No podía ser de otra forma. Los acordes de la banda sonora que Howard Shore compuso para El señor de los anillos recibieron en forma de video, acompañados de una ovación enorme, la llegada de Peter Jackson al Teatro Debussy de Cannes. Allí, tras recibir el día anterior la Palma de Oro honorífica de manos de Elijah Wood —que también acudió a la charla—, el director de la saga que logró el milagro de adaptar a Tolkien, ofreció una clase magistral en la que revisó su carrera y habló de los retos del cine en la actualidad.

Jackson, cuya carrera post Hobbit solo tuvo un par de documentales, es uno de esos directores que logró un nombre desde el under, con esas primeras películas gore y fantásticas como Braindead o Mal Gusto, pero que alcanzó la cima llevando a cabo su sueño de adaptar la trilogía de El señor de los anillos. Sin embargo, entre medias ya dejó muestras de ese universo que mezcla lo íntimo y lo fantástico en películas como Criaturas celestiales. 

El director bromeó con que logró lo impensable, “ganar una Palma de Oro sin hacer una película” y dijo que era algo que nunca podría haber pensado que podía lograr. “Nunca pensé que ganaría una Palma de Oro igual que nunca pensé que podría ser bailarín de ballet o saltador de altura. Hay ciertas cosas que simplemente sabés que no van a suceder y por tanto nunca soñás con eso”, dijo el director.

Recordó la primera vez que pisó Cannes, y contó una anécdota que muestra bien las normas de la Croisette: “La primera vez que entré en el Palais, en Cannes, fui a registrarme y tenía ganas de ver muchas películas, esa acreditación es como el billete dorado de Willy Wonka, porque podés ir a ver todo lo que quieras. Pero cuando fui a retirarla, llegué a mitad del camino al mostrador y un guardia de seguridad me echó por llevar pantalones cortos. Me echaron a patadas la primera vez que puse un pie aquí. Anoche estuve muy tentado de ponerme un smoking con pantalones cortos solo para dejar las cosas claras. Pero eso requiere valentía, y yo no soy lo suficientemente valiente para hacer eso”.

King Kong fue la película que le hizo amar el cine. Primero se enamoró de los Thunderbirds, la serie de televisión de Gerry Anderson, pero cree que realmente solo estaba “enamorado, sin entenderlo, de todo el tema del escapismo”. “Amaba la televisión y el cine donde podías escapar del mundo real y embarcarte en alguna aventura que era ciencia ficción o terror, algo que nunca ibas a experimentar. Cuando tenía unos 8 o 9 años, en Nueva Zelanda, un viernes por la noche, en la televisión, pusieron la película original de King Kong, y yo no sabía nada de Kong. Me cambió la vida. Fue viendo King Kong cuando pensé que quería hacer películas”, dijo el director, que finalmente pudo rodar su propia versión de la historia del simio gigante.

Comenzar haciendo cine de terror no fue una casualidad, ya que cree “el terror siempre es una forma natural para que un joven cineasta haga su primera película”. “Cuando hacés tu primera película, no tenés dinero. Es difícil llegar a actores de mayor renombre, a veces ni siquiera se puede conseguir un guion profesional. Pero es posible hacer una película de terror sin guion y sin estrellas. Simplemente tenés que usar tu imaginación para ser lo más sangriento posible. Porque cuanto más sangrienta sea, mayor impacto tendrá la película. Aunque le falten otras cosas, es una muy buena manera de causar impacto. Incluso si no te quedás en el género y pasás a hacer otras cosas, es una buena manera de empezar”, aseveró.

En su caso, esas películas fueron el resultado de las películas que le gusta ver, “que son películas tan exageradas, con tanta sangre que la única reacción que podés tener es reírte”. “Llegás al punto en que simplemente tienés que reírte porque es tan exagerado… yo solía usar el término splatstick —un juego de palabras con el género del slapstick—, porque es como una especie de película de Buster Keaton con sangre y gore, pero con ese humor visual de las películas de comedia física”, opinó Jackson.

La primera vez que estuve en Cannes un guardia de seguridad me echó por llevar pantalones cortos. Me echaron a patadas la primera vez que puse un pie aquí

Peter Jackson — Cineasta

Todo para llegar al proyecto de su vida, la adaptación de la trilogía de El señor de los anillos que lo llevó a la cima del cine mundial y a ganar 11 Oscar con El retorno del rey. Dejó claro que no le importa que digan que es el trabajo más importante de su carrera. “Nunca voy a hacer una película tan exitosa comercialmente como estas, así que cómo me va a importar que digan eso. Mucha gente hace películas a lo largo de su carrera y no tiene ese grado de éxito, así que estoy muy orgulloso de que haya sucedido y estoy muy orgulloso de esas cifras que logró, porque no las hemos visto en unos 20 años”, apuntó con franqueza.

Fueron 266 días de rodaje, pero lo que pocos saben es que los inicios del proyecto fueron, cuando menos, sorprendentes. Tal como explicó Peter Jackson, la idea de hacer la adaptación nació, básicamente, como una forma de salvar el estudio de efectos visuales que había creado para Muertos de miedo: “Estábamos pensando: ¿qué película podemos hacer ahora para mantener a nuestro equipo de efectos visuales y no despedirlos? Sé que no suena como la razón principal para hacer películas, pero era una presión que nos habíamos impuesto. Teníamos una empresa de efectos visuales y teníamos que mantenerla en funcionamiento”.

El otro elemento sorpresa que entró en juego fue Harvey Weinstein, el productor acusado de abusos sexuales que fue clave para que lograran los derechos para hacerla. Los tenía Saul Zaentz, productor de la adaptación animada y que todavía los conservaba. “Nos dijeron que Saul era bastante difícil de tratar y que no quería hacer nada más porque la película animada no tuvo mucho éxito, quedó un poco decepcionado y no tenía apuro por hacer nada más con la novela, y aquí es donde aparece el famoso Harvey Weinstein”, lanzó Jackson captando la atención de todo el Teatro Debussy.

“Le preguntamos a Harvey si le gustaría hacer El Señor de los Anillos. Harvey Weinstein había producido El paciente inglés, que iba a ser una película de 20th Century Fox y en el último minuto se retiraron, como unas semanas antes de que comenzara el rodaje. Harvey les ofreció el dinero para hacer El paciente inglés, para salvarla. Y entonces me dijo: ‘conozco a Saul Zaentz porque le salvé el pellejo con El paciente inglés y me debe un gran favor’. Ese fue el favor que Harvey le sacó a Saul Zaentz, y esa fue la razón por la que pudo hacerse con los derechos. Hacer cine es una serie de extraños accidentes, de extrañas coincidencias que suceden a lo largo de todo el camino”, zanjó.

El futuro lo tendrá todavía vinculado como productor a El señor de los anillos, ya que se prepara una nueva película centrada en Gollum dirigida por el actor que le dio vida, Andy Serkis, pero lo que sí pudo confirmar Jackson antes de terminar su clase magistral es que continuará, por fin, el proyecto de Tintín que comenzó Steven Spielberg y que siempre se pensó como dos películas, una dirigida por cada uno: “Estamos escribiendo la próxima ahora. Steven hizo su película, y pasaron 15 años y yo no escribí la mía. Me siento muy incómodo con eso. Steven es lo suficientemente amable como para no presionarme, pero sé que quiero hacerlo bien. Así que estuve trabajando con Fran (su pareja y coguionista) en otro guion. Hace un par de días estaba escribiendo en una habitación de hotel, así que es algo activo y real”.

A Ken Russell siempre le gustó la provocación. El cineasta, convertido en figura de culto en los años 60, siempre levantaba las iras de los más pacatos por su mezcla de sexo y muerte que incluía hasta en sus modernos y rompedores biopics musicales. Pasó con sus trabajos para la serie televisiva Omnibus, y también con Mujeres enamoradas, que aunque le significó una nominación al Oscar como Mejor director y el premio de Mejor actriz para Glenda Jackson, se atrevió a levantar el tabú sobre un tema inusual en el cine de EE.UU.: el desnudo frontal masculino. 

Sin embargo, todo eso se quedó en un juego de niños con la que lio cuando rodó e intentó estrenar, tal como la había concebido en 1971, Los demonios. El filme, una adaptación libre de Los demonios de Loudon, de Aldous Huxley, se basa en un hecho real ocurrido en la Francia del siglo XVII. En la localidad de Loudon, 300 kilómetros al suroeste de París, una ciudad amurallada independiente donde los protestantes hugonotes habían resistido pese a que el catolicismo ya era la religión dominante en Francia. Para intentar extender el catolicismo, se mandó a 17 monjas ursulinas, entre las que se encontraba Jeanne de Belcier. Ella, como todas las monjas y toda la población, acabó bajo los encantos de Urbain Grandier, el párroco que con su porte, su carisma y su capacidad oratoria tenía a todo el mundo rendido a sus pies. 

La historia real dio pie para que Ken Russell creara una mezcla febril y enfermiza donde realmente se hablaba de una guerra de religiones y cómo Richelieu y Luis XIII aprovecharon la situación para extender el catolicismo y acabar con la utopía protestante de Loudon, y a la vez con el díscolo Grandier. Pero lo hace convirtiendo su película en una mezcla de sexo, poder y religión que juega con la provocación de utilizar el imaginario religioso para las perversiones sexuales de aquella población. De alguna forma, Los demonios podría recordar a Narciso negro (1947), donde el convento de monjas que lideraba Deborah Kerr en el Himalaya acababan dando rienda suelta a sus peores instintos al desatar la sexualidad reprimida cuando un hombre entra en sus territorios.

Y eso es lo que ocurre en Los demonios, donde la presencia arrolladora del Grandier que interpreta Oliver Reed (y que tiene sexo con la mitad de la población del pueblo) desata la sexualidad adormecida y reprimida a través de flagelación de esas 17 monjas, pero principalmente de la Jeanne cheposa que interpreta Vanessa Redgrave, que acaba acusando de posesión al cura. Esto dio lugar en la mente de Russell, acrecentado por la increíble dirección artística de Derek Jarman, a un sinfín de escenas que hicieron tirarse de los pelos a la Iglesia y a los censores. Para saber: orgías de monjas, sueños eróticos donde se lamen las llagas de cristo, y hasta masturbaciones con huesos con forma fálica. 

Russell tuvo que cortar la película para contentar a la Warner Bros y para que la Junta Británica de Censura Cinematográfica (BBFC) no le diera la calificación X. Por eso la película pudo estrenarse en varios países, aunque nunca con su versión original y con sus pasajes más polémicos. En Reino Unido su estreno fue un escándalo. Grupos conservadores intentaron boicotearla y en varios cines se prohibió su proyección. “La alta calidad no justifica la blasfemia. La blasfemia es blasfemia, punto”, recordó la BBC que se dijo de Los demonios.

En EE.UU. se censuró y se recortó aún más. La versión británica de 111 minutos pasó a ser de 108 minutos, eliminando también cualquier imagen que mostrara vello púbico. Russell dijo de aquella versión que era “incomprensible”, ya que la habían mutilado de forma aleatoria cortando cualquier escena polémica y destrozando la orgía central. Por supuesto, el Vaticano también entró en el barro. Calificó la película de “insulto al cine”, y esto hizo que se prohibiera en varios países. En algunos, como Finlandia, Los demonios no pudo verse hasta 2011, cuando el filme cumplió 50 años.

Ninguna de esas versiones incluía las dos escenas más polémicas: la destrucción de una estatua de Jesucristo durante la orgía y la masturbación con un fémur calcinado en forma de falo. Dos escenas que se pudieron recuperar gracias al crítico Mark Kermode y al director Paul Joyce, que las incluyeron en la versión completa que se pudo ver por primera vez en Reino Unido en 2002, 30 años después del estreno de aquella versión recortada.

Dos escenas que se verán con todo su esplendor en el Festival de Cannes, que convirtió la proyección de la versión restaurada de Los demonios en uno de sus platos estrella de una edición que acaba de comenzar. A partir del negativo original, Los demonios se podrá ver en 4K e introducida por la mujer de Russell, fallecido en 2011, y por Mark Kermode, uno de los responsables de que la versión íntegra (que se puede ver en Filmin en España) pueda verse en cines.

Tras la puesta de gala en Cannes, Warner se resarcirá de aquel estreno mutilado y en malas condiciones. Lo hará a través de su nuevo sello de cine independiente, Clockwork, que ya anunció también su primera producción original, la nueva película de Sean Baker tras Anora, un homenaje a la comedia italiana de título Ti amo. Una apuesta firme del estudio por el cine indie y por cerrar las heridas de una censura que ha durado demasiado.

Fue, de hecho, gracias a la presión durante años de cineastas como Guillermo del Toro que se logró este reestreno y que todo el mundo pueda disfrutar de Los demonios. El director de Frankenstein calificaba esto como “un verdadero acto de censura”. Sus palabras convirtieron, todavía más, en título de culto la obra de Russell, que ahora por fin podrá ser disfrutada de una forma más amplia y como su director quiso: en salas de cine y con sus escenas más turbadoras presentes. 

Mientras el universo del fútbol se prepara para vivir dentro de pocas semanas el Mundial en Estados Unidos, México y Canadá, el del cine está a pocas horas de celebrar su propia “Copa”. Es cierto que en el sector audiovisual existen el premio Oscar y otros festivales de relieve como Venecia y Berlín, pero no hay nada que se acerque al magnetismo, la influencia y el nivel artístico que ostenta Cannes, líder indiscutido del planeta cine con su exacta combinación entre películas de autores consagrados, el glamour de las estrellas que circulan a diario en la alfombra roja y los debates políticos que desatan casi todas las películas que allí se estrenan. 

De todas maneras, mantener ese liderazgo no es tarea fácil y cada nuevo año el equipo de programación liderado por Thierry Frémaux debe revalidar su lugar de privilegio. En ese sentido, la 79ª edición, que se realizará desde este martes 12 y hasta el sábado 23 de mayo, tendrá que demostrar si tiene dentro de su Selección Oficial títulos como los que dominaron la conversación cinéfila durante los últimos años como “Parasite”, “Anatomía de una caída”, “Zona de interés”, “La sustancia”, “Anora”, “Fue solo un accidente”, “El agente secreto” y “Valor sentimental”, por citar solo algunos.

Aunque muchos enviados a Cannes llegan a la Croisette con 10, 15 o 20 películas ya vistas, por lo que el consenso crítico comienza a gestarse mucho antes; y compañías como Neon, A24 y MUBI ya han adquirido buena parte de los films más esperados, la largada concreta será el martes. Y, a propósito de apertura, la inauguración será con la proyección –fuera de competencia–de “La Vénus électrique”, comedia del local Pierre Salvadori ambientada en la bohemia París de 1928 que narra las desventuras de Antoine Balestro (Pio Marmaï), un pintor talentoso y elegante que vive sumido en el duelo y el alcoholismo tras la muerte de su esposa, lo que le ha causado un bloqueo creativo.

Hasta tanto no se publiquen las primeras críticas, el análisis de la programación se concentra en detectar posibles tendencias que luego deberán confirmarse (o no). A continuación, un análisis previo de lo que se espera de la cosecha 2026 del principal festival del mundo.

–El imperio de los autores. Una Competencia Oficial que incluye títulos como “Fatherland”, film del polaco Paweł Pawlikowsk con Sandra Hüller; “Fjord”, del rumano Cristian Mungiu, con Sebastian Stan y Renate Reinsve; “The Dreamed Adventure”, de la alemana Valeska Grisebach; y “Coward”, del belga Lukas Dhont, es una ratificación de que Cannes sigue siendo el epicentro mundial del cine más autoral.

–La armada española. Por primera vez desde 1951, el cine español tendrá tres películas entre las 21 que disputarán la Palma de Oro: “Amarga Navidad”, de Pedro Almodóvar, con Leonardo Sbaraglia como uno de los protagonistas; “El ser querido”, de Rodrigo Sorogoyen, con Javier Bardem; y “La bola negra”, de Los Javis (Javier Calvo y Javier Ambrossi), basada en una obra de teatro inacabada de temática homosexual escrita por Federico García Lorca a principios de 1936, poco antes de su asesinato. En 2025 habían sido dos los films en Competencia (“Sirât” y “Romería”), por lo que este gran momento de la industria de ese país no es casualidad y se complementa este año con una decena de otros títulos en distintas secciones.

–Poco cine estadounidense. Sin tanques de Hollywood (por aquí pasaron entregas de sagas como “Misión: Imposible”, “Star Wars” o “Indiana Jones”), la presencia de Estados Unidos quedó restringida en la sección principal a “Paper Tiger”, película de James Gray con Scarlett Johansson, Miles Teller y Adam Driver sobre dos hermanos que buscan cumplir el sueño americano pero se ven envueltos en una peligrosa trama de crimen y corrupción con la mafia rusa de por medio; y “The Man I Love”, musical de Ira Sachs con Rami Malek, Rebecca Hall, Ebon Moss-Bachrach y Tom Sturridge ambientado en el pico de la crisis del SIDA en la Nueva York de los años '80. Otras producciones norteamericanas que aparecen en distintas secciones son la muy esperada “Teenage Sex and Death at Camp Miasma”, de Jane Schoenbrun; y “Club Kid”, de Jordan Firstman, ambas en Un Certain Regard; lo nuevo de dos actores detrás de cámara como “Diamond”, de Andy Garcia; y “Ven a volar conmigo” (“Propeller One-Way Night Coach”), de John Travolta ; y proyecciones especiales de los documentales “John Lennon: The Last Interview”, de Steven Soderbergh; y “Avedon”, de Ron Howard, sobre el fotógrafo Richard Avedon.

–Extranjeros en Francia. No solo las películas dirigidas por realizadores franceses son de ese origen. Aunque la afirmación en principio suene confusa, lo cierto es que varios cineastas extranjeros filmaron en locaciones y con estrellas y técnicos franceses: el iraní Asghar Farhadi con “Parallel Tales”, protagonizada por Isabelle Huppert, Catherine Deneuve, Virginie Efira y Vincent Cassel; el japonés Ryûsuke Hamaguchi con “All of a Sudden”, encabezada por Efira; el húngaro Laszlo Nemes con “Moulin”, con Gilles Lellouche como el héroe de la Resistencia Jean Moulin; y la austríaca Marie Kreutzer con “Gentle Monster”, que tiene a Léa Seydoux y Catherine Deneuve al frente del elenco.

–Japón, potencia. Al igual que los españoles, los japoneses aportarán tres de sus más prestigiosos directores en la sección principal con la citada “All of a Sudden”, de Ryûsuke Hamaguchi (el mismo de “Drive My Car” y “El mal no existe”); “Nagi Notes”, de Kôji Fukada; y “Sheep in the Box”, de Hirokazu Kore-eda, historia ambientada en un futuro cercano que sigue a Otone Komoto, una arquitecta, y a su marido Kensuke, un empresario constructor, quienes, tras perder a su hijo, deciden adoptar a un robot humanoide de última generación y tratarlo como si fuera su propio vástago.

–Cine argentino. “El Partido”, documental de Juan Cabral y Santiago Franco sobre el match entre Argentina e Inglaterra en el Mundial '86, se verá en Cannes Premiere y es el único largometraje nacional en Selección Oficial. Además, en la Quincena de Cineastas, principal sección paralela, se estrenará “La libertad doble”, film en el que Lisandro Alonso se reencuentra con el hachero Misael Saavedra, protagonista 25 años atrás de “La libertad”. Además, a casi 70 años de su estreno, se exhibirá “La casa del ángel”, de Leopoldo Torre Nilsson, en una versión restaurada en la sección Cannes Classics.

–América Latina, relegada. Sin películas en la Competencia Oficial, el cine latinoamericano quedó limitados a dos títulos dirigidos por mujeres en la segunda competencia en importancia: Un Certain Regard. En ese ámbito participarán la chilena Manuela Martelli con “El deshielo” y la costarricense Valentina Maurel con “Siempre soy tu animal materno”. Ambos son sus segundos largometrajes luego de los elogiados “1976” y “Tengo sueños eléctricos”, respectivamente. Tampoco ha sido un buen año para México (se verá “Ceniza en la boca”, lo nuevo como director de Diego Luna); ni para Brasil, que viene de tener un boom con títulos como “Aún estoy aquí”, de Walter Salles; y “El agente secreto”, de Kleber Mendonça Filho.

DB/MG

¿Cómo que la moda no es tema profundo? ¿Acaso no vieron los escotes abismales de algunas actrices en la alfombra roja de la muestra actual de la Riviera Francesa? Perdón por el chiste fácil, pero la culpa es de figuras zarpadas como la coprotagonista de la enésima secuela de Misión imposible, ostentando escotes por delante y por detrás para subir las gradas junto a Tom Cruise. Aunque la rubia Pom Klementieff (39, conocida por su Mantis del mundo Marvel) porta curvas moderadas, su exiguo vestido, probablemente pegado a su piel para que no zafara ningún pezón, sin duda le restaba posibilidades de bailar salsa en la fiesta posterior a la función…

Pero más allá del exhibicionismo y las poses ensayadas que ocurren en la red carpet del citado festival, cada vez más copada por diseñadores top, la moda es un hecho cultural y sociológico indiscutible que implica los usos y costumbres de cada época y lugar, la situación económica, los códigos de comportamiento, la silueta (femenina, en particular) que se impone. Por otra parte, da cabida a una fuerte industria que se lleva el 6 por ciento del consumo mundial y es una gran fuente de trabajo. A la fabricación de prendas de vestir se suman los accesorios, el maquillaje, el perfume. Por cierto, la moda existe desde hace miles de años, con diferente ritmo de evolución según las latitudes. En Occidente, las tiendas de vestimenta surgen y se afianzan en los siglos 18 y 19.

No hace falta aclarar que, en centurias cercanas, el vestuario exigía más empeño y asistencia a las mujeres de clases empinadas, si bien ellos tuvieron sus pelucones (todavía se los calzan en tribunales del Reino Unido), uniformes muy recamados y hasta taquitos altos, para no hablar de los dandis, con el Bello Brummell y Oscar Wilde a la cabeza.

Hace rato muy reconocida en Francia como expresión cultural que podía alcanzar alto rango estético, pero aún tenida solo por asunto superficial y frívolo en otras comarcas, en una expo del Metropolitan Museum de Nueva York, 2007, dedicada al modisto francés Paul Poiret, se le concedió estatus de arte. Esto a décadas del vestidito negro todoterreno igualitario de Chanel (la que nos liberó del corsé, del pelo largo para ser “más femenina”); de los pantalones y el vestuario andrógino de Marlene Dietrich; de los refinamientos de Givenchy llevados idealmente por Audrey Hepburn en muchos films; de la minifalda, emblema mod con el sello de Mary Quant, calzada por la supermodelo superflaca Twiggy; del jean puesto de moda por James Dean y Marilyn Monroe…

Porque esto de Cannes dándole al vestuario de gala casi tanto lugar como a las películas no es ninguna novedad, puesto que muchas estrellas –amén de las ya nombradas– han incidido en la forma de vestir del común de las mujeres: los vestidos de falda muy fruncida y estampado Vichy de Brigitte Bardot a fines de los ’50, Jane Birkin y su modo casual decontracté con su canasta de mimbre (que inspiró a Hermès el famoso bolso de piel de cocodrilo, del que la actriz y cantante renegó cuando adoptó en este siglo la moda ética); la forma de sublimar el trench por parte de una serie de actrices, a partir de –otra vez– Dietrich.

Vida ¿elegante? de Cannes

En estos días de mayo, los medios registraron minuciosamente sendos rituales muy codificados: uno (más multitudinario) de tipo religioso, las honras fúnebres del papa Francisco y luego la entronización de León 14; el otro, laico y mundano, consagrado al séptimo arte en el festival más deseado y prestigioso. En el primero, el vestuario de cardenales, sacerdotes, etcétera, prácticamente inmutable en su diseño y suntuosidad a través de los siglos. En el segundo, un reinado de la moda cambiante, a veces con toques vintage, exaltada en las calculadas marchas, postureos intencionados, y sonrisas impostadas (Wes Anderson llevándose la Palma de Hielo) de los equipos de los films en competición o de figurones sueltos. Dos semanas en la gran escalinata del Palacio mostrando –principalmente, ellas– vestuario de firmas, peinados elaborados (mucho chignon o rodete), maquillajes impecables, alta joyería.

No todas las stars concurrieron a todas las funciones, pero a la eximia actriz Isabelle Huppert se la vio en más de una ocasión: en la noche de presentación de su film La mujer más rica del mundo, se permitió un vestido con vida propia hecho de largos flecos de seda, verde eléctrico que combinaba regiamente con su melenita de cobre rojizo; y en otra función, en un giro radical, se mandó toda de jean, sofisticado total look vaquero. Ella siempre con Balenciaga es, además de una actriz requerida de continuo por grandes directores de cine y teatro, un sobresaliente ícono de la moda a los 72 pirulines.

En Cannes 1991, Madonna supo sorprender al quitarse el abrigo y quedar en falda y el luego famoso corpiño cónico de Gaultier. Hoy el traje escueto de Pom K o la sisa muy pero muy cavada de Bella Hadid, no inquietan a nadie. A su vez, el ampuloso traje de cola de Irina Shayk hace sospechar que necesitó entrenar para no enredarse al trepar por los escalones, y que necesitaría una butaca de dos plazas en la sala. En cambio, la gentil Andie MacDowell, sin cirugías y con las canas al natural, optó por clásico esmoquin.

Aquí valdría recordar en que 2015, Julia Roberts, traje corto negro de Armani, se animó a atravesar el tapiz rojo descalza, luego de quitarse los carísimos stilettos, en señal de protesta por la obligación que tenían las mujeres de usar tacones cercanos en las funciones nocturnas. Dos años después, Jennifer Lawrence –hoy presentando Matate, amor en competición)– hizo lo propio con sus Louboutin antes de emprender el ascenso entre fotógrafos y gentío a ambos lados.

Gestos un toque políticos que tuvieron una expresión más fuerte cuando en 2018, 82 actrices encabezadas por Cate Blanchett (a la sazón, presidenta del jurado) irrumpieron desafiantes en airado montón, con justa razón: solo 82 films dirigidos por mujeres se habían seleccionado para la muestra hasta esa esa fecha, ¡contra 1645 hechos por hombres!

Volviendo al actual Festival número 78, entre otras participaciones merece ser mencionada la cantante y compositora Mylène Farmer, vestida de noir sur noir homenajeando a David Lynch con su tema Confession. También de negro, Julianne Moore se destacó por su auténtica simpatía y la simplicidad tan chic de su atuendo. Jennifer Lawrence en un Dior discutible, níveo, mucho volumen de tafetas de seda plisadas. Y Juliette Binoche, otro Dior más original, rosa muy pálido, pantalones amplios, una toca sobre el pelo (algunas versiones periodísticas sostienen que es una alusión al velo de la Virgen de La Pietà, de Miguel Ángel, que justo está en el Vaticano). Otra que no cumple años la tal Juliette o, en todo caso, que tiene el mejor cirujano del planeta. Esta cuestión de los agregados inesperados se notó a Emma Stone, de blanco, traje neto salvo una especia de enorme babero levantado sobre el pecho (de Vuitton).

Los señores casi todos de previsible esmoquin, con leves variaciones (alguno sin solapas, otro sin camisa), exceptuando el disfraz a rayas naranja y azul de Spike Lee, colores de su club de básquet de Nueva York, los Knicks; en tanto que Gael García Fernández llevaba con cierta distraída displicencia un traje azul dominguero con sobria corbata. Como aludiendo in mente al Eclesiastés: “Vanidad de vanidades, todos es vanidad y persecución del viento”.

MS/MG

Un extenso corte de electricidad dejó sin luz a la zona oeste del departamento francés de Alpes Marítimos, en el sureste del país, incluida la localidad de Cannes, donde este sábado se celebra la clausura de su prestigioso festival de cine con la entrega de la Palma de Oro. La electricidad comenzó a restablecerse en la localidad costera a partir de las 15 horas y esta recuperación ha llegado ya al resto de localidades de la región.

Según informa la red eléctrica francesa (RTE), el suministro eléctrico comenzó a restablecerse a partir de las 14.15 horas y a las 15 horas ya habían recuperado la electricidad 60.000 de los 160.000 hogares afectados en varias ciudades de los Alpes Marítimos: los municipios de Vallauris, Mandelieu-la-Napoule y Antibes, así como varios pueblos del interior de Niza. A las 16.30 horas el suministro se ha restablecido por completo, según confirmaba RTE a través de sus redes sociales.

Según el gestor de electricidad en Francia, el corte se habría producido de forma controlada para resolver una primera avería eléctrica provocada por un incendio aparentemente intencionado en una subestación situada en la localidad de Tanneron, en Biançon, y el corte en una línea de alta tensión posterior.

Así, y según esta información, fue durante esta madrugada, sobre las 2.45 horas, cuando se produjo un incendio en la subestación, que obligó a apagar el flujo durante varios minutos y, aunque fue restablecido, causó un debilitamiento de la red. El fuego fue extinguido sobre las 7.00 horas y llegó a provocar un primer corte de luz en Cannes hasta las 3.30 horas. Ya a las 10.00 horas, una torre de la línea de alta tensión se desplomó en la localidad de Villeneuve-Loubet provocando el apagón, según confirmaba RTE.

Fuentes del Ministerio del Interior señalaron a la emisora France Info que el incendio en la subestación de Biançon pudo ser intencionado, por lo que han enviado a una brigada de la gendarmería para investigarlo. Las autoridades investigan si estos dos incidentes, que coinciden con el día de cierre del Festival de cine y que han provocado perturbaciones en la ciudad y sus alrededores, fueron intencionados. Además, el fiscal de Grasse, Damien Savarzeix, aseguró a la agencia France Presse que la caída de esta torre de alta tensión fue “un acto malintencionado”, y la prefectura de la localidad de Villeneuve-Loubet confirmó que al menos una de las patas de la torre había sido serrada, lo que confirmaría el posible sabotaje.

El alcalde de Cannes, David Lisnard, ha declarado a EFE que “no hay duda de que se trata de un acto criminal”, mientras la prefectura ya ha asegurado que “todos los medios se han movilizado para identificar, buscar, detener y llevar ante la justicia a los autores de estos actos”.

La prefectura de los Alpes Marítimos indicaba tras conocerse el apagón que este ha afectado a todo el oeste del departamento, en la zona limítrofe con Italia. La prefectura lo describió como un “importante” corte de electricidad en la zona y aseguraba que los servicios de red eléctrica ya estaban en ese momento trabajando para restablecer la situación, al tiempo que ha pedido a la ciudadanía “ser prudente” con los desplazamientos.

Poco antes de las 15.25 de la tarde, la institución pública informaba del restablecimiento progresivo de la electricidad en la región mediante un comunicado en el que el prefecto Laurent Hottiaux condenaba “los graves actos que atentan contra la integridad de las infraestructuras eléctricas”.

El Festival de Cannes seguirá “según lo planeado”

En la sede del Festival de Cannes, donde este sábado se proyectaban las últimas repeticiones de las películas de competición antes de la ceremonia de clausura, los pases quedaron interrumpidos durante varios minutos antes de poder ser retomados gracias a los generadores propios del festival.

La estación de tren de Cannes se ha quedado sin suministro eléctrico y fuentes ferroviarias indican a EFE que, de momento, no hay trenes cancelados pero sí se han empezado a notificar los primeros retrasos. Además, los paneles no funcionaban y la información se ha tenido que transmitir escrita en pizarras.

La ceremonia de clausura del Festival de Cannes se desarrolló según lo planeado. La organización había asegurado que contaba con generadores que podián dar servicio durante todo el día.

El apagón de hace justo un mes que dejó sin luz a España durante varias horas, cuyas causas todavía no han sido esclarecidas, abrió un debate en la opinión pública sobre el uso de energías renovables –señaladas desde algunos sectores como responsables del apagón–, y se utilizó incluso como pretexto para promover la energía nuclear supuestamente con el fin de evitar cortes de electricidad inesperados. Este argumento ha sido repetido desde entonces por la derecha española, pero también ha trascendido fronteras hasta llegar a la Casa Blanca. “Los recientes acontecimientos en Europa, como los apagones a nivel nacional en España y Portugal, resaltan la importancia de que mi Administración se centre en la generación de energía disponible, incluida la energía nuclear, frente a la energía intermitente”, dice Donald Trump en uno de los decretos que firmó este viernes para impulsar la energía nuclear.

Era la favorita en todas las apuestas (aquí arrecian las grillas con puntajes de críticos) y el jurado presidido por la estrella francesa Juliette Binoche se sumó a la ola: “Un simple accidente” ganó el premio más importante de un festival al que puede aspirar cualquier cineasta, en medio de una ovación y convirtiendo además al iraní Jafar Panahi en uno de los pocos directores de la historia en obtener la Palma de Oro de Cannes, el León de Oro de la Mostra de Venecia y el Oso de Oro de la Berlinale.

“Un simple accidente” había llenado desde su estreno todos los casilleros que se requieren para ganar un premio de esas dimensiones. A las críticas laudatorias hay que sumarle la trayectoria de Panahi (hace ya 30 años ganó aquí la Cámara de Oro con su ópera prima “El globo blanco”), el hecho de ser la primera película autorizada por el régimen iraní luego de condenarlo a prisión y prohibirle filmar (igual lo hizo varias veces de forma clandestina) y, claro, la pertinencia del tema: esta tragicomedia aborda los profundos dilemas éticos y morales de las víctimas de un represor que los torturó cuando lo reconocen varios años después. Panahi, sensiblemente emocionado al subir al escenario de la inmensa Sala Lumière, hizo un discurso muy político reclamando libertad en su país.

Otras dos películas que habían sido saludadas con entusiasmo también recibieron premios importantes: el Gran Premio del Jurado fue para el noruego Joachim Trier por “Sentimental Value”, la historia de una familia ligada al cine y el teatro en la que se lucen los cuatro intérpretes protagónicos: Renate Reinsve, Stellan Skarsgård, Inga Ibsdotter Lilleaas y la estadounidense Elle Fanning; mientras que el brasileño Kleber Mendonça Filho obtuvo dos distinciones por “O Agente Secreto”, notable thriller político ambientado en 1977, plena dictadura militar, en su Recife natal: Mejor Dirección y Mejor Actor para una figura muy popular de ese país y a nivel internacional como Wagner Moura.

La debutante absoluta Nadia Melliti logró el premio a Mejor Actriz por el papel de una joven en busca de su identidad en el seno de una familia tradicional musulmana y desafiando los mandatos en “La petite dernière”, de Hafsia Herzi. Esta producción francesa también se quedó con la Palma Queer al mejor film de temática LGBTIQ+.

En un palmarés muy repartido (se premiaron a ocho películas distintas) también se reconoció a la española “Sirât”, de Oliver Laxe (film de aventuras en el universo de las raves que se organizan en los desiertos africanos); la alemana “Sound of Falling”, de Mascha Schilinski (cuatro generaciones de mujeres que vivieron en una misma casa) y la china “Resurrection”, de Bi Gan (un recorrido por múltiples géneros y por la historia del cine con estética retrofuturista). Por su parte, los veteranos hermanos Dardenne, dos voces ganadores de la Palma de Oro por “Rosetta” en 1999 y por “El niño” en 2005, se llevaron el de Mejor Guion por “Jeunes mères”, film coral sobre la problemática del embarazo adolescente.

Pese a que quedaron en el camino otros valiosos films como “The Mastermind”, de Kelly Reichardt; y “Nouvelle Vague”, de Richard Linklater, fue en líneas generales un muy atinado palmarés con un jurado -en el que participaron también directores como el coreano Hong Sangsoo, el mexicano Carlos Reygadas o la india Payal Kapadia y actrices como la italiana Alba Rohrwacher y la estadounidense Halle Berry- que iluminó y realzó varias de las mejores zonas de una selección oficial con bastantes altibajos.

Como dato más propio del negocio -pero importante para saber cómo llegarán las películas a los cines argentinos y luego al streaming-, MUBI compró casi todas las películas triunfadoras (y en la mayoría de los casos para toda América Latina), como “Un simple accident”, “Sentimental Value” y “O Agente Secreto”, además de otras que no ganaron como “The History of Sound”, con Paul Mescal y Josh O’Connor; “The Mastermind”, de Kelly Reichardt; y “Die My Love”, de Lynne Ramsay, con Jennifer Lawrence y Robert Pattinson.

El excelente festival que hizo el cine brasileño -coronado con los dos premios para “O Agente Secreto”- contrasta con la ausencia casi absoluta del cine argentino, que tuvo solo un cortometraje en competencia (“Tres”, de de Juan Ignacio Ceballos) y un film en la sección paralela ACID rodado en Nueva York (“Drunken Noodles”, de Lucio Castro). Los apoyos en un caso y los recortes en otro tuvieron consecuencias directas en una de las máximas vidrieras globales como la de Cannes.

Todos los premios

Competencia Oficial

Palma de Oro: 

Un simple accident / It Was Just an Accident / Un simple accidente, de Jafar Panahi

Gran Premio del Jurado:

Sentimental Value / Affeksjonsverdi, de Joachim Trier

Mejor Dirección:

Kleber Mendonça Filho, por O Agente Secreto / The Secret Agent

Mejor Actor:

Wagner Moura, por O Agente Secreto / The Secret Agent

Mejor Actriz:

Nadia Melliti, por La petite dernière / Little Sister, de Hafsia Herzi

Pemio del Jurado (compartido)

Sirât, de Oliver Laxe; y Sound of Falling, de Mascha Schilinski

Premio Especial:

Résurrection / Resurrection, de Bi Gan

Mejor Guion: 

Jean-Pierre y Luc Dardenne, por Jeunes mères / Young Mothers

Otros premios

Cámara de Oro:

The President’s Cake, de Hasan Hadi

Cámara de Oro (Mención):

My Fther’s Shadow, de Akinola Davies Jr.

Palma de Oro al Mejor Cortometraje:

I’m Glad You’re Dead Now, de Tawfeek Barhom

Palma de Oro al Mejor Cortometraje (Mención):

Ali, de Adnan Al Rajeev

Premio Golden Eye a Mejor Documental:

Imago, de Déni Oumar Pitsaev

Premio del Jurado Golden Eye a Mejor Documental:

The Six Billion Dollar Man, de Eugene Jarecki

Queer Palm: 

La petite dernière / Little Sister, de Hafsia Herzi

MU

Aunque todavía faltan llegar algunas últimas películas fuera de concurso y ningún acreditado alcanza a ver todos los films de las distintas secciones oficiales y paralelas, la primera sensación es que el Festival de Cannes 2025 se trató de una cosecha con un nivel general menos potente y sorprendente que en los últimos dos años. Esto no significa que hayan escaseado títulos de primer nivel –seguramente varios de ellos marcarán el resto del año cinéfilo que se reiniciará en mayo próximo– pero al principal festival del mundo se le exige siempre mucho y, por eso, aquí un largometraje bueno pero no excepcional, que en otro contexto sería celebrado con entusiasmo, es recibido incluso con cierta decepción.

Muchas de las películas que en Cannes no reciben en primera instancia un apoyo importante luego son revalorizadas en otras muestras o cuando se estrenan en el circuito comercial. Todas merecen una segunda visión porque el principal festival del mundo obliga a una maratón de casi dos semanas con decenas de estrenos mundiales a diario y nadie –por mayor experiencia, profesionalismo y generosidad que ponga en juego– puede ver tanto cine exigente en las mejores condiciones físicas e intelectuales.

Por eso, este Top 10, además de caprichoso como cualquier lista o ranking personal, es provisorio. Hay entusiasmos cuya espuma quizás baje rápidamente y otros films que hoy no figuran entre los preferidos que luego crecerán en la valoración personal y de la cinefilia en general.

1- Nouvelle Vague, del estadounidense Richard Linklater. El director de “Boyhood” concretó un homenaje a la nueva ola francesa, a ese clásico de la modernidad cinematográfica que es “Sin aliento” y a la figura señera de Jean-Luc Godard alejado de toda pompa y con un espíritu siempre lúdico y celebratorio. Puro disfrute.

2- Un simple accidente, del iraní Jafar Panahi. Tras ser liberado por el régimen de su país y habilitado para filmar de forma legal, el realizador de “3 Faces” narra con tensión, humor negro e inteligencia los dilemas éticos y morales de unas víctimas que reconocen a quien fuera su torturador cuando estuvieron en prisión.

3- O agente secreto, del brasileño Kleber Mendonça Filho. Thriller político ambientado en los ominosos años '70 (plena dictadura militar) con un mixtura entre múltiples géneros y hermosas citas cinéfilas con el talento habitual del creador de “Aquarius”.

4- Sentimental Value, del noruego Joachim Trier. Renate Reinsve, Stellan Skarsgård, Inga Ibsdotter Lilleaas y Elle Fanning se lucen como pocos elencos de Cannes 2025 en este drama familiar que narra las diferencias entre un padre (cineasta consagrado) y su hija mayor (prestigiosa actriz de teatro), así como varios otros conflictos trabajados con ductilidad, intensidad y elegancia por el realizador de “The Worst Person in the World”.

5- The Mastermind, de la estadounidense Kelly Reichardt. La directora de “First Cow” incursiona en la película de robos con un film que narra el golpe ideado por un padre de familia (Josh O'Connor) para llevarse varias pinturas de un museo en esta historia ambientada en una pequeña ciudad de Massachusetts en 1972 (pleno conflicto de Vietnam) que luego, como ocurre siempre en el cine de Reichardt, desafía las expectativas y convenciones para apelar a una deriva constante y muy singular.

6- O riso e a faca, del portugués Pedro Pinho. Un ingeniero que trabaja al servicio de una ONG viaja a Guinea-Bissau para un estudio de impacto previo a la construcción de una ruta a gran escala. El director de “La fábrica de nada” expone las contradicciones entre la Europa más progresista y la realidad africana con una mirada muy poco convencional sobre el neocolonialismo y el racismo.

7- Miroirs No. 3, del alemán Christian Petzold. Tras “Undine” y “Cielo rojo / Afire”, Petzold vuelve a trabajar con su musa Paula Beer en una historia que explora cuestiones extremas como la angustia existencial, las enfermedades mentales y la muerte, pero que jamás cae en el melodrama recargado sino que apela a un tono austero y hasta encantador.

8- Ciudad sin sueño, del español Guillermo Galoe. Luego de filmar cortos premiados y de un trabajo social en la zona, Galoe rodó su primer largometraje en Cañada Real, una gigantesca zona sumergida en las afueras de Madrid que está en pleno proceso de destrucción, y las formas de resistencia de una comunidad con muchos gitanos que encuentra allí su tierra y su manera para sobrevivir.

9- Highest 2 Lowest, del estadounidense Spike Lee. Esta muy libre remake de “El cielo y el infierno” (1963), clásico del japonés Akira Kurosawa, es un notable thriller ambientado en el negocio discográfico de Nueva York que además significa el reencuentro entre Lee y Denzel Washington.

10- Magalhâes, del filipino Lav Diaz. El mexicano Gael García Bernal interpreta al militar, explorador y navegante portugués Fernando de Magallanes (quien hizo múltiples expediciones al servicio de la corona española) en el nuevo largometraje del prolífico y brillante director filipino, que regaló varios de los momentos más subyugantes de esta edición.

MC

Hay intérpretes a los que vimos crecer y madurar, literalmente, delante de las cámaras. A Jodie Foster la conocimos con 12 años. Con esa edad rodó su papel en Taxi Driver, donde daba vida a la prostituta adolescente que acompañaba al Travis Bickle de Robert De Niro en la obra maestra de Martin Scorsese. Su rostro era inolvidable. Había algo mágico y distinto en ella. Todos se dieron cuenta, incluida la Academia de Hollywood, que menos de dos años después la nominaba al Oscar por ese papel. 

Desde entonces Foster encadenó una carrera cuya cima llegó a finales de los 80 y comienzos de los 90, con dos papeles como Acusados y El silencio de los inocentes por los que ganó el Oscar. Su interpretación de Clarice Starling y su duelo con Anthony Hopkins se quedaban grabados en la retina del espectador. Había en ella algo que la hacía diferente, un carácter, una serenidad diferente. Lo demostró cuando en 2007 declaró públicamente que era lesbiana, cuando todavía las actrices no se atrevían a hacerlo.

En 2013 dio otro paso completamente inesperado: tomarse un descanso. No fue el típico parón temporal, sino que dijo que no podía más, que su cuerpo le pedía parar. Lo hizo durante cinco años. Tampoco regresó aceptando todo lo que le propusieran, sino seleccionando poco a poco, hasta llegar a su regreso audiovisual vivido el año pasado con la última temporada de True Detective, por la que ganó el Emmy y el Globo de Oro. 

Lo culmina ahora en el Festival de Cannes, donde dio una lección de clase, de madurez, de inteligencia y de interpretación en Vida privada (Vie Privée), en la que la cineasta francesa Rebecca Zlotowski le regala un bombón de personaje: una psicóloga a la que le vendría bien sentarse en su diván y que a través de un misterio, el de una paciente que se muere y con la que se había obsesionado, exorciza sus demonios como si fuera una detective amateur. Una película ligera, que se disfruta por su inteligencia, su capacidad para no tomarse en serio y por una Jodie Foster que a sus 62 años realiza su primera interpretación protagonista en francés (aunque ya hizo un pequeño papel en Amor eterno).

Lo reafirmó en su conferencia de prensa, donde habló, precisamente, de cómo el paso del tiempo más que un peso fue una forma de adquirir la confianza para saber lo que quiere. “Cuanto más vieja me hago, más despreocupada quiero estar. Ahora me gusta estar en películas que hablen de otras personas. Cuando era más joven, solo quería estar en películas que hablaran de mí. Pero ahora las cosas realmente cambiaron. Es muy divertido escuchar nuevas voces y apoyar las actuaciones de otras personas. Es maravilloso ser la anciana que dice: '¡No te preocupes, no hay nada serio en esto!’”, dijo levantando el aplauso de los periodistas en Cannes.

La actriz, que estudió en un liceo francés, confesó que le habían ofrecido en bastantes ocasiones películas francesas, pero que siempre la había “asustado demasiado” interpretar en otro idioma que no fuera el inglés aunque llevara “tiempo queriendo hacerlo”. “Había tenido papeles secundarios en películas francesas antes, pero es verdad que tenía miedo”, declaró Foster. “Me daba demasiado miedo actuar en francés. Pensé que alguien con más conocimientos de francés debería hacerlo”, añadió.

Cuando era más joven, sólo quería estar en películas que hablaran de mí. Pero ahora las cosas realmente cambiaron. Es muy divertido escuchar nuevas voces

Jodie Foster

Ahora, tras hacerlo, le encontró ciertas ventajas, aunque parece que más inconvenientes. “Lo mejor es que cuando actúo en francés, soy una persona totalmente diferente. Tengo hasta una voz mucho más aguda, pero eso sí, tengo mucha menos confianza y me frustro mucho porque no puedo expresarme tan bien. Y eso crea un nuevo tipo de personaje para mí”, valoró.

Quien la convenció para el reto es Rebecca Zlotowski, que lo logró simplemente mandándole el guion. Foster lo leyó, le encantó y como buena alumna se puso a ver las anteriores películas de la directora antes de decir que sí. Para Zlotowski, trabajar con la estadounidense fue cumplir un sueño, y en la conferencia de prensa desveló que en sus anteriores películas siempre pensaba en ella para interpretar el papel principal. “Desde que soy estudiante fantaseaba con Jodie Foster en mis películas y ahora finalmente fue nuestro momento. Este era el filme para ella. Construí todo el andamiaje del filme a su alrededor”, apuntó la autora de otras películas como Una chica fácil y Los hijos de otros.

Al lado de Foster en Vida privada están popes del cine francés como Daniel Auteuil o Mathieu Amalric. Dos actores que, como ella, también probaron suerte como cineastas, algo que Zlotowski cree que es muy positivo para el filme. “Cuando somos realizadores tenés que sentir en tu cuerpo lo que es ser actor, y por eso creo que los actores hacen mejores películas”, afirmó logrando el asentimiento de Foster. “Me gusta trabajar con actores que son realizadores. Los actores tienen tendencia a pensar en el momento, en el presente, los directores tienen un marco más global. Tener actores que son realizadores ayuda enormemente”, añadió ella que, por el momento, no tiene ningún papel en la recámara a pesar de su regreso arrollador estos dos últimos años.

La escritora argentina Ariana Harwicz llegó al Festival de Cannes con la adaptación cinematográfica de su primera novela, Matate, amor, que fue presentada en la selección oficial y fue ovacionada durante nueve minutos. La película, titulada Die, My Love, está dirigida por la escocesa Lynne Ramsay y cuenta con la actuación de Jennifer Lawrence en la piel de una mujer que enfrenta una profunda crisis emocional en medio de la maternidad.

La producción está a cargo nada menos que de Martin Scorsese, quien adquirió los derechos de la novela tras leerla durante la pandemia y compararla con la obra de Sylvia Plath.

Matate, amor fue publicada en 2012 y forma parte de la “Trilogía de la pasión” de Harwicz, que también incluye La débil mental (2014) y Precoz (2015). Estas obras fueron reconocidas por su estilo fragmentario, su prosa lírica y brutal, y su enfoque en la experiencia femenina desde una perspectiva cruda y sin concesiones.

Harwicz, nacida en Buenos Aires en 1977, reside en la campiña francesa desde 2007. Su obra fue traducida a varios idiomas y recibió elogios por su capacidad para abordar temas complejos como la maternidad, la violencia y la identidad femenina con una voz única y provocadora. La adaptación cinematográfica de Matate, amor marca un paso significativo en su carrera, llevando su visión literaria a una audiencia global.

La participación de Jennifer Lawrence en el proyecto generó gran expectativa y la actriz se mostró muy entusiasmada por interpretar a un personaje tan desafiante y emocionalmente complejo. La película causó un gran impacto en el Festival de Cannes, donde fue elogiada por su exploración visceral de la maternidad y la salud mental, aunque no entusiasmó a todos.

En Die, My Love, Lawrence interpreta a Grace, una madre primeriza que enfrenta una profunda depresión postparto en un entorno rural de Montana. La película fue descrita como una “exploración abrasadora del tormento mental materno”, con Ramsay ofreciendo una adaptación psicológica intensa de la novela de Harwicz.

La actuación de Lawrence fue ampliamente elogiada, con muchos críticos destacando su interpretación como una de las más poderosas de su carrera. La película también fue comparada con obras como Mother! de Darren Aronofsky, aunque con un enfoque más oscuro y surrealista.

El crítico Diego Batlle la definió como poco menos que un unipersonal de Jennifer Lawrence, acompañada por Robert Pattinson, LaKeith Stanfield, Sissy Spacek y Nick Nolte.

Comprada por MUBI por más de US$20.000.000, Batlle dice que “se trata uno de esos tour de force que tanto gustan en Cannes, en el que una actriz consagrada lo deja absolutamente todo en pantalla, aunque en ese torbellino de insultos, bailes, golpes, desnudos, autolesiones, sexo, alcohol y angustia existencial frente a un embarazo, un posparto y una crianza tortuosa haya algo de ostentación, de exaltación y de regodeo narcisista”.

Matate, amor le valió a Harwicz una nominación al prestigioso premio Man Booker International en 2018. Para lo que entonces era Twitter (ahora X), la frase que conforma el título de la novela era un “incentivo a la autolesión”. Así que cada vez que se posteaba el nombre de la obra -tanto Harwiczs como cualquier usuario- le suspendían la cuenta.

Con la adaptación de Matate, amor en Cannes, la escritora se consolida como una de las voces más innovadoras y audaces de la literatura argentina contemporánea.

En 2021, en entrevista con elDiarioAR, compartió algunos de sus puntos de vista: “Nunca vi al mundo tan uniformado, tan en bloque. Antes los artistas podían ir a ver como piensa un serial killer, un violador o una mujer que viola a la hija o un torturador o un genocida. Pero ahora no se puede, no está permitido. Sos tratado de perverso o de narcisista”.

“Hoy, siglo XXI, estamos pensando con la lógica del apartheid. Porque todo el mundo está con pánico. Es como un campo minado: cualquiera puede ser cancelado”, señaló.

“Escribo mucho sobre la familia porque me parece la gran estafa, una comedia. Cuando sos grande, como yo, ves lo frágil que son los vínculos. Mamá es mamá, papá es papá, pero después mamá quiere ser otra cosa, papá quiere ser otra cosa. La familia es una puesta en escena. Y yo en mis textos trato de desarmar eso”, explicó además. 

CRM/MG

Los portales de temas generales y las redes sociales suelen embriagarse con imágenes de la alfombra roja pletóricas de estrellas de Hollywood y del cine europeo (y con polémica del estilo de por qué el festival prohibió la desnudez entre quienes se pasean por esa red carpet y las míticas escaleras que llevan hasta la inmensa Sala Lumière), pero Cannes es también el epicentro de las películas más políticas, de las declaraciones más provocadoras que tienen su impacto más allá del mundillo audiovisual. Casi no hay día en que alguna figura (este año han sido Robert De Niro, Pedro Pascal, Spike Lee, Wes Anderson y siguen las firmas) salga con los tapones de punta sobre todo contra el gobierno de Donald Trump, más ahora que el presidente estadounidense pretende imponerle aranceles a las películas que no se filmen en su país.

Cannes abrió con el “Día de Ucrania”, durante el que se proyectaron tres películas sobre el conflicto con Rusia: “Zelensky”, de Yves Jeuland, Lisa Vapné y Ariane Chemin; “Notre Guerre”, de Bernard-Henri Lévy y Marc Roussel; y “2000 Meters to Andriivka”, de Mstyslav Chernov, mientras que la sección paralela Quincena de Cineastas (que surgió al calor del Mayo del '68 y tiene una larga tradición de films políticos) programó “Militantropos”, documental de los ucranianos Simon Mozgovyi, Yelizaveta Smith y Alina Gorlova en el que con imponentes planos fijos se muestran desde los trenes que desplazan a miles de ciudadanos hacia zonas menos conflictivas y, en sentido inverso, a los militares hacia el frente de guerra, gigantescas palas mecánicas que mueven toneladas de escombros tras los bombardeos o cómo la sociedad civil es entrenada para usar armas y sumarse a los combates.

Pero si hay una película que combinó la excelencia artística con una denuncia punzante pero nunca subrayada esa es “Un simple accidente”, nuevo largometraje del iraní Jafar Panahi y uno de los favoritos para ganar la Palma de Oro o alguno de los premios principales. Se trata del primer proyecto legal tras haber estado detenido e impedido de trabajar (lo hizo de forma clandestina) por criticar al régimen de su país hasta que finalmente en abril de 2023 se le levantó la condena y ahora también se le permitió viajar a Cannes.

Con mínimos recursos (buena parte del film transcurre a bordo de una camioneta y la mayoría de los actores son no profesionales), Panahi aborda en “Un simple accidente” los dilemas de unas víctimas cuando reconocen (y luego secuestran) a un represor que los torturó cuando estuvieron en prisión. Una fábula de una potencia y unas implicancias asombrosas en un auténtico descenso a los infiernos de una sociedad rota (como dice uno de los personajes, “cuanto más profundo vayas, más te hundirás”). Es, queda claro, una película muy personal porque el director de “El globo blanco”, “Crimson Gold” y “3 Faces” ha pasado varios años por la cárcel y ha tenido que lidiar varias veces con sus captores, pero también tiene muchos momentos de humor físico y diálogos punzantes (es una gran comedia de enredos) que funcionan a la perfección y que sacan a la historia de la mera denuncia.

Se trata, en definitiva, de una exploración despiadada, sin concesiones, de las miserias, contradicciones y angustias que corroen el alma del Irán contemporáneo, contado por un artista singular, inteligente y talentoso, que desde adentro –habiendo soportado las presiones más horrorosas– sigue indagando, provocando y conmoviendo.

“Cuando pasás ocho horas al día con los ojos vendados, sentado frente a una pared, siendo interrogado por alguien desde atrás todos los días –dijo aquí el también realizador de ”El círculo“, ”Offside“, ”Esto no es una película“ y ”Taxi“– no podés dejar de preguntarte qué tipo de conversación podrías tener con ese hombre”. Y agregó: “De esas circunstancias específicas nace la reflexión: ¿cuál sería tu relación con un ser humano así si lo volvieras a encontrar? Como cineasta, siempre estás influenciado por tu entorno, y cuando te sacan de tu vida y tu sociedad para encerrarte en una prisión, por supuesto que surgen estas reflexiones e ideas. Pero aun así, no era mi intención hacer una película sobre ello. Incluso cuando fui liberado, cada vez que caminaba o pasaba cerca de la prisión, me preguntaba: '¿Qué ha pasado con todas esas personas que estaban conmigo y ahora están del otro lado de este muro? ¿Qué están haciendo? ¿Qué están viviendo ahora que yo estoy fuera?’ Y fue solo poco a poco que todas esas reflexiones se unieron y me dieron la idea de escribir este guion y hacer una película”.

Consultado sobre el tema de la reconciliación, el realizador iraní respondió: “No se trata de guerra y paz. Se trata del ciclo de la violencia. Somos cineastas con conciencia social, y como tales, no creemos en personajes absolutamente buenos o absolutamente malos. Nadie es completamente bueno ni completamente malo. Todos forman parte del sistema, y todos son producto de una estructura que impone sus propias reglas y valores a estas personas. Entonces, el problema va más allá de la reconciliación. Es una cuestión de entender cómo, cuando este sistema colapsa, las personas que han sido bombardeadas con propaganda medieval durante casi medio siglo pueden convivir en paz y expresar sus necesidades y deseos de manera auténtica”.

Recorrido por un mundo en llamas

También en la Competencia Oficial se proyectaron “O Agente Secreto”, thriller psicológico en el que el brasileño Kleber Mendonça Filho ahonda en la connivencia entre militares y empresarios durante la larga dictadura en aquel país con cuestiones ligadas con la memoria y la identidad que llegan hasta hoy; y “Aigles of the Republic”, de Tarik Saleh, que expone la maquinaria estatal de persecución, censura y amenaza del gobierno egipcio a partir de las penurias de una estrella del cine que se ve forzado a protagonizar una hagiografía sobre el presidente de ese país. Por su parte, en la segunda competencia, Un Certain Regard, compite  “Once Upon a Time in Gaza”, de los hermanos Arab y Tarzan Nasser, una ficción ambientada en 2007 en una de las zonas más arrasadas del planeta.

El nazismo –en estos tiempos de negacionismo y auge de las nuevas derechas– también reapareció en varios proyectos, como “Amrum”, de Fatih Akin, ambientado en una isla cuando la derrota de Hitler ya era irreversible; y en “The Disappearance of Josef Mengele”, film del ruso (exiliado) Kirill Serebrennikov sobre el médico que fue clave en la máquina de matar en los campos de concentración y que luego se refugió en Brasil y la Argentina (hay varias escenas rodadas en nuestro país y otras que recrean la Buenos Aires de la década de 1950, tras la caída del peronismo).

El movimiento feminista en Chile fue exaltado en “La Ola”, de Sebastián Lelio (ganador del premio Oscar por “Una mujer fantástica”), mientras que el colonialismo es desde siempre un tema recurrente en Cannes (el pasado de Francia así lo impone) y este año fue abordado desde lo histórico (la notable “Magalhâes”, del filipino Lav Diaz, con Gael García Bernal) y desde la actualidad (la monumental “O riso e a faca”, del portugués Pedro Pinho, que dura casi cuatro horas).

En la recta final del festival llegó “The Six Billion Dollar Man”, film del prestigioso director Eugene Jarecki, que reconstruye la controvertida historia de Julian Assange, un ícono contemporáneo del derecho a la información, cuya reciente liberación ha reavivado el debate global sobre la libertad de prensa. Gracias al acceso privilegiado a las imágenes y archivos de Wikileaks y a pruebas inéditas, este documental se puede ver como un thriller internacional de alta tecnología.

Todavía queda por estrenarse “Yes!”, del siempre contestatario director israelí Nadav Lapid, que está ligado a los ataques ocurridos el 7 de octubre de 2023 y narra la historia de un músico de jazz en crisis al que le encargan componer un nuevo himno nacional. Se comenta en los pasillos del Palais des Festivals de Cannes que fue rechazada por los programadores de la Sección Oficial para finalmente ser seleccionada por la Quincena de Cineastas y –aseguran quienes ya la vieron en funciones previas– podría generar protestas a ambos lados de la grieta palestino-israelí por lo incómoda que resulta para ambos extremos ideológicos.

DB/DTC

Franco Colapinto se dio un respiro de la Fórmula 1 para formar parte de uno de los eventos culturales más prestigiosos del mundo: el Festival de Cine de Cannes, en su 78ª edición.

El pilarense asistió junto a su actual compañero de Alpine, Pierre Gasly y Esteban Ocon, exintegrante de la escudería francesa y hoy parte del equipo Haas. Los tres compartieron una noche de gala en la Croisette, donde destacaron entre los flashes de los fotógrafos.

Desde sus redes sociales, la escudería donde se encuentra el argentino celebró la participación de sus: “Luciendo como debe ser. Pierre Gasly y Franco Colapinto están listos para el Festival de Cine de Cannes”.

Además, la escudería francesa sumó un divertido comentario: “Qué elegancia, la de Francia”.

Por otro lado, Colapinto también mostró sus propias fotos a sus seguidores, dejando una divertida descripción: “Cannes con Alpine, hoy aprendí lo que es un smokin y un moño. Top”.

La aparición del pilarense en Cannes se dio pocos días después de su regreso a la Fórmula 1, en el Gran Premio de Emilia-Romagna. En Imola, reemplazó al australiano Jack Doohan y, aunque tuvo un accidente en la clasificación, completó el domingo con una actuación sólida, cruzando la bandera a cuadros en la decimosexta posición.

Colapinto ya coloca su mirada en su próximo compromiso: el Gran Premio de Mónaco, el cual es uno de los eventos más emblemáticos del calendario. Las prácticas comenzarán este viernes en el histórico trazado urbano.

MM con información de la agencia NA.

Los españoles Javier Calvo y Javier Ambrossi se encuentran preparando el que será su siguiente proyecto como creadores. En esta ocasión se trata de una película, la segunda en su carrera tras La llamada. El proyecto se anunció hace unos meses con el título de La bola negra, y ahora, en el marco del Festival de Cannes, ambos aprovecharon para avanzar los primeros detalles de un casting que tiene el reclamo de Penélope Cruz como nombre más popular de la película. La ganadora del Oscar tendrá un papel en el filme, que se estrenará en cines en 2026 y que, como contaron los directores en Cannes, “está escrito a medida” para ella.

Los protagonistas serán tres hombres y uno de ellos hará su debut en el cine. Se trata de Álvaro Lafuente Calvo, más conocido como Guitarricadelafuente, el músico que acaba de publicar su nuevo disco Spanish Leather, y que tendrá su primera incursión en la interpretación con uno de los personajes centrales de este filme que toma el nombre de una obra perdida o inacabada de Federico García Lorca del que se conocen algunos personajes y las cuatro primeras páginas. 

A su lado estará Carlos González, al que se acaba de ver en Mariliendre, una serie producida también por Los Javis, y Miguel Bernardeau, conocido por su papel en Élite y más recientemente en Querer. Todos en lo que los directores definieron en su anuncio como una “reivindicación queer de una parte de la historia de nuestro país”.

La película abordará “las heridas” de tres hombres en tres momentos distintos: 1932, 1937 y el año 2017. Abordarán “lo que significa ser maricón a lo largo del tiempo”, subrayaron hace unos meses, cuando dijeron que esa “bola negra es el símbolo del rechazo, nuestra letra escarlata”, en relación a los estigmas o las vergüenzas públicas que porta una sociedad. 

“El proceso creativo de La bola negra comenzó con una labor de documentación e investigación histórica que hemos mezclado con un trabajo literario precioso con Alberto Conejero. Tiene una parte de adaptación teatral, otra de imaginación y otra de introspección para proyectar sobre todas las tramas nuestra identidad. Es muy ilusionante presentar aquí en Cannes, con estos compañeros, parte del casting de esta película de la que quedan aún por desvelar muchos nuevos talentos y sorpresas”, dice Ambrossi de este filme, del que su compañero asegura que es un texto que les toca “profundamente” y que les hace entender por qué se dedican a contar historias.

La historia 'queer' de España

Ambrossi y Calvo esperan “revisitar la historia de España desde lo queer”. Esta película llegará tras el gran éxito de Calvo y Ambrossi con la serie La Mesias, que vino anticipada por otras dos, Veneno y Paquita Salas. No es la primera vez que se juega a desarrollar esta obra inacabada de Lorca. En 2015, Alberto Conejero estrenó su obra La piedra oscura, dirigida por el argentino Pablo Messiez para el Centro Dramático Nacional, que es el segundo título que el poeta granadino dio a esa historia.

En Cannes se anunciaron, además, los socios internacionales de La bola negra: Le Pacte y Goodfellas, estandartes del cine de autor y fundamentales para el recorrido del filme fuera de España y en festivales internacionales. Además, en el equipo técnico repiten profesionales con los que Calvo y Ambrossi trabajaron en La Mesías: Gris Jordana será la directora de fotografía, Roger Bellés el director de arte, Ana López Cobos la figurinista, y Belén Martí Lluch, la coreógrafa. Alberto Gutiérrez firmará el montaje y Raül Refree la música de la película.

Bono, el líder de U2, aparece en una habitación del hotel Marriot de Cannes cubriendo su cara con una revista con la cara de Scarlett Johansson. “Soy Scarlett”, se oye detrás de la máscara improvisada. Cuando la baja aparece el rostro del cantante de la banda, desplegando encanto y normalidad impropios de una estrella de su calibre. Le da la vuelta a la revista y aparece él, impreso en la contraportada. “¡¡Soy la cara B de Scarlett Johansson!!”, añade riendo y preguntándose qué hace en medio del festival de cine más importante y prestigioso del mundo.

Lo que hace es presentar Bono: historias de Surrender, el documental dirigido por Andrew Dominik que Apple TV+ estrena el próximo 30 de mayo y que vivió su premiere por todo lo alto en el Festival de Cannes, donde Bono acudió a la alfombra roja rodeado de soldados ucranianos. Porque el artista, aunque venga a eso de la promoción, no se olvida de los asuntos que le importan, y eso se nota cuando contesta a las preguntas de un reducido grupo de periodistas.

Aunque habla del filme y del libro en el que se basa, Bono no puede evitar ofrecer su lado comprometido, ese que lo convirtió en referente no solo musical, sino activista para muchos de sus seguidores. Esa vertiente también se encuentra en el filme, rodado en un imponente blanco y negro y en el que él es el único personaje que aparece, aunque se lance a interpretar y dé vida a su padre y a otros líderes de la banda. En una hora y media cuenta sus traumas con su padre, por la muerte de su madre, por la violencia en Irlanda y habla, mucho, de cómo se comprometió cuando muchos le dijeron que no lo hiciera.

Reconoce que tanto el libro, como este documental, nacen de una voluntad de “quitarse la armadura”. “Cuando desarrollaste esa protección para ser famoso, en algún momento tenés el deber de quitártela y decir, esto es lo que hay. Y lo que hay es que todo se reduce a que intentaste impresionar a tu padre. Nos gusta pensar que estamos influenciados por los libros que leemos, ya sean los textos sagrados o los manifiestos políticos, pero en realidad, ¿por qué soy cantante? Porque estoy llenando este vacío que dejó mi madre cuando murió. Creo que todos tenemos familias que no son las tradicionales”, explica.

En Historias de Surrender habla de esperanza, y cuándo se le pregunta por eso, por la esperanza, se emociona. “Esa es la pregunta correcta”, dice y lanza una cita: “Si tenés la oportunidad de tener esperanza, es un deber tenerla, porque la mayoría de la gente no la tiene”. Y continúa mostrando su tristeza por el estado de las cosas. “La palabra rendición (por el título, Surrender, del documental y el libro) suena absurda en un momento en el que parece que el planeta está decidido a incendiarse. Estamos más cerca de una guerra mundial que en cualquier otro momento de mi vida”, dice preocupado.

Hablar contra la guerra de Irak perjudicó a U2. Nos costó caro. Pero tampoco favoreció a George W. Bush ni a su público

Bono — Cantante

Pero por eso, aunque es consciente de la contradicción de hacerlo en Cannes, pide que se siga hablando de paz. “Aquí estamos, hablando de no violencia en la alfombra roja de Cannes y sé que parece ridículo. Y parecía ridículo cuando presentamos por primera vez Sunday, bloody Sunday cuando Irlanda estaba al borde de una guerra civil. Pero sabíamos, ingenuamente, que la no violencia era la única salida. Lo digo y tengo en mi oreja resonando a Martin Luther King, a John Lennon, a Joan Baez… a todos ellos. La no violencia fue la forma en la que Irlanda logró la paz. Tenemos que superar la violencia. Así que esa es mi postura. La mantuve a los 23 años y se reían y se burlaban de mí. No pasa nada. Lo dije más veces, John Lennon estaba dispuesto a hacer el ridículo por la paz y hacía canciones geniales. No quiero comparar a U2 con los Beatles, pero sí sigo su ejemplo”, responde contundente.

Hace como que está preocupado porque su equipo le va a decir que hable más de la película y menos de política, pero en el fondo está en su salsa porque, además, ya no tiene nada que perder. Lo tenía antes y aun así se posicionó cuando tocaba. De hecho, asiente cuando le preguntan si cree que ese posicionamiento lo perjudicó en algún momento de su carrera: “Sí, pero no pasa nada, es parte del trabajo. Cuando hablé de George W. Bush, durante la guerra, cuando estaba a punto de invadir Irak, eso no nos favoreció a U2. Nos costó caro. Pero tampoco lo favoreció a él y a su público”.

Ese enfrentamiento con Bush le sirve también para contraponer al líder republicano con Donald Trump. En aquellos momentos Bush trabajaba activamente en la lucha contra el sida, una de las causas donde Bono está más implicado, y fue en esos años cuando se realizó la que el cantante califica como la “mayor intervención sanitaria en la historia de la medicina”. “Así que me senté con él, me mordí la mano y no lo critiqué, porque estaba a punto de salvar, como luego se vio, 26 millones de vidas”, empieza diciendo.

“Sin embargo, este emperador que tenemos ahora, cortó todos esos sistemas de soporte vital. No solo advirtió que EEUU no va a estar para ti si vivís lejos, sino que de hecho están encantados con lo que está pasando. Ahora mismo, un sudafricano blanco y rico (dice refiriéndose a Elon Musk) es el responsable de que los sudafricanos más pobres, los más negros, no reciban sus medicamentos antirretrovirales. Es una especie de apartheid que regresa. El mundo se había librado del pico de 2004… no retrocedamos”, zanja. 

Incluso se atreve a proponer a Cannes un pequeño cambio para que el festival sea algo más político: “Estamos aquí en Cannes, un festival creado para la libertad, porque Mussolini y su amigo Goebbels se había apoderado de Venecia. Este es un festival que habla de libertad, y tiene la alfombra roja más famosa del mundo, ya que esa alfombra, durante sus primeros tres o cuatro años fue azul. Quizás podría volver a ser azul, y luego poner una amarilla al lado y crearíamos una bandera ucraniana…”. Lo deja caer consciente de que no lo harán, pero él no pierde la oportunidad de recordarlo. Bono nunca se rinde, como deja claro su documental, y como deja claro en cuanto tiene un rato para demostrarlo.

Transcurridas las primeras seis jornadas sobre un total de doce y proyectadas once de las 22 películas que disputan la Palma de Oro y el resto de los premios de la Competencia Oficial, puede hacerse una suerte de balance de mitad de festival. Es cierto que en varias de las últimas ediciones, los mejores films aparecieron durante los días finales, pero los organizadores suelen programar muchos títulos fuertes para el primer fin de semana, que es el momento de mayor presencia de medios, compradores y público.

Cannes necesita de los autores y autoras, pero también de las estrellas y en los últimos tiempos ha apostado cada vez más por películas estadounidenses con figuras que garantizan glamour en la alfombra roja o a films de directores de prestigio que ruedan en inglés con intérpretes de renombre.

Si 2024 fue el año de “La sustancia” o “Emilia Pérez” (aunque la Palma de Oro se la terminó llevando “Anora”, de Sean Baker), en los primeros días de Cannes 2025 tuvimos a la escocesa Lynne Ramsay presentando “Die My Love”, transposición de la novela “Matate, amor”, de la argentina Ariana Harwicz, que es poco menos que un unipersonal de Jennifer Lawrence, acompañada por Robert Pattinson, LaKeith Stanfield, Sissy Spacek y Nick Nolte.

Comprada por MUBI (compañía que ahora tiene nada menos que cinco títulos de la Competencia Oficial) por más de US$20.000.000, se trata uno de esos tour de force que tanto gustan en Cannes, en el que una actriz consagrada lo deja absolutamente todo en pantalla, aunque en ese torbellino de insultos, bailes, golpes, desnudos, autolesiones, sexo, alcohol y angustia existencial frente a un embarazo, un posparto y una crianza tortuosa haya algo de ostentación, de exaltación y de regodeo narcisista.

Algo parecido ocurrió con “Eddington”, arriesgado, provocador y desmesurado film de Ari Aster con Joaquin Phoenix, Pedro Pascal y Emma Stone. El director de “El legado del diablo” (2018), “Midsommar: El terror no espera la noche” (2019) y “Beau tiene miedo” (2023) apuesta por un western contemporáneo en la línea de “Sin lugar para los débiles”, de los hermanos Coen, ambientado en un pueblo de New Mexico para meterse con todo y con todos: los efectos devastadores en más de un sentido de la pandemia de COVID (la acción transcurre en 2020), la libre portación de armas, las multimillonarias inversiones de las compañías tecnológicas y el racismo a partir del caso de George Floyd. Es una sátira incómoda sobre los fanatismos en sus más diversas expresiones, ya que es demasiado reaccionaria para la izquierda (Antifa no queda precisamente bien parada) y demasiado cuestionadora para los cultores del MAGA, de QAnon, 4Chan y los Proud Boys. En todo caso, con mucho material para la controversia artística y política que tanto gustan en Cannes.

Cinefilia y placer

Si los franceses suelen filmar cada vez más seguido con estrellas anglosajonas (otra vez: “Emilia Pérez” y “La sustancia”), el estadounidense Richard Linklater hizo el camino opuesto en “Nouvelle Vague”, su homenaje a la nueva ola de finales de los años '50 y, más precisamente, a Jean-Luc Godard. Se trata de una suerte de falso making of hablado íntegramente en francés en el que se van contando día por día (fueron 20 jornada en total) las anécdotas, trastienda, tensiones y hallazgos del rodaje de “Sin aliento”, la emblemática e influyente ópera prima de Godard, considerada clave en el surgimiento de la modernidad cinematográfica.

Guillaume Marbeck está impecable como JLG, mientras que Aubry Dullin interpreta a un joven Jean-Paul Belmondo y Zoey Deutch, a Jean Seberg. El proyecto escapa por completo del tributo solemne y acartonado para convertirse en una película alegre, vital e inspiradora que, con sus imágenes en 35mm y blanco y negro que intentan emular la estética de aquella época en que se tomaban “por asalto”, sin pedir permiso, las calles de París, celebra la audacia, la osadía, lo artesanal, lo autoral, el espíritu lúdico y de aventura que significa hacer cine con más ganas e ingenio que dinero. Un bálsamo frente a tantas historias crueles y tortuosas que se exhiben a diario en Cannes.

Dictadura y cine de género

Otra de las grandes películas que se vieron en la Competencia Oficial es “O Agente Secreto”, película del brasileño Kleber Mendonça Filho con Wagner Moura (“Tropa de élite”, “Narcos”). El director de “Sonidos vecinos” (2012), “Aquarius” (2016), “Bacurau” (2019) y “Retratos fantasmas” (2023) regresó a Cannes con un potente thriller político ambientado en 1977, plena dictadura militar, en su Recife natal.

Moura interpreta a un personaje por demás misterioso y cambiante que huye de San Pablo, pero su vida en Recife, donde se reencuentra con su pequeño hijo en plena explosión del Carnaval, también corre peligro porque Brasil está tomado por grupos de tarea, mercenarios, mano de obra desocupada, militares dados de baja por sus excesos pero que ahora los cometen a puro sadismo en el ámbito privado. Su única ayuda parece ser una red de contraespionaje de la resistencia.

Más que las escenas de acción (que las hay), a Kleber Mendonça Filho le interesan los efectos psicológicos, la dinámica social, las negaciones de muchos y las formas de rebeldía de unos pocos en tiempos tenebrosos en los que el poder estaba en manos de los militares (la dictadura se extendió entre 1964 y 1984 y la gestión del general Ernesto Geisel fue entre 1974 y 1979), pero con el apoyo, la connivencia y el aprovechamiento por parte de distintos sectores políticos y empresarios. 

Mezcla de cine clase B, thriller conspiranoico con estética setentista y mucha cinefilia que va desde referencia concretas a “Tiburón”, de Steven Spielberg, o a directores como John Carpenter y Brian De Palma, “O Agente Secreto” ratifica el excelente momento por el que atraviesa el cine brasileño. En ese sentido, aunque más arriesgada y compleja (dura casi tres horas), el film de Kleber Mendonça Filho tiene varios aspectos en común con la ganadora del Oscar, “Aún estoy aquí”, de Walter Salles. El contraste entre una industria en pleno esplendor por el fuerte apoyo de un gobierno como el de Lula y otra como la argentina, abandonada y prácticamente ausente en esta edición de Cannes, es mayúsculo y, desde nuestra perspectiva, desolador.

DB/MC

Hace unos días, Sean Penn se refería a Tom Cruise como “probablemente el mejor doble de riesgo en la industria del cine”. Aunque muchos quisieron ver en sus palabras un cierto desprecio, al reducir sus capacidades interpretativas a su gusto por realizar él mismo las escenas de acción, había en ellas un reconocimiento a algo que se convirtió en el sello de Cruise, que a los 62 años consiguió ser la mayor estrella del cine de acción de Hollywood y, probablemente, una de las pocas estrellas —a secas— que existen. Además, es de las pocas que lleva público a los cines por el mero hecho de ver su nombre en el cartel.

La prueba irrefutable es la saga de Misión Imposible. Cruise la comenzó hace casi 30 años, es decir, cuando acababa de pasar los 30, y la cierra ahora —desde un Festival de Cannes que siempre se rinde al intérprete— sin haber cedido el testigo. Él fue el epicentro de una franquicia por la que pocos apostaban y que consiguió sobrevivir a modas y sagas que iban y venían. Lo hicieron con la fórmula que usa el actor, que no es otra que apostar por recuperar la sensación de incredulidad ante lo que ocurre en la pantalla. Que la gente se pregunte cómo pudo hacer esas escenas en vez de quejarse por lo que chirrían los efectos visuales.

Para ello perfeccionaron una maquinaria promocional que, desde la segunda entrega, cuando nos presentó a Cruise colgado a pelo en una barranca, mostró cómo el actor realizó escenas de acción cada vez más complejas sin necesidad de dobles. Todo en pos de dotar de realismo a unas películas cuya trama no podía ser más inverosímil. Pero Cruise se dejaba el cuerpo, literalmente, para que nos creyéramos que él era el único que podía salvar al mundo porque era el único que puede realmente realizar esos saltos.

En este viaje encontró, desde la quinta entrega, a un compañero de viaje perfecto, el director Christopher McQuarrie, que desde que ganó el Oscar por el guion de Los sospechosos de siempre seguía buscando su lugar en Hollywood. Cruise apostó por él y lo convirtió en el único director que repetía dentro de la saga, confiando en ese gusto compartido por un cine que huela a artesano, a hecho con las manos para las tres últimas entregas de la franquicia. Finalmente, la tercera se partiría en dos, con Misión Imposible: sentencia mortal - Parte 1, sentando las bases de lo que ahora se llamó Misión Imposible: sentencia final, y que es, supuestamente —nunca digan nunca en Hollywood— el cierre final y definitivo de la saga basada en la serie (y que llegará a las salas el próximo 22 de mayo).

El principal problema de este cierre está, irónicamente, en su primera parte, que era una excelente película de espías y acción donde el peligro apelaba a los miedos de nuestra sociedad —una inteligencia artificial capaz de crear las fake news más veraces— y donde el ritmo y sus excelentes y espectaculares escenas dejaban con la boca abierta. Cruise protagonizó la que vendieron como la mayor escena de acción nunca rodada, un momento que él mismo quiso hacer y que consistía en tirarse por una barranca con una moto para luego accionar un paracaídas. Todo ello grabado desde helicópteros, drones y el propio rostro de Cruise. Era una escena de esas que recuerdan por qué vamos al cine, como lo era ese final en un tren cuyos vagones iban cayendo por un precipicio. 

Por eso las expectativas estaban tan altas. Si aquello era solo la primera mitad, cómo debía ser el redoble final que se habían dejado para culminar la saga por todo lo alto. Y la respuesta es que Misión Imposible: sentencia final es tan espectacular como finalmente desequilibrada por su sensación de despedida. Son tan conscientes de que es el último capítulo que deciden apostar por una falsa trascendencia y un empeño constante en emocionar que no estaba presente en las anteriores películas. A Misión Imposible se viene a dejarse sorprender por las escenas de acción, no a que intenten que uno llore con frases que parecen dedicatorias en una carpeta de la escuela. 

Hay demasiada voz en off, demasiada frase engolada y demasiados guiños nostálgicos. McQuarrie apuesta por unir todos los episodios en este final, y hace guiños constantes a todos los capítulos anteriores. Algunos funcionan por lo mítico del recuerdo. Se rememora constantemente la escena de Tom Cruise descolgándose en la primera película, y es normal, porque con esa escena comenzó todo, pero quizás no hacía faltan tantos flashbacks en forma de fogonazos, sino confiar más en el gusto por el espectáculo que tan bien había funcionado en el resto de entregas. 

Uno con lo que se queda de Sentencia final es, cómo no, con dos escenas de acción que son, de nuevo, apabullantes. La primera, una tensa incursión acuática en un submarino, y la segunda, la que ilustra el cartel del filme, una persecución entre avionetas vintage —la llegada de la IA hace que se recurra a lo analógico en la película— que hace que otra vez nos preguntemos ¿cómo habrán hecho eso?

El Festival de Cannes no puede vivir ajeno a lo que ocurre en el mundo. Aunque a veces lo intente, la realidad impregna lo que pasa en las películas, y sus directores se ven afectados por todo ello. Este año puede que más que nunca. La realidad ha salpicado en la cara a todo el mundo del cine y a Cannes concretamente. Primero, con el asesinato en un ataque israelí de Fatima Hassouna, fotoperiodista que protagonizaba un documental seleccionado por el festival y que murió días después de saber que la película estaría en Cannes. Segundo, porque Cannes es el templo donde se defiende el cine de autor, especialmente el europeo, y ese cine está en peligro por las amenazas arancelarias de Donald Trump a cine no producido en EEUU.

Por ello, desde sus primeros compases, estos son los dos temas —y la sentencia a Gerard Depardieu— que marcaron las ruedas de prensa del primer día. Las respuestas fueron tibias, hasta que llegó la gala de inauguración. Primero fue la presidenta del jurado, Juliette Binoche, quien habló de Fátima y de Gaza. Luego el homenajeado con la Palma de Oro honorífica, Robert De Niro, que aprovechó su discurso para cargar contra Donald Trump, al que calificó como “presidente filisteo” que ha cortado los fondos para la cultura.

Pero fue más allá, y sobre el escenario del Gran Teatro Lumière criticó el arancel para las películas no producidas en EEUU y calificó su gobierno de fascista: “Ahora ha anunciado un arancel del 100 % para las películas producidas fuera de EEUU. Reflexionen un momento. No se puede poner precio a la creatividad, pero al parecer sí se le puede imponer un arancel. El arte es democrático, inclusivo y diverso, por eso somos una amenaza para los fascistas del mundo”.

No solo eso, confesó su miedo a que la democracia esté en juego en su país, asegurando que en su país están luchando “duro” por ella. Por eso pidió actuar ante un problema que no es “solo estadounidense, sino global”. “Como en una película, no podemos quedarnos de brazos cruzados. Tenemos que actuar ya. Sin violencia, pero con gran pasión y determinación. Es hora de que todos los que se preocupan por la libertad se organicen, protesten y, cuando haya elecciones, por supuesto, voten. Esta noche, y durante los próximos 11 días, demostramos nuestra fuerza y compromiso celebrando el arte en este glorioso festival. Libérté, égalité, fraternité”, dijo cerrando su discurso y recibiendo una gran ovación.

Más de 380 grandes nombres del cine internacional han firmado una carta en la que se preguntan “por qué el cine, caldo de cultivo para obras socialmente comprometidas, parece tan indiferente ante el horror de la realidad y la opresión” sobre la población palestina. “Como artistas y actores culturales, no podemos permanecer en silencio mientras el genocidio está ocurriendo en Gaza”, afirman nombres como Pedro Almodóvar, Susan Sarandon, Richard Gere, Mark Ruffalo, Viggo Mortensen o Javier Bardem, entre otros.

Las personas cineastas, actrices o actores y guionistas se preguntan, en el día que se inagura el Festival de Cannes, la cita más importante del cine en Europa: “¿De qué sirven nuestras profesiones si no es para aprender lecciones de la historia, para hacer películas comprometidas, si no estamos presentes para proteger las voces oprimidas? ¿Por qué este silencio?”.

Los firmantes empiezan su escrito poniendo el foco sobre Fatma Hassona, la fotoperiodista palestina de 25 años asesinada por el ejército israelí el 16 de abril de 2025. Hassona murió solo un día después de que se anunciara que Put Your Soul on Your Hand and Walk, la película de Sepideh Farsi que ella protagoniza, había sido seleccionada en la sección ACID del Festival de Cine de Cannes. Además, iba a contraer matrimonio unos días más tarde. Diez de sus familiares, incluida su hermana embarazada, murieron en el mismo ataque aéreo israelí sobre su casa en el norte de Gaza.

No podemos permanecer en silencio mientras el genocidio está ocurriendo en Gaza

Firmantes de la carta

Cuando supo la noticia, Sepideh Farsi dijo que “no había sido solo un ataque a la vida, sino también a la memoria, al arte y al derecho de cada uno de contar su propia historia”. Desde el 7 de octubre de 2023, los periodistas no pueden entrar en la Franja de Gaza; es por eso que Farsi llamaba a Hassona sus “ojos allí”.

Y este bloqueo informativo es algo que este manifiesto señala también. “El ejército israelí ataca a la población civil. Más de 200 periodistas han sido asesinados deliberadamente. Escritores, cineastas y artistas están siendo brutalmente asesinados”, dicen. Además, recuerdan el ataque por colonos y la detención por militares israelíes que sufrió el cineasta palestino Hamdan Ballal, codirector de No Other Land, documental ganador de un Oscar.

El apoyo insuficiente de la Academia del Cine de Hollywood motivó una reacción entre parte de sus afiliados, los cuales firmaron una carta, como hacen estos profesionales hoy ante la apertura del festival francés. “Nos avergüenza tanta pasividad”, afirman actores y actrices, además de los mencionados, como Juan Diego Botto, Ralph Fiennes, Carlos Bardem, María de Medeiros, Susi Sánchez, Luis Tosar, Cynthia Nixon, Rebecca Hall, Cecilia Roth, Pedro Alonso, Julie Delpy, Liam Cunningham, Brian Cox, Xavier Dolan, Éric Cantona, Nahuel Pérez Biscayart, Rebecca Hall, Julie Christie o Carice van Houten.

Entre los cineastas, también se encuentran Alfonso Cuarón, Costa-Gavras, Mike Leigh, Yórgos Lánthimos, Laura Poitras, Jonathan Glazer, Ruben Östlund, Paolo Sorrentino, David Cronenberg, Sergio Castellitto, Isabel Coixet, Lucrecia Martel, Jose Luis Guerín o Víctor Erice.

“La extrema derecha, el fascismo, el colonialismo, los movimientos antitrans y antiLGBTQIA+, sexistas, racistas, islamófobos y antisemitas libran su batalla en el campo de batalla de las ideas, atacando la industria editorial, el cine y las universidades, y por eso tenemos el deber de luchar. No permitamos que nuestro arte sea cómplice de lo peor”, añaden.

La carta termina con una contundente llamada a la acción: “Alcémonos. Nombramos la realidad. Atrevámonos colectivamente a mirarla con la precisión de nuestros corazones sensibles, para que ya no pueda ser silenciada ni encubierta. Rechacemos la propaganda que constantemente coloniza nuestra imaginación y nos hace perder el sentido de humanidad. Por Fatem, por todos aquellos que mueren en la indiferencia”.

Y, finalizan: “El cine tiene el deber de transmitir sus mensajes, de reflejar nuestras sociedades. Actuemos antes de que sea demasiado tarde”.

Carta completa

Fatma Hassona tenía 25 años. Era una fotoperiodista independiente palestina. Fue atacada por el ejército israelí el 16 de abril de 2025, al día siguiente de anunciarse que la película de Sepideh Farsi, “PUT YOUR SOUL ON YOUR HAND AND WALK”, en la que ella protagonizaba, había sido seleccionada en la sección ACID del Festival de Cine de Cannes.

Estaba a punto de casarse.

Diez de sus familiares, incluida su hermana embarazada, murieron en el mismo ataque israelí.

Desde las terribles masacres del 7 de octubre de 2023, ningún periodista extranjero ha sido autorizado a entrar en la Franja de Gaza. El ejército israelí ataca a la población civil. Más de 200 periodistas han sido asesinados deliberadamente. Escritores, cineastas y artistas están siendo brutalmente asesinados. A finales de marzo, el cineasta palestino Hamdan Ballal, ganador de un Óscar por su película NO OTHER LAND, codirigida por Yuval Abraham, Basel Adra y Rachel Szor, fue brutalmente atacado por colonos israelíes y posteriormente secuestrado por el ejército, antes de ser liberado gracias a la presión internacional. La falta de apoyo de la Academia de los Óscar a Hamdan Ballal provocó la indignación de sus propios miembros, quienes tuvieron que disculparse públicamente por su inacción.

Nos avergüenza tanta pasividad.

¿Por qué el cine, caldo de cultivo para obras socialmente comprometidas, parece tan indiferente ante el horror de la realidad y la opresión que sufren nuestros hermanos y hermanas?

Como artistas y actores culturales, no podemos permanecer en silencio mientras el genocidio está ocurriendo en Gaza y esta atroz noticia golpea duramente a nuestras comunidades.

¿De qué sirven nuestras profesiones si no es para aprender lecciones de la historia, para hacer películas comprometidas, si no estamos presentes para proteger las voces oprimidas?

¿Por qué este silencio?

La extrema derecha, el fascismo, el colonialismo, los movimientos antitrans y antiLGBTQIA+, sexistas, racistas, islamófobos y antisemitas libran su batalla en el campo de batalla de las ideas, atacando la industria editorial, el cine y las universidades, y por eso tenemos el deber de luchar.

No permitamos que nuestro arte sea cómplice de lo peor.

Alcémonos.

Nombramos la realidad.

Atrevámonos colectivamente a mirarla con la precisión de nuestros corazones sensibles, para que ya no pueda ser silenciada ni encubierta.

Rechacemos la propaganda que constantemente coloniza nuestra imaginación y nos hace perder el sentido de humanidad.

Por Fatem, por todos aquellos que mueren en la indiferencia.

El cine tiene el deber de transmitir sus mensajes, de reflejar nuestras sociedades.

Actuemos antes de que sea demasiado tarde.

Firmantes

Khalid Abdalla, Noée Abita, Hany Abu-Assad, Raphaëlle Agogué, Iyad Alasttal, Catia Albertazzi, Vlad Alexis, Taraneh Alidoosti, Waad Al-Kateab, Yasmine Al Massri, Pedro Almodóvar, Pedro Alonso, Cristèle Alves Meira, Serdar Akar, India Amarteifio, Gianni Amelio, Carmine Amoroso, Elisa Amoruso, Romain André, Roberto Andò, Geoff Arbourne, Francesca Archibugi, Swann Arlaud, Olivier Azam, Gökçe Bahadir, Jeanne Balibar, Baloji, Avital Barak, Carlos Bardem, Javier Bardem, Melissa Barrera, Belma Baş, Dominique Baumard, Xavier Beauvois, Saïd Ben Saïd, Leïla Bekhti, Luca Bellino, Suzy Bemba, Adila Bendimerad, Kaouther Ben Hania, Dali Benssalah, Fabrizio Bentivoglio, Simone Bitton, Konstantin Bojanov, Bertrand Bonello, Agathe Bonitzer, Amélie Bonnin, Bruno Bontzolakis, Lucie Borleteau, Sami Bouajila, Elodie Bouchez, Bastien Bouillon, Guillaume Brac, Rachida Brakni, Evelyne Brochu, Silvia Brunelli, Jean-Stéphane Bron, Celeste Brunnquell, Gianfranco Cabiddu, Esmeralda Calabria, Laure Calamy, Mimmo Calopresti, Mehmet Can Mertoğlu, Eric Cantona, Stefania Casini, Antonio Maria Castaldo, Marco Castaldi, Sergio Castellitto, Beniamino Catena, Ebru Nuri Ceylan, Nuri Bilge Ceylan, Lolita Chammah, Moïra Chappedelaine-Vautier, Amira Chebli, Nadim Cheikhrouha, Antoine Chevrollier, Simona Chiocca, Julie Christie, Hélier Cisterne, Isabel Coixet, Daniele Coluccini, Maddalena Crippa, David Cronenberg, Costa-Gavras, Saverio Costanzo, Paolo Costella, Pappi Corsicato, Brian Cox, Marcia Cross, Alfonso Cuarón, Liam Cunningham, Sinéad Cusack, Fatima Daas, Cherien Dabis, Béatrice Dalle, Charles Dance, Ciro D’Emilio, Arkin Mercan Dede, Mary Ellen Davis, Slimane Dazi, Yann Dedet, Matthieu de Laborde, Pierre Deladonchamps, Émilie Deleuze, Agnès de Sacy, Volfango De Biasi, Ciro De Caro, Maura Delpero, Maria De Medeiros, Giuliana De Sio, Maria Teresa De Vito, Sylvain Desclous, Lukas Dhont, Juan Diego Botto, Alice Diop, Javad Djavahery, Julie Delpy, Xavier Dolan, Dimitri Doré, Laetitia Dosch, Joana Dos Reis, Mike Downey, OBE., Sara Driver, Luana Duchemin, Sophie Dupuis, Pierre-Nicolas Durand, Hannah Einbinder, Sayyid El Alami, Ouidad Elma, Amir El-Masry, Mareike Engelhardt, Víctor Erice, Benedikt Erlingsson, Adèle Exarchopoulos, Roberto Faenza, Frédéric Farrucci, Sepideh Farsi, Nina Faure, Elda Ferri, Margherita Ferri, Isabella Ferrari, Lisa Festa, Ralph Fiennes, Sophie Fiennes, Milena Fiore, Mahdi Fleifel, Michele Fornasero, Marine Francen, Blanche Gardin, Lena Garrel, Carmen Garcia, Jean-Raymond Garcia, Nicole Garcia, Matteo Garrone, Alessandro Gassmann, Nadia Genet, Xavier Gens, Paolo Genovese, Aurélia Georges, Richard Gere, Denis Gheerbrant, Adriano Giannini, Alex Gibney, Raphaël Girardot, Jonathan Glazer, Judith Godrèche, Brice Gravelle, Emmanuel Gras, Zeno Graton, Marco Greco, José Luis Guerín, Diane Guerrero, Samir Guesmi, Vincent Guilbert, Alain Guiraudie, German Gutierrez, Naomi Foner Gyllenhaal, Grimur Hákonarson, Rebecca Hall, Arthur Harari, Misan Harriman, Lena Headey, 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Frédérique Pressmann, Vimala Pons, Marco Simon Puccioni, Katell Quillévéré, Olivier Rabourdin, Michèle Ray-Gavras, Annick Redolfi, Christophe Régin, Jérémie Renier, Yannick Renier, Rémy Ricordeau, Michele Riondino, Yannick Rosset, Cecilia Roth, Mark Ruffalo, Rúnar Rúnarsson, Ira Sachs, Zaho de Sagazan, Ludivine Sagnier, Céline Sallette, Claudio Santamaria, Susan Sarandon, Stefano Sardo, Stefania Sandrelli, Aloïse Sauvage, Angela Schanelec, Pierre Schoeller, Niels Schneider, Vassili Schneider, Alessandro Scippa, Amanda Seales, Tracey Seaward, Sarah Seené, Guillaume Senez, Léonor Serraille, Alia Shawkat, Mélanie Simon-Franza, Eyal Sivan, Giancarlo Soldi, Paolo Sorrentino, Massimo Spano, Morgan Spector, Laetitia Spigarelli, Italo Spinelli, Juliette Smadja, Robyn Slovo, Roger Stahl, Teona Strugar Mitevska, Laurent Sylvestre, Gianluca Maria Tavarelli, Natacha Thiéry, Jean-Pierre Thorn, Ásdís Thoroddsen, Léa Todorov, Maria Sole Tognazzi, Melita Toscan du Plantier, Claire Touzard, Justine Triet, Alessandro Trigona, Jasmine Trinca, Carice van Houten, Pamela Varela, Giuseppe Varlotta, Indira Varma, Anjana Vasan, Sophie Verbeeck, Giovanni Veronesi, Paolo Virzì, Cat Villiers, Jonathan Vinel, Harriet Walter, James Wilson, Lambert Wilson, Alex Winter, Benedict Wong, Jessica Woodworth, Arieh Worthalter, Maud Wyler, Mohanad Yaqubi, L. Rezan Yeşilbaş, Sofiane Zermani, Andrea Zuliani.

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Durante los próximos 12 días (desde este martes 13 al sábado 24) los habitantes del Planeta Cine se trasladarán en masa a la Costa Azul francesa, más precisamente al balneario de Cannes, para participar en el principal evento artístico e industrial del año. Es que durante esas casi dos semanas conviven el festival más influyente con el Marché du Film, el mercado más importante de la temporada. Prestigio, glamour y dinero, trípode que sostiene un andamiaje organizativo sin igual para contener a 4.000 periodistas y otros 15.000 acreditados que viajan para hacer negocios. Una bacanal de proyecciones en las mejores salas, reuniones en stands, cócteles en hoteles de lujo y fiestas en playas privadas, discotecas o a bordo de yates que parecen ciudades flotantes.

Si en el Marché se presentan cada año cientos de películas en desarrollo, en rodaje, en postproducción o ya finalizadas, el festival –en cambio– se reduce a unos pocos títulos. Entrar a Cannes no es fácil y la selección de un film puede cambiar la carrera no solo de ese proyecto sino también de su director o sus productores. Sin contar cortometrajes ni clásicos restaurados, en esta 78ª edición se estrenarán 73 largometrajes en la Sección Oficial (21 de ellos en la lucha por la Palma de Oro) y otros 40 en las tres secciones paralelas e independientes: Quincena de Cineastas, Semana de la Crítica y ACID. Al revés que en otras muestras, como Berlín o Toronto, Cannes apuesta por menos películas para que tengan mayor exposición y repercusión.

Incidencia en el año cinematográfico

Cannes siempre fue un festival que marcó tendencias, pero en el último lustro su influencia ha crecido de forma exponencial. Desde que la coreana “Parasite” ganó la Palma de Oro y luego el Oscar a Mejor Película en 2020, el festival francés se consolidó como el evento de referencia.

Veamos, por ejemplo, lo que ocurrió en los dos últimos años: en 2023 la Palma fue para “Anatomía de una caída”, de la local Justine Triet, que terminó consiguiendo cinco nominaciones al Oscar y la estatuilla a Mejor Guion, mientras que otros títulos de esa edición de Cannes también dominaron la discusión cinéfila: desde “Los asesinos de la luna”, de Martin Scorsese; hasta “Zona de interés”, de Jonathan Glazer. En 2024 la incidencia fue aún mayor: “Anora”, de Sean Baker, hizo doblete como “Parasite” (primero la Palma, luego los Oscar más importantes), mientras que “Emilia Pérez”, “La sustancia” y “El aprendiz” también fueron protagonistas de la temporada de premios.

La gran pregunta que todos se hacen en la Croisette, por lo tanto, es cuáles serán las películas con las que Cannes 2025 invadirá el resto del año cinematográfico que se extenderá hasta marzo del año próximo. 

Festival de autores y autoras

En la Competencia Oficial de esta edición habrá, como siempre, mucho cine francés y estadounidense, pero también del resto de Europa. En cambio, la presencia latinoamericana será bastante escasa (el brasileño Kleber Mendonça Filho estrenará “O agente secreto”) y España tendrá dos representantes: “Romería”, de Carla Simón (cierre del tríptico que inició con “Verano 1993” y “Alcarràs”) y “Sirât”, de Oliver Laxe (rodada en los desiertos del norte de Africa).

Este año regresan los hermanos belgas Luc y Jean-Pierre Dardenne (dos veces ganadores de la Palma de Oro) con “Jeunes mères” (ambientada en un refugio para madres adolescentes) y la local Julia Ducournau con “Alpha”, su esperado nuevo film luego de ganar el máximo premio en Cannes 2021 por la provocativa “Titane”. Habrá que ver qué opina el jurado presidido por una estrella local Juliette Binoche.

A Hollywood con amor

El cine estadounidense, ya sea a gran escala o más independiente, tiene siempre un lugar de privilegio en Cannes. En la disputa por la Palma estarán, por ejemplo, los más recientes largometrajes de Wes Anderson (“The Phoenician Scheme”), Kelly Reichardt (“The Mastermind”), Ari Aster (“Eddington”) y Richard Linklater con “Nouvelle Vague”, una historia en francés que transcurre durante el rodaje de “Sin aliento”, de Jean-Luc Godard, película clave para el surgimiento de esa nueva ola a la que refiere el título.

Fuera de Competencia se exhibirán desde “Misión: Imposible - Sentencia final” con Tom Cruise seguramente protagonizando alguna presentación espectacular en medio del estreno mundial, hasta lo nuevo de Spike Lee con Denzel Washington (“Highest 2 Lowest”, inspirada en “El cielo y el infierno”, de Akira Kurosawa). También volverá a Cannes Robert De Niro para recibir una Palma a la carrera en la ceremonia inaugural (luego se proyectará la comedia francesa “Partir un jour”, ópera prima de Amélie Bonnin) y para al día siguiente dar una charla pública sobre su trayectoria.

Cine argentino en crisis

El cine nacional suele tener una importante presencia tanto en la sección oficial como en las muestras paralelas, pero este año contará con una representación muy reducida por la drástica caída en la producción de películas a nivel local por las restrictivas políticas de fomento del INCAA durante la gestión libertaria de Carlos Pirovano. “Drunken Noodles”, de Lucio Castro, se proyectará en ACID, mientras que “Tres”, de Juan Ignacio Ceballos, será parte de la competencia oficial de cortos La Cinef.

Más allá de esos títulos, hay presencia argentina directa o indirecta en varias producciones. Por ejemplo, la muy esperada “Die My Love”, de la escocesa Lynne Ramsay, con Jennifer Lawrence, Robert Pattinson, Nick Nolte y Sissy Spacek, está basada en la novela “Matate amor”, de Ariana Harwicz.

Ucrania, Gaza y las búsquedas políticas

Cannes dedicará buena parte de su primera jornada al “Día de Ucrania”, durante la que se proyectarán tres películas sobre el conflicto con Rusia: “Zelensky”, de Yves Jeuland, Lisa Vapné y Ariane Chemin; “Notre Guerre”, de Bernard-Henri Lévy y Marc Roussel; y “2000 Meters to Andriivka”, de Mstyslav Chernov.

Pero también habrá registros sobre otras regiones del planeta en crisis: desde “Once Upon a Time in Gaza”, de Arab y Tarzan Nasser; hasta “Yes!”, del siempre contestatario director israelí Nadav Lapid, que está ligado a los ataques ocurridos el 7 de octubre de 2023 y narra la historia de un músico de jazz en crisis al que le encargan componer un nuevo himno nacional.

Trump y un golpe de (al) mercado

La decisión del presidente estadounidense Donald Trump de imponer aranceles a las películas extranjeras para así favorecer los rodajes en su propio país alteró lo que prometía ser un Marché du Film con buen clima de negocios.

En las últimas horas, más de 100 organizaciones de cine y televisión de todo el mundo lanzaron un llamamiento a las instituciones de la Unión Europea y a los gobiernos de los diferentes países titulado “Nuestras historias, nuestras voces: una declaración global por la libertad artística, la diversidad cultural y la soberanía cultural”. En Francia, quedó dicho, se admirará como en pocas otras partes a la cultura estadounidense, pero no están dispuestos a bajar la guardia frente a una ofensiva como la lanzada de forma imprevista y brutal por Donald Trump.

DB/DTC

Tom Cruise será una de las estrellas que desfilarán en la alfombra roja del Festival de Cannes, que se celebrará en Francia del 13 al 24 de mayo. El actor y productor presentará la octava y última entrega de la famosa franquicia Misión imposible, que lleva por nombre Sentencia final.

Cruise llevará al festival más importante en Europa la película acompañado de Christopher McQuarrie, director y guionista, así como del resto del elenco. El filme se estrenará fuera de concurso.

Esta no es la primera vez que Tom Cruise acude a la fiesta del cine de Cannes. El actor ya lo hizo en 1992 con motivo de la cinta Horizontes lejanos (1992). A partir de entonces, Cruise tardó 30 años en regresar al festival, una racha que terminó en 2022 gracias al estreno de Top Gun: Maverick, año en el que también recibió la Palma de Oro Honoraria. El 14 de mayo supondrá la tercera vez que el actor acuda al Festival de Cannes.

La octava entrega de Misión imposible es el cierre de una franquicia que lleva marcando las salas de cine desde el estreno de la primera película en 1996. En esta ocasión, el reparto está compuesto por Hayley Atwell, Ving Rhames, Simon Pegg, Esai Morales, Pom Klementieff, Henry Czerny, Mariela Garriga y Angela Bassett.

El filme se estrena en Argentina el próximo 22 de mayo, fecha en la que llega a las salas de la mayor parte del mundo.

Cuando solo faltan tres días para anunciar su Sección Oficial, el Festival de Cannes empezó a revelar sus cartas para su 78.ª edición, que tendrá lugar entre el 13 y el 24 de mayo. Sin saber todavía quién inaugurará, Cannes anunció la primera persona que recibirá su Palma de Oro honorífica. Se trata de Robert De Niro, leyenda del cine y ganador de dos premios Oscar, que la recibirá el primer día de festival, el martes 13.

“Hay rostros que representan el Séptimo Arte y diálogos que dejan una huella imborrable en la cinefilia. Con su estilo interiorizado, que aflora en una sonrisa amable o una mirada severa, Robert De Niro se convirtió en una leyenda del cine”, expresó el festival en un comunicado. De Niro declaró sentir una “profunda pasión” por Cannes, especialmente en este momento. “Cuando hay tantas cosas en el mundo que nos separan, Cannes nos une: narradores, cineastas, fans y amigos. Es como volver a casa”, dijo el actor en la nota de prensa remitida por el certamen.

Cannes definió su debut como el que marcó “el destino de una generación histórica de directores en Nueva York, que se convertirían en la siguiente generación de cineastas de Hollywood”. “Desde las primeras películas de un Brian De Palma recién graduado, Robert De Niro prestó sus rasgos a personajes antihéroes. Desde su juventud bohemia, hijo de pintores neoyorquinos, se inspiró en una actitud desenvuelta que, con sus códigos de conducta y ética, enriquecería sus primeras actuaciones y posteriormente florecería ante la cámara de Martin Scorsese”, continúa diciendo el festival, cuya última presencia en La Croissette fue presentando, fuera de concurso, Los asesinos de la luna de las flores.

De Niro es poseedor de una de las carreras más apabullantes de la historia del cine, con personajes como el joven Vito Corleone en El padrino II, por el que ganó el Oscar al Mejor actor de reparto, el Travis Bickle de Taxi Driver o el Jake LaMotta de Toro Salvaje, por el que ganó su segundo premio de la Academia, en esta ocasión como Actor protagonista.

Además de su carrera como actor, De Niro fundó el Festival de Cine de TriBeCa en 2002 para ayudar a los neoyorquinos a recuperar su barrio maltratado. Entonces reveló otra faceta de su personalidad: su compromiso político. Antes de convertirse en un ferviente defensor de una sociedad igualitaria y humanista, nunca dejó de explorar la violencia de la sociedad estadounidense en películas que muestran la nueva cara perversa del crimen organizado, el declive del Estado, el trauma de la guerra de Vietnam y la manipulación de almas por parte de la industria del entretenimiento.