Por favor, dejemos ya de lado un debate que termina promocionando los “16 sketches televisivos” (como atinadamente definió un crítico de cine sin lopes en la lengua cuando lo entrevistaron), y hablemos de cine. De ese cine argentino que, según palabras de un actor muy exitoso –intérprete, hace 24 años en la tevé, de un baboso cuarentón que se calentaba con una adolescente, “La Nena”, compañera de colegio de su hija– “van a ver cuatro, ni la familia del director va”.

Aclarando antes que, efectivamente, cierta falta de filtro de calidad en la gestión anterior del INCAA permitió que se diera apoyo a unas pocas cintas impresentables, y que, sí, hubo algún favoritismo partidario. Probablemente, esas películas costaron bastante menos guita de la que anda circulando en viajes al exterior presidenciales prescindibles, sobrecostos en medicamentos, partidas distributivas, campañas, etcétera, etcétera. Pero esas producciones que no alcanzan el mínimo nivel deseado, son realmente las menos. Quienes despotrican o leen comunicados sobre quita de subsidios a “los fracasos comerciales” no parecen tener la más pálida idea de las obras de calidad aceptable –o bastante más que aceptable– que sí tuvieron público en su escala (sin suficiente publicidad, casi siempre sin otra sala de estreno que el Gaumont) y que sí merecían ser subsidiadas. Tampoco los despotricadores de turno sabrían que ni el suceso de público ni el fracaso de taquilla significan per se valía artística.

A El dependiente (1969), admirable film de Leonardo Favio, no fue a verla ni remotamente la cantidad de gente que concurrió en masa a las funciones de Juan Moreira (1973) o a las de Nazareno Cruz y el Lobo (1975). Y más cerca en el tiempo ¿habría que desechar la excelente El aura (2005), de Fabián Bielinsky, porque recaudó alrededor del 35 por ciento de lo que ganó la debidamente aclamada Nueve reinas (2000) del mismo realizador?

Obvio que el Instituto de Cine debería mejorar en su gestión y ofrecer un filtro de calidad a cargo de un jurado idóneo y de honestidad probada que, desde luego, supiera apreciar la necesidad e inclusión de proyectos innovadores, experimentales, originales a los que acaso asista un público más selectivo y entrenado; proyectos que en el día de mañana podrían convertirse en clásicos, y previamente participar en exigentes festivales internacionales.

Fracasar, triunfar, quizás escandalizar y perdurar

Viene muy a cuento recordar que El perro andaluz (1929), de Buñuel generó escándalo y rechazo en su estreno parisino, y que antes pasó lo propio en la presentación de La consagración de la primavera (1913), de Stravinsky. Entre otras repulsas que sufrieron artistas visionarios figura el célebre cuadro de Manet El almuerzo sobre la hierba (1863) cuyo desnudo de mujer contemporánea sentada tan pancha sobre el pasto junto a dos caballeros empichados diera origen –junto obras de Pissarro, Vollon y otros, luego consagrados– al Salon des Refusés.

Muchos buenos films a los que les fue mal en la taquilla –e incluso a veces mal comprendidos por los críticos– con el correr de los años devinieron clásicos de culto. Por un lado, aunque tuvo reseñas muy favorables y cierta cantidad de público, Mulholand Drive (2001), magnífica realización de David Lynch, no pudo recuperar los costos, pero desde su estreno, crecen los clubes de fans, y su influencia en otros cineastas es indiscutible. Zama, la maravillosa Zama de nuestra Lucrecia Martel es altamente apreciada en buena parte del mundo como pieza maestra. Los censores del apoyo al cine nacional parecen desconocer supinamente que hay películas necesarias para hacer avanzar el lenguaje, renovarlo, proponer rupturas gramaticales, abrir nuevos caminos, arriesgar…

Por caso y un poco al azar, dando ejemplos conocidos: El ciudadano (1941), film al que nadie negaría su condición de influencier en incontables cineastas del planeta, fue un fiasco de público (no sabemos si fue la familia de Orson Welles a verla…): Yojimbo (1961), formidable creación que mezcla géneros de Kurosawa, fue la inspiración directa de la trilogía de spaghettivwesterns de Sergio Leone que arrancó con Por un puñado de dólares (1964), a su vez el relanzamiento estelar de Clint Eastwood como “el hombre sin nombre” (no hace falta remarcar la posterior fantástica evolución de CEcomo actor y director). Por su lado, el enorme K había sido incitado, según reconoció, en el film The Glass Key (1942), de Stuart Heisler, segunda versión de la novela negra de Dashiell Hammett, La llave de cristal (1931). O sea –chocolate Pacarí (de Ecuador, el mejor del mundo)– por la noticia: las artes se retroalimentan entre sí, y cada una en particular con sus propios antecedentes.

Como muestra, bastan cuatro

Lo prometido en el título es deuda que se paga nombrando a films nacionales en cartel que por afluencia de público se mantienen. Aunque esta cronista no logró respuesta sobre número concreto de espectadores (salvo en el caso de Un mundo recobrado, que está llenando todas las funciones dominicales en Cacodelphia), va de suyo quienes son los que sostienen esa permanencia.

La más exitosa, con más de 3 meses en el Gaumont (estuvo en más salas), es una joya bien argentina de cine negro, Gatillero, descacharrante realización de Cris Tapia Marchiori que te agarra del cogote y prácticamente no te deja respirar en sus 90 minutos. Le sigue en su cuarta semana, también en la catedral del cine argentino, el G, aunque sin brillar en los niveles de la anterior, Buscando a Shakespeare, documental firmado por Gustavo Garzón, con formato de buen telefilm de cabezas parlantes que ha interesado al público mediante despliegue de entrevistas particularmente en Inglaterra, con vistas de Londres y de Straford-upon-Avon. Luego hay que mencionar a la emocionante Un mundo recobrado, de Laura Bondarevsky, que fuera elogiada desde estás página en oportunidad de su estreno. Y finalmente –sin agotar, por supuesto, los títulos locales en danza y sin propasarnos con el espacio– vale remarcar la sobresaliente y muy personal fusión de videoarte, testimonio social y político con renovadas formas de documental que brinda Todo documento de civilización, de Tatiana Mazú González, que se está dando en la Sala Lugones del San Martín (quedan las siguientes funciones: sábado 30/8 y marte 2/9, a las 21; viernes 29/8 y domingo 31/8, miércoles 3 y jueves 4/9, a las 18).

Qué decir en pocas líneas de ese prodigio llamado Gatillero, con su unidad de tiempo, acción y lugar que se pega a su protagonista recién salido de la cárcel al que le suceden mil cosas en su barrio (locaciones en la isla Maciel); todo en una noche de acción, emoción, tensión brutal. Con convenciones de género, claro, perfectamente aceptables, provenientes del noir, esa categoría del film policial bautizada así por –cuándo no– un francés de cuyo nombre no me acuerdo ni tengo ahora tiempo de buscarlo. Proveniente de la novela negra de los años ’20 y ’30 del siglo pasado (Hammett, Chandler, Macdonald, Cain); el peso del pasado, pesimismo, traición, fatalidad… Códigos narrativos que recurren –por ejemplo– a la femme fatale (acá, impagable Julieta Díaz en muy significativo rol). Y si bien no hay un detective privado desencantado tenemos al inolvidable Galgo, personaje que cumple en parte ese rol en sus averiguaciones para salvar el pellejo.

Género comprometido en Estados Unidos la novela negra, hablando de crimen organizado con anclaje en lo social y lo político. Gatillero no le va en zaga, por cierto, y mejor no espoilear más e ir raudamente al Gaumont, si aún no la vieron. Sí, como sagazmente marcó toda la crítica, la cinta es un plano secuencia (obvio que con sus truquitos para conseguir un tiempo cinematográfico concentrado que parece, pero no es real) te olvidás de esa hazaña técnica al toque, porque el relato te arrastra y la cámara siempre está en el lugar propicio, donde debe estar artísticamente, moralmente. La planificación que denota esta obra fuera de serie, la dirección de actores, el empleo de las luces y las sombras, del diseño de sonido, del registro de las locaciones y los grafitis callejeros, etcétera, merecen todos los encomios imaginables.

En cuanto a Buscando a Shakespeare es otro regreso al viejo debate respecto de la autoría de las 36 piezas teatrales del llamado Cisne de Avon. Con muchos testimonios de todo calibre y algunas escenas –lamentablemente muy breves– de versiones escénicas en Buenos Aires y por la Royal Shakespeare Company. Hay declaraciones sustanciosas como las de la directora de la RSC, Erica Whyman, que rechaza la idea de involucrarse en la polémica (“no intento hacer que Shakespeare sea quien queremos que sea, y no quien era realmente…”). Un profesor del Shakespeare Institute también se resiste a la versión de que sugiere que las obras “las deben haber escrito un comité de aristócratas y no un provinciano con cierta educación, que había leído y creo piezas brillantes”. La guionista y protagonista, Mariana Sagasti, si bien comienza el film proclamando “Shakespeare es mi pasión”“, no le alcanzan los 92 minutos para citar las grandes puestas locales de Rubén Szuchmacher –aunque más no fuera Enrique IV, Segunda parte, que llegó a representarse en el mismísimo Teatro El Globo–, nombrar al excepcional traductor local de WS, Lautaro Vilo o la apasionante rescritura de Macbeth, La señora Macbeth de Griselda Gambaro, desde el enfoque de la lady, por citar algunas ausencias importantes. Entre las curiosidades de Buscando… figura, aparte de los dichos de un delirante escritor, la palabra del presidente de la Gran Logia Masónica Argentina con el fin de insinuar que WS era masón.

“Lo que yo diría es que no hay ningún subtexto. Lo decís todo sin pretender que te entienda. Shakespeare tiene esa verdad profunda que se conecta directamente con tu corazón. Y al decir las palabras en voz altas, se encuentra la manera de pronunciarlas”, dice May Rylance, actor y ex director del Globo. Gustavo Garzón, director de Buscando…, hace algunas de las entrevistas y ha sido elegido por la guionista para hacer La tempestad.

“No existe documento de civilización que no sea al mismo tiempo documento de barbarie”, es la frase de Walter Banjamin apuntada en Eduard Fuchs, coleccionista e historiador, que toma la directora Tatiana Mazú para su titular su extraordinario film Todo documento de civilización. Donde cruza la General Paz para retomar la denuncia sobre la desaparición y asesinato de Luciano Arruga a manos de la policía. La cineasta trabaja con el rodar de los coches en tomas distantes, indirectas, nocturnas, repetidas hasta la abstracción; trabaja con el ruido del asfalto y un comentario musical que se fusiona. Coches, colectivos, coches. Y se atreve varios minutos con la pantalla fundida a negro (y a la sala donde se proyecte hecha una boca de lobo) para que se escuche mejor la voz de la combativa, amorosa madre del chico de 16 que un día ya no volvió: “A Luciano lo hostigan, lo llevan, le pegan la primera vez”, memora. “Pido ver a mi hijo, me lo niegan”, Entonces va la hermana a la comisaría y lo oye gritar: “Me van a matar”. Esa vez, logran sacarlo, pero Luciano ya estaba marcado: “Eran cuestión de días”.

Luciano amaba los libros, pudo colarse en una biblioteca paga porque una señora se apiadó al verlo en la puerta y gracias a ella empezó a leer a Julio Verne. Viaje al fondo de la Tierra, Viaje a la Luna. El film se embellece con viejas ilustraciones de antiguas ediciones.

La cámara se detiene en calles rotas, en basura, objetos tirados que parecen instalaciones, cintas de VHS enredadas en la vegetación que tapa la pobreza de las villas a quienes van por la General Paz. La segunda vez que la policía lo agarra, Luciano ya no volverá: “Tres meses en una morgue mientras la ciudad estaba empapelada con su cara. A Luciano lo desapareció la policía y lo mató el estado”, se quiebra la madre.

WB habla de la barbarie de la restricción de derechos, la transgresión de normas morales, de valores humanistas. Piensa estrategias para combatir la amenaza del fascismo, la barbarie del nazismo. Y también piensa el cine como el resultado de todas las formas de visión de “una nueva percepción estética que no pasa por la contemplación sino por el contacto físico que es el shock visual. El cameraman procedería entonces como el cirujano, penetrando profundamente en el tejido de la realidad dada, haciendo resurgir lo invisible. Edgard Morin, pensador francés ya centenario, también sostiene que la barbarie esta intrínsecamente ligada a la civilización, que no solo la acompaña, en su ensayo Cultura y barbarie europeas.

Benjamin asimismo discurría sobre barbarie positiva, que el film de Tatiana Mazú estaría representada por esas llamas del final y la leyenda “Sin justicia habrá fuego”.

Y para el cierre, nada mejor que la palabra de Violeta Uman, directora y programadora del Festival de Cine Argentino de Villa Crespo, nacido en 2019, que en su sexta edición tendrá lugar entre el 24 y el 28 de septiembre próximo, como resultado de una amplia selección de cortos y largometrajes. Dice así Uman (también talentosa realizadora de Nunca hizo tanto frío) al tiempo que termina de trabajar junto a Alejo Moguillansky en el visionado de cortos y largos para la muestra: “Como programadora del Festival Vecine me siento conmovida por la cantidad y diversidad de películas que recibimos en la convocatoria: casi 200 títulos con apenas una semana de aviso. Sobre todo, teniendo en cuenta este un contexto tan adverso para nuestro cine, donde se están desmantelando apoyos fundamentales y se busca debilitar lo colectivo. Hay una vitalidad que no se rinde y eso es algo muy esperanzador. Desde nuestro lugar entendemos que programa r es una forma de defender nuestro cine acompañando su pulsión vital, habilitando espacio de exhibición y encuentro, dando refugio a las películas y constituyendo en comunidad una pequeña trinchera de resistencia”.

MS/MG

Cine para ver de manera gratuita, legal y sin necesidad de descargar ningún complemento. En las últimas semanas fueron anunciados distintos ciclos online disponibles desde Argentina, con películas diversas y muy interesantes para mirar en formato hogareño.

A continuación, un repaso por lo más destacado de cada uno de ellos.

1. Ciclo Leonardo Favio. “Lumiton presenta una imperdible selección de films de Leonardo Favio, director de cine, actor y cantautor de canciones románticas y populares que lo lanzaron vertiginosamente a la fama internacional. En sus películas Favio supo representar lo humilde y lo marginal a través de una estética lírica muy personal. La tensión entre lo popular y el cuidado plástico de la imagen hicieron que se convirtiera en un aclamado y estudiado director”, informan desde la plataforma gratuita argentina Lumiton. 

La selección cuenta con seis largometrajes de Favio que estarán disponibles hasta el 1 de julio: Crónica de un niño solo (1965), El dependiente (1969), Juan Moreira (1973), Nazareno Cruz y el lobo (1975), Soñar, soñar (1976) y Aniceto (2008), último largometraje ideado por Favio a pesar de su precaria salud. 

Las seis películas del ciclo Leonardo Favio se pueden ver desde Argentina en la plataforma gratuita Lumiton. Más información, en este enlace.

2. Festival del cine japonés online. Hasta el 2 de julio tiene lugar de manera gratuita una nueva edición del Festival de cine japonés online, un ciclo con películas y series japonesas que se pueden ver con subtítulos desde 27 países del mundo en formato hogareño.

Según informaron los organizadores, en esta oportunidad forman parte de la programación 23 películas y dos series. Bajo el lema “Cine japonés cuando quieras y donde quieras”, el festival ofrece una selección rotativa de materiales audiovisuales recientes y de géneros diversos como el terror, la comedia, el animé, el drama y la ciencia ficción. El único requisito para poder acceder es crearse un usuario en la página oficial del evento.

La programación del festival de cine japonés online gratuito se puede encontrar en este enlace.

3. Finca Online, cine ambiental. Hasta el 12 de julio estará disponible para ver online una selección de documentales que participaron del Festival Internacional de Cine Ambiental (FINCA), un evento cinematográfico internacional que se celebra en Argentina desde 2010 con el propósito de generar un espacio de reflexión crítica sobre el vínculo entre el ambiente y la sociedad a través del cine. En su séptima edición, el festival presentó películas de 27 países, que se proyectaron en varias salas y siete de ellas, todas documentales, se pueden ver online desde Argentina a través de la plataforma Lumiton. Toda la información sobre el festival se puede leer en este enlace. 

La selección de películas del Festival Internacional de Cine Ambiental está disponible para ver online desde Argentina en este enlace hasta el 12 de julio.

AL/JJD

Una clase de Karate dura muy poco, pero no termina nunca. Miro el reloj que está en la pared del dojo. Hace calor y estamos practicando patadas y katas. El karate no tiene ningún sentido. Por eso me gusta practicarlo. Algunos se anotan porque piensan que puede servirle como defensa personal si te atacan en la calle, pero uno de los consejos del sensei es que si te quieren robar dejes que te roben: una pelea en la calle no es una pelea en el dojo, dice. Sensei Funakoshi, el poeta que difundió el karate do da un consejo enigmático -el número 20- que dice: Idee, idee siempre. Me encanta ese consejo porque no sé sabe bién de qué va.

Creo que Leonardo Favio es un artista genial. Estoy escuchando hace días su primer disco, que salió en una edición nueva, remasterizada. Me acuerdo de su primera película, Crónica de un niño solo, un afano genial a Los cuatrocientos golpes de Francoise Truffaut. Y me viene a la cabeza un compañero del diario donde trabajaba, al que le decíamos Truffaut porque, en los campeonatos internos de fútbol, era un rústico que ya en el primer tiempo te había metido cuatrocientos golpes. Una tarde, Favio en mi casa, con mis padres, en una sobremesa, nos contaba que él veía asombrado cómo Palito Ortega hacía guita sin parar con canciones sencillas y él trataba de componer canciones más complejas y trágicas, como “Ella ya me olvidó” -que igual fue un éxito descomunal-. Pero Favio, decía, “así que me puse a hacer una canción sencilla y agarré la guitarra y dije ”hoy compré una flor“ y en vez de irme a la mierda, escribí ”y llovía, llovía“. Ya está. Caja, decía Favio en la sobremesa de mi casa natal en Boedo. Y todos se reían. Me gusta como Favio usa en sus canciones la palabra Piba. Una piba que pasa, canta. Cuando Perón llegó al país mi primo -que era como mi hermano mayor- fue a recibirlo a Ezeiza. Y estuvo sin volver a casa dos días. Los hechos fueron trágicos y nosotros en mi casa no podíamos dormir esperando noticias sobre su paradero. Hasta que sonó el teléfono negro de Entel que estaba en la pieza de adelante y mi papa atendió y era Favio, que decía que mi primo estaba vivo. Desde ese entonces, cada vez que un ser querido tarda en volver a casa, yo me pongo muy nervioso, soy tomado por ese arquetipo que se forjó una noche de insomnio.  

Cuando un país marcha hacia la guerra, cuando un país marcha hacia un Mundial, cuando un país marcha hacia la Navidad, la cosa se pone insoportable.

Nietzsche dice que sólo hay interpretaciones, que no conocemos ningún texto originario. Nietzsche es implacable. Es un antibiótico letal. El mundo es pura apariencia construida por nuestras suposiciones, creencias y, sobre todo, por el lenguaje. El mundo es monstruoso y para poder soportarlo hacemos síntoma. No hay ningún objeto, no hay ningún sujeto, dice Nietzsche, ninguna sustancia, ninguna propiedad inherente a un algo, todas esas nociones son ficciones de la gramática. ¿Hay que ser condescendientes con la voluntad de verdad hasta las últimas consecuencias?, se pregunta Nietzsche en Humano, demasiado humano. ¿Hay que entregarse al conocimiento hasta tal punto que todo el mundo familiar para nosotros estalle por los aires y que las certezas y orientaciones se pierdan en lo imprevisible? Para Nietzsche -dice Rudiger Safranski- la voluntad de verdad conduce a la negación lógica del mundo. La negación lógica del mundo es comparable a la concepción kantiana de la “cosa en sí”, donde Kant después de darle muchas vueltas al asunto decide que nunca se puede aprender el “en sí” de las cosas.

Nietzsche también habla de la monstruosidad de lo social. Recuerdo el Mundial 78, cuando la gente festejaba en ese invierno horrible los goles de Kempes mientras la dictadura hacía un genocidio sin precedentes. Cuando un país marcha hacia la guerra, cuando un país marcha hacia un Mundial, cuando un país marcha hacia la Navidad, la cosa se pone insoportable. Algunos dicen que el juego del fútbol es una escenificación estética de la guerra. ¿Qué diferencia la guerra de Ucrania versus Rusia con el Mundial de Qatar? En uno los muertos está a la vista, en el otro los muertos están escondidos. ¿Qué posibilidad hay de que toda la gente que está en Qatar se quede ahí actuando para siempre en una miniseries de Netflix?

Me imagino el Obelisco pensando el domingo bien temprano: uh cómo se va a complicar respirar hoy si ganan estos pibes. Dice Nietzsche que alguien con un agudo sentido de justicia descubre incluso en esta desazón el escándalo implicado en que él también es un superviviente, que vive de que los otros padecen necesidades y mueren. Safranski reafirma: “Nietzsche, con su pasión por la tragedia y sus dotes para la compasión, descubre lo monstruoso también como nexo universal de culpa en toda vida humana”.

Una tarde, en San Francisco, me compré unos pantalones que ofrecián en la calle. En San Francisco todo es un viva la pepa. Había unas camisetas que decían Equipo de natación de Alcatraz, no me entraban. De Alcatraz sólo podías salir nadando y esquivando tiburones. Cuando volví a Buenos Aires, una chica me dijo que la tela de mis pantalones, el tramado, se llamaba Pied-de-poule.

En la puerta del natatorio de enfrente de mi casa, una mujer alta, en pantalón corto y ojotas, sale y grita nombres de niños. Los padres, que se amontonan en la vereda, levantan la mano como si hubieran sacado el número de una rifa. Mi talonario está vacío. Una vaquita de San Antonio se posa en mi mano. Su caparazón se parece al tramado Pied-de-poule de mis pantalones. Pido dos deseos. 

FC

El sábado se cumplieron diez años de la muerte de Leonardo Favio y el Canal Encuentro propone un ciclo de cine. “Amar y ser Amado. Cine y Leonardo Favio” tendrá la conducción de Antonella Cost.

Juan Moreira

Argentina (1973)

Drama histórico – 102 minutos

Estreno: jueves 10 de noviembre

El director nos propone viajar al siglo XIX para conocer a este mítico personaje y reconocer en el gaucho el origen de las clases populares. Favio eligió a un joven Rodolfo Bebán para el personaje principal: un gaucho recio de ojos azules y cuchillo entre los dientes que conquista instantáneamente el corazón del pueblo.   Favio cruzó, en el filme, influencias del western y del cine japonés. 

El romance del Aniceto y la Francisca

Argentina (1967)

Drama – 63 minutos

Estreno: jueves 17 de noviembre

 Adaptación de El cenizo, un cuento de Jorge Zuhair Jury, su hermano.

Está protagonizada por Federico Luppi. Elsa Daniel compone a “la Francisca”, una muchacha dulce y fiel. Su contrapunto es la misteriosa Lucía, interpretada por María Vaner. 

Fuiste mía un verano

Argentina (1969)

Estreno: jueves 24 de noviembre.

Fuiste mía un verano recupera las facetas de actor y cantante del gran artista y demuestra cómo sus canciones parecen construidas para tocar directamente el corazón popular.

CORAZÓN QUE DESTELLA COLORES

Unitario documental – 52 minutos

Estreno: sábado 5 de noviembre a las 22:00

Un Leonardo Favio niño, amigo, vecino, ídolo, padre, militante, y artista. La palabra que hilvana el documental no es la de especialistas en la obra de Favio, es la de sus fans, familiares y amigos. La voz de Leonardo Favio, a su vez, narra distintos momentos de su vida, y de su carrera artística como actor, director y músico. Este documental fue rodado en Mendoza, sobre todo, en Las Catitas, localidad donde nace y sitio de inspiración recurrente del gran Leonardo Favio.

I. En 1973 Osvaldo Lamborghini publicó El niño proletario. “Estropeado”, ese chico roto, es la continuación literaria (es decir, hiperbólica) de Polín, el alma de Crónica de un niño solo, la primera película de Leonardo Favio en 1965. Gabriela Nouzeilles –en el exquisito libro Políticas del sentimiento– sugiere este hilo blanco. La república de los niños por primera vez en las ficciones. La canción de cuna vanguardista de los chicos solos. (Esto ya lo he dicho, cuando Polín se prendió un pucho a mí se me encendió un mundo). 

II. Crónica de un niño solo, este comienzo, es su “ficción de origen” –como Cándido López, Eva Perón, Diego Maradona: la primera escritura es la vida–; literalmente, Fuad Jorge Jury creó a Leonardo Favio. Su Luján de Cuyo natal, la orfandad, el sol paralizante y hermoso de Mendoza –esa tierra de grandeza–, el mundo colado para agarrar la más humana de las pasiones: la soledad. Pero la tentación de leer Crónica de un niño solo como solo una ficción de origen lleva al callejón de unir (o separar, que es más o menos lo mismo) la obra del artista. Cuando en Favio se trata de separar a la obra de la obra. Leonardo Favio, varias obras a la vez: el cineasta sofisticado (“Daría diez años de vida por filmar un plano como los de Leonardo Favio”, dicen que dijo Pier Paolo Pasolini luego de ver una de sus películas en el Festival de Mar del Plata, que en la edición de este año homenajea el aniversario), el cantor popular, el hombre público peronista, el galán, el portador de los icónicos pañuelos en la cabeza (Favio parece salido de las películas de Favio). ¿Quién soy? Una, dos, tres… mil obras. 

III. Arcaico e innovador, provinciano sin “aduana” en la ciudad, los sesenta están en los films El romance del Aniceto y la Francisca y El dependiente. Con el retorno al poder del peronismo, Favio dirigió sus películas definitivas. En plena primavera camporista, estrenó Juan Moreira a la que siguieron Nazareno Cruz y el lobo y la filmación de Soñar, soñar (que se estrenó ya en dictadura). Esta serie contrasta con el cine político de esos setenta –Quebracho, La Patagonia rebelde–. Alejarse de la realidad para meterse en lo real. Favio fundó su parque de diversiones. ¿Política? Metafísica nacional hecha con la profundidad y la mugre del que se anima a meter la mano en una alcantarilla y sacar una bola de pelos para encontrar un anillo de oro caído. 

IV. Favio es sadomasoquista. No es demagógico –sus historias no son de redención–, no es “contracultural” –no funda inversiones que sostengan aquello que se pretende “resistir”–. Simplemente es capaz de mostrar la belleza en el dolor. ¿Te duele? Pero te gusta. Y así. Arlt le escribió al resentimiento; Favio no: le escribió a la devoción. 

V. En “Cada piba que pase”, publicada en Billboard, el escritor Martín Graziano organiza al Favio cantor (que es el Favio sub-pensado). Allí Graziano recompone cómo aprendió guitarra, cantó en asados y saltó a las bateas en un segundo intento hasta conquistar, sobre todo, el lado oscuro del corazón de una generación. Explica Graziano: “En el invierno de 1969, mientras Sandro surfeaba la ola de ‘Rosa, rosa’ y Favio copaba las tapas de las revistas del corazón, conformaron el ying y el yang del ídolo nacional y popular. Ambos construían una suerte de personaje, pero los resultados de sus artificios eran diferentes. Sandro venía del rock & roll y, aunque su apuesta estaba más apoyada en el cuerpo, resultaba más distante. Si bien subyacía de modo imperceptible en el candor de sus baladas, Favio estaba atravesado por el ethos político de la época. Claro que no era Serrat ni quería serlo: sus canciones no tenían contraseña sino que estaban perladas por un anhelo total”.

VI. Sin Dios todo es una mierda. Favio lo dijo.

VII. Los bosques de Ezeiza en el timbre de su voz. No había lugar para Favio en los ochenta (no lo había para mucho de esa Argentina popular que él encarnaba). Su retorno a la pantalla fue con Gatica, el mono. Recién ahí encaró de frente al peronismo. Tarde. Después, exactamente en 1999, cuando Menem terminó su presidencia culminó esa obra monumental que es Perón. Sinfonía del sentimiento. La película se realizó por iniciativa de Duhalde (así lo expresa su final) e iba a ser material para la campaña (la de 1995), pero nada de eso sucedió. Favio es peronista pero su obra se “salva” –incluso de lo que se quiere hacer con lo que ella hace del peronismo– porque en ese péndulo infinito de si la Argentina es más grande que el peronismo o el peronismo es más grande que la Argentina… Favio es argentino hasta las pelotas. 

VIII. La mejor película de Favio es Gatica, el mono. Por las gallinas en ese plano secuencia inicial del descenso de un tren –venimos de los barcos, venimos de los trenes de las migraciones internas– y por las gallinas cuando el boxeador filosofa sobre los huevos. La película es eso: gallinas, huevos, pelotas. Y la ternura ante dos muertes: la del perro familiar y la de Eva Perón, cuando explota en llanto. Gatica, el mono está construida sobre una superposición –el arco del gran boxeador, el arco del peronismo– pero leer solo eso es dejar afuera estos temblores que vuelven la película indigerible y, sobre todo, punzante. El clímax.

IX. Su mejor disco es el rojo Favio 73 pero mi canción preferida está en otro álbum, del año siguiente, “Acordate de olvidarme”. Le canta al amor y dice “una bala me espera en cualquier sitio”. Si Los setenta de la gente común de Carassai fueran una playlist empezarían con esta canción. Si Sergio Denis –que también le cantó a la violencia– es lo que escuchaban quienes no militaban (el prejuicio “mersa” ante los nuevaoleros para el chico rubio del Gran Buenos Aires, mientras Palito Ortega representaba el chico del interior), Favio es el baladista que nos puede a todas, a todos. ¿Quién se puede enamorar sin pasar por él?

X. Un pie en “Página 12” y un pie en “Crónica”, ideología y crimen. Favio fue cantor pero tuvo oído absoluto. De Favio se puede decir: combina lo culto y lo popular. Y es una buena hipótesis. Pero es eso, una hipótesis letrada, modernista, que deja afuera lo más importante: la sangre que le corre es mestiza y esa división de lo que queda en un lado y en el otro es una operación de disección que no le hace total justicia. Sus ficciones –y él es su propia ficción, borgeano, un “artista”– es inescindible. Favio va, como poquísimos, a la misa de los médiums: si te lo ponés a explicar (a desmigajar) lo rompés. “Yo nunca me metí en la modernidad, siempre fui vanguardista”. Diez años sin sus pases de magia. 

FA

La 37° edición del Festival de Mar del Plata comienza este jueves con la proyección de “Sin aliento” de Jean-Luc Godard y se extenderá hasta el 13 de noviembre, con 241 títulos entre cortos, medios y largometrajes y obras de cineastas destacados como la alemana Mia Hansen-Løve, el surcoreano Hong Sang Soo, el portugués João Pedro Rodrigues, el chileno Sebastián Lelio, el británico Sam Mendes, el mexicano Guillermo del Toro y el argentino Raúl Perrone.

Este año el Festival vuelve a ser presencial en su totalidad, con siete complejos afectados al certamen con entradas a 260 pesos que se podrán comprar online, y a 100 pesos para estudiantes y jubilados que se podrán adquirir en boleterías.

Esta edición está dedicada a Leonardo Favio en el décimo aniversario de su fallecimiento, y por ello se proyectarán “Juan Moreira” (1973), “El dependiente” (1969), y “Nazareno Cruz y el lobo” (1975).

A dos meses de su muerte, además, Mar del Plata rinde tributo al célebre realizador francés Jean-Luc Godard con su célebre opera prima, “Sin aliento” (1960), elegida como la película apertura del festival y, sumado a ello, como parte del homenaje se verá “Godard seul le cinema”, el reciente documental de Cyril Leuthy que recorre la vida y la obra de más de 120 obras del cineasta francés a través de entrevistas e imágenes de archivo.

Entre los invitados que formarán parte del ciclo de Charlas con Maestras y Maestros, sin duda la presencia más destacada en cuanto a popularidad es John McTiernan, director de dos películas emblemáticas y que ya entraron en la categoría de clásicos de acción como “Depredador” (1987) y, sobre todo, “Duro de matar” (1988), con Bruce Willis.

También estarán la cineasta francesa Patricia Mazuy, quien acompañará una retrospectiva de su obra, Marcos Uzal, actual redactor en jefe de la revista Cahiers du cinema, el director de fotografía portugués Rui Poças y la productora y realizadora argentina Lita Stantic.

Por otra parte, en el plano local estarán presentes dos figuras estelares del cine argentino que recibirán una distinción por su trayectoria, como Cecilia Roth, que acompañará a “Las fiestas”, de Ignacio Roger, en donde comparte elenco con Dolores Fonzi y Daniel Hendler; y Ricardo Darín, que presentará en una función especial al aire libre “Argentina, 1985” en el Centro Cultural Victoria Ocampo (Villa Victoria).

También se reconocerá el trabajo de Paula Félix-Didier, investigadora comprometida con la preservación del patrimonio audiovisual y la historia del Cine Club Núcleo, un espacio tradicional de la cinefilia en Buenos Aires.

Este año la muestra tendrá siete secciones competitivas y en la Competencia Internacional se registran también siete estrenos mundiales: “Cambio cambio” (Lautaro García Candela), “El rostro de la medusa” (Melisa Liebenthal), “La uruguaya” (Ana García Blaya), “Los de abajo” (Alejandro Quiroga), “Réduit” (Leon Schwitter), “Saudade fez morada aqui dentro” (Haroldo Borges) y “Tres hermanos” (Francisco J. Paparella).

En la Competencia Latinoamericana habrá tres filmes nacionales, entre las que se destacan “Amigas en un camino de campo”, de Santiago Loza, y “Trenque Lauquen”, de Laura Citarella (de reciente paso por Venecia). Además, se podrán ver trabajos de Colombia, Bolivia, México, Brasil, Chile y Costa Rica.

En la Competencia Argentina se destacan los nombres de Mara Pescio, Nicanor Loreti, Leandro Listorti y Maximiliano Schonfeld, que en 2021 ganó con “Jesús López” el apartado latinoamericano.

Entre los títulos más fuertes que se verán en las diferentes secciones se presentan “Un beau matin” (Mia Hansen-Løve), “Camarera de piso” (Lucrecia Martel), “No Bears” (Jafar Panahi), “Walk Up” (Hong Sang Soo), “Pinocho” (Guillermo del Toro), “Alcarràs” (Carla Simón), “Imperio de luz” (Sam Mendes), “SINFON14” (Raúl Perrone) y “El prodigio” (Sebastián Lelio)

Además, “Pacifiction” (Albert Serra), “Le pupille” (Alice Rohrwacher), “La reina desnuda” (José Celestino Campusano), “Coma” (Bertrand Bonello), “Boy from Heaven” (Tarik Saleh), “Un año, una noche” (Isaki Lacuesta), “As bestas” (Rodrigo Sorogoyen), y “Matadero” (Santiago Fillol), entre otros.

También dentro del Panorama, en la sección Galas se proyectarán títulos como “El método Tangalanga” (Mateo Bendesky), “Ardiente paciencia” (Rodrigo Sepúlveda), “Sublime” (Mariano Biasin), “Las fiestas” (Ignacio Rogers) y “A Bit of Light” (Stephen Moyer).

En las Proyecciones especiales podrán verse los estrenos de la miniserie “Diciembre 2001” (Benjamín Ávila) y las películas “Érase una vez en Qatar” (Federico Rotstein, Ignacio Ceroi), “La memoria que habitamos” (Diego Ercolano) y “Maelström 2001” (Juan Pollio).

Al rescate de “Un sueño como de colores” (Valeria Sarmiento) se le suma la celebración de los ochenta años del estreno de “La guerra gaucha” (Lucas Demare) y los veinticinco de “Plaga zombie” (Hernán Sáez, Pablo Parés).

Otro de los ejes que componen la 37ma. edición es el evento especial “¿Cuánto tiempo es un siglo? Cine silente con música en vivo”, que celebra los cien años de filmes míticos en proyecciones musicalizadas por artistas contemporáneos, en donde se verán “Nosferatu” (F. W. Murnau) musicalizada por María Ezquiaga; “Häxan” (Benjamin Christensen), con paisajes sonoros de la banda Die Krabben; un programa de cortometrajes de Lotte Reiniger y Germaine Dulac, musicalizados por Atacama - Ensamble de improvisadoras; y los filmes recuperados de Renée Oro, acompañados en vivo por la banda Tremor.

Otra de las retrospectivas destacadas es la dedicada a la actriz y realizadora Kinuyo Tanaka, de quien se proyectarán “La luna se eleva” y “Pechos eternos”, dos de sus largometrajes más representativos como directora, y filmes que la tuvieron como protagonista de autores destacados como Kenji Mizoguchi, Heinosuke Gosho, Keisuke Kinoshita y Mikio Naruse.

Tráiler de “La Uruguaya”, de la productora Orsai, de Hernán Casciari

También habrá un foco dedicado al cineasta alemán Heinz Emigholz, quien presentará al público sus tres últimos largometrajes sobre la relación entre la arquitectura y el cine. Ya en el centenario de su nacimiento, un programa de cortometrajes de Jonas Mekas, ocasión en la que se presentará “Destellos de belleza”, un libro de su autoría recientemente publicado por la editorial Caja Negra.

Finalmente, la sección Generación VHS presentará un foco dedicado a Comedias británicas inoxidables en el que se incluirán clásicos modernos como “Los enredos de Wanda”, “Cuatro bodas y un funeral” y “El regreso de la pantera rosa”, junto a las recordadas “Funny Bones” y “Local Hero”, y “And Now for Something Completely Different”, de los Monty Python.

También vuelven las proyecciones al aire libre en Villa Victoria, en las que las y los cineastas y sus elencos presentarán al público los grandes estrenos nacionales del año, como la mencionada “Argentina, 1985” (Santiago Mitre), “30 noches con mi ex” (Adrián Suar), “El suplente” (Diego Lerman), “Las rojas” (Matías Lucchesi) y “El sistema K.E.OP/S” (Nicolás Goldbart).

También en esta edición se realizará la quinta edición del Foro de Cine y Perspectiva de Género, y el Taller de experimentación para estudiantes de cine y actuación, a cargo de la directora Ana Katz.

Pacifiction, de Albert Serra

Con información de Télam.

IG