No hay premios Oscar sin su polémica. Si el año pasado fue Karla Sofía Gascón quien recibió un aluvión de críticas después de que se revelaran unos controvertidos tuits de la actriz publicados años atrás, esta semana el foco apuntó a Timothée Chalamet tras unas declaraciones sobre el estado actual de la ópera y el ballet. “No quiero trabajar en el ballet o la ópera, ni en cosas en las que te digan: 'Mantengamos esto vivo por mucho que ya no le importe a nadie'. Con todo el respeto hacia la gente del ballet y la ópera”, apuntó Chalamet en unos comentarios que ya dieron la vuelta al mundo.

El actor dio su opinión en una charla pública sobre el futuro del cine organizada por Variety y CNN el 21 de febrero, en la que conversó con Matthew McConaughey sobre las dificultades que atravesaron las películas y la industria en los últimos años. Sin embargo, aunque estas declaraciones no se viralizaron entonces, fue el miércoles de la semana pasada cuando empezaron a alcanzar repercusión en redes sociales. Sucedió justo un día antes del jueves, cuando se cerró la votación final para unos Oscar en los que Chalamet parte —o partía— como favorito junto a Leonardo DiCaprio y Michael B. Jordan para ganar la estatuilla a Mejor actor.

Chalamet estaba llevando a cabo una buena carrera al Oscar por su papel en Marty Supreme, la película que relata la historia de un prodigio del ping pong en la década de 1950. No obstante, las reacciones de importantes compañías de la ópera y el ballet estos últimos días podrían costarle caro al joven intérprete. El Ballet Real de Londres publicó el viernes en TikTok un video de sus artistas con el siguiente pie de foto: “Cada noche, miles de personas se reúnen en la Royal Opera House para disfrutar del ballet y la ópera. Por la música. Por las historias. Por la magia de las actuaciones en directo. Si querés reconsiderarlo, Timothée Chalamet, nuestras puertas están abiertas”.

Incluso el Teatro Real de Madrid tuvo algo que decir al respecto. “PLOT TWIST: al público le interesa, y mucho, la ópera en el Teatro Real”, publicó en redes sociales. Asimismo, la Ópera Metropolitana de Nueva York respondió con un video en el que cita a Chalamet y su comentario “Con todo el respeto hacia la gente del ballet y la ópera”, enseñando el enorme trabajo que hay detrás de una ópera. Al igual que otras publicaciones, este video recibió el apoyo de miles de personas, que no dudaron en mandar mensajes de ánimo a la compañía. “La ópera y el ballet vivirán mucho más tiempo del que se recuerden las películas de Chalamet”, escribió un usuario. “'A nadie le importan estas cosas', dice el tipo que acaba de hacer una película de ping pong”, escribe otro.

“No puedo recordar la última vez que vi un cine con entradas agotadas, pero la ópera siempre está llena”, afirma un usuario al pronunciarse sobre la polémica, en tanto que otro subraya que “Timothée Chalamet es famoso desde hace unos 9 años, la ópera lleva 400 años prosperando”. La década de éxito de Chalamet también fue objeto de debate en X, puesto que un tuit que alegaba que “nadie menor de 40 años tuvo una carrera más impresionante que Timothée” fue visto más de 15 millones de veces y tiene miles de respuestas que mencionan a otros actores con un inicio de trayectoria igual de impresionante, como Emma Stone, ganadora de su primer Oscar a los 28 años y de su segundo a los 35. Chalamet tiene 30 años y todavía no recibió este reconocimiento, aunque fue nominado hasta en tres ocasiones contando la de esta edición.

Por su parte, Seattle Opera preferió recurrir al humor y habilitó el código promocional “TIMOTHEE” para ahorrar un 14% en entradas para Carmen durante el fin de semana. “Timmy, ¡vos también podés usarlo! ¡Nos vemos en la ópera!”, indicó la compañía. Además, la actriz Jamie Lee Curtis aprovechó su plataforma en Instagram para dar visibilidad a artistas del ballet y la ópera, compartiendo stories de aquellos que se pronunciaron sobre su trabajo. Pese a que Chalamet todavía no se pronunció sobre la controversia, se espera que el actor acuda a los Oscar este domingo, donde podría alzarse con el tan codiciado galardón. Si dirá algo entonces es aún un misterio.

Hay que estar muy seguro de uno mismo para comenzar una película con una voz en off antes incluso del logotipo de la productora. Seguro de uno mismo y seguro de la frase en sí, que quedará como anticipo de lo que está por venir. A Denis Villeneuve le sobra seguridad. Se la ganó. Lleva décadas en esa línea en la que lo autoral y lo comercial se unen. Juega en la liga de Christopher Nolan, la de los blockbusters inteligentes. Lo que pasa es que esa línea es más fina de lo que parece, y caerse de ella es fácil. 

Que Dune: parte dos comience –se estrena este jueves– con una voz en off antes del logo de Warner es una declaración de intenciones. Lo que dicen esas intenciones es que estamos ante una película importante y que es (demasiado) consciente de esa importancia. La voz anuncia la sentencia más evidente del universo Dune: “Aquel que domina la especia, domina el mundo”. Una frase que funciona como presagio de lo que está por venir: Dune: parte dos es una película que se sabe buena, y que se cree que es más importante de lo que realmente es.

Hay en esta secuela mucha voz engolada, mucha autoconsciencia, demasiada ambición desbocada y mucha filosofía del tres al cuarto. Hay tanta que la duración de la película se alarga hasta las casi tres horas cuando realmente la trama en sí podría haberse reducido a una hora. Villeneuve retoma la historia donde dejó la primera parte, y cuenta en esta segunda parte el ascenso de Paul Atreides como el elegido y el dilema entre sus sentimientos hacia Chani y sus deberes como líder, pero realmente la ‘chicha’ ocurre entre medias de muchísimas escenas pretendidamente espectaculares donde uno ve el estilo visual del filme, el gran derroche de producción y lo bueno que es Villeneuve.

Entre tanta pretensión de deslumbrar uno se cansa, y llega agotado al supuesto clímax final. La sensación es que todo se podía haber contado más rápido y mejor. La película sufre de constantes elipsis forzadas que uno no sabe si están buscadas para aparentar cierta complejidad narrativa o simplemente está mal contado. El problema es que los personajes saltan de un lugar a otro y pasan de actuar de una forma a la contraria. Eso sí, con mucha explosión, mucho desierto, mucho Hans Zimmer, mucho Timothée Chalamet con cara de mustio y mucha Zendaya con cara de enfadada.

En Dune: parte dos todo aparenta ser profundo, pero para demostrarlo se tiene que enunciar. Se dice en alto. Hay un momento en el que Paul Atreides mira al anillo que le dejó su padre. Un gesto suficiente para que entendamos lo que piensa en ese momento, pero Villeneuve, al guion junto a Jon Spaihts, cree que es mejor que el personaje lo diga, porque todo el mundo sabe que cuando uno está solo en un desierto perdido en los confines del universo le da por hablar en alto con el fantasma de su padre. 

Hay una escena en la que queda en evidencia esa autoconsciencia de la película y es en la presentación del personaje de Austin Butler, que recurre a un blanco y negro justificado de forma torticera, porque el blanco y negro es más autoral que los ocres del desierto. Butler, por cierto, es el que mejor parado sale del reparto principal junto a Rebecca Ferguson y un Javier Bardem que es el único que parece divertirse de todo el reparto. A Dune le falta humor, le falta ligereza. Precisamente lo que aporta Bardem. 

Los cacareados fichajes, menos el de Butler, se quedan en casi cameos, incluido el de una Florence Pugh a la que se usa para colar una voz en off que aparece y desaparece según el antojo de los guionistas, y el de Lea Seydoux, reducido a una escena a pesar de tener tres horas de metraje para darle algo más de desarrollo. También está la aparición sorpresa (ya no tanto porque se desveló en la primera alfombra roja y se ha contado en todos los medios) de Anya Taylor-Joy en un personaje que aquí aparece como otra voz en off, en esta ocasión la de un feto (sí, un feto que el espectador ve y que habla como si fuera una influencer de Instagram haciendo de poeta) y en persona un flash forward que anuncia una inminente tercera parte.

Sería injusto decir que Dune: parte dos es un descalabro. Ya quisieran para sí la mayoría de blockbusters la mitad de ideas que propone Villeneuve (aunque no todas le salgan), e incluso hay dramáticamente una propuesta interesante, la de la creación del líder y el uso de la fe y los fundamentalismos para convencer a la masa. El problema es que todo ello queda embarrado en una narración deslavazada que acaba haciéndose bola al espectador. Muchas veces lo profundo se confunde con lo oscuro y dramático, y no tiene que ver. La ligereza a veces ayuda, y aquí nadie parece saberlo.

Para terminar habría que recurrir, de nuevo, a Céline Sciamma. Hace unos meses la directora reflexionaba sobre la duración de las películas y aseguraba que aquellos que hacen películas de tres horas están haciendo activismo para si mismos, “no para el cine”. Solo un dato, la película de Villenueve dura 166 minutos. La reciente ganadora del Oso de Oro, la brillante Dahomey, 67 minutos. Hay más intención en la escasa hora del filme de Mati Diop que en este mamotreto espectacular pero sobredimensionado y agotador.

2023 empezó convulso para Roald Dahl. La última reedición de su obra incluyó cientos de cambios con los que su editorial Puffin buscó adaptar los libros a las sensibilidades actuales. El lenguaje relacionado con el peso, la salud mental, la violencia, el género y la raza fue revisado, reescrito y hasta se eliminaron algunas frases. La decisión del sello reavivó un debate sobre el que continúa sin haber consenso: ¿Es legítimo modificar los textos de un autor fallecido para hacerlos menos ofensivos y discriminatorios?

En vida, el escritor llegó a modificar uno de sus volúmenes, Charlie y la fábrica de chocolate. En su primera versión, publicada en 1964, sus personajes llamados Oompa-Loompas eran unos pigmeos negros que el maestro chocolatero Willy Wonka había traído como esclavos “de la parte más profunda y oscura de la selva africana”. Al final de la década, el propio novelista británico reeditó sus palabras para aligerarlas de racismo.

A principios de la siguiente, en 1971, su famoso genio del dulce saltó de las páginas a la gran pantalla bajo la dirección de Mel Stuart, encarnado por Gene Wilder. El carismático personaje llamó también la atención de Tim Burton, que dejó en manos de Johnny Depp al protagonista de su adaptación de 2005. 2023 ha vuelto a hacerle realidad, en la piel de un Timothée Chalamet que, película a película, multiplica su carisma exponencialmente. Quien encandilara con su inolvidable Elio Perlman en Call me by your name (Luca Guadagnino) en 2017, estrena este 6 de diciembre Wonka, la incursión de Paul King (Paddington) en el universo creado por Dahl. Esta vez no se trata de una adaptación de su obra, sino un filme basado en el personaje de aquella obra que fantasea sobre sus orígenes.

Un filme en el que el actor ejerce de motor y corazón. Chalamet es el pegamento de un musical que funciona por su coherencia y no pecar de una ambición que no le hacía falta. Divierte y entretiene con un envoltorio vistoso, universal y hasta en cierto modo simple. No va a cambiar la historia del cine, no se erige instantáneamente como un clásico navideño ni busca competir con las adaptaciones anteriores. Pero es un soplo de aire fresco armado con mucho mimo.

Wonka abraza la ternura dejando en un plano muy secundario la oscuridad de la obra del autor británico. Y lo hace centrándose en el origen del célebre chocolatero. Un viaje no sin impedimentos, patosos antagonistas, luminosos aliados y sí, el roba escenas por excelencia, un Oompa-Loompa aquí en la piel de Hugh Grant.

El intérprete de Notting Hill aporta la mayor dosis de humor al largometraje, riéndose de todo y de sí mismo, actuando como genial contrapunto de Chalamet. De hecho, se le podría haber sacado algo más de partido teniendo en cuenta lo bien que encajan como 'pareja' cómica. El reparto incluye otros nombres como Olivia Colman, Sally Hawkins, Rowan Atkinson, Calah Lane y Paterson D. Joseph.

Histrionismo versus ternura

El ingenioso chocolatero que propone Paul King está muy centrado en su humanidad, en el recorrido que hace un niño que, siguiendo el ejemplo y recuerdo de su madre, lo único que quiere es cumplir el sueño de abrir su propia fábrica de chocolate. Y con ella, poner su granito de arena, en forma de bombones, para hacer del mundo un lugar mejor. O al menos más dulce.

Sus inicios no son fáciles, no tiene dinero, pronto es engañado por la villana interpretada por Colman, que regenta un hostal en el que explota a los huéspedes que firman su contrato sin leerse la letra pequeña. Con su engaño logra que se endeuden de por vida y les encierra convirtiéndoles en la mano de obra más barata. Los esclavos, unidos y liderados por Wonka, tratarán de buscar la grieta para escaparse.

En un alarde de trabajo en equipo, cada uno aporta su talento para sacar adelante un negocio que parte más bien como una utopía. La resignación a un destino irreemplazable les había emplazado a olvidarse hasta de sus capacidades, pero el joven irrumpe para reactivarlas y potenciarlas.

Wonka es inocente y tiene un punto de inconsciencia que enternece porque actúa sin maldad. No es un alma corrompida, no busca aprovecharse de ellos ni enriquecerse como sí hacen sus competidores chocolateros de la ciudad. Él no pone zancadillas. No siempre calcula bien y se equivoca, pero está anclado a la realidad. En ningún momento recuerda al histrionismo que caracterizó al Willy Wonka de Johnny Depp en la adaptación de Tim Burton.

El de la historia de Paul King, escrita junto a Simon Farnaby, es un personaje aspiracional, cercano y afable. Saber transmitir y compartir su pasión e ilusión es su mayor virtud. Su arma para conseguir convencer a sus nuevos amigos para que se embarquen en su aventura, confiando en él, pero sobre todo recuperando la confianza en sí mismos.

Un musical desaprovechado

La película de fantasía llega en el momento perfecto a la cartelera, dispuesta a convertirse en el taquillazo de esta Navidad. El filme invita a reunir a familias y grupos de amigos en las salas a pasar un buen rato. No arriesga, podría haber querido explorar algún que otro derrotero, haber incluido algo más de inquina a tramas con potencial para ser algo más críticas, e incluso haber intentado que algunas de sus resoluciones no fueran tan previsibles. O al menos más originales, con algo más de poso. Aun así, el mayor 'pero' que se le puede poner es no haber explotado más su potencial como musical.

La película no es una sucesión de números musicales que quizás habría podido echar hacia atrás a parte del público. Están medidos e incorporados con coherencia en el guion para hacer avanzar la historia. Pero les falta personalidad. Al acabar de ver el filme, no hay ninguna canción de las compuestas por Joby Talbot (¡Canta!) que se quede resonando en la cabeza. Ninguna se postula para ser tarareada, reproducida en bucle en las jornadas venideras –desde luego mucho menos para aparecer en el Spotify Wrapped de lo más escuchado al final del año– ni cantada a voz en grito en la ducha. A Wonka le falta, por lo menos, un temazo.

No hay un hit con el que haber intentado colarse en las nominaciones de los Oscar. Algo que sí logró la primera versión del libro de Dahl, Un mundo de fantasía, que en 1971 optó a la estatuilla a Mejor banda sonora original. Es una pena, ya que a nivel visual hay una clara apuesta porque los números musicales llamen la atención desde el inicio de la cinta, en el que son claves para presentar al protagonista y su objetivo. Su presencia se va desinflando hasta quedar relegada a un lugar desaprovechado.

Eso sí, los que hay sirven para que Chalamet pueda mostrar sus dotes musicales. Don que le viene de familia –su madre fue bailarina de Broadway– y que cultivó desde pequeño. Ya se le había visto bailar en Call me by your name y Mujercitas (Greta Gerwig, 2019); y cantando al piano en Día de lluvia en Nueva York (Woody Allen, 2019). Con Wonka ha dado un paso más –retazos de claqué incluidos– llevando el peso de las canciones desde la primera escena.

Más alejado de la música estará en la segunda parte de Dune (Denis Villeneuve), su próximo estreno, para el que habrá que esperar hasta marzo del año que viene. Donde sí cantará es en el biopic, aún sin fecha, de Bob Dylan que prepara James Mangold (Indiana Jones y el dial del destino). Pero no nos adelantemos. Por el momento toca disfrutar de su fábrica de chocolate/carisma en una cinta que reúne todos los ingredientes para reventar la taquilla esta Navidad.