La turba volverá a juntarse, el amor circulará otra vez y el compromiso con el otro, con todes, se reafirmará una vez más cuando Duratierra suba este fin de semana al escenario del Teatro Margarita Xirgu de la Ciudad de Buenos Aires para presentar en vivo su último trabajo, A los amores, una vuelta al folklore más tradicional.

La banda que renovó la música de raíz sumándole influencias de muchos otros palos, creció musicalmente en los últimos años y se amplió también el público que la sigue. Así es que después de CABA, seguirá recorriendo varias ciudades del país: Rafaela y Rosario Santa Fe, San Luis, Mendoza, San Juan y Córdoba serán las siguientes escalas de la gira.

El grupo liderado por Micaela Vita y Juan Saraco terminó el año pasado el año presentando La Fuerza, un disco muy influenciado por sonidos más rockeros, traperos, eléctricos. Pero ya entonces estaban cocinando este A los amores, que salió por sorpresa y fue recibido con los brazos abiertos por los seguidores de la banda, que integran también Nicolás Arroyo, Tomás Pagano, Valen Bonetto, Silvia Aramayo y Martín Beckerman.

En esta ocasión, quisimos charlar en profundidad con Juan Saraco, creador de la mayoría de las canciones de Duratierra y uno de los compositores más interesantes de esta nueva generación, formador también de otros compositores a través de su taller Obrador de Canciones.

—¿Cómo hacés a la hora de componer una canción? ¿Tenés rituales?

—La verdad es que tengo procesos muy distintos. No es siempre igual. Yo coordino un taller de composición de canciones desde hace ya tres o cuatro años y esa actividad me ha llevado a diversificar mucho la fuente de la composición, porque pienso ejercicios para los talleres y los hago yo mismo. Muchas de las canciones de los últimos tiempos tuvieron que ver con lo que pensé para los grupos. Previamente quizás tenía un recorrido más clásico en la composición y ahora ya medio que a partir de cualquier cosa se arma una canción. Intento que sea un lugar de juego, de experimentación. Y que que me sirva para hablar y contar lo que me interesa. La palabra tiene un lugar importante para mí. Siempre le dedico un tiempo a la escritura. Y lo más parecido a un método que tengo es que cuando empiezo a componer trato de no pensar mucho en lo que estoy haciendo. Simplemente dejo que salga la música o que salga la letra. Trato de escribir sobre lo que me conmueve, sobre lo que me convoca a prestar atención. Cada vez lo hago menos desde las ideas y lo hago más a partir del impulso creativo. Y después, sí, le dedico un tiempo, en otro momento, a la edición, a la corrección, al desarrollo de las ideas. Y son momentos muy distintos para mí energéticamente, incluso. Como que esa etapa la puedo hacer más acá en el escritorio, laburando con las herramientas de la producción. Y la otra puede ser en cualquier lado, caminando, en un colectivo.

—¿Y cuáles son tus influencias musicales? ¿De dónde fuiste mamando?

—Son muy distintas las influencias. El rock nacional es muy importante. Mi primera memoria musical es de ir a ver a Los Redondos a Obras a los seis años. Y también tengo memorias de esa época de Charly en el Gran Rex, Soda Stereo en el Teatro Ópera, creo, a los siete. Mi papá me llevaba a ver muchos conciertos. Y después vinieron los 90 y también curtí todo ese rock nacional de Los Piojos, La Renga. Tuve toda mi etapa adolescente ahí. Y paralelamente a eso, el folklore y el tango. Después con el tiempo se ha ido equilibrando o dinamizando de acuerdo al momento de la vida, pero tengo muy tatuado ir a ver también a Mercedes Sosa, escuchar a Yupanqui en mi casa. Y el folklore latinoamericano también: Chabuca Granda, Violeta Parra. Todo el cancionero latinoamericano estuvo muy presente siempre. La música de Brasil también. Y, paralelamente, me fue gustando el jazz y lo estudié y me gustaron de repente Chet Baker, Miles Davis. Después, me gustó mucho Bartok en un momento y Chaikovski. Tuve otro momento atravesado también por la música de Piazzola. Es una mezcla y son influencias. No es que son músicas que he escuchado. Todo eso convive en mi.

—¿Y cómo fuiste estudiando música?

—Empecé estudiando guitarra a los nueve con un profe. Fueron unos años de iniciación musical y ahí estudié folklore y tango, mucho. Pero era como aprender el instrumento. Soy de esa generación que aprendió con “Lunita tucumana”. Después seguí con algunos profesores y llegué a mi profesor, que fue Roberto Calvo, con el que me formé principalmente porque él en sí es una fuente diversa de folklore, de tango y también un profe muy abierto a las inquietudes. Me acuerdo que a una clase llegué tocando “Back in black” y me fui con los acordes de “La Nochera”. Después, cuando terminé el secundario, me metí en la Escuela de Música Contemporánea con la idea de estudiar jazz. Y ahí lo conocí a Willy González y estudiamos en esa cátedra de Ritmos latinoamericanos en ensambles. Ahí conocí a mis compañeros y compañeras de Duratierra con todo esas ganas de experimentar cuando uno está estudiando en esos veintipico. Así nació Duratierra, de hecho, siendo un grupo de experimentación sobre esas músicas. Al principio era un grupo casi de estudio. Por eso el primer disco es de versiones. Y ese es mi recorrido. Después estudié arreglos y composición con el Pollo Raffo, que fue una tremenda influencia también. Estudié orquestación, armonía.

—¿Cuándo te animaste a componer vos temas de folklore?

—Me tomó mucho tiempo animarme. Componía cosas, pero animarse a componer una zamba, una chacarera, me representa en principio un gran respeto y un desafío porque es un lenguaje que no lo estás inventando, que te precede y es inscribirse en algún tipo de tradición. Y yo no me crié en Santiago del Estero, en Tucumán. No me llega de primera mano. Ya somos como una cultura un poco híbrida. Entonces, tomó tiempo de tocar mucho esa música, de tocar con gente que me gustaba mucho, de escuchar. Y cuando empezó a suceder, sucedió. Pero lo hice siempre con mucho respeto.

—¿Cuáles son los músicos que admirabas en ese entonces?

—Mi generación, o sea, los que tenemos entre 35 y 40 y pico, 50, admiramos mucho al Chango Farías Gómez y todo lo que tuvo que ver con la MPA. A Raúl Carnota. Y en mi caso a Liliana Herrero. Nosotros ganamos un concurso con mi banda de rock del secundario en Radio Nacional. Y entre los premios nos dieron una bolsa con discos y de casualidad venía el disco de Juan Falú y Liliana Herrero sobre Leguizamón y Castilla. Y cuando escuchamos ese disco, nos voló la cabeza. Después, un poquito más acá en el tiempo, cuando aparecieron Luna Monti y Juan Quintero fueron un faro como artistas. Y cuando conocí a Raly (Barrionuevo), que es otro gran referente, él también me conectó y ahí uno va conociendo.

—¿Cómo fue la evolución de Duratierra desde los comienzos hasta ahora?

—La primera etapa de Duratierra éramos estudiantes de música que se juntaban a jugar. De hecho, ensayábamos y experimentábamos mucho más de lo que tocábamos. Después de unos años nos empezamos a vincular con proyectos musicales afines del universo del folklore, de ese momento. Estoy hablando del año 2006, 2007. Hicimos nuestro primer festival que se llamaba Nuestras Músicas, donde de repente había gente como José Luis Aguirre, María y Cosecha, Lo Pez. Hicimos tres ediciones el festival y comenzamos el camino y ahí plasmamos un primer disco que es Floralia, un disco de versiones. Es un disco bastante experimental, sobre distintas canciones que no nos pertenecían y por eso creo que experimentábamos tanto y nos íbamos tan lejos. Y cuando terminó ese proceso y lo presentamos y el grupo se consolidó como tal, no encontrábamos algo que nos aliente, que nos dé ganas. Y entonces ahí, en la primera gira de presentación que hicimos de ese disco, con Mica compusimos una canción juntos por primera vez. No era algo que estaba presente como un camino posible. Hicimos una canción que fue “Sublimando”, que está en el disco En obra, que es nuestro segundo disco. Y eso fue como un puntapié. Empezamos a componer, probamos, muchas no nos gustaban y ahí es cuando se sumó Mati Zapata, que fue importante en la segunda etapa del grupo, tecladista y productor de ese disco, En obra.

Él en su rol de producción dijo: hagamos canciones propias. Yo ahí no estaba del todo seguro de sentirme compositor y sentirme con esa libertad. Diría que la segunda etapa comenzó con ese disco, que es cuando empezamos a componer. Y se consolidó en Cría. Eso nos llevó también a profundizar en cuál era nuestro lenguaje para componer en este guiso que es Duratierra, con ingredientes de muchos lugares distintos. Y fuimos ahí puliendo, permitiéndonos la libertad de componer sobre música latinoamericana mezclada con todo lo que nos conmovía. Y diría que en Cría empezó una etapa donde ya nos empezó a venir a ver gente que no pertenecía a nuestro ámbito de amigos y allegados. Y ahí vino el sinfónico en el CCK, el tocar de teloneros de Susana Baca, Snarky Puppy, Lenine. Hicimos muchas cosas y eso nos consolidó. Y a partir de ahí eso terminó con el proceso de Trinchera y de grabar con la Falta y Resto, esa cosa expansiva que se cortó con la pandemia. Después de la pandemia, Mati se fue a seguir con sus proyectos personales y decidimos armar este nuevo grupo. Estos últimos dos discos son toda la obra acumulada en la pandemia. Martín, Valen y Silvia creo que colorearon mucho la sonoridad de la banda, trajeron una energía nueva. Y en esa etapa estamos ahora. No sabría bien hacia qué estamos yendo, porque sacamos dos discos muy disímiles entre sí con espectáculos que van a ser muy distintos entre sí también. Así que sigue siendo Duratierra un espacio de experimentación y juego al día de hoy.

—Contame un poco del último disco. Decidieron hacer un folklore como más puro. ¿Cómo surgió?

—Este disco es un anhelo muy viejo de animarnos a componer y a tocar y a grabar como la vieja escuela. Vivir la experiencia, porque nosotros ya somos una generación híbrida, criada en el pasaje de la analogía a lo digital. Y quisimos, por un lado, animarnos a componer y hacer un disco que sea de folklore tradicional, folklore criollo, pero con letras que nos interpelen, que hablen de lo que sentimos, de lo que nos conmueve. Y fue un desafío hacerlo, lograr esa sonoridad uniforme en un disco, una sonoridad que no sea ecléctica. Es un disco que rompe con algo constante en todos nuestros discos anteriores, que son discos eclécticos. Este es un disco uniforme. Lo grabamos en cinta, sin sobregrabaciones, tocando todes juntes. Y lo que encontramos fue que tocar de esta forma, hacerlo de esta manera acústica, donde esa estética más de tiempos anteriores, de los 50, 60, 70, traída al presente también le da un cierto marco a la experimentación. Queríamos buscar en determinados lugares y no en otros. No tanto con los que nos criamos, sino en los anteriores. Ir a buscar en Yupanqui, en Los Ábalos, en grabaciones viejas de Mercedes Sosa, quitarle todos los condimentos de la digitalidad. Y eso fue tiñendo la sensibilidad, la sonoridad, la poética, la forma de tocar y la forma de grabar. Lo grabamos en cinta abierta, sin posibilidades de arreglar mucho lo que hacíamos. Lo grabamos con las canciones estando en un momento todavía no súper caminadas. Tomamos un montón de decisiones ahí mismo en el estudio. Y lo que pasó fue que nos encontramos muy cómodes en ese marco y en esa sonoridad. Veremos cuánto dura eso. Pero nos sucedió que también nos dio ganas de versionar algunas de nuestras canciones grabadas con otras sonoridades más eléctricas. Y entonces en el show que estamos armando también hay versiones llevadas a esta sonoridad.

—¿Cómo reaccionó a este disco el público de Duratierra?

—Nosotros sentimos que mucho de nuestro público estaba esperando este disco. Tuvimos muy linda recepción, muy cálida. Lo que nos llega de la gente era que necesitaban eso. Y también es algo que que pensamos mucho, porque también lo grabamos el año pasado, donde el contexto social era muy duro. Pero este contexto social es peor. Este disco lo grabamos en junio del 2023, antes de las elecciones, antes de estar en este proceso político que está resultando tan difícil y doloroso. Y fue una conversación: sacar un disco que le habla a los amores y que tiene su eje en una mirada y una percepción amorosa sobre el mundo. Y desde lo literal no es un disco combativo, que es algo que nos caracteriza un poco, el posicionamiento político. Y a la vez fue el aliento a seguir en esta etapa de tanta crueldad, de tanto autoritarismo, donde hay una insensibilidad social muy fuerte expresa en la calle y en las redes. Queríamos volver al abrazo, a lo analógico y a hablar al amor. Por eso tiene esos centros: el amor a la naturaleza, las amistades, la familia, la gente con la que compartimos la vida, al sur como una latitud cultural, a los procesos vinculares propios, a buscar para adentro, al escenario y al compartir con la gente. Todo ese fue el marco que también nos decidió: este va a ser el gesto en esta etapa de dolor. Juntarnos a compartir un momento que nos haga bien. Porque estamos llenos de un día a día que está resultando muy doloroso para nosotros y para todo el círculo de gente que está a nuestro alrededor.

— Ahora tienen varias fechas. ¿Cómo sigue Duratierra?

—En este momento estamos con toda la energía puesta en la gira de presentación de este disco. Estamos armando un espectáculo que es muy osado para nuestra historia desde todo punto de vista. Muy distinto a todo lo que hemos hecho hasta ahora. Y eso nos tiene con mucha expectativa, con muchas ganas de salir a hacerlo. Y en realidad te diría que estamos muy abocados a que suceda en la mayor cantidad de lugares posibles, lo cual es bastante difícil en este momento porque la gente está con poca plata para comprar entradas y los productores están con poca plata para producir y los estados están con poca plata para poner. Entonces es como intentar expandir en un momento donde todo tiende a la retracción. Ocupa mucha energía lograr que eso suceda. Y Duratierra, como te decía, es un grupo que tiene mucho que ver con la experimentación, el juego de lo que nos va dando ganas. Entonces creo que tenemos algunas ideas hacia el futuro, pero una vez que esta gira avance o termine, vamos a darnos cuenta de qué tenemos ganas de hacer. Porque también nos pasó que el concierto en el Konex fue muy fuerte a nivel emocional y sintetizó mucho un recorrido que venimos haciendo y no sabría si tenemos que retomar esa senda de tipo de conciertos o vamos a seguir en esta. Así que estamos como en estado de apertura a dónde la brújula de las ganas nos vaya llevando.

“Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

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Trinchera para resistir y abrazo colectivo. Eso promete ser el show que Duratierra ofrecerá este domingo 31 en el Konex bajo el título “La fuerza de nuestros días”. Presentarán las canciones de su último disco, La fuerza, y alguna que otra sorpresa con invitados especiales. “Estamos preparando un concierto movilizante y para eso estamos convocando a personas cuyas voces y presencias suman a ese fuego”, revelaron Micaela Vita y Juan Saraco, dos de los miembros fundadores de esta banda, a elDiarioAR.

El grupo, que está por cumplir veinte años de trayectoria y hace poco se convirtió en septeto, está integrado además por Nicolás Arroyo, Tomás Pagano, Valen Bonetto, Silvia Aramayo y Martín Beckerman. Su música, que mezcla el folklore con el pop, el rock, la canción latinoamericana y los nuevos sonidos urbanos, tiene un público fiel que se va ampliando con cada uno de estos encuentros rituales, en los que prima la amorosidad y la fiesta.

En esta charla, conversamos, entre otras cosas, sobre la importancia de la música en estos tiempos, sobre el folklore como base de su arte, sobre el cuidado de las infancias y sobre muchas cosas más.

-El último concierto de ustedes en CABA fue el 21 de octubre, justo antes de las elecciones. Fue un momento de mucha esperanza colectiva. ¿Cómo vivieron todo lo que pasó después de que ganara Javier Milei?

-Micaela: Una gran pesadilla. A muchas personas nos tomó por sorpresa realmente esto que está pasando. Después empecé a entender un montón de cosas. Ese anfiteatro tuvo esa calidad de lo esperanzado todavía. Creo que hay que hacer el trabajo de seguir gestionándonos esos espacios. Parte de esta lucha contra esta gente horrible tiene que ver con seguir gestionando y creando espacios de amorosidad, de pensar otros mundos, de seguir acercándonos. El cotidiano es un palo tras otro. Y acá la música viene a regalar esa posibilidad. Así que creo que va a ser un reencuentro con una materia humana que se transformó hacia un lugar bastante doloroso, preocupante y peligroso. Pero la música sigue estando ahí y nos va a volver a reunir. Y cobra otro sentido. Es un gran regalo tener el arte de nuestro lado. Ellos no tienen el arte de su lado y nosotres sí y entonces lo vamos a usar para seguir armando un mundo mejor, un mundo más interesante.

-¿Por eso le pusieron a este show “La fuerza de nuestros días”?

-Juan: Así es. Tiene que ver con lo que nos está pasando a todes en estos últimos meses. Tenemos el autoestima dañada. Y lo de la fuerza tiene que ver con fortalecer nuestro espíritu de alegría por la vida, de justicia, de lucha, de reivindicación, de creer en el arte como un elemento transformador. Porque somos personas, no robots. Entonces aunque tengamos convicciones y nuestras luchas cotidianas, estar expuestos cotidianamente 24/7 a una lluvia de información negativa es muy doloroso. Todo lo que está pasando económicamente, por un lado. Y, después, desde nuestro nuestra perspectiva, que es el arte y la música, es todo muy doloroso. Y, sin embargo, tenemos la música, tenemos el arte. Sigue siendo nuestro lugar de acción. Independientemente de que nos quiten los recursos, cierren instituciones, que el Estado no tenga políticas culturales activas que valoren el arte y la música maravillosa que tenemos en este país, siguen existiendo. No hay posibilidad de callar eso. Esa es nuestra convicción fuerte. Reencontrarnos para nosotros es seguir alimentando eso, porque entendemos que nuestros conciertos se han vuelto un poquito ese ritual para la gente que gusta de escuchar nuestra música y que lo necesita. Nosotros como artistas también lo necesitamos y también necesitamos estar vinculados a distintos rituales colectivos, como las marchas, las peñas, los encuentros, todas las luchas que se puedan, para encontrarnos y saber que nos tenemos.

-Ustedes siempre insisten mucho con que vayan los niños a los shows. De hecho, no pagan los menores de diez años este domingo. ¿Por qué ese interés?

-M: Porque las infancias son lo que más tenemos que cuidar. Y porque siempre siento que cuando les niñes están felices y cómodes en los espacios es una buena señal. Es una señal de salud espiritual, de estar haciendo las cosas bien. Y la verdad es que siempre existió esta mirada de lo adultocéntrico, de pensar que la música nos pertenece a las personas adultas y hay ciertos conciertos que son para niñes y otros que son para adultes. Y nos empezó a pasar orgánicamente que a las personas pequeñitas nuestra música les encanta y nos empezaron a mandar videos. Y dijimos: ¿cómo no van a estar abiertas las puertas para que vengan y sean parte? Y acá también viene esto de tenerla como invitada a esta maravillosa referencia que es para nosotres la Susy Shock, que tiene una mirada de las crianzas que a mí por lo menos me conmueve y me hizo ver con mucha más claridad la importancia de criar con amor. Y cuando digo criar no digo solo a les hijes propies. A criar a las infancias, a estar mirando eso. Si miramos eso, no podemos estar haciendo las cosas que estamos haciendo en este mundo. Si vos sabés que hay niñes que van a recibir este mundo y que van a vivir su vida, hay una responsabilidad directa sobre nuestras acciones cotidianas. Es importante que tengan la posibilidad de vivir una vida plena. Obviamente este contexto horrible que estamos mencionando recae directamente sobre muchísimos más niñes empobrecides que no pueden acceder a su alimento, a su educación básica, a su salud. Y de alguna manera esta música está buscando que también sea un refugio para todes les niñes. Duratierra como una trinchera que también les hace ese lugar, que también les pertenece. Y es muy emocionante cuando ves a un niñe cantando y sabiéndose las letras, sacada esa persona de éxtasis, de placer, de estar viviendo una experiencia movilizante. No tiene comparación.

-J: Algo tiene que ver con la inclusión de Astor (el hijo de ambos) en la escena también.

-M: Es cierto. Algo de que Astor sea parte también cristalizó de alguna manera la presencia de las infancias en nuestra música. Y es algo que es muy importante realmente para nosotres. Así que está bueno reforzar que toda persona que venga con niñes menores de diez años, no tiene que hacer nada. Vienen y pasan. Menores de diez, inclusive diez.

-Va a haber invitados. ¿Se puede saber algo?

-M: Estamos preparando un concierto movilizante y para eso estamos convocando a personas cuyas voces y presencias suman a ese fuego. Así que es toda gente muy maravillosa. No vamos a decir los nombres, pero va a ser una noche muy emotiva.

-J: Y arriba también. No es que nos vamos a juntar a llorar nomás.

-M: Claro. Y además el patio del Konex tiene esto de que toda la gente está de pie y se puede bailar desde el comienzo. Así como es movilizante en el sentido de lo emotivo, también va a haber baile desde el principio hasta el final.

-J: Será un exorcismo colectivo.

Quisiera que sigamos apostando por un territorio multicromático, latinoamericanista. Y que eso se vea reflejado en la música

-Ustedes hacen una música en la que parten de la música de raíz, del folklore, y mezclan un montón de influencias. ¿Creen que es por ahí la música del futuro?

-M: Ojalá que la música del futuro en principio esté hecha por humanes. La idea de futuro a veces se pone muy tenebrosa. Pero pienso en la importancia de darnos esas libertades de poder hacer y seguir creando realidades, territorios emocionales a través de la música. Para nosotres es la música que nos sale hacer y es la que también intencionamos, porque también podríamos hacer otra música, pero estamos eligiendo hacer esta porque hay algo que queremos contar que tiene que ver con este territorio, con esta realidad cultural, social y política. Y ojalá esta idea del territorio siga teniendo pregnancia en las generaciones futuras. A mí hay algo de la idea de la patria, de esta pertenencia territorial, al suelo, a la cultura, a lo que implica, que está realmente, de a ratos siento, muy en peligro. Como siempre tomada simbólicamente por la derecha y por los pensamientos ruines de toda esta gente. Y yo quisiera que sigamos apostando por un territorio multicromático, latinoamericanista. Y que eso se vea reflejado en la música. La verdad que por lo menos es la música que a mí me conmueve y me convoca y ojalá un poco el futuro de esto que llamamos la música de raíz, que siga andando por donde tenga que andar, pero que no pierda la intención de contar un territorio, una realidad, una memoria colectiva y una cultura ancestral.

-J: Para nosotros es un honor pertenecer a esta línea histórica, poética, musical, rítmica, sonora. Intentar pertenecer. Lo hacemos con mucha humildad porque nos costó mucho tiempo considerarnos parte. Y a la vez es un lugar que hay que asumir como tal para hacerlo. Decir, bueno, estamos cantando esta música, haciendo esta música y tratando de conocer los territorios, conocer a la gente. Y creo que hay una línea finita entre criticar la música que está de moda y pasar a ser básicamente un viejo (risas). Porque el mercado está cooptado hoy. No sé, el 95% de nuestro mercado musical es el trap y etcéteras. Y hay cosas increíbles ahí. La realidad es esa. Están haciendo música increíble, diciendo cosas muy potentes, haciéndose cargo del lugar y está buenísimo. Entonces no sé si es la música del futuro, retomando la pregunta. Sí me parece interesante que es una música que se puede hacer si la curtís. Y para curtirla tiene que existir gente que toque esa música, que lo haga desde una intención y desde un lugar que no sea el tradicionalismo. Que no pase a ser la música de acá algo étnico, viejo, extraño, ajeno, de museo, sino que esté vivo, en movimiento, es lo más lindo que le puede pasar a la música popular. Y no ser simplemente un color, que vos loopeás y ponés un archivo atrás del otro y le ponés un bombo para que tenga un color étnico. No lo estoy criticando. Simplemente que eso no tiene raíz. Y esa raíz hay que irla a buscar. Nosotres no creamos nada, somos porteños de base (ahora residen en Córdoba). Tuvimos que ir a buscarlo, intentar conectar con eso porque nos tocaba. Había una fibra interna que vibraba, que se removía con eso.

-M: Y acá vuelvo a la idea de la esperanza en las infancias. Astor, cuando vos le preguntás cuál es la música que más le gusta, te contesta que es el folklore.

-J: Y la cumbia.

-M: Ahora la cumbia también, que también es folklore. Pero Astor se levanta y pone Mercedes (Sosa) y, sí, después escucha otras cosas, un montón de lo que anda circulando. Pero creo que, como dice Juan, si nosotres tenemos la capacidad de transmitir desde lo vivo, desde algo sensible y en contacto con el presente, esta música, las nuevas generaciones también se acercan de ese modo, siguen sintiéndose parte de eso que se está contando en la música. Si no, te queda lejos. Y entonces ahí el trap te ganó. Porque el trap habla de lo que le está pasando a los pibes ahora y te ganó territorio. Pero nosotres también podemos contar desde la música popular este presente. Seguir cantando las canciones viejas es maravilloso y es importantísimo también. Pero estar gestando un nuevo cancionero popular es vital. Y cuando digo vital, digo vital de la vida, de algo que está en movimiento. Y hay un montón de gente, y nosotres nos incluimos acá, haciendo música nueva. Así que por supuesto que apostamos a que sea el futuro porque estamos trabajando para ello en tiempo presente.

Cuando todo está fiero, igual hay gente que está ahí encendiendo su velita para aportar al fuego colectivo. Y el fuego colectivo es algo muy potente

-Los dos dan talleres.¿Cómo está siendo esa experiencia? ¿Este año hay más gente con la necesidad de refugiarse en estas actividades?

-M: Para mi sorpresa, sí. La verdad es que yo doy esta formación en canto multidisciplinaria hace muchísimos años, desde el 2017, y en diciembre dije: uy, ¿qué va a pasar? Y no te puedo explicar la cantidad de gente que se anotó este año. Y a vos te pasó lo mismo (le dice a Juan). La gente acercándose explícitamente con esta misma certeza de que vamos a seguir haciendo lo que tengamos que hacer para sostenernos entre todes, para tramar, para armar espacios que nos traigan salud mental, emocional, que nos alimenten la creatividad. Así que sí, para la alegría y para regar la esperanza, la verdad que se acercó muchísima gente este año. Y eso también da cuenta de la potencia que tenemos como humanidad, que cuando todo está fiero, igual hay gente que está ahí encendiendo su velita para aportar al fuego colectivo. Y el fuego colectivo es algo muy potente. Ya sabemos en nuestra memoria de pueblo lo potente que es cuando encendemos eso entre todes. Así que esta turba, esta trinchera de Duratierra está ahí aportando su fuego y abriéndolo a toda persona que tenga la necesidad de estar y de recibir también esa energía y ese abrazo que, con certeza, van a recibir esa noche.

Para los que llegaron a leer hasta acá, les cuento que los Duratierra preparan una sorpresa especialísima para todos sus seguidores. Estén atentos el 12 de abril. La usina creadora de esta banda no para.

Duratierra toca el domingo 31 de marzo en el Konex. Abre el show Sushy Shock con Andrea Bazán y Caro Bonillo.

“Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

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Micaela Vita es menuda y habla suave. Pero cuando sube al escenario, crece con la fuerza del público y asume con soberanía el papel de voz principal de esa originalísima banda que es Duratierra. La “tribu”, como el grupo dio en llamar a sus seguidores, la adora y ella se entrega cada vez como si no hubiera un mañana.

Juntxs cantan canciones que se fueron convirtiendo en clásicos en los casi 20 años de trayectoria de la agrupación. En la renovación del ritual, serán las más nuevas, las de La Fuerza, el disco que está en plataformas desde el 16 de junio y que este 5 de agosto tendrá su presentación oficial en La Trastienda.

Duratierra, el septeto que Vita integra junto a Juan Saraco, Valen Bonetto, Nicolás Arroyo, Silvia Aramayo, Martín Bekerman y Tomás Pagano, construyó, canción a canción, esa trinchera de amor desde la que ahora llama a resistir: ante el patriarcado, la destrucción del medio ambiente, el capitalismo, el odio. Lo hizo con mucho de música latinoamericana pero también con mucho de folklore argentino, de rock, de pop, de jazz, de los más nuevos géneros urbanos. Siempre experimentando, intercambiando, compartiendo.

Hace algunas semanas, la cantante volvió por unos días desde Córdoba a la Ciudad de Buenos Aires, de donde es oriunda, y elDiarioAR aprovechó para charlar con ella.

-¿Cuándo empezaste a cantar?

-La verdad es que yo canté siempre. Siempre cantar, bailar, actuar y todo ese mundo formaba parte de los juegos que a mí me gustaba encarar de niña. Y después, cuando estaba en la primaria, entré en el coro de la escuela y ahí tuve mis primeras experiencias de cantar delante de otras personas. Empecé a estudiar un poquito de piano y creo que fue a los 14 que dije “yo quiero cantar y voy a cantar”. Nunca pensé en otra opción. Ahí empecé a estudiar canto, ya un poco más entendiendo de qué se trataba. Y de ahí en más, siempre me dediqué a esto. Tuve el privilegio de tener una familia que, si bien no es para nada del palo de la música, supo acompañar mi deseo. Todavía no había terminado la secundaria y entré a la Escuela de Música Contemporánea, acá en el centro porteño. Y ahí se desplegó el mundo para mí. Ya estaba laburando en restaurantes o en fiestas, cantando jazz, tenía una banda de rock. Y cuando entré a la Escuela de Música Contemporánea y a través de algunos maestros -Willy González, Mario Gusso, Pepe Luna- vino o llegó a mí o yo llegué o no sé (risas), nos encontramos con la música latinoamericana y ahí para mí fue contundente. Además ahí conocí a mis compañeros de Duratierra. A dos de ellos. En realidad tres, pero uno después cambió. Pero a Juan y a Nico los conocí en esa escuela cursando un ensamble de música latinoamericana. Y marcó mi vida, porque esos vínculos son los que me hicieron tener el presente artístico que tengo hoy, que me hace muy feliz.

-Y cuando crearon Duratierra, en el 2004, ¿se imaginaban esto?

-No, porque partió de un ámbito estudiantil, de esta cosa de que estábamos con mucho entusiasmo con lo que estábamos aprendiendo, con las músicas que estábamos tocando, con el enganche que estábamos teniendo: sentir esa química musical que había aparecido, encontrarte con otras personas en los deseos artísticos. Y fue como: “che, juntémonos a tocar, a jugar con estas herramientas”. Nunca imaginamos en ese momento que Duratierra iba a ser lo que es hoy para nosotres.

-¿Por qué Juan y vos se mudaron a Córdoba?

-El deseo personal de salir un poco de la experiencia de la vida acá en Buenos Aires estaba. Tenemos con Juan un hijo de 10 años, Astor. Y desde antes de que naciera era algo que ya habíamos estado conversando. Pero, justamente, por Duratierra y luego también por Triángula, era muy difícil pensar en poder hacerlo. Y con la pandemia hubo algo que lo posibilitó. Primero que no sabíamos qué iba a pasar con el mundo y algo de empezar a usar las herramientas de la virtualidad y entender que podíamos llegar a encontrar dinámicas de trabajo creativo en la distancia y demás lo volvió posible. Y ahí dijimos: “che, ¿y si es ahora?” Entonces, en el segundo año de la pandemia, nos fuimos a vivir a las Sierras Chicas de Córdoba. Caímos ahí porque hace muchos años tenemos una amistad muy cercana, mucho amor, con Raly Barrionuevo, que vive en Unquillo y a partir de esa amistad empezamos a ir mucho a su casa y a conocer esa zona preciosa y a sentir: “ah, puede ser acá”. Allá hay una tribu hermosa de artistas y amigues y de gente vinculada a la cultura popular que queremos mucho y que nos quieren mucho también. Así que armamos los petates, subimos todo a un camión y nos fuimos a vivir a la única casa que encontramos disponible para alquilar, que es en Mendiolaza, una localidad que no habíamos pisado nunca. Y ahí seguimos. Fue un cambio muy grande.

-Pero además incorporaron a tres músicos más. ¿Cómo fue?

-El inicio de todo es que hace muchos años nuestra cabeza artística pedía tímbricas nuevas. Teníamos ganas de que la banda suene más grande en vivo. Hay muchas cosas de las que grabamos en los discos anteriores, con capas y capas de cosas, que después en vivo no las podés reproducir con esa misma cantidad de gente. Y en algún lado estaba guardadito ese deseo de ampliar la banda. Con la pandemia y con esto de irnos a Córdoba, caímos en una crisis fuerte, que derivó en una terapia grupal. Y eso fue algo que nos hizo muy bien, que nos hizo limpiar la canaleta que se había llenado de hojas sucias después de 19 años de tocar juntes y de ser una familia, porque realmente tenemos una dinámica, una amistad muy de familia después de tanto tiempo. En ese momento quien era el tecladista de los últimos años, Mati Zapata, decidió dar un paso al costado y fue un poco lo que terminó de consolidar la idea. Decidimos sumar a tres personas que ya venían estando en el radar nuestro, gente que queremos mucho, que ya había compartido con nosotres, que pensarla dentro de la banda era muy natural. Porque no se puede en un proyecto como el nuestro sumar a cualquier persona. Eso fue un aprendizaje también de este tiempo, por el tipo de dinámica amorosa y de cercanía que tiene. Necesitábamos que fuera gente con la que sintiésemos afinidad humana y ganas de compartir un proyecto autogestivo como el nuestro, que requiere de mucho contacto, de estar muy en un mismo eje, mirando al mundo desde un lugar similar. Así que los nombres de Valen Bonetto, Martín Bekerman y Silvia Aramayo cayeron en un instante. No hubo dudas. Eran esas tres personas y sólo fue cuestión de levantar el teléfono con un poco de temor y decir: “tenemos esta idea, ¿vos te sumarías?” Y del otro lado escuchar gritos y euforia y un sí gigante y mucha celebración. Y eso fue una inyección de energía que reforzó mucho la identidad de la banda. Fue un aire fresco total.

-Y ahí surgió el disco nuevo que salió ahora y que están presentando. ¿Qué tiene este disco de diferente?

-La diferencia contundente es haber ampliado el espectro tímbrico, creativo y humano. Esas tres cosas están muy presentes en este disco, que decidimos llamar La Fuerza, porque una de las cosas hermosas que nos pasa es que sentimos en esta renovación cómo la potencia de la banda creció muchísimo. Ya desde el primer ensayo escuchar sonar un septeto automáticamente nos llevó a sentir esa cosa más vital, más enérgica, que empezó a suceder muy naturalmente. Y también es un disco que tiene encima muchos años de haber juntado canciones. El último disco que habíamos hecho fue Cría, en el 2017. Después sacamos un EP y música suelta, pero la idea de la obra, de un álbum entero, era algo que nos venía pisando los talones hace mucho tiempo. Entonces fue también como un proceso de condensación de muchos años. Siento que es un disco que tiene la carga de mucho deseo de hacerlo. Un disco alegre, un disco festivo, para el goce, para disfrutar. Después de Cría, que para nosotros fue un disco medio bisagra, porque mucha más gente se acercó a Duratierra, sentir que ahora sacamos otro y que está encontrando en la gente ese lugar, que nos escriben todo el tiempo personas diciendo: “no puedo parar de escucharlo”, “el día de hoy ya lo escuché mil veces”. Empezar a ver cómo ya la música es de otras personas termina de completar ese ciclo que es necesario para la creación y para que siga rodando la cosa.

-Y decías que es un disco de celebración y ustedes además, y su público, manejan estos conceptos de trinchera, tribu, la turba del bien. ¿Cómo se hace para mantener ese espíritu en un mundo que está como está?

-Creo que se hace buscando la gente afín para construirlo y para poder crear espacios donde la ternura, la amorosidad y el respeto y todas las luchas que nos atraviesan puedan estar arriba de la mesa. Es loco esto, pero también siento que es un disco para los tiempos que van a venir, que seguramente tendrán grandes desafíos. Va a ser un disco muy compañero. A veces pienso y sigo confirmando con los años que la música va antes que los procesos que hacemos y me da la impresión de que este es un disco que va a acompañar, que está un poquito más adelante y, no sé, nosotros miramos como desde ese lugar, desde la amorosidad. Somos una banda que cuida mucho. Entre nosotres, el respeto con el público. Se arma una familia hermosa con la gente. Nos encontramos con todas las personas que vienen y cada concierto es muy emocionante lo que está pasando. Cada vez que sucede me quedo llena de amor, porque siento que la gente que se acerca a Duratierra encuentra no solo la música y no solo a nosotres quizás como referentes de algo posible, sino que se encuentra con otras personas que están vibrando en esa misma búsqueda o en esa misma forma de mirar, de desear, de denunciar todo eso que no queremos más de este mundo. Como dice la Susy Shock: no queremos ser más esta humanidad. Y también poder poner el foco en las cosas que sí, en donde sí construir, de qué manera. Así que me parece que eso es hermoso también, poder ofrecer un espacio en los conciertos donde nos sentimos cuidades, en comunión, en trinchera, en tribu. Y donde pueden estar les niñes y donde pueden venir todes. Creo que ámbitos así son muy necesarios, son la fuente de todo y va a ser muy necesario de aquí en adelante reforzarlos.

-También está atravesado todo por un mensaje político: el transfeminismo, el ambientalismo... ¿Lo sienten como una responsabilidad?

-Creo que ninguna de las personas que somos parte de esta banda, podríamos hacer música que no nos represente enteramente. Yo no me lo bancaría. Entonces, por lo pronto, me siento bien conmigo de estar haciendo algo que considero que es cierto, que es verdad, es música y está diciendo cosas. No está inventado, no está inflado, que ya creo que es un montón en este mundo donde todo está tuneado, filtrado, digitado de alguna u otra manera. Intento no sentirlo como una responsabilidad, pero lo siento como una responsabilidad. Siento que subirse a un escenario es un lugar de privilegio, que decir cosas en ese espacio tiene un peso, que hay mucha gente que lo está escuchando y lo está recibiendo y desde ese lugar lo estamos haciendo con conciencia. Lo estamos haciendo para hacer las cosas como nosotros pensamos que hay que hacerlas. No estamos paveando, digamos. Lo que estamos diciendo nos atraviesa y ahí sí siento como algo de responsabilidad con la honestidad, responsabilidad con la obra artística, responsabilidad con nuestro público, con cuidarles, con darles lo mejor que tenemos para darles.

-Cómo se hace para llevar adelante un proyecto así independiente, autogestivo, en la Argentina de hoy.

- A pura garra, realmente. Haciendo malabares con todas las otras cosas de la vida, invirtiendo, endeudándonos. Sí, la verdad es que sí, es súper cuesta arriba esa parte, pero qué lindo es también. Después de los conciertos el pecho queda inflado de belleza y de un alivio de encontrarnos. Así que, bueno, aprendiendo. No dejamos de aprender. Hemos armado en estos años un equipo de trabajo increíble. Entonces no es que estamos trabajando solamente nosotres siete, sino que trabajamos con Diego Knoblovits, que es nuestro productor y y un compañerazo que labura hace muchos años y que rema increíblemente y apuesta por los proyectos así, horizontales, colectivos, cooperativos. Y alrededor toda la gente que labura en la técnica de Duratierra: sonidista, iluminadores, directora escénica. Toda la gente que construye con nosotres es parte de esto y hace que las cargas se repartan y que entonces todo sea más liviano. Un pedazo de ese remo va repartido entre todas las personas que trabajamos en este proyecto, que no somos solo las siete personas que nos subimos al escenario. Es una familia expandida que trabaja así, en forma comunitaria colectiva.

-¿Cómo van a ser los shows?

-Alucinantes, tengo unas ganas de que sean ya. Estas ganas que te digo que venimos cargando y que cada concierto se potencian en vez de vaciarse, están muy exacerbadas para lo que va a ser el 5 de agosto acá en La Trastienda, porque va a ser la primera vez de tocar esas canciones en vivo y de compartirlas con la gente después de que hayan escuchado el disco. Estamos armando un concierto alucinante, con mucho despliegue. Va a haber sorpresas. Estamos trabajando con una directora escénica que es una genia absoluta. Hay un planteo muy potente que me parece que a la gente le va a encantar. Así que va a ser una celebración fuerte, vamos a bailar un montón. Por supuesto va a estar toda la música del disco y van a pasar otras cosas también. Y, bueno, se subirán algunas personas más al escenario, que serán sorpresa. Es parte de lo que van a tener que venir a descubrir en vivo.

-¿Tienen otras fechas previstas?

-Sí, hacemos una gira que se está terminando de diseñar pero iremos a Córdoba, Rosario Santa Fe, Bahía Blanca, Santa Rosa, estamos cerrando San Luis, Tandil quizá también, La Plata. Vamos a intentar ir a todos lados.

-Y desde hace algunos años vos también integrás Triángula. ¿Cómo nació ese proyecto?

-Triángula nació de Duratierra. Es como un brote que por suerte desarrolló una vida propia y una estética propia, que no tiene nada que ver con Duratierra. Pero se inició cuando convocamos a Nadia (Larcher) y a Noe (Noelia Recalde) a cantar “Marzo” en Cría. Y, bueno, nos pusimos a cantar juntas y dijimos: “esto lo queremos hacer toda la vida”. Y ahí arrancó primero muy desde el juego y desde la exploración de empezar a mostrarnos las canciones y a tocar un poquito así todo muy mínimo, a jugar con la tecnología, ponernos pedaleras y micrófonos. Nos juntamos en una sala a disfrutar de eso, sin ningún tipo de idea hacia adelante. Y después nos llegó una propuesta de (el periodista) Gaby Plaza, que nos invitó a formar parte de un ciclo en el Recoleta. La idea era gente que sea amiga pero que no tenga un proyecto profesional artístico. Y fuimos y armamos una banda con Juan (Saraco), con Jony (Jonatan Szer) y con Lucas (Bianco). Y empezamos. Ahí armamos algo y un año después de eso, Juan dijo: “che, ¿qué tal si grabamos eso que hicimos el año pasado?” Y nos metimos en un estudio en Traslasierra, grabamos un video-álbum y de ahí creció. Ahora estamos trabajando en un disco nuevo. Ya lo tenemos ahí. Quizás a fin de año, principio del año que viene ya se graba y sale.

-¿Cómo te imaginás tu vida en la música de acá en más?

-Ojalá que así. Yo cada día más -y siento que es un aprendizaje también que fueron dando los años- le voy entregando todo lo que soy y lo que tengo a la música. Es mi lugar feliz. Para mí cuando me subo el escenario, cuando estoy en el estudio, cuando estoy componiendo, son lugares donde un montón de otros aspectos complejos de mi persona, como tenemos todas las personas, se aquietan o encuentran un vehículo hacia algo que me hace muy bien. Entonces la verdad es que quisiera que mi vida siga siendo esto para siempre. Con Duratierra hay muchas sorpresas para este año todavía que no puedo develar, pero sí decir que además de esto que la gente ya está disfrutando, que es La Fuerza, van a pasar otras cosas y va a haber mucha más música, así que van a tener que prestar atención. Te lo tiro con risa misteriosa, pero sí, mucha música, así que van a tener que quedarse cerca.

“Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

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Volvemos después de unas semanas de descanso y nos encontramos con un montón de noticias hermosas para compartir. Conciertos, viajes, discos, documentales, homenajes. La música está viva y fluye y hace del mundo un lugar mejor.

Duratierra crece y se renueva

Este grupo maravilloso en torno a Micaela Vita y Juan Saraco anunció su ampliación: pasaron de ser cuatro a ser siete. A Vita, Saraco, Nicolás Arroyo y Tomás Pagano, se sumaron Valen Bonetto, Silvia Aramayo y Martín Beckerman. La banda ya anunció tres fechas en este nuevo formato, en las que presentarán las canciones que nacieron durante todo este tiempo que no tocaron.

Ya se agotaron las entradas para el 20 de agosto en el Teatro Margarita Xirgu de CABA y se espera que agreguen una fecha además. Antes, el 5 de agosto, tocarán en Córdoba en el Studio Theater, y el 6 de agosto en Rosario en Distrito 7.

“Fuimos y vinimos, nos agarró la pandemia a contramano, hicimos terapia y nos descascaramos un poco. Nos corrimos de las sillas y nos volvimos a mirar. Migramos”, explicó el grupo en sus redes. “Aprendimos a trazar deseos y canciones en la distancia, refundamos el amor y nos regeneramos. Dolimos abruptas despedidas y lloramos lo que había que llorar”.

“Nos volvimos a elegir, crecimos, lo celebramos. Un día soñamos con fuego azul y dicen que eso es un buen presagio. Quisimos agrandar la mesa e invitar nuevxs amigxs. Donde comen 4 comen 7. Se agrandó la familia Duratierra”, añadió.

“Pronto habrá fiesta en teatros y baile en los patios. Habrá encuentros arcoíris donde sea que nos convoque la tribu (...) Traemos una intensa ilusión en las manos y adentro del pecho. Tiene forma de música nueva que queremos regalarles. Venimos con nuevas canciones nuevas para encontrarnos en la trinchera que supimos construir con ustedes. La trinchera nuestra es ahora una turba del bien”.

El grupo, fundado hace trece años, toma influencias del rock, el pop, el jazz y el folklore para dar a luz canciones nuevas, frescas. Su tercer disco, Cría, del 2017, fue considerado uno de los mejores de ese año.

Aquí Vita y Saraco en una transmisión en plena pandemia.

Estrenan documental sobre Cafrune

Jorge Cafrune, uno de los referentes más importantes del folklore argentino, es el protagonista del documental Cafrune, de Julián Giulianelli, que se estrena este 7 de julio en el Cine Gaumont donde permanecerá en cartel hasta el 13. “Se trata de una película que aborda al músico no desde el orden biográfico sino a partir de sus mayores paradigmas. El rol del juglar en la cultura, la forma del intérprete, la historia”, señalan sus realizadores.

El documental parte del último viaje del llamado “cantor del pueblo” a caballo a Yapeyú luego de su actuación en Cosquín en 1978, cuando una camioneta lo atropella y muere, aunque las circunstancias del accidente nunca fueron del todo esclarecidas. Cuenta con entrevistados como Yamila Cafrune (su hija y heredera del canto), Sergio Pujol (periodista especializado en música), Luis Nogues (histórico sonidista de Cosquín), Guillermo Byrne (historiador y testigo de las primeras 15 actuaciones de Cafrune en Córdoba), Mario Perrota (Marito, el niño que grabó y giró junto a Cafrune), entre otros. Los testimonios que están acompañados de imágenes, videos, reportajes y recitales inéditos del músico.

La producción ejecutiva está a cargo de Nastassja Bischitz, la producción periodística de Facundo Arroyo y la dirección de fotografía de Alejo Maglio. La idea es que la película recorra luego todo el país.

Cafrune nació el 8 de agosto de 1937 y fue un músico de enorme popularidad.

Pueden ver el trailer aquí:

Esta es una playlist con las canciones del documental y una selección curada por Facundo Arroyo.

Las guitarras de Gardel

El guitarrista Rodrigo Albornoz investigó como nadie a los guitarristas de Gardel, sus técnicas, sus maneras de arreglar, sus trucos, con el fin de revalorizar su labor. Con todo ese material grabó un disco, llamado justamente Las guitarras de Gardel, que reúne once obras, conocidas y menos conocidas, en las que, bajo dirección de Albornoz, tocan las guitarristas Lina Agrima, Andrea Zurita, Elisa Sandá, Laura Zilber y Pablo Suárez. En el papel de Gardel cantan Esteban Riera y Martín Prestía.

La presentación fue el viernes 24 en el Museo Casa Carlos Gardel.

La meta de Albornoz es evidenciar la evolución técnica, interpretativa y arreglística que tuvieron los guitarristas de Gardel, que fueron José Ricardo, Guillermo Desiderio Barbieri, José María Aguilar, Domingo Riverol, Julio Vivas y Horacio Pettorossi. Cada uno de ellos aportó algo al tango canción. Fueron introduciendo en el conjunto de guitarras elementos que en la orquesta típica se venían dando desde hacía tiempo, compositivos y después arreglísticos: el marcato, la síncopa a tierra, la melodía articulada. Pusieron todos esos recursos al servicio de la necesidad expresiva de Gardel. Si quieren leer más sobre los guitarristas de Gardel, los invito a visitar esta nota que escribí sobre el tema en otro medio.

Albornoz también recreó la forma de grabar de los primeros años, el llamado período acústico, que era más o menos así:

Les recomiendo seguir a Rodrigo Albornoz en redes para ver más sobre esta investigación, que aún está en marcha.

Homenaje a Mercedes Sosa en su cumpleaños

Se acerca otro 9 de julio, que no solo es el Día de la Independencia, sino el cumpleaños de la cantora nacional Mercedes Sosa, nacida en 1935 y fallecida en 2009. Este año se celebrará un concierto homenaje llamado Traigo un pueblo en mi voz, con la Orquesta Sinfónica Municipal de Avellaneda en el Teatro Roma de Avellaneda, con la dirección de Popi Spatocco.

Cantarán parte de su repertorio Luna Monti y Bruno Arias, el Coro IMMA y los artistas locales Lorena Leal, Alicia Vignola, Gabriela Novaro y Pablo Olivares.

Yapa: Cuchi Recóndito e Inédito

Ya les hablamos de este disco del dúo Palo Blanco hace poco. Se trata de un trabajo maravilloso llamado Cuchi Inédito y Recóndito en el que las cantoras Laura Princic y Guadalupe González Táboas interpretan acompañadas por el guitarrista Roberto Eduardo Almerida y con invitados especiales obras hasta ahora desconocidas o poco conocidas del gran compositor salteño Gustavo “Cuchi” Leguizamón. Son veinte canciones que muy pronto serán editadas por el sello Shagrada Medra, de Carlos “Negro” Aguirre y Luis Barbiero. Pero, mientras, pueden escuchar los temas subidos a YouTube o a Soundcloud.

“Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

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