Jennifer Lawrence rompió todos los récords posibles. Con 22 años ganó el Oscar a la Mejor actriz protagonista. Con 35 acaba de ser reconocida con el Premio Donostia en el Festival de San Sebastián. Es la más joven de la historia en lograrlo. José Luis Rebordinos, director del certamen, decía que en la figura de Lawrence se juntaban muchos factores que hacían que no se hubiera dudado ni un minuto cuando surgió la posibilidad de que ella fuera uno de los dos premios honoríficos de esta edición.

Con menos de 40 ya tiene una carrera que muchas actrices veteranas desearían, y gracias a sagas como Los juegos del hambre es un icono adolescente que acerca un cine diferente a nuevas generaciones.

A San Sebastián llegó no solo a recibir el Donostia, sino para presentar Die, my love, el filme dirigido por Lynne Ramsay basado en la novela de la escritora argentina Ariana Harwicz sobre una madre que sufre un estrés posparto que la coloca en situaciones que normalmente el cine no muestra. La actriz atendió a la prensa en una multitudinaria conferencia de prensa en la que se advirtió que las preguntas se centraran en la película o su carrera.

Pese a ello, Lawrence no tuvo problemas en contestar sobre si cree que como artista se está sufriendo un ataque a la primera enmienda en EEUU tras lo sucedido en las últimas semanas con Jimmy Kimmel. “Sí. Nuestra libertad de expresión está siendo atacada y creo que el mundo del cine, y usar nuestra voz de forma artística nos permiten, en lugares como este, conectarnos y ser empáticos y libres”, opinó.

Sin embargo, cuando fue preguntada por su opinión sobre que el filme fuera distribuido por Mubi, una empresa participada por un fondo de inversión ligado al sector militar israelí, desde la organización se cortó la pregunta para recordar que las preguntas debían centrarse en la película y su carrera. Se volvió a intentar cuando otro compañero remarcó que le parecía inaceptable censurar una pregunta y le pidió que se posicionara ante lo que estaba ocurriendo en el mundo como madre que teme el futuro para sus hijos.

“Es terrible”, comenzó diciendo Jennifer Lawrence que esta vez sí contestó. “Lo que está sucediendo no es nada menos que un genocidio, y es inaceptable. Estoy aterrorizada por mis hijos, por todos nuestros hijos. Lo que me entristece es que esta falta de respeto y el discurso en la política estadounidense actual les parecerá normal a muchos jóvenes que los votan ahora mismo. Les parece totalmente normal que la política no tenga integridad. Los políticos mienten. No hay empatía. Y todos deben recordar que cuando ignoran lo que sucede en un lado del mundo, pronto les pasará lo mismo”, dijo de forma contundente.

Lo que está sucediendo no es nada menos que un genocidio, y es inaceptable. Estoy aterrorizada por mis hijos, por todos nuestros hijos

Jennifer Lawrence — Actriz

La actriz justificó su posición de intentar no contestar preguntas políticas a pesar de que la situación le “rompe el corazón”. “La realidad es que, al hablar demasiado o responder a tantas preguntas, tememos que nuestras palabras solo se usen para añadir más fuego y retórica a algo que está en manos de nuestros funcionarios electos. Solo quiero que la gente se concentre en quién es responsable, qué puede hacer y cuándo debe acudir a votar, y que no deje que los actores y artistas que intentan expresar su libertad artística, su libertad de expresión, carguen con las consecuencias de los verdaderos responsables”, zanjó.

La actriz también habló sobre los temas que aborda la película, como el estrés posparto, algo que contó que no tuvo con su primer bebé, pero sí con el segundo. “Fui muy afortunada porque tuve un buen posparto tras mi primer bebé, que fue cuando me leí el libro de Ariana, y quizás por eso, porque no estaba en un lugar tan bajo, pude mirar la historia de forma directa e ir a ese lugar. Tras el segundo sí que tuve estrés posparto y fue realmente raro ver la película en retrospectiva tras haber pasado por ello”, confesó.

Fue “un director nuevo y muy prometedor, Martin Scorsese” -dijo con humor-, quien le dijo que debía producir la adaptación del libro de Harwicz para protagonizarlo. Fue Lawrence quien pensó que Ramsay la dirigiera porque era muy fan de su trabajo. La cineasta aceptó, y el resultado fue una experiencia que describe como “perfecta”.

Después de la espectacular recepción que tuvo su premiere en el Festival de San Sebastián, acaba de llegar otra muy buena noticia para Belén, la película de Dolores Fonzi sobre un dramático caso que puso en alerta y movilizó al colectivo feminsta argentino. Apenas un par de días antes de que se conozca el resultado de la votación del jurado que decidirá qué película se lleva la Concha de Oro, el premio destinado al mejor film de la competencia oficial en la que participa el largo de Fonzi, la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de la Argentina informó que Belén es la candidata argentina para participar de la preselección de la categoría de mejor film internacional en los premios Oscar y en el rubro de mejor película iberoamericana en los Goya, que se otorgan en España. Ahora es cuestión de esperar la resolución del jurado de esta edición de San Sebastián, presidido por el cineasta catalán Juan Antonio Bayona y con una integrante argentina, la popular actriz y cantante Lali Espósito. 

Mientras tanto, la edición 73 de este tradicional festival de cine que se lleva a cabo en una de las ciudades más bonitas del País Vasco sigue adelante. La popularidad del evento es indiscutible. En la época de esta contagiosa fiesta que la ciudad vive a pleno, los hoteles están atestados y hay mucha gente circulando por la calle a todas horas. Las funciones están casi siempre llenas, son de verdad muy pocas las ocasiones en las que quedan algunas butacas vacías. Conseguir entradas para ver películas de la sección oficial, de hecho, requiere ser precavido y gestionarlas con un buen tiempo de antelación.

En la sección Perlak del festival se agrupan películas de directores ya consagrados en el circuito de festivales. Muchos de ellos tienen un pie en el mainstream, pero se trata de cineastas con la personalidad suficiente como para distinguirse. Autores, digamos. Por eso siempe vale la pena seguirla. Este año hubo en este apartado películas de unos cuantos favoritos de la crítica especializada: Yorgos Lanthimos, Paolo Sorrentino, Jafar Panahi, Joachim Trier, Richard Linklater, Olivier Assayas, François Ozon...

La grazia, del italiano Paolo Sorrentino, fue la encargada de abrir el último Festival de Venecia, donde tuvo una muy buena recepción. El León de Oro se lo llevó Jim Jarmusch por Father, Mother, Sister, Brother’, pero Toni Servilio, actor fetiche de Sorrentino y otra vez protagonista en esta nueva película del realizador napolitano, se quedó con la Copa Volpi destinada al mejor actor.

Una revalorización de la política

En San Sebastián también hubo muy buenas reacciones. Y lo cierto es que la película lo justifica largamente. La grazia es el film más maduro y equilibrado de Sorrentino, un cineasta muchas veces barroco y desmesurado que esta vez consiguió el tono justo para la historia que quiso contar.    

Servilio está magnífico en su papel de Presidente de la República Italiana. En Italia, parte de la prensa ha observado que el personaje está, en buena medida, inspirado en quien actualmente ocupa ese cargo, el siciliano Sergio Mattarella (a propósito, otro hombre del sur del país, como Sorrentino). Igual que Mattarella, Mariano De Santis (Servilio) proviene de la Democracia Cristiana y es un moderado. Se ha dicho bastante que la película es un revalorización de la política en estos tiempos donde sufre tanto descrédito, un contexto que ha facilitado la llegada al poder de arribistas de todo pelaje. Italia sabe de este asunto por el caso de Beppe Grillo, fundador del “partido antisistema” Movimento 5 Stelle, del que terminó eyectado por sus propios militantes. Otro ejemplo desafortunado de este tipo de incursiones extemporáneas es el del comediante ucraniano Volodímir Zelenski. 

La grazia es un comentario muy inteligente sobre el tema porque nos permite empatizar con alguien que, por sobre todas las cosas, tiene tantas fortalezas como debilidades. De Santis es un ser humano real y no una idealización o una proyección de deseos y frustraciones ajenas. 

Una parte importante de esta sociedad actual en la que todos nos asumimos, por acción u omisión, más como consumidores que como ciudadanos se indigna con los políticos y reclama con las ínfulas de un cliente ofendido. No da la impresión de que llevemos una vida tan inmaculada como para ponernos en ese lugar, pero igual lo hacemos todo el tiempo. “Son todos ladrones” es el axioma más común de aquel que se queja de la política como si se hubiera suscripto a una plataforma para ver fútbol y no logra encontrar todos los partidos por los que dice haber pagado.     

La película de Sorrentino pone el foco en la etapa final del mandato de este presidente de modales elegantes y ritmos pausados que se entrega con resignación a las tediosas rutinas que le exige el protocolo y escapa visiblemente a los conflictos. Pero hay que decir que lo hace con gracia y mucha sagacidad. De Santis es un hombre que acierta y se equivoca, que mide, calcula y cambia si hace falta. Y no es necesariamente un camaleón o un oportunista. Obviamente, dependerá de la experiencia de cada espectador con la película, pero se podría decir que Sorrentino apuesta porque nos identifiquemos con De Santis sin presentarlo como un héroe indiscutible. 

Si bien desea más que nada tranquilidad y una salida decorosa del cargo, más que un epílogo cargado de gloria, De Santis debe enfrentar algunos dilemas morales en la última recta de su mandato: dos indultos a personas que ya fueron condenadas por la justicia italiana y la aprobación de una ley de eutanasia que lo enfrenta al Papa ficticio de la película, que por fin es negro, tiene rastas y maneja una moto de alta cilindrada. 

Pero lo que realmente lo tortura es no tener a su lado al gran amor de su vida. De Santis extraña a horrores a esa mujer que fue siempre su media naranja y ya no está, pero también lleva la espina clavada de una infidelidad y se aboca con mucha determinación a descubrir al tercero en discordia. Cuando finalmente se entera, no opta por la venganza, elige una actitud mucho más serena y noble. 

La película también cuenta muy bien el vínculo con una hija que trabaja con él como asesora. Es, como bien dijo el director, una historia de amor. Pero no en el sentido puramente romático. En La grazia, el amor va tomando distintas formas: el de pareja, el paternal, el filial e incluso el que requieren los buenos vínculos amistosos. La grazia también celebra explícitamente la duda (eso lo dice como declaración de principios ya de arranque) y la imperfección. Pero lo medular en la película es el amor como condición indispensable para mantener la vitalidad. Una idea candorosa, casi extravagante para la época. Aplausos de pie para Sorrentino.

Una comedia negra, muy negra

También llamó la atención Bugonia, del griego Yorgos Lanthimos, un cineasta talentoso al que le gusta mucho calzarse el traje de provocador. Más que a Sorrentino, incluso. Emma Stone y Jesse Plemons se lucen con dos actuaciones memorables en esta comedia negra –muy negra, en realidad– y por momentos grotesca que está ligeramente inspirada en una la película coreana de 2003 titulada ¡Salven el Planeta Verde!

Un apicultor afectado por la progresiva disminución de la población de abejas está convencido de que ese problema fue generado por un poderoso conglomerado farmacéutico que dirige la gélida, robótica figura corporativa que encarna Stone con un sublime despliegue de recursos. Habrá entre ellos una guerra sin cuartel porque hay otros hechos trágicos del pasado que pesan en la relación. 

Pero cuando todo indica que Teddy, el obsesivo personaje que interpreta Plemons, es solamente un fanático enloquecido por las conspiraciones que se tejen en redes sociales y el film parece encaminarse decididamente hacia la crítica mordaz, recargada de humor oscuro del clima cultural que desembocó en la inolvidable invasión al Capitolio fogoneada por Donald Trump, de pronto da un giro inquietante que suma una trama alienígena y complejiza su decodificación más superficial. 

Ambicioso, Lanthimos desarrolla su propio diagnóstico sobre este mundo acelerado y violento en el que vivimos echando mano al absurdo, lo cual obviamente tiene mucho sentido. ¿Quién no siente hoy que la misión es sobrevivir como se pueda a los exabruptos de una agotadora tragicomedia? Queda muchas veces atrapado en las trampas de su estilo grandilocuente y efectista, pero está claro que es un cineasta muy personal y osado. Y eso también se agradece.    

Lucrecia Martel y Milagros Mumenthaler, despiertan expectativa

Son muchas las películas programadas en el festival (más de 250). Inabarcable, lógicamente. Pero vale la pena contar que se exhibieron otras dos producciones argentinas muy esperadas en estos días: Nuestra tierra, de Lucrecia Martel, primero estrenada en Venecia, y Las corrientes, de Milagros Mumenthaler, también presentada antes en otro festival clase A, el de Toronto. Las dos tienen ayuda extranjera. Nuestra tierra, de Estados Unidos, México, Francia, Países Bajos y Dinamarca. Las corrientes, de Suiza, donde transcurre una parte de la historia. Este tipo de cine, que no es esclavo de estereotipos ni fórmulas algorítmicas, necesita imperiosamente que el INCAA cumpla la función para la que fue creado si no quiere correr el riesgo de languidecer.    

Las corrientes cosechó buenas críticas en Toronto. The Hollywood Reporter, por ejemplo, tituló la suya de manera elocuente: “Una mujer que lo tiene todo se deshace en una fascinante película argentina exquisitamente elaborada”. Mumenthaler evidencia la insatisfacción y la confusión por algunos traumas no resueltos que conflictúan a la protagonista con sutileza, sin subrayados. Y consigue que el ambiente de la película sea capturado por un misterio persistente que lo envuelve gracias a un sólido trabajo de puesta en escena. Cuenta con dos socios muy eficaces para esa tarea, Isabel Aimé González Sola, Esteban Bigliardi, concentrados, y muy precisos, en sugerir más que en remarcar. 

Nuestra tierra, por su parte, toma como punto de partida al asesinato de Javier Chocobar, dirigente indígena de la comunidad de origen diaguita Los Chuschagasta, ocurrido en 2009 en la provincia de Tucumán. Atacado por el terrateniente Darío Amín y dos ex policías que lo escoltaban cuando defendía pacíficamente el territorio ancestral de su comunidad frente a la explotación de una cantera, Chocobar se ha transformado en un símbolo. Eso es lo que de algún modo reafirma Martel con un documental que usa como principal puesta en escena al propio juicio oral en el que los tres agresores terminaron condenados (Amín a 22 años de prisión por homicidio agravado, por caso) pero que ahora vive una nueva etapa en la Corte Suprema de Justicia. 

La acertada hipótesis de Nuestra tierra, cuyo guión fue escrito por la directora y María Alché (actriz de La niña santa, directora con Benjamín Naishtat de la exitosa Puan), es que el caso Chocobar se inscribe como continuidad de una violencia simbólica y material que atraviesa la historia argentina desde la época colonial (con un epicentro en la sangrienta Campaña del Desierto), un tema recurrente en toda la obra de Martel, no solo en su notable adaptación de la novela Zama de Antonio Di Benedetto. 

Esta vez, la directora de joyas del cine argentino como La ciénaga y La mujer sin cabeza se mete de lleno en este tema con una contundencia inédita. Los pueblos originarios son víctimas permanentes de la marginación, la estigmatización y la invisibilización. Nuestra tierra es un gran aporte para confirmar esos graves problemas.  

Hoy, tanto Amín como los expolicías Luis Gómez y José Valdivieso esperan una instancia judicial decisiva en libertad. La persecución al cine argentino no es sólo un tema de manejo de recursos disponibles (que por otra parte son genuinos). Se trata de otra manifestación categórica de un programa ideológico que tiene una importancia mayor a la que suelen asignarle cínicos y desentendidos. 

AL/MG

En la 73ª edición del Festival de San Sebastián, la actriz Jennifer Lawrence recibe a los 35 años el Premio Donostia este viernes 26 de septiembre por ser considerada “una de las intérpretes más influyentes de nuestro tiempo”, certamen al que llega a presentar su último proyecto ‘Die My Love’.

La actriz conocida por su participación en la saga cinematográfica de ‘Los Juegos del Hambre’ como Katniss Everdeen o por su papel de Mystique en la precuela de la franquicia X-Men, tuvo una carrera desigual después de lograr el premio Oscar con tan solo 22 años.

‘El lado luminoso de la vida’ (2012)

La película dirigida por David O. Russell fue la que le valió el premio Oscar a mejor actriz en 2013 por su interpretación de Tiffany, una joven con problemas y mala reputación que aparece en la vida de Pat, interpretado por Bradley Cooper, que recién acaba de regresar de un centro de salud mental, para crear un vínculo que cambiará la situación de ambos.

‘No mires arriba’ (2021)

La que fue una de las películas de las que más se habló durante 2021, dirigida por Adam McKay y estrenada en Netflix, contó también con Jennifer Lawrence como una de sus protagonistas en el papel de Kate Dibiasky, una estudiante de astronomía que hace un descubrimiento junto a su profesor de un enorme cometa cuya trayectoria va directamente a la Tierra.

‘Winter’s Bone’ (2010)

Otro de los papeles más alabados de Jennifer Lawrence es que el que realizó con tan solo 20 años en la película ‘Winter’s Bone’, cuando dio vida a Ree Dolly, una joven que vive en una zona rural de Missouri que tiene que hacerse cargo de su familia en situación precaria y cuyo padre desaparece misteriosamente tras salir de la cárcel.

‘Joy’ (2015)

Otra cinta de David O. Russell es una de las películas fundamentales en la filmografía de Jennifer Lawrence y que le valió otra nominación al premio Oscar al dar vida a Joy Mangano, una trabajadora de Long Island que se convierte en inventora de productos para el hogar y siendo así uno de los personajes más famosos de la teletienda en Estados Unidos.

‘Escándalo americano’ (2013)

Tan solo un año después del prestigio que le supuso su papel en ‘El lado luminoso de la vida’, Lawrence participó junto a Christian Bale y Amy Adams como protagonista en ‘Escándalo americano’, que se ambientaba en el Nueva York de los años setenta, y donde volvió a coincidir con Bradley Cooper.

La esperada premiere de Belén en la edición número 73 del festival de San Sebastián no podía haber salido mejor. El film argentino de Dolores Fonzi, que acaba de estrenarse en salas de todo el país, fue saludado en su primer pase importante en este evento con un aplauso cerrado y muy prolongado del público que colmó el Auditorio del Kursaal, una sala con capacidad para 1.800 personas. Ahora habrá que esperar la decisión del jurado, que se conocerá el próximo viernes 26. Compiten por la Concha de Oro, el premio que otorga la competencia oficial, otros 16 largometrajes, entre ellos dos más de Argentina, Las corrientes, de Milagros Mumenthaler, y 27 noches, de Daniel Hendler.

Belén cuenta la historia de la valiente lucha de un colectivo social –el feminismo argentino– que tuvo fe y convicción para lograr un resultado muy concreto. Llegó a este festival en un momento muy especial para el cine argentino, que hoy no puede usar fondos que le pertenecen por decisión del actual gobierno. 

Es mucho más largo y se ha contado muchas veces, pero en pocas palabras: la plata para producir cine que llega a la caja del INCAA proviene de un impuesto que se aplica a las entradas de las salas y a la exhibición de películas en otros soportes. Hay un ley vigente que le asegura esa recaudación a este organismo público, que debe utilizarla para fomentar el desarrollo de una industria que cuenta con una larga y riquísima tradición, tiene excelentes profesionales y es valorada en todo el mundo. Pero hasta ahora la única política sistematizada de la gestión del economista Carlos Pirovano al frente del INCAA fue la de retener el dinero, en lugar de hacerlo circular.    

Es relevante resaltar que el sector estaba generando cerca de 600 mil puestos de trabajo hasta el inicio de esta crisis provocada por el gobierno de Milei sin ninguna motivación sensata. Y es en ese contexto que un premio internacional para una película argentina con una línea argumental relacionada con una dramática historia real que marcó a fuego al feminismo argentino y dirigida por una artista popular que más de una vez ha criticado públicamente al Presidente sería una noticia de alto impacto. 

En la raquítica disputa simbólica que proponen los libertarios, Fonzi es simplemente “una kuka abortera”. Cualquier triunfo que la tenga como protagonista será leído y vivido como una derrota propia. Dado que en estas últimas semanas las derrotas se fueron acumulando, otro trago amargo provocaría más inquietud en un gobierno con muchos frentes abiertos y pocas respuestas eficaces a la vista. La recepción que tuvo la película la noche del martes invita a soñar. 

La historia de Belén y la palabra de Dolores Fonzi      

En 2014, una joven tucumana de 25 años llegó al Hospital Avellaneda de San Miguel de Tucumán con fuertes dolores abdominales y sangrado. Fue atendida por una emergencia obstétrica y sufrió, según los informes médicos, un aborto esppontaneo. Pero fue denunciada por el personal de salud del hospital y terminó acusada por la justicia provincial de homicidio agravado. Le dieron ocho años de prisión después de un proceso cargado de irregularidades.

Fue la reacción de organizaciones feministas y de derechos humanos en Argentina y en el exterior las que denunciaron esa aberración y empezaron movilizaciones y campañas en redes sociales bajo el lema/hashtag “#LiberenaBelén”. La presión dio resultado y en 2017, tras estar casi tres años presa, Belén fue liberada y absuelta.

El caso marcó un antes y un después en la discusión sobre la criminalización del aborto y los derechos reproductivos en Argentina. Funcionó como un punto de inflexión que visibilizó la vulnerabilidad de las mujeres de escasos recursos frente al sistema judicial y sanitario. Y se convirtió en una bandera del movimiento feminista argentino, impulsor central de la aprobación de la Ley de Interrupción Voluntaria del Embarazo (IVE) en 2020.

Hay un valioso libro de la abogada y periodista Ana Correa que cuenta el caso al detalle. Se llama Somos Belén, tiene prólogo de la famosa escritora canadiense Margaret Atwood y fue la base del guión de la película que Fonzi acaba de estrenar en cines de toda Argentina y que este lunes 22 de septiembre tuvo su esperada premiere en San Sebastián en un momento en el que “filmar en Argentina es un milagro”, como bien dice ella.   

Dolores llegó a San Sebastián el mismo día del estreno de su película en el festival. El lanzamiento en cines de Argentina le exigió estar ahí, acompañando palmo a palmo, para potenciar la llegada al público. Sirvió, porque Belén arrancó bien en su primera semana en salas: vendió 16.700 entradas en 136 cines de todo el país y ya está claro que será una de las películas argentinas más vistas de este 2025 en el país. 

En un escenario de notable depresión en la convocatoria por la crisis económica, eso sí. Llegar a los 4 millones de espectadores de Relatos salvajes o a los 2.600.000 de El clan es hoy un sueño imposible. Así que después de trabajar en la promoción en Argentina, donde pronto también se podrá ver en Amazon, lo que también conspira contra su rendimiento en cines, Fonzi voló a España para defender su segundo largo asumiendo una tarea que por momentos la agota. “Si pudiera evitar todo lo que implica un estreno, lo evitaría. Pero la película lo necesita. Preferiría ser el Indio Solari del cine (risas). Alguien que hace su obra y no tiene que hablar con nadie porque la obra habla por sí misma. Pero también es verdad que la película finalmente termina siendo lo que es gracias a las reflexiones, a las opiniones de los demás, a las conversaciones que genera. Uno va comprendiendo su propia obra a través de los demás”.

Fonzi dice que “el gran gesto de Soledad en la película es el de la responsabilidad”. La abogada Soledad Deza, interpretada por la actriz y directora, es el eje del relato porque su actitud revela el verdadero espíritu del proyecto: “Ella fue capaz de exponerse, de poner cuerpo, de pensar mucho en algo y de hacerlo de la mejor manera posible, con las mejores personas posibles, con sentido común y con autocrítica. Por eso es un lindo ejemplo para estos tiempos en los que es muy necesario reconstruir un entramado social responsable”.

–Hablás de reconstruir porque pensás que había algo antes. Quizás no mucho, pero algo. 

–Yo no estoy identificada con ningún partido político, pero siento que la experiencia de Alberto Fernández fue una oportunidad desaprovechada. Durante su gobierno se aprobó la ley de interrupción voluntaria del embarazo, pero fue de lo poco bueno que pasó. Había una esperanza de cambio en muchos sentidos y al final no gobernó para nadie. 

–¿Y este presente de Argentina cómo lo ves?

–Es la época del divide y reinarás. La norma es el odio desparramado sin ninguna prurito contra cualquier persona que se atreva a exigir, a quejarse, a pedir, incluso apenas a decir algo. Si a alguien no le gusta lo que decís, su objetivo es callarte, bombardearte con agresiones para que no lo digas más. Y creo que ya son muchas las veces que nos estamos callando. Eso lo veo como un gran retroceso. Las agresiones de los haters son un mecanismo de censura. Es una manera de desvirtuar al otro, de ningunearlo. 

–¿Por qué creés que pasa?

–Vapulean a los movimientos colectivos organizados porque les tienen miedo. La organización les molesta, los inquieta. Y los mecanismos que usan son de terror. Se señala individualmente a quién hay que odiar y se odia a esa persona hasta que queda completamente anulada. Belén es una película que intenta recordarnos que hace muy poco tiempo tiempo la acción colectiva pudo cambiar algo importante. Pasaron apenas cuatro años de la aprobación de la ley. No podemos permitir que nos convenzan de que ese espíritu desapareció. O que no nos pertenece. Sí que nos pertenece, es nuestro patrimonio como pueblo. Y no estoy hablando solo de las conquistas del feminismo. Organizarnos para hacernos oír siempre es fundamental.   

–¿Notás que ahora hay una reacción de la sociedad?

–El resultado de las últimas elecciones me alivió un poco. Yo digo que no nos olvidemos de que podemos. Eso es clave. No estoy diciendo que todo el mundo deba salir todos los días a la calle a protestar por algo. Es lógico ser precavido si por decir algo te podés comer palazos de la Policía o una ola de insultos en las redes sociales. Pero también conseguimos cosas poniendo el cuerpo. Tenemos que recordarles a los que quieren amedrentarnos que si hace falta lo vamos a volver a hacer.

AL/MG

“Cualquier cosa en cualquier parte del mundo que divide, o que limita las expresiones y libertades de cualquier persona, es muy peligroso”, advirtió Angelina Jolie este domingo en la presentación de su nueva película, Couture, en el Festival de Cine de San Sebastián. La actriz ha sido crítica con la situación que actualmente se está viviendo en Estados Unidos. “Amo mi país, pero ahora mismo no lo reconozco”, aseguró, “son tiempos tan serios que hay que tener cuidado. Son momentos muy difíciles”.

Uno de los temas centrales de Couture es el cáncer de mama que detectan al personaje que interpreta Jolie, la directora de cine Maxine Walker, que recibe un encargo de la Semana de la Moda de París. La actriz conoce esta enfermedad de cerca, ya que tanto su abuela como su madre murieron a causa de esta; y decidió hacerse unas pruebas genéticas.

Tras comprobar los resultados, se sometió a una doble mastectomía preventiva (extirpación del tejido mamario), la extirpación bilateral de los ovarios y de las trompas de Falopio. Cuando la intérprete lo hizo público en 2013, generó lo que posteriormente fue calificado como 'efecto Jolie', por la conciencia que generó y el notable aumento del número de mujeres que siguieron sus pasos haciéndose los estudios pertinentes y posteriores intervenciones quirúrgicas.

La directora del filme, Alice Winocour, que regresa a San Sebastián seis años después de que compitiera con su inmersión en el espacio a través de Proxima; también experimentó de cerca este cáncer. “Nuestra conexión compartida va más allá del cine. Trabajar juntas ha sido sanador, y compartir ahora la película, también lo es”, reconoció al respecto Jolie, que incorporó como atrezo de su personaje un collar de su propia madre.

La actriz se emocionó al hablar de ella y reconocer que la tuvo muy presente durante toda la producción del largometraje, en el que también participó como productora. “Ojalá ella hubiera tenido esta comunidad, pudiera hablarlo de forma tan abierta como yo ahora. Y ojalá la gente responda con delicadeza, y no se sienta sola”, añadió sobre la manera en que espera que el filme sea recibido.

Couture está igualmente conectada con la ópera prima de Jolie, El niño de la bicicleta, que rodó en 2011, en cuanto a que en ambas “hay una guerra y una esperanza, un deseo de vivir una vida que esté libre de sufrimiento”. La actriz señaló que ambas forman parte de la condición humana y la existencia, por cómo ya sea estando en puntos extremos de un conflicto real o a título personal, “todos estamos unidos como seres humanos”. La intérprete celebró que el cine permita poder “entrar en un teatro oscuro, reunirte y compartir todos estos elementos”.

A la hora de valorar el trabajo interpretativo de Jolie, Alice Winocour ha descrito a la estrella de Hollywood como una “rebelde”, que se “dedica totalmente a sus personajes, se abandona y muestra su vulnerabilidad, que es más difícil que hacer escenas de acción. Mostrar lo que está por detrás del ruido de los medios”.

La moda como metáfora del mundo

La cineasta apostó por usar el mundo de la moda como escenario en el que las historias de varias mujeres se entrelazan. Además de la directora encarnada por Jolie, está una modelo de Sudán, Ada, que ha interpretado en su debut en el cine Anyier Anei; y cuyo personaje está basado en parte en su propia vida.

“Esta película es muy importante porque es la primera vez que se muestra la industria de la moda desde la perspectiva de una mujer africana. La mayoría de las veces no se habla de ello”, reivindicó la joven intérprete, que ha recordado que cuando alguien procede, como es su caso, de un país donde la vida es muy diferente, en el que no es necesario Internet o no existen líneas de ferrocarril, “caer en un mundo tan caótico como el de la moda es muy complicado”.

Alice Winocour identificó que la moda funcionaba igualmente como “una metáfora del mundo, de las apariencias, donde tienes que ocultar tus heridas”. Algo que en la película se concreta con las escenas en las que las modelos reciben retoques de maquillaje para tapar los dedos de sus pies magullados por los tacones, y que beben de su interés por hablar de la vulnerabilidad del cuerpo de la mujer en el mundo de la moda: “Los cuerpos se glorifican, pero a la vez hay una fecha de caducidad. Para mí la moda es una locura y una lucha contra el tiempo. Una especie de pulso con la muerte”.

“Israel boicot, Palestina libre”, así ha recibido este viernes la ciudad de San Sebastián a los invitados de la gala de Inauguración del festival celebrada en el Palacio de Congresos y Auditorio Kursaal. Cientos de manifestantes han protestado en contra del genocidio en Gaza con banderas, pancartas, pegatinas y haciendo sonar cacerolas.

Las estrellas han ido llegando a la alfombra roja abriéndose paso entre los protestantes, antes de la proyección de 27 noches, la película argentina de Daniel Hendler que abre el certamen.

La acción ha comenzado a las 19 horas en los aledaños del Teatro Victoria Eugenia, que también acoge proyecciones durante el festival. La protesta ha sucedido días después de que la organización emitiera un comunicado condenando las “masacres inimaginables” con las que Israel “está sometiendo al pueblo palestino”.

“Matan a población civil palestina. Matan a niñas y niños. Matan a periodistas y a personal en tareas humanitarias. Utilizan la hambruna como arma. Impiden y obstaculizan el acceso a ayuda humanitaria. Es insoportable tanta atrocidad, tanto terror. Nos invaden la rabia y el dolor ante tal injusticia”, denunciaron en el texto.

La concentración ha sido convocada por Donostia Palestina, a la que se han unido otras organizaciones como Gernika Palestina, Artistas por Palestina, BDS, BDZ y la Unión de Actores Vascos.

“No es una guerra, es un genocidio” y “Netanyahu asesino' son otros de los gritos que han pronunciado los protestantes, que han aprovechado para hacer ruido golpeando las vallas publicitarias que acompañan la calle con los carteles de las películas que participan en el festival.

Dos mujeres esperan alteradas dentro de un coche a alguien que llega tarde. Un 'alguien' que pronto se descubre que son los empleados de un centro psiquiátrico. Los llamaron para que internen a su mamá. “¿Ella sabe lo que va a pasar?”, preguntan a las hijas. La respuesta es que no. Temen su reacción, pero para cuando por fin suben a su casa, ella está vestida y preparada para ir a lo que se supone que es una prueba médica, pero que tiene como fin cercar su libertad. Así arranca 27 noches, la película inaugural del Festival de San Sebastián, que empezó este viernes su 73ªdición, desafiando las normas que se imponen sobre la salud mental en la vejez.

Su director, el uruguayo Daniel Hendler, hace doblete en el certamen, presentando igualmente en la sección de Horizontes Latinos Un cabo suelto. Ambas cintas ejemplifican el protagonismo que el Zinemaldia concede al cine argentino. Una industria que se está viendo resentida desde que su presidente Javier Milei limitara el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) en abril del año pasado.

“El 90% de las películas argentinas que participan en el festival fueron producidas con financiamiento anterior a este Gobierno, u originales de plataformas como es nuestro caso con Netflix o Belén, de Dolores Fonzi, que cuenta con Amazon”, declaró en la conferencia de prensa posterior a la proyección Agustina Campbell, productora de 27 noches. Lamentó que “literalmente”, en el último año, “no se produjo ninguna película con apoyo del gobierno nacional. Es probable que el año que viene en este y otros festivales la presencia del cine argentino sea cada vez peor”.

Aunque describió la situación como “muy dramática”, lanzó un mensaje de ánimo, asegurando que tienen “capacidad para seguir adelante y reinventarse”. Santiago Mitre, coproductor del filme, señaló que “los recursos están, solo que no van al cine”. Hendler definió como “llamativo” que parezca que “hay una voluntad de interrumpir algo que funciona y funcionaba bien, por cómo se articulaba lo privado y lo público”, además de poner en duda que estos recortes hacia el cine tienen que ver con que el Gobierno esté “confundido con el valor de la cultura”.

El cuidado como “ejercicio de control”

Las 27 noches del título de la película de Hendler hacen referencia a la cantidad de días que Martha Hoffman (Marilú Marini), la mujer de 83 años que protagoniza el film, pasa internada en un centro psiquiátrico en contra de su voluntad. Sus hijas deciden internarla porque consideran que “perdió la cabeza” por estar celebrando muchas fiestas con sus amigos vinculados al mundo del arte, al tiempo que según ellas “despilfarra” su dinero y posesiones, regalando obras de altísima cuantía. Una de las más codiciadas es una escultura de Dalí que, aseguran, desapareció.

El cineasta pone el foco en el vínculo que se establece entre esta adinerada 'reclusa' y Casares, el perito que asignan –y que encarna el propio director– para saber si el internamiento se trata de un plan de las hijas para controlar su fortuna, o si realmente padece algún tipo de demencia.

“Teníamos el desafío de hablar de este borde entre lo que se entiende como salud o no salud, y que deja a algunas personas excluidas de la sociedad, y sus normas”, reconoció Hendler, “y ahí está Martha, que desafía a entender otros posibles límites”. El personaje lo hace comportántose “no como se espera”, sino que es una mujer que decidió disfrutar de su libertad hasta el final: “Ella es ante todo una rockera que no está dispuesta a bajar los brazos y quiere bailar con sus amigos hasta el último día”.

Los cuidados son el gran eje del film, ahondando en “el sistema de control que pone el foco más en el que cuida o controla a estos excluidos del sistema, los que se quedan fuera de lo que se considera la salud”. “El proyecto nos brindaba la posibilidad de entender a alguien que quiere vivir la vida hasta el último momento en libertad, y no está dispuesto a circunscribirse a esos límites”. Y explorar, como apuntó Campbell, a que “el cuidado no sea un ejercicio de control ni de poder, que muchas veces sucede cuando se cuida a adultos mayores o a niños”. En contraposición a esta postura, pone el foco en “entender qué es lo que la persona necesita para ser protegida”.

La cineasta argentina Milagros Mumenthaler (Córdoba, 1977) competirá por vez primera por la Concha de Oro del Festival de Cine de San Sebastián con su tercer largometraje, Las corrientes, una producción suizo-argentina protagonizada por Isabel Aimé González Sola.

El certamen, uno de los más prestigiosos del ámbito hispanohablante y el principal de España, anunció este martes los cinco primeros títulos extranjeros que competirán junto a las cuatro películas españolas ya desveladas. La edición de este año se celebrará del 19 al 27 de septiembre.

Las corrientes narra la historia de una mujer que, en medio de una travesía física y emocional, debe enfrentarse a un pasado que creía haber dejado atrás, y se estrenará mundialmente en el Toronto International Film Festival, del 4 al 14 de septiembre.

El Festival de Locarno (Suiza) acogió los estrenos de las dos primeras películas de Mumenthaler: Abrir puertas y ventanas, de 2011, que ganó el Leopardo de Oro, y La idea de un lago, que en 2013 fue uno de los proyectos del Foro de Coproducción Europa-América Latina del festival de San Sebastián. Ambas formaron parte de la programación de la sección Horizontes Latinos del certamen español.

Además de la realizadora argentina, competirán este año por el máximo galardón de San Sebastián la polaca Agnieszka Holland, con Franz; la francesa Alice Winocour, con Couture, protagonizada por Angelina Jolie y Louis Garrel; su compatriota Arnaud Desplechin, con el drama musical Two Pianos; y los japoneses Kentaro Hirase y Yutaro Seki, con SAI: disaster.

Estos cinco títulos se añaden a las cuatro cintas españolas ya anunciadas: Maspalomas, de Jose Mari Goenaga y Aitor Arregi; Historias del buen valle, de José Luis Guerin; Los Tigres, de Alberto Rodríguez, y Los domingos, de Alauda Ruiz de Azúa.

La cita con Leonardo Sbaraglia es en el lujoso hotel María Cristina de San Sebastián, un hermoso edificio de la belle époque inaugurado en 1912 y por cuyas habitaciones han pasado León Trotski, Mata Hari, Maurice Ravel, Coco Chanel, Bette Davis, Audrey Hepburn, Alfred Hitchcock, Steven Spielberg y Mick Jagger.

Sin embargo, alejado por completo del glamour de semejantes huéspedes, el actor recibe a elDiarioAR con un té de carqueja en la mano (habrá un “debate” entre entrevistador y entrevistado respecto de cuándo y cómo es mejor tomarlo) y una fuente de frutas. Así de descontracturado será el diálogo sobre su interpretación del periodista José de Zer en “El hombre que amaba los platos voladores”, película que compitió en la sección oficial del reciente festival de San Sebastián, que Netflix estrenará el 18 de octubre y que ya se está proyectando en el Atlas Caballito (única sala), pero también sobre su presente artístico y personal, así como su mirada del cine y del país.

A los 54 años, Sbaraglia atraviesa el mejor momento de su carrera con exigentes y potentes actuaciones como las de “Errante corazón” (2021) o “Puan” (2023). Ya sea en papeles secundarios como el de “Blondi”, en comedias como “Hoy se arregla el mundo” y en series españolas como “Todos mienten”, “Élite” o “Las Azules” ha expuesto una variedad de recursos, una ductilidad y un desenfado que no tenía (o escondía) durante su juventud.

Pero hay otra faceta que ha marcado los hiperactivos últimos años de Sbaraglia: la de encarnar en la ficción a personajes reales. Fue Guillermo Coppola en la miniserie “Maradona: sueño bendito”; Álvaro Torres (inspirado en el empresario Marcelo Romeo) en “El gerente”, ahora interpretó a José de Zer, un periodista sensacionalista que batió récords (más de 50 puntos de rating) en el noticiero Nuevediario con sus delirantes informes de, por ejemplo, presencia extraterrestre en el cerro Uritorco, próximo a la ciudad cordobesa de Capilla el Monte; y en breve lo veremos como Carlos Saúl Menem en la serie de Amazon Prime Video dirigida por Ariel Winograd.

—Hay un debate histórico respecto de qué debe priorizar un actor a la hora de interpretar a un personaje real: está la obsesión por la imitación, la mimetización, mientras otros apuestan por crear algo no tan exacto en cuanto a la voz o la gestualidad, pero que tenga vuelo propio ¿Cómo encarás en tu caso la preparación y la construcción de ese tipo de papeles?

—Sobre Menem hay muchísimo más material y además la gente lo tiene más incorporado. En cambio, mucha gente (sobre todo joven) no tiene idea de quién fue José de Zer. Estábamos en la duda respecto de si apostar a algo más realista o no. Nunca busco imitar porque para eso están los imitadores. Las escenas te obligan a una interpretación y en este caso era difícil ir encontrando el tono, el punto justo. En ese sentido, ensayamos un par de meses antes de ir al rodaje, algo que a mi me parece muy importante. En esto también hay varias teorías: hay directores que no creen en el ensayo, prefieren ir de forma directa al la filmación y trabajar ahí. A veces, no hay tiempo ni dinero, pero yo agradezco cuando un realizador me propone ensayar mínimamente un mes para establecer un lenguaje, encontrar una base con el director.

En un principio era víctima de cierto encorsetamiento por la compulsión de transformarme en un actor más serio, en salir del rol de galancito que tuve entre los 20 y los 30

—¿El enfoque es muy diferente respecto de cuando el personaje es puramente ficcional?

—Sí, muy diferente. He visto todos los videos disponibles de José (de Zer). Los escuché mil veces tratando de encontrar el lugar en la garganta, en su energía, en su alma. Era un tipo de un enorme histrionismo, de apariencia fuerte, pero en el fondo también muy frágil. Teníamos que contar cómo era alguien muy ansioso, que tomaba muchos ansiolíticos para bajar, que tenía mucho fuego, que fumaba cualquier cantidad, que casi no comía ni dormía. Son elementos que te ayudan a construir, no solo es verlo a él en un video, hay que entrar en una frecuencia diferente. Yo tengo una personalidad más sosegada. Se trata de conseguir lo que te pide cada escena y luego en el rodaje todo se va enhebrando. La composición va penetrando en todo, te va absorbiendo. Yo me veo en las primeras escenas que rodamos -que como en el cine nada es cronológico la gente no se da cuenta, pero yo sí- que me faltaba algo y que en las últimas escenas toda esa esencia está mucho más incorporada. Hay un proceso de mímesis. Todo se termina cocinando, cuajando. Al principio vas buscando, vas tanteando. Yo lo escuchaba a José con los auriculares hasta un minuto antes de rodar con la obsesión de encontrar la voz y al mismo tiempo de no lastimarme la garganta. Diego (Lerman) me decía: “Ya basta, encontremos a nuestro De Zer”. Es como cuando vas al jardín de la mano de tu mamá, ella te suelta y te dice que tenés que entrar solo.

—Durante mucho tiempo se te veía obsesionado porque se te reconociera como un actor de prestigio, se te notaba demasiado preocupado o pendiente del qué dirán. Ahora, se te percibe con una madurez mucho más liberada, más suelta. En “El hombre que amaba los plastos voladores” das rienda suelta al humor, cantás canciones de Pimpinela y Alberto Cortés ¿Cuándo, cómo y por qué se produjo ese clic?

—Sí, fue un proceso que me lo comentó mucha gente y que se potenció en los últimos 10 años de mi vida. En un principio era víctima de cierto encorsetamiento por la compulsión de transformarme en un actor más serio, en salir del rol de galancito que tuve entre los 20 y los 30, allá en la década de 1990. De golpe, estaba trabajando con Alfredo Alcón y tenía que demostrar que estaba a la altura. Luego me vine a España y me ayudó mucho en eso de romper el molde porque acá se ríen mucho más de sí mismos. Y la vuelta a la Argentina me encontró también en cuestiones personales con cierta madurez, pude soltar la mano de aquellos actores que yo creía que me hacían bien y hoy sigo en la búsqueda. El crecimiento personal y el profesional van siempre de la mano, la libertad se manifiesta en ambos terrenos de forma simultánea. Es de ida y vuelta porque a veces cosas del trabajo te ayudan a romper barreras en lo personal.

—¿Cómo fue interpretar a Menem?

—Esa experiencia me permitió ampliar el rango de exploración, iluminar otros lugares expresivos míos en los que no había incursionado, estar más lanzado, asumir más capacidad de riesgo. Mi espectro de búsqueda o de musculación se expandió. Fui al gimnasio de la imaginación. Me habilitó a jugar. Los personajes viajan conmigo durante muchísimo tiempo. Hay que escuchar para aprender, para estimularse, para ilusionarse, para vitalizarse, para desear, para mejorar como actor y como persona. En lo personal voy creciendo y los distintos personajes dialogan con mi propia vida. En un gran porcentaje mi trabajo es mi vida y mi vida es el trabajo.

—¿Y qué te interesó en especial de un personaje con tantas facetas y posibilidades histriónicas como José de Zer?

—En principio, las ganas trabajar con Diego, de quien me había encantado “La mirada invisible”, en un guion que era estupendo y con una historia que habla de cosas originales y personales, que es misteriosa, metafórica y poética porque va más allá de lo que podemos ver o entender. Un personaje que va encontrando nuevos mundos, que debe lidiar con ataques, con la enfermedad y con la muerte, pero que también tiene que ver con lo lúdico, con la luz y la sanación. La experiencia de filmar en un pueblo minero como La Carolina en San Luis, que tiene apenas 150 habitantes, que parece detenido en el tiempo y en el que ocurrieron muchas tragedias, fue increíble, no hay tantas así en la vida y por eso estoy muy agradecido.

—La película daba para la parodia y hasta la sátira, pero ustedes decidieron iluminar otras zonas.

—José a su manera perseguía cosas legítimas, su verdad. Lo catalogaron como un farsante, pero todos nos sentimos alguna vez así, un poco farsantes y al mismo tiempo persiguiendo alguna verdad. Me tuve que creer su discurso, su costado medio mesiánico, cierto esoterismo, entrar en el juego de alguien que estaba todo el tiempo corriendo los límites de la realidad, que pone en cuestión qué es la verdad, la realidad, la locura. Cuántos locos hoy están en lugares muy importantes. En el arte tenemos todos los permisos para llevar esa locura hasta donde dé el verosímil. Conocí a muchas personas que habían trabajado con él en el canal y también a su hija Paula, que me habló con muchísimo cariño y amor de su papá. La gente le tenía mucha admiración. Toda la gente con la que hablamos nos decía “es un capo”, las cosas que hacía, la capacidad inventiva, de imaginación, de resolución, de agilidad que tenía ese hombre. Fue un pionero de muchas cosas en la televisión.

—Desde la pandemia filmaste cerca de 20 proyectos entre películas y series, tanto en España como en la Argentina; una continuidad encomiable que ahora está en riesgo porque la industria audiovisual local está prácticamente parada.

—Hace 40 años que me rompo el alma como actor, que trato de defender mi oficio con la mayor dignidad. Yo voy a seguir trabajando porque hay proyectos con plataformas de streaming (N. de la. R. “Las maldiciones”, serie de Netflix dirigida por Daniel Burman sobre libro de Claudia Piñeiro), pero hoy -como dije en la conferencia de prensa acá en San Sebastián- se trata de salvar al cine y sobre todo, a la Argentina. El cine, la cultura, el arte siempre ha encontrado infinitas maneras de lucha, de resistencia y de expresión. Lamento que no haya voluntad de diálogo por parte de un gobierno que se dedica a combatir a un cine que es maravilloso, reconocido en todo el mundo por su calidad y diversidad, a una industria que da de comer a miles de familias. Claramente no se trata de una cuestión económica sino de una decisión política, generando un escenario de conflicto que no iniciamos los artistas. Es realmente muy triste.

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La película más controvertida (y también una de las mejores) de esta 72ª edición terminó ganando el máximo galardón. Se trata de “Tardes de soledad”, documental del catalán Albert Serra que generó protestas en la entrada de los cines por parte de los grupos de defensores de animales porque describe con crudeza (pero también con un inmenso nivel artístico) las corridas, centrándose sobre todo en la figura del torero peruano Andrés Roca Rey.

El triunfo de Serra, director de “Honor de cavalleria”, “El cant dels ocells”, “Historia de la meva mort”, “La mort de Louis XIV”, “Roi Soleil”, “Liberté” y Pacifiction, fue la consagración para una representación española que también obtuvo el premio a Mejor Actuación (Patricia López Arnaiz por “Los destellos”, de Pilar Palomero) y el de Mejor Dirección para Pedro Martín Calero por el film de terror “El llanto”.

Precisamente Calero fue uno de los varios premiados que subieron al escenario de la inmensa sala Kursaal y reivindicaron al cine argentino. El realizador explicó que “El llanto”, su ópera prima, es una coproducción con la Argentina que se rodó en buena parte en la ciudad de La Plata, tuvo apoyo del INCAA y contó con mitad de elenco artístico y actoral de nuestro país. “Me siendo honrado por de alguna manera ser parte de ese cine”, aseguró.

El discurso más potente, de todas formas, fue el del actor Nahuel Pérez Biscayart, quien recibió el premio a “El Jockey” como Mejor Película de la competencia Horizontes Latinos. “Las películas que me hicieron actor las filmé principalmente en Argentina y todas tuvieron el apoyo del INCAA. Si pude ser actor es porque mi país cree en la fantasía y se armaron estructuras para que esas fantasías puedan ser plasmadas, como por ejemplo la Ley de Cine. Como muchos de ustedes sabrán, y hay que repetirlo, el Gobierno argentino está empecinado en llevar a cabo un plan de destrucción de la industria nacional y con eso se lleva puesto también a la cultura y al cine argentino. Se creen muy pillos y muy militantes de la libertad, pero detrás de ese autoengaño en el que viven, de ese odio que profesan, no hay ninguna libertad; hay simplemente una profunda soledad. Podrán intentarlo, pero no nos van a destruir, no vamos a borrar nuestra memoria ni nuestro futuro. Sepan que todo el amor que nos produce juntarnos para filmar las películas de nuestro país será siempre mucho más fuerte que todo desprecio. Gracias por este premio que demuestra que el cine argentino se ve, gusta, se exporta, agrega valor, atrae inversiones y deja dinero en el país. Sí, para estos que solo ven las cosas con ojos mercantilistas”, aseguró en medio de una ovación.

El festival, que ya había organizado el martes último una jornada en apoyo al cine argentino, dedicó un largo segmento de la ceremonia -transmitida en directo por la televisión pública española (TVE)- a recopilar opiniones de varios realizadores, productores e intérpretes de nuestro país presentes este año en San Sebastián y cerró el especial con un video enviado por Ricardo Darín agradeciendo tantas y tan contundentes muestras de solidaridad.

Además de las estatuillas a “El llanto” y “El Jockey”, el cine argentino obtuvo este año el premio Sebastiane a películas de temática LGTBIAQ+, que recayó en “Reas”, de Lola Arias, una mezcla entre documental, film experimental y musical interpretado por quienes estuvieron presas y ahora, en libertad, pudieron viajar a esta ciudad del País Vasco y recibir la distinción.

El palmarés oficial se completó con el Premio Especial del Jurado para el elenco de “The Last Showgirl”, película de Gia Coppola (nieta de Francis Ford) que tiene como protagonista a Pamela Anderson (en la actuación de su vida) como una veterana bailarina de un show de cabaret en Las Vegas que está a punto de quedarse sin trabajo. Las propias Coppola y Anderson subieron emocionadas al escenario a agradecer el galardón.

Por su parte, la portuguesa -radicada en Escocia- Laura Carreira compartió con Calero la estatuilla a Mejor Dirección por “On Falling”, su extraordinaria ópera prima producida por Ken Loach que narra la cotidineidad de una mujer portuguesa (Joana Santos) que trabaja en un depósito de una compañía tipo Amazon o Mercado Libre en condiciones laborales muy “desreguladas”. Finalmente, el francés François Ozon consiguió dos premios con “Quand vient l'automne” (“Cuando cae el otoño”): el de Mejor Guion y el de Mejor Intérprete Secundario para Pierre Lotin.

Más allá de los premios (fue muy bueno el palmarés por parte de un jurado en el que participó la escritora argentina Leila Guerriero), la 72ª edición tuvo distinciones a la trayectoria para Pedro Almodóvar -con la presencia del presidente español Pedro Sánchez en el evento-y para la actriz australiana Cate Blanchett; y otras visitas ilustres como las de Monica Bellucci, Johnny Depp, Andrew Garfield, Isabelle Huppert, Noémie Merlant, Ángela Molina, Franco Nero, Lupita Nyong’o, Charlotte Rampling, Tilda Swinton y de directores como Jacques Audiard, Tim Burton, Sean Baker, Edward Berger, Leos Carax, Costa-Gavras, Audrey Diwan, Arnaud Desplechin, Mati Diop, Coralie Fargeat, Payal Kapadia, Dea Kulumbegashvili, Mike Leigh, Joshua Oppenheimer, Mohammad Rasoulof, Walter Salles o Paolo Sorrentino, por citar solo algunas.

A nivel artístico, además de las excelentes retrospectivas sobre cine policial italiano y sobre cine cubano con muchas copias restauradas para la ocasión, se vieron gran cantidad de películas sobre el tema de la muerte digna, enfermedades, degradaciones, cuidados paliativos y eutanasia: desde “La habitación de al lado”, brillante film de Almodóvar con Tilda Swinton y Julianne Moore; hasta “El último suspiro”, del nonagenario Costa-Gavras, pasando por la citadas historias de Pilar Palomero y François Ozon, la china “Bound in Heaven”; el film de clausura “We Live in Time”, con Florence Pugh y Andrew Garfield; y varios títulos más que se dieron en otras secciones (“Los últimos románticos”, “My Eternal Summer”, “Regretfully at Dawn”, “Los domingos mueren más personas”, “Por todo lo alto”, “Oh Canadá” y “Cuando las nubes esconden las sombras”).

En el antepenúltimo año al mando de José Luis Rebordinos, director desde 2011, San Sebastián se ha consolidado con esta 72ª edición como uno de los grandes festivales europeos. Nunca llegará a ser como Cannes, Berlín ni Venecia, pero luego de ese tridente aparece con dignidad una muestra que tiene muchos recursos, una buena y variada programación, mucho apoyo del público y sponsors, y una excelente organización (sumada a una predisposición poco frecuente a solucionar cualquier detalle o imponderable que pudiera surgir). Un festival orgullosamente progresista y humanista (el único spot que se vio siempre antes de las proyecciones es sobre la Agenda 2030) en un mundo que no deja de girar hacia la derecha. Sí, hoy por hoy, una auténtica rareza.

DB/DTC

La película argentina El jockey, dirigida por Luis Ortega y protagonizada por Nahuel Pérez Biscayart y la actriz española Úrsula Corberó, ganó este sábado el Premio Horizontes Latinos del 72 Festival de San Sebastián. 

El Jockey representará a Argentina en la carrera por los Premios Oscar, de la Academia de Hollywood, y los Goya, de la Academia del Cine español.

El filme cuenta la historia de un jockey legendario con un comportamiento autodestructivo que pone en peligro su vida y su relación con su novia, y que termina siendo perseguido por un grupo peligroso.

Uno de los actores que participó de la película fue Daniel Fanego, que murió el pasado 19 de septiembre, por lo que todo el equipo le dedicó un cálido homenaje durante su estreno del pasado sábado en San Sebastián.

CRM con información de la agencia EFE

La trituradora de carne que es Hollywood destrozó unas cuantas carreras de actrices por la presión de tener un físico perfecto para ser sexualizadas por la cámara. La lista de actrices que fueron fagocitadas por la industria es eterna, y muchas terminaron en el ostracismo absoluto. Pero los tiempos cambiaron, y el cine vive un momento en el que hay una revisión, gracias a la nueva ola del feminismo de los últimos años, hacia cómo se trata el cuerpo de las mujeres en el cine y en intentar buscar bellezas y figuras no canónicas como protagonistas.

Es curioso que este año hayan coincidido tres películas -y ojo, las tres dirigidas por mujeres- que rescatan a estrellas que sufrieron dicha presión, y que incluso la integran en sus tramas. En Cannes se vio La sustancia, el filme de Coralie Fargeat que recupera a Demi Moore como una estrella de un programa de aeróbic que es sustituida por, literalmente, una versión joven de sí misma. En Venecia estuvo Babygirl, que aunque plantea si la sumisión puede ser una práctica feminista cuenta con una Nicole Kidman a la que se ve poniéndose bótox y recibiendo las bromas de sus hijos por ello.

Ahora, en San Sebastián, fue el turno de Pamela Anderson. La jugada en este caso es más arriesgada todavía, porque ella nunca fue una estrella de Hollywood tal cual, sino más una celebrity a la que la parte más baja de la industria explotó su cuerpo para venderlo como reclamo en subproductos como Baywatch, , Barb Wire y numerosas portadas de revistas para adolescentes con las hormonas desatadas.

Ella es la protagonista de The last showgirl, el filme de Gia Coppola, la nieta del director de El Padrino que bebe más del estilo de su tía Sofía que del de su abuelo para contar la historia de una cabaretera de un show de Las Vegas que se enfrenta al cierre del espectáculo en el que baila. Ella es Pamela Anderson, que venía desde Toronto envuelta en piropos por su interpretación y hasta peticiones de una nominación al Oscar. Anderson está más que correcta en este papel, sí, pero lejos de ofrecer un trabajo que merezca la atención de los premios.

Es digno de alabar que Coppola haya ofrecido este perdón en forma del mejor papel de su vida, y que ella se entregue mostrando facetas y registros desconocidos hasta ahora, pero el filme no pasa de una anécdota. Es una película bonita y correcta cuyo principal acierto es la dignidad, el cariño y la empatía con la que mira a su protagonista. No la juzga, no la envuelve en un miserabilismo trágico, sino que la mira a los ojos, y eso no es tan fácil.

A su lado en el filme se encuentra Jamie Lee Curtis, divertida como otra bailarina de Las Vegas a la que también juzgan por su físico y su edad. Un papel de esos que encanta a la actriz en esta última etapa, ya que la permite lucirse con un toque mamarracho -ese Total eclipse of the heart es la mejor muestra- tan efectivo y que tanto gusta a la gente.

Me perdí algunas décadas. De Baywatch y Playboy hasta ahora, es como si no recordara lo que pasó en el medio

Pamela Anderson — Actriz

Pamela Anderson se convirtió en la estrella de la última jornada del festival, y aunque no fue especialmente crítica con Hollywood sí que confesó que pensaba que a estas alturas ya no iba a poder demostrar su talento. “Me perdí algunas décadas. De Baywatch y Playboy hasta ahora es como si no recordara lo que pasó en el medio. Fue una bendición que llegara este proyecto, nunca es demasiado tarde. Yo estaba en el jardín haciendo mermeladas cuando me llamaron. Siempre supe que era capaz de hacer mucho más y pensé que quizás esta era la única oportunidad de hacer un papel así, pero ahora, a mi edad, sé que puedo hacerlo”, dijo en la conferencia de prensa del filme.

Anderson explicó que en su carrera había dudado de sí misma y de los demás muchas veces, y que por eso este papel la sorprendió: “Me encantó el papel, es algo que me toca de cerca. Cuando leí el guion, me sorprendió, nunca me habían ofrecido un papel como este y estaba muy emocionada. Me atraía la relación de madre e hija, y también cómo se gestionan tus sueños en este negocio”. Un personaje con el que se identificó desde el primer momento y que construyó basándose en su “experiencia personal y tratando de encontrar formas de resumir toda la vida, que es casi imposible de articular, por la que pasé, ya sabés, desde Playboy hasta Baywatch”. “Estoy muy agradecida de haber tenido esta experiencia, porque siempre supe que era capaz de mucho más. Creo que simplemente no tenía nada que perder. Y me sentí tan atraída por este proyecto porque pensé que esta podría ser la única oportunidad de poder hacer algo así. Así que realmente me inspiré en la experiencia y en todas mis experiencias: mis matrimonios, mis hijos, mi vida, mi carrera… así es cómo funcionó. Fue adictivo y divertido”, añadió.

A sus 57 años sabe que su carrera “trató de lo físico”, pero también ha aprendido a “no ser definida por lo que la gente dice”, sino por lo que ella hace. “He aprendido a tener pasión, a no amargarme, a no cansarme, ha encontrar alegría en el proceso, en la vida y en este negocio. Ese es otro rasgo que me unía al personaje”. También dejó una interesante metáfora sobre cómo veía Las Vegas: “Durante el día es como una mujer sin maquillaje. Es más vulnerable, más revelador y más íntimo”. 

JZ/CRM

Pocos festivales en el mundo le dedican desde siempre tanto espacio al cine argentino como el de San Sebastián, pero lo de este año ha sido inédito no solo en cantidad de películas seleccionadas en las diversas competencias (16), films en distintas etapas de desarrollo dentro de los apartados de industria (10) e invitaciones (a cargo de o gestionadas por la propia organización) sino también en la visibilización de su crisis. Por eso, le ha dedicado buena parte de la jornada de este martes 24 a difundir la situación y a manifestar de forma institucional su apoyo incondicional a la industria audiovisual nacional.

La elección del día no ha sido casual. Hoy se proyectó en el Kursaal 1, la sala más importante de la imponente sede del festival, “El hombre que amaba los platos voladores”, película de Diego Lerman con Leonardo Sbaraglia como el periodista sensacionalista José de Zer (aquel que rompía récords de rating en el noticiero Nuevediario con sus “investigaciones” sobre presencias extraterrestres en el cerro Uritorco) que compite por la Concha de Oro de la sección oficial; y también hoy se exhibió “Traslados”, el documental de Nicolás Gil Lavedra sobre los denominados Vuelos de la Muerte que el festival eligió como parte de esta movida política.

Lerman y Sbaraglia se presentaron por la mañana en la conferencia de prensa junto al resto del equipo de “El hombre que amaba los platos voladores” y no ahorraron críticas contra la política cinematográfica, cultural y general del gobierno de Javier Milei.

“Tenemos un cine del cual nuestros gobernantes y el presidente Milei deberían sentirse orgullosos, películas diversas elogiadas en todo el mundo, una industria que funciona, que da trabajo a miles de familia, pero la voluntad política esta siendo ciega, no hay apuesta al diálogo. Se ha generado un escenario de conflicto que nosotros no iniciamos. Duele ver cómo destruyen una industria”, opinó Sbaraglia.

Por su parte, Lerman, director de “Tan de repente”, “Mientras tanto”, “La mirada invisible”, “Refugiado”, “Una especie de familia” y “El suplente”, agregó que la situación del cine argentino es de “incertidumbre total, parálisis, tristeza e impotencia. Somos una generación que creció con la Ley del Cine y duele ver este ataque sistemático y violento”.

Luego fue el turno de un acto en las escalinatas de acceso al Kursaal 1 en el que la comunidad cinematográfica internacional acompañó a la delegación argentina, que incluyó a representantes de todas las películas presentes en esta edición, para una foto grupal. José Luis Rebordinos, director de la muestra, leyó una declaración oficial del equipo que lidera y cuya frase final es toda una declaración de principios: “Hoy, el Festival de Cine de San Sebastián como manifestación cultural que es, no puede permanecer al margen del desmantelamiento de una cinematografía que es de las más importantes de América Latina por parte de un gobierno que, además, justifica a una dictadura militar que asesinó a miles de ciudadanos ¡Aguante el cine argentino!”.

Luego de la lectura del texto también en euskera e inglés (aquí se manejan los tres idiomas de manera igualitaria), fue el turno de la directora y dramaturga Lola Arias, la actriz y cineasta María Alché y la intérprete Maricel Alvarez, quienes leyeron un duro comunicado de los artistas argentinos: “En la próxima edición de San Sebastián no habrá 26 películas. Probablemente haya 5, 2, ninguna. Imaginemos lo que eso significa en los cines de la Argentina, sin películas nacionales que proyectar, en las que nuestro público pueda verse, pensarse. Al igual que la ciencia, la universidad pública, los jubilados, el cine es una moneda de cambio más en una guerra cultural que a nadie beneficia y que no aporta nada a la nación. Más bien parece una cortina de humo para distraer a la sociedad en una economía donde día a día se hace más difícil acceder a las cosas más elementales, generando hambre, ignorancia y odio. Esto es parte de la agenda de un gobierno ultraliberal que intenta promocionar como libertad la destrucción de nuestra memoria y nuestra soberanía cultural”.

Luego del acto y de un cóctel para la delegación argentina organizado por el festival, elDiarioAr conversó con Diego Lerman en una entrevista realizada en el histórico hotel María Cristina de esta ciudad minutos antes de la función de gala de su flamante película. “El hombre que amaba los platos voladores no se podría hacer en el actual contexto. En ese sentido, el financiamiento por parte de Netflix fue la clave para un proyecto de esta envergadura con un extenso rodaje en pueblos de San Luis o en desiertos de Mendoza, con una minuciosa reconstrucción de época, mediados de los años '80, o con un soundtrack que incluye temas de Charly García y Sumo. No sé de qué manera, con las plataformas de streaming o de forma totalmente autogestiva e independiente mientras el INCAA siga paralizado, pero seguiremos haciendo cine. Si atravesamos y superamos la crisis de 2001 no tengo dudas de que vamos a resistir esta”, concluyó.

DB/JJD

El actor argentino Leonardo Sbaraglia, que participó este martes en un acto de apoyo del festival de San Sebastián al cine argentino, lamentó la ausencia de diálogo por parte del Gobierno del ultraliberal Javier Milei con un sector del que “debería sentirse orgulloso”.

“Tenemos un cine del cual nuestros gobernantes y el presidente deberían sentirse orgullosos pero la voluntad política está siendo ciega”, dijo en rueda de prensa en el certamen, donde presentó en competición en sección oficial la película 'El hombre que amaba los platos voladores', junto a su director, el también argentino Diego Lerman.

“Lo último que queremos es hablar de política en una conferencia de prensa sobre nuestra película, pero se ha generado un escenario de conflicto que nosotros no iniciamos”, aseguró el actor.

Sbaraglia recordó que el cine es una industria que funciona: “Yo hace 40 años que me rompo el alma como actor para tratar de hacer mejor las cosas”, subrayó.

Al mismo tiempo, insistió en que no es solo el cine argentino el que está en peligro, sino todo el país. “El cine va a encontrar su manera, vivimos una crisis tremenda en 2001 y la cultura siempre ha encontrado infinitas maneras de resistencia”, manifestó.

Por su parte, Lerman dijo que la situación del cine argentino es de “incertidumbre total”, de “parálisis” y de “tristeza e impotencia”.

“Somos una generación que crecimos con la ley del cine y al ver este ataque sistemático y violento intentamos defendernos con nuestras películas, pero desde la convicción de que vamos a seguir haciendo cine, no sé de qué manera”, agregó.

Desde la llegada de Milei a la Presidencia argentina en diciembre pasado, su Gobierno ha implementado fuertes recortes contra la industria del cine, especialmente contra el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), encargado de las subvenciones.

En esta edición del festival de San Sebastián el cine argentino está representado por 16 películas en las diferentes secciones.

“El riesgo es que el año que viene no haya películas”, advirtió Lerman en declaraciones a EFE, porque las películas que están hoy son las que se empezaron a hacer hace un tiempo atrás, la cadena es bastante larga y hoy está interrumpida“.

“Pasaremos de 26 a cero películas argentinas”

El Festival de San Sebastián celebró este martes un acto de apoyo al cine argentino contra las medidas de desmantelamiento de la industria del Gobierno de Javier Milei, que podría provocar que la presencia de películas argentinas pase de 26 a cero en la próxima edición.

“En esta edición hay 26 películas argentinas, en la próxima probablemente haya cinco, dos o ninguna”, dijo en nombre de los artistas la directora argentina Lola Arias, directora de 'Reas'. “Imaginemos lo que eso significa en los cines de la Argentina, sin películas nacionales que proyectar, en las que nuestro público pueda verse y pensarse”, añadió.

El actor Leonardo Sbaraglia, los directores Diego Lerman ('El hombre que amaba los platos voladores', de la sección oficial) e Iair Said ('Los domingos mueren más personas', de Horizontes Latinos) o el elenco de la película 'Reas' estaba entre el numeroso grupo de cineastas y artistas que se concentraron en las escaleras del cine Kursaal de San Sebastián (norte de España), sujetando una gran bandera argentina mientras entonaban 'La patria no se vende'.

“El Festival de Cine de San Sebastián, como manifestación cultural que es, no puede permanecer al margen del desmantelamiento de una cinematografía nacional por parte de un gobierno que, además, justifica a una dictadura militar que asesinó a miles de ciudadanos”, declaró en nombre de la dirección del Festival su director, José Luis Rebordinos.

Tras recordar que esta situación de precariedad de la industria se vive en otros países, como Venezuela, Rebordinos remarcó que la paralización de proyectos, el vaciado de contenido del INCAA (su instituto de cine) y otras medidas del Ejecutivo del ultraliberal Milei “ponen en peligro el desarrollo, no solo de su cinematografía, sino también de otras manifestaciones de su cultura”.

El festival dejó claro que este apoyo “no significa ninguna intromisión en la política de Argentina” y que durante años colaboró con un INCAA que ha tenido diferentes colores políticos y gobiernos conservadores, liberales o de tipo peronista.

“Con todos ellos la industria argentina ha conseguido desarrollarse con normalidad y ser una de los más importantes de América Latina, mostrando una imagen positiva del país y siendo un motor económico del mismo”, continuó.

Arias lamentó que, en su país, “al igual que la ciencia, la universidad pública, los jubilados, el cine es una moneda de cambio más en una guerra cultural que a nadie beneficia y que no aporta nada a nuestro país. Más bien parece una cortina de humo para distraer a la sociedad en una economía donde día a día se hace más difícil acceder a las cosas más elementales, generando hambre, ignorancia y odio”.

Por su parte, la actriz María Alché ('Cuando las nubes esconden las sombras') criticó la “agenda de un Gobierno ultraliberal que intenta promocionar como libertad la destrucción de nuestra memoria y de nuestra soberanía cultural”.

“Es tarea del Estado proporcionar las condiciones necesarias para la creación y la producción de bienes culturales. Por eso estamos alzando nuestra voz en defensa de nuestra identidad y nuestros derechos. La lucha por el cine argentino es una lucha por nuestro futuro”, concluyó entre aplausos.

EFE.

IG

Carlos Saura redefinió la forma en la que la música y el flamenco se representaron en el cine. Dedicó una parte importante de su filmografía a investigar y plasmar diferentes estilos en películas que servían como estudio antropológico de las músicas y tradiciones de países como Argentina, Portugal y, por supuesto, España. Fados, Tango o Flamenco... pero también propuestas híbridas que jugaban a difuminar las fronteras entre ficción y no ficción como Carmen o Bodas de sangre. En todas ellas exploraba el lenguaje cinematográfico en busca de un hermanamiento entre cine y flamenco que dio lugar a algunas de las escenas más bellas del cine español musical, y también a una puesta en escena paradigmática a la hora de grabar actuaciones. 

Que hay algo de Saura en el debut como director de C. Tangana, que firma este trabajo como Antón Álvarez, es evidente. La guitarra flamenca de Yerai Cortés ―que se presenta en la sección Nuevos Directores del Festival de San Sebastián― es un documental musical que sigue al guitarrista y que introduce números y actuaciones donde explora nuevas formas de mostrarlos, pero bebiendo de las pautas que marcó el director de Cría cuervos en su cine. De alguna forma Tangana invocó su espíritu, porque logróp un debut excelente, en donde las actuaciones están captadas en unos vibrantes planos secuencia y con un uso del sonido directo que emociona.

Cuando le mencionan a Saura, sonríe. Acepta el legado, pero también aclara que su película “tiene un espíritu de ser una contestación a Saura” más que una imitación. “Para mí es un gran maestro, y yo he tenido un acercamiento al flamenco profundo gracias a él y a su mirada. Pero es una mirada que es un poco ajena, como la que yo tenía y la que sigo teniendo un poquito, porque no estoy tan dentro del flamenco. Lo que hemos intentado, básicamente, gracias a una explicación del flamenco que me ha dado Yerai, es mostrar la otra cara. Para que Saura pueda hacer todo ese despliegue hay que entender que existe otra forma de vivir el flamenco que está por el otro lado y que se construye hacia adentro para que luego se pueda subir a un escenario y verlo así de magnífico”, argumenta.

Intentaron “mostrar esa otra forma de sentirlo y de vivirlo”. Y para ello también era fundamental el excelente uso del sonido directo y “que todos sean planos cámara en mano, sin cortar”. “El corazón de la película está basado en que dejamos que el mundo se meta en el flamenco y no lo aislamos y no lo perfeccionamos. No lo peinamos antes de que salga a escena. Al revés, es todo lo contrario”, subraya.

La guitarra flamenca de Yerai Cortés es, también, una matrioska que va mostrando sus capas según avanza. La historia de Yerai termina dando paso a la de sus padres, separados, y al secreto que marcó su infancia y su presente que terminará desvelando finalmente como si fuera un thriller. Pero lo que late realmente dentro son sus reflexiones sobre el trauma y la identidad. Tangana, o Álvarez, plantea con su filme si ese tópico de que las heridas profundas son claves para la creación no es falso, y si no habría que reenfocarlo y pensar que es el arte y la creación lo que ayuda a sanar. 

“No creo en ese mito del artista maldito”, zanja con contundencia y añade otra frase lapidaria: “Eso lo único que hace es daño a jóvenes adolescentes que quieren hacer cosas. Creo en la gente honesta que dice la verdad, no en la verdad en un sentido científico, sino que creo que el mejor momento de un artista está en esos pequeños momentos de lucidez, esos pequeños momentos en los que te aceptas y dices, este soy yo. Es ahí donde cuentas cosas que normalmente tienen que ver con el trauma, cosas importantes. No sé si eso sirve para sanarte, o si eso te hace mejor creador, pero lo que sí sé es que con esta película hemos cambiado algo. Cosas que estaban peor ahora están un poco mejor”.

La identidad del momento

El otro tema del filme es la identidad, y es ahí donde cineasta y protagonista se funden. Ambos se encuentran en busca de la suya y en tierra de nadie. Yerai regresa a su familia, a la comunidad gitana e intenta encajar con ellos. Hace el viaje de vuelta cuando regresa a la ciudad con su pareja. Tangana también bucea entre dos mundos. El barrio y la fama. Fue cuando terminaron el filme cuando se dieron cuenta de que la película había terminado hablando de esto, pero es que para él “la identidad es una cuestión de nuestro tiempo”. 

Yo me creía que era rapero con 14 años, no me dio por el chotis. Supongo que para Yerai también es es una cuestión. Desde luego la identidad es es uno de los temas de nuestro tiempo

C. Tangana — Músico y cineasta

“Yo creo que es por culpa de que somos una generación que hemos crecido con la globalización. Yo me creía que era rapero con 14 años, imagínate. No me dio por el chotis. Supongo que para Yerai también es una cuestión importante. Desde luego la identidad es uno de los temas de nuestro tiempo, y yo, aunque me crea que no estoy hablando de esto, al final sale, porque está de fondo. Hay una búsqueda constante”, dice Tangana y cede el testigo al guitarrista que cree que ese tema está presente todo el rato, incluso en la música: “Cuando me junto con unos, pienso en cómo tocan ellos; y cuando me junto con otros, pienso en qué les hace llorar a los otros, porque no es lo mismo. Entonces, ¿tú dónde te posicionas y qué coges de cada sitio? Creo que la identidad es una cuestión muy bonita, porque te hace todo el rato estar en búsqueda”.

Para Yerai Cortés este documental era una forma de presentarse a su familia. “He querido decirles ‘mira, yo llevo mucho tiempo fuera de mi casa, llevo muchas crianzas, y quiero que me conozcáis tal como yo soy cuando no estoy con vosotros’. Porque es verdad que cuando yo estoy con ellos, o en según qué sitios, hay un contagio bonito, me pongo camaleónico y quiero ser cómo ellos para sentirme aceptado. Entonces siempre tuve la necesidad de contar esto para ver cómo ellos me veían. Lo digo todo el rato en la peli, que lo que quiero es que me quieran. Eso no quiere decir que no me quisieran antes, pero quiero que me acepten, que vean todos estos cambios de una manera positiva”, argumenta.

Ríe cuando dice cuántas veces sintió que el pudor vencía, “miles”, dice con una sonrisa que confirma aquello que sorprendió a Tangana cuando le conoció por primera vez: “Lo discreto que era. Las emociones del flamenco no suelen ser discretas. El flamenco tiene esta cosa histriónica de la emoción fuerte, que a mí me encanta, pero Yerai no tiene ningún problema con estar detrás, despacio, y eso me llamó mucho la atención”.

JZ/CRM

La escritora y periodista argentina Leila Guerriero forma parte del Jurado Oficial de la 72 edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, que se inaugura el próximo viernes en esta ciudad del norte de España.

El certamen dio a conocer este martes la composición del jurado, que preside la directora española Jaione Camborda, ganadora de la Concha de Oro del pasado Festival de San Sebastián con la película O Corno.

Completan el jurado el actor y director estadounidense Fran Kranz, Premio de la Juventud de 2021 con Mass; el cineasta griego Christos Nikou, que compitió el año pasado en la Sección Oficial; el director austríaco Ulrich Seild, quien trajo su Sparta a San Sebastián en 2022, y la productora francesa Carole Scotta.

El festival informó también de la composición del resto de jurados de cada premio.

Así, el productor francés Philippe Bober presidirá el jurado del premio Kutxabank-New Directors, mientras que el crítico argentino Fernando Juan Lima será el presidente del jurado del Premio Horizontes.

El jurado del Premio Zabaltegi-Tabakalera lo presidirá la directora del Festival Visión du Réel, Emilie Bujès, el del Premio Nest The Mediapro Studio la cineasta argentina Albertina Carri y el del Premio Irizar al Cine Vasco la actriz Itziar Lazkano.

La actriz Irene Escolar se responsabilizará del Premio Culinary Zinema; Fedéric Boyer, director artístico de los festivales de Tribeca y Les Arcs y responsable de programación del de Reykjavik, se encargará del Premio Eusko Label; la actriz Emma Suárez del Premio Loterías y la gestora cultural Isona Admetlla del Premio al Mejor Proyecto del Foro de Coproducción Europa-América Latina.

CRM con información de la agencia EFE

El director argentino Diego Lerman compite por tercera vez en la sección oficial del Festival de San Sebastián con El hombre que amaba los platos voladores, con Leonardo Sbararaglia en la piel del recordado periodista José de Zer, según se anunció hoy.

En el elenco destacan Sergio Prina, Osmar Núñez y Renata Lerman, hija del cineasta, ganadora de la Concha de Plata a la mejor interpretación de reparto en El suplente (2022).

El otro largometraje presentado por Lerman en la sección oficial fue Una especie de familia (2017), que obtuvo el Premio del Jurado al mejor guion.

Este nuevo trabajo se centra en el periodista de Nuevediario que paralizaba al país con sus informes. La película remite a un episodio puntual cuando en 1986, junto a su camarógrafo (el famoso “Chango”), de Zer viajó a La Candelaria (Córdoba) y al llegar al pueblo no encontró mucho por investigar, salvo un pastizal quemado en medio de los cerros. Con ese pequeño elemento, generó una creación audiovisual de presencia alienígena que generó un verdadero fenómeno de rating.

Otros trabajos de Lerman como La mirada invisible (2010) y Refugiado (2014) se estrenaron en la Quincena de Cineastas de Cannes antes de programarse en la sección Horizontes Latinos del Festival de San Sebastián.

También competirá por la Concha de Oro entre el 20 y el 28 de septiembre la chilena Maite Alberdi con El lugar de la otra.

Alberdi, doble nominada al Oscar por sus documentales El agente topo y La memoria infinita, presenta una adaptación de uno de los casos recogidos en Las homicidas, un ensayo de su compatriota, la narradora y abogada Alia Trabucco Zerán sobre la historia de la escritora María Carolina Geel, quien mató a tiros a su amante.

También se anunció que competirán Costa-Gavras, François Ozon, Edward Berger, Gia Coppola, Kiyoshi Kurosawa, Mike Leigh y Joshua Oppenheimer junto a las debutantes Laura Carreira y Xin Huo.

Sus películas se suman al filme de Audrey Diwan que inaugurará la competición y los cuatro títulos españoles que también optarán a la Concha de Oro, dirigidos por Icíar Bollaín, Pedro Martín-Calero, Pilar Palomero y Albert Serra.

Le dernier souffle, de Costa-Gavras

Ganador del Premio Donostia en 2019, año en que se proyectó Comportarse como adultos, el realizador franco-griego regresará a la Sección Oficial, donde presentó El capital (2012). Su nuevo trabajo recoge las reflexiones sobre la vida de un médico de cuidados paliativos y un escritor, y está protagonizado por Denis Podalydès, Kad Merad, Ángela Molina, Charlotte Rampling, Hiam Abbass, Karin Viard y Marilyne Canto.

En su amplia y comprometida carrera destacan obras como Z (1969), ganadora de los Oscar a Mejor película de habla no inglesa y Mejor montaje y Premio Especial del Jurado en Cannes; Missing (Desaparecido, 1981), Oscar al Mejor guion adaptado y Palma de Oro en Cannes; y Music Box (La caja de música, 1989), Oso de Oro en Berlín. 

El lugar de la otra, de Maite Alberdi

La cineasta chilena participará por primera vez en la Sección Oficial del Zinemaldia, con su primer largometraje de ficción. Se trata de la adaptación de uno de los casos recogidos en Las homicidas, ensayo de Alia Trabucco Zerán. En concreto, la historia real de la escritora María Carolina Geel, que en 1955 mató a tiros a su amante.

La cineasta chilena, que fue integrante del jurado oficial en 2021, mostró en la sección Perlas obras de no ficción como El agente topo (2020), que ganó el Premio del Público; y La memoria infinita (2023), que fue nominada al Oscar el año pasado.

Cónclave, de Edward Berger

El director de Sin novedad en el frente (2022), ganadora de varios premios Oscar incluido a Mejor película internacional, concursará con este filme liderado por Ralph Fiennes. El actor interpreta a un cardenal que, tras el repentino fallecimiento del Papa, debe supervisar el cónclave del que saldrá elegido su sucesor. El cineasta alemán, que en este filme dirigió también a Stanley Tucci, John Lithgow e Isabella Rossellini, presentó Jack (2014) y All My Loving (2019) en la competencia oficial de la Berlinale y en el apartado Panorama, respectivamente.

Hard Truths, de Mike Leigh

El británico Mike Leigh (Salford, 1943) presentó en la sección de Perlas la película con la que logró la Palma de Oro en Cannes, Secretos y mentiras (1996), además de títulos como Indefenso (1993), con la que obtuvo el Premio al mejor director en el festival francés; Todo o nada (2002), El secreto de Vera Drake (2004), ganadora del León de Oro de Venecia; y Happy, un cuento sobre la felicidad (2008).

En la producción anglo-española Hard Truths, protagonizada por Marianne Jean-Baptiste y Michele Austin, Leigh retrata el día a día de una familia londinense y explora temas como las relaciones familiares, el duelo y la salud mental.  

Cuando cae el otoño, de François Ozon

Hélène Vincent, Josiane Balasko, Ludivine Sagnier y Pierre Lottin protagonizan la nueva película de François Ozon, en la que cuenta la historia de una mujer jubilada cuya vida cambia al conocer a un hombre, el hijo de una amiga, recién salido de prisión.

El filme supondrá la sexta participación del realizador francés en la Sección Oficial del Zinemaldia, donde ganó la Concha de Oro y el Premio del Jurado al mejor guion con En la casa (2012) y logró el Premio Especial del Jurado con Mi refugio (2009); además de presentar Bajo la arena (2000), Una nueva amiga (2014) y Verano del 85 (2020). Asimismo, varias películas de Ozon participaron en la sección de Perlas. Entre ellas, 8 mujeres (2002), Joven y bonita, (2013), Frantz (2016) y Peter von Kant (2022).

El hombre que amaba los platos voladores, de Diego Lerman

El director argentino Diego Lerman regresa por tercera vez a la competición con un filme sobre la creación audiovisual de presencia alienígena más recordada de la televisión argentina. En el elenco destacan Leonardo Sbaraglia, Sergio Prina, Osmar Núñez y Renata Lerman, ganadora de la Concha de Plata a la mejor interpretación de reparto en El suplente (2022), el otro largometraje presentado por Lerman en la Sección Oficial junto a Una especie de familia (2017), que obtuvo el Premio del Jurado al mejor guion.

Trabajos previos como La mirada invisible (2010) y Refugiado (2014) se estrenaron en la Quincena de Cineastas de Cannes antes de programarse en la sección Horizontes Latinos del Zinemaldia.

The Last Showgirl, de Gia Coppola

Pamela Anderson, Jamie Lee Curtis y Dave Bautista lideran el reparto de la nueva película de la estadounidense, que presentó Palo Alto (2013) y Mainstream (Popular, 2020) en la Mostra de Venecia. Su filme es el retrato de una veterana bailarina situada en la encrucijada cuando cierra el espectáculo en el que ha trabajado durante 30 años.

Serpent’s Path, de Kiyoshi Kurosawa 

La película del cineasta japonés cuenta la historia de un hombre que urde un plan para vengar la brutal muerte de su hija. Rodada en francés y protagonizada por Ko Shibasaki, Damien Bonnard y Mathieu Amalric, el filme es una nueva versión del homónimo que el propio Kurosawa dirigió en 1998 y que diez años después fue programado en la retrospectiva temática Japón en negro del Festival de San Sebastián.

En la carrera del prolífico autor japonés destacan obras como Akarui mirai (2003),Tokyo Sonata (Zabaltegi-Perlas, 2008), que fue Premio del Jurado de Un Certain Regard en Cannes; la miniserie Shokuzai y La mujer del espía (2020), que ganó el León de Plata a la mejor dirección en la Mostra de Venecia.

On falling, de Laura Carreira

La ópera prima de la directora nacida en 1994 retrata la precaria vida de una trabajadora portuguesa en un enorme almacén de Escocia. En la experiencia previa de la cineasta lusa afincada en Edimburgo destacan los cortos Red Hill (2018), que fue nominado en los Premios BAFTA Escocia; y The Shift (2020), estrenado en el Festival de Venecia y nominado a los Premios de Cine Europeo.

Bound in Heaven, de Xin Huo

Después de ser guionista en títulos como La ducha, 1999, Kung Fu Hustle (2004), Curiosity Kills The Cat (2006) y The Monkey King (2014), Xin Huo (Beijing, 1980) debuta tras la cámara con Bound in Heaven. La directora china narra la peripecia de un enfermo terminal y una joven atrapada por la violencia que inician una huida contrarreloj a lo largo de varias ciudades.

The End, de Joshua Oppenheimer

The End es la primera incursión en el cine de ficción de Joshua Oppenheimer (Austin, Texas, 1974). Tilda Swinton, Michael Shannon, George MacKay, Bronagh Gallagher y Tim McInnerny lideran el elenco de este musical distópico sobre una familia adinerada que sobrevive en un bunker dos décadas después del fin del mundo.

Entre los trabajos previos del cineasta destacan sus obras sobre el genocidio indonesio The Act of Killing (2012), estrenada en la sección Panorama de la Berlinale y ganadora del Bafta al Mejor documental; y La mirada del silencio (2014), que obtuvo el Gran Premio del Jurado y el Premio FIPRESCI en la Mostra de Venecia. Ambos filmes optaron al Oscar al Mejor documental.

CRM con información de elDiario.es y la agencia EFE