El pase de factura para la insólita cruzada del gobierno de Javier Milei contra el cine argentino no se hizo esperar en la edición número 73º del Festival de San Sebastián. En la ceremonia de inauguración llevada a cabo en el imponente Auditorio Kursaal, Santiago Mitre, Daniel Hendler y la productora Agustina Llambí Campbell resaltaron las características de una crisis inédita: los recursos para producir que asegura una ley que costó mucho trabajo crear y aprobar (y que ha sido tomada como modelo en muchos otros países del mundo) existen. Y la articulación entre productores privados y el Estado venía funcionando muy bien. Pero en su afán por generarse enemigos imaginarios, Milei puso al frente del INCAA a un economista sin ningún contacto previo con el mundo del cine solo para paralizarlo y, lo que es más extravagante aún, jactarse de ello. 

José Luis Rebordinos, el director de este festival donde el cine argentino viene ocupando un lugar muy destacado en los últimos años, advirtió más de una vez sobre la insensatez de esa “política”, si es que se la puede definir de ese modo. En ese sentido, la actitud de Rebordinos ha sido ejemplar: apoyar a una cinematografía con mucha tradición que está siendo despreciada, dándole ese espacio significativo, es de verdad una política activa que valoriza su gestión. 

Consciente del alcance que puede darle a su rol, Rebordinos también habló sobre un tema de agenda internacional sobre el que tiene sentido que se haya pronunciado porque, como él mismo remarcó, un festival de cine de esta magnitud “es un altavoz”: el desastre humanitario que está provocando el salvaje asedio militar del gobierno de Benjamin Netanyahu a Gaza. En San Sebastián el tema está muy presente: hay banderas palestinas colgadas en muchos balcones de los edificios de la ciudad y varios puestos callejeros que recaudan fondos para ayudar a los civiles palestinos, víctimas de una agresión brutal.

En la ceremonia inaugural estuvieron también Pedro y Agustín Almodóvar, la productora española Esther García, homenajeada con justicia por su vasta trayectoria, la famosa actriz francesa Juliette Binoche, que presenta en esta edición su primer largo documental como directora, y el brasileño Walter Salles, premiado por Fipresci, asociación que nuclea a críticos de todo el mundo. 

Terminado el acto, se proyectó 27 noches, película argentina dirigida por Daniel Hendler elegida para la apertura de la competencia oficial por la Concha de Oro, el premio más relevante del festival. El film producido por La Unión de los Ríos (la sociedad que encabezan Mitre y Llambí Campbell) es una adaptación de una novela de la escritora y psicoanalista argentina Natalia Zito basada en el caso real de Natalia Kohen, también escritora, artista plástica y mecenas argentina que en 2005, cuando tenía 88 años y estaba indiscutiblemente lúcida, fue internada en un hospital psiquiátrico con el consentimiento de sus hijas. Sara logró romper ese cerco médico y judicial, vivió hasta los 103 años y sentó jurisprudencia porque logró demostrar que era falso aquello que daba por cierto un certificado médico firmado por un neurólogo que hoy es más conocido por su ingreso al mundo de la política, Facundo Manes.

La película de Hendler aborda el caso desde la comedia, el género en el que se mueve con más pericia este gran actor y director uruguayo. La adaptación que llevó adelante Mariano Llinás al frente de un equipo de guionistas que también integraron Martín Mauregui, Agustina Liendo y el propio Hendler está cargada de humor y melancolía. Y puede leerse perfectamente como un justísimo homenaje a su protagonista, Marilú Marini, una de las actrices más extraordinarias que ha dado la Argentina. Marilú se entrega al juego con mucha sabiduría e ilumina cada escena en la que aparece con un derroche de talento y vitalidad. El plano final de 27 noches simboliza muy bien ese espíritu celebratorio y va a llegar al corazón de todos los espectadores sensibles.

El dilema de las plataformas

En la siguiente jornada, la de un sábado húmedo e inusualmente caluroso para la época en San Sebastián, tuvo lugar la primera exhibición de Limpia, otra película que, igual que la de Hendler, está basada en una novela exitosa y fue producida por Netflix. El dato es importante porque la presencia de las plataformas de streaming en el mundo del cine es cada vez más notoria, con todo lo que eso implica. El aporte económico de estas empresas es muy útil, de eso no hay dudas. Pero también es cierto que la lógica con la que se manejan es determinante. Trabajan para audiencias masivas y confían sin reservas en las fórmulas. Dirigir para una plataforma es un desafío que obliga a los directores a adaptarse a sus exigencias. No es novedoso ni problemático, siempre y cuando existan otras vías de financiamiento que permitan que no veamos siempre la misma película, por decirlo gruesamente. Es ahí donde el rol del financiamiento público juega un rol decisivo. El cine es un lenguaje en constante progreso gracias a la prueba, a la experimentación, más que a las recetas prefabricadas. Y la masividad no debería ser su non plus ultra.

En la presentación de la película, ante una sala llena y muy bien predispuesta por sus sólidos antecedentes como directora, la chilena Dominga Sotomayor citó a un prócer del cine de su país, Raúl Ruiz, quien desarrolló casi toda su carrera en Francia tras exiliarse después del sangriento golpe de Estado del dictador Augusto Pinochet: “Más que una adaptación es una adopción”, explicó la cineasta, que eligió ser más elusiva que el libro en cuanto a la tragedia que narra, planteada en la novela como un dato que lector ya conoce desde el inicio. 

El foco de la historia es la relación entre una niña de una familia de clase acomodada de Santiago y su empleada doméstica, interpretada por María Paz Grandjean, una muy buena actriz chilena que sufrió el violento impacto de un proyectil de Carabineros en el rostro durante las agitadas jornadas del estallido social producido en su país en 2019. Aunque ese hecho no tiene relación directa con el relato de la película, no deja de tener una resonancia especial en el marco de un film que trabaja, entre otros temas, sobre los efectos nocivos de la desigualdad social. 

Sotomayor no cede al binarismo de héroes y villanos. Más bien pinta un contexto general que influye en los comportamientos de los personajes. Todos terminan siendo víctimas de un sistema que oprime a unos e insensibiliza a los otros. Y su personalidad como cineasta aparece muchas veces en la película a través de su innegable talento para la puesta en escena, aunque en algunos pasajes se respire la tensión entre sus convicciones y su estilo y las palpables demandas de una producción que impone reglas para responder al rígido programa de “llegar a todos los públicos” que las plataformas tienen como objetivo central.

El proyecto llegó a la directora de la mano de Fábula, la productora audiovisual más importante de Chile, fundada en 2004 por los hermanos Pablo y Juan de Dios Larraín. Y ella estuvo involucrada en el armado del guión, coescrito por la argentina Gabriela Larralde. “Me convocaron para hacer una película que va a llegar a unos 190 países, con la necesidad de tener un ritmo, de llegar a una audiencia lo más amplia posible, de generar una tensión -nos explicó tras la primera proyección de Limpia en San Sebastián, coronada por un cálido y prolongado aplauso de una sala abarrotada-. Sabía que no era como De jueves a domingo, mi primera película. El encargo fue otro. En ese contexto, es una película que me movilizó internamente y que salió muy bien, dentro de lo que yo siento que soy capaz de hacer. Por eso mismo me sentí libre. Porque sabía a lo que tenía que responder. No intenté hacer mi película más radical. Eso también lo quiero seguir haciendo, pero yo sabía muy bien que esta vez no debía hacer algo tan demandante para el espectador”. 

Lo dicho: el mix entre este tipo de producciones y las obras más personales de los directores que quieran desarrollar su propia voz es quizás el escenario ideal. Una industria que se sostenga gracias a los ingresos de productos más comerciales y que también tenga espacio para propuestas con menos prerrogativas y apuestas más riesgosas. Milei y sus trolls dirían que “quieren hacerse los artistas con la nuestra”, pero lo cierto es que el cine no debería depender solamente de un excel, como su riquísima historia nos enseña.

Asegurarse la mayor diversidad posible es lo que justamente permite que exista una obra tan osada y provocadora como la de Albertina Carri, que llegó a San Sebastián con ¡Caigan las rosas blancas!, de la que se pueden decir muchas cosas pero no que responde a algún mandato. El porno lésbico con su variable sadomasoquista como condimento importante y las fantasías visuales más afiebradas caracterizan a una película que la directora argentina define como “mutante”. Y no le falta razón: Carri hace cine político echando mano tanto a los mensajes explícitos como a los más intrincados. Antes de la proyección, Carolina Alamino, guionista y una de las protagonistas de una historia completamente desmelenada, advirtió que aquello que iba a empezar en breves instantes era un viaje al que había que entregarse sin prejuicios como condición irrenunciable para disfrutarlo. Es un gran acierto del Festival de San Sebastián, cuyo perfil general es bastante más convencional que el de esta coproducción entre Argentina, España y Brasil, haberla incluido en su programación. Un gesto de apertura que merece ser celebrado.   

También tuvo su primera proyección Le Cri des Gardes, nuevo film de Claire Denis que forma parte de la competencia oficial. No es la película más elogiada por la crítica de esta muy buena directora francesa que cumplió en abril pasado 79 años porque no está entre las mejores de su carrera, que incluye films muy valorados como Beau Travail (1999), L'Intrus (2004), High Life (2018) y White Material (2009), esta última ambientada en África y dedicada, igual que Le Cri des Gardes, a explorar los persistentes ecos del colonialismo europeo en ese continente.

También es cierto que la película conserva cierta rémora teatral relacionada con su origen (está inspirada en Combat de nègre et de chiens, una exitosa pieza del dramaturgo francés Bernard-Marie Koltès, fallecido en 1989). Pero Denis es una directora muy sólida y consigue crear más de un momento inquietante apoyado en muy buenas performances de un actor fabuloso como Matt Dillon, dos jóvenes talentos ingleses, Tom Blyth (famoso por Los juegos del hambre: la balada de pájaros cantores y serpientes) y Mia McKenna-Bruce (la misma que ha brillado en Cómo tener sexo) y el marfileño Isaach de Bankolé (Black Panther). Le Cri des Gardes es una película con desniveles, sí, pero por momentos hace sentir en la piel su aspereza y nos recuerda la deuda pendiente con un continente al que se le ha prestado atención casi siempre para instrumentar algún tipo de saqueo.  

AL/MG

El cine argentino tendrá una presencia importante en la edición número 73 del Festival de San Sebastián, que tendrá lugar entre este viernes 19 y el 27 de septiembre. El dato es relevante teniendo en cuenta el contexto. La situación del INCAA es inédita: completamente paralizado por una gestión cuya cara visible, el economista Carlos Pirovano, se enorgullece de ese congelamiento, elogia películas que no vio y habla de “inauguraciones” en lugar de estrenos. Pirovano da muy pocas entrevistas, pero cuando lo hace llama la atención: en línea con las preferencias del presidente de la ópera y las milanesas, valoró Homo argentum, el cínico film protagonizado por Guillermo Francella que levantó mucha polvareda en redes sociales, pero aclaró que solo vio fragmentos en TikTok.       

Ya en 2023, cuando Javier Milei todavía era candidato a la presidencia de la Nación y amenazaba con cerrar el INCAA si llegaba a ganar las elecciones, la nutrida delegación argentina que estuvo en la edición del festival de San Sebastián de ese año se manifestó en alerta. En esa edición en la que Puan, exitosa película de Benjamin Naishtat y María Alché, fue aplaudida a rabiar en cada función y se llevó dos premios (Mejor Guión y Mejor Interpretación para su protagonista, Marcelo Subiotto), se habló mucho de lo que podría pasar y finalmente pasó. Un año después, en 2024, José Luis Rebordinos, director artístico del festival, hizo una declaración explícita de apoyo a la industria del cine argentino que incluyó un palo para las exóticas decisiones del gobierno de Milei. 

El INCAA todavía no cerró, pero ahora mismo es apenas un sello. La de Argentina es una de las industrias más poderosas de América Latina, sus profesionales son reconocidos en todo el mundo, el cine de nuestro país tiene un largo historial de premios, pero Milei y su inefable ejército de trolls dicen que solo se trata de gente que quiere vivir a expensas de un Estado que hay que destruir desde dentro. 

Este año, en el marco de un festival clase A (como Cannes, Venecia, Berlín o Mar de Plata, hoy también hundido en una inocultable crisis por la desidia libertaria) con más de 250 producciones (entre largometrajes, cortometrajes, mediometrajes y series procedentes de 56 países), Argentina otra vez destaca en la programación de San Sebastián. 

Hay tres largometrajes del país que aspiran a llevarse la Concha de Oro en la competencia oficial: 27 noches, del uruguayo Daniel Hendler, que se proyectará en carácter de estreno mundial antes de su llegada a Netflix el próximo 17 de octubre; Belén, de Dolores Fonzi, que se estrena esta semana en cines argentinos, y Las corrientes, de Milagros Mumenthaler, una coproducción con Suiza que ya fue exhibida en el Festival de Toronto. También se presentará un mediometraje de Luis Ortega, Siempre es de noche, donde aparecen dos grandes artistas fallecidos no hace mucho, María Onetto y Daniel Fanego.   

En la sección Horizontes latinos se proyectarán Nuestra tierra, el primer documental de la notable carrera de Lucrecia Martel, e Hijo mayor, de Cecilia Kang. En Made in Spain, Miss Carbón, de Agustina Macri, coproducción con España que ya se estrenó en ese país, y la recientemente estrenada en cines de Argentina Verano Trippin, de Morena Fernández Quinteros. Y en WIP Latam, un apartado dirigido a los profesionales de la industria que tiene por objetivo facilitar la conclusión de largometrajes latinoamericanos en fase de postproducción e impulsar su circulación internacional, la coproducción argentino-uruguaya Un cabo suelto, también de Hendler, que este año tendrá entonces dos largos como director en San Sebastián, un privilegio poco frecuente. 

Pero hay más huellas argentinas en esta edición del festival del País Vasco: la película Die, My Love, de Lynne Ramsey y con la estrella de Hollywood Jennifer Lawrence como protagonista, está basada en la novela Matate, amor, de una de las escritoras contemporáneas más celebradas de nuestro país, Ariana Harwicz. Lawrence llegará el 26 de septiembre, cerca del cierre del festival, para recibir un premio honorífico. Las otras estrellas que concentrarán la atención de las cámaras de la prensa local e internacional y del enjambre de curiosos que suele estar atento al perfil más glamoroso del festival son Juliette Binoche (que presenta su debut en la dirección, IN-I In Motion, película que revisita su experiencia en In-I, un espectáculo híbrido de danza y teatro que la actriz realizó en 2007 junto al bailarín y coreógrafo Akram Khan), Paul Dano, Matt Dillon, Colin Farrell y Charlotte Rampling. También estarán directores importantes como el francés Olivier Assayas y el estadounidense Richard Linklater. Y el afiche oficial tendrá la imagen de Marisa Paredes, un merecido homenaje a la gran actriz española fallecida en diciembre del año pasado a los 78 años. 

Pero volviendo a lo que más nos interesa a los argentinos, es pertinente señalar que aún en el actual contexto sombrío de la industria nacional, configurado por una ofensiva que no tiene una explicación sensata, nuestro cine dará que hablar una vez más en San Sebastián. En el exterior, la gente relacionada con la actividad no termina de entender la situación porque, de verdad, el ensañamiento es injustificado, artero, extravagante. “Los próximos años serán muy difíciles para el cine independiente argentino de bajo y mediano presupuesto”, ha pronosticado Rebordinos, que sabe muy bien de lo que habla. Hoy el cine argentino depende casi exclusivamente del apoyo de las grandes plataformas de streaming, que ya tienen un rol decisivo en todo el mundo en el negocio pero que idealmente deberían complementarse con la producción fomentada por el Estado porque el cine genera ingresos, trabajo e identidad cultural; algo que ya es casi ocioso aclararlo. 

Entre todos los mensajes categóricos que el gobierno de Milei viene recibiendo en las últimas semanas -con la caída estrepitosa de la catarata de vetos presidenciales que afectan a diferentes áreas claves del país -la salud, la educación- por decisión mayoritaria del Congreso, ahora llegará otro más desde España. Y como si fuera una broma del destino, será un escenario que funcionará como una enorme caja de amplificación en una edición del festival de San Sebastián donde el jurado de la competencia oficial tendrá una integrante inesperada: Lali Espósito, la autora de la canción “Payaso”.

MC

En medio del debate público que generó el estreno de la película “Homo Argentum”, que dirigen Mariano Cohn y Gastón Duprat, y protagoniza Guillermo Francella, tras los elogios del presidente Javier Milei quien recomendó el film a través de apariciones públicas y redes sociales, y con opiniones dispares de los especialistas cinéfilos, el titullar del INCAA (Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales), Carlos Pirovano, polemizó con el crítico Pablo Manzotti hasta que reconoció no haber visto la obra: “Yo vi tiktoks. Cuando ves mucho TikTok, ves casi toda la película. No pude ir a la función de prensa porque a esa hora doy clases”, se justificó el funcionario designado por el oficialismo.

Según Manzotti, la película que se estrenó el pasado jueves quedó lejos de otras obras de Cohn y Duprat (“El encargado”, “Bellas Artes”, “El hombre de al lado”, “Ciudadano ilustre”, “4x4”, “Terapia alternativa”, “Competencia oficial”, “Nada”): “Está entre lo peor que hicieron. No hay posibilidad de diálogo narrativo, muchas viñetas no tienen desarrollo ni cierre. Se queda en un punto intermedio y termina subrayado en exceso”, opinó el periodista especializado en el canal TN, frente al titular del INCAA.

Además, el crítico consideró que el film “va a ser una de las películas más vistas del año”, al tiempo que también se metió en el debate generado a raíz de los dichos del Presidente (“Cuando uno ha tenido la suerte de haber leído el principio de revelación y entenderlo, debería agradecer por el espectáculo bizarro que hoy nos ofrecen los kukas y la progresía woke ante la película Homo Argentum. ¡Los muestra tal cual son!”, posteó): “Sobre la cuestión política, en principio toda película, todo discurso audiovisual, es un discurso político. Quizás con algunos se transparenta más una profundidad ideológica. En el caso de las cosas que llevan adelante Duprat y Cohn suele ser así. Ellos interpelan el marco coyuntural y sociopolítico, y esto es lo que intentan hacer acá, no con tanta suerte que las otras películas, eso lo digo desde el punto de vista técnico”, sostuvo Manzotti.

Y agregó: “Hoy aparece la pregunta de si es una película política. Eso creo que ya lo respondí. En todo caso, en términos de política partidaria y de la discusión, el cine dentro de la grieta, desde el momento en que el Presidente la toma. Y es legítimo que lo haga. No es que Cohn y Duprat se reunieron con Milei e hicieron la película, por favor, eso es una estupidez. Creo que el Presidente toma un discurso que lo considera de época, y él se refirió inclusive al último corto (”Homo argentum“ cuenta 16 hisotrias), que es uno de los más largos, e hizo una lectura que es plausible de hacer, que eso es lo que uno hace cuando analiza y trata de insertar en su marco sociopolítico y coyuntural, donde fue creado y fue interpelado o dialogado ese discurso. Uno puede coincidir con eso o no”, dijo.

Para Manzotti, “hay miles de lecturas posibles y eso en todo caso es válido, pero hay que entender que el Presidente lo elige en este momento para insertarlo en el debate público. Eso por un lado le ayuda a la película y, por el otro lado, se mete en la agenda de discusión político-partidaria”.

En respuesta, Pirovano aseguró que le “encanta cuando las cosas son valientes, provocadoras y arman discusión. De alguna manera, en la Argentina en los últimos años se cancelaba a quien pensaba distinto. Ahora Francella sale a decir esto, salen a contestarle, pero el clima es otro. Antes no había posibilidad de responder. Hoy José María Listorti sale a hablar y antes no podía salir a hablar. Que la gente pueda pensar distinto, que no haya más un pensamiento único censado por el establishment, está muy bueno”, reflexionó el funcionario libertario, pero generó el cuestionamiento de Manzotti: “Le pregunto porque no me quedó claro: ¿usted vio la película que con tanta vehemencia está defendiendo?”.

Y ahí el titular del INCAA admitió no haber visto la película: “No, no, yo dije que vi TikToks. Cuando vos ves mucho TikTok ves casi toda la película, te quiero aclarar, para que quede claro”.

Carlos Pirovano fue oficializado como presidente del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales por el Gobierno nacional en febrero de 2024, en medio del fuerte ajuste de la gestión libertaria sobra la cultura.

Pirovano es economista, profesor universitario especializado en microeconomía, finanzas y planeamiento estratégico y fue vicepresidente del Banco BICE (Banco de Inversión y Comercio Exterior).

Se desempeñó como subsecretario de Inversiones durante los dos períodos de Mauricio Macri en la jefatura de Gobierno porteña y trabajó luego con el exministro de Producción Francisco Cabrera, durante la gestión de Cambiemos.

Brandoni defendió a la película y a Francella

El pasado jueves, se estrenó en cines la película “Homo Argentum”, protagonizada por Guillermo Francella. Las salas se llenaron de espectadores, a pesar de que muchos criticaron el proyecto por considerar que muestra un tipo de argentino que no es un modelo a seguir.

Luis Brandoni fue consultado por “Lape Club Social” y dio su opinión al respecto: “Es el derecho de pensar como quiera y no juzgarlo, es la libertad de expresión”.

“La película de la que estamos hablando no recurrió al Estado a pedirle plata”, remarcó el actor, quien consideró que “artísticamente, está muy bien la película”.

“Yo soy amigo personal de Guillermo Francella. Fui a ver la película con la idea de que era una comedia, pero es una película muy seria, que está muy bien hecha. Opinar para que la gente no vaya a verla es un despropósito como nunca escuché en la vida”, comentó el actor.

“Las películas no contagian”, aclaró Brandoni y reveló que pudo dialogar con Francella, aunque no conversaron sobre las críticas: “No hablé de estas críticas, hablé de su trabajo y de su película… Que al Presidente le haya interesado la película, no significa que se haga un movimiento partidario en contra de la película”.

Guillermo Francella y Luis Brandoni trabajaron juntos en la película “Mi obra maestra”, de 2018, creada por Gastón Duprat y Mariano Cohn, los mismos que hicieron “Homo Argentum”.

Manuel Adorni sobre el INCAA: “Se terminó el kiosco”

El vocero presidencial Manuel Adorni destacó en las últimas horas la gestión del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) bajo el actual gobierno, que pasó a tener “un superávit de 7.238 millones de pesos en 2024”. Además, afirmó que este año se proyecta que “sus cuentas también serán positivas”.

“Se terminó el kiosco: el INCAA pasó de tener un déficit de 15.270 millones de pesos durante el año 2023 a un superávit de 7.238 millones de pesos en 2024 (montos expresados a valores actuales). Este 2025 se proyecta que sus cuentas también serán positivas. Saludos a todos. Fin”, escribió en X.

Adorni se refirió al tema en medio de la discusión en torno al funcionamiento del INCAA, que se reavivó en los últimos días por el estreno de la película “Homo Argentum”, que protagoniza Guillermo Francella, film que fue recomendado por el presidente Milei.

Además, el jefe de Estado destacó que la película está siendo un éxito en la taquilla, no necesitó financiamiento de ese organismo y generó polémica en las redes sociales, ya que una gran cantidad de integrantes de la comunidad artística rechazan la política actual de recorte de fondos destinados a la realización de films nacionales.

Con información de agencias.

IG

Federico Rodríguez estaba acostumbrado a que lo chequeen cinco o seis veces al año. Chequear es el término que usan en la industria audiovisual cuando los llaman para saber si están disponibles para un proyecto. Hasta 2023, tenía que decir que no a varios porque se le superponían los rodajes. Tiene 33 años, es asistente de dirección y filmaba entre tres y cinco películas o series por año. Su especialidad son las de autor, sobre todo las óperas primas, apoyadas por el  Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (Incaa). Desde que asumió el gobierno de Javier Milei, Federico filmó una sola, una ópera prima que se rodó en 2024 y ya tenía el financiamiento garantizado de la gestión anterior. 

—Estamos a mitad de año y no me chequearon para ningún proyecto. Nunca me pasó desde que empecé a trabajar. 

La industria audiovisual argentina creció un 45% entre 2007 y 2022, cuando llegó a ocupar a 31.000 trabajadores y trabajadoras en puestos formales y generar otros 600.000 de manera indirecta. Ese crecimiento se frenó en 2024. La motosierra llegó al Incaa en los primeros meses de gobierno y gran parte de la producción nacional quedó paralizada. La gestión de Carlos Pirovano fue la primera en tener cero películas aprobadas en 2024 y 2025 y frenó el financiamiento de alrededor de 200 proyectos que estaban en proceso de realización en todo el país. 

También fueron eliminadas medidas clave de fomento, como el certificado de exhibición –un tributo que las distribuidoras de películas extranjeras pagaban al cine nacional–, la cuota de pantalla que garantizaba la exhibición de filmes argentinos y la media de continuidad que aseguraba la permanencia de una película en cartelera según su audiencia. También eliminó la preclasificación que adelantaba fondos y hubo más de 400 despidos en el Incaa.  

Federico se dio cuenta que no había lugar para el cine nacional cuando a comienzos del 2024 se encontró con colegas en las puertas de Congreso para pedir que no se desfinancie el Incaa. No solo estaban los técnicos como él. Los productores que siempre lo llamaban cuando tenían la plata para hacer las películas llegaron en la misma, pidiendo que les habiliten los proyectos. Desde hacía meses nadie los atendía ni firmaba los contratos. 

—Ahí me di cuenta que si ellos no tenían certezas faltaba muchísimo para empezáramos a filmar algo. 

Su salida fue parecida a la de muchos de sus amigos y amigas. Hace “changas audiovisuales”: producciones institucionales baratas con equipos reducidos. Lo que antes eran varios roles ahora lo cumple uno solo. A eso le suma alguna que otra publicidad. 

—Y así desaparecen fuentes de laburo. Mis amigos están en la misma, haciendo changas o buscando otra cosa. 

Federico trabajó en su primera película Incaa a los 24 años. Estaba en el equipo de dirección y a punto de recibirse en la Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica (Enerc). Había llegado a Buenos Aires desde Corrientes en un momento en el que crecía la industria de la mano de la Televisión Digital Abierta (TDA). Canal Encuentro, la Televisión Pública y otros canales públicos se convirtieron en una usina de producción para una generación de jóvenes egresados de escuelas de cine y distintas universidades. Había trabajo en Buenos Aires pero también en las provincias. 

Entrar a la industria era salir de trabajos precarizados y filmar una serie con presupuestos reales, donde se cumplían los roles y los pagos según lo que estipulaba el sindicato. Federico pasó por distintos trabajos, primero de eléctrico, después de producción hasta especializarse en asistente de dirección. Cuando estaba terminando de estudiar en Enerc un profesor le dijo algo que le quedó resonando: la inversión en la TDA era algo bueno porque había generado una industria pero también una trampa. 

—No había publicidad y nuestro rubro siempre se paga. Se tiene que poder sostener por sí mismo como pasaba con Incaa que era autosustentable y tenía fondos de varios impuestos. 

El primer cambio en la industria lo vio con el macrismo. Se terminaron las producciones para la televisión y tuvo que arrancar de cero. Ahí se metió en las de autor. Hizo más de 20 películas y series, por lo menos 15 con apoyo del Incaa, y filmó en provincias como Corrientes, Formosa, Misiones, Entre Ríos, Santa Fe y Buenos Aires. En esos años vio cómo los presupuestos alcanzaban cada vez menos y siempre eran necesarios otros fondos, ya sea de las provincias, coproducciones con otros países o entidades privadas. 

—Cada vez se desplaza más a las películas de cine de autor y a las ópera prima que son la contracultura de la industria. Todo lo que vemos es de plataformas o grandes productoras. Me lleva a pensar en cuándo voy a volver a laburar en una película porque mi búsqueda laboral es en un cine que está desapareciendo. Los pocos que tienen trabajo están en plataformas. Y casi todo se filma en Buenos Aires. 

Abril Alassio entró en la producción de plataformas. Es tucumana pero vive en la ciudad de Buenos Aires. Tiene 32 años, es microfonista y empezó en 2022 en una película con apoyo del Incaa. Desde entonces no paró: la llaman para distintos proyectos y casi no tiene baches. Al principio eran trabajos en cine pero en los últimos dos años la mayoría son series y películas para plataformas, como División Palermo y Atrapados. 

—Mi caso es excepcional, me considero bastante afortunada. Mi hermana trabaja hace 15 años en esto y estuvo un año y medio parada. Ahora está cosiendo y dando clases de costura. La mayoría está haciendo laburos de otra cosa por dos pesos con cincuenta. 

La hora de las provincias 

—La industria audiovisual hoy depende de lo que hagan las provincias— dice Luciana Lacorazza, quien integra la Cámara de Productoras Audiovisuales de Santa Fe.  Según estimaron, en la provincia quedaron 50 proyectos truncos por el desfinanciamiento del Incaa. En Santa Fe en 2022 se filmaron al menos cuatro películas y siete series, que emplearon a gran parte de la industria provincial. En 2025 ninguna. 

Luciana tiene 41 años y es productora creativa de proyectos. Trabaja con directores y directoras desde la etapa de desarrollo hasta la distribución. Antes del desfinanciamiento, trabajaba en una serie y una película que tenían premios y la declaración de interés para empezar y los frenaron. Ella también se considera afortunada: puede sobrevivir con empleo en el sector público. Dirige Señal Santa Fe, un canal del Ministerio de Cultura donde se proyectan producciones provinciales. 

Entre sus colegas la situación es distinta. Los que dan clases en las escuelas de cine de Santa Fe y Rosario tienen una parte de la subsistencia garantizada ahí. Pero no alcanza. Los salarios docentes quedaron atrasados. 

—Muchos se volcaron a otros trabajos o incluso se fueron de la provincia. 

Luciana es parte de la comunidad que pelea por una Ley de Cine provincial. Esta semana presentaron nuevamente el proyecto a la Legislatura. La propuesta tiene varios aspectos y uno de los más importantes es la creación de un fondo para la industria audiovisual. La idea es que dependa, entre otras partidas, del cobro de ingresos brutos a los servicios digitales audiovisuales online y del total de los ingresos brutos de la actividad audiovisual, de cines y cualquier otro medio de exhibición. 

Santa Fe fue pionera en 2008 cuando creó el plan de Fomento Espacio Santafesino, del Ministerio de Cultura, pero con los años los montos se volvieron bajísimos para una industria como la audiovisual. 

—Fuimos precursores y ahora quedamos relegados. Con un gobierno provincial que tiene uno de sus ejes en la producción, la audiovisual es una industria que genera trabajo directo e indirecto y construye identidad santafesina. 

Romina Tamburello habla con elDiarioAR apenas baja del avión en Misiones. Llegó a Posadas para estrenar Vera y el placer de los otros, la ópera prima que codirigió con Federico Actis, hecha por la productora Pez. Vera fue filmada en Rosario y trata de una adolescente de 17 años que subalquila por un par de horas un departamento vacío para que otros adolescentes tengan relaciones porque le gusta escuchar detrás de la puerta. La película se estrenó en 2023 en un festival en Estonia y cosechó premios en todo el mundo, desde Tailandia hasta Mar del Plata. 

El camino para hacer una película o una serie es largo. Vera lo empezó en 2016 cuando ganaron el concurso Raymundo Gleyzer del Incaa y quedó frenada dos veces: primero por la intervención del macrismo y en marzo de 2020 por la pandemia. El rodaje fue a fines de 2021 y empleó a muchas de las personas que trabajan en la industria en Rosario. Tuvo apoyo del Incaa y de la provincia de Santa Fe, entre otros fondos. Unos meses antes del rodaje, Romina dirigió Maternidark, una serie financiada por el programa Renacer Audiovisual del ex Ministerio de Cultura nacional con apoyo municipal y provincial. La serie estaba en Contar pero la bajaron junto con la plataforma. 

Con Pez trabajan en una segunda película pero no consiguen los fondos. Estaba en evaluación del Incaa para ser declarada de interés y se las mandaron de vuelta con el cambio de gestión. Romina ahora da talleres de guion y escritura. También escribe la adaptación a película de su último libro, Los amigos de papá. 

—Estamos buscando financiamientos internacionales para las dos películas porque el Incaa está destruído. Y también atentos a que salga la ley de cine de Santa Fe y viendo cómo coproducir con otras provincias. 

Con ley también es difícil 

Por primera vez en más de 20 años en la industria, Rodrigo Guerrero piensa en irse de Córdoba o en ponerse un negocio de otra cosa, tal vez una panadería. Es director, productor y guionista y tiene la productora La Buena Hora. Hizo su primera película en 2009, El invierno de los raros, estrenada en 2011. 

Trabaja en cine desde 2002 y vivió en cambio de la industria audiovisual cordobesa. Primero de la mano de las producciones de la TDA y después con una masa profesionalizada que empezó a hacer películas con el apoyo del Incaa. Hasta 2023 se rodaban entre diez y quince películas al año. En 2024 se hicieron dos y este año ni una. Rodrigo vive de los coletazos de una película que estrenó esta semana y todavía tiene un resto del Incaa y del Polo Audiovisual de Córdoba. También de otra película filmada en 2023 que le vendió a Amazon. 

—El año pasado solo rodé un cortometraje independiente y este año nada. Tenía tres películas con declaración de interés de 2023 y se cayeron. 

Córdoba tiene una ley propia de Fomento y Promoción para la Industria Audiovisual desde 2016. Fue implementada a través del Polo Audiovisual Córdoba, que depende del Ministerio de Industria, Comercio y Minería. Hay un Fondo para el Fomento de la Actividad Audiovisual pero la ley no especifica un monto fijo ni de donde sale, depende de la voluntad política de cada gobierno.  

Rodrigo explica que el Fondo para el Fomento siempre fue un complemento al Incaa. El tema es que es cada vez más chico. La otra política anunciada este año fue un cash rebate (o devolución de dinero) de $5.000 millones por año, con el que la provincia busca convertirse en un destino atractivo para filmar. Rodrigo celebra la medida pero dice que hay una disparidad con el Fondo, de apenas $350 millones. Para él, el cash rebate dificulta la producción de películas cordobesas y favorece que lleguen productoras de afuera con sus equipos armados. 

—Se valora el instrumento pero son reintegros y tenés que tener el dinero para gastarlo. Se complica sin el apoyo inicial del Incaa, que antes permitía rodar y luego reintegrar. El tema es en qué lugar quedamos los directores, guionistas y productores con las historias cordobesas contadas por cordobeses.

Desde que está la nueva gestión en el Incaa, Rodrigo presentó proyectos en las pocas convocatorias que hubo. No quedó. Los proyectos seleccionados eran la mayoría porteños. Para él, el Incaa debería tener un cupo federal. Sobre todo en tiempos en que lo único que se filma es de plataformas. 

—Los rodajes de plataforma son casi todos allá. Para las productoras de las provincias es doblemente difícil continuar produciendo y resolviendo la financiación de nuestras películas porque no tenemos la trayectoria ni la espalda económica de las productoras de Buenos Aires. 

Rodrigo hace ficción y documental. Más de 20 años logró vivir de su trabajo. No se metió en la docencia porque, mal que mal, siempre salían proyectos e hizo una carrera ahí. Ahora duda. 

—Si no produzco algo este año tengo que ir a otro lado o dedicarme a otra cosa. Es una decisión que me cuesta porque hace más de 20 años que vengo haciendo películas. Fuimos la primera generación que no nos fuimos de Córdoba y que empezamos a producir acá. Nos convertimos en la segunda plaza de producción a nivel nacional. Y ahora todo eso se está cayendo.

AB/DTC

En todo enfrentamiento dialéctico las partes en disputa apelan a argumentos, datos, cifras y hasta ciertos golpes de efecto que mejor les sientan a sus muy disímiles posiciones. Es lo que está ocurriendo desde que a fines de febrero de 2024 el economista Carlos Pirovano asumió la presidencia del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (Incaa) para imponer un profundo cambio en la legislación del sector, cerrar la mayoría de los programas de fomento, difusión y acción federal, desalojar sedes y reducir la planta laboral de los casi 800 empleados que había (muchos con contratos temporales) a los 261 que actualmente trabajan en los cuatro edificios que quedan abiertos: la sede central de Lima 319, la ENERC (escuela que depende del organismo), el complejo Gaumont y la Cinemateca.

La polémica recrudeció en los últimos días cuando el Espacio Audiovisual Nacional (EAN), que integran cuatro entidades de directores (DAC, PCI, CDC, RDI), tres de productores (CAIC, APIMA, CAPPA), una de distribuidores (Cadicine) y otra de gestión de derechos (Argentores) emitió un duro informe titulado Gestión del INCAA, Año Cero en el que denuncia que “Carlos Pirovano se ha convertido en el único presidente del Incaa en tener el récord histórico de CERO PELÍCULAS ARGENTINAS aprobadas durante su gestión”.

Para entender el aspecto medular del debate hay que explicar el cambio principal que introdujo Pirovano: eliminó el sistema de preclasificación y adelantos de subsidios que permitía a los productores, una vez recibida la declaración “de interés” por parte de un comité integrado por profesionales del sector, salir a buscar socios en el exterior, aportes de los servicios de streaming y tener una mínima certeza financiera (entre los vaivenes de la economía local y la constante degradación de los aportes del Incaa el apoyo oficial era en muchos casos más testimonial que efectivo).

Si el sector cuestionaba hasta 2023 esa idea de “un poco para todos”, ahora directamente rechaza de plano una legislación que exige que el productor haga su proyecto a riesgo (hay solo algunas líneas de crédito con tasa subsidiada) y que, una vez que lo tenga listo, lo presente ante un Comité de Películas Terminadas que evalúa su potencial comercial para eventualmente otorgar algún apoyo.

En ese sentido, Pirovano respondió: “No es cierto que no hubo apoyo a la producción, firmamos muchas declaraciones de interés para films analizados por el Comité de Clasificación de las Películas Terminadas. Lo que no hemos aprobado son declaraciones de interés de preclasificación, ya que ese sistema se abolió por ser ilegal”.

Las cifras del Incaa

Según sus propios números, el Incaa ha pagado entre 2024 y lo que va de 2025 unos $3.200 millones en subsidios pendientes de la gestión anterior (al hacerlo con mucho atraso los ingresos de las productoras se han ido licuando por efectos de la inflación), pero –como sostiene el EAN– no hay proyectos que puedan iniciarse en medio de la incertidumbre del esquema de fomento actual. Solo se están filmando películas y series financiadas por los gigantes del streaming (Netflix, Amazon Prime Video, Disney+, Max) o –como quedó demostrado en la programación del último BAFICI– pequeñas producciones independientes que se concretan al margen de las estructuras del Incaa y de las exigencias de la industria más tradicional.

Si se analiza la ejecución presupuestaria del Incaa con los datos del Sistema de Información Financiera para Empresas Públicas, Fondos Fiduciarios y Entes excluidos del Presupuesto de la Administración Nacional, entre enero y marzo últimos el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales tuvo ingresos tributarios por $11.373 millones y su recaudación total ascendió a $12.069 millones, mientras que los egresos por todo concepto fueron de $4.797 millones, con un “ahorro” de $7.272 millones; el decir, Carlos Pirovano, subejecutó el presupuesto y gastó apenas el 39,7% de los recursos disponibles.

Pirovano asegura que parte de los fondos existentes se usarán para los premios de los concursos en marcha, para mejorar el Festival de Mar del Plata y para el regreso a Buenos Aires del mercado Ventana Sur, que en 2024 se realizó en Montevideo, y hasta confirmó sede y fechas: será en el Palacio Libertad del 1 al 5 de diciembre próximos. Por otra parte, el Incaa perdió hace pocas semanas el manejo del sistema Cine Ar (Cine Ar TV, Cine Ar Play y Cine Ar Estrenos), que pasó a la órbita de la Secretaría de Comunicación y Medios que conduce el vocero presidencial y actual candidato a legislador porteño, Manuel Adorni.

Los concursos de la discordia

Con los subsidios reducidos a su mínima expresión, en los últimos meses el Incaa lanzó o está por lanzar una serie de concursos (Desarrollo de Proyectos, Operas Primas, Documentales Digitales, Segundas Películas, Guion, Largometrajes para Grandes Audiencias), pero como cada uno recibe decenas o centenares de proyectos y los jurados son ad honorem la mayoría todavía no se ha expedido con demoras que superaron las previsiones más agoreras.

Así, mientras el Incaa sigue ingresando los fondos previstos por la Ley de Cine (el grueso proviene del impuesto del 10% a las entradas a las salas y del 25% de la recaudación de la ENACOM) y reduce su gasto operativo, el organismo está muy lejos de cumplir con lo que esa misma ley establece: que por lo menos el 50% de sus ingresos se destine al fomento de la producción. De nada sirve “ahorrar” la mitad de lo que se recauda si no se cumple con la misión principal, esencial, para la que existe un ente autárquico de apoyo a la producción audiovisual como el Incaa.

DB/DTC

El  Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) actualizó este lunes los montos de los subsidios destinados a los diferentes tipos de producción para el cine argentino, al tiempo que estableció el “costo reconocido de una película nacional de presupuesto medio”, en $300.000.000, con carácter retroactivo al 1 de septiembre de 2024, y el ministro de Desregulación y Transformación del Estado, Federico Sturzenegger, celebró las resoluciones publicadas en el Boletín Oficial con un posteo repleto de refrencias a filmes argentinos y una foto de “Tiempo de Revancha”, la película de 1981 escrita y dirigida por Adolfo Aristarain y protagonizada por Federico Luppi, Haydée Padilla, Julio de Grazia y Ulises Dumont.

A través de la Resolución 50/2025, publicada en el Boletín Oficial. , el gobierno estableció “el costo reconocido de una película nacional de presupuesto medio” en $300.000.000, con vigencia retroactiva al 1 de septiembre de 2024, monto que reemplaza al vigente hasta ahora, que era de $105.000.000.

Además, se fijaron topes de subsidios para distintos formatos de producción:

En tanto, la resolución 48/2025 determinó que la “Cuota de Pantalla de Estrenos de películas nacionales para las exhibidoras será 6% del total de películas estreno exhibidas por grupo empresario en el año para los que tengan más de 8 pantallas y 4% para los que tengan hasta 8 pantallas”.

La norma establece:

De acuerdo a la resolución, “la misión del organismo es promover la innovación, profesionalización y calidad en cada etapa de la producción audiovisual, con el objetivo de fortalecer la industria audiovisual como un sector competitivo, moderno y sustentable, que contribuya a la identidad cultural del país y expanda su alcance hacia nuevos mercados globales”.

Sturzenegger, el “tiempo de revancha” y las referencias al cine argentino

En un posteo en redes sociales, como lo hace habitualmente cuando se publican disposiciones en el Boletín Oficial que tienen que ver con ajustes en el Estado, el ministro de Desregulación, Federico Sturzenegger, consideró a la resolución 48/25 con firma de Carlos Pirovano, Director del INCAA, dependiente de la Secretaria General de la Presidencia que comanda Karina Milei, como “una pieza de colección que revela la hipocresía (y daño) del discurso del Estado presente: en este caso deja expuesto como el INCAA literalmente devastó las salas de cine en el interior del país que decía defender”.

“Te lo resumo así nomás: a medida que el INCAA crecía en militancia rentada con el kirchnerismo, necesitaba más y más recursos de manera insaciable. Y ¿de dónde podría sacar fácil esos recursos? Obviamente, de los espectadores de cine a los que podía expoliar con una simple resolución del organismo. Hay que darse cuenta, para ese arreglo de plata dulce, la historia oficial era que se defendía a la cultura. La realidad era que, a fuerzas de tasas (sin tregua) se fueron sumando costos a la entrada de cine para financiar la militancia del INCAA”, arrancó su posteo el funcionario.

Para Sturzenegger, “dentro de esas muchas tasas, hubo una que resultó devastadora para las salas del interior: la Resolución 2114/11 con firma de Liliana Mazure (NdeR: presidenta del INCAA entre 2008 y 2013). La Resolución 2114/11, hay que darse cuenta, para que no ocurra nunca más, es otro ejemplo de como el Estado utiliza una causa noble para beneficio propio, sin importarle si lo que hace destruye lo que dice defender. Un engaño superior a cualquiera que Gastón Pauls pudiera hacerle a Ricardo Darín. Es la maldad que acecha”.

“La 2114/11 arranca diciendo que el objetivo del INCAA es el 'fomento de la actividad cinematográfica', sigue con que 'la realidad contraviene el derecho a la diversidad cultural' (te lo resumo así nomás: la gente no veía lo que el Estado quería que viera) y que 'el acotado número de ventanas … ha llevado a la ocupación por unos pocos productos.' Aceptemos que hubiera pocas salas, ¿qué hace la resolución al respecto? ... dice: … 'cabe distinguir el derecho de clasificación cinematográfica, del derecho a la emisión del certificado de calificación'. (¿Perdón?) Te lo resumo así nomás: básicamente inventaron un impuesto a pagar por cada película que exhibía cada cine”, sostiene el ministro.

Y agrega: “Para las salas del interior ese impuesto, Liliana Mazure, lo fijó en hasta 6.000 entradas cuando la película se exhibía en muchas salas. ¡Curiosa manera de fomentar y ayudar a que haya más cines! El resultado fue devastador: al imponer un impuesto que crecía con el número de salas, los productores encontraron que ya no era rentable pasar cine en salas pequeñas del interior. Así, en 2024, de los 800 títulos estrenados en AMBA, solo 200 llegaron a las provincias más pequeñas. El INCAA había hecho inviables los cines del interior (¿y eso de la diversidad cultural?) Fue nuestra odisea de los giles. Nos dejaron en una ciénaga. Cenizas del paraíso”.

“Afortunadamente los ahorros que ha logrado Pirovano en el INCAA hoy permite reducir estos costos a CERO, devolviéndole esos recursos a las salas de cine de todo el país. Llevará años recuperar lo perdido. Pero eventualmente tendremos menos ñoquis y más cine. De ese que la gente quiera ver. En libertad. Quizás no haya sido el robo del siglo, pero igual llegó el momento de recuperar lo que el INCAA nos robó. Tiempo de revancha del espectador. Federico Luppi sonreiría. VLLC!”, concluyó Sturzenegger.

Con información de agencias.

IG

En medio del rechazo de diferentes personalidades de la cultura y el espectáculo, con protestas en diversos ámbitos, incluso en otros países, en defensa del cine argentino, el Poder Ejecutivo Nacional publicó este martes en el boletín Oficial el Decreto 984/2024 que modifica el artículo 30 de la Ley de Fomento de la Actividad Cinematográfica Nacional N° 17.741 y que busca, según sus argumentos, alinear los subsidios al cine con criterios de “calidad, audiencia y eficiencia”.

De acuerdo a los considerandos de la norma, “en los últimos años, el cine argentino ha registrado una caída significativa en la participación de la audiencia local”, y detallan que, en 2014, el cine nacional captaba un 17,84% del total de espectadores, cifra que descendió al 7,35% en 2023. 

A su vez, el decreto describe que, “de las 236 películas estrenadas en 2023 con apoyo del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), solo 4 superaron los 100.000 espectadores, mientras que otras 100 no lograron alcanzar los 1.000, y 4 no llegaron a 20 espectadores, incluyendo una que solo tuvo 4 espectadores”.

Según el Gobierno de Javier Milei, estos datos “son la consecuencia de un sistema de subsidios a la producción de películas nacionales que viola lo dispuesto en la ley rompiendo la relación buscada entre subsidio y audiencia”. Por ello, considera “necesario establecer ciertos criterios para permitir un manejo con mayor eficiencia de los recursos públicos destinados por el INCAA al subsidio de películas nacionales, como así también vincular el otorgamiento de los mismos a la calidad, a las posibilidades de exhibición, a la audiencia y a la recuperación de los fondos otorgados por sobre preferencias ideológicas”.

“La Ley de Fomento de la Actividad Cinematográfica Nacional determina que el subsidio otorgado en ningún caso podrá significar más del 50% del costo de producción total del proyecto, que en ningún caso podrá superar, individualmente, el 50% de cada uno de los costos de producción del mismo, y que ninguna producción podrá obtener más del 5% del total de los recursos asignados anualmente por el INSTITUTO NACIONAL DE CINE Y ARTES AUDIOVISUALES al otorgamiento de subsidios”, explica la norma.

Principales Puntos del Decreto 984/2024

1. Subsidios Basados en Recaudación Bruta de Taquilla

  - Películas sin interés especial: recibirán el 70% de su recaudación bruta de taquilla, deducidos los impuestos, hasta alcanzar el costo promedio de una producción nacional.

 - Películas con interés especial: estas películas, consideradas de alto valor cultural o artístico, podrán recibir hasta el 100% de su recaudación bruta bajo el mismo límite de costos. Se considerarán películas nacionales de largometraje de interés especial:

2. Límites de Financiamiento en Subsidios

 - Ningún proyecto podrá obtener subsidios que superen el 50% del costo total de producción y no más del 5% del presupuesto total anual del INCAA destinado a este tipo de financiamiento. Esto establece un marco más equitativo para la distribución de los recursos.

3. Revisión de Subsidios para Otros Medios de Exhibición

 - Además de los subsidios para exhibición en salas, los fondos destinados a otros formatos, como streaming o televisión, también se vincularán al nivel de audiencia alcanzado en estos medios, estableciendo una política de asignación según la popularidad real de la película en diferentes plataformas.

4. Prohibición de Adelanto de Fondos

  - El INCAA no podrá adelantar ningún subsidio sin que la película haya comprobado sus niveles de audiencia, lo que garantiza que los fondos públicos se utilicen con mayor responsabilidad y eficiencia.

5. Aplicación de los Cambios

  - La nueva normativa se aplicará a todas las películas cuyo estreno comercial sea posterior al 24 de julio de 2024, asegurando que las producciones futuras se adapten a estos nuevos requisitos de financiamiento.

Objetivo: Fomentar la Calidad y Alcanzar a la Audiencia

El Decreto 984/2024 establece una política clara que favorece a las películas con potencial de atraer una audiencia significativa, permitiendo así que el cine nacional compita en el mercado local e internacional. Al incentivar producciones de calidad y orientar el uso de subsidios hacia proyectos con alto potencial de taquilla, el gobierno argentino espera que el cine nacional recupere terreno perdido y logre una mayor visibilidad en las salas de cine y otros medios.

El decreto completo

Ranking de espectadores de películas nacionales en 2024

Ranking de espectadores de películas nacionales en 2023

Ranking de espectadores en salas argentinas durante 2024

Con información de NA.

IG

El pasado lunes 5 se realizó en El Cultural San Martín un multitudinario y glamoroso evento denominado “Hecho en Argentina” en el que Netflix reunió a buena parte de la comunidad audiovisual local para presentar unas 20 producciones a cargo de un auténtico dream team con proyectos de Bruno Stagnaro (la serie “El Eternauta”), Juan José Campanella (una serie animada sobre “Mafalda”), Diego Lerman (“El hombre que amaba los platos voladores”, película con Leonardo Sbaraglia), Santiago Mitre (productor de “27 noches”, film dirigido por Daniel Hendler) y Daniel Burman (la serie “Las maldiciones”, también con Sbaraglia y basado en la novela de Claudia Piñeiro), entre otros. Subieron al escenario desde Ricardo Darín (el Juan Salvo de “El Eternauta”) hasta Adrián Suar, pasando por Griselda Siciliani y Santiago Korovsky, pero en ningún momento se hicieron referencias concretas a la enorme crisis que afecta desde hace 9 meses al cine nacional.

La posibilidad que tiene un reducido grupo de artistas consagrados de seguir filmando con financiamiento 100% privado por parte de los gigantes del streaming como Netflix, el grupo Disney, Warner (Max) o Amazon (Prime Video) es más que bienvenida (por los pasillos del citado evento otros cineastas adelantaban proyectos con la N roja aún no anunciados de manera oficial), pero no deja de ser un paliativo, un pequeño bálsamo, un oasis en el desierto en que se ha convertido una industria que generaba cada año mas de 600.000 puestos de trabajo de calidad y hoy tiene a buena parte de los jóvenes directores y de los técnicos desocupados o viajando a filmar en Uruguay, Chile, México o España.

Como si negara la profundidad de la crisis, la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de la Argentina envió una carta para anunciar la próxima entrega de sus Premios Sur en la que casi tampoco se hacen menciones a la situación (“es muy importante y conmovedora la conciencia de continuidad y comunidad, seguir de pie por nuestra industria” es la única frase al respecto), pero se adelanta que la ceremonia a realizarse el lunes 26 de agosto en el Teatro Politeama tendrá “un pre-show con alfombra roja”. Más glamour en tiempos oscuros.

Tras un 2023 con muy buenos lanzamientos nacionales (“Los delincuentes”, “Puan”, “Trenque Lauquen”, “Cuando acecha la maldad”, “Blondi”) y un 2024 en el que el cine argentino viene cosechando premios en la Berlinale (“Un movimiento extraño”, de Francisco Lezama), en Cannes (“Simón de la montaña”, de Federico Luis) y en breve participará en las competencias oficiales de Venecia (“El Jockey”, de Luis Ortega) y San Sebastián (la mencionada “El hombre que amaba los platos voladores”), el panorama para lo que viene es desolador.

Si el plan de estrenos nacionales para las próximas semanas aparece como muy estimulante (en septiembre, por ejemplo, llegarán a las salas comerciales las valiosas nuevas películas de Martín Rejtman, Celina Murga y Luis Ortega), es porque esas producciones se concretaron entre 2022 y 2023. Un proyecto de ambiciones industriales demanda en el mejor de los casos no menos de dos años hasta su concreción y la parálisis actual se sentirá en toda su dimensión en 2025 y 2026, cuando prácticamente no haya estrenos nacionales en cines ni participaciones en festivales.

Enemigo público número uno

Ya desde los tiempos de su campaña presidencial Javier Milei había ubicado al cine argentino en general y al INCAA en particular en el centro de sus desaforadas críticas contra “las cuevas de ñoquis kirchneristas”. Y, si bien luego del tratamiento de la ley Bases, los legisladores evitaron cualquier posibilidad de (semi)privatización o cierre del organismo, el nuevo presidente del Instituto, Carlos Pirovano, avanzó en el vaciamiento (más de 300 despidos, un plan de retiros voluntarios y la eliminación de casi todos los planes federales), paralizó su actividad y dispuso a través del decreto presidencial 666/2024 un cambio radical en las reglas de juego para el financiamiento a la producción que el sector sintó como un (nuevo) golpe al corazón.

Si hasta ahora el 50% de los ingresos del INCAA se dedicaba al fomento de películas, ahora solo se destinará el 20% del total (durante el primer semestre de este año el Instituto recaudó casi 12.700 millones de pesos provenientes del impuesto del 10% a las entradas al cine y de los fondos del ENACOM). Además, para aspirar a cualquier apoyo del INCAA, una productora deberá demostrar que posee de antemano el 50% del financiamiento, cuando hasta ahora el aval del INCAA servía como punto de partida para luego buscar dinero de coproductores y fondos del exterior o concretar alguna venta adelantada a un streamer.

La otra decisión que afecta sobre todo a las compañías más grandes es que solo se podrá aplicar a un proyecto por año, lo que impedirá que las empresas con mayor estructura fija tengan continuidad. También se eliminó la Cuota de Pantalla (que tampoco se cumplía demasiado) por lo que cuando haya estrenos nacionales no tendrán ningún tipo de respaldo frente a la ocupación por momentos casi monopólica de las salas por parte de los tanques de Hollywood.

La industria audiovisual no solo está parada sino que además ha perdido el impulso que le proporcionaba el principal mercado latinoamericano (Ventana Sur se trasladará este año a Uruguay) y la próxima edición del Festival de Mar del Plata está en duda tras la partida del equipo anterior liderado por Fernando Juan Lima y Pablo Conde y la designación de los nuevos directores artísticos Jorge Stamadianos y Gabriel Lerman a poco más de tres meses de su inicio previsto para el 21 de noviembre.

Voces de la industria

En medio de esta coyuntura desoladora, elDiarioAR dialogó con referentes de distintos sectores (producción, dirección, distribución) del cine argentino.

Vanessa Ragone (Haddock Films), productora de -entre muchos otros títulos- la ganadora del Oscar “El secreto de sus ojos” y de varias producciones para Netflix como “Elena sabe”, asegura que “la nueva legislación desconoce más de 30 años de consolidación de la actividad cinematográfica como industria cultural, un plan que va plenamente en contra de la actividad, que no se corresponde con lo que pasa en ningún otro país donde el Estado entiende al cine como una fuente de trabajo, de promoción cultural, de industria y condena en la práctica a cualquier empresa audiovisual nacional, ya que quiebra la cadena productiva, impidiendo que una productora pueda gestionar varios proyectos a la vez. Desde la discusión de la primera Ley Bases hasta ahora ha sido voluntad del gobierno cerrar el INCAA o limitar drásticamente sus funciones y este plan es la prueba concreta de eso.”

“Los dichos del vocero Manuel Adorni, del ministro Federico Sturzenegger y de quienes los reproducen -agrega Ragone- están basados en una enorme ignorancia sobre la actividad, una cantidad de prejuicios asombrosos y sí, la construcción de un enemigo (en este caso los cineastas, actores y productores) para esta batalla cultural de la que habla el presidente Milei. Construir un enemigo es una manera de aglutinar voluntades y ubicar a un sector, cuyo aporte social es de contenido simbólico (además de concreto, económico e industrial). Se trata de un camino fácil y simplista que surge de hacerle creer a la población que sus males están vinculados con el fomento de la actividad y que, si ese fomento desaparece, sus males también desaparecerán. Sabemos que esto no es cierto, pero en este momento el discurso de odio está instalado. El tiempo, con la lamentable destrucción que traerán estas políticas, demostrará que este desgüace de una actividad cultural y productiva es extremadamente nociva para el país”.

Adorni dio como ejemplo y justificación del vaciamiento del sector a “Camuflaje”, documental de Jonathan Perel que aplicó al subsidio más bajo del INCAA, la Vía Digital, que ni siquiera obliga a estrenar en salas (recibió 1.800.000 pesos). Según figuraba en la base de datos del Instituto, este film con Félix Bruzzone sobre las implicancias históricas y políticas de Campo de Mayo fue visto por apenas 20 personas, pero esa cifra correspondía a una sola proyección en Córdoba. En verdad, “Camuflaje” tuvo su estreno mundial en la prestigiosa Berlinale, fue premiado en el BAFICI, se presentó en otra treintena de festivales como Cinéma du Réel y Toulouse (Francia), FICUNAM (México), Visions du Réel (Suiza), IndieLisboa (Portugal), Viennale (Austria), IDFA (Países Bajos) y La Habana (Cuba), se proyectó en la Sala Lepoldo Lugones (180 espectadores) y se exhibió en el Canal Encuentro. No parece, por lo tanto, el caso de un film que haya pasado inadvertido aquí ni en el exterior ni que le haya demandado al Estado un gasto signficativo.

Mariano Llinás, director de elogiadas películas como “Historias extraordinarias” y “La Flor” y uno de los socios de la productora El Pampero, opina que “hay una puesta en escena de una farsa. Nadie del gobierno parece tener nada concreto en la cabeza cuando habla de cine argentino. Es, como se decía hace algún tiempo, un 'significante vacío'. De hecho, cuando uno indaga un poco en las imágenes que encienden el odio de nuestros detractores descubre que son completamente caprichosos: Andrea del Boca, los actores kirchneristas, las películas en las que Víctor Laplace hacía de Perón o sobre desaparecidos. Es decir, un panorama imaginario, del todo ajeno a lo que realmente pasa en el cine nacional, que, como cualquiera con mínima curiosidad puede comprobar, es un universo complejo y fértil, algunas de cuyas mecánicas virtuosas (como el aluvión de películas independientes, hechas sin subsidio o con subisidios mínimos) son únicas en el mundo. Frente a ese territorio particularísimo, que requiere un análisis minucioso, la aproximación del gobierno es tosca e infantil, belicosa, hostil, solo interesada en la rentabilidad de taquilla, que ha dejado de ser el elemento central para evaluar la trayectoria de una película desde hace treinta años. Es probable que quienes tienen que corregir los desmanejos e impericias del INCAA no sepan quién es Lucrecia Martel y no hayan oído hablar nunca de Martín Rejtman”.

Por su parte, Manuel García, responsable de Cinetren, una de las distribuidoras que más se ocupa del lanzamiento de películas nacionales, indica que “el Plan de Fomento, una vez más, dice muy poco sobre audiencias, y lo que dice parece más una amenaza que una oportunidad. La idea de que se va a apoyar solo al cine exitoso es, como muchas propuestas de esta gestión, fruto de la ignorancia, de la mala fe, o de ambas. Si bien es cierto que el cine argentino no le prestó la suficiente atención al público durante mucho tiempo, volver a hablar de éxito en términos generales y desde el más completo desconocimiento revive ese prejuicio en el que el arte y la cultura están de un lado, y el negocio o el espectador del otro. Es una idea que atrasa mil años y la pérdida de una oportunidad de unir esos dos mundos para nuestro cine”.

Con respecto a los posibles planes de acción frente a esta coyuntura, García destaca que “desde el sector hay propuestas de consenso como el proyecto de una nueva Ley de Cine que surge del Espacio Audiovisual Nacional y que ya está presentada en el Congreso, pero no veo todavía acciones organizadas a la altura de la agresión que está sufriendo nuestra industria, ni un respaldo fuerte de la dirigencia al sector de la cultura. Ojalá sea una cuestión de tiempo, de superar el aturdimiento, y que la unión nos permita no tanto recuperar lo que había sino forjar un cine nacional más fuerte no solo en términos de fomento, sino sobre todo en términos de circulación y audiencias. Es la forma de salvarnos y también de prevenir este tipo de ataques en el futuro”.

DM/DB

“No he de seguir presidiendo el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. Me pesa tener que irme así, tan avanzado el año y con tantas cosas en proceso para la próxima edición. El tema es que son muchas (demasiadas) las cosas que no compartimos, las ausencias que se vienen señalando y los avances y actos que consideramos impropios. Frente al planteo de estas circunstancias la decisión política fue la de que no continuase en el cargo”. Con esas palabras se refirió Fernando Juan Lima a su renuncia como presidente del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata en un comunicado que publicó en su cuenta de Instagram.

A cuatro meses del evento, anunciado por el Instituto de Cines y Artes Cinematográficas (INCAA) para el próximo 21 de noviembre y a realizarse “con capitales privados”, las palabras de Lima llegan mientras persisten las dudas sobre la nueva edición y sobre la continuidad de uno de los mayores encuentros cinematográficos de la región.

“Hemos intentado hacer lo mejor que pudimos, en circunstancias difíciles (desde febrero de 2020 los tiempos no han sido particularmente luminosos). Nadie es dueño del festival, que es de todos. Espero que se tomen las decisiones necesarias para que el festival mantenga su nivel y calidad artística, que crezca y que se respete su mirada humanista y sus lineamientos de libertad, inclusión y diversidad. ¡Siempre con el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata! Gracias por todo y... ¡Nos seguimos viendo!”, sostuvo Lima en su publicación, que ya tiene numerosos mensajes de cineastas y personalidades del mundo de la cultura que lamentan la decisión.

Lima fue el sucesor del cineasta y docente José Martínez Suárez, quien presidió el festival durante una década, hasta agosto de 2019, cuando falleció a los 93 años.

Abogado con orientación en Derecho Público, periodista y crítico cinematográfico, Lima se graduó en la Universidad de Buenos Aires con una tesis que se centró en las ayudas públicas a las producciones audiovisuales.

“Es un gran honor y una gran responsabilidad formar parte del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, un lugar de encuentro, libertad y diversidad; de relación con el cine del mundo. Es, debe ser, la plataforma de lanzamiento del cine argentino”, afirmó al asumir su rol.

“Más cine, más igualdad, más diversidad son los desafíos de un festival que cumple 25 años de continuidad, un patrimonio de nuestra cultura y también, un faro de la cinefilia mundial”, dijo entonces.

Único en América Latina

Dependiente del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), el Festival de Mar del Plata es uno de los grandes eventos cinéfilos de la región. Con más de treinta ediciones, se trata del único festival latinoamericano calificado por la Federación Internacional de Asociaciones de Productores Cinematográficos (FIAPF) como Categoría A.

Desde las cuentas de las redes sociales del festival, a finales de junio se anunció que la próxima edición se realizará “con fondos privados”.

“Este año, el Festival, que se realizará entre el jueves 21 de noviembre y el domingo 1 de diciembre, será co-producido por el INCAA y el Municipio de General Pueyrredón, con financiación privada. El INCAA estará a cargo del contenido artístico del Festival, seleccionando las películas y los jurados para las diferentes secciones. Mientras tanto, la Ciudad de Mar del Plata, con el respaldo de fondos privados, asegurará que el Festival siga destacándose en el circuito internacional de cine. En tal sentido, se cobrará una inscripción para participar, algo que es usual en los festivales internacionales pero que la gestión anterior en Argentina no lo hacía”, señalaron desde el INCAA en la red X.

La noticia del alejamiento de Lima se conoce a cuatro meses de la próxima edición del Festival y mientras en el INCAA se mantienen los recortes y gran parte de los empleados permanecen suspendidos y en estado de alerta.

Distintos representantes del sector audiovisual vienen manifestándose en las calles y también en festivales internacionales para denunciar la grave situación del cine argentino, que pese a cosechar premios y buenas críticas en el mundo, está virtualmente paralizado desde la asunción de Javier Milei a la presidencia, en diciembre de 2023.

AL/MG

Con cuatro largometrajes en estreno mundial, un trabajo en la nueva Competencia Inmersiva (“Gloomy Eyes”, de Fernando Maldonado y Jorge Tereso) un corto (“Nuestra sombra”, de Agustina Sánchez Gavier) y dos clásicos en copias restauradas (“Rosaura a las diez”, de Mario Soffici; y “Nueve reinas”, de Fabián Bielinsky), el cine argentino logró una presencia interesante en cantidad, calidad y diversidad en esta 77ª edición del Festival de Cannes que continúa hasta el próximo sábado. Y a esa participación en distintas secciones hay que sumarles films como “La virgen de la Tosquera”, de Laura Casabé (con guion de Benjamin Naishtat a partir de relatos originales de Mariana Enríquez); “Una casa con dos perros”, de Matías Ferreyra; y “Los ojos del abismo”, historia de terror de Daniel de la Vega ya prevendida a buena parte del mundo, que se exhibieron en distintas instancias del Marché du Film, el mercado más importante del mundo que se realiza de manera paralela al festival.

Pero la presencia de la industria audiovisual nacional no se ha limitado a las proyecciones de las películas sino que se extendió también a varios foros y eventos. Los directores y productores aprovecharon cada contacto con el público o con colegas para visibilizar la gravísima situación que atraviesa el cine argentino, con la industria prácticamente paralizada desde el 10 de diciembre último y el INCAA cerrado hasta nuevo aviso. 

El epicentro del reclamo, de todas formas, fue una concentración que se realizó en la playa que la Quincena de Cineastas, la sección paralela históricamente más combativa de Cannes, tiene a metros de la sala donde se proyectan sus films. Allí estuvieron en la tarde del domingo 19 no solo los argentinos acreditados en el festival y el mercado sino también decenas de cineastas, actores y actrices, productores, programadores, diplomáticos y periodistas de varios orígenes (sobre todo de Francia y España). Se leyó un contundente documento en castellano, francés e inglés contra las políticas generales y particulares del gobierno de Milei y luego se posó para una foto grupal con la bandera de “Cine Argentino Unido”, que viene viajando por muestras de todo el mundo. El cierre del texto plantea una distopía cada vez más posible: ¿Por primera vez en la historia la edición 2025 de Cannes no contará con ninguna producción nacional?

Más allá de protestas y especulaciones, la cosecha 2024 del cine nacional en el principal festival del planeta ha sido más que atendible. A continuación, un recorrido por los cuatro largometrajes que ya tuvieron su première mundial:

“Algo viejo, algo nuevo, algo prestado”, de Hernán Rosselli (en la sección Quincena de Realizadores) 

El director de una de las más notables óperas primas del cine argentino como  “Mauro” (2014) y de “Casa del Teatro” (2018) encontró en la historia real de una familia de Lomas de Zamora dedicada al negocio de la quiniela clandestina la inspiración para una notable mixtura entre la ficción, el documental y las home movies. 

Rosselli retrata, recupera y reconstruye la historia de los Felpeto, de quien el director fue vecino durante su infancia. Pero los Felpeto no son una familia cualquiera, sino que durante muchos años manejaron el negocio de la quiniela clandestina en varios partidos del sur. A partir de un excelente trabajo sobre todo de guion y edición (pero también en otros rubros), el realizador combina muchas imágenes grabadas por el patriarca familiar Hugo Felpeto en los años '80 (fue uno de los primeros en tener una camcorder y una videocasetera en el país), con otras obtenidas de cámaras de seguridad o tomadas de operativos policiales. 

Además el director logra que, tras la muerte de Hugo y en medio de un intrincado proceso de sucesión, el resto de la familia, en especial su esposa Alejandra y su hija Maribel pero también quienes forman parte del clan y del negocio, actúen frente a cámara (y lo hacen muy bien, con llamativa naturalidad) interpretándose a sí mismos. En la reseña del catálogo de la Quincena de Cineastas se los compara con algo de exageración con los Soprano y sobre el final aparece una imagen de Al Pacino en Scarface, pero Rosselli –un cineasta que parece obsesionado por el magnetismo de la manipulación y acumulación de billetes y las siempre extrañas rutas del dinero– consigue un  fascinante film noir sobre otra dinámica poco convencional del conurbano.

“Para mi la única chance que tiene el cine independiente frente a la experiencia del cine industrial o las series es ese tipo de riesgo o desafío artesanal, una especie de desviación monstruosa de la prepotencia de trabajo del cine industrial. Y eso lleva mucho tiempo”, dice Rosselli en diálogo con elDiarioAR. 

Con respecto a las sensaciones de presentar su película en Cannes en medio de la catástrofe del sector, afirmó: “Es una operación que no va a solucionar ninguno de los problemas de desigualdad ni déficit fiscal y va a generar, en cambio, desocupación y un daño irreversible en el valioso entramado cultural nacional. En la Argentina existe un cine de clase media, incluso media-baja, y eso es realmente una excepción en Latinoamérica, donde generalmente filman los hijos de los viejos hacendados, nuevos empresarios o el Opus Dei y es algo que no se menciona muy a menudo. Es la clave de su vigor. Y todo eso fue posible gracias al consenso que existía entre las principales fuerzas políticas de la Argentina sobre la educación pública y que el gobierno de Milei vino a disputar con una prédica irracional pero legitimada por una crisis innegable que se agravó con la pandemia y una tendencia de la derecha global. No queda otra que resistir y manifestarse.”

“Transmitzvah”, de Daniel Burman (en la sección oficial Cinéma de la Plage)

Luego de un paréntesis de ocho años, en el que se dedicó sobre todo a desarrollar series como “Iosi, el espía arrepentido”, el director de “El abrazo partido”, “Derecho de familia” y “El rey del Once” regresó al cine con una comedia sobre la identidad en el más amplio sentido del término. En el prólogo vemos a Rubén (Milo Burgess), el hijo menor de Miriam (Alejandra Flechner) y Arón (Alejandro Awada), dueños del inmenso local de ropa Singman Modas: Elegante & Sport. Todo parece fluir en esa familia judía hasta que el protagonista y dueño de la voz en off, que está por cumplir 13 años y, por lo tanto, se acerca el ritual y la celebración del Bar Mitzvah, irrumpe para decirles que él no se siente él sino ella y que ya no se llamará Rubén sino Mumy. Luego de esa introducción, la acción salta a tiempos más actuales: Mumy Singer (la española Penélope Guerrero) se ha convertido en una estrella cantando en Yiddish y vuelve luego de mucho tiempo a Buenos Aires acompañada por su novio Sergio (Gustavo Bassani) para presentarse en el Teatro San Martín (se rodó en esa locación). Se reencontrará con su madre, que siempre ha sido más receptiva a sus cambios; mientras que la relación con su padre, más conservador, ha sido siempre tirante. Y está también su hermano mayor, Eduardo (Juan Minujín), padre de dos niños y en proceso de divorcio con su esposa Sandra (Carla Quevedo).

Así dispone las piezas sobre el tablero el guion coescrito a cuatro manos por el propio Burman y Ariel Gurevich. Una propuesta que incluye, claro, toques de humor judío, de comedia de enredos, de drama familiar, de viaje de (re)descubrimiento identitario y de musical (hay un par de inspiradas coreografías gentileza de Gustavo Wons). En su regreso a Buenos Aires, Mumy sufre varias crisis y pérdidas que es mejor no adelantar, pero de eso se trata la película: de recuperar la voz, la identidad, de reencontrarse, de hacer las paces con el pasado para sanar el presente y proyectar el futuro. Su compañero de aventuras será su hermano Eduardo, quien en medio de su patética existencia y su crisis personal, encontrará la forma y la generosidad para estar con Mumy. Sin demasiadas vueltas intelectuales, con mayor apuesta a la emoción que al gag, Transmitzvah surge como una película casi siempre eficaz, aunque menos provocativa de lo que su sinopsis podía sugerir. No hay aquí discursos ni bajadas de línea. Hay un camino, un catártico viaje interior y exterior (se filmó también en Toledo) en busca del tiempo perdido para sanar las heridas que generaron tantos rechazos y reconciliarse con una y en lo posible con los demás. En ese sentido, la película –franca y directa– cumple con su objetivo.

“Simón de la montaña”, de Federico Luis (en la Semana de la Crítica)

Luego de filmar varios multipremiados cortometrajes como La siesta (2019); En el mismísimo momento (2023), codirigido con Rita Pauls; Quedate quieto o te amo (2023) y Cómo ser Pehuén Pedre (2024), Federico Luis estrenó una muy sensible, audaz y provocadora ópera prima.

Simón (Lorenzo Ferro) tiene 21 años, se define como “ayudante de mudanza”, dice que es mal cocinero y que no sabe hacerse la cama. En los minutos iniciales de la ópera prima de Federico Luis, luego de sobrevivir de forma milagrosa junto a otros jóvenes a una arrasadora tormenta de viento Zonda durante una excursión a una montaña, el protagonista termina con Pehuén (Pehuén Pedre) en un hogar para chicos y chicas con diferentes niveles de discapacidades. Aunque él parece no tenerlas (al menos no de manera evidente), empieza a mimetizarse con el entorno, comienza a acentuar ciertos extraños movimientos corporales y tics en su rostro y, cuando una de sus flamantes amigas le regala unos de esos audífonos que se utilizan para paliar carencias auditivas, ya no dejará de usarlos. ¿Es Simón un impostor, un manipulador? ¿Qué grado de carencias y dificultades acarrea realmente? ¿Por qué se ha fascinado con estos jóvenes con capacidades diferentes? Misterios que la película irá develando poco a poco durante su algo más de hora y media de duración.

La ópera prima de Federico Luis es una propuesta provocadora, desafiante en muchos sentidos. Y es valiosa tanto por lo que propone como por lo que evita. No es sensiblera ni demagógica, no es políticamente correcta (tampoco lo opuesto), condescendiente ni paternalista. Es un film de iniciación(es), un coming of age ambientado en entornos distintos, por momentos difíciles, que se pone en el lugar de sus personajes, que adopta sus puntos de vista, sus perspectivas, sus visiones del mundo, que empatiza con ellos y los entiende, aunque en muchos casos manejen lógicas diferentes a la nuestra. Nos obliga a vencer miedos, prejuicios y rechazos (la escena del manejo de la camioneta, por ejemplo), a entender sus brotes de violencia y agresiones, a sumarnos a sus juegos inocentes, sus escarceos sexuales, sus travesuras incluso cuando estén de forma permanente en zona de riesgo y lo que tienda a surgir en primera instancia sea una actitud censora hacia ellos.

“En cada paso que dio hacia su existencia, esta película tuvo que luchar ferozmente contra otro tipo de miradas que la cuestionaron una y otra vez”, explica Federico Luis en diálogo con elDiaroAR. “Desconfiaban de ese punto de vista que yo tenía o que pudiera plasmarse en una película. También se cuestionaban si correspondía que intérpretes de condiciones físicas o mentales particulares fueran expuestos a las exigencias de un rodaje. Me gusta saber que a casi todos sus actores esta película les ofreció la primera propuesta laboral de sus vidas. En su mayoría son estudiantes de teatro, que elegí entre otros, con quienes ensayamos, con quienes filmamos y que luego cobraron honorarios. Son, gracias a la película, trabajadores profesionales. Me parece que el gesto cuestionable es más bien el contrario, el de no convocarlos para representarse a sí mismos. Como sucedía en el blackface en los años '30, cuando actores blancos pintados de negro interpretaban a los personajes afroamericanos. Me siento animado a discutir ese prejuicio e intentar torcerlo. Tengo una visión apasionada sobre la capacidad humana. ”Simón de la montaña“ intenta crear un punto de vista alternativo a las ideas más comunes y corrientes sobre la capacidad humana. Veo que existe la posibilidad de despedir a un mundo que se está enterrando y ver uno nuevo que está asomando.

Sobre el presente del cine nacional, opinó: “Me siento un privilegiado por estar estrenando mi primera película en Cannes. Me entristece que sea en este contexto. Me sorprendí cuando la contradicción se me apareció incluso dentro del probador de ropa que me prestan para el estreno. No entendía si me debía vestir para una celebración o para un funeral. Mi familia no viene de una clase social que me permita a mí saltearme al Estado. Tampoco soy hijo de cineastas o actores. Tengo el honor de haberme formado gracias a la universidad pública. Estudié Comunicación Social en la Universidad de Buenos Aires. Mis padres son la primera generación universitaria de la familia y también se formaron en la UBA. Mi madre trabaja y trabajó toda su vida en el hospital público. Trabajé unos 10 años hasta lograr esta primera película. Hoy estoy estrenando en Cannes porque la película recibió el apoyo del INCAA. Fue una de las últimas películas en recibir este apoyo, a seis meses del cierre del Instituto. Me cuesta pensar cómo hubiera sido para mí, si luego de trabajar 10 años, el Instituto hubiera cerrado seis meses antes y no hubiese llegado a poder hacerla. Creo que la influencia pública sobre la cultura, la educación y la salud es un gran valor. Considero que necesitan de una institución que los proteja. Sin ir más lejos, una de las personas más vulnerables que trabajaron en la película, coprotagonista y vulnerable desde el punto de vista de la salud mental y desde el punto de vista social, hoy solo encuentra contención en el sector público. Me preocupa mucho que se pierda eso y no creo que haya ninguna razón válida para que desaparezca.”

“Los domingos mueren más personas”, de Iair Said (en la sección ACID)

 Tras los cortos “9 vacunas” (2012) y “Presente imperfecto” (2015); y el largometraje “Flora no es un canto a la vida” (2019), Said presentó una película de ficción que, además de director y guionista, lo tiene nuevamente como protagonista, continuando –con las distancias geográficas, temporales y generacionales del caso– esa tradición que cultivaron los Woody Allen y los Nanni Moretti. Ya en el primer plano del film nos enteramos de que David es abandonado por su novio en medio de un ataque de llanto y desesperación cuando se encontraban en un paradisíaco enclave turístico. Y nuestro antihéroe, que está radicado en Italia con una beca para una maestría en Comunicación, deberá regresar poco después de urgencia desde Roma para asistir al funeral de su tío Pocho. El reencuentro con su madre (Rita Cortese) y el resto de sus familiares y amigos será más bien tenso. Neurótico, torpe, vehemente, voraz e inconformista, este treintañero siente que nada le sale del todo bien, que está siempre en el lugar y el momento equivocados, ya sea a la hora de tomar una pastilla para dormir antes de un vuelo, de darle un beso al profesor de manejo, de inventar un percance para seducir al vecino de al lado o de conducir luego de haber sacado finalmente el registro.

La película tiene el raro mérito de hacer que las cosas en apariencia más mundanas como un entierro o una cena de Pésaj adquieran dimensiones inusitadas, mientras al mismo tiempo se aborden cuestion es de enormes dimensiones e implicancias emocionales como la eutanasia (a su padre lo mantienen vivo con un respirador artificial) con naturalidad y practicidad, sin solemnidades. “Los domingos mueren más personas” tiene varias zonas y capas que la hacen atractiva y emotiva. Una tragicomedia que hace honor al término, ya que encuentra irrupciones de bienvenido humor absurdo (con algo del cine de Martín Rejtman) incluso en los momentos más trágicos.

“La escribí hace justo 9 años, casualmente en el viaje a Cannes 2015. Estaba atravesando un proceso familiar muy duro con la enfermedad de mi papá. Años más tarde, falleció. Pero así como la escribí en ese viaje, la dejé. Mis proyectos nacen siempre de una necesidad. Mi primer corto, 9 vacunas, fue por la necesidad de actuar y expresar una sensación y eso se repite en el resto de mis trabajos. Esa es la continuidad que les encuentro a todos. Son el resultado de procesos por lo que atravieso y no puedo ponerlos palabras de otra manera. Esta película retrata el dolor, el miedo a la soledad, a enfrentar la muerte y el sentirse perdido”, dice Said en charla con elDiarioAR.

Sobre el reciente estreno en Cannes, indicó que “la sensación colectiva de desamparo está tiñendo toda posibilidad individual de celebrar. Me es muy complicado estar alegre en este contexto. Agradezco muchísimo la posibilidad de haber estrenado en Cannes, pero la idea de pensar que ésta podría ser de las últimas películas que se financia gracias al INCAA me desespera. No puedo pensar en mi película ni en mi carrera como un hecho aislado. Este es el resultado del trabajo de muchos compañeros que se formaron gracias a otras películas financiadas por el INCAA y la película en sí es una más entre otras tantas que le debemos esa concreción. Es peligrosísima la idea de que desaparezca la industria. Me parece bien que se intenten mejorar las cosas. Siempre apoyaré eso. Pero todos los países del mundo tienen su instituto de cine. El INCAA se encargó de que todos tuviéramos los mismos derechos y posibilidades para llevar a cabo una película. Con la desaparición de esa posibilidad, los únicos que podríamos llevar a cabo las películas son los que tenemos contactos con empresarios privados y así dejaría de ser un cine democrático para convertirse en uno más elitista y que se mueve solo por intereses.”

DB/DTC

El colectivo Unidxs por la Cultura organizó para el viernes 26 una concentración en defensa del cine nacional que tendrá lugar en el frente de la sede del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales. de Lima 319 en la Ciudad de Buenos Aires. “Contra la censura. Decimos: Fuera Pirovano (el enviado de Milei en el INCAA)”, propone la convocatoria.

“Defendamos al cine, la cultura, la educación, la ciencia y la investigación de los ataques de Milei. Convocamos a sumarse y apoyar esta iniciativa”, dice el comunicado que indica que a las 16 habrá un abrazo al INCAA, convocado por sus trabajadores. En tanto a las 17 prevén instalar una radio abierta y realizar una performance y una “aficheada” para la cual les proponen a los concurrentes llevar el afiche de su película preferida.

El cierre del INCAA

Luego de un fuerte desfinanciamiento al sector cultural, el presidente Javier Milei finalmente ordenó en los últimos días el cierre del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) para reubicar al personal y reasignar sus respectivas tareas.

A partir de esta decisión del mandatario, todos los empleados recibirán una licencia obligatoria hasta que finalice la reorganización de la entidad, que se llevará a cabo en los próximos días.

Según informaron representantes sindicales, otra de las repercusiones del cierre del INCAA será el cierre de las salas que dependen del organismo. Sin embargo, las funciones correspondientes al Festival Bafici 2024, previstas para este lunes en el cine Gaumont, están aseguradas.

A través de la Resolución 62/2024 del Boletín Oficial se oficializó la medida este lunes 22, donde se detalló cómo quedó conformado el organigrama de la entidad.

Las gerencias que se mantendrán serán:

Esto implica que las gerencias de Fomento, de Asuntos Institucionales, de Exhibición y Audiencias y de Fiscalización de la Actividad Audiovisual queden eliminadas.

En el nuevo texto de la ley ómnibus el Gobierno había hecho modificaciones en el financiamiento del INCAA, además de suspender las contrataciones, apoyos y aportes institucionales.

El Gobierno y el nuevo presidente del organismo, Carlos Luis Pirovano, consideraron que “en el contexto de la crisis económica general e importante déficit fiscal que atraviesa el país desde hace décadas (...) se propicia -para el Incaa- una estructura que conlleve a mecanismos y procesos más ágiles, además de un menor costo presupuestario”.

En ese sentido, indicaron que con el objetivo de “cumplir de una forma eficaz y eficiente con la responsabilidad primaria que por Ley corresponde al Instituto, resulta necesario modificar la estructura organizativa del Incaa”.

Así, se consideró necesaria “la supresión de Unidades Operativas de primero, segundo, tercero y cuarto nivel operativo, y con ello de las Funciones Ejecutivas y de Jefatura correspondientes a los cargos oportunamente creados, una readecuación general de acciones y una posterior revisión de la dotación del personal afectado al Instituto”.

En tanto, se informó sobre la quita de una porción del presupuesto asignado en 2023: “La presente medida implica una reducción de las erogaciones presupuestarias del Organismo”.

Esta decisión pone en serio riesgo la continuidad de la mayoría de los planes, programas y proyectos en marcha: desde el funcionamiento de la Escuela Nacional de Experimentación Cinematográfica (ENERC), entidad pública y gratuita que tiene sedes en CABA, NOA, NEA, Patagonia, Cuyo, Mar del Plata, Rosario y Comodoro Rivadavia, hasta el trabajo de la Gerencia de Fiscalización (que controla el cumplimiento de las normativas vigentes por parte de los dueños de las salas), pasando por el Festival de Mar del Plata y el mercado Ventana Sur, cuyos presupuestos dependían hasta ahora en buena medida de los aportes del INCAA.

Fuente: somostelam.com.ar

IG

Luego de un fuerte desfinanciamiento al sector cultural, el presidente Javier Milei finalmente ordenó el cierre del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) para reubicar al personal y reasignar sus respectivas tareas.

A partir de esta decisión del mandatario, todos los empleados recibirán una licencia obligatoria hasta que finalice la reorganización de la entidad, que se llevará a cabo en los próximos días.

Según informaron representantes sindicales, otra de las repercusiones del cierre del INCAA será el cierre de las salas que dependen del organismo. Sin embargo, las funciones correspondientes al Festival Bafici 2024, previstas para este lunes en el cine Gaumont, están aseguradas.

A través de la Resolución 62/2024 del Boletín Oficial se oficializó la medida este lunes 22, donde se detalló cómo quedó conformado el organigrama de la entidad.

Las gerencias que se mantendrán serán:

Esto implica que las gerencias de Fomento, de Asuntos Institucionales, de Exhibición y Audiencias y de Fiscalización de la Actividad Audiovisual queden eliminadas.

En el nuevo texto de la ley ómnibus el Gobierno había hecho modificaciones en el financiamiento del INCAA, además de suspender las contrataciones, apoyos y aportes institucionales.

El Gobierno y el nuevo presidente del organismo, Carlos Luis Pirovano, consideraron que “en el contexto de la crisis económica general e importante déficit fiscal que atraviesa el país desde hace décadas (...) se propicia -para el Incaa- una estructura que conlleve a mecanismos y procesos más ágiles, además de un menor costo presupuestario”.

En ese sentido, indicaron que con el objetivo de “cumplir de una forma eficaz y eficiente con la responsabilidad primaria que por Ley corresponde al Instituto, resulta necesario modificar la estructura organizativa del Incaa”.

Así, se consideró necesaria “la supresión de Unidades Operativas de primero, segundo, tercero y cuarto nivel operativo, y con ello de las Funciones Ejecutivas y de Jefatura correspondientes a los cargos oportunamente creados, una readecuación general de acciones y una posterior revisión de la dotación del personal afectado al Instituto”.

En tanto, se informó sobre la quita de una porción del presupuesto asignado en 2023: “La presente medida implica una reducción de las erogaciones presupuestarias del Organismo”.

Esta decisión pone en serio riesgo la continuidad de la mayoría de los planes, programas y proyectos en marcha: desde el funcionamiento de la Escuela Nacional de Experimentación Cinematográfica (ENERC), entidad pública y gratuita que tiene sedes en CABA, NOA, NEA, Patagonia, Cuyo, Mar del Plata, Rosario y Comodoro Rivadavia, hasta el trabajo de la Gerencia de Fiscalización (que controla el cumplimiento de las normativas vigentes por parte de los dueños de las salas), pasando por el Festival de Mar del Plata y el mercado Ventana Sur, cuyos presupuestos dependían hasta ahora en buena medida de los aportes del INCAA.

NB

Con escudos, gas pimienta y balas de goma, la Policía de la Ciudad interrumpió hoy una conferencia y manifestación frente al cine Gaumont que se llevó a cabo en rechazo de los recortes en el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) que anunció el Gobierno el lunes a través de una resolución que fue publicada en el Boletín Oficial y que se denomina “Suspensión de Erogaciones Económicas en el marco de racionalización de recursos”. Esta medida contempla el cierre de la histórica sala cinematográfica y la venta de su edificio, entre otros ajustes.

El recorte también incluye la baja en algunos contratos, la suspensión en el pago de horas extras, de aportes económicos y aportes institucionales, la quita de apoyo económico a las provincias, eliminación de los adicionales en concepto de Seguridad en todos los edificios del Instituto y además la suspensión los viajes del personal, los gastos de telefonía celular, la compra de comida y el pago de traslados de sus empleados. En este contexto es que se gestó una marcha de autoconvocados para oponerse a esta decisión del Ejecutivo.

Las personas se reunieron con cánticos y banderas en la calle en defensa de la cultura y contra la motosierra de Javier Milei. Entre los manifestantes hubo reconocidos actores, como Leonardo Sbaraglia, actrices, directores, guionistas y otros trabajadores de la industria. Una de las consignas que sostienen es: “Esta película recién empieza. La historia está en nuestras manos”.

El INCAA depende de la Secretaría de Cultura, bajo la órbita del Ministerio de Capital Humano, tiene 645 empleados y unos 500 son de planta permanente. En el organismo además analizan implementar retiros voluntarios, jubilaciones anticipadas, revisión de concursos y reestructuración de algunos sectores, como está sucediendo en otras dependencias públicas.

Sobre el final de la protesta, desde el Centro de Estudios Legales y Sociales, informaron que hubo tres detenidos y recordaron: “Protestar es un derecho, la policía debe garantizarlo, no impedirlo”.

MM con información de la agencia NA.

El flamante presidente del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), Carlos Luis Pirovano, implementó una serie de medidas para reducir de forma drástica los gastos del organismo y cumplir así con el “plan motosierra” que el mismo funcionario había adelantado la semana pasada en diversas reuniones con los delegados de ATE y con los representantes de distintas entidades de directores, productores y técnicos del sector.

La resolución 2024-16, que refiere a la “suspensión de erogaciones económicas en el marco de la racionalización de recursos”, establece la no renovación o la finalización anticipada de casi 140 contratos que en su mayoría vencen a fines de marzo, pero también el recorte de gastos en múltiples áreas del organismo. Según la medida, ya no habrá más apoyos institucionales, aportes a las provincias, pagos de horas extras al personal ni a los servicios de seguridad, viáticos, telefonía celular, comidas y reintegros e incluso se suspende el desplazamiento del personal.

Según la medida, ya no habrá más apoyos institucionales, aportes a las provincias, pagos de horas extras al personal ni a los servicios de seguridad, viáticos, telefonía celular, comidas y reintegros e incluso se suspende el desplazamiento del personal

La lista es todavía más amplia, pero lo que importa son sus efectos, ya que ponen en serio riesgo la continuidad de la mayoría de los planes, programas y proyectos en marcha: desde el funcionamiento de la Escuela Nacional de Experimentación Cinematográfica (ENERC), entidad pública y gratuita que tiene sedes en CABA, NOA, NEA, Patagonia, Cuyo, Mar del Plata, Rosario y Comodoro Rivadavia, hasta el trabajo de la Gerencia de Fiscalización (que controla el cumplimiento de las normativas vigentes por parte de los dueños de las salas), pasando por el Festival de Mar del Plata y el mercado Ventana Sur, cuyos presupuestos dependían hasta ahora en buena medida de los aportes del INCAA.

Si bien el propio Pirovano desestimó en su cuenta de la red social X que –como había trascendido luego de las reuniones– plantee cerrar el cine Gaumont, complejo ubicado en el barrio de Congreso y considerado un ámbito fundamental para la exhibición del cine argentino, sí apunta a un cambio de paradigma respecto de las gestiones de los últimos gobiernos (incluidas las de Alejandro Cacetta y Ralph Haiek durante el macrismo).

Pirovano –un economista muy cercano a Federico Sturzenegger y a Francisco Cabrera– pretende que el Instituto limite sus actividades al fomento audiovisual y que además se hagan menos películas, más grandes y con mayor llegada comercial. Esto implica, por ejemplo, dejar de lado el programa de Espacios INCAA (además del Gaumont, hay casi 70 salas más en el interior con distintas modalidades de funcionamiento), terminar con el apoyo a festivales provinciales, abandonar políticas de difusión como el canal Cine Ar TV y la plataforma de streaming Cine Ar Play, y discontinuar programas federales que se realizan en asociación con las distintas provincias.

El plan incluye también recortar el apoyo a los lanzamientos (un monto fijo que el INCAA daba a los productores y distribuidores de películas argentinas al momento del estreno) y las ayudas para viajes a festivales del exterior.

Pirovano –un economista muy cercano a Federico Sturzenegger y a Francisco Cabrera– pretende que el Instituto limite sus actividades al fomento audiovisual y que además se hagan menos películas, más grandes y con mayor llegada comercial

Pirovano asegura que el INCAA está sobredimensionado (su planta permanente es de unas 500 personas y hay otros 145 trabajadores temporarios) y que gasta demasiado. En 2023 tuvo ingresos por 13.537 millones de pesos, de los cuales 9.458 millones (casi el 70%) provinieron de los aportes de los canales al Enacom y el 30% (4.037 millones) corresponde al impuesto del 10% que cada espectador paga cuando compra una entrada al cine. Los restantes 42 millones son por un negocio ya casi en extinción: el 10% a la compraventa y alquiler de videos.

Como ocurre en casi todos los organismos públicos, los funcionarios de Milei apuestan a un recorte brutal de gastos, a que la estructura sea lo más reducida posible y a que las actividades se concentren en lo esencial (en este caso, el apoyo a un número limitado de producciones). En cambio, las entidades del sector apuntan a que las compañías multinacionales de streaming (Netflix, Prime Video de Amazon, Apple TV+, Disney+, Max de Warner Bros. Discovery y Paramount+, entre otras) aporten, como ya ocurre en otras partes del mundo, al Fondo de Fomento para que los recursos aumenten y no, como ocurre por estos días, se jibaricen con el riesgo concreto de que el INCAA prácticamente quede paralizado y dejen de funcionar la mayoría de sus áreas.

El rechazo a las reformas propuestas por Javier Milei en la ley ómnibus ya trascendió fronteras. Ahora, reconocidas figuras del cine internacional como Pedro Almodóvar, Gael García Bernal y Diego Luna firmaron un comunicado en contra de los recortes al Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) impulsados por el Gobierno nacional.

“El cine argentino es una industria pujante que genera miles de empleos, exporta contenidos y atrae inversiones extranjeras al país. La implementación de este proyecto de ley tendrá un efecto devastador, incalculable e irreparable en toda la cultura y en la soberanía nacional, especialmente para los trabajadores que dependen de las industrias culturales, resultando en miles de nuevos desempleados” explica el documento de la coalición de Cine Argentino Unido, replicado por el sitio Hollywood Variety.

Además de Almodóvar, García Bernal y Luna, el escrito está firmado por Roger Corman, Abel Ferrara, Alejandro González Iñarritu, Aki Kaurismäki, los hermanos Dardenne, Oliver Assayas, Kelly Reichardt, Kleber Mendonca Filho, Juan Antonio Bayona, Pedro Costa, Asif Kapadia, Corneliu Porumboiu, Mira Nair e Isabel Coixet.

“Argentina ha construido una industria cinematográfica vibrante, heterogénea dinámica desde sus inicios. Desde 1944, el país cuenta con instituciones estatales que regulan y promueven la actividad cinematográfica utilizando los recursos generados por la explotación audiovisual. Hoy esa industria implica decenas de miles de empleados de calidad y forma profesionales que colaboran en coproducciones en todo el mundo”, detallaron en el comunicado rubricado.

Y agregaron: “El cine argentino está presente en los festivales de Cannes, Berlín, San Sebastián y Venecia. Nada de esto hubiera sido posible sin políticas públicas que promuevan la cultura y sin la Ley de Cine que prevé fondos específicos para la actividad”.

ACM con información de Télam

El proyecto de ley de Bases y Puntos de Partida para la Libertad de los Argentinos enviado por el gobierno de Javier Milei al Congreso apunta a reformar numerosos mecanismos e instituciones que fomentan la producción, formación y participación cultural. De aprobarse, la ley afectaría a la producción mercantilizada y sin fines de lucro en las industrias de la música, los libros, el teatro, el cine y las artes en general. Un breve repaso por los aspectos más relevantes de las medidas permite identificar el tamaño de las afectaciones a la diversidad cultural.

Entre las definiciones más fuertes se encuentran el cierre del Instituto Nacional del Teatro (INT) y del Fondo Nacional de las Artes (FNA).

El primero tiene como finalidad el fomento a la actividad teatral en todo el país tanto con la programación artística como con el sostenimiento de salas. El teatro se ve afectado también por la propuesta de derogación de la Ley N° 14.800 que indica que donde se demuele una sala teatral debe construirse otra similar y de la Ley N° 21.145 que establece beneficios en hospedajes, pasajes y fletes para actores, artistas y técnicos.

Por su parte, el FNA tiene un rol fundamental en el acompañamiento y fomento de las artes plásticas, escénicas, escritura y todo tipo de creación cultural que se financia centralmente por el dominio público pagante generado al vencerse los derechos de autor de cualquier obra. Además, es un fondo que se autofinancia.

El libro es otra de las producciones culturales alcanzadas por las propuestas de modificaciones. La derogación de la Ley de Precio Único generará un desequilibrio en la cadena de valor que pondrá en riesgo la actividad de pequeños y medianos libreros en todo el país que no podrán competir con grandes superficies de venta. Las modificaciones también alcanzan a la Comisión Nacional de Bibliotecas Populares que pierde su presupuesto y además se eliminan beneficios impositivos para este tipo de instituciones.

La música también se encuentra afectada ya que el proyecto busca desfinanciar al INAMU al quitarle el aporte proveniente de las multas, tasas y gravámenes que pagan la radio y la televisión (2% del total). Le quitan toda función de fomento que no sea formativa. Es decir, ya no participa de la promoción de la música en vivo o grabada. Además, se elimina la obligación de contratar artistas locales en shows internacionales.

El proyecto apunta fuerte y al corazón de la industria cinematográfica nacional. Modifica la ley de financiamiento y promoción de la producción y exhibición de películas argentinas. Le quita al fondo del INCAA los ingresos que provienen de las tasas y gravámenes de la televisión (junto a la radio y la televisión paga) para dejar solo el 10% de cada entrada vendida. Además, otorga plena discrecionalidad al directorio y quita del mismo la participación de los múltiples sectores participantes de la actividad. Relaja también las condiciones de las películas a financiar: no deberán ser habladas en castellano, podrán tener publicidad y no deberán representar un aporte a la cultura y a los valores sociales. Por último, el proyecto deroga las cuotas de pantalla para el cine nacional y también la media de permanencia para las películas argentinas.

Todas estas modificaciones apuntan a desarticular el entramado de sostenimiento y promoción de la producción cultural local, independiente y/nacional. El federalismo es puesto en cuestión al tiempo que también la participación civil en el diseño y ejecución de las políticas. Casi todos los organismos que quedan en pie son modificados en su funcionamiento para prescindir de asambleas o consejos asesores federales y otorgar pleno poder al PEN en ellos. 

El gobierno de Javier Milei considera al apoyo estatal a la actividad cultural como un gasto de la política (e ideológico). “Si para que vos hagas una producción cultural depende del favor del Estado no vas a tener un arte contestatario, transformaste la cultura en propaganda. Hay que hacer que el Incaa, el Instituto del Teatro, el Fondo Nacional de las Artes financien a la cultura de una manera en la que la política no se pueda meter”, dijo Sturzenegger en Radio Mitre.

El proyecto busca retirar buena parte del financiamiento a la cultura nacional de una manera en la cual la política se mete hasta más no poder: todo depende del Poder Ejecutivo. Muchas de estas leyes vienen de los años 60, como bien señala Sturzenegger, cuando parecía que los procesos de restauración conservadora en la sociedad argentina encontraban en la promoción de las artes y la cultura en general un punto de distinción. Para Milei, la cultura es casta. Desconoce que la producción cultural promueve la memoria, la crítica social y la representación artística de lo que somos, fuimos y queremos ser como comunidad. Cuanto más diversa, más democrática.

El proyecto busca retirar buena parte del financiamiento a la cultura nacional de una manera en la cual la política se mete hasta más no poder: todo depende del Poder Ejecutivo

La promoción y la formación de músicos, escritores, actores, editores, diseñadores, bailarines y un largo etcétera también beneficia a la industria que no invierte recursos en generar talentos. La formación de espectadores (con la llegada del cine, el teatro, la música en vivo, étc., a lugares donde la inversión privada no lo hace) es otro de los beneficios indirectos que estas políticas tienen para la industria. Sin embargo, el Gobierno considera que esta intervención estatal es lesiva para la cultura.

El proyecto de ley apunta a que sean las reglas de mercado, las de la oferta y la demanda pero también las de lo comercial y lo no comercial, las que establezcan quiénes pueden hacer y acceder a las producciones artísticas. La cultura (y el acceso equitativo a ella en tanto espectadores o productores) nos hace más libres.

AE/JJD

Finalmente sucedió: Argentina, 1985, la película de Santiago Mitre sobre el Juicio a las Juntas, es el estreno argentino más visto del año. Mientras sus productores esperan que llegue al millón de espectadores a lo largo de las próximas dos semanas, la película ya está disponible en Amazon Prime.

La película que Mitre escribió con Mariano Llinás ha generado unas cuantas discusiones y polémicas. Algunas, muy interesantes, acerca de los mecanismos de la ficción cinematográfica para representar hechos históricos. Otras, agrietadas y estériles, sobre cuán peronista o radical es la película según las decisiones estéticas de sus guionistas. Se la ha calificado de “necesaria”. Hay colegios que la adoptan como material educativo. Es la candidata que el país va a mandar a competir en los Oscar, dicen, con bastantes chances de quedar en la shortlist de las nominadas. Las redes están llenas de testimonios del público en la sala emocionado con escenas clave de la película, aplaudiendo y llorando. El presidente de la Nación, cuentan, ya la vio dos veces.

El fenómeno tiene incluso más mérito considerando las condiciones de su estreno. Recordemos: las grandes cadenas de cines –Cinépolis, Showcase, Cinemark y Hoyts, dueñas de la mitad de las salas del país y casi el 40% de la recaudación– decidieron no exhibir Argentina, 1985v en rechazo a la condiciones que impuso Amazon, co-productor de la película: una ventana de “apenas” tres semanas en salas hasta que sus suscriptores puedan en sus pantallas hogareñas. La ventana “habitual” entre salas y streaming era de 45 días, que antes eran 3 meses y, allá no tan lejos en el tiempo –cuando reinaba la TV por cable– era un año y medio. Es una disputa corporativa global que se está dando a niveles que exceden al cine argentino, y que acá tuvo la mala suerte de estallar con el blockbuster más “local” del año, lo cual resultó en un boicot que dejó algunas lecciones y abrió muchos interrogantes.

“Las condiciones en las que se estrenó hacían que cualquier proyección fuese bastante difícil, poco certera”, afirma Axel Kuschevatzky, coproductor de la película. “Nosotros estamos acostumbrados a hacer proyecciones en condiciones muy estándar y en realidad esta vez no tuvimos eso”, agrega. Para otros referentes de la industria, las expectativas eran evidentes. “Esta película nos trajo la evidencia de una discusión internacional, que evidentemente los CEOs argentinos no pudieron –o no quisieron, o quisieron y no los escucharon– explicar a los gerentes internacionales de Cinemark, Cinepolis, etc, y es que esta película tenía una relevancia importante y sin duda iban a ganar dinero, no iban a perder. Está haciendo más números que cualquier película estadounidense que hayan estrenado en esas semanas”, afirma Vanessa Ragone, productora de éxitos como El secreto de sus ojos y presidenta de la Cámara Argentina de la Industria Cinematográfica. “Se la perdieron, porque habrían hecho un número espectacular”, agrega.

El boicot a Argentina, 1985 tuvo, por otro lado, algunas consecuencias positivas inesperadas, como un alcance mucho más federal. Al haber sido estrenada en salas nacionales e independientes, muchas de ellas en las provincias, la película llegó a lugares que, si se hubiese estrenado solo en las grandes cadenas, quizás habría tardado más en llegar. Al mismo tiempo, cuenta un productor, la enorme demanda de público en algunas salas –con funciones agotadísimas– empujó el retorno de antiguos horarios que hace rato no se veían, como la mañana o la trasnoche. Argentina, 1985, entonces, quizás esté señalando que hay otros caminos posibles de exhibición más allá de los que el sector da por sentado. ¿Se aplica esta lógica para todas las películas? “Probablemente no”, responde Kuschevatzky. “Eso también es cierto. Pero por lo pronto sabemos que la posibilidad, aunque difícil, no es imposible”.

Hoy, con el diario del lunes, la decisión de no proyectar Argentina, 1985 parece efectivamente un paso en falso. En especial si consideramos que esta puja global por el tiempo de exhibición en salas es una negociación constante que no parece en absoluto resuelta, y la herramienta del boicot está resultando anacrónica. De hecho, hace poco más de una semana, los exhibidores más grandes de EE.UU –AMC, Regal y Cinemark– acordaron con Netflix que su próximo estreno Glass Onion: A Knives Out Mystery, secuela de la exitosísima Knives Out, será exhibido en salas por solo una semana, aprovechando el feriado del Día de Acción de Gracias, un mes antes de su estreno en la plataforma. Son las mismas cadenas que ya habían boicoteado estrenos de Netflix como Roma, de Alfonso Cuarón, en 2019, o The Irishman, de Martin Scorsese, en 2020. Días después de anunciado el deal, una declaración de Ted Sarandos, CEO de Netflix, sobre las prioridades de la plataforma, volvió a sacudir la paz que parecía sellada. Lo que está claro es que el tema –y la dinámica de la industria– sigue en movimiento.

El episodio es otro eslabón más en la mutación que está atravesando el modo en que vemos películas. “Argentina, 1985 más que dejarnos enseñanzas genera un montón de preguntas a futuro”, dice Kuschevatzky. “¿Cómo se relaciona el público con los contenidos? ¿Pueden los contenidos convivir en plataforma y en salas a la vez?”, se pregunta. Este fin de semana, por ejemplo, es el turno de El gerente, primera película original de Paramount+ en Argentina, dirigida por Ariel Winograd, que tendrá un estreno simultáneo en la plataforma y en los cines de la cadena Atlas durante una semana.

El cine argentino sigue buscando acomodarse en un escenario fluido, en el que las plataformas ocupan un lugar preponderante no solo en exhibición sino –principalmente y hace rato– en la producción audiovisual. En términos de financiamiento, las películas con aspiraciones de público masivo ya dependen de compañías como Netflix o Amazon para su existencia. “Hoy las plataformas son las únicas fuentes de financiamiento posible para hacer películas, sea del modo que sea”, sentencia Ragone. Una circunstancia agudizada por la desaparición del INCAA como instancia de financiación para películas que apunten a un público masivo, en gran medida por la devaluación de la moneda y una desactualización de los costos medios considerados para otorgar subsidios. De hecho, el sistema mismo de financiación pública del cine y otras artes corre riesgo de desaparecer por completo este mismo año si el Senado no aprueba la prórroga de asignaciones específicas para industrias e instituciones culturales que Diputados aprobó en junio. Un dato que Llinás se encargó de recordar en la proyección especial para funcionarios de gobierno y organismos de derechos humanos que se organizó en el cine Gaumont.

La producción local de cine en este contexto cambiante sigue llena de interrogantes. Y el caso Argentina, 1985, con su omnipresencia en la conversación social y mediática de las últimas dos semanas, también demuestra que para determinadas películas la exhibición en salas previa al streaming es también una manera de aumentar el volumen y la calidad de la conversación, un activo difícil de generar a puro marketing. Y una ventana muy pequeña también puede cortar esa circulación. “La discusión social es algo que a las plataformas les interesa mucho, que haya ruido alrededor de sus estrenos”, opina Ragone. Y si hay algo que esta película generó fue ruido. De periodistas, juristas, intelectuales, un premio Nobel y hasta uno de los jueces de la Cámara Federal que condenó a los jerarcas del terrorismo de Estado. El desafío para el cine argentino, hoy, quizás sea demostrar que la mejor caja de resonancia para ese ruido es, todavía, la sala de cine.

AM

La convocatoria para el 13ra. edición del Concurso Federal para el Desarrollo de Proyectos de Largometrajes Raymundo Gleyzer abrió y permanecerá abierta hasta el 29 de agosto, según informó este lunes el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (Incaa).

El concurso, que nació en 2006, tiene como objetivo fomentar la formación de profesionales de cine en las áreas de dirección, producción y guion e incentivar la realización de proyectos de diferentes regiones del país.

De acuerdo a la comunicación del Incaa, están en condiciones de participar los proyectos de largometraje de ficción o documental que se encuentren en etapa de desarrollo. A diferencia de las últimas ediciones, este año se contempla la categoría de documental, además de la de ficción.

El cupo del concurso prevé un máximo de 42 proyectos distribuidos de la siguiente manera: 4 proyectos por región (24 en total) para el formato de ficción y 3 proyectos por región (18 en total) para documentales.

Además, se convoca a la presentación de hasta dos proyectos de Uruguay, Brasil y Paraguay, los países asociados a la Reunión Especializada de Autoridades Cinematográficas y Audiovisuales del Mercosur (Recam), que participarán del programa de tutorías, aunque no compiten por el premio final.

Por su parte se informa que el laboratorio engloba un plan de tutorías y clínicas para los equipos de largometrajes de ficción y documental, con capacitaciones especialmente diseñadas para el programa, dictadas por tutores profesionales reconocidos del ámbito audiovisual, con eje en la formación en producción, dirección y guion.

Entre septiembre y noviembre de 2022 será la preselección de proyectos, lecturas del jurado y admisiones y, las capacitaciones, entre marzo y septiembre de 2023, con una metodología híbrida en tres instancias: regionales, virtuales y presenciales, permitiendo a los equipos trabajar y avanzar entre los períodos en los que se dictan las clínicas.

El jurado, que tienen a su cargo la preselección de los proyectos, está constituido por un representante de cada región. Se tendrá en cuenta la paridad de género, destinando un 50% del cupo a mujeres y diversidades.

Los proyectos ganadores serán 12 en total: un largometraje de ficción y otro de documental por cada región del país, quienes recibirán la suma de $960.000 para los de ficción y $720.000 para los documentales.

Para mayor información del Concurso Federal para el Desarrollo de Proyectos de Largometrajes Raymundo Gleyzer, consultar en Incaa.gov.ar/concursos-y-convocatorias-cine.

Con información de agencias.

IG

Como sucesivas remakes de la misma película, cada cambio en la dirección del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales siempre sucede en medio de polémicas y climas agitados. Sucedió con sus dos presidentes anteriores, Alejandro Cacetta y Ralph Haiek, ambos denunciados de un lado y del otro del espectro político. Y la salida el jueves pasado de su último presidente, el productor y director Luis Puenzo, no fue la excepción.

El último capítulo en la serie del INCAA incluyó una protesta en la puerta del Instituto, represión y detenidos por la Policía de la Ciudad, y un trasnochado decreto presidencial para echar a Puenzo –quien al momento de asumir era una figura con amplio consenso en el mundo del cine– mientras andanadas de violencia verbal inundaban las redes sociales de directores y productores clamando por el cierre del “antro”, con la ayuda de un periodismo cada vez más desinformado en la cuestión de cómo –y por qué– el Estado apoya a la producción de cine nacional.

Con la salida del director de La historia oficial parece haberse removido un obstáculo que retardaba la solución de un problema urgente: a fin de año caducan las asignaciones específicas que financian no solo el Plan de Fomento del INCAA para el cine argentino, sino también el Instituto Nacional de la Música, el Instituto Nacional del Teatro, las Bibliotecas Populares, las producciones del Sistema Nacional de Medios Públicos, el ENACOM y el funcionamiento de la Defensoría del Público de los Servicios de Comunicación Audiovisual.  

Pero con Puenzo fuera el problema continúa, y el escenario de incertidumbre con respecto al futuro del financiamiento del cine argentino es el mismo. “Es una sensación muy grande de tiempo perdido: desde que empezó Puenzo a hoy no cambió nada en el INCAA, estamos como si fuera finales de 2019”, describe Vanessa Ragone, presidenta de la Cámara de la Industria Cinematográfica. A ocho meses de la fecha de caducidad, según la productora y ganadora del Oscar por El secreto de sus ojos, la solución deberá ser casi milagrosa, con un enorme esfuerzo de concientización y política para que avance el proyecto de ley presentado por el diputado José Pablo Carro del Frente de Todos, que extiende esa fecha por 50 años para garantizar la autarquía del Instituto. 

“Estamos en una situación parlamentaria complicadísima, que no es la que teníamos dos años atrás cuando empezamos a decir que esto iba a suceder, nadie nos daba mucha bolilla, y a Luis Puenzo no le parecía un problema. Hay que lograr que un proyecto de ley que todavía ni siquiera está en las comisiones adecuadas vaya a las comisiones y sea votado por mayorías absolutas”, explica Ragone. Algo que se adivina muy difícil si algunas de esas fuerzas políticas son las que en su momento votaron, precisamente, por imponer ese deadline a las asignaciones específicas para subsidios culturales.

Discursos de odio

 A la complejidad necesaria para lograr una solución en un ecosistema político plagado de internas y desconfianza, se le suma la contracorriente de una reacción virulenta contra las vías de fomento estatal a la actividad cultural, que pudo verse en los ataques insultos en redes sociales a figuras del mundo del cine que alertaban de la situación del Incaa, o simplemente se manifestaban a favor de mejorar su Plan de Fomento. Un rechazo avivado por comunicadores que discutieron sin muchos argumentos la existencia misma del Instituto.

“En la cultura hay sectores políticos que siempre demonizan la cultura”, comenta el productor Axel Kuschevatzky. “Y el cine, al ser una industria cultural, está parado en un lugar intermedio difícil de analizar sin background. Es muy facilista pararse frente al INCAA y no poder determinar qué es un tema estructural del Instituto en sí mismo, qué tiene que ver con una política cultural específica, o qué tiene que ver con una ley que fue escrita en otro contexto. Entonces, esas diferencias que parecen sutiles desde afuera pero desde adentro son enormes, lo que generan es ruido, y a veces a la gente le cuesta un montón entender de qué se está hablando”.

Los ataques en redes sociales llegaron incluso hasta la cuenta de Twitter de El Pampero Cine, una compañía productora independiente que nunca solicitó un peso al Instituto para realizar películas de directores como Mariano Llinás (La flor) o Laura Citarella (La mujer de los perros) que son recibidas en prestigiosos festivales internacionales. Las acusaciones de “planeros”, “vagos” o “estafadores”, provocaron una respuesta contundente de los cineastas en un hilo de Twitter en el que describían las agresiones y acusando a figuras del macrismo de avalar en voz alta este “clamor” como una forma de campaña.  

“El resultado de esta crisis habrá de ser, por obra y gracia de las facciones en disputa, un escenario aun peor: en el mas leve de los casos, el mantenimiento de un deficitario e ineficaz status quo; en el peor de ellos, la extinción casi completa del cine argentino promovida por facciones que, insólitamente, se declaran ‘liberales’”, escribieron.

Empezar de cero

“De alguna manera, estas acciones de falta de confianza en la actividad que se estaba dirigiendo, una falta de fe, de cariño, no sé, fue el puntapié para el discurso del odio, pero ese discurso empezó en Puenzo”, afirma Ragone, describiendo cómo el cambio de gobierno en 2019 había sido una oportunidad para “recomponer un vínculo con la actividad audiovisual que se había estado perdiendo en los cuatro años del gobierno anterior”. Según la productora de Carmel: ¿Quién mató a María Marta?, el presidente del Instituto “llegó diciendo ‘venimos a limpiar el INCAA que está lleno de gente que lucra’. Palabras indignas para alguien que viene a gestionar un sector, y lo gestionaba como si lo odiara. Esa fue la sensación que tuvimos desde que Puenzo se sentó ahí”.

El consenso hoy acerca de la figura de Puenzo en el INCAA terminó siendo lo opuesto al de su llegada al organismo. La estela que deja su gestión parece ser no solo el mismo peligro de una inminente desfinanciación del cine argentino –con menos margen de maniobra para impedirla–, sino también un sistema desprestigiado y objeto de todo tipo de acusaciones desinformadas. Un trasfondo de discursos de odio a los responsables de hacer películas en Argentina que se monta sobre la crisis política y económica del organismo para hacer mucho más difícil el trabajo de generar los consensos políticos necesarios para recuperar el Plan de Fomento. “Hay que hacer muchísimo trabajo para volver a explicárselo a la gente. Y lo que fastidia o indigna es que esa explicación no saliera de aquellos que son las cabezas de los institutos, y en cambio eran los primeros en andar señalando con un dedo a no sabemos quién”,  dice Ragone y agrega: “Lo que dejó es muy malo. Nos hizo empezar de cero”..

AM 

El actual vicepresidente del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (Incaa), Nicolás Batlle, quedará al frente del organismo “en ejercicio de la presidencia” ante el cese de funciones de Luis Puenzo dispuesto anoche por Alberto Fernández, informó hoy el Ministerio de Cultura a través de un comunicado.

“Con el objetivo de dar atención inmediata a la resolución de los temas urgentes del Instituto, el mismo estará? bajo la conducción del Sr. Nicolás Batlle como vicepresidente en ejercicio de la presidencia, de acuerdo a lo que indica la Ley de Cine vigente”, destaca el texto emitido por Cultura.

El presidente Alberto Fernández firmó anoche el Decreto 183/2002 -publicado en la edición de hoy del Boletín Oficial- a través del cual se dispuso el cese del realizador cinematográfico Luis Puenzo al frente del Incaa.

Puenzo fue renunciado luego de que creciera la tensión en relación con su desempeño al frente del Instituto de Cine a partir de una marcha realizada el lunes en la puerta del Incaa y ante la marcada disconformidad de la industria del cine con su gestión.

El ministro de Cultura, Tristán Bauer, mantuvo ayer por la tarde una extensa reunión con Puenzo en el Centro Cultural Kirchner y por la noche se dispuso su cese en la función.

Las principales críticas a la gestión de Puenzo, expresadas por distintos sectores de la industria del cine se resumen en dos puntos: la parálisis en la ejecución del presupuesto destinado al fomento del cine nacional y la prolongación del plan de subsidios elaborados durante el gobierno de Mauricio Macri y la inactividad ante la posible caída de la Ley de Cine, que garantiza su autonomía financiera, el próximo 1 de enero.

El cineasta Luis Puenzo, ganador de un premio Oscar por “La historia oficial” había sido nombrado el 20 de diciembre de 2019 como presidente del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales.

NB con información de agencia Télam.