perón (1946-1955 y 1973-1974).

Con información de agencia EFE

Este martes 28 de mayo, el Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, a través de la Buenos Aires Film Commission, realizará un homenaje especial por el 40º aniversario del estreno de “Camila”. Se conmemora la emblemática película de María Luisa Bemberg junto a sus actores principales, Imanol Arias y Susú Pecoraro, así como de la productora Lita Stantic.

El evento dará inicio a las 18.30 en el Hall Alfredo Alcón en el Teatro San Martín con un conversatorio abierto al público con los protagonistas. Compartirán anécdotas y recuerdos del rodaje, además de reflexionar sobre la importancia y el impacto de “Camila” en la historia del cine argentino. El evento contará con elementos originales de la película, que pertenecen a la muestra estable del Museo del Cine.

Tras el conversatorio, los asistentes podrán disfrutar de una proyección especial de “Camila” en la Sala Leopoldo Lugones, permitiéndoles revivir este clásico del cine argentino en la pantalla grande.

La película se estrenó por primera vez el 17 de mayo de 1984 y fue vista por más de 2.500.000 espectadores. Recibió una nominación al Óscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa en 1985 y ganó el premio a la Mejor actriz en el Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana en 1985.

Las entradas para la proyección se podrán retirar de forma gratuita en la boletería del teatro el mismo día de la función, a partir de las 18, por orden de llegada.

Sinopsis de Camila

“Camila” narra la apasionante y trágica historia de Camila O' Gorman, basada en hechos reales, que ocurrieron durante el gobierno de Juan Manuel de Rosas a mediados del siglo XIX. Su mandato dividió a la sociedad entre federales, sus seguidores, y unitarios, sus opositores liberales, quienes enfrentaban el exilio o la muerte.

En este contexto de represión y abuso, Camila O'Gorman, criada en una familia tradicional con estrictas normas domésticas, se enamora de Ladislao Gutiérrez, un joven jesuita. Desafiando las rígidas normas de la época, ambos huyen juntos, provocando un escándalo en Buenos Aires. “Camila” es una historia de amor y rebeldía que desafía las normas establecidas, reflejando las tensiones y contradicciones de una época crucial en la historia argentina.

NB

Ryan Gosling no logró la estatuilla a Mejor actor de reparto por Barbie, pero protagonizó el mejor momento de la ceremonia de los premios Oscar 2024 gracias a su actuación de I'm just Ken. Vestido con un traje de chaqueta rosa, las gafas de sol que lució en el filme y acompañado de parte del reparto, brindó un número apoteósico. Con él terminó de demostrar que con su versión del muñeco de Mattel ha sabido sacar el máximo partido a su vis cómica. Las pantallas del Dolby Theatre de Los Ángeles mostraron la letra de la canción, convirtiendo el patio de butacas en un karaoke.

El canadiense comenzó sentado entre el público, subió al escenario para continuar el número rodeado de bailarines y Slash a la guitarra; y regresó a la platea para ceder su micrófono a Greta Gerwig y Margot Robbie, directora y coprotagonista del largometraje. También a Emma Stone, haciendo un guiño a La La Land, el musical de Damien Chazelle que lideraron juntos en 2016.

La intérprete hizo referencia a la actuación al recoger el Oscar a Mejor actriz protagonista por su trabajo en Pobres criaturas, la cinta del cineasta griego Yorgos Lanthimos que culminó la noche con cuatro estatuillas. La estadounidense subió emocionada al recoger el galardón y, antes de empezar su discurso, expuso que se le había roto el vestido a la altura de la espalda. “Estoy segura de que ha sido durante la actuación de I'm just Ken”, afirmó riendo señalando a Gosling.

El aplaudido tema no ganó el Oscar a Mejor canción original. Eso sí, el premio se quedó en el 'Mojo Dojo Casa House', ya que recayó en otro título de Barbie, What Was I Made for?, de Billie Eilish. El suyo fue el único Oscar para la película de Greta Gerwig, que optaba a un total de ocho. Oppenheimer fue la gran vencedora de la noche, tras cosechar siete estatuillas incluida Mejor película, Mejor dirección para Christopher Nolan y Mejor actor protagonista para Cillian Murphy.

Uno de los eternos debates en torno a los premios es su escasa conexión con el sentir popular. No siempre, o mejor, casi nunca, la película que más gusta a los espectadores es la que se lleva los reconocimientos. Se escucha mucho esa frase que dice que antes la película que ganaba el Oscar era la que había arrasado en la taquilla. Para fortalecer ese argumento se suele citar Casablanca o Lo que el viento se llevó, títulos que no solo triunfaron entre la crítica sino en las salas de cine. Los Oscar llevan años intentando encontrar ese equilibrio. Durante años las películas ganadoras fueron títulos más minoritarios en ceremonias que fueron perdiendo audiencia, lo que muchas personas vincularon. 

Al final, los Oscar son también un show televisado que quiere ser visto y tener repercusión. Por eso, en los últimos años se han hecho intentonas como ese fallido premio al filme más popular (¿alguien se acuerda quién lo ganó?). Y muchos dicen que por eso en los últimos años se están nominando e incluso premiando películas más populares. Este año lo tenían muy fácil. En un año complicado, todavía con resaca pandémica y con una huelga de actores que paralizó la industria, Hollywood vio como se creaban dos fenómenos como hacía tiempo que no se veían. Uno con nombre muñeca, Barbie; y el otro con nombre de físico, Oppenheimer. 

Ambos han sido, sin ninguna duda, los títulos del año. Dos películas que han pasado al imaginario popular en poco tiempo, que son reconocidas y que han reventado la taquilla. Las nominaciones ya dejaron claro que la Academia de Hollywood iba más con Oppenheimer que con Barbie, y con la entrega de los Oscar lo han confirmado. El filme de Christopher Nolan ha arrasado como se esperaba. Siete estatuillas entre ellas las más importantes, Película -que llegó tras uno de los mayores anticlímax posibles cuando Al Pacino dijo el ganador sin que hubiera vídeo de nominados previo-, dirección para Christopher Nolan; Actor protagonista (Cillian Murphy), Actor de reparto (Robert Downey Jr.), montaje, fotografía, banda sonora.

El arrase de una parte del Barbenheimer ha dejado a la otra con apenas un premio de consolación, el de Mejor canción original para el What I mas made of? De Billie Eilish para el filme de Greta Gerwig. Barbie perdió en las otras siete categorías, pero la ceremonia dejó claro que es la película más importante del año. El primer vídeo acabó con un plano de Margot Robbie, y el primer sketch de Jimmy Kimmel también fue a costa de la película. Hubo bromas, menciones, y suyo fue el momento de la noche y uno de los mejores en una ceremonia de los Oscar reciente, el increíble I’m just Ken que Ryan Gosling interpretó en el escenario con decenas de bailarines, Slash a la guitarra y con bajada a la platea para que cantaran Greta Gerwig, Margot Robbie y Emma Stone. Hay que ser una estrella para salir al escenario tras perder un premio y lograr desprender esa energía. 

Hollywood se rinde a Nolan

El premio a la Mejor dirección para Christopher Nolan redime también a uno de los cineastas más importantes del Hollywood de las últimas décadas que, extrañamente, no tenía ningún Oscar. De hecho, esta era su segunda nominación en toda su carrera. La primera fue por Dunkerke, lo que demuestra que a Hollywood le gusta cuando Nolan se pone serio, aunque realmente siempre lo está. Ha tenido que hablar de armas nucleares, de los miedos post Segunda Guerra Mundial para que le reconozcan como lo que es, uno de los pocos directores cuyo nombre es una marca y que dignifican el Blockbuster con inteligencia. Habrá pocos realizadores que hayan conectado de forma tan brutal con la gente gracias a películas como Origen, Memento, Interestelar o la trilogía de El caballero oscuro, que no fue nominada en ninguna de sus entregas a pesar de cambiar para siempre la historia del cine de superhéroes. 

La gala tuvo el sabor amargo de ver cómo las opciones del cine español se iban perdiendo en la primera parte de la gala. Pablo Berger perdió frente al maestro Miyazaki, que con El chico y a la garza dio la sorpresa y sorprendió a la todopoderosa Spider-Man, que partía como gran favorita. El maquillaje de La sociedad de la nieve vio como Pobres criaturas se llevaba su estatuilla y Bayona vio como Jonathan Glazer cumplía con todas las quinielas al llevarse el de Mejor película internacional. El filme de Glazer se llevó otro premio, el de Mejor sonido. Merecidísimo para el inmersivo, inteligente y desasosegante trabajo del filme.

Glazer fue uno de los pocos que se atrevió con uno de los elefantes en la habitación. La guerra en Gaza fue completamente ignorada por todos y cada uno de los ganadores menos por él. Lo hizo, además, el que tenía la papeleta más complicada. El director de un filme sobre el Holocausto tuvo el valor de hablar del tema, algo que el resto de Hollywood ni se lo planteó. “Nuestra película nos enseña dónde nos lleva la deshumanización, en el pasado y en el presente. Que no se escamotee el carácter judío del Holocausto, que ha sido secuestrado para justificar la ocupación. Ya sean las víctimas del 7 de octubre en Israel o las víctimas actuales en Gaza: todas son víctimas de esta deshumanización”, dijo el director.

A pesar de que varios miembros del equipo llevaban chapas con la bandera palestina y que en otros premios habían realizado peticiones de alto al fuego, Justine Triet y Arthur Harari no se atrevieron en los Oscar. Ellos fueron los ganadores del Oscar al Mejor guion original por Anatomía de una caída, uno de los grandes fenómenos del año y que venció en su categoría a Los que se quedan, el filme de Alexander Payne que se tuvo que conformar con el premio a la Mejor actriz de reparto para Da'Vine Joy Randolph, uno de los premios más cantados de la noche. Ella fue de las pocas que realizó un discurso que se saliera de los clásicos agradecimientos al equipo y a la familia recordando que en su clase de interpretación era la única niña negra. La falta de valentía, compromiso y activismo en los discursos fue notable.

Solo Cillian Murphy, Oscar al Mejor actor, hizo una mención dedicando su premio a los que buscan la paz; además de Mstyslav Chernov, director del documental ganador, 20 días en Mariúpol, que muy emocionado dijo que “ojalá nunca hubiera tenido que hacer esta película”. “Ojalá pudiera cambiar este Oscar porque Rusia nunca hubiera ocupado nuestras ciudades ni atacado ucrania. Ojalá no hubieran matado a decenas de miles de nuestros ciudadanos, pero no lo puedo cambiar, no puedo cambiar la historia ni el pasado. Pero vosotros, algunos de las personas con mas talento de la historia, podemos hacer que la verdad prevalezca y que la gente de Mariupol y los que dieron su vida nunca sean olvidados, porque el cine construye memoria y la memoria hace historia. Gracias a todos. Gracias Ucrania”, dijo.

Una pena que su interpelación directa a los miembros de Hollywood no calara en nadie. Ni siquiera en una Emma Stone que con solo 35 años ya cuenta con dos Oscar a la Mejor actriz protagonista. Por Pobres Criaturas se ha llevado su segundo premio tras el logrado por La la land. Uno de los galardones que llegaba con más emoción en una carrera ajustada entre ella y Lily Gladstone. Pobres Criaturas rascó más de lo esperado, ya que también se hizo con otros tres premios técnicos (vestuario, diseño de producción y maquillaje y peluquería) convirtiéndola en la segunda película más premiada de la noche.

Como viene siendo habitual, Scorsese fue el gran perdedor de la noche. Su épica y maravillosa Los asesinos de la luna no pudo hacerse con ninguno de sus premios. Lo mismo que le pasó con El irlandés. Es preocupante que un cineasta como él solo haya ganado en su carrera un Oscar a la Mejor película y al mejor director. De vacío también se fueron Maestro y Vidas pasadas, mientras que American Fiction logró el de guion adaptado por encima de Barbie y Oppenheimer.

Un Kimmel ácido y correcto

Ante unos discursos tan sosos y sin intención fue Jimmy Kimmel el único que puso un poco de picante al asunto en sus intervenciones. Es destacable que él fuera el único que se acordara de la huelga de actores y guionistas que paralizó la industria en verano. Una huelga que, además, coincidió con la campaña promocional de Barbie y Oppenheimer. Ninguno de los ganadores se acordó de aquella lucha, pero el presentador sí lo hizo y hasta se atrevió a realizar unos gags con ella. Primero les dijo a los actores que ya no debían temer a que les sustituya la inteligencia artificial, sino a que les “reemplacen por gente más joven y más guapa”. Tras su monólogo sacó a los técnicos al estrado, víctimas colaterales del paro, y la platea les dedicó una ovación, aunque luego nadie se acordara de ellos.

El monólogo inicial tuvo pullas a Madame Web, uno de los fiascos de la taquilla del año, a Barbie, y a aquellos que no votaron por Gerwig. “Mi mujer antes de la película le hubiera comprado antes a mi hija un paquete de Marlboro que una Barbie, y ahora es un icono feminista gracias a Greta Gerwig”, dijo y dejó sonar los aplausos de la gente antes de lanzarles el zasca que esperaba: “Ahora la aplaudísm pero no la votasteis que no está nominada como Mejor directora”.

Los otros dos dardos más sonoros fueron para Depardieu y Robert DeNiro. “Messi -el perro de Anatomía de una caída- es el fenómeno de la película. No he visto a ningún actor francés comerse mejor su vómito desde Gerard Depardieu”, dijo Kimmel. Para De Niro le tenía reservada una broma sobre la diferencia de edad con su pareja actual, 34 años más joven que él. Este año estaban nominados Robert De Niro y Jodie Foster, y ambos fueron nominados en el 76 por Taxi Driver, la excusa perfecta para el cómico: “En aquel momento podrían haber sido padre e hija, pero ahora ella podría ser su novia”. Algo de ironía y mala leche en una ceremonia que recuperó el formato de colocar a cinco antiguos ganadores de los premios de interpretación en el escenario para hablar de los actores y actrices nominadas. Un recurso emotivo que, además, nos hizo viajar al pasado 15 años, cuando Penélope Cruz logró su premio con esta misma puesta en escena.

Al final, los Oscar fueron de las dos mismas películas de las que se habla desde finales de julio. Barbie y Oppenheimer. Oppenheimer y Barbie. Las dos lograron devolver la ilusión a la industria. Una acabó la temporada con siete premios, la otra con uno, pero con la seguridad de que habrá pocos fenómenos culturales tan importantes como aquella película de la que todo el mundo se rio cuando era un proyecto y que terminó haciendo que todos vistieran de rosa para ir a una sala de cine a reírse del patriarcado. Como dijo Juan Antonio Bayona días antes de la gala desde Los Ángeles, “los premios se olvidan, las películas se recuerdan”, y nadie duda de que todos se acordaran de 2023 como el año de Barbie.

Mucho tiene que cambiar el guion para que la ceremonia de la 96 edición de los Premios Oscar no sea una de las más previsibles, y por tanto, aburridas de los últimos años. A estas alturas pocos dudan de que Oppenheimer terminará la noche coronada como la Mejor película del año por la Academia de Hollywood, la duda es hasta dónde llegará su onda expansiva (prepárense también para los juegos de palabras sobre bombas).

Pero, ¿qué pasará en las categorías interpretativas?, ¿será también un paseo para el filme de Christopher Nolan? Y la pregunta más importante, ¿quién debería ganar el Oscar este año? 

Mejor película 

Lo que ganará: Oppenheimer

La Academia debería protagonizar uno de los giros más locos de toda su historia para que el filme de Christopher Nolan pierda. No dejó premio libre. Se llevó el del sindicato de productores, el BAFTA, el Globo de Oro y el Critics Choice. Por si fuera poco también el de Mejor reparto en el sindicato de actores (el gremio que compone la masa de votantes más numerosa). Es una película de consenso, la consagración de un cineasta fundamental del cine reciente y encima un éxito rotundo de taquilla en un año que necesitaba títulos como éste.

Lo que debería ganar: La zona de interés

Que Hollywood se haya acordado de una película tan arriesgada y compleja como La zona de interés es de agradecer. Se merece más que la nominación. La zona de interés es la película que cambia el cine sobre el Holocausto. Que hace que cuestionemos cómo se había mostrado hasta ahora y que nos hace vernos representados en el perpetrador en vez de sufrir con la víctima. Una película que sobrecoge sin mostrar un solo muerto y que está destinada a quedar en el recuerdo. 

Mejor dirección

Lo que ganará: Christopher Nolan, por Oppenheimer

Ganó el premio del sindicato de directores y el Critics Choice y la fuerza de Oppenheimer se extiende también a esta candidatura. La Academia de Hollywood siempre había despreciado a Nolan. De hecho, esta es solo su segunda nominación a pesar de tener en su filmografía varias de las películas más taquilleras y populares de las últimas dos décadas. Este es su gran momento, y lo saben. Si pierde empezaríamos a estar ante un caso como el de Scorsese, que tuvo que esperar demasiado para ser reconocido.

Lo que debería ganar: Jonathan Glazer, por La zona de interés

De nuevo Glazer, pero es que su coherencia ética y estética a la hora de hablar del Holocausto está en otra liga. Una película en la que cada cuadro, cada escena y cada decisión está tomada pensando en su significado y en la representación que hace. Su forma de alejarse de las narrativas y las dramatizaciones de las historias sobre los campos de concentración merecería el Oscar a la mejor dirección.

Mejor actor protagonista

Lo que ganará: Cillian Murphy, por Oppenheimer

Parece difícil que una película que tiene el nombre de su personaje protagonista y que parece dispuesta a arrasar no se lleve el premio al mejor actor protagonista. A Hollywood le gustan los biopics, y este por suerte no se parece a esas películas académicas y aburridas de líderes musicales. Cillian Murphy está estupendo en el filme de Nolan, su rostro anguloso y su mirada perdida son un elemento fundamental y la Academia parece que lo reconocerá. Ganó el Globo, el BAFTA y el premio del sindicato de actores y llega con más fuerza que sus rivales.

Lo que debería ganar: Paul Giamatti, por Los que se quedan

A Giamatti los Oscar le deben, al menos, un par de nominaciones. Si no gana este año le deberán también el Oscar. Su interpretación del profesor cascarrabias de Los que se quedan es un prodigio de humanidad, de emoción y de complejidad que él afronta con una sencillez que hace que parezca fácil. Es el típico trabajo que suele quedar en segundo plano y que este año tiene la oportunidad de ganar. Es la alternativa a Murphy.

Mejor actriz protagonista

Lo que ganará: Emma Stone, por Pobres criaturas

Sí, Emma Stone es lo mejor del filme de Yorgos Lanthimos. Y sí, es una interpretación arriesgada en una industria tan pacata, pero también es la interpretación más efectista. El papel que, en las manos adecuadas, huele a Oscar de lejos y Stone no lo dejó de aprovechar. La locura y excentricidad de su Bella, que la actriz domina a su antojo, son un terremoto difícilmente ignorable. 

Lo que debería ganar: Sandra Huller, por Anatomía de una caída

Lo que hace la actriz alemana en el filme de Justine Triet es complicadísimo. Siempre en la línea perfecta para que el espectador no termine de empatizar con ella pero no la demonice. El guion de Triet es un caramelo envenenado, hay que tener muchas tablas para que funcione y no quede acartonado. Cada palabra, cada pausa, cada cambio de idioma es fundamental. Huller tiene parlamentos larguísimos que tienen su propia evolución dramática gracias a cómo es capaz de decirlos. Tampoco nos importaría que ganara Lily Gladstone, auténtico centro emocional de Los asesinos de la luna y que, además, seguramente daría el mejor discurso de la noche.

Mejor actor de reparto

Lo que ganará: Robert Downey Jr., por Oppenheimer.

Llega a los Oscar después de haber ganado todo y con dos factores a su favor. Uno, la importancia de su personaje, muy protagonista y con más metraje que muchos de sus competidores. Dos, la narrativa del hijo pródigo que tanto le gusta a Hollywood. El actor descarriado que se reintegra tras sus problemas de drogas y mal comportamiento. Un clásico que en este caso viene acompañado de una gran interpretación.

Lo que debería ganar: Robert De Niro, por Los asesinos de la luna

Actor de reparto es una categoría un poco pocha en esta edición, donde la Academia obvió trabajos mucho más destacables, como el de Dominic Sessa en Los que se quedan, el de Charles Melton en Secretos de un escándalo o el de Paul Mescal, en Desconocidos. De las cinco interpretaciones nominadas la de Robert De Niro destaca, no por mucho, pero es uno de esos actores que imponen con un gesto, y Scorsese lo juega todo a su favor con un personaje que debe dar miedo con una mirada.

Mejor actriz de reparto

Lo que ganará y lo que debe ganar: Da’Vine Joy Randolph, por Los que se quedan

Parece que será el único premio de Los que se quedan, pero este es uno de los más cantados de la noche. Pocos premios dejó sin levantar este año la actriz que interpreta a esa madre que perdió a su hijo en Vietnam y que ve cómo los niños blancos celebran la Navidad con su familia mientras ella se queda trabajando en el colegio de élite donde está empleada como cocinera. El acierto de esta interpretación está en su contención. Podría haber sido un cliché pero Randolph y Payne como dirección apuestan por la mesura hasta en la gran escena de su personaje, en la que se rompe con elegancia en vez de con histrionismo. 

Hollywood siempre fue el centro del cine mundial, o al menos del cine más popular y conocido. Lo que ellos producen cuenta con una posición de privilegio de cara al público. Frente a su maquinaria de promoción y producción, el resto del cine mundial intenta encontrar sus formas de destacar y hacerse ver. Para ello son fundamentales los festivales de cine, con Cannes a la cabeza (ya que Venecia, siempre ansiosa por su alfombra roja, se ha convertido en el mejor escaparate para el cine de EEUU).

Sin embargo, algo ha cambiado. Hollywood ha ampliado su mirada al cine hecho en el resto del mundo, o al menos eso es lo que indican los Oscar de los últimos años. La prueba se puede ver en las nominaciones de esta edición, que se celebrará el próximo domingo. Por primera vez dos películas no habladas en inglés se encuentran entre las diez finalistas al premio al Mejor filme. Se trata de Anatomía de una caída y La zona de interés. Sus dos autores, Justine Triet y Jonathan Glazer, también estañan en el quinteto que opta al premio a la Mejor dirección.

Esto, que antes era una excepción, ahora empieza a ser la norma. En las últimas ediciones, desde 2018, solo hubo un año (2020) en el que no hubiera un director de una película de habla no inglesa nominado en esa categoría. En 2018 fueron dos, Pawel Pawlikowski, por Cold War; y Alfonso Cuarón, que se lo llevaría por Roma. En 2019 fue el éxito de Bong Joon-Ho, que venció por Parásitos. En 2020 hubo otro doblete, el de Thomas Vinterberg y Lee Isaac Chung. En 2021 fue Ryusuke Hamaguchi quien dio la campanada con Drive My Car. En 2022 estuvo nominado el noruego Ruben Östlund, aunque en esta ocasión la mayor parte de Triángulo de la tristeza era en ingles. En 2023 tenemos otro doblete.

Viendo los directores nominados, uno observa un claro patrón: casi todas las películas de estos realizadores pasaron por Cannes, donde comenzaron una carrera internacional que culminó en los premios de la Academia. El certamen francés ha conseguido convertirse no solo en el mejor escaparate del cine de autor, sino que ha logrado una influencia en Hollywood que no había tenido en muchos años, y la mejor prueba fue cómo colocó en Hollywood un título como Drive My Car, de tres horas, de un cineasta desconocido en EEUU y en japonés, como el filme de culto del año. Anatomía de una caída, Triángulo de la tristeza y Parásitos fueron Palmas de Oro. La zona de interés ganó el segundo premio; Hamaguchi ganó Mejor guion y Pawlikowski se llevó el de Mejor dirección. Nadie duda de que sin la pandemia Vinterberg hubiera ido a Cannes, y el propio director del festival dijo claramente que Roma hubiera ido de no ser por su política antinetflix. 

Netflix es otro de los factores que ha hecho que Hollywood mire a otros directores. La plataforma produce en todo el mundo, y le ha dado cheque en blanco a cineastas para levantar proyectos que de otra forma no podrían. Además, les ofrecen una campaña en la carrera por el Oscar que ha hecho que películas que no son de EEUU como la alemana Sin novedad en el frente se colara en la categoría de Mejor película el año pasado y ganara casi todos los premios técnicos. Este año La sociedad de la nieve ha logrado ser nominada en la categoría de Mejor maquillaje y en película internacional. 

¿Qué ocurrió en Hollywood para que ese cambio ocurriera en ese momento concreto? La respuesta está en los premios de 2015, en donde la falta de diversidad provocó un movimiento global que bajo el hashtag #OscarSoWhite pedía a la Academia más inclusión y representatividad de colectivos que normalmente no encontraban su hueco en las nominaciones. Un estudio mostraba que parte del problema estaba en la composición de la masa de votantes, formada en un porcentaje muy amplio por hombres blancos de más de 70 años. Por eso, la presidenta de la Academia, Cheryl Boone Isaac, tuvo claro que para tener más diversidad había que ampliar y cambiar las personas que votaban. 

Su medida fue invitar a ser académico de Hollywood a muchas más personas, y que vinieran de otras muchas industrias además de la de EEUU. Normalmente, para que a alguien de fuera le invitaran debía haber estado nominado, pero eso quedó obsoleto. Tras aquella ceremonia, la Academia invitó a 683 personas, más del doble que el año anterior en una lista que se vendió como “la más grande y diversa de la historia”. Y así se fue repitiendo año tras año. Los resultados no se hicieron esperar. Un estudio posterior de la Universidad de Carolina del Sur informó que la proporción de mujeres y miembros de grupos étnicos o raciales minoritarios nominados a los Oscar pasó del 8% en el período que va de 2008 a 2015; al 17% entre 2015 y 2023.

Ustedes son parte de una comunidad de casi un siglo de antigüedad que no es sólo una comunidad de Hollywood o una comunidad estadounidense, sino global

Cheryl Boone Isaacs — Expresidenta de la Academia de Cine de Hollywood

Su compromiso con incluir dentro de su academia al resto de cineastas también quedó patente en su discurso de 2017. “Ustedes son parte de una comunidad de casi un siglo de antigüedad que no es solo una comunidad de Hollywood o una comunidad estadounidense, sino global. Lleno de narradores nacionales e internacionales. Uno que cada día es más inclusivo y diverso. Estoy muy orgulloso de eso y de ver todas las caras nuevas entre los nominados de este año”, dijo ese año.

Añadió que “EEUU siempre debería ser un faro y no una barrera”. “Nos levantamos en apoyo de los artistas de todo el mundo. Nos enfrentamos a quienes intentan limitar nuestra libertad de expresión. Y defendemos este principio fundamental, que todos los artistas creativos están conectados en todo el mundo por ese vínculo inquebrantable que es más poderoso y permanente que la nacionalidad y la política y, así como su trabajo no se detiene en las fronteras, las fronteras no podrán detener a cualquiera de nosotros”, expresó entonces.

Sus medidas culminaron con un hecho histórico, la victoria de Parásitos en los Oscar de 2020 en la categoría de Mejor película. Nunca antes un filme hablado en una lengua que no fuera el inglés se había llevado el premio más importante de la Academia de Hollywood. Bong Joon-Ho en su discurso pidió que siguieran apostando por cine en otras lenguas y se olvidaran de la barrera de los subtítulos. Aquel momento fue la cima de las medidas para conseguir un Hollywood más diverso que, todavía tiene mucho que mejorar, pero que ha conseguido que otro tipo de cine también se vea representado en sus premios. 

“Pegarle” al Oscar es una de las costumbres favoritas de los cinéfilos. Que es una (auto)celebración de Hollywood, que es pura ostentación de lujo y glamour en medio de estos tiempos violentos y degradados, que cada año se olvidan de tal o cual película que es mucho mejor que todas las nominadas, que la ceremonia es demasiado larga, que los monólogos no son graciosos ni provocadores, que los discursos de agradecimiento chorrean impostación y corrección política... La lista de cuestionamientos, reparos y objeciones es gigantesca y, por más que en varios de esos argumentos haya algo de razón, la temporada de premios que cada año culmina con la entrega de las estatuillas de la Academia de Hollywood sigue siendo una referencia ineludible.

La pregunta inevitable, entonces, es: ¿por qué nos siguen interesando los Oscar? En principio, porque una vez por año nos gusta ver un rato a la “fauna” del cine reunida con lo mejor que tiene (aunque sea para reirnos de ciertos vestidos ridículos o dosis exageradas de bótox), verlos reir y llorar aunque sepamos que en muchos casos están actuando mejor que en los propios sets de filmación, porque los premios (muchas veces injustos y crueles) asemejan al cine con el deporte, pero también porque, esencialmente, se trata de una celebración del arte del buen cine.

En ese sentido, la cosecha 2023 –que es la que se premiará este domingo 10 desde las 21 con transmisión de TNT y Max y la conducción por cuarta vez de Jimmy Kimmel– ha sido de las más ricas de los últimos años. ¿Por qué? Porque entre las diez nominadas a Mejor Película están dos de las tres más taquilleras del año pasado (Barbie y Oppenheimer) y ambas combinaron popularidad con calidad, porque en la categoría de Mejor Dirección aparecen cuatro de los cineastas más venerados de las últimas décadas (Martin Scorsese por Los asesinos de la luna, Christopher Nolan por la citada Oppenheimer, Yorgos Lanthimos por Pobres criaturas y Jonathan Glazer por Zona de interés), mientras que en la categoría principal también hay films de dos realizadores debutantes (Ficción estadounidense, de Cord Jefferson; y Vidas pasadas, de Celine Song).

Un Oscar cada vez más internacional

Más allá de los indudables hallazgos de varias de estas películas, otro fenómeno que se ha consolidado en los últimos años es la mayor presencia de producciones no estadounidenses. Si bien el Oscar sigue siendo un evento con mayoría de artistas y films de ese origen, cada vez es menos Hollywod-céntrico y se abre de manera creciente al mundo. Con un mercado local deprimido en cuanto audiencia, la Academia ha sumado una proporción mayor de nuevos miembros no norteamericanos y esa “internacionalización” se ha visto reflejada en los resultados: en 2020, por ejemplo, la coreana Parasite se convirtió en la primera producción extranjera en ganar del Oscar principal; y en 2023 el film bélico alemán Sin novedad en el frente fue el más nominado con nueve y terminó ganando cuatro estatuillas.

Este año, aunque se prevé un triunfo arrollador de Oppenheimer y un buen desempeño de Pobres criaturas, hay entre las diez candidatas a Mejor Película una producción francesa como el thriller psicológico y judicial Anatomía de una caída, de Justine Triet; una coproducción con participación británica y polaca como Zona de interés y otra en asociación con Corea del Sur y hablada en buena parte en coreano como Vidas pasadas. De hecho, en la categoría de Mejor Dirección solo Scorsese es estadounidense, ya que tanto Glazer como Nolan nacieron en Londres, Lanthimos es griego y Triet, francesa.

Si en 2023 la presencia de Argentina, 1985 entre las nominadas a Mejor Película Internacional generó un interés adicional entre el público nacional, este año la representación iberoamericana está en manos de la producción española La sociedad de la nieve (sobre la tragedia y épica de los Andes en 1972), que compite en la misma categoría que el año pasado lo hizo el film de Santiago Mitre; de la chilena La memoria infinita, de Maite Alberti, que es candidata entre los documentales; de la también española Mi amigo robot (Robot Dreams), que figura entre los largometrajes animados; y de El Conde, de Pablo Larraín, que fue nominada por su fotografía.

Éxitos del público

Si para los cinéfilos más exquisitos el Oscar es visto como el mainstream del cine de autor (y en buena medida lo es), también es cierto que muchas de las películas nominadas ni siquiera se estrenarían de no ser por las nominaciones que ostentan. Aunque más reducido que en las épocas de gloria, todavía existe un segmento de público que mantiene el hábito de ver todas las candidatas en los cines como para llegar a la ceremonia del domingo con conocimiento de causa e “hinchar” por sus favoritas.

De hecho, este año varias de las nominadas han tenido una muy buena repercusión de público en las salas locales. Dejemos de lado los fenómenos de Barbie, de Greta Gerwig (3.565.000 espectadores), y de Oppenheimer (1.150.000 espectadores), porque fueron éxitos de taquilla mucho antes de la temporada de premios, pero otros títulos más exigentes y radicales también convocaron una cantidad de público considerable: Pobres criaturas ya fue visto por casi 300.000 espectadores (sigue en cartel), mientras que Los asesinos de la luna, ya disponible en Apple TV+, sumó casi 150.000; y Anatomía de una caída, ganadora de la Palma de Oro en el último Festival de Cannes, se acerca a los 100.000.

Que no se caiga el negocio

El Oscar es una celebración del arte y de la industria del cine, pero es ante todo un negocio muy lucrativo para los estudios y distribuidoras dueñas de las películas, que multiplican los ingresos y ganan prestigio; para los artistas que aumentan sus cachets luegos de obtener nominaciones y premios; para los medios especializados que cobran por sus campañas de notas “chivo” y publicidades (las ya tradicionales For Your Consideration) y lo que genera la propia ceremonia.

Tras alcanzar un pico de audiencia de 57 millones de televidentes en 1998 por el furor de Titanic, la cadena ABC del grupo Disney vio cómo el rating se fue desmoronando año tras año. Sin embargo, en 2023 llegó a 18,7 millones de hogares (la mejor marca desde 2020) y eso motivó a Disney a pedir este año entreUS$ 1,7 y 2,2 millones por un spot de 30 segundos en las tandas comerciales (y se venden entre 50 y 70).

Claro que la repercusión de estos eventos globales y masivos ya no se mide tanto por la audiencia de una canal y un país sino por cómo rebota a nivel de los servicios de streaming a escala global. De hecho, sigue siendo una de las ceremonias que mayor repercusión generan en redes sociales e incluso en medios no especializados que durante el resto del año poca o nula atención le prestan al cine. Lo dicho: víctima favorita de los haters de Twitter (X) y de los cinéfilos que los miran con desprecio o desdén, lo cierto es que los Oscar resisten y siguen generando una atracción irresistible. Los premios que odiamos amar. O que amamos odiar.

DB/DTC