El cine dentro del cine siempre ha estado en la obra de Pedro Almodóvar. Ahí está el brillante inserto de El amante menguante en Hable con ella o de una forma más frontal, la compleja estructura de La mala educación. También el proceso creativo. Qué hay detrás de los escritores o los cineastas, qué los inspiran o cortan sus alas creativas, es otro de los tropos almodovarianos que abordó en varias películas, como la citada La mala educación; Los abrazos rotos, donde un director ciego dictaba sus historias a su ayudante, o Dolor y gloria, donde ambas constantes de su cine se abrazaban y desembocaban en un final donde la propia película se desvelaba como parte del artefacto.

Sin embargo, nunca había ido tan al límite como con Amarga navidad, su nueva película, donde lleva al extremo el juego de ficción y realidad en una filigrana narrativa brillante. Puede que sea de los guiones más complejos que haya escrito el propio Almodóvar, pero eso lo va descubriendo uno según pasa un filme al que conviene llegar lo más virgen posible para dejarse llevar por sus sorpresas narrativas que son, también en muchas ocasiones, guiños a la propia obra de su creador.

Amarga navidad es una inteligente y arriesgada matrioska donde cada historia va desvelando la siguiente… o la anterior, formando un juego de tramas que se entrelazan hasta desembocar en una escena final apabullante, de lo mejor que ha escrito el cineasta y condenada a quedar en el recuerdo. La primera capa muestra a una directora, Bárbara Lennie, que acude a un hospital por un episodio de migrañas. Pronto descubrimos que esa directora es un personaje de ficción escrito por otro director, Leonardo Sbaraglia, con un look que recuerda no de forma casual al del propio Almodóvar.

Por tanto, la matrioska almodovariana contiene a tres directores. La directora de la primera ficción, Lennie; el que escribe esa historia, Sbaraglia, y en un juego pirandelliano está, aunque no presente como personaje, el propio Almodóvar como demiurgo que escribe a ambos personajes, da forma a la película y hace que todas las piezas de su puzzle encajen.

El filme se descubre, en cada una de sus capas, como una reflexión sobre la responsabilidad moral de los creadores. ¿Hasta qué punto pueden nutrirse de forma impune de las historias que tienen alrededor?, ¿caiga quien caiga?, como se pregunta un personaje en un momento de la película. Esa pregunta se la hace la directora Lennie, se la pregunta el director que la escribe y, por tanto, nos la lanza el mismo Almodóvar a la cara del espectador.

¿Son los directores vampiros? Aquella cuestión estaba en el centro de una de las películas más importantes de la historia del cine español, Arrebato. Su director, Iván Zulueta, solo pudo dirigir dos películas, las mismas que dirigió el personaje de Bárbara Lennie en un guiño inconsciente al realizador que planteó de forma más bestia cómo el cine y la necesidad de crear puede devorar a los artistas. A la película de Zulueta se la recuerda, de nuevo, con ese cursor rojo del ordenador que palpita en la pantalla.

En ese juego de trenzas narrativas, Almodóvar se va desnudando en un ejercicio de autoficción con muchísima ficción, muchísimo juego narrativo y, como si fuera un oxímoron, muchísima verdad en la forma en la que el director aborda varios de los temas que centraron su última etapa como director, como la soledad, o algunos que siempre estuvieron, como la unión de las mujeres como forma de ayudarse y salir adelante en un mundo de hombres.

Este ejercicio de guion y de narrativa endemoniada se permite el lujo de construir una ficción errática, a la que le falta incluso un detonante narrativo, para luego en su última y genial pirueta convertir todo ello en parte del filme. Y ahí es donde conviene guardar la sorpresa de una película que se desdobla para explicarse.

De alguna forma, la última matrioska, la más pequeñita, hace que se entiendan las anteriores en una escena final donde Almodóvar hace hasta autocrítica de varias de las cosas que se han dicho de sus últimos filmes y de lo que podrían haber dicho de este… de no ser porque él fue más inteligente que todos y convirtió todo ello en parte del juego metanarrativo que propone una película que parece mucho más sencilla que lo que realmente es, un encaje de bolillos planificado al detalle. Lo hace, además, evidenciándolo en un tour de force final entre el siempre estupendo Leonardo Sbaraglia y una Aitana Sánchez Gijón condenada a ganar todos los premios posibles. 

Almodóvar recupera señas de identidad que se habían perdido en los últimos años. Hay humor, y funciona. Hay un guiño hasta al kitsch, con ese bombero stripper al que da vida de forma hermosa un Patrick Criado en un personaje tan bonito como su nombre, Boni, de Bonifacio, y que hasta nos hace pensar en el Jaime Chávarri de ¿Qué he hecho yo para merecer esto?. Hay insertos musicales como los que uno recuerda en Hable con ella, aunque el de Amaia no encaja tan bien como el Cucurrucucú Paloma de Caetano Veloso y quita fluidez a la narración, algo que no ocurre con la escena en la que Bárbara Lennie y Victoria Luengo escuchan en silencio La llorona de Chavela Vargas —cómo no iba a estar ella— mientras cada uno llora por un motivo diferente y emociona hasta la lágrima al espectador. 

Sigue siendo, por supuesto, una película que desprende el sello de Almodóvar en cada fotograma. En su forma de componer, en el vestuario, en la excelente partitura de Alberto Iglesias… pero en esta ocasión uno se rinde al riesgo de un director que podía vivir en el conformismo, en la austeridad que tan bien ha dominado en sus últimas obras, y que decidió ofrecer algo intelectual, emocionante, y que nos haga reflexionar sobre lo que hay detrás de cada obra de ficción.

Pedro Almodóvar nos recibe en su santoral particular. Una pared llena de la gente a la que admira y se cruzó en su vida. A pocos centímetros la mirada de Billy Wilder detrás de sus anteojos, un poco más arriba Jeanne Moreau. Unos metros más a la derecha aparece Ru Paul antes de hacerse famosa en la televisión. Y siempre, junto a ellos, sus actrices: Marisa Paredes y Penélope Cruz.

La pared de la oficina del director, en la sede de su productora, El deseo, es un repaso a su carrera y a todo lo logrado. Enfrente, muchos de los premios que ganó. Lo que nadie puede dudar es que esa oficina es de Pedro Almodóvar. Hay algo eminentemente suyo. No son solo los colores, ni la disposición de los muebles, sino algo que está presente desde que uno entra. 

El director abre las puertas de su oficina para hablar de su nueva película, Amarga Navidad, un filme que está entre los más complejos que escribió, y en el que reflexiona sobre la responsabilidad ética de los directores de cine a través de una historia que se parece a una matrioska y que adentro contiene unas cuantas más. A priori es la historia de una directora de cine, Bárbara Lennie, que solo dirigió dos películas y se encuentra en un parón creativo. 

Pero poco a poco Almodóvar va abriendo las muñecas de su película para ver que adentro hay mucho más. También la historia de otro director, Leonardo Sbaraglia, que se parece mucho al propio Almodóvar, y que vuelve a traer ese elemento de auto ficción que estaba en Dolor y Gloria.

—Amarga Navidad habla del proceso creativo. Estamos en su oficina, ¿es aquí donde se da ese proceso?

—Parte. Aquí no escribo. Escribo siempre en casa o en cualquier otro lugar, pero aquí y en estas mismas butacas, dispuestas de otro modo, es donde hago las primeras lecturas con los actores y los primeros ensayos, incluso las primeras pruebas. Esto es una especie de ‘santa sanctorum’, y justamente esa parte del proceso es esencial, porque un casting desafortunado te puede cargar la película. Afortunadamente en esta he sido muy, muy afortunado. Estoy muy contento con todos los actores.

—¿En esas lecturas ya se nota si algo no va bien?

—Absolutamente. Pero desde la primera. Yo recuerdo haber tenido un gran problema con una película a principios de este siglo. Y ya en la primera lectura vi cuál era el problema. Lo que pasa es que no había modo de echarse atrás y pensaba que yo también era el problema y que después tú tienes que solucionarlo, que eres el director. Pero no se solucionó y fue a más.

En las primeras lecturas voy por partes. Por parejas o tríos o solo si es un monólogo. Y recuerdo que en esta ocasión ya me di cuenta de que los diálogos del final, de los últimos 20 minutos que protagonizan Leo Sbaraglia y Aitana Sánchez Gijón, que eran muy difíciles, e intenté cambiarlos, pero era imposible. La solución es que como son dos buenos actores, ellos afortunadamente me dieron todo el tiempo necesario y estuvimos por lo menos dos meses de ensayos diarios con esos 20 minutos.

—La película habla de esa relación entre ficción y realidad. Siempre dice que sus películas nacen de lugares muy diferentes. Tacones lejanos nació de escuchar un noticiero y pensar que la presentadora que estaba contando un crimen de repente confesaba que lo había hecho ella. ¿Cuál fue la chispa de Amarga Navidad?, ¿por qué hablar de esto en este momento de su carrera?

—Amarga Navidad procede de un libro de relatos que escribí y que salió hace dos años o tres, y es uno de ellos. En principio el relato es lo que me empuja a ponerme a escribir. El relato son 12 folios y el guion son 160. Todo lo demás tenía que inventármelo, y en el relato no está ese elemento tan esencial que sí está en la película de la relación de realidad y ficción, que es algo que a mí siempre me ha inspirado y que ya está presente en más de una película. En La mala educación, el papel de Fele Martínez sabe que ha contratado a un chico que es falso, que dice ser alguien que no es, pero a la vez le fascina a nivel creativo ver hacia dónde lo va a llevar o hasta dónde va a ser capaz de esa impostura. La relación activa de un creador y la génesis de las ideas siempre han sido temas que a mí me han fascinado, porque es un tema muy misterioso.

En general mis ideas provienen del exterior, de las múltiples cosas que puedo encontrar en el exterior. Pero últimamente estoy recurriendo más a mí mismo como inspiración de lo que voy a escribir. En los últimos cinco años he hecho Dolor y gloria y esta película en la que como referencia principal para el personaje del director soy yo. Esto no quiere decir que yo esté loco por hablar de mí, no. De hecho no quiero hablar de mí, pero también me doy cuenta de que mi experiencia es el elemento que yo conozco mejor. No tengo que documentarme. Está dentro de mí. Y para todo lo demás, hay que ser un poco valiente y ver si vas a estar dispuesto a poder hablar de todo esto con la prensa. Porque hay una exposición, que no es lo que yo busco, pero forma parte de la aventura. También me estoy exponiendo hablando contigo.

—Recuerdo Dolor y Gloria que la gente jugaba de alguna forma a ver qué era verdad o mentira, ¿le da miedo la especulación, que quieran saber qué es verdad y qué no?

—Con las dos películas ya juntas creo que me he olvidado ya de esa especulación. En principio no me gusta la idea, no me gusta en absoluto. En Dolor y Gloria las partes que parecían de ficción eran las que eran reales y lo contrario. Y ahí me di cuenta que había un tema, que era la heroína, porque el personaje toma heroína en algún momento de la película. Yo nunca he tomado heroína, pero cuando hablaba con la prensa me daba cuenta de que les gustaba más el personaje si yo había tomado heroína. Había un momento que ya decía, mira tú pon lo que quieras, yo te digo la verdad.

Entonces me importaba menos pero sí es cierto que he tenido que vencer el pudor, porque yo soy una persona de natural pudorosa. De hecho te darás cuenta que hay muy pocas entrevistas, yo creo que ninguna, en la que hable directamente de mi vida privada. Es algo que lo he tenido siempre acotado. Lo que ocurre es que cuando escribo, no hay límites en ningún sentido y es cuando yo me siento más libre. Y ojalá que siga escribiendo así. Soy mucho más libre escribiendo, como decía Aitana al personaje, que en mi vida real. Pero el pudor no me ha quedado más remedio que ir superándolo a base de entrevistas.

—Otro de los temas de la película es la ética del guionista, la vampirización del creador de los que tiene alrededor, ¿es Pedro Almodóvar muy vampiro como creador?

—No, no lo soy. Pero lo que sí soy es muy poroso, muy permeable. Acabo de escribir ya el guion de lo que espero que sea la próxima película y no voy a decir el qué porque son dos personas conocidas, pero viene de un comentario absolutamente banal que me hizo una de las actrices durante el rodaje y de pronto eso encendió en mí una idea y después la desarrollé y salió como un torrente. Era como si hubieran abierto una puerta o quitado un tapón, y todo lo demás estaba dentro de mí.

El origen realmente era una cosa completamente superficial. La creación es un misterio, no puedes provocarla. Lo que sí puedes hacer es, como decía Picasso, trabajar. Yo me siento en el ordenador a escribir todos los días. Que la inspiración te coja escribiendo. Pero, en efecto, uno de los debates posibles de esta película son los límites del creador. Hay que preguntarse si hay límites, si no los hay, y si uno tiene derecho realmente a hablar de los demás con la misma sinceridad y la misma falta de pudor que cuando hablas de ti mismo.

—¿Hay límites?

—Es una pregunta que yo todavía no sabría cómo responder, porque hay una cosa clara y es que yo no quiero hacer daño a nadie. Los personajes que te inspiran son la gente con la que vives, y la gente a la que quieres. Y si fuera consciente de que cuando estoy escribiendo podría hacerle el menor daño, no lo haría. No escribiría. Pero uno no lo sabe tampoco. Yo nunca he tenido ninguna reacción cuando ha aparecido una anécdota que pertenecía a otra persona. Creo que en eso los límites dependen de la sensibilidad moral de cada persona.

El otro día leía un artículo con Emmanuel Carrère, que es el gran escritor de autoficción, donde él sí confesaba que se arrepentía de que con una de sus novelas hizo daño a su novia en ese momento y se arrepentía. Lo decía siendo consciente y no se sentía orgulloso de ello. Pero también decía, y citaba a otro autor: “Si en una familia hay un escritor, esa familia va a tener problemas”. Y es cierto, los escritores, sin que queramos, nos convertimos en seres peligrosos para los que nos rodean. Yo también me incluyo en eso, pero hasta ahora creo los límites te los impones en base a tu propia moralidad y tu propio sentido ético. Pero hay algo que es cierto, si hay algo que me inspira, si tú mismo me inspiras algo y yo me pongo a escribir…

Una entrevista no suele porque normalmente me inspiran personas que han sufrido, me inspira más el dolor que lo cotidiano, el placer o una entrevista encantadora como la que estamos teniendo. Las cosas encantadoras no me inspiran. Pero cuando estás hablando de alguien y sabes que has iniciado un camino en el guion que te está llevando a un lugar interesante uno no se pregunta si sigue o si tiene el derecho a hacerlo. Ahí reconozco que el autor está absolutamente poseído por lo que está escribiendo y la referencia real desaparece. Aparece después, cuando ya la has terminado de escribir y cuando has terminado la película. Pero reconozco en el director un enorme egoísmo cuando ocurre la inspiración, eso sí es cierto.

—Es una película que habla del cine como vampiro y el personaje de Bárbara Lennie es una directora de culto que solo ha dirigido dos películas, se me hizo imposible no pensar en Iván Zulueta…

—Es verdad que Iván hizo solo dos películas, pero no está inspirada en él. Yo a Iván le conocí mucho, trabajamos juntos, hizo tres o cuatro carteles de mis películas y hubo un periodo en que nos veíamos diariamente en Madrid y teníamos muchos amigos en común. Hay un elemento aquí que sí que me recuerda a Arrebato y me lo recordó después, cuando ya estábamos rodando, y es el cursor del ordenador. Ese cursor palpitando en la pantalla para mí equivalía un poco a la voracidad y la llamada que tiene el fotograma en rojo en Arrebato, que acaba engullendo, con el consenso del engullido, a Eusebio Poncela. Este palpitar del cursor tiene esa cualidad vampírica que es incluso superior. No lo desarrollo tanto, pero sí me servía como leitmotiv.

Es superior a la voluntad del Creador. Cuando al final el creador ha terminado y está tratando de volver a escribir el guion y yo le hago un primer plano, el cursor está llamándole en ese momento de duda. La presencia de Iván si está en la película, me he dado cuenta después, pero para el personaje de Bárbara pensaba más en alguien como Lucrecia Martel, por ejemplo, que ha hecho más de dos películas, habrá hecho cinco o por ahí, pero es una directora muy buena que desgraciadamente su cine es muy minoritario.

—En un momento el personaje de Bárbara Lennie va al hospital y hay una mención a Hable con ella. Ella dice que escribió una película donde había dos mujeres en ese hospital, una en cada habitación, y una moría, así que pedía que la llevaran a la otra.

—Exacto.

—Esa directora de Amarga Navidad solo tiene dos películas, así que me pregunté, si tuviera que elegir solo dos películas, o pensar que solo ha dirigido dos películas, si Hable con ella sería una de ellas. 

—Espero no tener que decidir eso nunca. En efecto, estaba pensando en Hable con ella. Es muy evidente que estoy pensando en mi película. Si tuviera que elegir dos, yo creo que Hable con ella sería una de ellas, seguro. Y también hay consenso con eso. Es una de mis películas más valoradas de mi carrera.

—En esa escena final que ha mencionado, el personaje de Aitana Sánchez Gijón le dice muchas verdades a ese director, ¿le ha dado miedo que no le digan la verdad?, ¿rodearse de sitios donde todos le alaben y perder el contacto con la realidad?

—Perder el contacto con la realidad es muy malo, sobre todo si además te dedicas a contar historias. No es una buena idea. Aunque a veces sea duro, yo afortunadamente creo que tengo por lo menos dos personas aquí, una es Lola, mi asistente, y otra es mi hermano, que me dicen cuál es el mundo en el que vivo.

Alguien que se dedica a esto o que ha tenido tanto éxito como yo, inevitablemente se aísla y es muy importante que haya alguien que, sin ningún respeto, no quiero decir violentamente, pero sí sin ningún respeto, te diga exactamente cómo son las cosas. Eso a mí me tranquiliza y me horrorizaría saber que estoy absolutamente solo, porque sé que la realidad, según me la van a contar los demás, es ligeramente distinta o mucho más suave que la que realmente es. Entonces yo no le tengo miedo. Puede gustarte o puede no gustarte, pero agradezco siempre que alguien me diga algo en lo que yo no he pensado y que sea mucho más real que lo que yo he pensado antes.

El artista tiene que posicionarse, porque hay mucha gente que se mira en él

Pedro Almodóvar — Cineasta

—¿Cómo se impone la realidad a la ficción en estos momentos? Vivimos un mundo tan caótico, que no sé si esa realidad se impone en forma de pesimismo. 

—Inevitablemente te influye, aunque hagas una comedia. De hecho, yo no estaba pensando tampoco en esta horrible situación que estamos viviendo. Creo que nunca hemos vivido en un mundo peor que el que estamos ahora experimentando. Por lo menos en los últimos 50 años de nuestra vida. Por ejemplo, el guion que acabo de escribir está totalmente contaminado por el pesimismo de la situación en la que estamos y ni siquiera era consciente cuando lo estaba haciendo. Es muy difícil que la realidad que estamos viviendo ahora mismo no te afecte. Yo trato de ser optimista, de pensar que habrá soluciones, pero me cuesta. Me cuesta mucho trabajo creer y creerme ese optimismo que yo me impongo como de un modo militante.

—Hablamos del compromiso ético de un creador, pero estamos con el debate sobre el compromiso político. Venimos de una Berlinale donde se discutió el tema. ¿Qué opina de esta guerra cultural sobre si los cineastas deben o no posicionarse?, ¿considera que un deber moral también es hablar?

—Absolutamente. La reacción del jurado de la Berlinale me parece totalmente acomodaticia. Viniendo además de un país como Alemania, que está siempre mirando a EE.UU. y está siempre alineado con ellos no te extraña. A mí me parece de una cobardía inaudita. Me parece absolutamente necesario que saliera Tilda Swinton en nombre de todos nosotros, hablando de que tenemos que implicarnos en la realidad, cómo no hacerlo cuando no sabemos qué va a pasar en Gaza, y las cosas pintan del peor modo, porque nadie se cree esa paz, porque al día siguiente ya había 20 muertos, y al otro día 30.

El artista tiene que posicionarse, porque hay mucha gente que se mira en él. Entonces, si se van a mirar en este espejo, para bien y para mal, quiero que les devuelva el horror ante un genocidio como el que estamos viendo diariamente en televisión. El comportamiento de otros lugares como EEUU, sosteniendo ese horror, y con unas ideas respecto al futuro de los gazatíes son escalofriantes. Los artistas no vivimos en una torre de marfil, vivimos en la calle, vivimos de acuerdo con la realidad que nos ha tocado vivir y la que nos ha tocado vivir es la que es. La que le ha tocado vivir a todo el mundo, y todo el mundo tiene derecho a manifestarse y desde luego los artistas.

—Dijo que tiene el guion de la próxima película escrito, leí que escribió una novela, se encuentra en un momento de mucha creatividad, ¿hay un motivo concreto, una sensación de no querer dejar nada por contar?

—Exactamente desde la pandemia he rodado más que en comparación con los diez años anteriores. Me ha entrado una prisa tremenda. Tengo la impresión, no de que me vaya a morir dentro de dos años, pero de que me queda cada vez menos tiempo. Esa sensación del tiempo que pasa se me ha hecho una presencia que no me olvido de ella. Comparte la mesa de trabajo conmigo. Entonces me ha entrado una prisa descomunal y ahora estoy escribiendo más que nunca.

Salgo menos que nunca y tengo menos vida social que nunca. No sé si es lo mejor o lo peor, pero siento que esta es la vida que he elegido y no me siento mal. No me siento solo. Pero sí es cierto que tengo una necesidad casi histérica de seguir escribiendo y de seguir pensando en más de un proyecto. Sí, me ha entrado una gran prisa. Tendrá que ver con la edad. Quiero decir, yo ya no voy a cumplir 70 años, ni 71. El tiempo es algo que corre y es inevitable. Se te escurre y se va, esa es la naturaleza del tiempo. Yo estoy tratando de retenerlo y de ir al mismo ritmo, y es una locura, pero de todos modos me resulta muy entretenido.

Video de la entrevista completa

Vídeo: Alex Corral, Salvador Fenoll

La nueva película de Pedro Almodóvar, Amarga Navidad, estrenó su primer teaser tráiler. Un avance con muy pocos diálogos, sugerente, donde se pueden ya oír los acordes de la banda sonora de Alberto Iglesias y a un reparto que encabezan Leonardo Sbaraglia, Bárbara Lennie, Victoria Luengo, Patrick Criado, Aitana Sánchez Gijón y Milena Smit entre otros.

La película llegará a las salas de cine de la mano de Warner el próximo 20 de marzo, una fecha muy querida por el cineasta. Es ahí donde normalmente estrenaba sus filmes antes de acudir a Cannes. Habrá que esperar para saber si Amarga Navidad repite esa misma estrategia. Almodóvar rueda de nuevo en español tras su primera experiencia en inglés, La habitación de al lado, con la que ganó el León de Oro en Venecia.

La película cuenta la historia de Elsa, una directora de publicidad cuya madre muere durante un largo puente del mes de diciembre. “Encuentra refugio en el trabajo, aunque es más bien una huida hacia adelante. Trabaja sin parar y, sin darse cuenta, no se concede el tiempo necesario para guardar el duelo por la ausencia materna. Hasta que una crisis de pánico la obliga a detenerse e imponerse un descanso. Su pareja, Bonifacio, es su tabla de salvación en esos momentos de crisis. Elsa decide viajar a la isla de Lanzarote acompañada por su amiga Patricia, que también necesita alejarse de Madrid, mientras que Bonifacio se queda en la ciudad”, dice la sinopsis oficial.

Además, la historia de estos personajes se narrará paralelamente a la del guionista y director de cine Raúl Durán, “entremezclando ficción y realidad”. “Porque Amarga Navidad desarrolla cómo la vida y la ficción están unidas de un modo indisoluble, incluso doloroso en ocasiones”, dicen del tema central de esta historia.

La serie Menem se grabó hace varios meses, pero no podía ver la luz debido a una resolución de la Justicia. El hijo de Carlos Saúl Menem, Carlitos Nahir Menem, hizo una presentación para impedir que Amazon Prime estrenara la serie que cuenta parte de la vida del expresidente de los argentinos, con Leonardo Sbaraglia y Griselda Siciliani como protagonistas.

La serie forma parte de la disputa entre Carlitos y Zulemita Menem ya que la hija del político habría sido la única que negoció con las productoras que trabajaron en el desarrollo, sin tener en cuenta lo que opinaba Carlitos.

El juez civil Carlos Goggi fue quien dictó una medida cautelar para suspender la emisión de la serie y todo lo que involucre su difusión en medios televisivos y radiales, así como también en redes sociales.

Finalmente, los productores consiguieron la autorización para poner al aire los episodios de esta producción que se podrá ver por Amazon Prime Video, a partir del 9 de julio.

La serie fue grabada en 2023 con Leonardo Sbaraglia en el rol de Carlos Menem y Griselda Siciliani como Zulema Yoma, con Ariel Winograd en la dirección. Su estreno estaba previsto para mediados de 2025.

Además de Leonardo Sbaraglia como Menem, el elenco incluye a reconocidos actores como: Griselda Siciliani, Juan Minujín, Marco Antonio Caponi, Agustín Sullivan, Cumelén Sanz, Guillermo Arengo y Campi.

Con información de la agencia NA

No pasó ni un año desde que Pedro Almodóvar ganara el León de Oro por La habitación de al lado y el cineasta ya se encuentra rodando la que será su nueva película. Se llama Amarga Navidad —un título que él mismo ya había adelantado— y ya se encuentra en plena producción entre Lanzarote y Madrid. Con una nota de prensa, la productora El Deseo ha anunciado el comienzo del rodaje, y también ha avanzado otros detalles como el cásting que protagonizará esta historia y que encabezan Leonardo Sbaraglia, Bárbara Lennie, Victoria Luengo y Patrick Criado entre otros.

Para los tres primeros será su segunda experiencia a las órdenes del cineasta. Lennie tenía un breve papel en La piel que habito, Luengo en La habitación de al lado, y Sbaraglia brilló con su papel de reparto en Dolor y Gloria. Para Criado será su debut dentro del universo de Almodóvar. No son los únicos intérpretes confirmados. También repetirán con él Milena Smit y Aitana Sánchez-Gijón (que ya coincidieron en Madres Paralelas) y asistiremos al debut de Quim Gutiérrez en el cine de Almodóvar.

La película, que llegará a los cines en 2026 de la mano de Warner y con la colaboración de Movistar Plus+ cuenta la historia de Elsa, una directora de publicidad cuya madre muere durante un largo puente del mes de diciembre. “Encuentra refugio en el trabajo, aunque es más bien una huida hacia adelante. Trabaja sin parar y, sin darse cuenta, no se concede el tiempo necesario para guardar el duelo por la ausencia materna. Hasta que una crisis de pánico la obliga a detenerse e imponerse un descanso. Su pareja, Bonifacio, es su tabla de salvación en esos momentos de crisis. Elsa decide viajar a la isla de Lanzarote acompañada por su amiga Patricia, que también necesita alejarse de Madrid, mientras que Bonifacio se queda en la ciudad”, dice la sinopsis oficial.

Además, la historia de estos personajes se narrará paralelamente a la del guionista y director de cine Raúl Durán, “entremezclando ficción y realidad”. “Porque Amarga Navidad desarrolla cómo la vida y la ficción están unidas de un modo indisoluble, incluso doloroso en ocasiones”, dicen del tema central de esta historia.

La cita con Leonardo Sbaraglia es en el lujoso hotel María Cristina de San Sebastián, un hermoso edificio de la belle époque inaugurado en 1912 y por cuyas habitaciones han pasado León Trotski, Mata Hari, Maurice Ravel, Coco Chanel, Bette Davis, Audrey Hepburn, Alfred Hitchcock, Steven Spielberg y Mick Jagger.

Sin embargo, alejado por completo del glamour de semejantes huéspedes, el actor recibe a elDiarioAR con un té de carqueja en la mano (habrá un “debate” entre entrevistador y entrevistado respecto de cuándo y cómo es mejor tomarlo) y una fuente de frutas. Así de descontracturado será el diálogo sobre su interpretación del periodista José de Zer en “El hombre que amaba los platos voladores”, película que compitió en la sección oficial del reciente festival de San Sebastián, que Netflix estrenará el 18 de octubre y que ya se está proyectando en el Atlas Caballito (única sala), pero también sobre su presente artístico y personal, así como su mirada del cine y del país.

A los 54 años, Sbaraglia atraviesa el mejor momento de su carrera con exigentes y potentes actuaciones como las de “Errante corazón” (2021) o “Puan” (2023). Ya sea en papeles secundarios como el de “Blondi”, en comedias como “Hoy se arregla el mundo” y en series españolas como “Todos mienten”, “Élite” o “Las Azules” ha expuesto una variedad de recursos, una ductilidad y un desenfado que no tenía (o escondía) durante su juventud.

Pero hay otra faceta que ha marcado los hiperactivos últimos años de Sbaraglia: la de encarnar en la ficción a personajes reales. Fue Guillermo Coppola en la miniserie “Maradona: sueño bendito”; Álvaro Torres (inspirado en el empresario Marcelo Romeo) en “El gerente”, ahora interpretó a José de Zer, un periodista sensacionalista que batió récords (más de 50 puntos de rating) en el noticiero Nuevediario con sus delirantes informes de, por ejemplo, presencia extraterrestre en el cerro Uritorco, próximo a la ciudad cordobesa de Capilla el Monte; y en breve lo veremos como Carlos Saúl Menem en la serie de Amazon Prime Video dirigida por Ariel Winograd.

—Hay un debate histórico respecto de qué debe priorizar un actor a la hora de interpretar a un personaje real: está la obsesión por la imitación, la mimetización, mientras otros apuestan por crear algo no tan exacto en cuanto a la voz o la gestualidad, pero que tenga vuelo propio ¿Cómo encarás en tu caso la preparación y la construcción de ese tipo de papeles?

—Sobre Menem hay muchísimo más material y además la gente lo tiene más incorporado. En cambio, mucha gente (sobre todo joven) no tiene idea de quién fue José de Zer. Estábamos en la duda respecto de si apostar a algo más realista o no. Nunca busco imitar porque para eso están los imitadores. Las escenas te obligan a una interpretación y en este caso era difícil ir encontrando el tono, el punto justo. En ese sentido, ensayamos un par de meses antes de ir al rodaje, algo que a mi me parece muy importante. En esto también hay varias teorías: hay directores que no creen en el ensayo, prefieren ir de forma directa al la filmación y trabajar ahí. A veces, no hay tiempo ni dinero, pero yo agradezco cuando un realizador me propone ensayar mínimamente un mes para establecer un lenguaje, encontrar una base con el director.

En un principio era víctima de cierto encorsetamiento por la compulsión de transformarme en un actor más serio, en salir del rol de galancito que tuve entre los 20 y los 30

—¿El enfoque es muy diferente respecto de cuando el personaje es puramente ficcional?

—Sí, muy diferente. He visto todos los videos disponibles de José (de Zer). Los escuché mil veces tratando de encontrar el lugar en la garganta, en su energía, en su alma. Era un tipo de un enorme histrionismo, de apariencia fuerte, pero en el fondo también muy frágil. Teníamos que contar cómo era alguien muy ansioso, que tomaba muchos ansiolíticos para bajar, que tenía mucho fuego, que fumaba cualquier cantidad, que casi no comía ni dormía. Son elementos que te ayudan a construir, no solo es verlo a él en un video, hay que entrar en una frecuencia diferente. Yo tengo una personalidad más sosegada. Se trata de conseguir lo que te pide cada escena y luego en el rodaje todo se va enhebrando. La composición va penetrando en todo, te va absorbiendo. Yo me veo en las primeras escenas que rodamos -que como en el cine nada es cronológico la gente no se da cuenta, pero yo sí- que me faltaba algo y que en las últimas escenas toda esa esencia está mucho más incorporada. Hay un proceso de mímesis. Todo se termina cocinando, cuajando. Al principio vas buscando, vas tanteando. Yo lo escuchaba a José con los auriculares hasta un minuto antes de rodar con la obsesión de encontrar la voz y al mismo tiempo de no lastimarme la garganta. Diego (Lerman) me decía: “Ya basta, encontremos a nuestro De Zer”. Es como cuando vas al jardín de la mano de tu mamá, ella te suelta y te dice que tenés que entrar solo.

—Durante mucho tiempo se te veía obsesionado porque se te reconociera como un actor de prestigio, se te notaba demasiado preocupado o pendiente del qué dirán. Ahora, se te percibe con una madurez mucho más liberada, más suelta. En “El hombre que amaba los plastos voladores” das rienda suelta al humor, cantás canciones de Pimpinela y Alberto Cortés ¿Cuándo, cómo y por qué se produjo ese clic?

—Sí, fue un proceso que me lo comentó mucha gente y que se potenció en los últimos 10 años de mi vida. En un principio era víctima de cierto encorsetamiento por la compulsión de transformarme en un actor más serio, en salir del rol de galancito que tuve entre los 20 y los 30, allá en la década de 1990. De golpe, estaba trabajando con Alfredo Alcón y tenía que demostrar que estaba a la altura. Luego me vine a España y me ayudó mucho en eso de romper el molde porque acá se ríen mucho más de sí mismos. Y la vuelta a la Argentina me encontró también en cuestiones personales con cierta madurez, pude soltar la mano de aquellos actores que yo creía que me hacían bien y hoy sigo en la búsqueda. El crecimiento personal y el profesional van siempre de la mano, la libertad se manifiesta en ambos terrenos de forma simultánea. Es de ida y vuelta porque a veces cosas del trabajo te ayudan a romper barreras en lo personal.

—¿Cómo fue interpretar a Menem?

—Esa experiencia me permitió ampliar el rango de exploración, iluminar otros lugares expresivos míos en los que no había incursionado, estar más lanzado, asumir más capacidad de riesgo. Mi espectro de búsqueda o de musculación se expandió. Fui al gimnasio de la imaginación. Me habilitó a jugar. Los personajes viajan conmigo durante muchísimo tiempo. Hay que escuchar para aprender, para estimularse, para ilusionarse, para vitalizarse, para desear, para mejorar como actor y como persona. En lo personal voy creciendo y los distintos personajes dialogan con mi propia vida. En un gran porcentaje mi trabajo es mi vida y mi vida es el trabajo.

—¿Y qué te interesó en especial de un personaje con tantas facetas y posibilidades histriónicas como José de Zer?

—En principio, las ganas trabajar con Diego, de quien me había encantado “La mirada invisible”, en un guion que era estupendo y con una historia que habla de cosas originales y personales, que es misteriosa, metafórica y poética porque va más allá de lo que podemos ver o entender. Un personaje que va encontrando nuevos mundos, que debe lidiar con ataques, con la enfermedad y con la muerte, pero que también tiene que ver con lo lúdico, con la luz y la sanación. La experiencia de filmar en un pueblo minero como La Carolina en San Luis, que tiene apenas 150 habitantes, que parece detenido en el tiempo y en el que ocurrieron muchas tragedias, fue increíble, no hay tantas así en la vida y por eso estoy muy agradecido.

—La película daba para la parodia y hasta la sátira, pero ustedes decidieron iluminar otras zonas.

—José a su manera perseguía cosas legítimas, su verdad. Lo catalogaron como un farsante, pero todos nos sentimos alguna vez así, un poco farsantes y al mismo tiempo persiguiendo alguna verdad. Me tuve que creer su discurso, su costado medio mesiánico, cierto esoterismo, entrar en el juego de alguien que estaba todo el tiempo corriendo los límites de la realidad, que pone en cuestión qué es la verdad, la realidad, la locura. Cuántos locos hoy están en lugares muy importantes. En el arte tenemos todos los permisos para llevar esa locura hasta donde dé el verosímil. Conocí a muchas personas que habían trabajado con él en el canal y también a su hija Paula, que me habló con muchísimo cariño y amor de su papá. La gente le tenía mucha admiración. Toda la gente con la que hablamos nos decía “es un capo”, las cosas que hacía, la capacidad inventiva, de imaginación, de resolución, de agilidad que tenía ese hombre. Fue un pionero de muchas cosas en la televisión.

—Desde la pandemia filmaste cerca de 20 proyectos entre películas y series, tanto en España como en la Argentina; una continuidad encomiable que ahora está en riesgo porque la industria audiovisual local está prácticamente parada.

—Hace 40 años que me rompo el alma como actor, que trato de defender mi oficio con la mayor dignidad. Yo voy a seguir trabajando porque hay proyectos con plataformas de streaming (N. de la. R. “Las maldiciones”, serie de Netflix dirigida por Daniel Burman sobre libro de Claudia Piñeiro), pero hoy -como dije en la conferencia de prensa acá en San Sebastián- se trata de salvar al cine y sobre todo, a la Argentina. El cine, la cultura, el arte siempre ha encontrado infinitas maneras de lucha, de resistencia y de expresión. Lamento que no haya voluntad de diálogo por parte de un gobierno que se dedica a combatir a un cine que es maravilloso, reconocido en todo el mundo por su calidad y diversidad, a una industria que da de comer a miles de familias. Claramente no se trata de una cuestión económica sino de una decisión política, generando un escenario de conflicto que no iniciamos los artistas. Es realmente muy triste.

DB/JJD/DTC

El actor argentino Leonardo Sbaraglia, que participó este martes en un acto de apoyo del festival de San Sebastián al cine argentino, lamentó la ausencia de diálogo por parte del Gobierno del ultraliberal Javier Milei con un sector del que “debería sentirse orgulloso”.

“Tenemos un cine del cual nuestros gobernantes y el presidente deberían sentirse orgullosos pero la voluntad política está siendo ciega”, dijo en rueda de prensa en el certamen, donde presentó en competición en sección oficial la película 'El hombre que amaba los platos voladores', junto a su director, el también argentino Diego Lerman.

“Lo último que queremos es hablar de política en una conferencia de prensa sobre nuestra película, pero se ha generado un escenario de conflicto que nosotros no iniciamos”, aseguró el actor.

Sbaraglia recordó que el cine es una industria que funciona: “Yo hace 40 años que me rompo el alma como actor para tratar de hacer mejor las cosas”, subrayó.

Al mismo tiempo, insistió en que no es solo el cine argentino el que está en peligro, sino todo el país. “El cine va a encontrar su manera, vivimos una crisis tremenda en 2001 y la cultura siempre ha encontrado infinitas maneras de resistencia”, manifestó.

Por su parte, Lerman dijo que la situación del cine argentino es de “incertidumbre total”, de “parálisis” y de “tristeza e impotencia”.

“Somos una generación que crecimos con la ley del cine y al ver este ataque sistemático y violento intentamos defendernos con nuestras películas, pero desde la convicción de que vamos a seguir haciendo cine, no sé de qué manera”, agregó.

Desde la llegada de Milei a la Presidencia argentina en diciembre pasado, su Gobierno ha implementado fuertes recortes contra la industria del cine, especialmente contra el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), encargado de las subvenciones.

En esta edición del festival de San Sebastián el cine argentino está representado por 16 películas en las diferentes secciones.

“El riesgo es que el año que viene no haya películas”, advirtió Lerman en declaraciones a EFE, porque las películas que están hoy son las que se empezaron a hacer hace un tiempo atrás, la cadena es bastante larga y hoy está interrumpida“.

“Pasaremos de 26 a cero películas argentinas”

El Festival de San Sebastián celebró este martes un acto de apoyo al cine argentino contra las medidas de desmantelamiento de la industria del Gobierno de Javier Milei, que podría provocar que la presencia de películas argentinas pase de 26 a cero en la próxima edición.

“En esta edición hay 26 películas argentinas, en la próxima probablemente haya cinco, dos o ninguna”, dijo en nombre de los artistas la directora argentina Lola Arias, directora de 'Reas'. “Imaginemos lo que eso significa en los cines de la Argentina, sin películas nacionales que proyectar, en las que nuestro público pueda verse y pensarse”, añadió.

El actor Leonardo Sbaraglia, los directores Diego Lerman ('El hombre que amaba los platos voladores', de la sección oficial) e Iair Said ('Los domingos mueren más personas', de Horizontes Latinos) o el elenco de la película 'Reas' estaba entre el numeroso grupo de cineastas y artistas que se concentraron en las escaleras del cine Kursaal de San Sebastián (norte de España), sujetando una gran bandera argentina mientras entonaban 'La patria no se vende'.

“El Festival de Cine de San Sebastián, como manifestación cultural que es, no puede permanecer al margen del desmantelamiento de una cinematografía nacional por parte de un gobierno que, además, justifica a una dictadura militar que asesinó a miles de ciudadanos”, declaró en nombre de la dirección del Festival su director, José Luis Rebordinos.

Tras recordar que esta situación de precariedad de la industria se vive en otros países, como Venezuela, Rebordinos remarcó que la paralización de proyectos, el vaciado de contenido del INCAA (su instituto de cine) y otras medidas del Ejecutivo del ultraliberal Milei “ponen en peligro el desarrollo, no solo de su cinematografía, sino también de otras manifestaciones de su cultura”.

El festival dejó claro que este apoyo “no significa ninguna intromisión en la política de Argentina” y que durante años colaboró con un INCAA que ha tenido diferentes colores políticos y gobiernos conservadores, liberales o de tipo peronista.

“Con todos ellos la industria argentina ha conseguido desarrollarse con normalidad y ser una de los más importantes de América Latina, mostrando una imagen positiva del país y siendo un motor económico del mismo”, continuó.

Arias lamentó que, en su país, “al igual que la ciencia, la universidad pública, los jubilados, el cine es una moneda de cambio más en una guerra cultural que a nadie beneficia y que no aporta nada a nuestro país. Más bien parece una cortina de humo para distraer a la sociedad en una economía donde día a día se hace más difícil acceder a las cosas más elementales, generando hambre, ignorancia y odio”.

Por su parte, la actriz María Alché ('Cuando las nubes esconden las sombras') criticó la “agenda de un Gobierno ultraliberal que intenta promocionar como libertad la destrucción de nuestra memoria y de nuestra soberanía cultural”.

“Es tarea del Estado proporcionar las condiciones necesarias para la creación y la producción de bienes culturales. Por eso estamos alzando nuestra voz en defensa de nuestra identidad y nuestros derechos. La lucha por el cine argentino es una lucha por nuestro futuro”, concluyó entre aplausos.

EFE.

IG

El cine español reconoció este jueves al director Adolfo Aristarain, aplaudido internacionalmente por filmes como 'Un lugar en el mundo' (1992), 'La ley de la frontera' (1995) o 'Martín (Hache)' (1997), como un contador de historias humanas a medio camino entre el país europeo y su Argentina natal.

Arropado por numerosas personalidades del cine argentino, como la actriz Cecilia Roth, los actores Leonardo Sbaraglia y Peter Lanzani, el director Marcelo Piñeyro o el productor Héctor Olivera, además de su esposa Kathy Saavedra -coguionista de varios de sus trabajos y, como él reconoció a la agencia EFE recientemente, “la responsable” de que sus películas no sean “una cursilería”-, Aristarain fue galardonado con la Medalla de Oro 2024 de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, conocida como Academia del Cine.

En una ceremonia celebrada en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba), el director que se hizo “a sí mismo”, como lo definió el presidente de la Academia, el crítico y realizador Fernando Méndez-Leite, recibió el cariño de los presentes y también mediante videos grabados por muchos representantes del cine de Argentina y de España, dos lugares entre los que tejió un puente permanente relatando historias, el 'leitmotiv' de su carrera.

“Es un hombre muy querido dentro de nuestra industria y, por otro lado, un cineasta internacional de mucho prestigio; por lo cual nos parecía que llevaba muchos años fuera de España y era una muy buena idea recuperar a Adolfo Aristarain y dedicarle un homenaje”, indicó a EFE.

Méndez-Leite, que llamó al homenajeado su “amigo intermitente” por las numerosas veces que se habían cruzado en sus carreras, recordó que es alguien “muy querido en el cine español” por haber trabajado “prácticamente con todos los técnicos y todos los grandes actores del cine español de los años 70, 80 y 90”.

Por su parte, Sbaraglia, que nunca filmó con Aristarain, tuvo un recuerdo emocionado para el actor Federico Luppi como el “gran referente” del cine del galardonado, con quien hizo 'Un lugar en el mundo' o 'Lugares comunes' (2002), entre otros.

“Es un cine que uno respeta, admira; es un cine comprometido, es un cine que habla de nosotros, que habla de lo mejor del ser humano y muchas veces de lo que no sabemos del ser humano. Como que nos habla de lo mejor del ser humano y también de lo que ignoramos, de lo que no sabemos, de ese misterio”, indicó a EFE el intérprete de 'Caballos salvajes' (1995), 'Plata quemada' (2000) o 'Relatos salvajes' (2014) poco antes de presentar la ceremonia.

Sin duda, esa reflexión sobre los valores del ser humano fue lo más repetido durante la velada, en la que intérpretes como José Sacristán, Mercedes Sampietro, Pere Ponce, Alberto Ammán, Aitana Sánchez-Gijón o Juan Diego Botto resaltaron a distancia la importancia y la honestidad de su mirada en el cine.

Quienes más risas despertaron entre ellos fueron Darío Grandinetti, quien a sus 65 años y después de que Aristarain grabó por última vez hace dos décadas ('Roma', 2004), confesó que aún sueña trabajar con él; y Miguel Ángel Solá, quien detalló la discusión que ambos protagonizaron durante la filmación de 'Crecer de golpe' (1977) y que le sirvió para saber “nunca más” volverían a trabajar juntos.

Cecilia Roth, que también estaba en el elenco de aquel filme de Sergio Renán, subió este jueves al escenario para declarar que Aristarain fue su “maestro en el cine”.

“Estoy segura de que todos los actores y actrices que han trabajado toda la vida contigo estarían muy felices de estar aquí: por haber estado en tus películas y verlas, por tu coherencia, tu generosidad, tu absoluta conciencia de lucha, por haber sido siempre fiel a vos mismo y habernos contagiado de tantas cosas”, indicó la actriz que rodó con él 'Un lugar en el mundo' y 'Martín (Hache)'.

El gran protagonista de la noche señaló que el cine, pese a los malos agüeros sobre su futuro, “no puede desaparecer” porque es “algo que crea la ilusión de que la vida tiene lógica y un sentido, obedece reglas y hay finales felices”.

“Algunos contamos historias tratando de ser fieles a nosotros mismos, sabiendo que la única consecuencia será el respeto a uno mismo”, aseveró Aristarain, quien cerró su discurso criticando el “desprecio por el cine” del Gobierno de Javier Milei.

“No tenemos que defender el cine: hay que defender al país (...) Y cuando consigamos que se vayan (lo antes que se pueda), el cine va a seguir resurgiendo”, concluyó.

Por Concepción M. Moreno y Pablo Duer, para la agencia EFE.

IG

El director argentino Diego Lerman compite por tercera vez en la sección oficial del Festival de San Sebastián con El hombre que amaba los platos voladores, con Leonardo Sbararaglia en la piel del recordado periodista José de Zer, según se anunció hoy.

En el elenco destacan Sergio Prina, Osmar Núñez y Renata Lerman, hija del cineasta, ganadora de la Concha de Plata a la mejor interpretación de reparto en El suplente (2022).

El otro largometraje presentado por Lerman en la sección oficial fue Una especie de familia (2017), que obtuvo el Premio del Jurado al mejor guion.

Este nuevo trabajo se centra en el periodista de Nuevediario que paralizaba al país con sus informes. La película remite a un episodio puntual cuando en 1986, junto a su camarógrafo (el famoso “Chango”), de Zer viajó a La Candelaria (Córdoba) y al llegar al pueblo no encontró mucho por investigar, salvo un pastizal quemado en medio de los cerros. Con ese pequeño elemento, generó una creación audiovisual de presencia alienígena que generó un verdadero fenómeno de rating.

Otros trabajos de Lerman como La mirada invisible (2010) y Refugiado (2014) se estrenaron en la Quincena de Cineastas de Cannes antes de programarse en la sección Horizontes Latinos del Festival de San Sebastián.

También competirá por la Concha de Oro entre el 20 y el 28 de septiembre la chilena Maite Alberdi con El lugar de la otra.

Alberdi, doble nominada al Oscar por sus documentales El agente topo y La memoria infinita, presenta una adaptación de uno de los casos recogidos en Las homicidas, un ensayo de su compatriota, la narradora y abogada Alia Trabucco Zerán sobre la historia de la escritora María Carolina Geel, quien mató a tiros a su amante.

También se anunció que competirán Costa-Gavras, François Ozon, Edward Berger, Gia Coppola, Kiyoshi Kurosawa, Mike Leigh y Joshua Oppenheimer junto a las debutantes Laura Carreira y Xin Huo.

Sus películas se suman al filme de Audrey Diwan que inaugurará la competición y los cuatro títulos españoles que también optarán a la Concha de Oro, dirigidos por Icíar Bollaín, Pedro Martín-Calero, Pilar Palomero y Albert Serra.

Le dernier souffle, de Costa-Gavras

Ganador del Premio Donostia en 2019, año en que se proyectó Comportarse como adultos, el realizador franco-griego regresará a la Sección Oficial, donde presentó El capital (2012). Su nuevo trabajo recoge las reflexiones sobre la vida de un médico de cuidados paliativos y un escritor, y está protagonizado por Denis Podalydès, Kad Merad, Ángela Molina, Charlotte Rampling, Hiam Abbass, Karin Viard y Marilyne Canto.

En su amplia y comprometida carrera destacan obras como Z (1969), ganadora de los Oscar a Mejor película de habla no inglesa y Mejor montaje y Premio Especial del Jurado en Cannes; Missing (Desaparecido, 1981), Oscar al Mejor guion adaptado y Palma de Oro en Cannes; y Music Box (La caja de música, 1989), Oso de Oro en Berlín. 

El lugar de la otra, de Maite Alberdi

La cineasta chilena participará por primera vez en la Sección Oficial del Zinemaldia, con su primer largometraje de ficción. Se trata de la adaptación de uno de los casos recogidos en Las homicidas, ensayo de Alia Trabucco Zerán. En concreto, la historia real de la escritora María Carolina Geel, que en 1955 mató a tiros a su amante.

La cineasta chilena, que fue integrante del jurado oficial en 2021, mostró en la sección Perlas obras de no ficción como El agente topo (2020), que ganó el Premio del Público; y La memoria infinita (2023), que fue nominada al Oscar el año pasado.

Cónclave, de Edward Berger

El director de Sin novedad en el frente (2022), ganadora de varios premios Oscar incluido a Mejor película internacional, concursará con este filme liderado por Ralph Fiennes. El actor interpreta a un cardenal que, tras el repentino fallecimiento del Papa, debe supervisar el cónclave del que saldrá elegido su sucesor. El cineasta alemán, que en este filme dirigió también a Stanley Tucci, John Lithgow e Isabella Rossellini, presentó Jack (2014) y All My Loving (2019) en la competencia oficial de la Berlinale y en el apartado Panorama, respectivamente.

Hard Truths, de Mike Leigh

El británico Mike Leigh (Salford, 1943) presentó en la sección de Perlas la película con la que logró la Palma de Oro en Cannes, Secretos y mentiras (1996), además de títulos como Indefenso (1993), con la que obtuvo el Premio al mejor director en el festival francés; Todo o nada (2002), El secreto de Vera Drake (2004), ganadora del León de Oro de Venecia; y Happy, un cuento sobre la felicidad (2008).

En la producción anglo-española Hard Truths, protagonizada por Marianne Jean-Baptiste y Michele Austin, Leigh retrata el día a día de una familia londinense y explora temas como las relaciones familiares, el duelo y la salud mental.  

Cuando cae el otoño, de François Ozon

Hélène Vincent, Josiane Balasko, Ludivine Sagnier y Pierre Lottin protagonizan la nueva película de François Ozon, en la que cuenta la historia de una mujer jubilada cuya vida cambia al conocer a un hombre, el hijo de una amiga, recién salido de prisión.

El filme supondrá la sexta participación del realizador francés en la Sección Oficial del Zinemaldia, donde ganó la Concha de Oro y el Premio del Jurado al mejor guion con En la casa (2012) y logró el Premio Especial del Jurado con Mi refugio (2009); además de presentar Bajo la arena (2000), Una nueva amiga (2014) y Verano del 85 (2020). Asimismo, varias películas de Ozon participaron en la sección de Perlas. Entre ellas, 8 mujeres (2002), Joven y bonita, (2013), Frantz (2016) y Peter von Kant (2022).

El hombre que amaba los platos voladores, de Diego Lerman

El director argentino Diego Lerman regresa por tercera vez a la competición con un filme sobre la creación audiovisual de presencia alienígena más recordada de la televisión argentina. En el elenco destacan Leonardo Sbaraglia, Sergio Prina, Osmar Núñez y Renata Lerman, ganadora de la Concha de Plata a la mejor interpretación de reparto en El suplente (2022), el otro largometraje presentado por Lerman en la Sección Oficial junto a Una especie de familia (2017), que obtuvo el Premio del Jurado al mejor guion.

Trabajos previos como La mirada invisible (2010) y Refugiado (2014) se estrenaron en la Quincena de Cineastas de Cannes antes de programarse en la sección Horizontes Latinos del Zinemaldia.

The Last Showgirl, de Gia Coppola

Pamela Anderson, Jamie Lee Curtis y Dave Bautista lideran el reparto de la nueva película de la estadounidense, que presentó Palo Alto (2013) y Mainstream (Popular, 2020) en la Mostra de Venecia. Su filme es el retrato de una veterana bailarina situada en la encrucijada cuando cierra el espectáculo en el que ha trabajado durante 30 años.

Serpent’s Path, de Kiyoshi Kurosawa 

La película del cineasta japonés cuenta la historia de un hombre que urde un plan para vengar la brutal muerte de su hija. Rodada en francés y protagonizada por Ko Shibasaki, Damien Bonnard y Mathieu Amalric, el filme es una nueva versión del homónimo que el propio Kurosawa dirigió en 1998 y que diez años después fue programado en la retrospectiva temática Japón en negro del Festival de San Sebastián.

En la carrera del prolífico autor japonés destacan obras como Akarui mirai (2003),Tokyo Sonata (Zabaltegi-Perlas, 2008), que fue Premio del Jurado de Un Certain Regard en Cannes; la miniserie Shokuzai y La mujer del espía (2020), que ganó el León de Plata a la mejor dirección en la Mostra de Venecia.

On falling, de Laura Carreira

La ópera prima de la directora nacida en 1994 retrata la precaria vida de una trabajadora portuguesa en un enorme almacén de Escocia. En la experiencia previa de la cineasta lusa afincada en Edimburgo destacan los cortos Red Hill (2018), que fue nominado en los Premios BAFTA Escocia; y The Shift (2020), estrenado en el Festival de Venecia y nominado a los Premios de Cine Europeo.

Bound in Heaven, de Xin Huo

Después de ser guionista en títulos como La ducha, 1999, Kung Fu Hustle (2004), Curiosity Kills The Cat (2006) y The Monkey King (2014), Xin Huo (Beijing, 1980) debuta tras la cámara con Bound in Heaven. La directora china narra la peripecia de un enfermo terminal y una joven atrapada por la violencia que inician una huida contrarreloj a lo largo de varias ciudades.

The End, de Joshua Oppenheimer

The End es la primera incursión en el cine de ficción de Joshua Oppenheimer (Austin, Texas, 1974). Tilda Swinton, Michael Shannon, George MacKay, Bronagh Gallagher y Tim McInnerny lideran el elenco de este musical distópico sobre una familia adinerada que sobrevive en un bunker dos décadas después del fin del mundo.

Entre los trabajos previos del cineasta destacan sus obras sobre el genocidio indonesio The Act of Killing (2012), estrenada en la sección Panorama de la Berlinale y ganadora del Bafta al Mejor documental; y La mirada del silencio (2014), que obtuvo el Gran Premio del Jurado y el Premio FIPRESCI en la Mostra de Venecia. Ambos filmes optaron al Oscar al Mejor documental.

CRM con información de elDiario.es y la agencia EFE

El valor de la filosofía y de la educación pública está en el centro de Puan, una comedia inteligente y brillante escrita y dirigida por Benjamin Naishtat y María Alché que logran hacer una radiografía a un país que ya olía la amenaza de la llegada de la extrema derecha. El filme, que ganó el premio al mejor guión y al mejor actor (para Marcelo Subiotto) en el pasado Festival de San Sebastián, consigue la carcajada con la historia de este profesor dedicado a la enseñanza en la universidad pública que prevé heredar la cátedra tras la muerte de un compañero sin contar con la llegada de un profesor con aires de celebrity y el rostro de Leonardo Sbaraglia. 

Los cineastas, pareja en la vida real, confirman que la película quiere hablar de algo que se dice en el filme, y es que sin la filosofía uno no sabes ni lo que significa la palabra pueblo. “Ante un avance mundial de las derechas y una sensación donde todo tiene que ir hacia la utilidad, donde parece que estos temas pasan a ser accesorios y que tienen un valor de mercado, la filosofía justamente es lo que te permite ver la realidad como algo no fijo y que te permite tener herramientas para transformarla. Si sacamos esas materias, que nos permiten pensar, o quitamos esas carreras, nos vamos a quedar sin la posibilidad de transformar la realidad”, opinaba María Alché desde el pasado Zinemaldia y a pocos meses de la victoria de Milei.

Naishtat recordaba que eso también ha ocurrido en Uruguay, y que en Argentina parece que podría ocurrir: “Lo dice el personaje de nuestra película, las preguntas más fundamentales son preguntas filosóficas, y la gente filosofa aunque no se dé cuenta muchas veces. Si le quitamos a los jóvenes la capacidad de cuestionarse las cosas, nos enfrentamos a posibilidades muy distópicas. Una sociedad que no se cuestiona, que no se hace preguntas importantes, tiene el riesgo de ir derecho hacia cualquier tipo de abismo, que es lo que parece que está pasando hoy”.

Puan también propone sacar la filosofía a la calle, que no sea algo que solo es propiedad de los universitarios. Acabar con la brecha de clase en la cultura y la educación, algo que los cineastas confiesan que querían abordar en el filme. “Nuestra idea era cuestionar esa capacidad, o ese defecto, que tiene a veces la academia de replegarse sobre sí misma, de ponerse un poco endogámica o sofisticada, a tono también con lo que el mercado le exige, que es la ultraespecificidad, los papers, las publicaciones… cuando en realidad el pueblo, la sociedad, la calle, necesitan que las humanidades bajen, que la cultura baje, que las cosas transiten, se retroalimenten de la calle y vuelvan a las aulas para que haya un ecosistema donde el pensamiento circule y que no puede ser el lujo de unos pocos privilegiados”, subraya Naishtat.

El pueblo necesita que las humanidades bajen y se retroalimenten de la calle, que haya un ecosistema donde el pensamiento circule y que no puede ser el lujo de unos pocos privilegiados

Benjamín Naishtat — Cineasta

La película se escribió hace cuatro años, y la realidad de Argentina entonces no era la de ahora, pero “ya se veían cosas que estaban en el aire”. Eso sí, reconocen que “nadie esperaba que pudiera pasar que hubiera un Gobierno de extrema derecha”. Había desde aquel guion las ganas de hablar de filosofía, pero también de hacer una radiografía del país, aunque más concretamente de “algo muy relativo a Buenos Aires, a una forma de vivir eminentemente porteña con una personalidad muy fuerte”.

Alché aclara que es “muy grandilocuente” plantearse desde el inicio que su película actúe como reflejo del país, por lo que se centran “en las pequeños cosas”. “Como método de trabajo es muy difícil proponerse ese objetivo, así que uno se mete en líneas más pequeñas y confía en que resolviendo esos pequeños asuntos de la dramaturgia vayan sucediendo cosas más grandes”, puntualiza.

Memoria histórica en un mural

Como siempre, el cine argentino demuestra su capacidad para que la historia del país impregne hasta una comedia sobre filosofía y educación. En los murales de esta universidad pública, real y que acoge a más de 300.000 estudiantes, se cuelan los murales de los desaparecidos por la dictadura haciendo que todo sea más real, más anclado a una memoria histórica que sigue marcando el presente y que desde el Gobierno de Milei quieren hacer desaparecer con medidas y cargos negacionistas con la dictadura.

El cine de Benjamín Naishtat siempre se ha mostrado atento a las cicatrices de la dictadura, o a la misma época, en filmes como Rojo, y aquí aparece como contexto. “A los dos nos interesa mucho la historia argentina, porque es fascinante y también para nosotros, dolorosa, compleja y pertinente de pensar, sobre todo en este momento, porque nada sale de la nada. Uno tiene que comprender que donde hubo vórtices que permiten conquistas, ampliaciones y atisbos de revoluciones también aparecen cosas peligrosas. Pensar la historia siempre nos parece pertinente”, dice Alché.

Naishtat recuerda una frase de Faulkner que le gustaba mucho a su abuela: “El pasado no se ha ido, el pasado ni siquiera ha pasado”. “Me encanta esa frase y me parece absolutamente cierta en Argentina. Para ponerte un ejemplo muy concreto, la candidata a vicepresidenta se plantea negar y desconocer todos los hechos del terrorismo de Estado y liberar a los presos de esos crímenes. Entonces, paradójicamente, el pasado es lo más urgente. Creo que no solamente en Argentina, nos enfrentamos con esa crítica de que dejemos de hablar del pasado. El pasado les incomoda, pero el pasado se mete por la ventana, se mete por todos lados, porque somos pasado también”.

La reseña oficial de “Puan”

Marcelo (Marcelo Subiotto), un hombre de unos 50 años, ha dedicado su vida a la enseñanza de Filosofía en la Facultad de Filosofía y Letras. Cuando su jefe de Cátedra, mentor y compañero de aventuras del pensamiento muere inesperadamente, Marcelo asume que heredará la titularidad de la cátedra que ha quedado vacante. Lo que no imagina es que Rafael Sujarchuk (Leonardo Sbaraglia), un brillante y seductor colega, regresará desde Alemania para disputar el puesto vacante. Comienza entonces una batalla sin cuartel entre dos profesores extremadamente opuestos en sus estilos y pedagogías.

JZ

Hace años que creo que el clivaje adentro/afuera estructura la mayoría de las sutilezas sociales en las que quiero pensar. Quizás la palabra que funciona en el siglo XXI ya no es clivaje, porque en un mundo cada vez más fluido, con inclusiones y exclusiones más complejas (ya no un mundo de espacios sociales estancos sino de diferencias crueles pero fronteras porosas: un mundo en el que la gente con plata quiere hablar como si no la tuviera, un mundo en que el pobre correcto le suma color a tu sesión de fotos y el pobre incorrecto es expulsado sin saludo), quizás haya que buscar otro vocabulario para nombrar las relaciones entre los residentes de un espacio social y los visitantes, categorías que además vamos ocupando alternadamente a veces a lo largo de un mismo día.

Puan, la película de Benjamín Naishtat y María Alché, trata exactamente sobre eso: un académico nacido y criado por su maestro para heredar la cátedra de Filosofía Política de la carrera de Filosofía de la UBA (Marcelo Subiotto), que llegó a los cincuenta y pico sin haber cambiado jamás de lugar de trabajo desde la carrera de grado, pelea la jefatura de cátedra con una suerte de outsider (Leo Sbaraglia), un tipo que se formó en Puan pero se fue relativamente joven a estudiar afuera y vuelve ahora rodeado de un halo de éxito y glamour, ganando en euros, citando a colegas prestigiosos y con una novia famosa que nos hace suponer que, además de su trabajo académico, tiene algún tipo de lugar como intelectual público que le permite acceder a algunos círculos de disputa de status más amplios y ambiciosos.

Hace un par de semanas hablé de los jóvenes de Milei, esos outsiders que celebran el sistema que los excluye. Puan no habla de ellos, por supuesto (de hecho, podríamos pensar que o bien Puan habla de una juventud unánimemente progresista que ya no existe, o bien que supone, quizás acertadamente, que la facultad de Filo es una especie de museo que preserva a esas especies), pero en la película, como en el siglo XXI, el outsider no es siempre el marginal o el discriminado: en un sistema cada vez más precarizado y menos respetado por los legos, es evidente que aunque el personaje de Sbaraglia ya no sea tan conocido por los integrantes de Puan los acólitos que ha cosechado en reconocimiento y en dinero lo vuelven allí una figura digna de admiración.

Soy una emigrada de la academia: aunque sigo dando clases en dos universidades públicas, ya no investigo allí, como pensé que era mi destino mientras cursaba el grado

Esto ya era así cuando yo estudiaba, en la época del kirchnerismo, cuando los sueldos que se podían ganar en el CONICET eran suficientemente no desastrosos como para que algunas personas volvieran del primer mundo a tomar un cargo, pero supongo que si alguien tomara ahora esa decisión delirante (me parece inverosímil) la diferencia sería aún más abismal, y el resentimiento con el que se lo recibiría mucho mayor. Cuando pensaba en esto del adentro y el afuera recordaba el sintagma “torre de marfil” que se usaba mucho cuando yo era chica, y que cada tanto veo usado en Twitter todavía: la película muestra efectivamente a gente que no cobra por meses, que a duras penas llega a vivir como algo parecido a un profesional de clase media. Lo de la torre y el aislamiento puede ser cierto: del marfil, en cambio, ya no queda nada.

La película problematiza todo esto de maneras explícitas y también sutiles: cuando empieza, pensamos que es el personaje de Sbaraglia el que entiende algo del mundo, el tipo que sabe de vinos, que tiene una novia linda y gana plata. Vamos entendiendo, cerca del final, que hay algunos saberes asociados al mundo real de los que la pertenencia a la academia europea más bien te protege. Pero más allá de esos detalles, creo que la película se toma en serio la pregunta por la intervención de la academia filosófica (y de humanidades más en general) en eso que llamamos la realidad, y específicamente en eso que llamamos la realidad argentina. En un momento en que el CONICET y sus “papers sobre el rey León” están siendo tan cuestionados (y esto no es una cuestión local: las humanidades y sus saberes están bajo amenaza en todo el mundo, incluyendo en países en los que se los financia de manera privada), es muy valiente hacer una película que no es solemne, que no oculta las sombras ni las mezquindades de la academia, y que a la vez muestra el valor y la verdad que pueden florecer allí.

Soy una emigrada de la academia: aunque sigo dando clases en dos universidades públicas, ya no investigo allí, como pensé que era mi destino mientras cursaba el grado. Cuando me fui pensaba mucho en esa cuestión del aislamiento, y siempre en términos negativos. Hoy sostengo una posición que supongo que es impopular, porque incluso quienes defienden la academia suelen intentar hacerlo en términos de que sí está “conectada” con la realidad. Lo que digo no es que no lo esté, sino que con los años encontré algo profundamente valioso en la sensación de desconexión: la idea de que entrar a una aula a dar una clase de filosofía es ingresar a un santuario en el que todos participamos de un teatro, un ritual, una ficción durante la cual el tiempo se detiene y hay horas infinitas para discutir un pasaje de Kant que, de pronto, se vuelve, también, en ese teatro, infinitamente importante.

Ése es el único momento de la película en que no hay ni un atisbo de comedia, que sin ser solemne es profundamente serio, porque está pasando una cosa seria

Quizás es complicado públicamente, pero creo que hay encontrar la forma de defender ese ritual en lugar de negarlo, o peor aún, transformarlo: y tal vez además es una opinión retrógrada, pero yo tiemblo cuando algún pedagogo dice que no puede ser que las clases universitarias sean iguales hoy que hace 50 años y qué hay que modificarlas para un supuesto sujeto que no te puede prestar atención si no sos una pantalla con patas hablándole en centennial. Cualquier cosa interesante que se produzca en la academia de humanidades (y por supuesto, no todo lo que se produce allí es interesante: no pasa en ningún lado eso) va a salir de ese teatro, de ese tiempo fuera de tiempo, ese mundo fuera del mundo, mucho más que de cualquier intento de modernización o aplicación que se parecerá más al señor Burns con gorrita que a una frescura real.

En mi escena favorita de Puan, el personaje de Subiotto da clases en una especie de bachillerato popular: hay varias escenas de esas, pero hablo de una en la que llega pensando en la muerte, y decidido a hablar de eso. Subiotto habla del suicidio de Sócrates y la cámara se detiene en las caras de los estudiantes, de diversas edades y extracciones sociales, que lo escuchan con atención. Sin subrayarlo, la película parece recordar que la magia se produce allí: es mentira, parece pensar la película, que esos ejercicios de mal llamada divulgación son paralelos a la filosofía. Lo paralelo, en cualquier caso, es todo lo demás, la rosca, los títulos, eso que pasa en las altas esferas. Ése es el único momento de la película en que no hay ni un atisbo de comedia, que sin ser solemne es profundamente serio, porque está pasando una cosa seria. Los alumnos escuchan porque hay alguien que les está contando algo nuevo sobre algo que importa: quien cree que eso ya no existe es porque hace mucho que no pisa una aula.

La película parece decir que nos metimos en la filosofía por eso, y lo que queda de eso en los rincones sigue siendo lo único que vale, lo único sagrado. 

La película “El Gerente” de Telefe/Paramount Plus protagonizada por Leonardo Sbaraglia se llevó el Martín Fierro de Oro a la Comunicación Digital Nativa, entregado por primera vez desde la ciudad de Mar del Plata en el marco del Hotel Uthgra Sasso en Punta Mogotes.

La ceremonia de los premios “Martín Fierro Digital Nativos”, estuvo conducida por Pepe Basko y Soledad Macaggi.

La misma contó con una apertura previa en la calle con la actuación de la “Guardia del Mar” y luego en el salón principal cantó para los nominados la cantante Coral Campopiano, seguida por las palabras del presidente de APTRA Luis Ventura.

El evento dio inicio con un reconocimiento al dueño de casa, José Luis Barrionuevo titular de la Unión de Trabajadores del Turismo, Hoteleros y Gastronómicos de la República Argentina (UTHGRA) quien dijo “gracias a todos por venir. Estamos convencidos que la comunicación va a pasar por lo digital, nosotros ya lo pusimos en marcha en nuestro gremio y fuimos de los primeros”.

Entre los presentes estaba el ministro del Interior Eduardo “Wado” de Pedro, el intendente de Mar del Plata Guillermo Montenegro, Luis Ventura, Gracielas Borges, José Alberto Martínez (el papá del arquero de la selección de fútbol “Dibu”), productores teatrales, artistas que hacen temporada en Mar del Plata y personalidades de la “ciudad feliz”.

En la ceremonia se homenajeó a la actriz Graciela Borges, al padre del “Dibu” Martínez José Alberto Martinez, a los Héroes de Malvinas, al medio digital La Tecla y Mdz Online y a Les Luthiers ante su despedida de los escenarios.

Todos los ganadores del Martín Fierro a la Comunicación Digital Nativa

La ceremonia realizada en el hotel Sasso de Mar del Plata culminó con un brindis pasadas las 00:20 horas cuando el Banco de la provincia de Buenos Aires hizo entrega a los presentes de una porción de torta en celebración por sus 200 años de existencia.

NB con información de agencia Télam.

Hay actores que pueden con todo. No hay reto del que no salgan bien parados. Leonardo Sbaraglia es uno de ellos. Da igual que el papel sea pequeño, ahí esta su escena en Dolor y gloria para demostrarlo. Es un intérprete al que le gustan los retos, los triples saltos mortales sin red. Un riesgo que ha hecho que en su filmografía haya películas como Plata quemada, Intacto o En la ciudad sin límites. El último de esos saltos se llama Ámame, una película en la que sale en todos y cada uno de los planos y en la que se desnuda física y emocionalmente para dar vida a un hombre destrozado.

La segunda película de Leonardo Brzezicki es una radiografía de una persona sin herramientas emocionales. Pega su cámara al cuerpo de Sbaraglia a la vez que vaga por fiestas llenas de sexo y alcohol mientras intenta arreglar su vida y su relación con su madre, su hija y su exnovio. Una interpretación siempre en el filo pero que él consigue controlar en todo momento con un trabajo que recuerda al de Michael Fassbender en Shame y por el que ha ganado el premio al Mejor actor en el Festival de Málaga

¿Cómo llega a este proyecto tan arriesgado?

Superarriesgado. El guion lo vio primero mi representante, que es mi amigo y trabajo con él desde 1995. Lo leyó antes y me dijo “hay un guion que quiero que leas”. No quería contarme, quería que lo leyera. Fue muy insistente. Y entonces, por otro lado me llama un amigo director de casting, me escribe Diego Lerman, me escribe otra directora de casting, y todos me dicen “lee ese guion, vale la pena”. Por suerte, llegan muchos guiones y muchas veces no tienes tiempo de leer todos y este me encantó. Me dieron dudas, porque dije, “esto cómo se hace”. Está muy bien, pero quién lo va a hacer. No conocía al director, había hecho antes una película, La noche, que era bastante experimental y yo no la había visto y quise conocerlo. Nos conocimos, me tomé un café, él vino muy nervioso, como mi personaje, muy ansioso. Hablamos de Cassavetes y él quería darle algo de esa estética narrativa y, salvando las distancias, me habló de Gena Rowlands. Me gustó cómo veía el personaje y ahí dije “vamos para adelante”. Mi duda eran los tiempos, porque yo me había comprometido con la serie de Maradona de Amazon y estaba en Italia filmando, pero tuve un mes y lo logramos.

Está en cada plano del filme, ¿es difícil de soportar el peso de toda la película?

A veces es hasta mejor estar siempre, porque sabes que tú llevas la película. Sabes que tú la narras. Tienes mucho conocimiento de lo que vas enhebrando. Cuando tienes un personaje así, con todas las escenas, que me ha pasado más veces como En la ciudad sin límites, pues ahí vas enhebrando, sabes cuál es la última costura, el último punto para seguir. Manejas la narración y eso es muy bonito. Me encanta cuando me toca un personaje así y este fue un regalo, pero es difícil que te toquen, con este riesgo. Yo estoy muy agradecido de haber tenido un personaje así sobre todo porque cada vez se hacen menos películas como esta, tan personales. Es una película muy personal del director, una película que forma parte de una herida. Es lo que tiene el arte, la posibilidad de curar la herida, de sanarla, y yo desde mi lugar actoral me sentí con la posibilidad de sanar esa herida a través de esta película y eso me pareció sagrado.

Su personaje está perdido y busca sentirse querido todo el rato, ¿cree que la sociedad nos empuja a estar en pareja?

No lo había pensado desde ese lugar… yo la verdad que no sé cómo estamos ahora en ese sentido… Creo que, desde mi percepción, la gente está bastante sola, muy sola. En el sistema hay algo que nos lleva a la autosatisfacción, como si pudiéramos satisfacernos solos siempre, como si no necesitáramos del otro. Mira las redes sociales, parece que tú puedes hacerte la foto, buscas tener seguidores, tener tu propio negocio… Al menos en Argentina pasa esto, que las redes pasaron a ser todo. Yo justamente creo que es al contrario, que las cosas funcionan cuando uno puede relajarse, parar y encontrarse con el otro, con un equipo, con un proyecto en común.

Ha mencionado que la película nace de una herida del director y que el cine puede sanarla, ¿a usted le ha servido para curar también alguna herida?

Obvio. Sí, por supuesto. Me da la sensación, y no quiero parecer pretencioso ni pedante, pero mi sensación es que uno a veces tiene la oportunidad de agarrar un personaje y que ese personaje dialogue con uno y te ayude a enfrentarte con algo personal, con una herida personal. A veces no sabes ni cuál es ese miedo o ese vacío, pero está ahí presente. Nosotros también somos nuestro dolor. Es así, somos nuestros miedos y nadie nos enseña a enfrentarnos a eso y deberían enseñarnos en la escuela a quererse a uno mismo, a enfrentarse al vacío.

En el sistema hay algo que nos lleva a la autosatisfacción, como si pudiéramos satisfacernos solos siempre, como si no necesitáramos del otro

Leonardo Sbaraglia — Actor

En la película, hay un momento en el que su personaje discute con su pareja y apunta a la diferencia de clase como un elemento de disputa, ¿cree que son cuestiones que afectan a las relaciones de pareja?

Leo, el director, nos decía mucho que es que Santiago, mi personaje, no está psicoanalizado. Es un chico hecho a sí mismo, que ha salido de un barrio, con una educación elemental, sin muchos recursos y sin herramientas emocionales y él enseguida se siente inferior frente a su expareja y se lo dice, pero en realidad podríamos decir que el que objetivamente está más centrado es el otro. Santiago puede llegar a ser insoportable, es intolerable porque él no se tolera a sí mismo y, si uno no se tolera y no se quiere a sí mismo… Santiago no puede soportar estar solo.

La película aquí se estrenará en cines, pero en Latinoamérica en HBO. Usted ahora ha protagonizado una serie de Amazon… ¿cómo vive este momento de cambio de paradigma en la industria?

Uno busca, en principio, tener trabajo. Como todos. Tener una continuidad. Y, en ese sentido, las plataformas han expandido el trabajo. Hay más alternativas. Es raro todo lo que está pasando porque ya las películas no pasan por el circuito normal. Antes sabías que estrenabas en cines y a ver cuánta gente iba. Ahora ya sabes que van al cine 80.000 personas y luego en una plataforma la van a ver cinco millones, y eso es una realidad. De alguna forma, las plataformas pudieron absorber lo que hace cinco años era piratería. Sigue habiendo piratería, pero se tomó ese negocio, y se empezó a organizar, cobrar y tener algo de rédito de algo que ocurría. Con la pandemia se ha intensificado todo y la gente no está volviendo al cine. Solo vuelven a ver Batman, pero las películas de autor o más modestas o más chiquitas, quizás la gente dice: “la veo en casa”. Y es una pena, porque el cine es el cine, y no va a dejar de serlo como un ritual, como lo es el teatro. Espero que eso nunca se pierda. Al mismo tiempo, creo que se ve mucho más pero también creo que las plataformas están sustituyendo a las cadenas de televisión, al menos en Argentina lo siento así. Mira las telenovelas, que ahora están en las plataformas. Mira Café con aroma de mujer. Veamos a ver en qué queda todo esto.