La vida las cruzó un poco por casualidad y el encuentro fue mágico. No planificaron armar un grupo, pero lo hicieron. Las cuatro son artistas reconocidas que integran un montón de otros proyectos (de hecho, en esta columna hemos entrevistado a tres de ellas). Se convirtieron en amigas al mismo tiempo que en compañeras. Y como resultado de ese flechazo nació un disco luminoso, inspirador, lleno de música que mama de la raíz chamamecera y se proyecta con elementos de todas las otras músicas de las que también se nutrieron: tango, jazz, música clásica, por nombrar algunas. Algún medio se refirió a ellas como “chamamé del siglo XXI” y es bastante acertada la definición.

Flamamé es un cuarteto integrado por Noelia Sinkunas en piano, Milagros Caliva en bandoneón, Belén López en contrabajo y Flor Bobadilla Oliva en voz. Todas, además, componen y arreglan, porque todo lo comparten y hacen juntas. La grupalidad es clave para estas cuatro mujeres.

elDiarioAR tuvo el privilegio de asistir a un ensayo y charlar relajadamente con ellas. Queda claro desde un principio que manejan una complicidad fuerte, que las risas acompañan cada tramo del camino que están recorriendo y que la música nace de ellas casi como una misión, sobre todo en estos tiempos oscuros que corren.

El grupo se gestó gracias a una invitación a un festival en Brasil. Allí tocaron las cuatro juntas por primera vez y percibieron que pasaba algo. “Se sintió como que éramos un grupo. Hubo una conexión y ahí dijimos: che, hay que hacer algo. Y ahí empezó Flamamé”, cuenta Noelia.

El nombre se les ocurrió jugando. “Para mí es chamamé flama. Yo diría que es flama porque nos prendíamos fuego tocando. Empezamos a tocar y era ¡ufff!”, agrega. “Siempre terminaba con un suspiro la canción. Esa era la sensación. Y estaba la impronta chamamecera muy presente, porque fue un poco lo que nos unió”, añade Flor.

“A mí me gusta porque el nombre es como una mezcla entre un grupo de trap y un grupo de chamamé. Flama es como algo re joven, de las nuevas generaciones”, agrega Belén.

El disco, que se llama igual que el grupo y que lanzaron en diciembre, contiene casi todas composiciones propias, salvo dos. Los arreglos fueron surgiendo en las juntadas. “Entre todas. Cada una proponía el tema, cantaba la canción y ya ahí veíamos: acá se me ocurre esto, acá lo otro. Y así entre todas lo fuimos armando”. Lo presentan este sábado a las 21:00 en el Club Atlético Fernández Fierro (CAFF).

-¿Cómo fue recibido el disco?

-Noelia: Lo que más me sorprendió es una nota que salió, que nos nombraba como “chamamé siglo 21”. Me encantó y me dejó un par de preguntas. Porque en el tango ya vengo escuchando “tango siglo 21” hace rato. Hace rato que ya estamos en el siglo 21, básicamente. Y en el chamamé no había escuchado nunca “chamamé siglo 21”. Entonces me preguntaba: ¿no llegó el siglo 21 al chamamé? ¿Qué pasa ahí? Y siento que algo de eso representamos nosotras, un poco de lo de hoy, de lo nuevo, y lo viejo también. Lo tradicional también lo tenemos.

-Milagros: En el chamamé, lamentablemente, Corrientes centraliza mucho la música y la termina condicionando en muchos aspectos, si bien ya todo el avance viene desde hace un par de décadas atrás, con (Raúl) Barboza, Rudi y Nini Flores, Teresa (Parodi). La otra vez me crucé con Teresa de casualidad y dijo esto de que Corrientes tiene como la costumbre siempre de atar, de atar a la música. Pero la música se va igual, no se queda. Y también está bueno que el chamamé no sea de Corrientes, porque no es de Corrientes. Es de toda la región. Y si bien Flor es misionera, las demás somos de acá de Buenos Aires y qué bueno que sea de acá también.

-Flor: Siento que en algún punto se ha institucionalizado, entonces siempre quedamos afuera los que pensamos o sentimos el chamamé desde otro río. Pero finalmente son músicas de puerto. Tanto el chamamé como el tango son músicas de puerto. Y tanto las músicas populares, como el jazz o cualquier otra música, son lugares de encuentro, de ritual. Entonces, más o menos institucionalizado, más o menos en el Colón o en la calle, es volver a la música del pueblo. Y siento que ahí está el hilado interesante de Flamamé, los ambientes de esas músicas, esas nostalgias o formas de sentir, son algo que suena a tradicional. Pero lo que viene a imponerse de otro modo es la palabra. Buscamos decir algunas cosas con lo que tenemos de herramientas, porque no somos poetas. Hay una poesía de Ramón (Ayala) que dice “si no eres poeta, ni guerrero, ni artista, piensa que eres una partícula de Dios”. Hay algo del gestar que es muy amoroso de Flamamé y que es muy de ese impulso primero. Entonces, hay un recorrido de canciones que están hurgando en los lugares de las cosas que queremos decir, que mucho tienen que ver con el amor o las formas de pensarnos, el amor propio, el amor para con un otre, el amor por la naturaleza. Hay silencios también, no está rellenado. No es ¡pam!, una piña contundente. Es muy erótica nuestra música.

-¿Qué les pasa cuando están tocando?

-Noelia: Alegría. Soltura. Es muy relajado. No cuesta nada. Es muy sencillo. Fluye. Es fácil. Sí, fácil.

-Flor: Eso es muy sorprendente. Es muy fácil. No importan un montón de otras cosas. Y se agradece muchísimo que existan lugares así. Por eso siento que tiene que ver con un ritual. Nosotras entramos y cada una viene con algo y estamos y nos vamos escuchando. Para mí es un placer tocar con semejantes artistas. Son muy zarpadas por sí mismas. Y a mí me resultaría muy fácil como cantante, por lo que se estila o se espera de una cantante, estar adelante y yo no estoy adelante. Estoy a la par y me siento a la par y siento que hay lugar para todas. Eso es espectacular y se genera con mujeres.

-Noelia: Yo creo que somos como Power Rangers: cada una tiene un poder (risas).

-Belén: Estamos todas muy abiertas a escucharnos y a ver qué tiene para proponer cada una. Y no solo desde lo musical, sino también de cómo está cada una. Entonces lo otro también sale igual, fluye. No es que hay una pretensión de ‘el arreglo es así o esto es asá’. No, se construye entre todas. Y entonces creo que todas tienen la posibilidad de relajarse y de proponer y de sentirse cómodas en ser, en tocar, en todo.

-Milagros: Tocamos sin la presión. Si nos equivocamos, está bien. No es que estamos pensando: 'uh, le pifiamos'. Le pifiamos todo el tiempo y también eso es parte de nuestra música. Es lindo eso.

-¿Cómo hacen para sostener este espacio cuando todas ustedes tienen además muchos otros proyectos?

-Milagros: Sin presión. Somos como una pareja libre.

-Flor: Abierta (risas).

-Milagros: Mientras haya ganas del encuentro, nos ponemos de acuerdo. El pero no existe. ¿Tocamos? Dale. Entonces empezamos a ponernos de acuerdo, pero eso es sencillo dentro de lo complicado.

-Belén: Eso creo que es clave. Todas tenemos el deseo de que esté. Entonces, si hay una mínima chance, aunque llegaste hoy a las 07:00 y te vas al otro día a las seis, puedo, porque todas queremos. Quizás en otros grupos decís: 'ay, no sé si puedo, no llego'.

-Flor: Es algo que nos da muchísimo. Y al ser algo que es tan fácil, hace que uno se tenga que replantear bastante otras cosas que no son tan fáciles.

-Noelia: Hay espacios donde se prioriza mucho la música en sí misma como una entidad sagrada sin pensar que esa cuestión sagrada la hacen personas humanas. Y si tenés un problema, no nos importa. Y ahí yo no estoy de acuerdo. Y noto mucho en algunos espacios que son así.

-Flor: Es institucionalizar la música. Pero es en el chamamé o la música clásica. Matarse porque suene tal o cual cosa.

-Noelia: El espacio que elegimos es más de darle bola al vínculo, a lo humano, para que la música suene mejor en función de eso. Cuando solamente priorizamos ese lugar y decimos que las cosas tienen que hacerse de una manera, siento que es un problema. La manera correcta no existe. La manera correcta es construida grupalmente. Y cada grupalidad tendrá su manera correcta de hacer las cosas. En eso siento que en cierto punto han ganado en algunos espacios los que creen que hacen el bien y hacen el mal. Y eso para mí es una gran lucha en el ámbito del arte: poner por arriba de todo en el lenguaje la forma de vincularnos para que el lenguaje sea un espacio de construcción. Y siento que ese es el lugar para mí correcto.

-¿Y están trabajando en cosas nuevas?

-Flor: Hay canciones nuevas, pero siento que tenemos que seguir tocando esta música. Nuestro grupo tiene un año.

-Belén: Yo ya estoy manija de que armemos otro disco, pero lo pienso y digo: no, pará, ni siquiera empezamos a tocar este.

-Milagros: Igual estaría bueno a fin de año grabar otro (risas)

-Noelia: Tenemos planes de ver dónde más tocar presentando el disco. Nos gustaría salir de la Capital.

-¿Cómo se llevan con este momento del país y todo lo que está pasando?

-Noelia: Tengo mucha angustia en general. Siento un cansancio y un agotamiento físico y mental que me pone triste y trato de contrarrestarlo.Siento que hay un montón para hacer para ver cómo contrarrestar eso. Siento cierta obligación de dar una batalla a través de las letras. No sé dónde escuché esto de que la cultura es como la guerra por las buenas y siento que sí, que es alta herramienta. Así que tengo como una llama ahí interior. Pero también estoy como que el cuerpo lo tengo medio raro.

-Flor: Y, sí, ahora que estamos agotadas, porque tenemos que generar para pagar el alquiler, para pagar cosas que empezaron a subir, gastos básicos y mínimos, no tenemos que aflojarle y tenemos que dar batalla. Con Flamamé hay algo ritual, algo espiritual. Más allá de las cosas que sucedan, hay un lugar de encuentro real para generar cosas nuevas. El agua entre despacito y te levanta el piso. Eso la gente que somos del Litoral lo sabemos. Entonces no siempre va a ser irrumpir. Hay que ir entrando de a poco y vamos a escribir canciones y vamos a compartir con las pibas y nos vamos a abrazar. Canciones que quizá no todos entiendan pero que igual conmueven porque nos conmueven a nosotras. Ese es nuestro trabajo como artistas:,conmovernos nosotras, que es lo primero que pasa en este grupo, para después conmover al resto. Siento que esa es nuestra única forma de lucha.

-Belén: También me pasa que me genera una sensación de: bueno, entonces hay que hacer, hay que estar ahí y decir y conmover, como dice Flor. Pero también últimamente vengo pensando mucho en la idea de esto que planteó Noe, de la gente que hace el mal creyendo que hace el bien. ¿Cómo hacer para generar ese puente con esa gente? ¿Cómo abrirles ese espacio en el corazón, cómo abrirles ese lugar donde puedan ver más allá de lo que ven?

-Milagros: Más allá de que es triste, este contexto también te obliga a tener que hacer todo el tiempo para poder sobrevivir. Entonces, si bien no sabemos de dónde sale esa fuerza, está. También sabemos que esto va a pasar y que todo esto sirve como inspiración, claramente, para seguir componiendo. Por ahí es una mirada muy bohemia. Pero también es importante poder no centrarse en el dolor y en la tristeza y decir: ¿qué puedo sacar de toda esta situación? Y creo que un poco nuestro objetivo es ese, dentro de lo que es nuestra posibilidad.

“Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

CRM

Resistir. Esa parece ser la consigna del 2024, que arrancó con el mundo de la cultura movilizándose en contra de los recortes que propone el nuevo Gobierno. Desde el Fondo Nacional de las Artes hasta el Instituto Nacional de la Música (INAMU), pasando por fiestas populares y muchos otros espacios, la motosierra busca llevarse por delante varias de las herramientas que lxs trabajadores de la música, que son los que atañen a esta columna, tienen para seguir creando.

Pero nadie se está quedando de brazos cruzados. Lxs músicxs se están organizando. Y a más tardar desde que Peteco Carabajal manifestara su desafiante “No se paren que no ha llegado nadie” cuando la nueva vicepresidenta se presentó en el festival de Jesús María, supieron además que no estaban solos y que los grandes referentes iban a estar ahí, bancando. 

Músicxs autoconvocadxs en todo el país

A principios de año, se publicó un comunicado en defensa del Instituto Nacional de la Música (INAMU) firmado por muchos otros grandes como Charly García, León Gieco, La Renga, Susana Rinaldi, Escalandrum o Jairo. Acompañaron así un texto de la Mesa de la Industria y de la Actividad Musical en rechazo del desfinanciamiento de esa institución previsto en los planes del nuevo Gobierno.

La Unión de Músicxs Independientes (UMI) se puso después al hombro la defensa del INAMU con una importante acción en redes y un concierto este pasado 23 de enero, Día Nacional de la Persona Música.

En todo el país lxs músicos se autoconvocaron y así nacieron iniciativas como el colectivo Música por Necesidad y Urgencia. “Surgió en principio como una necesidad de responder al protocolo de seguridad de (la ministra de Seguridad, Patricia) Bullrich. Hacer música para los demás y con los demás no debía ser un problema. Ese fue el motor original”, contó a elDiarioAR Juan Pablo Fernández, cantante y compositor de Acorazado Potemkin, entre otras cosas, uno de los impulsores de la idea.

Lo primero que hizo el colectivo fue convocar a tocar el 30 de diciembre a las 17:00 en todos los rincones del país. Y la idea prendió en muchísimos lugares. Hubo gente que se juntó en Bariloche, Gualeguaychú, Santa Fe, Córdoba, Rosario, Corrientes, Tucumán, en provincia de Buenos Aires en Bragado, 9 de Julio, Trenque Lauquen, Junín, Roca, Madariaga, Mar Azul, en La Plata. En el AMBA, en Hurlingham, Quilmes, Bernal. Y en Capital en multitud de esquinas y plazas de muchos barrios.

Después, la iniciativa fue creciendo. “También por la necesidad de responder y tomar posición frente al avance del decreto y de la ley ómnibus. Entonces ahora vamos a seguir haciendo actividades que tienen que ver con ese primer impulso y, en paralelo, empezar a pensar como músicos, como trabajadores de la cultura, qué podemos aportar para mejorar nuestros reclamos y ser más precisos a la hora de oponernos como sector a la ley”.

Este domingo hay una nueva convocatoria. “El 28 de enero a las 17:00 de la tarde en distintos puntos del país nos vamos a juntar todos los músicos que queramos, que sintamos que hay una necesidad y una urgencia de juntarse y de hacer cosas”.

En Salta, lxs trabajadores de la cultura se reunieron en la iniciativa Niáca (expresión regional que implica rechazo), que se lanzó el sábado pasado con un festival.

“Iniciamos con una jornada histórica una etapa de lucha mancomunada entre lxs artistas de todas las áreas y disciplinas de nuestra cultura. La importancia enorme que tiene este evento se evidenció en la impresionante aceptación y participación de la ciudadanía salteña, que colmó la Casa De la Cultura de la Provincia”, nos contó la cantante Nadia Szachniuk. “Tomamos todos los espacios y durante más de siete horas mostramos la importancia del arte y la cultura y la necesidad de defender nuestros derechos, nuestra identidad, nuestra cultura, nuestra patria, la educación, la salud y el medio ambiente, y de fortalecer los espacios de creación y comunión organizándonos, discutiendo, informándonos por fuera de los medios masivos que profundizan el vaciamiento y la distopía social que estamos viviendo”.

“La Multicultural Niáca es un espacio esencial que la ciudadanía demuestra necesitar y que como colectivo y como ciudadanos individuos y artistas debemos fortalecer sobre todo en los momentos no tan críticos como éste que estamos viviendo sino, en aquellos momentos en los que tenemos más posibilidades de construir derechos y no estamos en la urgencia”, añadió. “Porque en este momento estamos abocados a defendernos de las amenazas atroces por parte del poder ejecutivo y de la casta política (apoyada lamentablemente por una parte de la ciudadanía sesgada y manipulada). Y eso está muy bien. Ahora lo urgente. Pero es en los momentos de aparente calma cuando debemos sostener estos espacios de unión y organización. Son éstas redes las que sobreviven a todo intento de vaciamiento”.

En Entre Ríos, a su vez, se creó Músicxs Autoconvocadxs Paraná. “En vistas a lo que veníamos observando que sucedía en diferentes ciudades del país, sobre todo algunos videos que circulaban del 'Cordobazo Cultural' y juntadas que se venían haciendo en Rosario, y, claro, preocupados por todo el contexto político surgió el impulso de comenzar a encontrarnos. Eso prendió rápidamente y se fue sumando más gente de la comunidad musical de Paraná”, nos contó Carlos “Negro” Aguirre, uno de los promotores de esa movida.

“Ya en la primera reunión surgieron varias comisiones y una de ellas se encargó de escribir un documento que ya entregamos a algunxs diputadxs que representan a Entre Ríos. Luego se leyó en otra reunión más numerosa y comenzamos a juntar firmas para que vieran el apoyo que este documento tiene, no sólo en el ámbito de la sociedad paranaense sino también en varias de las ciudades de nuestra provincia que se sumaron”.

“La idea es interiorizar a todo el abanico de diputadxs de nuestra provincia para que sepan el alcance, que en el terreno cultural tiene el DNU y la propuesta de Ley Ómnibus.Tenemos para este viernes una reunión con el Secretario de Cultura de la Provincia con la misma finalidad que te mencionaba antes. La idea es seguir juntando firmas y hacer todo lo que esté a nuestro alcance para informar a la ciudadanía de lo que esto significa no sólo para la Cultura sino para el país”, señala.

Revuelto de Radio, lejos del algoritmo

El 2024 arrancó, entonces, a pura resistencia por parte de los músicos populares.

Como la que viene ejerciendo hace tiempo Ale Simonazzi desde su programa Revuelto de radio. Con una novedad en los últimos meses del año pasado: el programa se convirtió en radio. La nueva radio Revuelto Radio - Músicas de por acá es la primera emisora online con 24 horas de música popular independiente, con la voz del legendario Quique Pesoa en la artística.

“En principio son las ganas de compartir la música que en el programa venimos difundiendo desde hace más de 20 años. Toda esa música que uno va juntando y tiene ganas de que siga sonando, encuentra su lugar para estar seleccionada por horarios con programación que puede ir acompañando al oyente que tenga ganas de escuchar música, dejándose sorprender, alejándose del algoritmo. En los momentos en que el oído, el alma, está dispuesto a recibir a lo mejor músicas y artistas que no conoce y no escuchó nunca”, explicó Simonazzi a elDiarioAR.

“Completa esta radio online, el laburo que seguimos haciendo desde el programa de radio, la página web que tiene una discoteca online para que si uno escucha y por ahí le gusta puede ir en busca del disco de ese artista y escucharlo completo y la agenda de conciertos. Esos artistas tienen conciertos y difundimos los lugares y las fechas en que tocan”.

“Y todo esto es el producto del cariño, el amor y el laburo de un grupito de gente autogestiva, que no lo hacemos pensando en un producto comercial o que rinda económicamente, sino que pueda sostenerse. Y eso es posible gracias a algunas pymes, pero fundamentalmente gracias a artistas, prensas, oyentes que se suscriben y que nos ayudan a bancar la parada haciendo de esto una comunidad en torno a nuestra música”.

La música independiente necesita de su público más que nunca.

¡Nos reencontramos en dos semanas!.

“Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

CRM

Lo de Noelia Sinkunas impresiona. Toca sola, en diferentes grupos, acompañando a cantantes. El piano y ella son un mismo ser que se despliega en el género que sea. La sonrisa en su cara indica placer. Se toca todo y además lo disfruta.

Este año ganó el Gardel a mejor álbum de folklore alternativo por Salve y ya se está preparando para lanzar su próximo trabajo. En el medio, giró con su grupo de cumbia por Estados Unidos, grabó un disco nuevo con su grupo de chamamé y tocó tango, mucho tango.

La pianista nacida en Berisso hace 35 años lleva el tango en las venas. Puede con todo: desde Cucuza Castiello pasando por Julieta Laso hasta el proyecto Piazzolla Electrónico de Nico Sorín, entre otros. Pero no solo la música ciudadana es la que la hace vibrar. Vanguardia y tradición, lo popular y lo académico, todo converge en esta artista única en el panorama musical argentino.

En esta charla con elDiarioAR repasamos sus proyectos actuales y algo de lo que se viene en 2024.

–La música te viene de familia. ¿El piano también?

–No. Mi papá es guitarrista de tango. Mi abuelo también. En mi casa siempre había instrumentos y en un momento -es graciosa la historia- se ganó un teclado en una rifa en la iglesia del barrio, que es la iglesia de San Francisco de Asís. Después fuimos todos a ese mismo colegio, que queda a media cuadra de mi casa. Y ahí apareció el tecladito y empecé a tocar. Y la guitarra nunca la agarré. Todos son guitarristas y yo no. A los cinco ya estaba tocando el tecladito y a los siete, ocho les pedí que me mandaran a piano. Y arranqué a estudiar piano a los nueve, me parece, en la Escuela de Arte de Berisso. De ahí mi profesora de piano me recomendó para entrar al Colegio Secundario de Bellas Artes en La Plata, que es un colegio normal, de una universidad, con orientación artística. En mi caso hice piano y también composición. Rendí un examen para entrar y quedé. Había solo una vacante y quedé primera. Egresé y después hice la facultad ahí mismo, composición, en La Plata.

–Tu familia es tanguera y empezaste más por ahí, pero ahora ya controlás muchos otros géneros. ¿Cómo se fue dando eso?

–En realidad siempre toqué de todo. De hecho, mi primera banda fue una banda de metal progresivo. Mi papá estaba preocupado. “La piba toca rock”, decía (risas). También estudié música clásica. Y mi papá acompañaba a cantantes de tango. Entonces a los 16, 17 ya empecé a salir con él, a tocar, a acompañar cantantes. Para que aprenda el oficio, me decía. Y entonces fue como todo junto. Nunca fue: ahora esto, mañana lo otro. Se iba dando todo como articuladamente. A mí me gusta toda la música. Para mí cada lugar era un aprendizaje: el lenguaje que manejan las personas, la gente, el espacio, el código. Me gustaba todo.

–Y el piano es un instrumento especial para eso.

–El piano es multifacético, digamos. Puede estar en un montón de estilos.

–Por cierto, ¿cuáles son tus referentes en el piano?

–Tengo varios pianistas que me han flasheado mucho, como (Horacio) Salgán acá en Argentina y después Keith Jarrett. Lo escuché y dije ¡wow! Ese mundo de la improvisación. (Osvaldo) Pugliese también. No podía creer. Es tremendo. Pero después, no sé, a veces soy medio volada con el mundo pianistas. Me siento medio afuera a veces.

–En este momento, ¿qué proyectos integrás?

–Ahora estoy dedicando mucho más tiempo a mí que a otros proyectos. En realidad, siempre se dividió entre los proyectos para los cuales trabajo y aquellos que impulso. Ahora estoy en los que yo impulso. Pero, bueno, trabajo con Cucuza Castiello, con Julieta Laso. Con Cucuza, ahora presentamos Menesunda II (el 17 de noviembre en Galpón B). Ahora me está llamando bastante Mocchi. Después está Cachitas Now, mi grupo de cumbia, que es un proyecto que impulso hace como 12 años, más o menos. Ahora volvimos de una gira en Estados Unidos que fue increíble y vamos a presentar el show que viajó en diciembre en La Plata (1 de diciembre en Guajira Bar).

Después estoy tocando más mi música. Este año ganó un premio Gardel el disco Salve. Estuve haciendo conciertos de esa música con una banda grande, que es tipo orquesta: o sea, cuarteto de cuerdas, bandoneón, contrabajo, guitarra, piano y cantantes. Eso lo presento como Noelia Sinkunas Orquesta. Pero también me vengo presentando en diferentes formatos. En dúos, con Milagros Caliva, con Alex Musatov. En cada fecha tocamos temas míos y algunos temas de ellos también. O versiones que nos gusta hacer.

–¿Cómo se formó Flamamé, el grupo de chamamé que también integrás?

–Cuando empecé a tocar sola hace un par de años y a mostrar temas propios, la conocí a Milagros (Caliva) y la convoqué para grabar el disco Salve. Empezamos a tocar en dúo. Yo tenía un ciclo en Pista Urbana, la empecé a llamar y empecé a llamar también a la contrabajista Belén López. Tocábamos en trío. Y en un momento le salió a Milagros un viaje para presentar repertorio. Y fuimos con ese trío que veníamos tocando y ahí apareció Flor Bobadilla Oliva, que la llamaron de ese mismo trabajo para ir y cantar con nosotras. Y desde ahí las cuatro sentimos que nos conectamos un montón y se armó algo. Así como quien no quiere la cosa ya estábamos tocando. Estábamos haciendo algunos temas míos de los de Salve, algunos músicas que habían quedado afuera del disco. Pero después cuando decidimos grabar, cada una trajo sus canciones. Juntamos dos, tres temas cada una y salió el disco. Yo siento que cuando me abrí con mis canciones, me empecé a encontrar con gente que estaba en la misma. Y también siento que tengo una personalidad medio como de impulsar y que impulsé a mi alrededor a que también compongan canciones de lo que nos estaba pasando en ese momento. Así que empecé ahí a conectar con gente que estaba en esa como Mili, Belén López, Flor. Eso es Flamamé ahora, que presentamos el disco 16 de diciembre en el CAFF.

–¿Y con tu proyecto más solista?

–Y con mi orquesta voy a estar el 25 de noviembre (en Galpón B) presentando Salve con toda la orquesta completa. Cantando van a estar Tomi Llancafil, que es el cantante de Cachitas Now. Es como que cada vez que necesito, una voz, lo tengo como comodín. Y Yoli Campos y lo invitamos también a Leo García, que va a hacer unos tangos y folklore.

–Además estás trabajando en un disco nuevo.

–El disco nuevo en realidad tiene que ver con algunas músicas que habían quedado afuera del otro y que se fueron gestando también con la presentación de Salve. Cuando armamos la banda y tocamos Salve, faltaba más música. Entonces empecé a componer músicas para el show. Algunas son tocadas en vivo, otras fueron compuestas recientemente. Y también abrí otra puerta. En realidad no es una puerta muy nueva, pero decidí ponerlo ahí, con lo demás, que es la improvisación libre. El disco es un poco eso: improvisación libre, con tangos y chamamés. Hay un chamamé que canta Mocchi, que le pusimos letra juntes en una especie de residencia llamada Sonorámica. Empezamos a hablar de qué significaba para mí la música tradicionalista, mi familia, el mandato y salió esa letra. Tengo que empezar a mezclarlo. Sería para el año que viene. Capaz que sale algún tema ahora, pero la verdad que prefiero sacar todo junto. Me cuesta un poco eso de la planificación de los lanzamientos. Vamos a ver. Y va a haber unas voces invitadas. Mocchi ya grabó. Leo García también va a grabar un tema y tal vez Ricardo Mollo, que también hemos estado hablando. Lo loco es que para mí mezclar ciertas voces con estilos que a mí me gustan es medio un sueño que de repente está tomando forma. Como que Mollo cante un chamamé propio. O Leo García se cante un tango mío. Y el disco es de tango y chamamé y que parezcan tradicionales. Ese es el plan. Y que sea también con improvisación. Va a ser medio loco.

–Hablando de eso, ¿qué te pasa con esto de que te quieren encasillar o definir y eso sea imposible?

–Lo que pasa es que es muy loco. Yo con cuando empecé, cuando saqué mi primer disco, que se llama Escenas de la Nada Mirar (2018), como que quise buscar la forma de que no me conectaran con el tango. No sé por qué. Dije: no quiero más que la gente me diga que soy pianista de tango. Pero realmente, yo lo siento muy adentro, soy re pianista de tango. Y soy re pianista acompañante de cantantes. Ese es mi oficio y eso me encanta hacer. Pero en un momento fue como: no puedo salir de acá, también me gustan otras cosas. Entonces me encargué de tratar de mostrar otras cosas. Pero ahora me siento que soy re pianista de tango, aunque que te encasillen es un bajón.

–¿Al chamamé sí se puede decir que te acercaste más recientemente?

–No. Mi papá tocaba, siempre tocaba chamamé con mi abuelo. Tocaban con un acordeonista muy conocido en Berisso, que era Germán Fratarcangelli. Pero son re de decir: “no, nosotros no somos de Corrientes, entonces no podemos decir que tocamos chamamé, somos tangueros”. Y yo re escuché eso y siempre me molestó un poco. Entonces un poco también siento ciertos mandatos familiares o ciertas cosas que hay que sanar con respecto a nuestra identidad. Me lo estoy permitiendo. Siento que lo necesito hacer. Por eso es muy específico el disco: tango y chamamé.

–Pero sos parte de una generación que un poco le pasa eso, como los que se juntaron en Sonorámica. Están cerca de la música popular, pero mezclando, haciendo cosas nuevas.

–Lo que sentí en ese espacio no es que estamos cerca, somos parte de la música popular, pero que nos duele. Nos duele en algún cierto punto no ser realmente lo que se esperaba de nosotros. Desde el punto de vista tradicional hay que repetir un poco. Y hay como ciertos mandatos de estructura que por ahí nosotros todos, justo los que estábamos ahí, en cierto punto algo no queremos repetir. Queremos cambiar. Pero genera algo de dolor sentir que no sos tal cual se espera. Algo de eso siento y se charló bastante. Y, bueno, por ejemplo el chamamé este que va a salir en mi próximo disco y que grabó Mocchi habla de eso. La tradición duele básicamente y la sentimos muy adentro. El hecho de tomar un camino distinto al que tomaron, por lo menos para mí, mi papá o mi abuelo, ya es un montón.

–¿Pero decís que duele porque ustedes sienten que les están fallando?

–En un momento sí sentía que estaba fallando. Sentía que le estaba fallando al tango. Pero es raro. Hay muchos tangos también, muchos mundillos de cada música. Pero, bueno, en un momento sentí que tenía que estar en otro lado, no ahí. Y después, no sé, me empecé a teñir el pelo de verde o a tener otras estéticas no tan tradicionalistas para el estilo.

–Tocaste en la Fiesta del Chamamé.

–Pero nunca toqué en el Festival de Tango.

–¿Te gustaría tener más masividad?

–Me lo pregunto también si queremos ser mainstream. Y a veces me acuerdo cuando hablaba con mi abuela y me decía: tenés que ir a esos programas de la tele, tipo La Voz. O esos programas que son tipo concursos. Y la verdad que no. La verdad yo me siento muy bien así. Me encanta estar en el under. Me siento libre. Hacemos lo que nos pinta con la música y está buenísimo.

–¿Sentís que la música nos salva en estos momentos?

–Sinceramente, no puedo hacer otra cosa. Y cada vez que toco como parte de una experiencia, que es colectiva también porque está la gente escuchando, siento que mi cuerpo respira. Te relajás, entrás ahí en ese trance de la música en vivo y a mí me encanta. Soy medio adicta a eso. Por eso hago muchas cosas. Me cuesta frenar.

“Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

CRM/DTC

Fue una figura icónica de la música tropical y de la cumbia y una referencia de la lucha de las mujeres por ganarse un lugar en una escena dominada por hombres. Por eso no podía faltar un homenaje a Gilda en el marco de los eventos que se celebran en torno al Día Internacional de la Mujer estas primeras semanas de marzo.

Bajo el título No me arrepiento de este amor este viernes 3 de marzo a las 20:30 habrá un concierto dedicado a esta artista, nacida el 11 de octubre de 1961 y fallecida con apenas 35 años el 7 de septiembre de 1966 en un accidente de tráfico en la ruta nacional 12, camino a Chajarí, Entre Ríos.

Será en el escenario Juana Azurduy de Tecnópolis con entrada libre y gratuita y cuenta con la dirección musical de Rosa Nolly y Noelia Sinkunas y la participación del las cantantes Sofia Viola, Claudia Puyó, Lowrdez, Daniela Herrero, Mel Muñiz, Clara Cava, Noelia Moncada, Micaela Farías Gómez, Hele Odd Mami, Yoli Campos, Rochi Igarzabal, Angela Navarro, Paz Carrara, Mercedes Lescano, Jackita, Melisa Lobos y Ayelén Beker.

En diálogo con elDiarioAR, Sinkunas adelantó algo de lo que será el show dedicado a la autora de cumbias inolvidables como “No me arrepiento de este amor”, “Corazón valiente”, “No es mi despedida” y “Fuiste”.

“Para mí Gilda fue, es y será una referente en la música popular, en el ámbito de la cumbia. Se destacó como compositora, como cantante, en un ámbito de varones y en el cual la referencia de mujer no era la estética que ella llevaba. Ya eso es un montón: poder luchar por ese espacio”, dijo la pianista. “Y como compositora, sobre todo. Ella hacía sus canciones y eso me parece un montón para la época”.

Sinkunas, que trabajó ya con muchos artistas haciendo versiones, entre ellos, con Cucuza Castiello para el disco Menesunda, y que además integra una banda de cumbia, Cachitas Now!, entre otros muchos proyectos musicales en los que participa, explicó que la estética del concierto tendrá mucho que ver con el sonido de las bandas de los años 80. “Quiero mostrar la posibilidad de la canción hacia otro lugar, no a la cumbia solamente”.

Por eso, las cantantes -dos por cada canción- estarán acompañadas por “un ensamble compuesto por cuarteto de cuerdas, con fila de caños, o sea, saxo, trombón, trompeta, guitarra eléctrica, percusión, batería y teclados”. Sinkunas busca llevar la sonoridad “más por un lado medio Sandro de América, la orquesta de Nino Bravo, Camilo Sesto, los cancionistas españoles con esas orquestas de los 80”.

“Me parece que la canción de Gilda tiene esa posibilidad de llevarla para un montón de lugares. Ya lo hemos visto en el rock nacional con Attaque 77 o Vicentico haciendo los temas de Gilda. Así que me parecía que estaba bueno ir conceptualmente por ese lugar”.

Si bien se trabajó con los temas de Gilda, los arreglos fueron compuestos especialmente para esta ocasión. “Son versiones inéditas originales con partes instrumentales. La orquesta se va a lucir. Estoy muy contenta con cómo está sonando la banda y con cómo resolvimos el tema instrumental. Me parece que va a estar increíble”. El cierre, según adelantó, obviamente será con cumbia.

La propia Sinkunas hizo hace ya un tiempo una versión muy singular de “Noches vacías” en el piano para su disco New York Sessions.

Gilda, cuyo nombre real era Miriam Alejandra Bianchi, nació el 11 de octubre de 1961 en la Ciudad de Buenos Aires y se crió en el barrio de Villa Devoto.

Desde que apareció en escena, tras responder a un aviso impreso en el que pedían vocalistas para un grupo musical, la joven supo revolucionar la música tropical con su rostro angelical y su dulce voz, un cóctel que contrastaba con el tipo de música que era hasta ese momento sólo patrimonio masculino.

Fue entonces cuando la artista adoptó el seudónimo Gilda en tributo al personaje que encarnó Rita Hayworth en la película del mismo nombre.

Con seis álbumes de estudio, el primero De corazón a corazón, lanzado en 1992, y el último, Si hay alguien en tu vida, en 1996, los recopilatorios y grandes éxitos de Gilda ya suman una treintena de ediciones desde su fallecimiento.

Entre la larga lista de reconocimientos, homenajes y obras inspiradas en la cantante, está la película Gilda, no me arrepiento de este amor (2016), de Lorena Muñoz, con Natalia Oreiro en la piel de la artista.

El homenaje a Gilda integra la programación del ciclo Nosotras Movemos el Mundo, que este año celebra su cuarta edición dedicada a los 40 años del sistema democrático en Argentina. El evento se realizará del 2 al 10 de marzo en el Centro Cultural Kirchner y en Tecnópolis. Además, se extiende a todo el país entre el 10 y el 12 con distintas acciones federales.

CRM