Después de haber prometido trabajar para revocar la nacionalidad a los directores del documental Naza, el ministro israelí de Cultura, Miki Zohar, pidió al Shin Bet (servicio de Inteligencia interior de Israel) investigar la identidad de los oficiales militares que ofrecen su testimonio de forma anónima en la película, que expone la cadena de mando y toma de decisiones detrás de la matanza masiva de civiles en Gaza.

“Aclarar los hechos es fundamental para que el Ministerio del Interior pueda examinar el caso y revocar la ciudadanía” de los directores, afirmó Zohar en su cuenta de X, en la que compartió la carta enviada al director del Shin Bet, David Zini, aliado del primer ministro Benjamin Netanyahu.

En su solicitud, Zohar pide a Zini que descubra quién proporcionó los materiales a los periodistas y cineastas Yuval Abraham y Rachel Szor, cómo los obtuvieron, si se “divulgó o utilizó información de seguridad de forma ilegal y si entre las partes que proporcionaron información o participaron en su transferencia hay elementos hostiles o personas que actúan en su nombre, incluida la organización terrorista Hamas”.

Zohar fue de los más críticos del Gobierno con Abraham y Szor, después de que los documentalistas recibieran un respaldo abrumador en el Festival de Venecia y su cinta consiguiera el Premio Especial del Jurado del festival. Otros miembros del Ejecutivo arremetieron contra ellos, incluido Netanyahu. El Ejército rechazó el contenido del documental, negando que la Inteligencia Artificial sea la encargada de decidir los ataques contra Gaza y que se ordenen ataques con cientos de víctimas civiles como “daños colaterales”.

Naza cuenta con el testimonio de 24 miembros del Ejército y la Inteligencia israelí que narran en pantalla (con su rostro a oscuras y la voz distorsionada) cómo se eligen los objetivos de los ataques y cómo se llevan a cabo, incluyendo la toma de decisión respecto a los “daños colaterales”. Precisamente, NAZA es un acrónimo utilizado por el servicio de Inteligencia de Israel para estimar el número de civiles que morirá en un bombardeo dirigido contra un supuesto miembro de Hamas.

Pese a que las reacciones en Israel fueron mayoritariamente de rechazo e indignación, también algunos colectivos mostraron su apoyo a Abraham y Szor y a su trabajo de investigación. Periodistas israelíes iniciaron este miércoles una recogida de firmas en apoyo a ambos directores, condenando “los ataques feroces e infundados perpetrados por políticos, militares y líderes de opinión” y denunciando que “en un país que aspira a ser considerado una democracia, los periodistas y sus fuentes no deberían tener que temer investigaciones, amenazas de violencia, insultos ni la revocación de su ciudadanía”.

Asimismo, más de un millar de directores israelíes firmaron una petición en la plataforma colectiva Atzuma a favor de la “libertad de expresión y creación”, e instando a otros a expresar su solidaridad con Shor y Abraham. “En los últimos días, presenciamos una campaña sin precedentes de difamación e incitación contra los cineastas y la distancia entre esta y la violencia y la amenaza física a sus vidas se reduce cada vez más”, denuncian los artistas en su manifiesto, en el que recuerdan que “la función principal del arte y el periodismo es reflejar la sociedad en la que se desenvuelven, para generar un diálogo y un debate sin prejuicios, incluso cuando la realidad es difícil”.

También varias ONG israelíes y palestinas, como Peace Now, Adalah, B'Tselem, Doctores por los Derechos Humanos de Israel y Breaking the Silence denunciaron que “la respuesta institucional ante la película y las amenazas contra sus creadores son propias de regímenes dictatoriales”. La organización Breaking the Silence —que recoge las denuncias anónimas de militares israelíes que participaron en o presenciaron violaciones de los derechos humanos de los palestinos— aseguró que también recopiló testimonios que confirman que las Fuerzas de Defensa de Israel autorizaron ataques que sabían que causarían un elevado número de muertos civiles como “daños colaterales”.

Con información de la agencia EFE

El Festival de Venecia quedó conmocionado con la proyección de Naza, el documental sobre el genocidio en Gaza dirigido por Yuval Abraham y Rachel Szor. Aunque la crítica la colocó como la gran favorita al León de Oro, el jurado presidido por Maggie Gyllenhaal decidió que el filme se alzara con un Premio especial del jurado que sabe a poco. Naza cuenta con el testimonio de 24 miembros del ejército y la inteligencia israelí que narran en pantalla (con su rostro a oscuras y la voz distorsionada) los crímenes que cometen desde sus puestos de trabajo de forma sistémica. Lo hacen con una frialdad terrorífica.

Yuval Abraham, que ganó el Oscar por el documental No other land, realizó el discurso más político de todos los que se escucharon en el Lido de Venecia. Tras agradecer al jurado por el premio reconoció, con Szor a su lado, que no era fácil “estar ahí de pie”. “Pienso en todas esas personas, como los políticos israelíes o los periodistas en casa, que ahora atacan esta película, rechazándola sin siquiera haberla visto. Se hace tanto esfuerzo por no mirar la realidad”, comenzó diciendo. 

Y llegaron los datos. Incontestables: “Desde que comenzó este festival, en poco más de estos diez días, Israel ha matado a seis niños palestinos en Gaza: una niña de tres años en una escuela bombardeada, un niño de siete años junto a su padre en el coche y dos hermanas que dormían en casa. Los oficiales de inteligencia israelíes con los que hablamos nos explicaron que esta matanza masiva es sistémica; no es un accidente, sino algo deliberado”.

Los definió, desde el estrado, como “actos de asesinato y políticas basadas en la deshumanización total de los palestinos”. “Y quiero ser muy claro: esta verdad ha sido documentada y se conoce desde el primer día gracias a los periodistas palestinos; más de 200 de ellos han sido asesinados por Israel en Gaza. Sus voces fueron silenciadas y negadas. Creemos que negar un crimen es lo que permite que este persista”, aseveró contundente.

Por ello quieren que “los israelíes vean esta película”. “Es nuestro país el que está cometiendo estos crímenes. Queremos que la vean los europeos, especialmente aquí en Italia, porque su gobierno y el gobierno alemán están bloqueando la presión sobre Israel que podría poner fin a esto; y que la vean los estadounidenses, porque ese país está financiando gran parte de la matanza”, zanjó.

Por último, no quiso olvidarse de sus productores, Jim Wilson, el periódico The Guardian y el cineasta Jonathan Glazer, así como a su pareja, la codirectora del filme.

Cuando el director artístico del Festival de Venecia, Alberto Barbera, anunció las películas que competían en esta edición, sonaron muchas alarmas. Entre los 20 títulos anunciados solo uno estaba dirigido por una mujer. Finalmente, y tras la entrada a última hora de Naza, codirigida por Yuval Abraham y Rachel Szor, fueron dos. Aun así, una cifra terrorífica que mostraba la enorme brecha de género y el problema de desigualdad en la industria del cine. Parece que el jurado haya querido tirar de las orejas a Barbera y a la Mostra eligiendo con su León de Oro a Woman Unknown, de May el-Toukhy, la única película dirigida en solitario por una mujer de todas las que conformaban la Sección Oficial. Es la octava mujer en lograrlo.

El jurado, presidido por Maggie Gyllenhaal, sorprendió con su elección. La crítica daba por hecho que el mayor reconocimiento de la Mostra iría para Naza, el demoledor documental sobre el genocidio en Gaza o, en su defecto, a Possible Love, la película más redonda de la competición, un drama sobre la lucha de clases y el cine como vampiro del coreano Lee Chang-Dong. Al final el consenso se decantó por el drama histórico de El-Toukhy, que también estaba entre las favoritas.

Woman Unknown es un retrato incómodo, poderoso y a contracorriente de las mujeres que mantuvieron relaciones sentimentales y sexuales con los nazis en sus países invadidos. Igual que hiciera en Reina de Corazones, su anterior filme, la directora elige una protagonista que se equivoca, que pone en jaque las creencias del espectador y con el que hace repensar la mirada histórica sobre estas mujeres, que fueron vejadas en la vía pública y marcadas de por vida por actos que, en muchas ocasiones, eran de pura supervivencia. 

El-Toukhy no juzga a su personaje. No da coartadas morales al espectador. La protagonista es una de esas mujeres, una que intenta esconder lo que hizo para sobrevivir en la posguerra, cuando Dinamarca ha sido liberada. Con este León de Oro la directora se consagra en el panorama del cine de autor europeo y el jurado intenta reparar ese “problema sistémico”, como lo definió Maggie Gyllenhaal en la rueda de prensa del primer día. Un problema que, aseguró también como cineasta, hace que las mujeres tengan “mucho más difícil conseguir financiación para sus películas”. De hecho, la cineasta danesa le agradeció a Gyllenhaal esas palabras. “Gracias por alzar la voz y visibilizar la falta de igualdad de oportunidades para las cineastas en nuestra industria. Es una posición muy solitaria desde la que hablar, y muchos te aplaudimos por hacerlo”, dijo con el León de Oro en la mano

Su reivindicación del filme danés fue contundente, ya que también premiaron con la Copa Volpi a la Mejor interpretación femenina a su protagonista, Mathilde Arcel, que ofrece una composición sobresaliente. Para que una película logre no solo el León de Oro, sino un premio de interpretación, debe haber un consenso unánime del jurado. Por ello no es normal que ocurra e indica que, sin duda, Woman Unknown ha sido la película favorita. 

Gaza en segundo plano

Irónicamente, Venecia ha vuelto a vivir lo ocurrido el año pasado, cuando La voz de Hind llegó al final como la gran favorita y acabó viendo cómo Jim Jarmusch lograba el premio por Father Mother Sister Brother. Esta vez se trataba de Naza, el demoledor documental sobre el genocidio en Gaza en el que 24 miembros del ejército y la inteligencia israelí reconocen los crímenes cometidos, que dejó desolada a la crítica. Todo indicaba que este año Venecia miraría de frente a Palestina, pero el jurado presidido por Maggie Gyllenhaal pensó diferente que la crítica y acabó entregándole un premio menor, una condescendiente mención especial del jurado que sabe a poco por el trabajo austero sobre la banalidad del mal creado por Yuval Abraham y Rachel Szor, dos de los cineastas que ganaron el Oscar por No other land.

Toda la sala Grande del Lido se puso en pie al escuchar su nombre, dejando claro que Naza es la película que ha marcado este certamen. Abraham recordó que el genocidio sigue en marcha, que los crímenes siguen ocurriendo y dedicó su premio a los periodistas palestinos que han contado desde dentro lo que estaba pasando realmente.

“Sus voces fueron silenciadas y negadas. Negar un crimen es lo que permite que este persista. Por eso es realmente importante para nosotros que los israelíes vean esta película. Es nuestro país el que está cometiendo estos crímenes. Que la vean los europeos, especialmente aquí en Italia, porque su gobierno y el gobierno alemán están bloqueando la presión sobre Israel que podría poner fin a esto; y que la vean los estadounidenses, porque ese país está financiando gran parte de la matanza.

La otra gran favorita, Possible Love, que llegaba junto a Naza como las dos grandes películas del certamen, se quedó con el Gran Premio del Jurado (el León de Plata). Una finísima radiografía de la lucha de clases y la vampirización del cine que supone el primer trabajo de su director, Lee Chang-Dong, en ocho años. El otro León de Plata, el que reconoce la mejor dirección fue para Ilya Khrzhanovsky, por la descomunal, por tamaño y ambición, Dau. El cineasta ruso revienta las convenciones del biopic para contar, en un trabajo realizado durante años, el trabajo del científico Lev Landáu para terminar ofreciendo un retrato del totalitarismo que resuena en nuestros días.

El cineasta francés Stephan Brizé se hizo con el galardón al Mejor guion (escrito junto a Coralie Amédéo y Olivier Gorce) por Un Bon petit soldad, una divertida mirada a una directora de recursos humanos que tiene que lidiar con una conducta de acoso laboral en un departamento. Brizé, experto en cine político y social, apunta esta vez a la mala leche y la ironía para retratar esos ambientes de una compañía que quiere ser moderna pero sigue perpetuando las mismas conductas de acoso laboral. “La historia nos enseña que la carrera por el beneficio genera sufrimiento y que, cuando la economía produce sufrimiento, el fascismo siempre surge como un buitre, presentándose como la ilusión de una reparación. Las mismas causas siempre producen los mismos efectos; lo que ocurrió ayer se repite hoy, pero hoy ya no se puede decir que no se sabía”, lanzó Brizé desde el escenario en un discurso que entronca con su filme.

En el palmarés (en el que estaban todas las películas que lo merecían) se confirmó, también, que el Festival de Venecia no necesita de Hollywood para lograr una edición más que notable en cuanto a calidad. Los mejores títulos llegaron del cine de autor, y solo uno, Wilde Horse Nine, contaba entre las favoritas al palmarés. La sátira de Martín McDonagh sobre dos de los agentes de la CIA que preparan el golpe de Estado contra Allende en Chile conquistó a todos, pero estaba claro que si había algún premio que merecía era el de mejor actor para un John Malkovich descomunal. Así fue, y Malkovich se llevó una Copa Volpi que solidifica sus opciones de cara a los próximos Oscar, donde suena como uno de los favoritos. El actor, que no pudo volver a Venecia a recogerlo, mandó un vídeo agradeciendo al festival la acogida a la película.

Fue la única mención para el cine de EE.UU., que ha decidido reforzar festivales más amables como Telluride o Toronto en detrimento de Venecia, que aunque vio cómo la cantidad de estrellas disminuía en cantidad, la calidad de sus filmes aumentaba apostando por autores en vez de por rostros famosos.

Parece complicado que en una carrera como la de Penélope Cruz, en la que hubo eventos como aquel Cannes de 2006 en el que ganó junto a sus compañeras el premio a la Mejor interpretación por Volver; o el Oscar por Vicky Cristina Barcelona en 2009, cada año haga ensombrecer al anterior. La filmografía de Penélope Cruz está plagada de buenas elecciones —que no siempre eran las más obvias—, apuestas por cineastas que han sacado lo mejor de ella y una ética del trabajo que han hecho que en 2026, y con 52 años, esté viviendo uno de los mejores años —de momento— de su carrera.

En enero ya se empezó a barruntar lo bien que estaba en La invitación, el remake de Sentimental, de Cesc Gay, que había rodado a las órdenes de Olivia Wilde, pero fue en su estreno en EE.UU. cuando la gente descubrió la energía contagiosa de su personaje y empezó a hablar de posibilidades de una nueva nominación al Oscar. 

A eso se suma el terremoto de La bola negra. Si la película de Javier Calvo y Javier Ambrossi se convirtió en un fenómeno según se vio en el Festival de Cannes, el secreto del papel de Penélope Cruz se rebeló como una de las muchas maravillas que había en su interior. Su cupletera, una artista de revista que anima a las tropas franquistas en la Guerra Civil, es un caramelo que ella exprime hasta su última gota. Dos escenas de baile y cante (una sobre un tanque) y una escena dramática le valen para que todos se acuerden de su Nené Romero. Tras el pase de prensa todos coincidían: La bola negra, y Penélope, apuntaban al Oscar.

Hasta este año, una actriz no podía ser nominada dos veces al Oscar en la misma categoría, pero el cambio de normas para esta edición hace posible soñar con que Penélope Cruz se convierta en la primera actriz de la historia en ser doblemente nominada por La invitación y La bola negra. Aún hay más. Cruz todavía tenía una última bala en la recámara, el estreno de Búnker en Venecia, donde el filme, que protagoniza junto a Javier Bardem, se recibió con una calurosa bienvenida que pone la frutílla perfecta y emocionante a un año mágico. 

Pocas horas después de la ovación, Penélope Cruz atendió a la prensa española y contó lo “bonito y especial” de aquel momento porque es consciente de que “no pasa siempre”. Ella lo vivió este año dos veces, en Cannes y aquí. “Pero eso no quiere decir que puedas acostumbrarte a eso”, añade rápidamente. 

Confiesa que sigue “alucinada” con lo que está pasando este año. “Desde que me convertí en madre bajé mucho el ritmo, porque antes era una locura y trabajaba sin parar. Fue una suerte poder permitirme parar. Desde entonces, he hecho una película al año o a lo mejor dos, si no eran muy largas. Y es verdad que ahora las que he hecho, que tampoco han sido rodajes muy largos para mí, se han juntado y han salido las tres a la vez. Y yo, de verdad, soy la primera sorprendida por todo lo que está pasando. No te engaño. Es que, si estrenas tres en un año, si una sale muy bien y conecta de esa manera con el público, ya es una especie de milagro. Pero que esté pasando con las tres es raro. Es normal y sano que me sorprenda”, dice.

No quiere ni oír hablar de los Oscar. O al menos de momento. Un amigo le mandó hace poco un artículo de Variety donde se hablaba de sus opciones este año. “No te puedo decir lo que le contesté, ¡me puse tan nerviosa que le escribí una cosa que tuve que borrarla!”, comenta entre risas. “Hace ilusión algo así, porque quiere decir que las cosas van bien en tu trabajo, y al final eso se traduce en que te sigan ofreciendo personajes interesantes, en poder seguir viviendo de tu trabajo, haciendo lo que te gusta y con material de calidad que te permita enfrentarte cada vez a algo nuevo, a algo que te dé miedo. Esa es la sensación que crea adicción dentro de nuestra profesión. No es tanto un alimento para el ego, que es verdad que cualquiera en esos momentos puede sentir un subidón y es sano y es humano, pero mi motor, lo que me da felicidad, es saber que cuando tienes un año así añades más papeletas para que puedan seguir surgiendo personajes y guiones interesantes”, aclara.

Hubo temporadas, sobre todo en los primeros años, donde yo podía haber ido por otro camino, diciendo que sí a proyectos que a lo mejor me hubiesen encasillado mucho más

Penélope Cruz — Actriz

Papeles diferentes, dirigida por mujeres, por cineastas jóvenes. De aquí y de allá. Una elección de proyectos “que es una combinación de suerte y de haber sido capaz de decir que no a cosas que eran muy tentadoras, pero que no eran las adecuadas para ese momento”. No siempre fue así: “Hubo temporadas, sobre todo en los primeros años, donde yo podía haber ido por otro camino, diciendo que sí a proyectos que a lo mejor me hubiesen encasillado mucho más. Yo no entendía que siendo tan joven, pocos años después de empezar, tuviera que ser yo la que dijera que no a algo, pero aun así me forzaba a hacerlo y luego siempre me alegraba”.

Pero “las carreras no se construyen solo en los síes, sino en las veces que tu corazón te dice que no”. “No depende solo de mí, sino de la confianza que depositan en mí los que me dan ese material, y en eso han tenido mucho que ver Pedro [Almodóvar], Fernando [Trueba], Castellitto y directores que han puesto en mis manos personajes que no se parecían para nada ni a mí ni a ningún otro personaje que hubiera interpretado antes”, subraya acordándose de varios de los cineastas que cambiaron su carrera.

En Búnker, su personaje y el de Bardem se enfrentan a la tentación de aceptar un proyecto que choca contra sus principios éticos. Una decisión que ellos, como actores, también han tenido que tomar. De hecho, “el 30% de las veces” que Penélope Cruz ha dicho que no, es por motivos parecidos. El resto, simplemente porque intuía que no eran para ella. “Si te está yendo bien en esta carrera es mejor decir que no a un proyecto y esperar a que aparezca el siguiente. Y yo soy muy consciente de que eso es un gran privilegio, porque estoy rodeada de compañeros y compañeras que lo pasan mal y que pasan mucho tiempo sin trabajar”, asevera.

Tras su apuesta por los Javis quiere seguir explorando nuevas voces: “Ahora mismo hay un montón de mujeres directoras a las que admiro muchísimo y con algunas tengo planes de trabajar de aquí a dos o tres años. Hay tanta gente con tanto talento y mucha gente joven”. Ese fue uno de los motivos para crear su productora, Moonlyon, que se encuentra “dentro del paraguas de Mediapro” y con quien lleva tres años desarrollando filmes que “verán la luz dentro de poco”. Proyectos para que un año como este no sea una ilusión, sino una realidad que se repita.

En 1963, la filósofa Hannah Arendt creó el concepto de 'banalidad del mal'. Lo hizo tras acudir al juicio del nazi Adolf Eichmann por crímenes contra la Humanidad. Arendt intentaba entender cómo tantas personas habían participado en el Holocausto. ¿Por qué nadie dijo que no? Había miles de personas trabajando en esa maquinaria que masacraba a los judíos sin decir nada. Guardianes de los campos de concentración, limpiadores, funcionarios… ¿Nadie se negó? Lo que pretendía explicar es que las barbaridades no eran solo cometidas por monstruos, sino que se asentaban en la connivencia de muchas personas de a pie que simplemente, y como explicaron en los juicios, obedecían órdenes.

Es imposible no pensar en la banalidad del mal cuando uno ve Naza, el estremecedor documental de Yuval Abraham y Rachel Szor, cineastas israelíes y parte del cuarteto ganador del Oscar por otro trabajo imprescindible, No Other Land. El film se presentó a competición por el León de Oro en el Festival de Venecia, donde dejó muda a la sala con una propuesta que desde la austeridad y el periodismo aporta hasta 24 testimonios de soldados y miembros de la inteligencia israelí que narran con frialdad y completa normalidad sus trabajos. Algunos diseñaron inteligencia, otros espiaron, otros dieron el ok a atentados y otros dispararon. Todos sabían lo que hacían. Todos eran parte de un genocidio planificado que incluso llegan a reconocer. “Sí, absolutamente, lo es”, dice una de las personas entrevistadas.

Sus rostros están en penumbra y sus voces, alteradas para que no se los reconozca, pero sus testimonios ponen los pelos de punta. Ellos mismos reconocen que trabajan como si fuera “una factoría” donde lo que pretenden es “borrar Gaza en una escala masiva”. Algunos responsabilizan a toda Palestina del atentado del 7 de octubre, el punto de inflexión en algo que, sin embargo, lleva décadas. Aciertan los directores en ofrecer contexto y remontarse a los años 70, cuando fueron los israelíes los que pusieron las primeras antenas telefónicas en Gaza. Los palestinos no podían construirlas ellos solos, estaba prohibido. ¿El resultado? Un sistema de espionaje y vigilancia mejorado, ahora con modernos software e inteligencia artificial.

Es así como mapean cada barrio y como señalan sus objetivos. Una inteligencia artificial localizó a más de 70.000 objetivos. Una de las personas que trabajó en ella reconoce que hay un riesgo de más del 15% de que ese software se equivoque al localizar posibles terroristas. Son muchas posibles víctimas erróneas. No les importa. De hecho, reconocen que buscan un “asesinato masivo” y que el ataque se produce cuando estos están en sus casas. Da igual que haya un bebé, un niño o toda la familia de celebración. Es cuando se encuentra en su domicilio cuando actúan. De hecho, hay una máxima, “cuantos más mejor”.

El título, Naza, hace referencia al número de civiles que se asesinan en cada ataque. Lo que se suele llamar ‘daños colaterales’. Una operación es un 12 Naza, si mueren 12 personas que no eran el objetivo en ella. Los testimonios hablan de las operaciones en las que trabajaron y muestran hasta qué punto han deshumanizado a los palestinos. Para ellos son solo un número. Yuval Abraham, quien realiza las entrevistas, pregunta a varios cuál es el Naza más alto que vivieron. Uno de ellos dice un número terrorífico: 500.

Lo que sorprende, y lo que hace que uno piense en esa banalidad del mal, es que solo un par de ellos se arrepienten. “Si los nazis eran el mal, ¿entonces qué soy yo?”, dice uno de ellos, el que articula los remordimientos de forma más clara. El resto dice que ellos son solo parte del engranaje. Que ellos no aprietan el gatillo, solo cumplen su trabajo. Un trabajo que, dicen explícitamente, consiste en “echarlos a todos”, en “asfixiarlos”. “Si no tienen condiciones para vivir, se irán todos al sur”, explican. Por eso queman sus casas.

Uno de los testimonios más duros es el que dibuja el esquema de cómo los francotiradores juegan a asesinar a aquellos que se atrevan a ir por comida o a volver a sus casas por restos de sus pertenencias. Más de diez en una hora pueden matar. “Gaza está llena de cuerpos. Hay fosas comunes y los perros se comen los cadáveres”, dicen ante la mirada de Abraham. Lo hacen como si “fuera un videojuego”, ellos solo avanzan en la siguiente pantalla. 

Soy judío israelí, tengo familia que es superviviente del Holocausto, y vivimos en un mundo donde el antisemitismo se usa para justificar acciones que son injustificables, como asesinar civiles en Gaza

Yuval Abraham — Cineasta

Todo se dice desde las azoteas de Tel Aviv, mientras a menos de 60 kilómetros se sigue matando a gente. Sin embargo, en los edificios de la ciudad israelí la gente sigue con sus vidas. Hacen gimnasia, ven la televisión, salen a correr y disfrutan de una cerveza en la calle. Esa cotidianeidad, unida al tono austero del documental, y ese plano en la penumbra de las entrevistas hace que todo duela más. También esa última parte en donde se dice que no solo se persigue a la gente en Gaza, sino que los servicios de inteligencia chantajean y amenazan a aquellos que quieren acudir a la corte internacional para denunciar los crímenes. La persecución no acaba allí, y sigue actualmente. 

Un genocidio desde dentro

Naza está producido por la sección de documentales de The Guardian junto a Jim Wilson, productor de La voz de Hind Rajab. Cuenta, además, con la coproducción de Jonathan Glazer, que acudió a Venecia en apoyo del equipo, atendió a la prensa y recordó que muchas de las cosas que se cuentan en el documental ya se habían publicado en crónicas, pero que “hay cosas que aunque ya se sepan, es diferente oírlas en boca de los que ejecutaban esos sistemas”. “Una película muestra cosas que se pierden con el periodismo. Pudimos mostrar la sociedad en la que esto pasa, ese Tel Aviv donde se encuentran también las oficinas de la inteligencia”, dijo Rachel Szor.

Yuval Abraham cree que con Naza muestran que “los crímenes de Israel son sistémicos”, y lo hacen con testimonios de las personas que comenten ese “asesinato masivo basado en la vigilancia”. “No sé si el cine es la mejor forma de contar la verdad, pero la verdad ya estaba ahí, ya era evidente gracias a la labor de los periodistas, pero como directores israelíes sentimos la responsabilidad de usar nuestra posición para traer esos testimonios que cuentan desde adentro cómo funciona ese sistema de asesinato masivo”, explicó.

Abaraham citó a Primo Levi, que habló entonces de “deshumanización”, la misma que los israelíes ejercieron sobre los palestinos. “Soy judío-israelí, tengo familia que es superviviente del Holocausto, y vivimos en un mundo donde el antisemitismo se usa para justificar acciones que son injustificables, como asesinar civiles en Gaza”, opinó. Por eso cree que escuchar esos testimonios hará “más difícil negar esos crímenes”.

Esta misma semana, una escuela fue bombardeada y una niña asesinada junto a su padre. Por eso creen que Naza es importante, porque no se trata solo de “declaraciones”, sino de “pasar a la acción” con medidas concretas de los países para “presionar a Israel para que paren”. Mientras, los acusarán de ser “antisemitas”. Jim Wilson dejó claro que no lo es, y que sabe que sus colegas (tanto él como ellos son judíos) no lo son, pero que “eso es una estrategia para reprimir que se cuente la verdad”. Una verdad que, como el año pasado con La voz de Hind Rajab, llegó a Venecia para sacudir un certamen a punto de concluir. 

El asesinato de Renee Good el 7 de enero fue un punto de inflexión. No era la primera vez que el ICE, el Servicio de Inmigración y Control de Aduanas de EEUU, mataba a alguien (antes había habido, que se sepan, cuatro más), pero la impunidad, la injusticia y la sangre fría con la que ocurrió todo y con la que se intentó no prestar atención a lo ocurrido provocó una sacudida de indignación a nivel mundial. Esa sacudida es la que provoca They’re Here, el corto de no ficción que han dirigido la maestra del documental Laura Poitras —que ganó aquí el León de Oro por La belleza y el dolor— y la periodista Rachel Lauren Mueller.

En solo 25 minutos, ambas directoras consiguen trasladar el terror que viven los migrantes de las calles de Minneapolis, a donde se desplaza su cámara para ser testigo de cómo se detiene ilegalmente a la gente. El corto, que hace referencia a la frase que dicen cuando avistan a los agentes del ICE (“Están aquí”), muestra los arrestos, la brutalidad policial y los aviones en los que se expulsa a esas personas del país. Un trabajo periodístico de urgencia que no necesita más minutos ni florituras para trasladar la magnitud del problema.

Sin embargo, la apuesta de las directoras es no solo centrarse en ese terror, sino en cómo las comunidades migrantes se han organizado para evitar ser arrestadas. A través de mensajes de móvil, de grupos de apoyo, y de aplicaciones para localizar a coches que saben que son del ICE o sospechan de ellos, estas personas han creado unidades para sobrevivir al horror. En medio de la locura, su unión es un pequeño halo de esperanza. Poitras consigue testimonios de gente que vive con el miedo en el cuerpo, que vuelve a casa en el baúl del coche, y al que esos grupos están salvando la vida todos los días.

El formato del cortometraje no fue por ausencia de material, sino por “la urgencia del material”. “No hubo una razón estratégica de por medio, sino un motivo puramente artístico: sentimos la urgencia de realizar este proyecto. Queríamos lanzarlo mientras fuera actual. He alternado siempre entre cortometrajes y largometrajes, y en parte se trata simplemente de querer responder al momento que vives y a la actualidad”, explicó Poitras a un reducido grupo de periodistas internacionales entre los que se encontraba elDiario.es en el Festival de Venecia.

Esa urgencia también la sintió Rachel Lauren Mueller, que tenía muy claro que su papel como periodista era salir a la calle y grabar todo para “crear un archivo rápidamente”. El apoyo de Laura Poitras y “sus conocimientos sobre lo que implica trabajar en una película que desafía el poder del Estado” hicieron que se sintiera respaldada y segura. Al ver cómo se organizaban esos grupos de vecinos contra el ICE hasta ha sentido esperanza: “El presupuesto del ICE supera los 70.000 millones de dólares, y un grupo de voluntarios en bicicleta logró ahuyentarlos de la ciudad. ¿Es eso pesimismo? ¿O es resistencia? No estoy muy segura. En realidad, es una acción que condujo a un cambio significativo. Es verdad que el ICE sigue adelante, pero el peligro del pesimismo es que nos lleva a cruzarnos de brazos y quedarnos en el sofá”.

Esa movilización masiva de gente armada solo con sus teléfonos móviles plantó cara a esa fuerza paramilitar de manera muy eficaz. ¿Quieres llamarlo esperanza? Yo lo llamo resistencia

Laura Poitras — Cineasta

Poitras añade que ella cree “en la resistencia y en el cine”, y que por eso le gusta unirlas en trabajos que siempre desafían al poder, como Citizenfour, donde habló de Edward Snowden y sus relaciones sobre vigilancia mundial. “Esa movilización masiva de gente armada solo con sus teléfonos celulares, los mismos que todos tienen ahí sobre esta mesa, realmente se plantó de cara a esa fuerza paramilitar de manera muy eficaz. ¿Querés llamarlo esperanza? Yo lo llamo resistencia”, apuntó.

En esos 25 minutos, ambas meten en el cuerpo del espectador esa sensación de pavor, y eso es lo que querían. Por eso subrayan que “no es un reportaje de noticias, sino un documental”, y juegan con la puesta en escena y hasta con códigos del género de terror, con esos hombres encapuchados a los que no se les ve la cara. “Es importante que la gente lo sienta en el cuerpo en lugar de intelectualizarlo; porque lo otro es algo que ya hemos visto bastante. Podemos intelectualizarlo hasta el día en que muramos, pero la cuestión es: ¿en qué momento logras realmente movilizar a la gente?”, se preguntan las directoras.

A pesar de esa esperanza, inciden en que “el ICE sigue activo, su presupuesto actual es de 70.000 millones de dólares y en junio y julio se registró la tasa de detenciones más alta en la historia de la institución con 90.000 personas detenidas en dos meses”. “Están muy activos y siguen operando a pleno rendimiento. Creo que parte del papel de esta película es mantener el tema presente en la conciencia pública, algo que el ciclo de noticias no logra hacer del todo, y desnormalizar la violencia que vemos y que dicho ciclo informativo continúe”, explica Poitras, que quiere que el filme sea “un antídoto contra la pasividad”.

En un Festival de Venecia en cuya sección oficial se han visto dos películas sobre el sensacionalismo y la deriva del periodismo, They’re Here muestra lo contrario, lo “esencial” del bueno. “Me siento muy orgullosa de trabajar en el ámbito documental combinando elementos que, sin ser periodismo de noticias convencional, están profundamente arraigados en el periodismo: se trata de proteger las fuentes, de evitar la hipérbole o la exageración. Así que, aunque utilizamos recursos de género cinematográfico, la realidad que mostramos es muy auténtica”, dice Lauren Mueller.

Las personas que aparecen en la película les dijeron cuando la vieron que habían sido las primeras en captar lo que se siente al pasar por ese miedo diario. Ellas esperan que esto sea “movilizador” para la sociedad. “El periodismo es esencial porque se trata de decir la verdad y de basarse en algo real, no de decirle a la gente qué pensar. Siento un gran respeto por la audiencia; no queremos dar explicaciones ni decirles qué opinión deben tener. Les estamos mostrando lo que sucede. Le damos un enfoque cinematográfico y emotivo, y esperamos que eso les haga sentir algo. Pero no se trata de propaganda”, añade Poitras, que sabe que su trabajo puede tener consecuencias. Lo ve como “parte del trabajo”, porque ese trabajo “consiste en cuestionar al poder”.

Desde que se conocieran en Jamón Jamón, el encuentro que cambiaría sus vidas profesionales y personales, Javier Bardem y Penélope Cruz fueron coincidiendo en pantalla hasta en siete ocasiones. Sin embargo, había ganas de más. La química entre ellos, pareja en la vida real, es tan evidente que ver la suma de sus dos talentos es una experiencia que siempre vale la pena. Por eso Búnker se había convertido en una de las películas más esperadas del Festival de Venecia, porque ver por octava vez a los intérpretes españoles es una delicia que ningún cinéfilo debe perderse.

Y sobre sus hombros se sustenta y se alza Búnker, el nuevo film de Florian Zeller (dramaturgo que debutó en la dirección con la estupenda El padre), que adapta de forma libre El hombre de al lado, la película de los directores argentinos Gastón Duprat y Mariano Cohn. Convierte la mala leche de aquellos en un tenso tour de force entre los intérpretes españoles, que dan vida a un matrimonio en una crisis que no se atreven a explicitar. Lo hacen cuando él, un arquitecto de éxito, recibe un tentador encargo: construir un búnker para un magnate tecnológico. Un trabajo por el que cobrará una millonada a cambio de vender sus principios. Un pacto con el diablo que se convertirá en la gota que colma el vaso del hastío de la rutina del matrimonio.

Ambos, Penélope Cruz y Javier Bardem, recibieron una tremenda ovación de la sala de prensa de Venecia. Nada más empezar, Zeller dejó claro porque los había elegido. Primero “porque están entre los mejores actores del momento”, y después porque para esta pareja en la ficción era interesante que fueran pareja en la vida real para “captar algo especial, darle capas y desdibujar los límites entre realidad y ficción”. Los definió como “sin miedo y ambiciosos”, y se rindió, como todos a su talento.

La prensa les agradeció que, en un festival donde las preguntas políticas asustan a los cineastas y actores, ellos no tengan miedo a hablar. Y esta vez fue Penélope Cruz la que dio la respuesta más contundente diciendo que si hacés una película como Búnker, que habla del miedo al otro, de los principios morales del artista, del poder de los oligarcas y del machismo, no tiene sentido sentarse en ese púlpito y esquivar la bala: “Sería contradictorio estar aquí, con una película como esta, y decir que no quiero hablar de política. De lo que habla esta película nos involucra a nosotros y a las nuevas generaciones”.

Bardem, por su parte, añadió que “seas fontanero (plomero), taxista o actor tienes derecho a decir lo que consideras importante”. “Yo tengo más medios para hacerlo porque tengo este micrófono delante y la responsabilidad es diferente, pero tengo una responsabilidad con el mundo en que vivimos, y no doy nada por asegurado”, dijo a la misma pregunta.

El punto de partida llegó de una noticia real que leyó el director, el de un multimillonario que había hecho una fortuna en conectar a la gente virtualmente que estaba trabajando en un búnker secreto. La información salió a la luz, y esa ironía entre lo que hacía en la vida privada y en su vida profesional le pareció un lugar desde el que tirar del hilo hasta llegar a un guion en el que quiere hablar de algo más anclado a la vida real: “Al final todos vivimos en un búnker de un grado u otro debido al estilo de vida que abrazamos cada vez más y que es el que promocionan esos multimillonarios que nos crean una ilusión de que no necesitamos a los demás”.

Es obvio que a quienes toman las decisiones los podemos contar con los dedos de una mano, y ese grado de manipulación es muy triste y va tan rápido que no da tiempo a reaccionar.

Penélope Cruz — Actriz

A Cruz le da “pena y rabia” sentir que cada día “nos utilizan más como marionetas”. “Creo que es obvio que a quienes toman las decisiones los podemos contar con los dedos de una mano, y ese grado de manipulación es muy triste y va tan rápido que no da tiempo a reaccionar. Lo veo bastante oscuro y preocupante, pero lo que me salva es ver que la gente joven se da más cuenta de lo que pensamos de estas trampas. Hay que darles ese valor, porque la gente joven habla más de política que antes. Yo lo percibo así”, subrayó.

Por eso le enoja ver que esos empresarios hablen de “que la gente va a tener mucho tiempo libre después de cargarse un montón de puestos de trabajo”. “¿Cómo tienen la desfachatez de decir eso?, ¿tiempo libre para hacer qué? Para mí el tiempo libre sin propósito, y más si hablas de gente joven, es una depresión profunda. ¿Qué mundo quieren dejar? Al menos si no es por ellos que lo hagan por sus hijos y nietos. Búnker habla de esto, del riesgo de perder la conexión humana, y la esperanza está en la gente joven. Espero que reaccionen”, reflexionó.

Para su compañero, “la moralidad de aquellos que trabajan para crear diferencias para que no conectemos física y mentalmente con la gente, es una falta de moralidad”. Por eso él trabaja en su moralidad, y subrayó la opinión de Florian Zeller de que el film —que cuenta con la española Mod como una de las productoras— habla de la “necesidad de conectar con los otros”.

Una de las cosas que les hizo decir que sí a este proyecto es que, por fin, sus personajes podían hablar como lo harían en la vida real, en español en la intimidad y en inglés con la gente de afuera. Esto, que ahora puede parecer una obviedad, “hace 15 años era un reto encontrar producciones así”. “Nos hemos peleado mucho en el pasado para convencer a productores y directores de que el público estaba listo, pero había miedo. Ahora los chicos crecen viendo versión original, películas de varios idiomas… hemos hecho de colombianos hablando en inglés, nos preparábamos meses un acento y luego tenías solo una escena en español. Es un alivio que sea así, porque es más real”, apuntó Penélope Cruz.

Hubo hasta tiempo para bromear sobre la presencia de ambos en la terna de películas preseleccionadas para representar a España en los Oscar. Bardem está con El ser querido, y Penélope Cruz con La bola negra. “En una sale ella y en la otra yo, así que no hablamos de esto mucho en casa”, dijo riendo el actor para añadir que es “una maravilla que haya tanta calidad en el cine español”, aunque cree que siempre hubo, solo que ahora “viajan mucho, gustan mucho y las seleccionan en festivales importantes, y eso hay que celebrarlo independientemente de cuál sea finalmente la película elegida”.

John Malkovich es uno de esos actores a los que su rostro, alejado del canon de belleza hollywoodiense, siempre colocó en papeles de ‘raro’. Hacía tiempo que le tocaba ese personaje que lo volviera a colocar en el centro. Uno que despertara a la gente del letargo y viera que es algo más que un intérprete condenado a secundarios excesivos y excéntricos. La varita mágica la tenía Martin McDonagh, experto en tomar a actores como Malkovich y darles el personaje que se merecen.

El director de Tres anuncios por un crimen (que valió el Oscar a Frances McDormand y Sam Rockwell) y Los espíritus de la isla (que granjeó sendas nominaciones para Colin Farrell y Brendan Gleeson) es de esos cineastas que escriben caramelos a los actores. A Malkovich le dio uno de los mejores personajes de su carrera, el de Wild Horse Nine. Malkovich borda ese agente de la CIA destinado en Chile para preparar el golpe de Estado contra Salvador Allende y que pierde la memoria mientras decide escribir, valga la redundancia, sus memorias contando todas las barbaridades cometidas sirviendo a su país, y ahí entra desde el magnicidio a varios golpes de Estado en países como Guatemala o el Congo.

Tras el pase de prensa en el Festival de Venecia la crítica lo tuvo claro, a John Malkovich le van a llover los premios por el film, y ya en la conferencia de prensa se le preguntó por eso. “Tengo una carrera muy larga y tengo películas espectaculares con directores, guionistas y actores increíbles. Nunca siento que compita con nadie, porque amo lo que hacen, para mí es algo muy bonito que digan esas cosas, pero lo más bonito es que haya atención sobre esta película que tiene varias interpretaciones increíbles y está genial escrita y dirigida. Eso es lo más importante”, dijo.

McDonagh llevaba varios proyectos intentando trabajar con él, pero por culpa de compromisos con otras películas no habían podido hasta ahora, y la elección fue “muy fácil”. “Era un guion hermoso y esta vez no había nada que lo impidiera. Me gusta que los dos protagonistas son dos idiotas que son tan ignorantes que dicen en alto que son de la CIA y van a desestabilizar la democracia de Chile y mandar al país al garete. Aunque, a veces, leyendo la historia, parece que algo así está cerca de lo que ocurrió en realidad”, dijo de su elección del papel.

Poco antes, Malkovich, junto a su compañero de reparto, Sam Rockwell, atendía a elDiario.es en un hotel junto a la Plaza de San Marcos de Venecia. Rockwell contó lo más importante y por lo que repiten todos con Martin McDonagh: “Es un guionista realmente bueno, pero no es un cretino, lo cual ayuda. Es un hombre empático, amable, tiene modales y habilidades sociales, lo cual a veces, sorprendentemente, puede ser raro”.

Para tener una memoria social, una memoria nacional, hay que tener un cierto grado de aprendizaje, haber absorbido algo, y eso no veo que pase mucho. No importa de donde vengas, hay mucho olvido

John Malkovich — Actor

En Wild Horse Nine se tiende el hilo para que el espectador una que lo ocurrido en aquellas décadas, desde el asesinato de Kennedy en 1963 a los diferentes golpes de estado contra gobiernos latinoamericanos de izquierda, tiene sus consecuencias en la actualidad. Algo que dejó claro Martin McDonagh en la conferencia de prensa, y que hace pensar a Malkovich si lo que tenemos ahora es, realmente, eso que llamamos democracia.

“No estoy del todo convencido de que vivamos en una democracia, pero si es así… buena suerte con eso porque, ¿qué es una democracia?, ¿de quién es?, ¿cómo se decide? Hoy me pregunté varias veces, ¿en qué país los ciudadanos creen lo que dice su Gobierno? No estoy seguro. Esto se repitió una y otra vez en el tiempo, lo que pasó en noviembre de 1963, en Chile del 73… está sucediendo todo el tiempo”, asegura.

McDonagh establece una metáfora entre la memoria que pierde su protagonista y la memoria perdida de forma colectiva que hace que olvidemos sucesos como el golpe de Estado de Chile y nos condene a repetir los mismos errores. Para Malkovich esa idea es “la esencia de la película” y recuerda que el otro día vio en televisión a jóvenes universitarios que, ya no es que supieran lo que ocurrió en Chile en 1973, es que no sabían “lo que pasó en Nueva York el 11 de septiembre de 2001”. “No sabían nada, ni quién lo hizo, ni cómo se respondió… para tener una memoria social, una memoria nacional, hay que tener un cierto grado de aprendizaje, haber absorbido algo, y eso no veo que pase mucho. No importa de donde vengas, hay mucho olvido”, dice con cierto pesimismo.

Para el actor de Las amistades peligrosas es importante que películas como Wild Horse Nine vengan a festivales internacionales. Lo dice en un año en donde Hollywood frenó su presencia en Cannes o Venecia. Para el actor, “el cine es algo mundial, y hay un público en todas partes que quiere ver algo interesante, algo que los conmueva, los divierta, los emocione”, y pone un ejemplo: “Si alguien ve El agente secreto fuera de Brasil, puede que no les guste, y lo entiendo, pero la película les está diciendo algo, y antes había muchas películas estadounidenses, en los 70, que hacían eso, y cada vez hay menos cine estadounidense que lo haga y eso es desgarrador, pero también es un error increíble. Venir a un lugar como Venecia o San Sebastián o El Cairo o Cannes o donde sea te conecta con un público de todo el mundo. Y es un mundo muy grande”.

“Buena suerte con la democracia y todo eso”. La frase, lapidaria, premonitoria y tan divertida como terrorífica, la dice en un momento de Wild Horse Nine el personaje que interpreta John Malkovich. Él es un agente de la CIA destinado a Chile para preparar el golpe de Estado contra Allende en 1973. Pero la memoria se le desvanece, y pide como último deseo acudir junto a su compañero, Sam Rockwell, a ver las estatuas de Rapa Nui. Allí, para luchar contra esos recuerdos que se pierden, decide también hacer unas memorias irreverentes y sorprendentes.

La frase, llena de mala leche e ironía, se la dice a dos activistas chilenas que están ilusionadas con su nuevo presidente, Salvador Allende. Malkovich sabe lo que va a pasar, y les suelta ese dardo envenenado. El dardo lo lanza al espectador también su director, Martin McDonagh, que logró con Wild Horse Nine su mejor película y logró sonrisas de la crítica en Venecia con una comedia negra que hace reír de pena. Porque lo que se ve es tan hilarante como real. De aquellos polvos, estos lodos. Y de aquellos años de golpes de Estado apoyados o dados por EE.UU. a cualquier Gobierno de izquierda en América Latina, estas consecuencias de líderes populistas, de fascistas aupados al poder que niegan la memoria histórica, que acusan al feminismo y que seguramente digan que ya no se puede hacer chistes de nada.

McDonagh creó una brillantísima sátira sobre la memoria. La memoria que pierde su protagonista, y la memoria colectiva. La memoria histórica que hay que recordar para que no ocurra lo mismo. La metáfora es bella, pero en este caso es también muy divertida ante la incontinencia y las formas de esa dupla de agentes de la CIA con los que el cineasta hace también una parodia del cine de espías de los 70.

A Martin McDonagh ya se sabe que le encanta ese estilo irónico, pero su problema es que normalmente se gusta demasiado. Se sabe el niño más inteligente de la clase, y hace decir a sus personajes frases imposibles y pomposas que epatan al público y la crítica y que suelen revertir en elogios a sus libretos (aquí en Venecia tiene dos premios al Mejor guion). Le pasaba en Tres anuncios por un crimen y en Los espíritus de la isla. Aquí, sin embargo, consigue el equilibrio entre su propio estilo y el que pedía su personaje. Sí, está esa ironía presente en cada plano, pero sus frases no se comen su historia.

Wild Horse Nine es una comedia divertida que habla de Chile, pero también de EE.UU. y de cómo el asesinato de Kennedy termina con muchas esperanzas. Habla de cómo todo aquello remodeló lo que entendemos por democracia, y habla de esos ‘funcionarios’ que siguen órdenes sin importarles nada. Les da igual que gane Nixon, que se asesinen a inocentes en un país a miles de kilómetros de distancia y que se imponga a dictadores a base de golpes de Estado. Ellos cumplen órdenes. La banalidad del mal, abordada desde el humor y la sátira, una propuesta arriesgada pero que de forma milagrosa siempre aterriza bien.

Lo hace porque tiene clarísimo su punto de vista moral. Aunque los agentes de la CIA sean sus protagonistas no les da las coartadas morales que McDonagh suele dar a sus ‘malos’ (como pasaba con el personaje de Sam Rockwell en Tres anuncios por un crimen). Aquí son dos cuatro de copas, y esa memoria en descomposición hace que uno de ellos empiece a plantearse todo lo que hizo, y es ahí, desde el arrepentimiento y la sinceridad cuando llega la empatía hacia él. El bisturí satírico de McDonagh alcanza su cima en un clímax violento, casi de justicia poética y con un monólogo para el recuerdo de Malkovich sobre cómo evitar el próximo golpe de Estado.

Malkovich ofrece una interpretación memorable. Consigue caminar por la finísima línea entre la sobreactuación y el no llegar a un tono endiablado. Está magnético y uno no puede quitar la mirada de su personaje, que pasa de la ternura a lo repugnante en una sola frase y que probablemente le vaya a granjear bastantes premios en los próximos meses. A su lado, un Sam Rockwell que repite con McDonagh y que nunca falla y un volcánico y divertidísimo Steve Buscemi. Todo en su sitio para que Wild Horse Nine sea una de las películas de la temporada.

McDonagh defendió en la conferencia de prensa este paso adelante en su cine donde entró en algo que le interesa desde hace tiempo, “lo que la CIA hizo en las últimas décadas, las cosas horribles que hizo”. En la película hablan de Guatemala, Congo o Bahía de Cochinos como ejemplos de los golpes de Estado donde EE.UU. participó. “Se habló mucho de la KGB y lo que hizo, pero creo que no cuestionamos las actividades de la CIA tanto como debíamos, y ese fue uno de los puntos de inicio para hacer esta película”, señaló sobre un film que “pasó de ser una comedia a algo más profundo, oscuro y triste”.

El cineasta y dramaturgo también respondió cuando el equipo fue preguntado si lo que muestra Wild Horse Nine tiene ecos en la operación de EE.UU. en Venezuela. “No parece que ya hagan las cosas ni de forma encubierta, al menos en los 70 la inteligencia lo intentaba mantener en secreto”, comenzó diciendo para subrayar que, aunque su película “habla del Chile del 73, sus tentáculos y conexiones hacen que se lea como una película que habla del momento actual”.

Si hay una imagen que represente casi a la perfección lo que representa en Festival de Venecia es la de George Clooney llegando al Lido en un vaporetto. Una estrella de Hollywood, llena de glamour, llega a través del canal a la isla. Con sus anteojos de sol, su carisma inigualable, saludando a la gente… Eso es lo que la Mostra quiere, el equilibrio entre estrellas, Hollywood y cine de autor. Y Clooney logró ejemplificar eso, y por eso siempre tuvo en el Festival de Venecia la mejor vidriera.

Fue aquí donde presentó Buenas noches y buena suerte, el film que demostró que no solo era un rostro magnético, sino también un gran director. Ganó el Mejor guion, y desde entonces este fue el lugar donde los films que dirigió se presentan en sociedad. También aquellas películas que protagoniza. Hasta un film tan formulaico como Wolfs, protagonizado junto a su amigo Brad Pitt, se presentó aquí fuera de concurso, y el año pasado rozó el premio de interpretación por Jay Kelly, homenaje a su figura que le escribió Noah Baumbach.

Ahora es la propia Mostra la que lo homenajea con su León de Oro honorífico por toda su carrera. Y tiene sentido. La relación fue beneficiosa para ambos, y pocos cineastas de Hollywood en estos momentos no tienen miedo a sentarse en una conferencia de prensa llena de periodistas en un momento en el que el mundo se tambalea.

Si el año pasado dejó a todos con la miel en los labios, ya que tuvo que cancelar por un problema de estómago, esta vez no falló y mostró que él es de los que habla. En menos de una hora puso a todos a sus pies derrochando carisma, pero comprometiéndose y hablando de Trump, de política, de la fusión de Paramount-Warner, de Mark Ruffalo.

Hasta de la inteligencia artificial habló, de la que bromeó y dejó una de sus perlas: “No me gustaría estar en una publicidad de tampones 20 años después de muerto. Los deep fakes son un problema. Vi videos míos que no son míos, pero donde hablo de películas y digo cosas que nunca dije y eso me hace replantearme qué pasa cuando un gobierno no demasiado inteligente ve un video falso diciendo que Putin lanzó su primer ataque nuclear”.

Por eso defendió la necesidad del buen periodismo, aunque ahora su estado de salud “esté en duda”. “Las personas más ricas del mundo en este momento son propietarias de The Washington Post, y Twitter. Eso es motivo de preocupación, pero todavía hay mucho espacio para un buen periodismo, y yo soy hijo de periodista. Mi esposa es hija de un periodista y no sentimos más que admiración y apoyo por el periodismo. De hecho, nuestra fundación se dedica a sacar de la cárcel a los periodistas que se opusieron a los regímenes”, explicaba Clooney en la conferencia de prensa.

Confesó que sigue siendo “optimista”, aunque no le den motivos para eso. “Es cierto que vivimos una situación poco afortunada, pero superaremos todo esto”, apuntó y se acordó de cómo EE.UU. vivió una época oscura tras el asesinato de Kennedy. Un tiempo que le recuerda al actual. Por eso definió su país en el momento actual como una “caquistocracia”, o lo que es lo mismo, un sistema donde “los menos capaces son los que gobiernan, hombres que hicieron de la crueldad un divertimento”. Y por si parecía que el dardo era solo para Trump, al que citó con nombres y apellidos fue al secretario de Estado de Guerra, Pete Hegseth. “Pero estoy convencido de que superaremos esto y emergeremos mejor”, zanjó y señaló la importancia de las elecciones de medio término de este año.

Las personas más ricas del mundo en este momento son propietarias de The Washington Post, y Twitter. Eso es motivo de preocupación, pero todavía hay espacio para un buen periodismo

George Clooney — Actor

Otro de los asuntos candentes de la política de EE.UU., y que afecta a Hollywood directamente es la fusión de Warner y Paramount, cuyo presidente acusó al actor Mark Ruffalo de antisemitismo por sus declaraciones criticando la operación económica y el genocidio en Gaza. Clooney defendió al actor diciendo que apoya su “capacidad de expresarse libremente”, y cuestionó la fusión. “Siempre me preocupa cuando las grandes empresas se fusionan, porque normalmente eso significa que mucha gente pierde sus puestos de trabajo. Esa es la verdad. Pero ya veremos. Estamos atravesando una revolución en nuestra industria”, puntualizó.

A sus 65 años empieza a notar que “todo lo que tiene que ver con la vejez lleva a la melancolía”. “Generalmente, nos fijamos en las cosas malas, pero la vida es bella y tenemos la obligación de festejar las cosas bellas que nos presenta la vida”, añadió volviendo a su optimismo contagioso y tras subrayar la importancia de Venecia en su vida profesional y personal.

Una vida profesional que, desde hace años se limita a la interpretación y ya no a la dirección, algo que también quiso explicar: “Tengo dos hijos, una mujer a la que amo y no me planteo ningún proyecto como director por la sencilla razón de que quiero pasar más tiempo con ellos. Puede tomarme unos meses como actor, pero dirigir ocupa un año entero como mínimo. Mi prioridad ahora mismo es otra”.

La 83ª edición del Festival Internacional de Cine de Venecia sumó a última hora la película NAZA a su Sección Oficial. Una nueva producción de Yuval Abraham y Rachel Szor, dos de los realizadores del largometraje No Other Land, por el que recibieron el Oscar en 2025. La película está producida por The Guardian y James Wilson (JW Films) con Jonathan Glazer, director de La zona de interés, como productor ejecutivo.

La proyección del film, rodado de noche desde los tejados de Tel Aviv, expone los procedimientos detras de los ataques a la población civil en Gaza, tendrá lugar el 10 de septiembre a las 17:15 horas en la Sala Grande del Palazzo del Cinema. Esta cita contará con la presencia de sus autores, del equipo técnico y de una delegación oficial del periódico británico The Guardian.

Los dos directores ya situaron con No Other Land la denuncia del conflicto en el foco internacional. Este proyecto lo codirigieron junto a los periodistas palestinos Basel Adra y Hamdan Ballal. Cuando recibieron el Oscar, Abraham reclamó la necesidad de una solución política sin supremacías étnicas para detener la destrucción en Gaza.

Esta labor activista marcó la trayectoria de Yuval Abraham, quien enfrentó serias consecuencias personales por sus declaraciones en festivales internacionales como la Berlinale donde el cineasta israelí denunció haber sido víctima de acoso, presiones políticas e incluso amenazas de muerte.

Con esta incorporación de última hora, Abraham y Szor completan la lista de 21 títulos a concurso y se suman a los realizadores que debutan en la sección principal. En la competición compartirán cartel con directores de trayectoria como Hirokazu Koreeda, Martin McDonagh, Werner Herzog o Nanni Moretti, además de nombres como Danny Boyle o Casey Affleck.

A cuarenta años de la muerte de Jorge Luis Borges, su vida y su legado llegarán a la pantalla grande en un documental de más de cinco horas dirigido por Mariano Llinás. Titulada Biografía de Jorge Luis Borges, la producción tendrá su estreno mundial en la 83ª edición de la Mostra Internacional de Cine de Venecia, que se celebrará del 2 al 12 de septiembre, donde participará fuera de competencia en la sección No Ficción.

El film propone un recorrido por la trayectoria del escritor argentino, desde su infancia en Buenos Aires y sus primeros pasos en la literatura hasta su consagración como una de las figuras centrales de las letras universales. Para reconstruir ese itinerario, combina material de archivo inédito, registros audiovisuales, entrevistas y el aporte de especialistas que analizan los principales aspectos de su obra.

Además de repasar títulos fundamentales como Ficciones y El Aleph, el documental se detiene en los temas que marcaron el universo borgeano -el tiempo, los laberintos, los espejos, el infinito y el lenguaje-, así como en distintos episodios de su vida pública y privada. También explora la influencia que su pensamiento y su literatura ejercieron sobre generaciones de escritores y lectores de todo el mundo.

Con una duración superior a las cinco horas, Biografía de Jorge Luis Borges se perfila como uno de los trabajos audiovisuales más ambiciosos dedicados al autor. Su estreno coincide con las conmemoraciones por los 40 años de la muerte del escritor, ocurrida el 14 de junio de 1986 en Ginebra, ciudad suiza en la que pasó sus últimos días.

Con información de la agencia NA

Una edición del Festival de Venecia tan marcada por la política y por el genocidio en Gaza no podía acabar de otra forma. Los premiados de esta edición atendieron a los periodistas en la clásica rueda de prensa, donde Jim Jarmusch, normalmente taciturno y misterioso dejó constancia de su activismo. Lo había hecho portando en el escenario la misma chapa que llevó Kaouther Ben Hania días atrás y en la que se leía la palabra 'Enough' ('Basta'), y lo hizo en la segunda pregunta que se le hizo.

Jarmusch respondió a si mostraría su película en Israel. “Soy muy cauteloso con respecto a quién apoya a cualquier organización en Israel que quiera proyectar mis películas”, dijo para comenzar y pasar a una respuesta más contundente. “No quiero ningún apoyo del gobierno y tampoco quiero que se proyecten allí. Pero planteas un punto muy interesante. Hay israelíes en Israel que son gente muy hermosa y tienen un espíritu muy fuerte. Y hay gente que quiero allí, la gente que no es seguidora de Netanyahu. Así que no juzgo. No me gusta juzgar ni generalizar, porque de lo contrario, no tendría que proyectar mi película en EEUU, porque la destrucción de Gaza está financiada por gente de EEUU que se beneficia con la guerra”, aseveró.

Para Jarmusch “el problema es que hay mucho dinero sucio involucrado en todo el planeta, pero, en particular, en Gaza”, algo que considera “brutalmente visible para todos”. “Hay muchos otros lugares en el mundo donde la brutalidad y los intentos de erradicación de personas y culturas son aborrecibles. Pero no estoy aquí para hablar de todo eso,. Solo intento fomentar la empatía entre las personas, con pequeñas cosas que considero muy importantes. El primer paso hacia cualquier tipo de conexión mutua. El primer paso del totalitarismo es dividirnos, decir, 'estás de un lado y del otro, somos enemigos, y así es como nos manipulan'. No me gusta que me tomen el pelo, pero lo acabo de decir, si hay dinero del gobierno israelí detrás, no lo haré”, zanjó.

Jarmusch se mostraba más político que nunca tras recibir el León de Oro por su Father Mother Brother Sister, una tierna y delicada mirada a las relaciones familiares, desde las más tóxicas a las más hermosas. Un filme que vencía a la favorita, La voz de Hind, de la directora tunecina Kaouther Ben Hania, que cuenta, usando el audio de su llamada real, el asesinato de una niña palestina por el ejército israelí. Fue el título que marcó una edición marcada por las atrocidades de Israel en Gaza, algo que provocó incluso una manifestación el pasado sábado que trajo al Lido, sede del certamen, a más de 5000 personas que pidieron el final del genocidio.

El miércoles 3 de septiembre el Festival de Venecia se partió en dos. La proyección de La voz de Hind, la película de la directora tunecina Kaouther Ben Hania sobre el asesinato de una niña gazatí de cinco años por el ejército israelí, dejó el Lido enmudecido y conmocionado. Desde entonces todo ha girado entre dos variables, que el jurado presidido por Alexander Payne se atreviera a darle el León de Oro al filme más contundente y políticamente relevante de esta edición, o que lO relegaran a un premio menor.

La declaración del primer día de Payne, cuando fue preguntado por la petición del colectivo Venice4Palestine para que la Biennale condenara el genocidio, no parecía ser optimista. El responsable de películas como Los que se quedan dijo no sentirse “preparado” para responder y que se debía hablar de cine y películas. Parecía una premonición, porque casi dos semanas después su jurado ha premiado una de las películas menos cargadas de política de toda la edición.

El León de Oro ha ido a parar a manos de Jim Jarmusch —que portaba una chapa en favor de Palestina—, uno de los cineastas más importantes de las últimas décadas, que con Father Mother Brother Sister sorprendió. La película venía con el rumor de que Cannes la había rechazado, y quizás por ello su cálida reflexión sobre los lazos familiares entró de una forma tan emocionante. Un filme que parecía condenado a un premio de Mejor guion y que finalmente ha logrado el primer premio importante de Jarmusch en un festival (no tenía ni la Palma de Oro ni el León de Oro). Jarmusch subrayó al recibir su galardón que a pesar de que su cine no lo pueda parecer, también es político: “El arte no tiene que abordar la política directamente para ser político. Puede generar empatía y una conexión entre nosotros, lo cual es realmente el primer paso para resolver nuestros problemas”.

La decisión del jurado tiene algo de provocadora, ya que no solo no ha premiado La voz de Hind , sino que ha elegido a un título distribuido por Mubi, plataforma y distribuidora financiada por el fondo Sequoia, que apoya a una empresa armamentística israelí. El propio Jarmush confesó en la rueda de prensa del filme sentirse “decepcionado” de ese vínculo de la empresa. “Mi relación con Mubi comenzó mucho antes, y fue fantástico trabajar con ellos en la película. Me decepcionó y me desconcertó esta relación. Pero si queréis hablar de ello, tenéis que dirigiros a Mubi. No soy el portavoz”, dijo entonces.

Finalmente, la película de Kaouther Ben Hania se ha conformado con el segundo premio, el León de Plata, también llamado Gran Premio. La directora, muy emocionada, dedicó su premio a la Media Luna Roja y los que se dejan la vida en Gaza. “La voz de Hind es la voz de la propia Gaza, un grito de rescate. El mundo entero pudo oírla, pero nadie respondió. Su voz seguirá resonando. Su voz seguirá resonando hasta que se rindan cuentas, hasta que se haga justicia. Todos creemos en la fuerza del cine. Es lo que nos reúne esta noche y lo que nos da el coraje para contar historias que, de otro modo, quedarían enterradas”, dijo y acusó a Israel de “régimen criminal” antes de compartir los agradecimientos de la propia madre de Hind Rajab, que se acordó de Nelson Mandela para pedir la libertad del pueblo palestino.

En la rueda de prensa del jurado, Alexander Payne explicó su decisión diciendo que para ellos las dos películas son las ganadoras, y que si hubieran podido hubieran dado dos Leones de Oro, pero las normas impiden darlo ex aequo. Señaló que tanto la de Jarmusch como la de Ben Hania son dos películas que merecen ese galardón, y que la diferencia podría decirse que ha sido de un 0,0001 por ciento.

El arte no tiene que abordar la política directamente para ser político. Puede generar empatía y una conexión entre nosotros, eso es el primer paso para resolver nuestros problemas

Jim Jarmusch — Cineasta

Al ver las elecciones del jurado uno tiene la sensación de que eligieron las películas correctas, pero las colocaron en el orden equivocado. Eso, y que decidieron obviar a Netflix, que a pesar de traer tres películas se fue de vacío. El maestro del documental Gianfranco Rosi, que ya tiene un León de Oro por Sacro Gra, logró un Premio Especial entregado por el jurado y con el que nadie contaba. En Sotto le nuvole mira en un precioso blanco y negro las rutinas cotidianas de los pueblos que viven a orillas del Vesubio. Un filme humanista y hermoso que convenció al jurado contra muchos pronósticos.

Todavía más sorprendente fue el premio al Mejor director para Benny Safdie por The smashing machine, que parecía condenada a ganar el premio al mejor actor para Dwayne Johnson (La Roca) y que conquistó con un relato tópico sobre un perdedor que se dejó el cuerpo en la lucha libre. No hay en esta propuesta el nervio y el colmillo de las obras dirigidas junto a su hermano Joshua, que dentro de unos meses estrenará también por separado Marty Supreme, también de la mano de A24. 

El jurado ha optado por premiar a películas de perfil bajo, donde los directores no se colocan por encima de sus obras ni hacen aspavientos. Quedan fuera apuestas muy marcadas por las personalidades de sus directores, como No other choice, de Park Chan Wook; el Frankenstein de Guillermo del Toro; A house of dynamite, de Katrhyn Bigelow; The testament of Ann Lee, de Mona Fastvold o Silent Friend, de Ildiko Enyedi (a la que le tocó el premio Marcello Mastroianni al talento joven para Luna Wedler).

A cambio reconocen a cineastas con propuestas más íntimas y comedidas, como se puede observar también en ese premio al mejor guion para Valerie Donzelli y Guilles Marchand, por À pied d’œuvre. Era una de las tapadas de esta edición. Un retrato sobre un fotógrafo que deja su trabajo para poder escribir y descubre la auténtica pobreza y precariedad del mundo en un retrato emocionante sobre la uberización de la economía. Donzelli, que sorprendió al mundo con Declaración de Guerra, regresa a su mejor cine tras unos cuantos traspiés. 

Los premios de interpretación son indudables, pero también sorprenden porque dejan fuera muchos nombres que llegaban como favoritos. Toni Servillo ha logrado su primera Copa Volpi por La Grazia. Está inconmensurable, pero se esperaba más para el filme de Sorrentino, una divertida y emocionante película sobre un presidente de la república en sus últimos meses que habla del posicionamiento político. Servillo, uno de los actores que firmó el comunicado a favor de Palestina, quiso expresar su “admiración y la admiración del cine italiano por aquellos que valientemente han decidido zarpar para llegar a Palestina y llevar un signo de humanidad a una tierra en la que la dignidad humana es cruelmente vilipendiada a diario”.

Nada se puede decir tampoco de la Volpi a la Mejor acriz a Xin Zhilei, por la película china The sun rises on us all, un filme sobre la culpa que llegó en la última jornada de competición y que se sostiene sobre sus hombros. Sorprenden ambas decisiones porque Venecia nos tenía acostumbrados a un palmarés lleno de estrellas de Hollywood que comienzan aquí su carrera para los Oscar. El año pasado se vio con Nicole Kidman. En esta ocasión tenían para elegir: Dwayne Johnson, Emma Stone, Amanda Seyfried… Ninguno de ellos lo logró, lo que vuelve a subrayar la decisión de no premiar gran cine de Hollywood, ya que a pesar de que Jarmusch es una película de EEUU, sus obras se mueven en un circuito independiente lejos de otras propuestas que se han visto en Venecia.

Un palmarés tibio que ha perdido la oportunidad de premiar con el León de Oro a un filme como La voz de Hind, que ha logrado que hasta Hollywood empiece a posicionarse (Brad Pitt y Joaquin Phoenix aparecen como productores ejecutivos) y que las banderas palestinas entraran en la sala grande del Pallazo del Casino. Puede que no haya ganado, pero es, sin duda, la película más importante de esta edición.

La directora argentina Lucrecia Martel reivindicó este domingo en el Festival de Venecia el cine para mostrar el mundo actual, marcado por “las imágenes y sonidos” de una Palestina “devastada” y por la violencia en otras partes.

“Solo quiero decirles que la historia nos puso en esta encrucijada. Yo ahora hubiera querido jubilarme, estar en la playa, ustedes los jóvenes seguramente tendrán la misma aspiración, pero nos tocó este tiempo”, dijo la cineasta en la rueda de prensa de presentación.

Martel estrenó fuera de concurso en la Mostra su primer documental, 'Nuestra tierra', para dar voz a las aspiraciones de la comunidad indígena de recuperar su suelo y pedir justicia tras el asesinato el 12 de octubre de 2009 del líder Chuschagasta, Javier Chocobar, a manos de un terrateniente y dos policías.

La directora de 'La mujer sin cabeza' (2008) o 'Zama' (2017), defendió el valor del cine para contar este tipo de cuestiones.

“Nos tocó el tiempo en el que el cine vuelve a tener una relevancia fundamental para contar lo que está sucediendo. A diario vemos imágenes y sonidos de un país que está siendo devastado, de un pueblo devastado, que es Palestina”, denunció, al tiempo que agregó que es una situación que viven también los “pueblos americanos y otros tantos en el mundo”.

Por eso animó a los directores y artistas, especialmente a los más jóvenes, a no caer en el pesimismo. “La historia nos puso en esta encrucijada, estamos un poco deprimidos, no sabemos qué va a pasar, que la Inteligencia Artificial, que nos quedamos sin trabajo, que ya está pasando”, dijo.

Para Martel “es el mejor momento para hacer cine y volver a pensar sobre nosotros. Que no estemos deprimidos, que mantengamos la alegría del trabajo de contar, porque es el bastión más importante que tiene la humanidad para pensarse a sí misma”.

Qué es “Nuestra tierra”

Demoró casi quince años, pero la cineasta argentina Lucrecia Martel estrenó este domingo en el Festival de Venecia su primer documental, 'Nuestra tierra', para mostrar la batalla de una comunidad indígena por el suelo y por la justicia frente a los caciques y las “trampas” del sistema.

“Empecé a investigar y si bien siempre el racismo fue para mí un problema muy profundo y un gran escollo en la cultura argentina, me parecía que esta vez era necesario ir más lejos y contactar esa comunidad”, explicó en la rueda de prensa de la Mostra.

En su primera incursión en el documental, Martel aborda el asesinato en 2009 del líder de la comunidad indígena Chuschagasta Javier Chocobar, a manos del terrateniente Darío Amín -junto a dos policías-, en medio de las disputas por tierras ancestrales en la provincia de Tucumán.

La pelea que derivó en el homicidio quedó grabada por la cámara de un teléfono móvil y esas imágenes, difundidas enseguida por Youtube, animaron en 2010 a la directora a abordar este suceso.

“Durante muchos años investigamos históricamente a la comunidad y los documentos que tenían para tratar de entender qué es lo que permite a un ser humano sentirse legitimado para sacar un revólver y disparar a unas personas”, explicó la cineasta.

Martel recorre con sus cámaras esta tierra disputada, también desde el aire con sus drones, para reflexionar sobre su legitimidad, sobre los derechos de unos pobladores que siguen siendo despojados desde época colonial y desde el nacimiento mismo del país.

Para ello, la cineasta, que fiel a su reputación de meticulosa dedicó catorce años a este proyecto, también accedió al tribunal para testimoniar el juicio sobre este caso, abierto solo después de nueve años de protestas por parte de los parientes de la víctima.

Aunque en un principio no pretendía utilizar la grabación, finalmente optó por incluirla en el documental, ya que en ella se aprecia la diferencia 'social' entre los terratenientes e indígenas.

“Finalmente nos dimos cuenta de que era una parte fundamental porque en el juicio se pone en acción el lenguaje y todas las artimañas del lenguaje con las que es posible sostener el racismo y todas las mentiras en torno a la legitimidad de la tierra”, dijo.

Martel regresa de este modo a Venecia, tras su último largometraje 'Zama' (2017) y el corto 'Camarera de piso' (2022), con esta defensa de las poblaciones indígenas que, a fin de cuentas, sirve también para reivindicar el poder del cine para abordar estas cuestiones.

“Cuando aparece una película sobre una comunidad indígena, la duda que tenemos en el cine es si uno está autorizado para hablar de esas cosas, si uno se está aprovechando para después estar acá, paseándose por el mundo, con una película sobre el dolor y la frustración de unas personas. Quiero decirles que es indispensable asumir el riesgo histórico de poder equivocarse”, sostuvo.

Esto porque, a su parecer, “el cine entró en zonas de impotencia donde las mujeres tienen que hablar de las mujeres, los hombres de los hombres, los negros de los negros o los indios de los indios”. “Es indispensable asumir el riesgo de conversar con los otros”, insistió.

El asesinato de Chocobar supuso la condena a 22 años de prisión del cacique, mientras que dos expolicías que lo acompañaban, Luis Humberto Gómez y Eduardo José del Milagro Valdivieso Sassi, recibieron penas de 18 y de 10 años de prisión respectivamente (aunque pocos años después serían excarcelados).

La película, en palabras del productor Benjamín Domenech, ofrece a la audiencia “la posibilidad de entender efectivamente qué sucedió en el pasado para poder imaginar un futuro un poquito más amable” para los pueblos ancestrales argentinos.

Gonzalo Sánchez - EFE.

Una de las lecciones que la nueva ola del feminismo ha traído consigo en todo el debate post Me Too es que una víctima no debe ser perfecta. Los hombres (y los jueces) dudan de sus testimonios y ponen en tela de juicio sus comportamientos post agresión cuando no son impolutas. Son cuestionadas si salieron de fiesta, si dudaron, si no fueron suficientemente tajantes al decir no… Lo hemos visto recientemente con el caso Errejón. Es una constante que deja claro que, todavía, queda mucho por hacer.

Todo esto viene a la mente tras ver Caza de brujas (After the hunt), el inteligente y provocador thriller que ha dirigido Luca Guadagnino y que tiene a Julia Roberts como absoluta protagonista como una profesora de universidad a la que una alumna confiesa que otro profesor —íntimo amigo del personaje de Roberts al que interpreta un excesivo Andrew Garfield— la ha agredido sexualmente.

Uno de los motores clásicos del thriller es la duda. Y Guadagnino lo agarra para utilizarlo en un filme post Me Too que ha tenido a Venecia debatiendo entre los que piensan que el filme cuestiona a las víctimas y los que creemos que aunque juegue a la ambigüedad durante parte del metraje, resuelve sus tramas. Lo hace con una coda final que deja claro su posicionamiento moral, y que se subraya en dos conversaciones clave en su clímax.

Lo que hace Guadagnino con el guion de Nora Garret es aportar grises a un tema en el que muchos creen que solo hay blanco y negros. Sus dos mujeres protagonistas distan de ser perfectas. Ambas, alumna (Ayo Edebiri) y profesora (Julia Roberts), mienten, defienden lo suyo y se equivocan en sus decisiones, pero ambas son víctimas de los hombres y de un sistema que hace que se siga dudando de una mujer que denuncia.

También se atreve a lanzar una incómoda pregunta. Es muy fácil decir que se está del lado de las víctimas cuando el caso está lejos, pero ¿y si fuera un íntimo amigo el que es acusado? Los casos recientes también dejan claro que, casi siempre, se podía haber actuado mejor, de forma más contundente y clara. “No todo debe hacerte sentir cómoda”, le lanza Roberts a Edeberi en un momento del filme, y eso es lo que Garret y Guadagnino tienen claro, que en este momento hay que pasar al siguiente debate, el de cómo actúa el resto y el de qué pasa después con los agresores.

Guadagnino se basa en la música de Trent Reznor y Atticus Ross, en la fotografía de Malik Hassan Sayeed y en su inteligente puesta en escena —que crea set pieces magníficos como el de la cena entre ambas boicoteada por el fundamental personaje que interpreta Michael Stuhlbarg— para mantener el suspense, para que uno llegue a pensar que el cineasta se está metiendo en todos los charcos y finalmente descubrir que siempre sabe salir. Lo hace, además, homenajeando a los thrillers morales de Woody Allen como Delitos y faltas o Match Point, a los que remite en su inicio colocando los créditos con la fuente de las películas de Allen y una banda sonora jazzística.

El propio Guadagnino reconoció en la rueda de prensa del filme esa influencia de Allen, aunque dejó claro que esa fuente es un clásico que va más allá del director de Annie Hall. Fue más allá, y dijo que de algún modo plantea un dilema que tiene que ver con Allen y la actitud que tenemos hacia su cine en el presente, ya que habla sobre “cuál es nuestra responsabilidad ahora al observar la obra de un artista que amamos, como Woody Allen”.

Sin embargo, la gran estrella de la película y del encuentro con la prensa fue Julia Roberts, que hizo gala de sus galones cuando pidió a sus compañeros que abrieran todos las latas de agua antes de comenzar para evitar que el ruido se colara cuando respondían a las preguntas. Fue ella quien respondió si pensaba que, de alguna forma, esta película, podía menoscabar la lucha feminista.

“No creo que esta película reviva el debate sobre mujeres enfrentadas o que no se apoyan mutuamente. Hay muchos viejos argumentos que se abordan aquí y que generan conversación. Me gusta que la película haga que hablen de este tema, que salieran puntos de vista diferentes que te hagan darte cuenta de en qué crees y cuáles son tus convicciones”, dijo y valoró “el arte de la conversación que se está perdiendo ahora mismo en la humanidad”.

Lo subrayó Guadagnino, que dejó claro que la película “no quiere revivir valores anticuados”, sino también debatir sobre la idea de “verdad”. Un término cada vez más complejo y del que cree que “cada uno tiene la suya propia, y esas ideas chocan entre sí”. Caza de brujas termina siendo también un filme sobre el relato y su importancia, y cómo las relaciones de poder y los prejuicios contribuyen a que ciertos relatos calen más que otros. También sobre cómo dos generaciones de mujeres se han enfrentado a los mismos problemas de formas completamente diferentes y cómo una nueva generación ha dado la vuelta al mundo perdiendo el miedo a hablar, a pesar de que la respuesta de la sociedad no suela estar a la altura.

La cineasta Lucrecia Martel será una de las protagonistas de la 82ª edición de la Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica, que se celebrará en Venecia del 27 de agosto al 6 de septiembre. Su documental Nuestra Tierra, dedicado al asesinato del líder indígena Javier Chocobar, fue incluido fuera de competencia y, según adelantó el director del festival Alberto Barbera, se trata de una obra que demandó “muchos años de investigación para poder reconstruir el homicidio” del referente diaguita.

La película marca el esperado regreso de Martel al circuito internacional, tras una década de silencio creativo desde Zama (2017), y destaca en una programación que reúne nombres consagrados de la industria global.

Entre los cineastas que competirán por el León de Oro figuran el mexicano Guillermo del Toro (Frankenstein), el griego Yorgos Lanthimos (Bugonia), la estadounidense Kathryn Bigelow (A House of Dynamite), Noah Baumbach (Jay Kelly), Jim Jarmusch (Father Mother Sister Brother) y Olivier Assayas (The Wizard of the Kremlin), además de Benny Safdie con The Smashing Machine, una biopic sobre el luchador Mark Kerr protagonizada por Dwayne Johnson.

La apertura oficial estará a cargo de La grazia, el nuevo filme del italiano Paolo Sorrentino, que buscará repetir el éxito de ediciones pasadas tras Parthenope (2024) y È stata la mano di Dio, ganadora del León de Plata en 2023.

Del Toro, ya ganador del León de Oro en 2017 por La forma del agua, vuelve con una ambiciosa adaptación de Frankenstein, calificada por Barbera como “espectacular”. En tanto, Lanthimos profundiza su vínculo creativo con Emma Stone en una sátira sobre delirios conspiranoicos, mientras Bigelow regresa a la Mostra después de su histórica consagración con The Hurt Locker.

El humor y las estrellas también tendrán su espacio: Jay Kelly, de Baumbach, será una comedia con George Clooney y Adam Sandler en los papeles de un actor en crisis y su representante durante una gira por Europa. Y en la sección fuera de competencia, Julia Roberts debutará en el festival bajo la dirección de Luca Guadagnino con After the Hunt, un thriller con tintes del movimiento MeToo que la reúne con Andrew Garfield.

La sección paralela también ofrecerá otros estrenos destacados, como In the End of Dante, de Julian Schnabel, con un elenco que incluye a Gal Gadot, Gerard Butler y Al Pacino, quien además participa en Dead Man’s Wire, dirigida por Gus Van Sant.

La representación española estará encabezada por Carmen Maura, que protagoniza Calle Málaga de la marroquí Maryam Touzani en la sección Venecia Spotlight, y por Jaume Claret Muxart, quien presentará su ópera prima Estrany riu en la categoría Horizontes. El documental Memoria de los olvidados, de Javier Espada, aportará una mirada sobre Luis Buñuel.

En esa misma sección, Barrio Triste, del estadounidense de origen colombiano Stillz, incluirá al puertorriqueño Bad Bunny como parte del elenco, y el cine ecuatoriano tendrá su debut con Hiedra, de Ana Cristina Barragán.

Con una programación diversa y cargada de figuras internacionales, la edición 2025 del Festival de Venecia se perfila como una de las más potentes de los últimos años. Y entre tantas ficciones, el trabajo paciente y comprometido de Martel promete dejar una huella.

Con información de la agencia EFE

Pedro Almodóvar sigue escribiendo páginas de gloria para el cine español y univerlsal. Ahora lo hace desde el Festival de Cine de Venecia, donde el director ha logrado un histórico León de Oro por La habitación de al lado. Es la primera vez que una película española lo logra, aunque no el primer cineasta que lo hace. Luis Buñuel lo logró con Belle de jour, producida en Francia. Es el culmen para una carrera donde los premios ya son lo de menos, aunque siempre sienten bien. La guinda a un cine revolucionario, que ahora, desde una mirada más sobria y austera sigue emocionando en todo el mundo.

De hecho, es curioso que Almodóvar no tuviera el premio gordo de los dos grandes festivales internacionales. En Cannes lo rozó varias veces (Mejor dirección por Todo sobre mi madre, y Mejor guion y premio a las actrices de Volver). En Venecia le dieron un León de Oro, pero honorífico, y aquí empezó su carrera internacional gracias al premio al mejor guion de Mujeres al borde de un ataque de nervios. Ahora vuelven a encumbrarle con su primera película en inglés, un drama emocionante y austero sobre la muerte digna y la amistad femenina.

Almodóvar convenció a la crítica y además demostró la importancia de los cineastas al posicionarse políticamente. Lo hizo en la rueda de prensa del filme, cuando criticó la actitud de la extrema derecha hacia los menores migrantes. Lo repitió de nuevo al recoger el león de oro. Entre lágrimas se lo dedicó primero a su familia, y luego a sus dos actrices, Tilda Swinton y Julianne Moore. “Como director, uno de los privilegios es que somos el primer testigo cuando ocurre un milagro en la pantalla, y tanto Tilda como Julianne han convocado un milagro muchos días de este rodaje, y nunca tendré palabras suficientes de agradecimiento. Este premio es para vosotras”, dijo.

Pero la ovación llegó cuando volvió a remarcar la cuestión política de La habitación de al lado, un filme sobre “una mujer que agoniza en un mundo agonízate”. “La película no solo habla de la solidaridad sin límites del personaje de Julianne, si no también de la decisión del personaje de Tilda de terminar su vida cuando esta solo le ofrece dolor. Despedirse de este mundo limpia y dignamente es una cuestión humana, no política, y es desde la humanidad desde donde hay que abordarlo. Sé que este derecho atenta contra cualquier religión que tenga a dios como única fuente de vida. Les pediría a los practicantes que respeten y no intervengan en decisiones individuales al respecto. El ser humano debe ser libre para nacer y para morir cuando la vida sea insuficiente”, añadió. 

Venció a las que hasta el último momento habían sido colocadas por todos como las grandes favoritas. La primera, The brutalist, una impresionante y apabullante crónica del capitalismo y un sopapo al sueño americano, logró el premio a la Mejor dirección para Brady Corbet, que con su tercer filme se sitúa como uno de los cineastas más importantes del panorama actual. La otra, la georgiana Dea Kulumbegashvili, se tuvo que conformar con el premio del jurado por April, su terrorífico retrato sobre el aborto y la violencia hacia las mujeres. Una propuesta radical que puede haber dividido al jurado.

La sorpresa vino de la mano de la directora italiana Maura Delpero, que con su segundo filme, Vermiglio, logró el segundo premio en importancia, el León de Plata, Gran Premio del Jurado. Un delicado e íntimo retrato de una familia en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial centrado en sus mujeres. Un prodigio de sensibilidad y puesta en escena que también enamoró al jurado.

La película de Almodóvar es filosófica y nos hizo pensar en lo que significa estar vivo, en tu vida, pero también en la decisión de cómo terminar tu vida

Isabelle Huppert — Presidenta del jurado de Venecia

Los premios interpretativos tenían muchos candidatos, especialmente para el femenino, donde finalmente Nicole Kidman se ha llevado la Copa Volpi por su arriesgado trabajo en Babygirl, el filme de Halina Reijn que se pregunta si una fantasía sexual de dominación puede ser feminista. La actriz australiana -que no pudo acudir a la gala por el fallecimiento de su madre- se entrega en cuerpo y alma, y hasta se atreve a reírse de sí misma, y el jurado lo ha reconocido por encima de otros trabajos como el de Angelina Jolie en Maria, o el de Fernanda Torres, en el filme de Walter Salles I’m still here, sobre una madre de familia en la dictadura brasileña. El filme del director brasileño, uno de los favoritos de la crítica, se llevó el galardón al mejor guion para Murilo Hauser y Heitor Lorega.

En el premio al mejor actor hubo más sorpresa, ya que ninguno de los dos favoritos, Daniel Craig y Adrien Brody, se lo llevaron. Fue para el francés Vincent Lindon, uno de los mejores actores europeos que vuelve a demostrar su talento en Jouer aves le feu, filme que alerta sobre el auge de la extrema derecha. Lindon da vida a un padre obrero y de izquierdas que ve cómo uno de sus hijos comienza a frecuentar grupos neonzais. Al entregar un premio bromeó diciendo que por primera vez una presidenta francesa, en referencia a Huppert, había sido justa con un actor de su país.

Posteriormente, Huppert reconoció que la decisión no había sido unánime. “No lo ha sido, pero hemos estado bastante de acuerdo. Obviamente nos ha gustado la película. Habla de temas importantes y que nos tocan, y lo hace con vida, con un sentido de vida, de transmisión, considera el final de la vida como un movimiento. Algo se para y algo se mueve, creo que la película es filosófica en ese sentido, y nos hizo pensar en lo que significa estar vivo, en tu vida, pero también en la decisión de cómo terminar tu vida. También nos han encantado las dos actrices, están maravillosas. La película nunca es sentimental, no es melodramática. Almodóvar tiene el talento de mantener la distancia de su asunto, así que por esos motivos la hemos premiado”, dijo Huppert.

DM

De alguna manera la muerte siempre ha estado presente en el cine de Pedro Almodóvar. Lo estaba en Qué he hecho yo para merecer esto, donde Carmen Maura acababa con ese marido machista con un hueso de jamón roído. Por supuesto en Matador, donde los toros, el slasher y una asesina en serie se mezclaban en la coctelera sin normas del cineasta. O en Tacones lejanos, donde un crimen se confesaba en televisión en prime time. Pero también cuando Almodóvar empezó a encontrar la fama internacional y a refinar su estilo hasta alcanzar las cimas de su carrera con Todo sobre mi madre, Hable con ella o Volver, todas ellas historias atravesadas por la muerte.

Almodóvar siempre ha asegurado que vivió rodeado por la muerte y los ritos en torno a ella, como bien mostraba esa escena inicial de Volver donde las mujeres limpiaban las tumbas y velaban a los muertos en las casas. Aunque su relación con un tema tan doloroso viene predefinida por aquellas costumbres atávicas de un pueblo manchego; su evolución como persona y como cineasta ha hecho que también haya cambiado la forma en que habla de ella. El momento actual de Almodóvar como director es otro. Un momento en donde el melodrama exacerbado ha quedado un poco aparcado, y donde el drama más seco entró en escena desde el punto de inflexión que fue Julieta.

Aquella película parecía el ensayo de una austeridad que ha perfeccionado hasta llegar a la emoción casi seca que recorre su nueva película, La habitación de al lado, la adaptación del relato ¿Cuál es tu tormento? de la escritora Sigrid Nunez que ha presentado en Venecia, donde ha emocionado a todo el público gracias a esa mirada también hermosa y libre a la muerte. Es, además, su primera película en inglés, y por tanto en este caso a la lista de grandes actrices que han actuado con él se suman dos entregadas Tilda Swinton y Julianne Moore, que han captado a la perfección el tono que requerían dos papeles tan distintos entre ellos pero tan importante que se compenetraran.

Ambas son dos amigas que se reencuentran cuando Swinton, enferma de cáncer y exreportera de guerra; le comunica su enfermedad a la segunda (Moore, escritora de éxito). La película se centra en la relación de ellas. En cómo Moore, sobre todo, escucha a Swinton, en un papel más agradecido en lo dramático. De alguna forma La habitación de al lado podría definirse como una pieza de cámara de dos mujeres que hablan, pero para Almodóvar nunca nada es tan simple. Aquí la pieza de cámara está trufada de algún que otro flashback -los dos primeros son lo que peor encajan en el puzle de la película y los que hacen que el filme tarde en encontrar el tono- y, sobre todo, de una puesta en escena arrebatadora. A pesar de esa austeridad es imposible no reconocer al cineasta en los colores, en la composición, y en su espíritu. Puro Almodóvar.

Muchos críticos han dicho que las últimas películas del director no tienen el arrojo visual de antes, aunque lo cierto es que simplemente su estilo también se ha adaptado al texto que tenía entre manos. Aquí lo demuestra trasladando también esa austeridad a los movimientos de cámara, pero mostrando una maestría y un gusto exquisito en el encuadre. Los planos de La habitación de al lado juegan al reencuadre dentro del propio cuadro, usando los elementos arquitectónicos de la casa donde se retiran estas dos mujeres. Cada esquina, cada puerta o el hueco de unas escaleras es utilizado por Almodóvar para crear distintas composiciones que enriquecen la historia. 

Hay también en su puesta en escena un guiño al cine de fantasmas, algo que se consolidará en un epílogo que conviene no desvelar, pero que tiene algo de Vértigo. Almodóvar rueda a sus actrices muchas veces a través de un cristal, especialmente a Swinton, difuminando sus siluetas y acrecentando esa sensación espectral que en ocasiones adquiere su filme. 

A ello contribuye la gran fotografía de Edu Grau y sobre todo el excelente score de Alberto Iglesias, acompañando y meciendo las imágenes del director. La relación artística de ambos sigue ofreciendo momentos de una belleza estética apabullante. Entre todos consiguen emocionar sin meter el dedo en el ojo, como en la escena donde ambas amigas ven nevar a través del cristal de una ventana en Nueva York tras una cita a Dublineses que se convertirá casi en un leit motiv dramático. Cada vez que se vuelve a la obra de John Huston uno no puede evitar que se le encoja el corazón.

Hay en esta película una voluntad de plasmar y atrapar el estilo visual de Hopper, uno de los artistas a quien el cineasta siempre ha homenajeado y que en esta ocasión se apela de forma casi literal. También, como siempre, de enseñar al mundo todo aquello que le encanta, como esa imponente fotografía de Cristina García Rodero donde unas mujeres vestidas de luto ―de nuevo la muerte en escena― pasean por la calle y que aquí velan, de alguna forma, la conversación entre Moore y Swinton.

Un mundo mejor que el real

Hay otro rasgo transversal al cine de Almodóvar, y es que con su cinematografía ofrece un mundo mejor que el real. En la España que retrató Almodóvar primero no existió Franco (como muchas veces ha contado, esa fue su venganza durante sus primeras obras). Un universo almodovariano donde las mujeres se apoyan y se cubren ante el machismo. Donde las mujeres trans eran mujeres sin que nadie lo pusiera en duda. Donde se abrían las fosas de la Guerra Civil que todavía están sin abrir en nuestro país.

En La habitación de al lado vuelve a ofrecer una mirada mejor que la real cuando mira de forma frontal a la muerte. Almodóvar apuesta sin fisuras por una muerte digna alejada de lo que ha vendido la Iglesia y la derecha reaccionaria. Una enmienda a la totalidad del estoicismo católico presente desde hace generaciones en la sociedad. La muerte no debería ser sucia, cruel, lenta y dolorosa. Es lo que opina el personaje de Tilda Swinton, cuyo deseo de morir antes de convertirse en la sombra de lo que fue es el motor dramático de la película. Almodóvar le concede ese deseo que todavía no es posible en muchos países. En España hay doctores que se niegan a ello, y en EEUU directamente es un delito, como hace bien en remarcar el cineasta en un momento del filme.

La imagen de Swinton pintándose los labios, vistiéndose de amarillo y mirando a cámara en un momento dado del filme es arrebatadora, una declaración de intenciones estética y política. “Esto debería ser así”, parece que dice su personaje y también Almodóvar al rodar esa escena en la forma en la que lo hace. La habitación de al lado es un filme desnudo. La coralidad de los filmes del director ha ido dando paso a obras que han ido despojándose de secundarios y tramas hasta llegar a esta depuración, donde se basta y se sobra con dos mujeres hablando para conseguir una obra que condensa la evolución de un cineasta que sigue construyendo imaginarios con los que crear un mundo mejor, donde la amistad es una tabla de salvación frente a todo, incluso frente a la soledad de la muerte.

La expresión ‘lobo solitario’ ya tiene algo de rancio, de olor a alcanfor. ¿Quién usaría para definir a una persona ese término? Pues probablemente Brad Pitt y George Clooney, que han llamado así a la película de acción dirigida por Jon Watts -responsable de la trilogía de Spider-Man con Tom Holland- que han presentado en el festival de Venecia. Un filme que les vuelve a unir delante de la pantalla tras la saga de Ocean’s y Quemar después de leer, de los Hermanos Coen y que, precisamente, se presentó también en la Mostra.

Es cierto que la película intenta tirar de retranca y quiere jugar con que los dos actores se ríen de sí mismos, especialmente de su edad, pero todo el rato sobrevuela la sensación de que en el fondo ellos son ese tipo de persona. La historia de dos expertos en arreglar asuntos turbios a los que encargan la misma tarea (hacer desaparecer el cuerpo de un joven que ha muerto mientras practicaba sexo con una importante abogada) sirve para que ambos luzcan su carisma y lo bien que se conservan con más de 60 años. Pero poco más.

Se nota que se lo han pasado bien rodándolo, pero más allá de las bromas sobre lo cascados que empiezan a estar, hay poco más debajo del envoltorio de lujo. Sobre todo porque casi todo tiene ese puntito rancio. Hay bromas sobre si uno ha tenido sexo con una mujer y otro no; y en el fondo todo desprende olor a testosterona, como de película salida de otra década aunque Jon Watts lo vista todo de thriller de acción moderno. Esas bromas, esas pullitas, y ese canallismo que parecía desterrado y que aquí aparece sin nunca dejar claro si se ríe de ello o con ello.

Podría haber sido el punto de partida para un filme que se riera, precisamente, de esa masculinidad de la que ambos han sido prototipos, pero no se atreve o no quiere. Prefiere solo asomar la patita para terminar perpetuando el mismo estereotipo. De hecho, de quien más se ríe la película es del joven que termina pegándose al dúo y que se convierte en el auténtico robaescenas. Él es blandito, no es agraciado y es verborreico -porque ellos, como buenos hombres son parcos en palabras y no expresan sus sentimientos-. La película trata a este personaje con paternalismo y condescendencia en vez de por contraponer ambas formas de ser hombre en la actualidad.

Quizás era pedirle demasiado a una película que, por otro lado, tiene clarísimo que no es más que un mero entretenimiento y lucimiento de sus dos estrellas. Lo que sí debería haber tenido, a pesar de que ya se ha anunciado su secuela, es un cierre que no haga sentir a los espectadores un poco estafados por haber visto dos horas de una película cuyo final enlaza con una próxima aventura de estos dos lobos solitarios.

También es cierto que la mayoría la descubrirá en Apple TV+, ya que lo que iba a ser un estreno a todo trapo ha pasado a ser uno directo a la plataforma en la mayoría de países, donde llegará el próximo 27 de septiembre. En EEUU tendrá una semana en cines limitados antes. Una decisión que fue uno de los asuntos más calientes en la rueda de prensa del filme en el Festival de Venecia, una de las más esperadas. Clooney primero afrontó con humor el tema cuando se le preguntó cómo un filme con dos estrellas como ellas se estrenaría sin una presencia en salas. “Estamos en declive”, dijo provocando la carcajada de todos.

Luego respondió y admitió que le hubiera gustado un estreno más grande en salas, y cree que además eso beneficia a los filmes que luego llegan a las plataformas, pero también sabe que esta situación “revolucionaria” ha sido muy beneficiosa para los intérpretes. “Necesitamos el streaming. Necesitamos a Apple, a Amazon, y ellos necesitan distribuidores también. Hay que encontrar la forma de encajar todo esto. Sobre todo me siento emocionado por los actores jóvenes, porque ahora hay mucho más empleo”, opinó.

De forma similar se expresó Brad Pitt, que cree que “siempre hay algo romántico en la experiencia en salas”, pero que sabe que “la existencia de las plataformas ha traído más historias y talento”. Fue de las pocas veces que Pitt se mojó, porque cuando llegaron las preguntas políticas dejó que fuera Clooney quien tomara la voz cantante. Al actor y director se le preguntó explícitamente por si creía que su columna en el New York Times había influido en la decisión de Biden de retirarse.

Clooney demostró sus tablas en estas situaciones: “Quien merece un aplauso es el presidente que llevó a cabo el acto más desinteresado que se veía desde tiempos de George Washington. Es muy difícil dejar el poder, lo hemos visto en todo el mundo, que alguien sea capaz de reconocer que hay una mejor opción, eso es lo que cuenta y el resto no será recordado. Todo el mérito es suyo. Estoy muy orgulloso de la situación en la que nos encontramos en este momento y todos estamos muy entusiasmados por el futuro”.

Ambos opinaron también sobre el poder del cine para cambiar las cosas en un momento de auge de la extrema derecha. Pitt cree que “ese es el poder de contar historias”, y dijo que por eso se dedica al cine, para “afrontar lo que nos pasa como sociedad y ver hacia dónde queremos ir”. Clooney recogió el testigo para aclarar que “las películas no son noticias”: “Se necesitan un par de años para armar una película. 'Todos los hombres del presidente' se estrenó dos años después del Watergate. Las películas reflexionan, miran hacia atrás y nos hacen tener una perspectiva al respecto. Ir más despacio a veces es la mejor forma de saber dónde aterrizamos todos. Es más fácil mirar hacia atrás con las películas”.