Charly García fue intervenido quirúrgicamente en las últimas horas y permanece internado en un centro de salud de la Ciudad de Buenos Aires, aunque desde su entorno transmitieron tranquilidad sobre su evolución.

El músico fue sometido a una nefrectomía parcial —procedimiento en el que se extirpa una porción del riñón— en el Instituto Argentino de Diagnóstico y Tratamiento, de acuerdo con información difundida por fuentes cercanas.

Según explicó su representante, la cirugía estaba prevista con anterioridad y no respondió a una situación de urgencia. Tras la operación, allegados al artista señalaron que el resultado fue favorable.

Luego de la intervención, el referente del rock nacional quedó alojado en una habitación común, donde continúa bajo observación médica y en proceso de recuperación.

La noticia despertó inquietud entre sus seguidores, en parte por los antecedentes de salud que el músico ha atravesado en los últimos años, con diversas internaciones y tratamientos.

En este contexto, su círculo cercano insistió en llevar calma y destacó que la recuperación evoluciona de manera positiva.

Con información de medios

JIB

En una noche colmada de emoción por el último partido de Lionel Messi como parte de la Selección argentina en nuestro país, numerosas estrellas y personajes públicos dieron el presente en el Monumental para presenciar el histórico momento. 

Entre ellas, destacó la presencia de la leyenda del rock Charly García, quien disfrutó de la victoria de Argentina desde una de las privilegiadas plateas. Durante la noche del jueves, distintas imágenes del músico circularon por las redes sociales. 

Una vez finalizado el encuentro entre Argentina-Venezuela, con una gran victoria del Seleccionado, García protagonizó un especial momento junto al ovacionado de la noche y otros jugadores presentes. 

Tanta fue la emoción del músico por conocer a Messi, que incluso lo esperó a la salida del Monumental para poder saludarlo de cerca. Por su parte, el futbolista no dudó en parar a estrechar su mano. 

Luego de compartir unas palabras, Messi, Rodrigo de Paul y “Chiqui” Tapia sellaron su encuentro con una foto juntos donde se puede apreciar la buena onda entre todos y la emoción del músico. 

“Chau. Dios te bendiga”, llegó a decir García al compartir un saludo de manos con el ídolo del futbol. 

El emotivo momento fue captado por las cámaras de los presentes y difundido en redes sociales. 

Con información de agencias.

IG

La Universidad de Buenos Aires distinguió este martes a Charly García con el título de Doctor Honoris Causa, en un acto que se realizó en el Aula Magna de la Facultad de Filosofía y Letras y que convocó a estudiantes, docentes, seguidores y autoridades universitarias. El reconocimiento fue impulsado por la Cátedra de Música Popular de la carrera de Artes, que en junio había presentado la propuesta por “su aporte musical y el sentido político de sus canciones en distintos momentos de la historia argentina”.

El ingreso del músico, en silla de ruedas y acompañado por su familia, desató una ovación. Afuera llovía bajo alerta naranja y adentro sonaban palmas, cánticos y estrofas de clásicos como Seminare y Promesas sobre el bidet. Cuando finalmente llegó, las emociones se desbordaron: “Buenas tardes. Gracias por este reconocimiento tan importante. Desde ahora pasaré a llamarme Doctor Charly García”, dijo el artista, levantando los dedos en V. Fueron pocas palabras, pero suficientes para coronar una ceremonia que se vivió como histórica.

Una distinción con sentido político y cultural

El decano Ricardo Manetti destacó que García “nos honra, nos enorgullece. Es nacional y popular. Es de los que transformaron el campo artístico”. La titular de la cátedra, Lisa Di Cione, explicó que distinguir a García es también un gesto institucional: “Cuando una universidad reconoce a una personalidad, no solo resalta sus obras, también habla de sí misma. Charly ha sido objeto de centenares de investigaciones, publicaciones y análisis académicos. Su obra es parte de nuestros planes de estudio”.

La iniciativa, elaborada por Di Cione junto a los docentes Martín Liut y Marina Cañardo, fue aprobada por unanimidad en el Consejo Superior de la UBA. Según Di Cione, García “fue una pieza clave del movimiento rockero argentino y latinoamericano, siempre atento a las novedades y dispuesto a explorar nuevos lenguajes, aun cuando eso lo convirtió en blanco de críticas”.

La Facultad ya había distinguido en 2013 a Leonardo Favio con la misma mención, en el marco de los 50 años de la carrera de Artes. En esta ocasión, la distinción se inscribe en la consolidación de la Especialización en Música Popular, que busca dar espacio académico a las figuras fundamentales de la cultura argentina.

Una ceremonia atravesada por el público

El aula 108 de Puán se llenó de remeras con la tapa de Clics modernos, carteles escritos a mano y un público intergeneracional que enfrentó la tormenta con tal de estar cerca de su ídolo. Una estudiante levantó un cartel que decía: “Los dinosaurios van a desaparecer. Defendamos la universidad pública”, uniendo la lírica de García con el reclamo en defensa de la educación.

“Charly nos reúne a todos”, resumió Manetti. Y así fue: el homenajeado, con 73 años y una vida marcada por excesos, resurrecciones y reinvenciones, volvió a convocar a generaciones enteras. La música que atravesó dictaduras, transiciones democráticas, privatizaciones, crisis y renacimientos se volvió ayer materia de cátedra y patrimonio simbólico.

Con esta distinción, la UBA inscribió su obra en el registro académico y cultural de la nación, legitimando lo que ya es un hecho social: la música de Charly García como parte del ADN argentino.

CRM

El silencio tiene acción. Con esa línea de Raros peinados nuevos Charly García encendió para siempre una chispa y, de paso, nos regaló un mundo nítido: el de los volcanes discretos, el de la radioactividad de lo no dicho, el de los incendios sigilosos si lo que te gusta es gritar.

Rescato la imagen porque justo me toca atravesar estos días envuelta en esa forma precisa del silencio. Uno que cruje en su inmovilidad aparente, repta por dentro en zigzag, baila mudo y movedizo, como una llama.

El silencio tiene acción. Con esa imagen Charly García encendió para siempre una chispa y, de paso, nos regaló un mundo infinito. O mejor: lo inventó para prenderlo fuego después, para mostrarnos que existe la posibilidad de hacer arder con palabras todo eso que parece rotundo; para exponer, con su maestría colosal, la potencia incendiaria de aquello que se dice y, sobre todo, de eso que se calla.

Arranca una nueva edición de Mil lianas, un parlante con el cable desenchufado cada viernes. O casi.

1. Series de junio. El mes se termina muy pronto, pero las plataformas de streaming siguen sumando series y películas a sus servicios hasta el último día. De hecho, por estas horas se lanza Viudas negras. P*tas y chorras, una serie protagonizada por Malena Pichot y Pilar Gamboa que promete ser uno de los estrenos más efervescentes del año.

Pero, por supuesto que hay mucho más (Twin Peaks, El Oso, la preciosa Better Man que cuenta la vida de Robbie Williams con un chimpancé de animación como protagonista, por citar algunos ejemplos). Si se les pasó o quieren ir armando planes sin salir de casa, en este enlace pueden ver una guía que armé con lo más destacado del mes para ver en formato hogareño, entre lo que ya llegó y lo que está por venir.

La guía con los estrenos destacados del streaming en junio se puede leer por acá.

2. Temporada de premios. Distintas editoriales y entidades culturales lanzaron por estas horas convocatorias a concursos literarios que apuntan a recibir textos inéditos y buscar voces nuevas. Como me encantan esas iniciativas porque siento que pueden servir como un impulso a quienes se dedican a la por momentos muy solitaria tarea de la escritura, dejo a mano información por si le sirve a alguien con ganas –¡y textos!– para participar.

Por un lado, hasta el 1 de septiembre se encuentra abierta la convocatoria para la segunda edición del Premio Hispanoamericano de Narrativa Las Yubartas, otorgado por la Feria Internacional del Libro de Nueva York en alianza con 12 editoriales independientes hispanoamericanas. El ganador recibirá un estímulo económico de 4200 dólares y la publicación de la obra. Según los organizadores, “pueden participar todos los libros narrativos, incluidos aquellos que ronden sus límites: las novelas, los cuentos, los cuentos en verso, los ensayos novelísticos, etcétera. Es decir, que podrán concursar libros intergenéricos e interdisciplinarios, y también de los géneros convencionales (novela y cuento), siempre y cuando sean obras literarias y no de corte académico o informativo”. Más información, en este enlace.

Además, hasta el 18 de agosto está abierta la convocatoria para participar de la sexta edición del Premio Futurock Novela dedicado, según sus organizadores, “a la búsqueda de nuevas voces de la literatura actual”.

“Este año la novela ganadora recibirá un premio de 4 millones de pesos y será publicada en Ediciones Futurock. El jurado estará compuesto por lxs escritores Esther Cross, Mariano Quirós y Daniel Guebel”, detallaron. Más información sobre los requisitos para participar, por acá.

3. Apostilla. Me referí al silencio arriba, pero no es la primera vez que me ocupo de él en Mil lianas. Con libros, películas y canciones como puntapié, acá pueden leer más sobre silencios que se rompen, en este enlace sobre esos que son alud y por acá sobre esos que dan miedo y al mismo tiempo nos estimulan. También comparto este texto breve e impresionante de Alejandra Pizarnik. Se llama ¿Y qué pensar del silencio“, fue escrito en inglés y lo tradujo el escritor argentino Ezequiel Zaidenwerg para su newsletter El poema de hoy (recordatorio: es precioso y se pueden suscribir por acá).

Banda sonora. Confieso que lo que más escucho últimamente –en la tele, en las redes, en mi cabeza– es el nanananananana de Freed From Desire, la canción noventosa que ahora volvió con todo, entre otras cosas porque se eligió como cortina de ese invento medio exótico llamado Mundial de Clubes (de paso: la historia del tema, de su creadora, la italiana Gala Rizzato, y de cómo se adoptó como himno de distintas protestas es muy interesante, The Guardian lo cuenta muy bien por acá).

En los pocos huecos que me deja ese sonido envolvente como una bufanda, estuve dándole duro a dos novedades de junio: More, el último lanzamiento de Pulp y a I Quit, el flamante disco de Haim, esa adorable banda de hermanas californianas (de paso II: a Alana, una de las integrantes del grupo, la vimos y la adoramos en la película Licorice Pizza, de Paul Thomas Anderson; si se les pasó está disponible en Mubi).

Hice una selección de canciones de esos dos discos y las sumé a nuestra banda sonora compartida. Se escucha, como siempre, por acá.

Bonus track. El Festival Internacional de Literatura de Buenos Aires, más conocido por todos como Filba, decidió encarar una campaña abierta de donación de libros para ayudar a las bibliotecas populares de la ciudad de Bahía Blanca, que, como varios recordarán, fue afectada por un temporal espantoso en marzo de este año.

“Hasta el 25 de julio estaremos recibiendo libros en la librería Eterna Cadencia (Honduras 5582, CABA)”, informaron desde la organización del festival y pidieron especial atención a las publicaciones que se elijan para donar (pueden leer más detalles sobre esta iniciativa y qué libros recomiendan llevar en este enlace).

Además, Filba anunció que este año su edición nacional se hará del 31 de julio al 2 de agosto en Bahía Blanca. Allí, además de entregar las donaciones que se reciban, habrá una programación que incluirá actividades literarias y que también buscará ayudar a las bibliotecas comunitarias.

Posdata. Gracias, queridas y queridos lectores de Mil lianas, por los mensajes de cariño y apoyo que me hicieron llegar en estos tiempos inciertos. Es una alegría saber que son tantos y tan afectuosos del otro lado. Estuve respondiendo de a poco, pido paciencia si a alguien todavía no llegué a escribirle. Como ya comenté en otras ocasiones, me encanta la correspondencia en sus diversas formas y les recuerdo que siempre me encuentran por acá.

¡Hasta la próxima!

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Hay una palabra fatídica: cover. Es una palabra que en el jazz no existe. Mal podría hablarse de “cubrir” cuando la propia materia de esta música es convertirlo todo en propio. Se trata, más bien, de des-cubrir. De develar. De revelar aquello que estaba oculto. El jazz dialoga permanentemente con su historia. Una historia construida, a su vez, por lecturas y relecturas. Todos los fuegos, el reciente último disco de Roxana Amed, pone en práctica esa esencia y parte de una serie de canciones compuestas por cuatro de los compositores más importantes de ese campo difuso conocido como “rock nacional”. En esa idea, en la de pensar esas piezas como punto de partida y no de llegada, radica su primera gran virtud. No es la única.

El jazz se trata, a grandes rasgos, de “volver a tocar” lo ya tocado y de “volver con alguna verdad”, para tomar dos frases de “Dejaste ver tu corazón”, una de las dos canciones de La La La –aquel encuentro entre Luis Alberto Spinetta y Fito Páez–, incluidas en este disco. Pero para los cantantes no es tarea fácil. Si para cualquier instrumentista el secreto pasa por lograr la máxima distancia posible sin que se pierda totalmente de vista el objeto original, para quienes cantan se trata exactamente de lo contrario: mantenerse tan cerca como se pueda, sin dejar de ser creativo. El instrumentista se vale de los solos. Los cantantes están solos todo el tiempo pero no hacen solos. Pueden variar, hasta cierto punto, las melodías. Pueden improvisar en algún momento. Pero una canción es una canción.

Parte de la originalidad de los cantantes es su propia voz: la belleza del timbre, el color. Y en muchos casos no hay nada más, lo que, por otra parte, no está nada mal. A quién podría molestarle una bella voz cantando una bella canción. Podría pensarse, no obstante, que en ese caso no se trataría de arte sino de decoración de interiores. Amed, como Abbey Licoln, Dee Dee Bridgewater, Betty Carter o Cassandra Wilson pertenece a otra clase. A la de las creadoras. Las que fundan un estilo y defienden una estética. No se trata solamente de interpretar canciones poco usuales. Como en el caso del pianista Adrián Iaies, alguien con quien Amed ha tocado (y con quien grabó el notable Cinemateca Finlandesa), lo importante es qué se hace con ellas. O, dicho de otra manera, hasta qué punto se las convierte en materia propia. Y allí es donde aparece la segunda gran virtud de Roxana Amed. Saber la diferencia entre una buena idea y un concepto.

Hacer un disco de jazz con clásicos del rock puede ser una buena idea. Entender cada uno de esos clásicos como una masilla a la que modelar y lograr que esa nueva figura, lejos de traicionarla, la “vuelva a mostrar” con “alguna (nueva) verdad” obedece a un concepto en el que el tratamiento instrumental (y, antes, la elección de los músicos) resulta esencial. El genial Leo Genovese en piano y teclados (integrante del último cuarteto de Wayne Shorter; pieza fundamental de mucha de la producción de Esperanza Spalding), el saxofonista Mark Small (que integra la Darcy James Argue’s Secret Society), Tim Lefebvre (que tocó con David Bowie entre otros) en bajo eléctrico y el baterista Kenny Wollesen (miembro del trío de Bill Frisell) son quienes, junto con Amed, tejen la trama en que cada una de las canciones de Todos los fuegos encuentra, sin forzamiento alguno, una nueva vida que parece haberle pertenecido desde siempre.

Otra pieza de La La La, “Asilo en tu corazón”, más “Vida siempre” –de Bajo Belgrano– y “La sed verdadera” –de Artaud– marcan la presencia de Spinetta –alguien que, en sus acentuaciones y en sus acordes nunca fue demasiado ajeno al jazz–. Páez, además de la mencionada “Dejaste ver tu corazón”, firma “Ciudad de pobres corazones”, la única pista que tiene como arreglador, en lugar de Genovese, al tecladista Martin Bejarano. Dos temas de Peperina, de Serú Girán, pertenecen a Charly García, “Salir de la melancolía” y “Cinema verité”. Y otros dos, “Corazón delator” y “Verbo carne” son de Gustavo Cerati (el primero incluido en Doble vida, de Soda Stereo y el segundo de Bocanada, su disco solista de 1999. El disco se completa con una toma alternativa de “La sed verdadera”, con una presencia más prominente del piano y sin las ráfagas de Small en el saxo soprano, y un tema compuesto por Genovese y Amed, “Diamonds”.

Joe Monticello en flauta (fantástico en “Vida siempre”), Aaron Lebos en guitarra eléctrica y Samuel Torres en percusión, se agregan al equipo principal como invitados. Y Amed se agrega a sí misma en coros (siempre imaginativos). Los arreglos de Genovese, por su parte, son de un gran refinamiento y, al mismo tiempo, suenan sin afectación alguna. Grabado y mezclado en Los Estados Unidos, donde Amed reside desde hace más de diez años, Todos los fuegos exhibe la infrecuente cualidad de ser complejo en su factura y fácil en su escucha. El título remite, según su creadora, a uno de los elementos principales de la naturaleza, pero la referencia a Cortázar resulta inevitable. Como en los cuentos de Todos los fuegos el fuego, aquel famoso libro, lo cotidiano se desliza, sin aviso, hacia lo imprevisto.

El dinero no vale nada. Por fuera del rol simbólico que ocupa entre nosotros, un billete no es más que un pedazo de papel. Cada tanto ocurre que, en alguna casa, aparece una moneda fuera de circulación y se la guarda inútilmente, menos porque se la piense usar en una transacción que por un motivo meramente nostálgico.

El dinero sin valor nos recuerda otros tiempos, a veces hasta tiene el olor a viejo de lo que proviene de la infancia, como las páginas amarillas de un libro. Así el objeto en que se encarna el dinero adquiere el estatus de la reliquia, pero ya no es dinero. Este no tiene carne, es flujo etéreo, equivalencias suprasensibles; la del dinero es una teología. No por nada en el billete de un dólar está el ojo de Dios.

En el dinero es preciso creer. Siempre es extraña la gente que logra desentenderse de esta creencia. Las religiones tienen muchos ateos, pero el dinero muy pocos. El único que yo conozco es Charly García. Recuerdo una vez en que salió de su casa en Coronel Díaz, paró un taxi y dijo: “Soy yo, ¿me llevás?”.

Después de Charly, creo que las demás personas que conozco que no creen en el dinero tienen algún tipo de enfermedad mental severa. Es que el dinero es un recurso muy útil para el desplazamiento de conflictos internos. La capacidad de tener síntomas con el dinero, es una solución para el “depósito” de la energía psíquica.

Una distinción típica de la clínica de las neurosis lo ilustra: el obsesivo tiene la chance de desplazar al ahorro su goce retentivo (anal), así como el histérico encuentra en el gasto sin prurito un símbolo de amor propio (“lo valgo”, “me lo merezco”). Las tarjetas de crédito son muy hábiles para explotar los síntomas de los neuróticos: comprar algo en cuotas, como si en la prolongación serial estas dejasen de existir es un buen equivalente del olvido que promete la represión psíquica.

De todos modos, al igual que con la represión, las tarjetas también tienen su retorno en resúmenes que apuran pagos de intereses que, como los retoños de lo reprimido, empujan a una lucha secundaria que siempre se aplaza y genera deuda y más deuda. Si la del dinero es una teología, la del síntoma es una verdadera economía (de goce).

El dinero es una mierda. El dinero está hecho de un material desechable que bien puede adquirir las más variadas significaciones psíquicas. Para Sigmund Freud, dinero = falo = heces = hijo = regalo. Si quien se desinteresa del dinero suele llamar la atención, ocurre lo mismo con quien se interesa demasiado. Al igual que con la fe, cabe preguntarse: ¿en qué cree quien tanto cree en el dinero?

El dinero puede representar felicidad, seguridad, poder, etc. Decir que el dinero es más bien un medio es tan ingenuo como decir que la tecnología no es buena ni mala y depende de cómo se la use. El dinero es un fin, es el fin de los fines; es una parte exterior del psiquismo humano. Dime cómo tratas al dinero y te diré quién eres.

Sin embargo, no quiero dedicar esta columna a hablar solamente del dinero en sí, sino de algo que mencioné antes cuando me referí al neurótico obsesivo. Este se caracteriza tanto por su goce ahorrativo, como por una generosidad impostada. En este caso, el obsesivo da, sí, pero no suelta.

Si pudiera ilustrar con una imagen la oblatividad obsesiva, diría que es la de quien da un objeto, pero no puede dejárselo del todo al otro: “Viste qué buen sweater que te regalé”, “¿Leíste el libro que te di? ¿Me lo prestás?” o, en casos más extremos, como el que ocurre en las separaciones, “No te olvides que todo lo que tenés lo tenés porque te lo di yo”. Seguro el lector puede pensar sus propios ejemplos.

En la psicopatología de la vida cotidiana, a mí divierte el caso del varón obsesivo que, si además es marido, se convierte en un regulador del goce familiar. A todo responde que no y que es muy caro. Un marido, en su función clásica, es quien responde con austeridad a la administración que delega en la esposa. Un marido dispendioso –como el que llega a la casa con flores– suele ser sospechado de encubrir alguna culpa.

Quizá esto ya no sea así, los roles sociales cambiaron mucho y ya no es frecuente que haya varones que creen que algo les corresponde porque pagan (“¿Acaso mi dinero no vale?”). En esta época en que los maridos comienzan a pasar de moda, el retaceo obsesivo se disfraza de igualdad y pide el pago conjunto de una cuenta, con el argumento de que la invitación es una estructura rígida del amor romántico que es preciso vencer.

Sin embargo, a mí me interesa circunscribir una situación menos divertida, aunque no ajena a la comedia de los sexos; una que no se refleja a través de objetos materiales, sino a través de ese otro objeto inmaterial que es la palabra.

Una de las formas del goce retentivo del obsesivo es apropiarse de la palabra, de modo más o menos tiránico. Pienso que de experiencias de este tenor es que Rebecca Solnit debe haber tomado la matriz para introducir el término “mansplaining” –en su libro Los hombres me explican cosas, en el que explica cómo los hombres le explican.

La raíz de esta actitud seguramente sea la fuerza posesiva de lo viril. El varón hace sentir su afirmación a través de posarse sobre su objeto y manipularlo. No por nada Freud se refirió en este punto a un “ejercicio de la musculación”. Los varones agarran y cuando resulta que son obsesivos, no sueltan.

Pienso en el caso de un conocido profesor que, en las reuniones, suele desarrollar lenta y parsimoniosamente sus ideas, sin importarle si otros lo escuchan; aunque sí, le importa que lo escuchen, porque lo que no le importa es aburrirlos. La contracara de la retención neurótica es el sadismo, que en la obsesión se expresa en la sentencia “Vos me vas a escuchar”.

Los obsesivos son personas que hablan todo el tiempo y, así y todo, sufren de que no se los deje hablar. De regreso al comienzo, este es un tema económico también, porque pone de manifiesto esa instancia en la que no pagan por sus palabras. El obsesivo habla como si fuera gratis.

A propósito, para concluir, recuerdo la anécdota de un colega que me contó que hace unas décadas tuvo su primera sesión de análisis. Después de hablar sin parar durante una hora y media, el analista le propuso concluir. Inquieto, dado que se trataba de un analista célebre, mi amigo le preguntó cuánto eran los honorarios. El analista le respondió: “Dos mangos”. Sorprendido, mi amigo le preguntó cómo podía cobrarle tan poco. El analista respondió: “Es lo que hoy valen sus palabras; espero que con el tiempo tengan otro costo”.

LL/MF

Desde 1813 hasta hoy todos los argentinos cantan el Himno Nacional. A menudo ese canto es tan solo en murmullo mecánico de alguna rutina escolar, alguna obligación cívica, alguna fecha patria. A veces se ensancha hasta hacerse proclama de un nacionalismo guerrero, y también surge en boca de grupos políticos, que subrayan así su pertenencia a la Nación. Y, por supuesto, se canta en eventos deportivos. Algunos cantarán el himno buscando fundirse en la comunidad, otros para aplacar el poder del Estado.

Más allá de las diferencias en su uso e interpretaciones, lo cierto es que Argentina lleva la marca de este grito sagrado creado por orden del gobierno “para inflamar el espíritu público”. El 22 de julio de 1812, el Primer Triunvirato le sugirió al Cabildo de Buenos Aires la composición de una marcha de la patria para ser interpretada al principio de las funciones teatrales y en las escuelas al finalizar diariamente las clases, debiendo el público escucharla de pie y descubierto. Al año siguiente, la Asamblea General Constituyente del Año XIII le encargó a Vicente López y Planes la letra del himno y a Blas Parera, la composición de una nueva música. El 11 de mayo de 1813 se aprobó como Marcha Patriótica.

La tradición afirma que la canción fue interpretada por primera vez en la casa de Mariquita Sánchez de Thompson, quien habría entonado los primeros acordes, aun cuando ella no dejara escrito alguno que hiciese mención a ese suceso. 

La letra original era marcadamente independentista y antiespañola de acuerdo al espíritu de la época. Tiempo después, la Asamblea del año XIII pide un “arreglo” en la letra con la idea de conservar un acercamiento político con diplomáticos españoles.

En 1860 Juan Pedro Esnaola realizó algunos cambios a la música, basándose en anotaciones manuscritas del compositor, creando una versión orquestada más rica desde lo armónico. Su versión original dura 20 minutos. En 1900, se reglamentó por decreto del Poder Ejecutivo utilizar una versión reducida de la marcha para actos oficiales y públicos. En 1924, se abrevió a entre 3 minutos 30 segundos y 3 minutos 53 segundos.

Tiempo después, gracias al hallazgo de una partitura en el Museo Histórico Nacional, atribuida a Blas Parera, se introdujeron arreglos a la versión de Esnaola y esta se estrenó al público en el Teatro Colón el 25 de mayo de 1927, recibiendo críticas.

Por decreto del entonces presidente, Marcelo T. de Alvear, se aconsejó hacer una versión más parecida a la de Juan Pedro Esnaola. Por decreto 10.302, del 24 de abril de 1944, la marcha fue aprobada como himno. Su versión vigente corresponde a la transcripción realizada por Luis Lareta que se ajusta a lo acordado el 25 de septiembre de 1928 por el Poder Ejecutivo Nacional.

Así, el Himno Nacional –como arma, escudo, invocación, estímulo, coartada o incluso simple lugar común– atraviesa toda la historia argentina.

Un hito en la historia del Himno ocurrió en 1990 con la versión de Charly García. El músico hizo una versión distinta a la tradicional. Eso provocó una polémica y una demanda en la justicia por ultraje a un símbolo patrio.

En la versión de Charly, el texto es el mismo; y si bien el tempo tampoco varía, la música sufre ligeras modificaciones. Las principales innovaciones son melódicas; también hay cambios en la instrumentación, la dinámica y la textura vocal.

Sin embargo, en 1990, una persona presentó una demanda por ultraje a un símbolo patrio, lo que llevó al músico a un juicio. El juez desestimó la demanda, considerando que no había delito. Y en el año 2000, la Justicia autorizó la difusión de la versión de Charly en las radios. 

Esta controversia –que estuvo en la agenda pública por mucho tiempo y generó acalorados debates– marcó un antes y un después en la forma en que se percibe el Himno Nacional Argentino. Y una prueba de ello, es cómo se entona hoy en las canchas de fútbol y eventos deportivos, con un fervor que dista mucho del acto escolar o el protocolar.

Himno Nacional Argentino

¡Oid mortales el grito sagrado

libertad, libertad, libertad!

oid el ruido de rotas cadenas

ved el trono a la noble igualdad.

Ya a su trono dignísimo abrieron

las Provincias Unidas del Sud,

y los libres del mundo responden

¡Al gran Pueblo Argentino salud!

Sean eternos los laureles,

que supimos conseguir,

coronados de gloria vivamos,

o juremos con gloria morir.

MP

La Fundación Konex difundió la lista de las 100 personalidades más destacadas de la Música Popular Argentina en el período 2015–2024 en el marco de la edición 46 de los Premios Konex. La selección fue realizada por el Gran Jurado, presidido en esta edición por Sandra Mihanovich, mientras que la presidencia de la Fundación sigue a cargo de Luis Ovsejevich.

La distinción se organizó en veinte disciplinas diferentes, cada una integrada por cinco figuras reconocidas. Desde 1980, la Fundación otorga estos diplomas en ciclos de 10 años.

Los seleccionados recibirán el Diploma al Mérito en una ceremonia que tendrá lugar el 9 de septiembre en la Ciudad Cultural Konex. Se trata de la quinta vez que la actividad de la música popular argentina es reconocida por la Fundación Konex.

Esta es la quinta ocasión en que la Música Popular es considerada. Anteriormente fueron Konex de Brillante en este rubro, máximo galardón otorgado por la entidad, Atahualpa Yupanqui en 1985, Mercedes Sosa en 1995, Horacio Salgán en 2005 y Dino Saluzzi en 2015.

Además de los galardones regulares, la Fundación Konex otorgó menciones especiales a figuras e instituciones cuya trayectoria tuvo un impacto relevante en el desarrollo de la música popular argentina. En esta edición estas fueron para Charly García, Dúo Pimpinela, Los Auténticos Decadentes y el festival Trombonanza.

A su vez, el jurado otorgó los Konex de Honor, destinados a una personalidad sobresaliente fallecida en la última década a Javier Martínez y Mariano Mores.

El jurado está integrado por 20 personas. Presidido por Mihanovich (Premio Konex de Platino 1995 y 2015, Premio Konex 2005), su secretario general es Alejandro Lerner (Premio Konex 1985, 1995 y 2005). Dino Saluzzi (Premio Konex de Brillante 2015) es su presidente honorario.

Después de la entrega de los diplomas al mérito, se procederá a la elección de los 20 Konex de Platino y el Konex de Brillante. El Gran Jurado elegirá en cada uno de los 20 quintetos premiados.

El Konex de Brillante, máximo galardón que otorga la Fundación Konex, será para la figura de la década. La ceremonia en la que serán otorgados los 20 Konex de Platino, las Menciones Especiales, el Konex de Honor y el Konex de Brillante se realizará el 11 de noviembre.

Estas son las cien personalidades destacadas de la música popular según la Fundación Konex:

Solista de Tango: Lidia Borda, Juan “Tata” Cedrón, José Colángelo, Julieta Laso, Hugo Rivas.

Conjunto de Tango: Diego Schissi Quinteto, Nicolás Ledesma Orquesta, Orquesta del Tango de Buenos Aires, Quinteto Lumière, Trío Lavallén-Estigarribia-Cabarcos.

Solista de Folclore: José Luis Aguirre, Raly Barrionuevo, Nadia Larcher, Soledad Pastorutti, Nahuel Pennisi.

Conjunto de Folklore: Arbolito, Don Olimpio, Dos Más Uno, Duratierra, Los Manseros Santiagueños.

Solista de Jazz: Roxana Amed, Yamile Burich, Hernán Jacinto, Ricardo Lew, Ligia Piro.

Conjunto de Jazz: ARGENTUM jazz quinteto, Bourbon Sweethearts, Escalandrum, Swing Summit Trío, Trío Sin Tiempo.

Solista de Rock: Pedro Aznar, Marilina Bertoldi, David Lebón, Hilda Lizarazu, Dante Spinetta.

Conjunto de Rock: Divididos, El Mató a un Policía Motorizado, Eruca Sativa, La Renga, Los Espíritus.

Solista de Pop: María Becerra, Lali Espósito, Zoe Gotusso, Nicki Nicole, Tini Stoessel.

Conjunto de Pop: Babasónicos, Conociendo Rusia, El Kuelgue, Miranda!, Usted Señálemelo.

Tropical: La Delio Valdez, La K'onga, Angela Leiva, Pablo Lescano, Luck Ra.

Urbano: Cazzu, Duki, Trueno, Wos, YSY

Alternativo/Nuevo: Ainda, Bandalos Chinos, Ca7riel y Paco Amoroso, Feli Colina, Dillom. DJ/Electrónica: Hernán Cattáneo, Ignacia, Peces Raros, Tremor, Javier Zuker.

Melódico/Romántico: Silvina Garré, Dany Martin, Marcela Morelo, Luciano Pereyra, Abel Pintos.

Infantil: Canticuénticos, Magdalena Fleitas, Los Raviolis, Pim Pau, Topa.

Solista Instrumental: Pablo Agri, Hilda Herrera, Franco Luciani, Daniel Maza, Manu Sija.

Autor/Compositor: Lisandro Aristimuño, Vero Bellini, Juana Molina, Fito Páez, Lilián Saba.

Productor Artístico: Bizarrap, Juan Blas Caballero, Nico Cotton, Fabián “Tweety” González, Lucy Patané.

Arreglador/Orquestador: Gerardo Gardelin, Nora Sarmoria, Gustavo “Popi” Spatocco, Leo Sujatovich y Lito Vitale.

El Gran Jurado decidió además homenajear a figuras fallecidas durante la última década: Ramón Ayala, Rosario Bléfari, Sergio Denis, Horacio Fontova, Rodolfo García, Manolo Juárez, Chico Novarro, Palo Pandolfo, Atilio Stampone y Jaime Torres.

CRM

“Trabajé unos quince, veinte años como periodista. Hice dos mil entrevistas, si no fueron unas tres mil. (…) Soporté más de la cuenta la vida de periodista, más de lo que había imaginado que podría soportar el humo, los nervios, el ruido y el café frío o hervido de las redacciones en aquellos tiempos, lejanos y también cercanos, en los que había máquinas de escribir y humo de cigarrillos, lo soporté convencido y tal vez equivocado, creyendo que era el peaje o el inicio de una especie de camino que conducía a la literatura”, leemos en la página 108 de este proverbial canto a la amistad que es Faster (Híbrida, 2024), la adictiva novela recientemente publicada en nuestro país de Eduardo Berti (Buenos Aires, 1964).

El trailer del libro diría algo así (hay que leerlo con esa voz de trailer). Dos amigos del secundario. Un fanzine escolar. Una oda a la amistad. Una entrevista a Juan Manuel Fangio. Una ceremonia iniciática. Una marea de recuerdos. La fascinación por un ex Beatles (George Harrison). Emerson Fittipaldi y su Copersucar. Modos de ser felices. Un escritor y sus desvelos. Alianzas que se tejen a solas.

Antes, una aclaración. Aunque mejor que lo diga el mismo Berti. “En general, estoy contando muy poco del plano real del libro. Es decir, cuando hago entrevistas –sobre todo con el palo más literario –, digo un amigo, un compañero. Pero si querés acá podemos decir que Fernán es Marcelo Fernández Bitar; digo porque me parece perfecto con la temática de esta sección. Hay cierta gente, digamos la del palo como dice Gloria (Guerrero), que lo entendió o lo intuyó”.

La información se relaciona con el otro personaje de Faster –cuya primera edición fue en 2021 en España, vía la editorial Impedimenta–, el periodista y amigo Marcelo Fernández Bitar, con quien Berti comenzó a escribir en diversos medios cuando no tenían aún veinte años –Canta Rock, Cerdos y Peces–, firmando al principio siempre juntos.

Entonces, la columna vertebral de nuestra conversación virtual –Berti vive fuera de nuestro país hace más de dos décadas; ahora mismo está instalado en Burdeos, al sur de Francia– será su vínculo con el periodismo de rock. Porque en Faster, más allá de la amistad, más allá de la vocación literaria o la escritura, lo interesante es cómo Berti va planteando en esa reconstrucción su lazo con el periodismo. Accedemos así a situaciones tensas, otras de amor y otras de odio al oficio.

- Nada es puro en Faster. Hay cosas que son verdad: que hacíamos una revista con Marcelo (Fernández Bitar), verdad; que conocernos tuvo que ver con los gustos musicales y con un viaje en un micro, sin dudas. Que la revista era de deportes, verdad; lo de (Juan Manuel) Fangio, totalmente cierto; que lo llamamos y que nos dijo vengan en tres o cuatro horas, es verdad. Después mezclé como hacen los directores de cine quienes condensan todo en una sola escena. Juego, imagino situaciones. Me divierto a partir de una cosa que es real.

- ¿En esa postal de ustedes haciendo la revista había una señal de futuro? ¿Imaginabas que el día de mañana te ibas a dedicar al periodismo y a la literatura?

- Te juro que no recuerdo haberlo pensado mucho. Yo desde muy chico jugaba al periodismo. Además, escribía textos breves o cuentos totalmente absurdos que leían mis tías, porque ellas eran profesoras de literatura. Más adelante grabé con un amigo que venía a casa programas de radio en casete: mi viejo me había regalado un grabador y era la novedad. Luego, con el tiempo, invité a mi amigo a que se uniera al Bulo de Merlín y lo que hicimos no era tan distinto. (Risas) Tal vez un poco mejor. Pero jugaba a estas cosas hasta que un día, ya en cuarto año del secundario, empecé a decir: “Bueno, tal vez esto es más que una diversión y me gustaría dedicarme al periodismo”.

- ¿Por qué empezaron firmando los dos juntos, vos y Marcelo Fernández Bitar?

- En general, preparábamos entre los dos las preguntas. Íbamos juntos a las entrevistas y nos sentábamos frente al entrevistado, pero después había uno que se encargaba de desgrabar, de darle forma a la nota, de editar. Entonces, el que firmaba primero es porque era quien había hecho el montaje, eso nos permitía cambiar y no ir en el mismo orden a la hora de la publicación. Eso nos daba también más visibilidad, podíamos firmar el doble de notas.

- ¿Es cierto que les decían Batman y Robin?

- La primera vez que lo escuché fue de la Negra Poli y de Skay (Beilinson), quienes se referían así de nosotros. Creo que se lo decían a Enrique (Symns), con quien eran amigos. Es que éramos dos niños con dieciocho o diecinueve años en ese momento, principios de los años 80.

- ¿Cuándo escribiste tu última nota en un medio gráfico?

- Lo último que firmé –y fíjate que ahora que lo digo es muy revelador– es una nota que me pidieron para la sección Cultura de La Nación después de la muerte de Gustavo Cerati. Hoy la escribiría de otro modo. A ver, con la misma admiración que hay o que intento transmitir en ese texto, pero aquí y ahora mi mirada de la carrera solista de Gustavo (Cerati) creció muchísimo. En ese momento, ese texto se lo pierde un poco. No es que lo minimiza, pero cuantitativamente no es tanto lo que le dedico.

- Tal vez no tiene el lado emocional que implica el paso del tiempo.

- La persona que estuvo viéndolo a Gustavo (Cerati) y que tuvo un vínculo cordial con él y que le hacía notas, coincidía con el Gustavo (Cerati) de Soda (Stereo). Mientras que con el otro, el solista, tuvo una relación más distante, lo que es absurdo pero que influye sin duda emocionalmente. A su vez, en cuanto a mi última escritura en torno al periodismo, se reeditó no hace mucho Rockología (Gourmet Musical, 2023) al que le añadí un capítulo. Sucede que encontré dos entrevistas viejas a (Luis Alberto) Spinetta que estaban publicadas pero medio incompletas. Entonces hice un capítulo acerca del álbum Privé (1986) aunque noto que tiene una mirada muy distinta. No sé. No digo que desafine o que desentone con Rockología, pero se nota el paso del tiempo. Que tampoco está mal.

- ¿Pero hubo un día puntual en que tomaste la decisión de dejar atrás el periodismo gráfico?

- En un punto, hubo una etapa intermedia. Yo estaba escribiendo cada vez más ficción. Pero sentía que la carga cuantitativa de trabajo de periodismo escrito me agotaba, me dejaba poco margen para la literatura. Como estaba en crisis con eso, lo charlaba con amigos. No recuerdo quién exactamente pero como mínimo dos de ellos me dijeron: “¿Por qué no te pasás a un medio audiovisual?” No era tan fácil decir: “Largo todo y me quedo a escribir en mi casa, solo”; me daba miedo esa apuesta como la soledad que podía también traer aparejada. Entonces, recién pude dejar la escritura periodística al empezar a trabajar con los hermanos (Josi y Daniel) García Moreno y Carmen (Moreno), la madre de Charly (García).

- ¿Cómo fue ingresar en ese universo desconocido?

- Si bien había hecho radio en una pirata en 1987, no tenía mucha idea de qué era hacer televisión. Yo traía un poco los vicios buenos y malos del Bulo de Merlín –mucho montaje, mucha edición–, lo que es caro para la tele, porque siempre es más barato realizar algo en vivo. Pero les gustó ese espíritu y logramos que Carmen (Moreno) aceptara. Esos fueron los años en que dejé prácticamente de escribir periodismo. Primero hicimos Rocanrol (1992) y luego La Cueva (1993). Sin embargo, luego ocurrió lo que menos me esperaba: la gente de FM Tango –una radio muy rockera en su origen, con Gustavo Noya y Daniel Morano (Alphonso S’Entrega) a la cabeza– me propuso hacer algo como Rocanrol pero de tango. Era para un canal de cable que estaban armando. Entonces del periodismo escrito de rock pasé al documental televisivo de rock para terminar en el tango, pero en la televisión. Por supuesto que no tenía mucha idea de tango, todo lo fui aprendiendo, descubriendo. Por suerte conté con Irene Amuchástegui y Gabriel Soria –hoy el sucesor de Horacio Ferrer al frente de la Academia del Tango– cerca, fue un lujo tenerlos de asesores.

- ¿Extrañaste el rock?

- De pronto, en tres años me fui prácticamente de ese mundo. Es que el universo del tango era muy intenso. Es cierto también que lo que estaba ocurriendo en el rock argentino a mediados de los años 90 no me entusiasmaba mucho. Había cosas interesantes pero en retrospectiva me sigue sucediendo lo mismo. Por otra parte, todo esto coincide con una amistad fuerte con Litto Nebbia, que estaba volcando prácticamente su sello Melopea al tango. Él estaba grabando un disco con (Enrique) Cadícamo y yo terminé haciendo el documental del álbum con Litto (Nebbia). Es que los dos estábamos en una rara sintonía: nos pasábamos todo el tiempo discos de tango. Era absurdo: vivíamos en otra época. Con el tiempo le dediqué a él mi libro Por qué escuchamos a Aníbal Troilo (Gourmet Musical, 2017).

¿Qué recordás del día a día en una redacción?

- Para mí fue una escuela enorme. Por un lado porque la presión del periodismo, el cierre para tal día y para tal hora, tal cantidad de caracteres, eso te tira abajo cualquier idea muy romántica que puedas tener de la escritura. Después se trata de encontrar cierta variedad dentro de esa máquina de hacer chorizos que puede ser el periodismo de actualidad. Ahora bien, siempre sentí que las notas que publiqué, te diría que prácticamente todas las que firmé en Página/12, las podría haber publicado uno o dos días más tarde y no cambiaba nada. Salvo que tuviese una primicia. Me acuerdo cuando Charly (García) me dijo: “Vení a casa que te quiero contar algo”. La noticia era que regresaba Serú Girán. Obviamente que me subí a un taxi y llegué a la redacción diciendo como en el sketch de Minguito Tinguitella: “Paren las rotativas”.

- Quizás ese espacio tuyo implicaba otro tipo de compromiso.

- Escribir en la sección de Espectáculos en Página/12 me daba libertad. Yo exploraba porque sentía que el diario lo permitía, incluso hasta lo incentivaba. Entonces no sé si mi experiencia periodística es la convencional. Uno, por no estar ligada a la actualidad pura. Y lo otro, por estar en un medio como Página/12 que buscaba todo el tiempo dar una vuelta de tuerca a los formatos tradicionales. Me acuerdo una nota que hice con Sandra (Mihanovich) y Celeste (Carballo) con el formato “verdadero-falso”, medio oulipiano. Yo preguntaba: “Se dice tal cosa, ¿verdadero o falso?” Y ellas contestaban. Pero a medida que avanzaba la entrevista, me di cuenta de que les estaba planteando un montón de cosas escudado en el verdadero o falso. En un momento les comento: “Se dice que son pareja”, pero enseguida les aclaro que si quieren no hablamos de esto. A lo que ellas me dicen: “No, hablemos porque nadie nos lo pregunta”. Creo que fue la primera vez que contestaron eso.

¿Qué sensaciones te genera si te digo El Bulo de Merlín, esa radio alternativa que levantaron en una casa en Olivos a mediados de los años 80?

- Hermosas. La sensación de estar haciendo lo que nos divertía, creando, inventando algo desde cero. Porque sabíamos que existían radio libres y radios piratas, pero la verdad es que nunca habíamos escuchado una. Era un mito abstracto. Hoy me doy cuenta de que fue un laboratorio para jugar con los límites entre ficción y realidad, para ver cómo se puede sacudir un género desde adentro. Como digo en Faster: “Hacer periodismo es aprender en público”. Pero lo hicimos con mucha complicidad de los oyentes.

- ¿Recordás algún momento particular de El Bulo de Merlín?

- Los sábados a la noche hacíamos una sección que se llamaba “El rally del dial”. Era un juego que consistía en mandar a los oyentes, por ejemplo, a buscar si estaba sonando “Sin gamulán” de los Abuelos de la Nada en otro radio. Entonces, los oyentes tenían que dejar de escucharnos a nosotros y salir a buscar en las otras cuál estaba transmitiendo esa canción. Después nos tenían que llamar antes de que termine para decirnos el nombre de la radio. Pero en el medio se nos perdían oyentes y se nos plantaban un montón de otros porque tal vez les gustaba la radio nueva o porque no encontraban nuestra señal, que era muy frágil. Claramente lo que hacíamos era un disparate. Eran ideas muy audaces o muy suicidas para los criterios de rating o de eficacia que podría tener una radio tradicional.

- Arrancaste tranqui en el mundo editorial: Spinetta – Crónica e iluminaciones (Editora/12, 1988). ¿Cómo lograste que Luis Alberto Spinetta accediera? ¿Qué buscaban con ese sumergirse en la máquina del tiempo que implicó el libro?

- Hace unos años lo reeditamos junto con Cata (Spinetta), su hija, y con Patricia (Salazar), la madre de sus hijos. No metí mucho mano, salvo algunas erratas que supieron marcarme Rodolfo (García) y Emilio (Del Guercio). No obstante, más que nada fue como hacer un nuevo packaging y, por ejemplo, incluir las fotos de Dylan (Martí) que Luis (Alberto Spinetta) había querido y que todos habíamos querido. En ese momento, no daba ni el presupuesto ni la calidad de impresión en la Argentina para sacar un libro con fotos en papel ilustración. Igual releyéndolo me sorprendí de un montón de cosas. Primero, por momentos, me quería matar a mí mismo. Me dio ganas de viajar en el tiempo y realizar ciertas preguntas que no hice. A favor –para no ser nada más autocrítico–, me sorprende su enorme generosidad y paciencia. Porque el libro es muy fiel. Luis lo leyó y si bien hay un par de cosas que añadió y corrigió, la generosidad que tuvo fue enorme. Recuerdo también que un momento empezó a cansarse de mi método.

- ¿Cómo fue eso?

- Tal vez para él se volvió rutinario recordar el pasado. El formato que elegí estuvo inspirado en el libro El cine según Hitchcock (Alianza Editorial, 1966) de François Truffaut y también un poquito en El montevideano (Ediciones Trilce, 1987) de Milita Alfaro, un texto sobre Jaime Roos que me sirvió de referencia a la hora de ir en orden cronológico, disco por disco, canción por canción. Eso tal vez fue un error de mi parte y volvió al trabajo un poco previsible. Aunque él –en dos o tres momentos en que yo quise cambiar el método– se resistió: en el fondo, Luis estaba tirando de un gran hilo. Ahora lo que me pregunto es por qué hizo este libro conmigo. Lo hablamos mucho con Patricia (Salazar)y con Cata (Spinetta). Yo tengo dos teorías. Una, que yo era muy pendejo.

- ¿Qué edad tenías?

- Cuando lo fui a ver, tenía veintiún años. Yo no era parte del mainstream del periodismo de rock. Aunque, honestamente, no creo que Luis haya especulado con eso. En cambio, el hecho de verme pendejo tal vez le dio ternura, no sé cómo llamarlo. Pero la clave es que en ese momento Dante (Spinetta), que era el más grande de sus hijos, le ponía su propia música. Y Luis se tenía que bancar que sonaran esos discos. Creo que había una mezcla de eso con una necesidad de transmisión; el hecho de que le estaban contando algo a un chico cuya edad estaba más cercana a la de Dante que a la suya. No obstante, es raro: me estoy metiendo en la cabeza de él y estoy haciendo teoría, pero no me parece tan descabellado.

- A mí tampoco, pensando en la influencia de los hijos. Por ejemplo, Migue García que le marca la cancha al Charly de Serú Girán: le pide que deje de componer canciones con tantos saltos y contrapuntos y haga algo más lineal.

- Totalmente. Por eso Charly (García) hace Clics modernos (1982). Migue (García) me ha dicho que cuando él se empezaba a copar con una cosa de Serú (Girán), se la cambiaban. En ese punto, Luis (Spinetta) me ha comentado que Dante (Spinetta) fue clave para el sonido de Privé (1986).

- Pasaron más de tres décadas y cuatro reediciones de Rockología (AC Editora, 1989), una puesta al día en los años 80 de los cambios que se habían dado en el mapa sonoro del rock, con conversaciones muy nutritivas con distintos exponentes del rock argentino (de Litto Nebbia a Daniel Melero, de los Redondos a Soda). Pensar todo lo que le costó a la industria editorial reconocer a la literatura proveniente del rock.

- Es cierto. Primero costó que las editoriales se tomaran en serio la idea de sacar un libro de rock; más allá de los antecedentes excelentes de los libros de Juan Carlos Kreimer y Miguel Grinberg –me sigo sacando el sombrero ante las cosas que ellos hicieron–, pero es cierto que por un momento la apertura fue: “Bueno, un libro de Charly, un libro de Spinetta, y nada más”. Sí, está muy bien pero eran apuestas más o menos seguras y un poco obvias. Hoy llegamos a libros sobre una canción, ya la lupa ha llegado al otro extremo; lo que es maravilloso. Pero lo que tuvo Rockología es que no puso el eje tanto en el músico o en la banda, sino en entrarle desde otro costado al rock.

- ¿Qué libro fue tu modelo en este caso?

- Como muchos de mi generación, yo había leído Sociología del rock (Jucar, 1980) de Simon Frith, que fue importantísimo; esos libros que te abrían el bocho y que te dan pautas. Incluso El tango (Planeta, 1986) de Horacio Salas, que te daba ganas de hacer lo mismo con el rock. A su vez, los libros sobre jazz con un enfoque de la jazzología. En el medio, era el boom de las carreras humanísticas, vamos a decir estudios culturales, y yo recibía en Página/12 a un montón de pibes –quienes tenían casi mi edad, a lo sumo dos años menos– que estaban terminando algún tipo de tesis o de laburo universitario y que venían a charlar conmigo, pero sobre todo llegaban desesperados porque no había nada de material. Por mi parte, ya había empezado a cranear esto, tenía apuntes y algunas notas que iba publicando en la revista El Porteño. Eduardo Blaustein me dijo un día: “Tenés que hacer un libro de rockología”. Yo le dije: “Te robé el título”. (Risas) Estos chicos que venían me confirmaban esta intuición: faltaba un abordaje así. Creo que si no lo hacía yo, lo iba a hacer algún otro; o sea, había gente como Pablo Schanton, como muchos otros, que iban a llegar a eso.

“Hasta ayer, hasta ahora que escribo estas líneas, Fernán siguió trabajando como periodista y crítico de rock. A veces leo sus artículos, espío su actividad, veo el merecido prestigio y el cariño que cosechó, e imagino que hizo eso, a fin de cuentas, para mostrarme cómo habría sido mi vida si no hubiese abandonado el periodismo, si no me hubiese mudado al país de la ficción”, leemos en la página 112 de Faster. ¿Cómo continúa tu mudanza al país de la ficción?

- No lo sé. Cuando me fui de Argentina, me vine a vivir a Francia, y esa distancia me ayudó a poder concentrarme más en la escritura. Tenía menos tentaciones y el mundo del periodismo me quedaba más lejos. Entonces eso me permitió meterme más de lleno en la escritura. Fue una mudanza de a poco, sin darme cuenta, pero sabiendo que quería mudarme ahí; no como una oposición, como una antípoda del periodismo, sino como una necesidad genuina de instalarme ahí. Otra lógica de laburo: tener más tiempo para leer, para escribir; elegir más en la primera fase de transición lo que quería hacer de periodismo; elegir más el tipo de periodismo que quería hacer.

- ¿Cómo te llevas con escribir en castellano con tantos años viviendo en Francia? ¿O ya hiciste la gran Samuel Beckett, que terminó escribiendo en francés?

- Lo estoy haciendo. Me ocurrió con Una presencia ideal (Alianza Lit, 2021) que es el libro que cuenta el cotidiano del personal sanitario en un hospital de acá. Es tan francés todo en el texto –el mundo que yo estaba descubriendo, la oralidad que quería trabajar de las enfermeras–, que no lo pude escribir en castellano. Entonces eso me abrió una ventana, que no significa dejar el castellano: le agregué una habitación más a la casa. Después de haber compuesto toda mi vida con la guitarra, ahora de vez en cuando escribo con el piano. Pero te digo que fue más duro escribir en castellano cuando vivía en España. (Risas)

Este miércoles 15 de enero finalmente Faster tendrá su presentación en la Argentina. El lugar elegido es la Librería del Fondo, Costa Rica 4568, Palermo. A las 18:30 hs, con entrada libre y gratuita. Eduardo Berti, desde Francia, y acompañan el editor Sergio Criscolo, el periodista Marcelo Fernández Bitar y la escritora Natalia Zito.

Nuestro próximo invitado será Raúl “Dirty” Ortiz.

La muerte de Jorge Lanata puso en circulación esa vieja entrevista (en el programa Día D) que le hace a Charly García y en la que esté lo insulta: “Yo pienso que sos un pelotudo”, le dice.

Lo interesante es situar toda la secuencia, antes de llegar a este pasaje al acto agresivo, del que Charly logra salir cuando agrega “pelotudo… pero bien”.

La serie empieza con una conversación sobre arte y política, hasta que Lanata dice: “El arte está por arriba de la política... suponiendo que hagas arte”.

Charly queda herido por esa suposición y responde irónicamente: “¿Sabés qué es el arte? Es cagarte de frío”, apoyándose en el deslizamiento significante con “helarte”.

Sin embargo, Charly ya está adentro del juego de Lanata, porque no puede dejar de preguntarle: “¿A vos te parece que yo soy artista?”. En este punto, Lanata lo tiene servido en bandeja y clava los dientes: “Yo creo que hiciste grandes cosas, que después te empezaste a copiar a vos y creo que te das cuenta”.

A esto Charly no puede responder más que con agresión. Se lo nota turbado y la entrevista continúa en un clima de incomodidad difícil de transitar.

Un viejo colega decía que una buena interpretación tiene que pegar al lado, no en el centro. Lanata dispara al punto rojo. ¿Por qué hizo algo así? Creo que porque pudo, no es algo a lo que darle vueltas.

De lo que no tengo dudas es de que esa fue una interpretación –en el sentido analítico del término– salvaje. En toda la entrevista se lo ve a Lanata jugar a ser psicoanalista y querer llegar a lo más íntimo de su interlocutor.

El problema de su táctica es quiso hacerlo a través de una confesión. Y encima con Charly, cuyas respuestas –aunque sea un genio– muestran una estructura psíquica precaria: defensa irónica y agresión.

Tal vez el problema está en que Lanata parece haber pensado que a lo íntimo del otro se accede a través de su indefensión.

Por otro lado, ¿de dónde proviene lo que Lanata le dice a Charly? Seguramente, como toda interpretación demasiado contundente, del fantasma que revela su propia posición.

No obstante, eso no le quita efecto interpretativo. Que Lanata está dispuesto a llegar hasta el final se corrobora en que, después de que Charly le diga “pelotudo bien”, en lugar de afectarse, pregunta qué significa eso –como un analista principiante que invitar a asociar con un “¿qué se le ocurre con eso?”.

Charly busca a atacar y dice que es uno que sale en la tele, pero ya ni su agresión funciona. Hay risas alrededor, pero Lanata permanece imperturbable.

En su parodia de psicoanalista, Lanata muestra cuán angustiante puede ser un analista desafectado.

Charly intenta salir de la red y agrega: “Si mirás a los demás [artistas]…”, pero Lanata lo corta en seco y aprieta: “¿En función de los demás? Vos sos muchísimo mejor”.

En la primera parte de la respuesta, revela que está ahí para escuchar. Luego afloja y concede, no sin un dejo de sarcasmo, que Charly en su desesperación no nota y del que se agarra como de un salvavidas: “Ah, bueno, entonces debo ser un artista como Mercedes Sosa. Entonces... 1 a 0″.

Cuando ya había perdido todo, a Charly no le quedó más que el recurso a la rivalidad del niño que quiere ganar. “Además, soy un artista muy bueno”, agrega.

Ahora bien, con un paso que es el del escorpión que ya sabe de su muerte, Charly concluye: “Y nunca me traicioné”. En este punto logra una estocada magistral, porque solo así consigue que Lanata deje su lugar de analista prêt-à-porter para ser un sujeto dividido: “Este pelotudo tampoco”, dice.

¿Por qué Lanata realiza una aclaración innecesaria o, al menos, una que podría haber no hecho? Si no reaccionó cuando Charly le dijo “pelotudo”, ¿por qué ahora sí? ¿Cómo es que se relaciona la acusación de (auto)traición con la interpretación de copiarse a sí mismo?

Lanata interpretó a Charly, pero este le devolvió su propio mensaje invertido. Entonces Charly sonríe y vuelve a estar en sí mismo.

Muy pocas veces en la televisión encontramos una secuencia en la que puede verse que el analista no es quien actúa su posición, sino un efecto de la palabra cuando la lucidez de la conversación trasciende lo personal.

LL/MF

¿Levante la mano quiénes el día de su boda contaron con Charly García brindando por la pareja, el saludo con copa de champagne en alto de Luis Alberto Spinetta y las palabras como maestro de ceremonias de Miguel Abuelo? Tal vez la única persona a la redonda que pueda jactarse de esto es Pipo Lernoud (Buenos Aires, 1946), quien una jornada de noviembre de 1984 festejó en el legendario Stud Free Pub su matrimonio con María Calzada (Qepd, ella falleció en septiembre de 2023).

Pipo es uno de los que escribió las bases del rock argentino. Uno de los que se subió a la balsa y naufragó. Pero fue una deriva rica en aventuras y fundaciones. Poeta y letrista de fuste (junto con Abuelo, Moris y Tanguito, entre otros). Ecoactivista, fue vicepresidente de IFOAM (Federación Internacional de Movimientos de Agricultura Orgánica) durante diez años. Mentor de varias revistas puntales en la historia del periodismo de rock vernáculo (Expreso Imaginario, Canta Rock y La Mano), todas surgidas en momentos calientes de nuestra historia reciente, en ese preciso instante.

Pandemia de por medio, Lernoud y su mujer terminaron viviendo en medio de la naturaleza, a unos treinta y algo de kilómetros del centro de Buenos Aires. Entre carpinchos y humedales, entre los pajaritos y la soledad, conversamos con Pipo vía Zoom. Su vozarrón sigue indeleble. Y su risa estentórea aún rebota en la memoria de este humilde servidor cuando él recuerde cierta tarde a mediados de los años 80 en la que el periodista y músico David Wroclavsky (Suplemento Sí! de Clarín) decretó el fin de la hegemonía hippie: “La generación de ustedes terminó”. Claramente, el joven Wroclavsky no contaba con la astucia y las mañas de Pipo.

- Estuviste al frente de tres revistas que aparecieron en momentos relevantes para la historia argentina. Expreso Imaginario, con el inicio de la sangrienta dictadura cívico-militar. Canta Rock, en los albores del regreso democrático. Y La Mano, con el primer año de Néstor Kirchner en el gobierno.

- Nunca había relacionado esto. Es loco porque en los tres casos siempre veníamos laburando de antes. Por ejemplo, (Jorge) Pistochi me trajo la idea de la Expreso en 1974 y empezamos a armarla en el 75. Pero estábamos laburando en un país en el que nunca se sabe lo que puede pasar. Nos preguntábamos: “¿Qué va a pasar con Isabelita ahora que murió Perón? Bueno, le damos para adelante y después vemos”. Íbamos a salir en diciembre de 1975, pero nos pareció que era mejor hacerlo después del verano. Dijimos: “Saquémosla en marzo”. Pero en marzo vino el golpe. Dijimos: “A la mierda”. Así que la Expreso finalmente apareció en agosto del 76, sabiendo que no teníamos que poner nada que pudiese ser un quilombo. No podíamos hablar de política ni de religión ni de drogas.

- Tu Facebook es como un diario a cielo abierto. Entre recuerdos y necrológicas, entre observaciones musicales y posteos de carácter ecologista. El otro día posteaste: “Una playa en los 70. No hay sobrepeso. ¡Cómo nos destruyó la industria alimentaria!”.

- Yo lo tomo como una especie de revista. Como no tengo la paciencia para escribir en ningún lado, hago esta cosa de ping pong que me encanta. Veo una nota interesante o que me parece horrible y la comparto, sin opinión, y veo cómo reacciona todo el mundo. Me encanta la reacción de la gente, se genera algo ahí. Esto viene de la Expreso, cuando con mi pareja de ese momento hicimos el Correo de Lectores, donde muchas veces inventamos cartas para incentivar el debate.

- ¿Qué revista idearías para estos tiempos aciagos?

- La Cueva y la Expreso fueron –como decía un amigo nuestro– un oasis en medio del desierto. La unión de gente muy variada, cuanto más distinta mejor: un Tanguito, que era un tipo que no te agarraba un libro ni loco, por un lado, e intelectuales por el otro. Una sopa muy particular. Esto generaba un oasis en medio de la chatura general. Una revista actual tendría que ser una web con una lista de puntas que linkea a mundos y soluciones posibles. Nada de un universo cerrado. ¿Cómo hacemos para sobrevivir en este mundo cada vez más hostil? ¿Cómo interactuar y convencer que así como estamos, al mundo le quedan veinte años de vida?

Es fundamental que más que una revista, sea una plataforma transformadora. Cada noticia tendrá el respaldo de un archivo digital con la información científica chequeada y trabajada inteligentemente. Tiene que ser como la Expreso, muy participativa: mucha gente haciéndola, los lectores participando y libertad total para escribir. La revista tiene que pensarse a sí misma como un medio de comunicación para todos las personas de habla hispana que estén buscando algo diferente, de todas las edades, clases sociales e ideologías. Por otro lado, debe estar en contacto activo con los jóvenes y con la gente que traen nuevas formas de cultura y de comunicación.

 - Veo que te entusiasma la idea.

- Lo que hizo al rock transformador es mostrar otros estados de la mente y otros estilos de vida. Eso tiene que replantarse hoy en día con los problemas a los que nos enfrentamos: el cambio climático, la reducción de la biodiversidad, las corporaciones, la inteligencia artificial, etc. Creo que hay que salir paralelamente en papel y en internet o los medios nuevos que se inventen. ¿Por qué en papel? Porque da mucha seguridad y además muchas veces lo virtual se diluye o se pierde en el mar de la web.

Yo estoy dispuesto a ser el asesor de un proyecto así, aunque debería estar hecho por jóvenes y si es posible de varios lugares del mundo. Tiene que ser popular, escrita en un idioma normal y con una salvedad: que quienes la hacen no quieran lucirse como escritores ni como sabelotodos, sino que estén apasionados por comunicar sus hallazgos. Hay que evitar a toda costa el aislamiento de la vanguardia y la élite cultural. Debemos sacar a la gente del pequeño mundo en el que la han metido la familia, la educación y la clase social.

- Viene la pregunta remanida. ¿Cómo es que estuviste en el lugar indicado en el momento indicado?

- En mi vida, tuve más suerte que talento al juntarme con cierta gente: todo lo que hice y que es mencionable se debe a que es siempre en grupo. Una canción como “Ayer nomás” pertenece a La Cueva. “La princesa dorada” con Tanguito pertenece al grupo de náufragos. La revista Expreso Imaginario es un grupo de acá a la China. La revista Canta Rock es un grupo de cuatro personas que pusimos cien dólares cada uno y yo terminé comprando una casa.

- Una revista como Canta Rock fue un fenómeno editorial.

- Llegamos a vender ciento veinte mil ejemplares. Una locura. Uno de mis socios era Leonardo Sacco, que era profesor de filosofía y trabajaba en la cátedra de Tomás Abraham. Era un tipo muy sencillo, después dirigió la revista El Musiquero. Él venía cagándose de risa y decía: “Qué barato que está todo”, porque era la primera vez en su vida que ganaba guita. Es que iba con la mujer al shopping, cosa que nunca había hecho, y de pronto tenía guita para comprarle regalos. Después de años de naufragar sin un mango, los rockeros en algún momento casi todos tenemos nuestra venganza. (Risas) Esa fue la única vez que gané guita de verdad. Pero por lo menos una vez en mi vida lo hice.

- “Por lo menos una vez en mi vida lo hice”, es genial. Pero volvamos a la cuestión colectiva, a que detrás de tus logros hay un grupo de personas.

- Para mí lo colectivo es muy importante. Siempre fui el armador. Sería como una especie de (Ricardo) Bochini del rock argentino. (Risas) Es decir, estuve en La Cueva, pero los principales tipos eran otros que podemos mencionar; estuve en la Expreso, pero el verdadero inspirador de la revista fue Jorge Pistochi; si lo dejabas solo, no hacía nada; pero al contar conmigo, yo podía canalizar y armar todas esas grandes ideas que él tenía. Así me ha pasado a lo largo de la vida, con lo orgánico también. Yo me dediqué muchos años a la producción orgánica. Fui vicepresidente una década de la IFOAM, la Federación Internacional de Movimientos de Agricultura Orgánica. Viajé por todo el mundo, siempre como vicepresidente, apoyando. Debo ser el único vicepresidente que nunca traicionó al presidente. (Risas)

- Habrás vivido miles de anécdotas para contar en el universo orgánico.

- Esa organización posee productores de todo el mundo y a mí me votaron dos millones de tipos, con representantes de los movimientos de Polinesia, de Tailandia, de África, de donde sea; y además viajé por todos esos lugares. Una de las cosas más maravillosas que recuerdo es el día en que leí en el Festival de la Biodiversidad. Había representantes de protección de la fauna, había indígenas de todas partes del mundo. En una sala para seiscientas personas de todo el planeta leí un poema que me pidieron para cerrar el evento, con traducción a seis idiomas. Fue muy fuerte.

- Esto es un ejemplo de todas las capas que conviven en tu persona. Está el poeta, está el editor. Está el activista orgánico, está el visionario. ¿Estaríamos acá si no hubieses juntado a los hippies en Plaza San Martín el 21 de septiembre de 1967?

- A mí me gusta la idea de que le aporté al rock un poco de pensamiento global, le hice salir del pequeño mundo al músico que ve todo en el plano de: “Esto lo tocás en Fa; esto en Si bemol”. Los músicos están muy concentrados en algo muy específico y es difícil volar. Entonces, lo mío fue abrir la cabeza de todos. Porque intenté ser músico, pero no pude. Javier Martínez me enseñó a tocar la batería. Moris a tocar la guitarra. Sin embargo, no prosperé.

- No tenías profesores, ¡eh! (Risas)

- Yo tenía el deber de traer toda esa visión cósmica, era el que leía cosas más raras, de afuera: a los surrealistas, a Rimbaud, a los filósofos místicos. Al principio teníamos mucho de taoístas: Javier (Martínez) escribió “Porque hoy nací”; Moris leía a Krishnamurti. Estábamos en un diálogo bastante volado. Además, estábamos solo como perros, metidos en la Perla; afuera nos metían en cana, así que lo único que nos quedaba era imaginar, viajar…

- ¿Qué te parece rockero hoy en día?

- Es que ser rockero no me parece una cosa interesante. ¿Qué es ser rockero? ¿El tipo con la campera de cuero y las botas? (Diego) Capusotto hizo mucho bien porque etiquetó personajes. Un gran trabajo. A mí me parece que el rock nos abrió la puerta, como en otro momento lo fue el existencialismo. De golpe cambió la continuidad histórica. El rock fue un cachetazo mundial. Argentina era un país muy careta, no era joda: gomina, pantalón planchado, zapatos lustrados. Si te salías de eso, estaba todo mal.

- Imagino que habrás escuchado el tema “Viejo rocker” de la Fernández Fierro.

- Sí, pero no me termina de gustar. ¿Te acordás de la palabra “maquieta” que viene del italiano “macchietta”, una especie de pintura exagerada con golpes bajos? A ellos los amo, pero no me gusta ningún tema que hable de los tangueros o de los rockeros. Porque siempre terminan siendo medio caricaturas. Es decir, me gustó la canción pero no me pareció algo ejemplar. En este tipo de cosas me gusta más Alejandro Del Prado y su “Tanguito de Almendra”. Él es un auténtico rockero, o sea, es un manalero de la primera hora, un tipo muy conflictuado. Del Prado musicalizó un poema de (Raúl) González Tuñón “Saludo a la cofradía”, que también hacía Miguel Abuelo.

- Qué buena memoria.

- Mi hija me dice: “Sos un hijo de puta, te acordás solo de lo que lo que te gusta, pero nunca te acordás de que quedaste conmigo y que íbamos a ir a hacer tal cosa”. (Risas)

- Ya que entramos en terrenos filiales, el papel de tu madre en tu vida fue muy importante. Ella fue un personaje fundamental en esos primeros años del rock argentino.

- Mandioca se llamaba La Madre de los Chicos por la madre del Colorado Mario Rabey, que después fue rector de la Universidad de Jujuy, y la mía. Junto con él imaginamos el 21 de septiembre en Plaza San Martín. El Colorado era una especie de asesor de Mandioca y su madre, Dorita Loyber, tenía un departamento en Callao y Corrientes. Ella nos dejaba quedarnos en la casa. Nos daba de comer. Solíamos subir ocho de nosotros, con Tanguito incluido. Imaginate alguien como Tanguito subiendo en el ascensor junto con los vecinos del edificio: todo el mundo lo miraba. Bueno, los demás tampoco estábamos muy presentables. (Risas) En cuanto a mi vieja (Mabel Campi Lernoud), ella era ama de casa. Una mujer muy piola, muy inteligente, hábil con los números. Mis tíos eran todos profesionales y ella tenía mentalidad de abogado. Nos decía: “Muy lindo que compongan las canciones, pero regístrenlas”. A Moris lo llevó de una oreja a Sadaic para que registre sus canciones y se hiciese socio. Lo mismo hizo con Tanguito. Pensar que mi vieja fue la que nos rompió las pelotas para que demos el examen…

- Tu madre fue mánager tuya y de los Abuelos de la Nada.

- En esa época, hasta los veintiún años eras menor; es decir, no podías firmar un contrato, tenía que hacerlo un apoderado. Miguel (Abuelo) y yo tendríamos diecinueve o veinte años. Por eso ella fue nuestra apoderada: “Por la presente, yo Miguel Ángel Peralta le doy el poder a Mabel Campi Lernoud ta ta ta”... Pensar que por “Ayer nomás” cobré lo que hoy serían 50 mil dólares. Por suerte inmediatamente me los gasté en instrumentos, no como hizo Tanguito que se compró discos y después los dejó arriba de un taxi. Le conseguí una guitarra a Miguel (Abuelo), otra a Pappo, otra a (Claudio) Gabis. La batería a Pomo. Con eso armamos Los Abuelos de la Nada. Si yo no hubiera tenido a mi vieja, cuidando los números y sabiendo en cómo ir a un banco, no estaríamos acá. Por eso está muy bien que Mandioca se llame la Madre de los Chicos porque es un reconocimiento a mi vieja y a la del Colorado Rabey. Como dice Pedro Pujó, ellas fueron las que nos estructuraron porque si no esto hubiera sido una masacre.

- ¿Sentís que viviste muchas vidas?

- A veces pienso que podría haberme quedado en compositor, seguir trabajando con Moris. O podría haber seguido siendo periodista. Pero siempre estuve cambiando. Salí de la Expreso y me metí en lo orgánico. A veces pienso que exageré porque cuando me metí en lo orgánico, me olvidé del rock y del periodismo. De alguna manera me recuperó Alfredo Rosso que me invitó a hacer un programa en Radioactiva a mediados de los años 90.

- ¿No nos volvimos medio dinosaurios en estos tiempos que corren de música urbana y fake news, como un registro de otra época?

- Nuestra lucha fue al pedo. A veces pienso eso. Sin embargo, creo que realicé un aporte importante por las coas que hice. Siento que fui muy más o menos útil. Es fuerte lo que está pasando, por ejemplo, musicalmente. El otro día subí a mi Facebook lo que hicieron Paco Amoroso y Ca7riel (en el Tiny Desk Concert), y se armó lío. Hay muchos de nosotros que no entendemos un carajo. Para mí está muy bien hecho, pero no deja de ser raro. Hay todo un debate ahí: la mayoría de mi gente no lo entiende. (Claudio) Kleiman dice directamente: “No me gusta”. Es un salto fuerte el que se produjo con estos chicos.

- Uy, daba por hecho que todo el mundo había celebrado esa aparición de Paco Amoroso y Ca7riel. Hasta pensaba en la intervención política que hicieron.

- Pasa que en tu círculo son todos muy modernos, muy abiertos.

- Puede ser, puede ser… (Risas)

- En serio te lo digo. Está muy bueno lo que hicieron estos pibes. Es un escándalo cómo suenan. Pero muchos de nosotros no entendemos un carajo.

- Borges decía que la vida de una persona se resume por dos o tres hechos. ¿Cuáles son los tuyos?

- Hoy millones de campesinos en el mundo certifican muy barato su producto gracias al sistema que inventamos con dos flacos, uno brasilero y otro sueco. Se llama Sistema Participativo de Garantía (SPG); en inglés es Participatory Guarantee System. Creo que estoy más orgulloso de esto que de haber estado en La Cueva. Hay países enteros que se organizan con este sistema. Para mí esto es el tope máximo de mi vida. Y además debo agregar la cumbia peruana que hicimos con Ariel Minimal para la película Planta madre, de Gianfranco Quattrini, que cuenta la historia de una banda pionera del rock argentino a fines de los 60. La canción se llama “Bajo el sol” y la grabó una banda muy importante de cumbia amazónica peruana. A mí me contrataron para verificar que los años 60 estuviesen bien representados y ayudé un poquito en el guión. Mi hija dice que es el momento tope de mi carrera autoral. (Risas)

Nuestro próximo invitado es Eduardo Berti

Rostros luminosos. Rulos. Expresiones gráciles. Es la imagen fotográfica de unos rozagantes Abuelos de la Nada que la tienen en sus brazos a ella, la joven fotógrafa Andy Cherniavsky. Será 1982. Todavía la bota militar está sobre la cabeza del pueblo argentino. Pero el rock local está despojándose de tantas ataduras y oscuridad. Una camada de jóvenes viene a patear el tablero.

Cherniavsky es mucho más que una artista visual. Ella es la fotógrafa ilustrada del rock argentino en una década como la de 1980, en la que pasó demasiada agua bajo el puente. Es la memoria viviente de una época dorada y adorada. Una protagonista delante como detrás del mostrador. Mucho de esto se respira en su libro Acceso Directo (Planeta, 2020), las remembranzas de una vida con varias capas aunque el mismo espíritu: disfrutar y aprender, aprender y disfrutar.

En ese texto biográfico, ella compartió ciertas observaciones, pertinentes para entender su lugar en esta historia, la del periodismo de rock: “Con el libro me doy cuenta de que escribo un pedazo de historia argentina, de la historia de la música, de historia de la vida de todos estos grosos del rock. Me gusta haberlo realizado porque podría haber quedado enterrado u olvidado, pero logré desempolvar toda esa época y mostrarla en imágenes y, ahora, en palabras. (…) Mi hija también me decía que mi vida era para contarla, que mi vida estaba llena de detalles”.

A lo largo de nuestra entrevista virtual, soslayaremos –pero porque son parte del todo– algunos de esos detalles. En verdad, el iceberg de una vida a luz de los flashes y las miles de horas en un laboratorio. Las visitas a su casa familiar de personajes de alta alcurnia cultural y política, desde Vinicius De Moraes a la madre del Che Guevara. El hecho de quedarse sola en Buenos Aires aún sin finalizar la escuela secundaria porque su padre se exilia en Brasil –luego de una amenaza de bomba en su Centro de Artes y Ciencias– y su madre en España siguiendo a su tercer marido. Un joven Charly García compartiendo casa con ella. Un noviazgo largo con un lozano Andrés Calamaro.

La realidad dice que Cherniavsky llevó a cabo más más de trescientas producciones distintas para la revista Rock & Pop, tomas para las tapas de discos y la prensa de los artistas de DG Discos –la discográfica que originó Daniel Grinbank–, como así también su presencia cámara en mano en festivales y giras. Luego colaborará en los últimos años de las revistas Canta Rock, El Musiquero y Pelo.

Con ustedes, los ojos que mejor captaron los años 80 rockeros.

- En 1964, tu padre, Daniel Cherniavsky, fundó el Centro de Artes y Ciencias. ¿De qué modo impactó en tu futuro ese espacio de vanguardia?

- El Centro de Artes y Ciencias abría toda la semana. Vos comprabas un abono e ibas a todo lo que querías utilizar. En cierto punto, las salidas con mi viejo eran ir a su laburo porque también trabajaba en feriados y los fines de semana. Por otro lado, en los veranos íbamos a la playa pero a laburar. Un verano él tuvo dos café-concert en Villa Gesell. Yo tenía quince años y vendía entradas en la boletería. Tocaban Moris y Dina Roth; actuaban Les Luthiers, Nacha Guevara. O Norman Briski. Todas figuras clave en el futuro cercano.

- Con semejante educación sentimental, ¿cómo es que no saliste ingeniera, abogada o economista? (Risas)

- Mi futuro para mí siempre había sido ser psicóloga, como mi vieja. La fotografía vino de casualidad: la fotografía me elige a mí y no yo a ella. (Risas) Pero hoy puedo afirmar que tanto mi viejo como mi vieja me recontra influenciaron, me marcaron el futuro; es decir, mi laburo. Sobre todo el papel que cumplió mi padre. Porque lo que rescato de él es el rock, que era lo que a mí me llegaba, lo que me emocionaba y que me hacía pensar y vibrar. Había mucho rock alrededor. Más allá de los Beatles y los Rolling Stones, Los Gatos me volaban la cabeza; Manal también. Yo iba descubriendo a través de mi viejo un montón de música increíble. Es más, él como productor trajo a Carlos Santana al Luna Park en 1973. Hicieron dos shows. Me acuerdo yo chiquita de la mano con mi viejo yendo a ese concierto.

- En tus años de adolescencia viste en vivo a la creme de la creme del rock en Argentina, a los pioneros. ¿Cuál fue el grupo o solista cuya imagen sigue resonando en tu cabeza?

- Ver a Moris en ese momento me influyó muchísimo. Como también las cosas que escuché en dos teatros que tenía papá: uno, el Kraft, en la calle Florida; y después el Margarita Xirgu. Además, él organizaba shows en el cine teatro Metro donde tocaban Billy Bond y la Pesada, Pescado Rabioso o Pappo.

- ¡Qué importante fue tu padre en tu vida!

- El tipo hacía lo que hacía para subsistir. Hizo millones de cosas. No solo todo lo relacionado a los shows musicales y las obras de teatro, sino después ya en Brasil se va a reinventar. Para eso hará una infinidad de cosas: desde criar gatos y hámsteres a hacer maceteros, pilotos, relojes. Yo salí a él en el hecho de ser emprendedora. Pensemos que en esa época no existía la palabra.  

- Esa capacidad de reinvención la adquiriste y la desarrollaste también, ¿no?

- Totalmente. ¡Pero yo no voy a emprender más!

- ¿Cómo arrancaste con la fotografía? Me imagino que habrás reflexionado y mucho sobre cómo un pasatiempo se transforma en un oficio y hasta en una manera de mirar el mundo.

- No, no empecé como un hobbie, sino como fotógrafa de plaza. Era una profesión muy antigua, con esos trípodes de madera. Los fotógrafos estaban en el Rosedal, por ejemplo; además te pintaban a mano las fotos porque no había fotografía color en aquella época. En principio, hice un curso básico de tres meses pero en la mitad se me ocurre empezar a hacer ese laburo. Lo loco es que no había terminado el curso y ya tenía mi propia empresa. Si bien nunca me había vislumbrado como empresaria, ganaba mi guita para comprar mis rollos y realizar las otras cosas que me interesaban. Es que venía haciendo ropa pero mandé todo a la mierda. Seguí con este emprendimiento de las plazas hasta que comencé a sacar fotos de espectáculos, donde ganaba más plata. Siempre fui autodidacta. Ah, hice ese curso de fotografía por acompañar a una amiga y al final yo sola seguí con la fotografía. (Risas)

- ¿Cómo aparecen las fotos a los rockeros?

- Me fui armando un estudio en el living de mi casa donde fotografié a Serú Girán, a Virus por primera vez. También a los Dulces 16 como a un montón de otros este artistas menos conocidos. Aunque todo lo llevé a cabo en mi casa, con un fondo que no era un fondo, era una tela de pintor gigante. Mi primera tapa grosa fue en esa casa: Pensar en nada de León Gieco. La hicimos sobre esa tela de pintor, un sillón de mi abuela, un muñeco de Zoca y como protagonistas Liza, la hija de León, y él. Esa casa estaba activa y llena de amigos, funcionaba El Club Palta, un selecto grupo de Abuelos de la Nada, Serú (Girán) y amigues; y también el estudio de diseño y fotografía que tenía con Clota Ponieman, Estudio Graphics.

- ¿Qué va a implicar en tu vida el hecho de que en 1983 caiga en tus manos Photographs, el primer libro de Annie Leibovitz?

- En esa época, yo no tenía acceso a ningún libro de esas características. Cuando Charly (García) viaja a Nueva York, me trae ese libro de regalo y a mí se me abre la cabeza desde el punto de vista de la fotografía de las ideas. Porque acá, en la Argentina, todavía estábamos en la fotografía del natural, del mendigo en el andén. (Risas) (Pedro Luis) Raota recién empezaba a crear imágenes, pero no había una fotografía de las ideas, que creo que es lo que hago yo. Ese libro no solo me enfrenta con el laburo de Annie Leibovitz –que me vuela la cabeza–, sino que también me hizo dar cuenta de que Charly me veía como una fotógrafa.

- ¿Cómo es eso?

- Porque yo no tenía ningún maestro. Yo no sabía si lo que estaba haciendo estaba bien o mal, si era correcto. No tenía a quién consultarle. Es más, me sentía insegura, no quería ni ver lo que había hecho, me daba terror. Y que Charly me trajera ese libro era como que me daba un “diplomita”.

- Hay gente que con ciertos gestos te abre la puerta al futuro, ¿no?

- Sin duda, Charly me dio una confianza desconocida. No solo desde el punto de vista de la fotografía, sino también desde la música, de la forma de vestir, de pensar. Conocerlo fue como crecer de golpe. Es una persona muy importante en mi vida.

- Detrás de cada una de tus fotos supiste rescatar un sentimiento, un recuerdo, una canción. ¿Cómo fuiste encontrando ese modo de ver?

- Creo que en ese momento no me daba cuenta, pero ahora sí: yo hacía muchos retratos muy cerrados, que los sigo realizando. En cambio, si ves cómo se saca actualmente una foto de espectáculos, vas a notar que el público toma toda la imagen y el artista está chiquitito en el escenario; todo reside en lo que pasa alrededor. En ese tiempo yo tenía un dilema acerca de mi estilo, de cuál era mi estilo. Hoy en día me pregunto por qué hay que tener un estilo. Me gusta más la diversidad que el estilo. (Risas) De hecho, el haber sido autodidacta me dio esa diversidad tan importante para continuar vigente. Muchas fotógrafas y fotógrafos que empezaron conmigo se dedicaron solo a la moda y en la actualidad no las llaman de ningún lado. En mi caso, hice todo lo que se te pueda ocurrir a la hora de fotografiar: autos, comidas, hoteles, retratos, hasta una caja registradora. (Risas)

- ¿Cuál es tu método?

- Mi método de laburo es que aprendí a ser directora de actores, a ser una gran archivera. Además, aprendí a ser coleccionista de mis propias fotos. Tengo un método de trabajo muy respetuoso. De empaparme mucho. De ponerme nerviosa. Es que si no me pusiera nerviosa antes de laburar, no me estaría interesando lo que voy a hacer. La semana pasada le saqué fotos a unas embarazadas y estuve tan nerviosa como si hubiera sido Charly el retratado. Es que tengo estándares altos de lo que tiene que ser el trabajo profesional. No necesito una cámara para visualizar una foto.

- Hasta unas semanas atrás se pudo ver en Villa Ballester la muestra Los Ángeles de Charly, con fotos tuyas, de Hilda Lizarazu y Nora Lezano. ¿Qué te pareció La lógica del escorpión? 

- A Charly lo amo. Quiero que en mi velorio y en mi entierro haya música de él. La lógica del escorpión me emociona un montón. Primero lo oí en una escucha privada y después lo volví a escuchar en casa. Lo escuché y lo sigo escuchando. Creo que es hermoso. Me lo imagino a Charly haciendo cada uno de los temas. Él es un pedazo enorme de la historia argentina, un libro de historia escrito desde otro lugar. Y eso me encanta.

- El músico y conductor Roberto Pettinato siempre dice: “Si no te acordás nada de los años 80 es que realmente los viviste”. ¿Cómo lograste no quedar atrapada en la telaraña de los 80?

- Después de ser madre, podría decir que es lo más hermoso que me pasó en la vida fueron los años 80. ¡Aunque si no fuese por mis fotos, no me acordaría absolutamente de nada! Hablamos de los detalles, claro. Yo siempre fui una persona súper sana. Nunca tuve una personalidad depresiva ni adictiva. Mientras todos se drogaban, yo hacía gimnasia. Por otro lado, nos subíamos a un micro y nos íbamos al festival de La Falda con Sumo y otras bandas. Vivíamos todos en el mismo hotel. Era una cosa hermosa. Siempre estábamos pendientes de divertirnos, de pasarlo bomba. Además, no existía la industria como hoy la conocemos.

- Tenés varias fotos icónicas del rock argentino. ¿Cuáles son tus favoritas? Una de las mías es la de Miguel Abuelo, levantando los brazos, colgando una bandera. Otra, la tapa de Hotel Calamaro. Y la del Flaco parado, comandado con su sonrisa una mesa con colegas en un festival de La Falda (con León Gieco y Andrés Calamaro al costado). Y cualquiera de Charly.

- Podría elegir una pero soy incapaz de hacerlo. Es que no tengo una predilecta, sino que todas lo son. Obvio que cada foto que hice de alguna manera me saca una sonrisa, me lleva a ese lugar. Hay fotos de camarines que me fascinan. Hay otras que reflejan lo que eran los 80: la alegría, la diversión, el baile, la música, la camaradería y la amistad. Mientras que están las que traslucen otra parte de los 80, durísima, que tiene que ver con las drogas; pero esas nunca nadie las va a ver.

Nuestro próximo invitado es Juan Manuel Strassburger.

Uno. Por azar, dos adolescentes de divisiones distintas quedan sentados uno al lado del otro en el micro que los lleva a una excursión escolar. “Esa mañana, apenas me senté a su lado, Fernán me preguntó sin levantar la vista, como si retomáramos una conversación añeja y no estuviéramos charlando él y yo por primera vez, si me gustaban los Beatles y cuál de los cuatro era mi favorito. Nunca supe responder a esta pregunta, tal vez porque se responde solamente con matices. ¿Mi favorito en los estudios de grabación? Más bien Paul. ¿Mi favorito como personaje mordaz y gracioso, como espléndido antihéroe? Más bien Ringo. ¿Mi favorito en el centro del escenario, como vocero ideológico, como guardián del grito y del inconformismo? Más bien John. Pero mi claro favorito como exbeatle porque tuvo a mi entender la mejor carrera solista, porque fue quien mejor creció después de la separación (dado que el grupo, aventurero, le había impedido crecer) siempre fue George: mi favorito como talento discreto y elegante, mi reverenciado dark horse”, se lee en el encantador libro Faster, de Eduardo Berti (lo acaba de reeditar el sello Híbrida, abajo les cuento un poco más). La escena me atrapa porque busca capturar esa percepción inasible del comienzo de cualquier amistad: que en ese terreno tal vez no exista algo así como un principio, que justamente ser amigos sea retomar en cada encuentro una charla remota, un reloj suspendido. Por supuesto que Fernán, el flamante amigo del narrador de Faster, también tendrá como faro a George Harrison y esa figura pasará a formar parte de la constelación infinita de sincronías y conversaciones que los mantienen unidos en el resto del libro y hasta hoy. Como la música, la lectura y la escritura, muchas veces a cuatro manos: un tiempo fuera del tiempo.

Dos. “Mucho antes de que existiera este libro, coleccionamos de manera arbitraria –¿qué sería del pop sin una buena cuota de capricho?– fragmentos de canciones que por algún motivo nos encantaban, nos conmovían o simplemente nos hacían reír (coincidíamos en muchas, ¿somos amigos porque nos gustan las mismas canciones o nos gustan las mismas canciones porque somos amigos?). Lo hicimos por años intercambiando mensajes de texto hasta que fuimos sofisticando el método”, anotamos en el prólogo a la primera edición de Quién es la chica, un libro-cancionero que escribimos juntos hace una década con mi amigo Tomás. Ser amigos: escuchar –o hacer que se escuche, si tenemos el don musical– una misma banda sonora cada vez. Ser amigos: atravesar la vida como una lista de canciones inagotable. 

Tres. En el libro de Berti, además de hacer varios intentos por desentrañar la letra de la canción Faster, de George Harrison, el narrador y su amigo pasan sus días haciendo listas. De músicos que admiran, de bandas famosas que nacieron entre compañeros de colegio, de canciones traducidas al castellano con títulos cómicos, de hits conjeturales que los Beatles deberían haber hecho como contraparte de los ya existentes (Nothing en respuesta a Something, o She Hates You como un reverso posible de She Loves You). Me acordé de lo que dice Ricardo Piglia sobre las listas en Los años felices, el segundo tomo de Los diarios de Emilio Renzi: “Como antes con los cuentos y antes con los libros que había leído, y antes con los músicos de jazz, y antes con los jugadores de fútbol y antes con las series de historietas, hago listas. Listas de compras, listas de cosas por hacer, listas de amigos a los que ver, listas de amigas a las que llamar, listas de ciudades que no conozco, listas de capítulos de la novela que voy a escribir. Las listas siempre me han tranquilizado, como si al anotarlas me olvidara del mundo y, en algunos casos, como si anotar fuera ya hacer lo que imagino o prometo, contento entonces, como si la novela cuyos capítulos he anotado ya estuviera escrita”. La amistad también supone ese olvido pasajero del mundo, una desaceleración conversada, un vértigo mullido. Anoto algo que ahora me parece medio despatarrado, pero igual voy, como si estuviera charlando con un amigo: si en el amor romántico la aguja del reloj está siempre atravesada por el destiempo, en la amistad el tic tac es la sincronía. Una complicidad que busca recuperar el sonido provisorio de la correspondencia. 

Cuatro. Extraño a Diego, quizá el más ruidoso de mis amigos. Extraño nuestras conversaciones que eran siempre deshilachadas y sonoras. Extraño esas tardes sin ton ni son, ese reloj de plastilina que, desde que él murió, se volvió inexorablemente memoria. Entonces arranco una lista en la que anoto asuntos de estos días que pienso que le interesarían o le causarían gracia. Como comentamos por acá alguna vez: me gusta que ese grado cero de la confidencia que se abre con nuestros amigos sea una especie de río desbocado donde por suerte no hay jerarquías, ni asuntos más importantes que otros. Así que en la lista que armo para Diego se superponen los títulos de unos libros que creo que le hubieran encantado, tres chismes que lo harían reír a carcajadas, la noticia infame de la privatización del Belgrano Cargas, una metida de pata, una película alucinante, un secreto que solamente le contaría a él. 

Cinco. Entre muchísimos intercambios y confidencias que cruzamos a diario, con mi amiga Florencia coleccionamos imágenes o escenas del siglo XX que nos llaman la atención y que nos vamos mandando por Whatsapp. Una lista inabarcable y destartalada que se está convirtiendo, con el tiempo, también en un libro que intentamos escribir a cuatro manos. Hace unos días le mandé un fragmento de algo que acababa de subrayar en Curso de literatura argentina. Universidad de Michigan, 1976, de Jorge Luis Borges: “Si hay una pasión argentina, esa pasión es la amistad, y es necesario que Martín Fierro tuviera un compañero. Hasta ahora ha sido un hombre solo, ya que nada sabemos de sus años anteriores. Martín Fierro se hace amigo de Cruz, Cruz le da la mano de amigo y esa amistad tiene que ser verdadera, fatal, ya que Cruz se había jugado la vida también”.

Seis. Leo hacia el final de Faster, de Berti: “Faster nos recuerda que el tiempo se desboca como un bólido y que, por mucho que tratemos de frenarlo con el cuerpo, con las manos o con los pies, no, no hay palancas ni pedales, no hay nada que lo detenga, salvo quizás (exagero para darle algo de pese a esta tarea que cumplo para sentirme más vivo), salvo quizás el rito de la escritura. Ese rito de estar fuera y dentro del tiempo a la vez”.

Empieza este rito módico y anacrónico de cada viernes. Empieza una nueva edición de Mil Lianas.

1. Las últimas mujeres del mar.  Una de ellas lo dice muy claro frente a cámara: “Por el momento preferimos hacerlo a la antigua. Si trabajáramos con tanques de oxígeno durante horas, habría una sobreexplotación”. Las haenyeo son buceadoras célebres en la isla de Jeju, Corea del Sur, que bajan al fondo del océano para ganarse la vida juntando mariscos tal como lo hacían sus ancestras. En su mayoría entre los 60 y los 80 años, son mujeres que han pasado sus días tomando aire de un impulso y buceando hasta que sus pulmones se lo permiten. Una actividad en la que se combinan la tradición, las ganas de mantener cierta independencia, una ética férrea de trabajo, el esfuerzo físico implacable, la amistad y una sabiduría alegre. 

El conmovedor documental Las últimas mujeres del mar, que llegó por estos días al menú de Apple TV+, muestra cómo viven algunas haenyeo históricas y otras más jóvenes que todavía trabajan e insisten con su tarea, mientras que la contaminación y los cambios tecnológicos parecieran ponerlas en jaque. Con imágenes entrañables del día a día, del fondo del mar, de las reuniones entre ellas, de sus diálogos y de cierta intimidad, a lo largo de una hora y media exhibe una historia pequeña y luminosa de unión, valentía y tenacidad frente a cualquier amenaza.

El documental Las últimas mujeres del mar se puede ver en Apple TV+.

2. Faster, de Eduardo Berti. Entre la crónica, una novela de coming of age y el ejercicio en plan Me acuerdo, de Georges Perec, este libro se mueve en el terreno difuso y magnético de la memoria. Es por eso que, al ritmo a veces vertiginoso y a veces aplacado de los chispazos de la evocación, cuenta la historia en fragmentos de algunos episodios de la vida de su autor que insisten en ser recordados y, por lo tanto, narrados. 

Como en todo relato potente, hay algunos hitos, algunas escenas inaugurales. En este caso, está, como contábamos arriba, el encuentro de dos adolescentes a finales de los ‘70 en la Argentina unidos por el amor a los Beatles, por algunas obsesiones lectoras y por cierta sensibilidad hacia la palabra escrita. A medida que el relato avanza, irán apareciendo más imágenes iniciáticas, más situaciones que se desplegarán para agrandar el mito de esa amistad incandescente. Entre ellas, el encuentro de los protagonistas con el piloto Juan Manuel Fangio, a quien un día los dos jóvenes, fundadores precoces de una revista deportiva casera, deciden ir a entrevistar. 

Como el propio Fangio que cuando lo van a ver prefiere hablar de los inicios y no tanto de sus épocas de gloria, Faster decide posarse con sutileza en los comienzos, en lo embrionario, en la potencialidad de las pasiones, de la amistad, de eso que rápidamente llamamos oficio o profesión. Así, a lo largo de sus páginas las carreras de Fórmula Uno, la música, el periodismo, las velocidades, la literatura y las vidas se entrelazan en un relato extraordinario. Una serie de fragmentos que, gracias al trabajo de orfebrería narrativa de Berti, se vuelve anular, redondita, circular como un disco, como las ruedas de los autos, como las mejores canciones.

Faster, de Eduardo Berti, salió por Híbrida Editora.

3. Santiago Loza por tres. “Hay gente que me señala una supuesta híper productividad, pero la verdad es que yo tengo procesos lentos. Tardo bastante en caer a las cosas y las cosas toman sus propios tiempos también”, dice el escritor, dramaturgo y cineasta Santiago Loza. Loza habla bajito, pausado, como si se ubicara en la vereda opuesta de algunos de los personajes que creó, que siempre rodean el desenfreno y cierto desborde. Como Mario, interpretado encantadoramente por Mariano Saborido, el protagonista de la obra Viento blanco, uno de los grandes estrenos teatrales del año. Como el narrador de Pequeña novela de Oriente (Entropía, 2024), una voz construida para prestarse al desconcierto de unos viajes por Corea, Japón y China. O como el de Diario inconsciente (Bosque energético, 2022), también pegado a Loza y a su experiencia, que recuerda una internación psiquiátrica de su juventud (“cuando tenía veinte años y me volví loco, tenía piedras en los bolsillos”, dirá en el libro y más adelante reforzará: “Se vive y se narra. Se vive para contar, poner un orden a los acontecimientos. La crisis viene a desordenar o a decretar que no hay orden posible y todo intento es vano”).

Autor de más de 20 obras teatrales, de varias novelas, de libros híbridos donde se dedica a indagar en la escritura y director de una docena de películas, Loza es uno de los artistas argentinos más prolíficos y su obra una de las más radiantes de las últimas décadas. Hace unos días tuve el enorme gusto de entrevistarlo para hablar sobre algunos de sus textos más recientes. Pueden leer la nota en este enlace.

Entre los libros más recientes de Santiago Loza se encuentran Pequeña novela de Oriente (Entropía, 2024) y Diario inconsciente (Bosque energético, 2022). La obra teatral Viento blanco, con texto de Loza y la actuación de Mariano Saborido, sigue en cartel en Buenos Aires. Más sobre todos ellos, en esta entrevista con el autor.

Banda sonora. A propósito de la reedición del libro de Eduardo Berti, mencionamos arriba Faster, de George Harrison. Me pareció una excusa perfecta para sumar esa canción junto con otras que me gustan mucho de él a nuestra lista de canciones compartidas. Se escucha, como siempre, por acá.

Por su cumpleaños 73, esta semana se multiplicaron los homenajes y las imágenes de Charly García inundaron con todo su magnetismo las redes. Por estos días, también, en la siempre nutritiva revista Otra Parte, Pablo Schanton escribió un texto notable sobre su obra, sobre el disco La lógica del escorpión y sobre ese lugar pringoso y fascinante que llamamos rock argentino. Se lee por acá.

Bonus track. Por falta de tiempo y de conocimiento específico del rubro, no suelo leer novelas gráficas y realmente lo siento. Sin embargo, cada tanto hago el intento con algunas y termino siempre maravillada. Es el caso de Matar al tirano, del escritor Lautaro Ortiz y del dibujante Ignacio Minaverry, una historieta que salió hace poquito por la editorial Deux Books, luego de que en 2015 la publicara por entregas la mítica Revista Fierro. Se trata de la versión gráfica de una historia real muy impactante contada en tiempos que se van superponiendo en el relato: Soghomón Tehlirian, un joven que perdió buena parte de su familia en manos de las autoridades turcas durante el Genocidio Armenio y debió escapar de su tierra, se cruza en Berlín con Talaat Pashá, uno de los ideólogos de aquellos crímenes masivos que tuvieron lugar a comienzos del siglo pasado. Tal como escribió Osvaldo Bayer, en un rapto el joven “lleva a cabo la ley no escrita de ‘matar al tirano’” y su vida cambia para siempre. Es que, a partir de ese encuentro, de ese arrebato y del histórico juicio al que fue sometido (y en el que fue absuelto), aquellas imágenes indelebles volverán una y otra vez a su memoria. El dolor, las preguntas alrededor de la justicia y las heridas abiertas se cruzan a lo largo de estas páginas en una narración impresionante. La publicación incluye un texto de Bayer y un epílogo escrito por Eduardo Kozanlian.

Bonus track II. Esta semana se dio a conocer el listado con las cinco novelas finalistas del Premio Fundación Medifé Filba, que busca distinguir a lo mejor de la literatura argentina y, según sus organizadores, “darle nueva visibilidad a libros que salieron un año atrás para volver a ponerlos en la discusión”. Pueden leer por acá los títulos y algunos detalles sobre cada uno de ellos. Dos recordatorios, por si se distrajeron y quieren saber más sobre algunos de los libros: comentamos algo sobre El amor es un monstruo de Dios, de Luciana De Luca, en esta edición de Mil Lianas de 2023. Y, sobre Las niñas del naranjel, hablamos con Gabriela Cabezón Cámara en esta entrevista.

¡Hasta la próxima!

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La música no es sólo música, ya se sabe. Una sinfonía, una canción o ese solo de saxo o ese estrangulamiento de la voz que provoca un nudo en el pecho de alguien, son mucho más que vibraciones transmitidas por el aire. Ser abonado a la ópera de un gran teatro, haber estado en el pequeño concierto de Pat Metheny con Charlie Haden en un club de jazz de Belgrano, tener al primer Artaud, con la tapa irregular, saber que Mercedes Sosa cantó en Cosquín gracias a Jorge Cafrune o conocerse la letra de todo lo cantado por Gilda, son documentos de identidad. Dioses cotidianos. Parte de la religión.

Roland Barthes dijo alguna vez que había dos cosas sobre las que no se podía discutir: música y comida. En ambos casos (podría, para muchos, agregarse el fútbol) la ligazón con la educación sentimental implica necesariamente una discusión ya no sobre el objeto (la polenta o los knishes o el asado de padres, madres o abuelos; la voz de Maria Callas, los acordes de Luis Alberto Spinetta, las letras de Homero Manzi) sino acerca de quiénes son las propias personas que discuten. Mucho de lo investigado por la musicología en las últimas décadas ronda esos aspectos, sobre todo en el campo de las músicas de tradición popular; las redes que tejen y se tejen alrededor de determinadas piezas sonoras.

Algo que en alguna época se denominaba “extramusical” y que habría que volver a pensar desde la perspectiva de que no hay nada en la música que no sea música. Es decir, que no constituya la esencia de ese objeto. Saber quién toca en un disco, qué pasó en el momento de grabarlo, que el artista estaba engripado o apenas podía moverse por efecto del alcohol, o cuándo esa soprano arrojó su zapato en escena por primera vez no son elementos ajenos a la escucha. Y, sin duda, no se escucha igual la obra de alguien a quien se admira que la de quien nada se sabe.

Charly García acaba de publicar un nuevo disco, a siete años del anterior –Random– y a 34 de Filosofía barata y zapatos de goma, el que tal vez haya sido el último de su última gran época creativa. Se trata de un disco sobre el que ya se ha escrito mucho, en medios formales y en redes, y del que casi todos creían saber de antemano que no estaría entre los mejores. Salvo pocas excepciones –Diego Batlle en este diario; Sergio Pujol en Instagram– las escuchas parecen haber quedado prisioneras de una lógica binaria: la indulgencia –con la consecuente reivindicación del derecho (que mal podría ser negado) de García a hacer un nuevo disco– o la condena. En algunas aparece la sorpresa frente a lo bueno –y es que se esperaba que fuera malo–; en otras prevalece la confirmación de lo negativo. No es sorpresa para nadie, en todo caso, que Charly García ha perdido la voz. También la perdieron, en distintos momentos de sus carreras, Leonard Cohen, Lou Reed o Roberto Goyeneche sin que esto mellara sus posibilidades interpretativas –hasta en algunos casos las intensificaron–. Tampoco es sorprendente el talento, que en el caso de García siempre se manifestó en ráfagas, o torbellinos.

Pujol señala con acierto que “La lógica del escorpión no deja la impresión de tratarse de un disco otoñal, ni melancólico, ni de ‘despedida’”, y concluye que se trata de un álbum “enérgico, muy vivo, que merece ser escuchado e interpelado en los propios términos de su propuesta estética”. No escribiré sobre el disco en sí. Otros lo han hecho, como se dijo, y, a esta altura del partido, todos los interesados ya lo han escuchado por lo menos una vez y se han formado sus opiniones.

Me interesan, en cambio, las preguntas y los problemas que el disco suscita. La relación entre análisis y emocionalidad que forma parte de toda escucha, y la posibilidad –o su ausencia– de la objetividad en un terreno tan cargado de subjetividades. Está claro que la música no es sólo música. Pero, también, que no lo es sin música.

Y, sobre todo ello sobrevuela la persistencia del concepto “disco” en un mundo ya sin discos. García quería sacar primero una edición en vinilo pero, más allá de su deseo, la mayoría de quienes han escuchado La lógica del escorpión no ha tenido nada parecido a una tapa en sus manos ni ha visto nada remotamente redondo a su alrededor. Y, lejos del último lugar en importancia, no ha pagado ni un peso por su escucha, salvo lo abonado por su servicio de Internet, de lo cual a los creadores no les llega nada.

No hubo colas en las disquerías, ni conversaciones casuales con quienes allí esperaban. Y no hay otro objeto que un enlace virtual en la computadora, la tableta o el celular, a pesar de lo cual se tiene claro que se trata de un disco.  Un objeto (ausente) cuyo título refiere a una fábula. El escorpión pica a la rana que lo lleva en su lomo para cruzar el río, haciendo que ambos se ahoguen. “Es mi naturaleza”, explica, antes de morir, el temido arácnido. Esa es su lógica y no es distinta a la del artista. Más allá de las consecuencias, ambos responderán a su naturaleza. Uno y otro harán lo que, desde siempre y hasta siempre, no pueden dejar de hacer.

Diego Fischerman es autor del blog “El sonido de los sueños”: https://xn--sonidodesueos-skb.com/

El cortocircuito de todos los años: como les conté por acá hace algún tiempo, atravieso por estos días una pesadilla que me asedia cada primavera, o casi, y que me viene en herencia (le pasaba a mi abuelo, le ocurre con frecuencia a mi padre): un oído se me tapa completamente y dejo de escuchar de un lado por algunos días. Una estirpe es siempre un accidente y la mía, lejos de tradiciones pomposas o hábitos engolados, está armada de sonidos intermitentes, de apagones pasajeros, de silencio a medias.

El malestar, que por viejo conocido no deja de ser tedioso, se repite con leves variantes, pero siempre me deja en la misma intemperie gris y predecible, como el pulmón de un edificio. Las escenas y las sensaciones también reinciden: el frío de aguja cuando las gotas que me indica el médico traspasan las membranas, la espera diaria y horizontal con una oreja para arriba y la vista perdida, la percepción de algo que se parece a un zumbido o a una ilusión cuando el remedio empieza a hacer efecto. El resto del día moverme despacio para no perder del todo el equilibrio, pensar que estoy gritando cuando apenas susurro, preguntar varias veces las cosas. Sin escucha confiable, o en esta zona intermedia de oír fragmentos o ronroneos difusos, todo se reduce a buscar pistas con los ojos.

El ojo que escribe (Ampersand, 2024) es un flamante y encantador libro de ensayos del artista plástico –prócer visual, diría, y me pongo de pie– Luis Felipe Yuyo Noé. Es el libro que justamente me acompaña en estas horas de audición limitada y de mirada salvavidas.

El ojo que mira ve imágenes.

El ojo que mira oye palabras que bautizan las imágenes que ve y las que no ve. Al oírlas, se las imagina.

El ojo que mira lee las palabras, y así va imaginando el mundo.

El ojo que mira escribe las palabras, y así va imaginando el mundo.

El ojo que mira diseña las imágenes, y así va imaginando el mundo.

El ojo que simplemente ve es ciego, y así no va imaginando el mundo.

Con esas palabras comienza El ojo que escribe y así continúa: “Este es el punto de partida para encarar una mirada que no esté hecha por el ojo sino por la memoria de la conciencia y la conciencia de la memoria; pues ellas hacen presente imágenes y palabras. Palabras que denominan imágenes pero que, sobre todo, son palabras y a tal punto son meras palabras que también ‘imaginan’ de por sí”.

Empieza una nueva y sigilosa edición de Mil lianas. Con palabras imaginadas, con sonidos que se escapan, con escenas que se hacen desear.

1. Los libros de septiembre. Ensayo, novela, cuento, reediciones, nuevas traducciones, híbridos. Este mes promete diversidad entre las novedades editoriales que están llegando a las librerías por estas horas (y, cruzo dedos, espero que también lo hagan pronto a las bibliotecas públicas). Como ya es habitual, por acá armé un repaso con información sobre algunos lanzamientos destacados. Recordatorio, ya que estamos en esta especie de balance mensual: en este enlace pueden leer también una lista con las series y películas que aterrizan en las plataformas de streaming a lo largo de septiembre.

El repaso con las novedades editoriales destacadas de septiembre se puede leer por acá.

2. Ciclo Fassbinder. Lumiton, mi plataforma favorita de películas para ver en formato hogareño, programó para septiembre un ciclo online y gratuito dedicado al cineasta Rainer Werner Fassbinder. “Nacido en Munich en 1945, fue una figura clave del movimiento del Nuevo Cine Alemán, impulsado por jóvenes que buscaban renovar la industria para que refleje los cambios sociales y políticos posteriores a la Segunda Guerra Mundial, alejándose de las producciones comerciales y de la diáspora de profesionales de la industria hacia Hollywood”, señalan los programadores.

“Su estilo cinematográfico oscila entre el realismo y el melodrama camp. Esta combinación única le permitió crear experiencias a la vez cautivadoramente incómodas y políticas, llenas de angustia, desigualdad de clase, represión sexual y liberación, misoginia y racismo. Su trabajo se caracteriza por fusionar elementos del melodrama de Hollywood con crítica social y técnicas vanguardistas, para explorar temas complejos y controversiales”, agregan.

Hasta el 30 de septiembre se pueden ver gratis desde Argentina y con subtítulos seis películas de las más relevantes del director, entre las que se encuentran El mercader de cuatro estaciones, La angustia corroe el alma, Querelle y El matrimonio de María Braun.

El ciclo online y gratuito dedicado a las películas de Rainer Werner Fassbinder se puede ver en la plataforma Lumiton. Más, por acá.

3. Filba 2024. Hablábamos arriba de oídos que de repente dejan de escuchar justo cuando se anunció que el asunto más o menos rector de la próxima edición del Festival Internacional de Literatura de Buenos Aires, más conocido por todo el mundo como Filba, será el silencio. “Del silencio lo único que sabemos es que se opone al sonido y, que en esa ausencia de ruido, dice, habla sin parar, y nos habla a nosotros. Conocemos a la perfección la delicadeza y la brutalidad con las que es capaz de actuar su verborragia. Pero si fuera el único lenguaje capaz de decir algo, ¿para qué se inventaron las palabras?”, se preguntan los organizadores del encuentro, que tendrá lugar en Buenos Aires entre el 26 y el 29 de septiembre.

“Conociendo lo que el silencio es capaz de decir -y lo que dice es justamente lo que no se puede decir, lo que no se puede escuchar-, las palabras y con ellas la literatura se inventaron para rodearlo. La poesía, la ficción, el pensamiento, los sentimientos encuentran en las palabras una manera de filtrar el silencio. Que nos de su mensaje de absoluto, que nos haga sentir el tiempo, que nos de información de la oscuridad, pero sólo a través de las palabras: hasta ahí. Para que no llegue a nosotros puro, sino en nombre de la palabra silencio. La literatura comprende sin envidia su poder y su prestigio, y los lectores sabemos -tal vez es lo único que sabemos- que, cuando leemos, lo que se hace presente en las palabras que pasan como un río es el silencio del que vienen y el silencio al que van. En estos cuatro días, la invitación es escuchar la poesía de lo que expresa el silencio”, proponen desde la organización. Quienes quieran ir pispeando quiénes son invitados esta vez y armando algún recorrido posible por el festival, pueden leer un poco más en este enlace.

Del 26 al 29 de septiembre tendrá lugar en Buenos Aires una nueva edición del Filba. Más información, en este enlace.

Banda sonora. Un “y, sí” enorme esta vez. Llegó a nuestras vidas por estas horas La lógica del escorpión, de Charly García y algunas de sus canciones se suman a la caótica banda sonora de Mil lianas que siempre encuentran por acá. Confieso que, como estoy con esto del oído que me tiene a maltraer, todavía no lo escuché como corresponde. Tampoco quise leer de antemano mucho sobre el disco. Pero si tienen curiosidad y quieren escucharlo con algo de información sobre cada tema pueden leer esta nota que escribió Diego Batlle en el diario.

Algo más: también sumé algunas canciones de Adrián Paoletti, que acaba de lanzar su nuevo disco Filosofía de series de televisión.

Bonus track. Una buena para quienes estén buscando concursos literarios. Se acaba de lanzar una nueva edición de Microcentro Cuenta. Esta vez la convocatoria es doble: Microcentro Cuenta Cuentos de Terror y Microcentro Cuenta Historietas. Cada uno de los concursos ofrece un premio de 2.000.000  y las obras finalistas formarán parte de dos antologías que serán publicadas por Grupo Planeta. Pueden leer más sobre plazos y detalles por acá y también por acá.

Posdata. Gracias a todas y todos los que me escribieron después del Mil lianas chivilcoyano de la semana pasada. En días áridos como estos es muy lindo leer sus mensajes, saber que están con atención, cariño o expectativa del otro lado.

¡Hasta la próxima!

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Ensayo, novela, cuento, reediciones, nuevas traducciones, híbridos. Septiembre promete diversidad entre las novedades editoriales que llegarán a las librerías a lo largo de todo el mes.

A continuación, un repaso por los lanzamientos más destacados y las editoriales que los publicaron.

1. Cuadernos de la guerra, de Marguerite Duras. “Escritos entre 1943 y 1949, es decir, en plena Segunda Guerra Mundial y en los inmediatos años posteriores, Marguerite Duras guardó estos textos durante décadas en su casa en Neauphle-le-Château; solo en 1995, poco antes de morir, decidió legarlos al Institut Mémoires de l’Édition Contemporaine. El volumen contiene  relatos autobiográficos, en particular sobre su niñez y su juventud en Indochina, y esbozos de célebres novelas  suyas, como, entre otras, El dolor o Un dique contra el Pacífico. Asoman en ellos los acontecimientos centrales  de su vida: la muerte de su primer hijo, la de su hermano, la Resistencia, la deportación y el regreso de  Robert Antelme, su trayectoria política, el nacimiento  de su segundo hijo, y figuras centrales de toda su obra: su madre, sus hermanos, su primer amante. También revelan su proceso de escritura, la patente frescura de sus  comienzos, que nunca abandonó, y la insistencia en dos  momentos vitales que siempre llevó consigo: la infancia y  la guerra. Y todo ello sin complacencia, sin nostalgia, sin  concesiones”, adelantan desde Tusquets sobre este lanzamiento.

Cuadernos de la guerra, de Marguerite Duras, salió por Tusquets.

2. El hambre y el Arcángel, de Pablo Ramos. “Este libro es la historia de un amor, de un encuentro, de una amistad eterna, y de cómo el arte puede acontecer en las situaciones más insólitas. A lo largo de un año, a través de e-mails y audios de teléfono, Pablo Ramos, desde Berlín, y Gabo Ferro, desde Buenos Aires, lo hicieron posible: a la distancia, compusieron un disco en el que Ramos escribió las letras de las canciones y Ferro les puso música. Se llamó El hambre y las ganas de comer y desde que se editó se fue convirtiendo en una obra de culto, en un objeto tan inclasificable como sus dos autores. Gabo Ferro, historiador, compositor, intérprete, dueño de una voz y un estilo únicos, figura clave de la música argentina del siglo XXI, a pesar de su temprana muerte sigue siendo un referente artístico para miles de seguidores. Escrita como una larga carta al amigo que ya no está, la nueva obra de Pablo Ramos nos ofrece, con generosidad, la historia de trece canciones (y alguna más) que surgieron de la comunión entre dos artistas que siempre persiguieron la belleza”, se lee en la contratapa de esta publicación editada por Alfaguara.

El hambre y el Arcángel, de Pablo Ramos, salió por Alfaguara.

3. La habitación de Jacob, de Virginia Woolf. Se trata de la tercera novela de Virginia Woolf, que en esta reedición sale por el sello Godot con traducción del escritor argentino Sebastián Martínez Daniell. Su protagonista, Jacob Flanders, aparece principalmente a través de las percepciones que los otros personajes tienen de él. Vemos pasar la infancia de Jacob, su paso por la universidad de Cambridge, su adultez, por la lente de las mujeres con las que compartió distintos momentos de su vida. 

“Un momento antes de saltar, los caballos aminoran la velocidad, se ladean, se alistan, se elevan como una ola monstruosa y finalmente se arrojan hacia el otro lado. Las vallas y el cielo trazan un abrupto semicírculo. Entonces, como si nuestro cuerpo se fundiese con el del caballo y nos hubiesen crecido nuestras propias patas delanteras durante el salto, nos lanzamos a través del aire, nos impulsamos contra la resistencia que ofrece el suelo, somos pura masa muscular, y sin embargo conservamos el dominio de la situación, erguidos, quietos, la mirada midiendo todo con precisión”, puede leerse en las páginas de esta novela.

La habitación de Jacob, de Virginia Woolf, salió por Ediciones Godot con traducción de Sebastián Martínez Daniell.

4. Frutologías, historia política y cultural de las frutas, de Federico Kukso. “Dulces, jugosas, fragantes y seductoras, las frutas son mucho más que alimentos. Son el punto de encuentro de tradiciones, creencias religiosas, expresiones artísticas e investigaciones científicas. Inocentes en apariencia, a lo largo de la historia provocaron guerras, invasiones y dictaduras sangrientas, impulsaron descubrimientos y fueron nada menos que la causa de nuestra expulsión del paraíso. Frutologías explora la fascinación que experimentaron espías, pintores, poetas, botánicos, chefs y perfumistas de todo el mundo y todas las épocas por estos cultivos maravillosos que han representado abundancia, longevidad, pureza, ternura, sufrimiento, deseo, discordia y pasión. Al mismo tiempo repone en clave de historia cultural sus dimensiones científica, estética y política, y traza el mapa de un futuro incierto de manipulación genética y biodiversidad amenazada. Si con las frutas ingerimos luz solar, lluvias, vientos y suelos, con este libro accedemos a su riqueza profunda y a sus sabores secretos”, señala la sinopsis de esta prometedora publicación del periodista científico argentino Federico Kukso que publica este mes el sello Taurus.

5. ¿Quién teme al género?, de Judith Butler. “En ¿Quién teme al género?, un libro tan vital como valiente, Judith Butler, cuyo pionero  trabajo ha redefinido la forma en que pensamos sobre el género y la sexualidad, se enfrenta a los ataques contra el género que predominan en los movimientos de derecha actuales, examina cómo este se ha convertido en un fantasma para los regímenes autoritarios emergentes, las formaciones fascistas y las feministas transexclusivas, y expone cómo  funciona este fantasma. ¿Quién teme al género? es un llamamiento audaz a todos aquellos que luchan por la  igualdad y combaten la injusticia con el fin de formar una coalición. Imaginando nuevas  posibilidades tanto para la libertad como para la solidaridad, Butler nos ofrece una obra esencialmente esperanzadora que es oportuna y atemporal a la vez”, se lee en la contratapa de esta flamante publicación que edita en español Paidós.

¿Quién teme al género?, de Judith Butler, salió por Paidós.

6. No digas nada. Una vida de Charly García, de Sergio Marchi. “Este es el libro que alimentó a todos los demás. Y al mito también. Desde 1993, Sergio Marchi se convirtió en la sombra de Charly García y de la experiencia surgió No digas nada, una biografía ‘diversa, divertida y divergente’, como Charly le encomendó. Fue una gran aventura donde el autor cumplió funciones inesperadas: fue confidente, plomo, baterista, brevísimo mánager, psicólogo amateur y enfermero. Lo vio todo. Lo vivió todo. Lo contó casi todo. El libro se actualizó en 2007, un año antes del colapso de García en Mendoza y sus tremendas internaciones. Marchi fue nuevamente convocado a su entorno, al que renunció antes de transcurrir un año. Esta reedición llega a 2024 y el autor se aleja de Charly, lo que le permite ajustar la mira y disipar la bruma agregando nueve capítulos nuevos a los siete de la primera actualización, donde revela, muchas veces entrelíneas, buena parte de los misterios de este período de la vida de Charly García, genio indiscutido del rock latinoamericano”, se lee en la contratapa de la reedición de esta biografía de Charly García, que vuelve actualizada en coincidencia con la salida del nuevo disco del músico.

No digas nada. Una vida de Charly García, de Sergio Marchi, salió por Sudamericana.

7. La ciudad, de Mario Levrero. “Un relato profundamente kafkiano; una suerte de laberinto alegórico o exploración literaria en la que Montevideo es un horizonte de luz al que aspirar en medio de la confusión de un viaje absurdo: el viaje del deber ser de la vida adulta. La historia reúne a seres en un recorrido en apariencia sin sentido. Que entran en la urbe como en un sueño, con la inquietud y la expectativa, y también con el desasosiego propio de no poder decidir qué va a pasar. Se entra en un trance atrapante, aunque libre de casi toda lógica”, informan sobre esta publicación desde el sello uruguayo Criatura, que se distribuye en Argentina.

La ciudad, de Mario Levrero, salió por la editorial Criatura.

8. Reediciones de María Elena Walsh. La editorial Penguin Random House anunció la vuelta de cuatro clásicos infantiles de la escritora argentina María Elena Walsh: Manuelita, Zoo loco, El reino del revés y Dailan Kifki. Se trata de la reedición de libros fundamentales, ilustrados para esta ocasión por artistas gráficos.

Las reediciones de los libros infantiles de María Elena Walsh salieron por Penguin Random House.

9. Jesse Ball por dos. “El mes de septiembre llega a Sigilo con dos libros nuevos de Jesse Ball, uno de nuestros más queridos autores. Dos libros impresionantes y potentes para seguir descubriendo a uno de los escritores contemporáneos más originales”, adelantó la editorial que publica en Argentina a este autor estadounidense, que visitará el país para estar presente en el Filba 2024.

“Un día de diciembre de 2017, Jesse Ball se dio cuenta de que tenía la misma edad –39 años– que el artista y escritor Édouard Levé cuando escribió su famoso Autorretrato. Esa coincidencia fortuita, de alguna manera irrelevante, activó en Ball el deseo de realizar su propio Autorretrato, adoptando el mismo procedimiento que había utilizado Levé, ‘un abordaje que no eleva ningún hecho por encima de otro –tal como lo describe en la nota introductoria–, sino que deja a los hechos coexistir en una masa inútil, como una vida’. A este desafío formal Ball decidió sumarle otro, difícil de creer si no estuviéramos hablando de uno de los autores más ambiciosos de su generación: escribirlo en un rapto, casi sin interrupciones, en un solo día. El resultado es un ejercicio autobiográfico hipnótico, por momentos salvaje, lleno de destellos de humor y belleza, brutalmente honesto. Leer este Autorretrato no es solo entrar en el juego de revelaciones y ocultamientos de un escritor fuera de serie, sino también dejarse interpelar por una pregunta que nos toca a todos: ¿de qué banalidades y de qué maravillas está hecha una vida?”, señaló la editorial sobre Autorretrato, una de las novedades que ofrecerá este mes.

“El otro gran libro de Jesse Ball que llega en septiembre es El sueño, hermano de la muerte: una guía para niños que sueñan. Se trata de un fascinante manual de instrucción para tener sueños lúcidos dirigido tanto a niños como a personas encarceladas (literalmente o no)”, adelantó la editorial.

Los dos nuevos libros de Jesse Ball fueron publicados en español por Sigilo.

10. El libro de la almohada, de Sei Shōnagon. “Septiembre llega con uno de los grandes títulos de nuestro catálogo con un precioso diseño renovado. Se trata de la décima edición de El libro de la almohada, de Sei Shōnagon, un clásico no solo de la literatura japonesa, sino también de la literatura universal”, informó en un comunicado el sello Adriana Hidalgo Editora.

“Ayudante de la emperatriz Sadako (976-1001), Shônagon fue la pionera de un género propio de la literatura japonesa vigente aún hoy: zuihitsu, el ensayo fugaz y digresivo, literalmente 'al correr del pincel'. De esta forma, El libro de la almohada constituye un compendio delicioso de agudas observaciones de esta cortesana inteligente, cultivada y un poco cínica, de la que se sabe muy poco. Se dice que nació en 966 y que era hija de Motosuke, estudioso y poeta de cierta reputación, y que sirvió a la emperatriz hasta la muerte de esta. Todas las versiones coinciden en que murió anciana y en la pobreza. Shônagon cuenta anécdotas, historias escuchadas en la corte, recuerda a sus amantes, se refiere a sus árboles y pájaros favoritos, escribe poemas, enumera. Bajo 'cosas deprimentes', escribe 'un perro que aúlla de día'; bajo 'cosas que emocionan', apunta 'pasar por un lugar donde juegan niños de pecho'. En su listado de 'cosas odiosas', anota el zumbido de un mosquito cuando está por adormecerse, pero también 'un hombre sin ningún encanto especial discute sobre toda suerte de temas al azar, como si lo supiera todo'”, detallaron desde la editorial.

El libro de la almohada, de Sei Shōnagon, salió por Adriana Hidalgo Editora.

11. El arte de coleccionar moscas, de Fredrik Sjöberg. “Ninguna persona sensata se interesa por las moscas. Y menos por los sírfidos, las moscas de las flores, aunque ellas son el irónico punto de partida que utiliza el autor de este libro –a medio camino entre las memorias, la historia natural y la reflexión filosófica– para observar el mundo con nuevos ojos. A partir de la biografía del gran entomólogo sueco René Malaise y de su propia vida, Sjöberg nos habla de la lentitud, de la poesía de la espera, del afán de coleccionar que compensa el caos de la existencia, del medio ambiente y de grandes personajes como Chatwin, Kundera o D.H. Lawrence, que también quedaron fascinados por el coleccionismo; porque, como cree el autor, ‘todos somos en el fondo coleccionistas de moscas, aunque no lo sepamos’”, adelantan los editores de este libro que llega al país a través de la editorial Libros del Asteroide.

El arte de coleccionar moscas, de Fredrik Sjöberg, salió por Libros del Asteroide.

12. La demora, de Ezequiel Pérez. “El 16 de septiembre de 1999, el pueblo de Villa Ramallo se agitó de manera inimaginable. Lo que sería un asalto al banco se convirtió en una tragedia con tintes absurdos y espectaculares. La planificación se fue de las manos, el atraco se transformó en un secuestro y derivó en una balacera que fue transmitida en vivo por televisión. En pocas horas Villa Ramallo pasó del anonimato a estar en las primeras planas. A veinticinco años del suceso, Ezequiel Pérez, uno de los narradores más distinguibles de su generación, intenta ordenar los hechos policiales y, de paso, desenreda imágenes de infancia que ahora toman diversos contornos y significados: los paseos en bicicleta, el asomo del tren, la ‘calma tramposa’ del río Paraná, el ritmo pueblerino de siestas y sospechas que nunca se dilucidarán del todo”, informó en un comunicado el sello chileno La Pollera, que se asoció con el argentino Salvaje Federal para publicar este libro en su colección de no-ficción llamada Surcos del territorio.

La demora, de Ezequiel Pérez, salió por La Pollera y Salvaje Federal.

13. Caminando alrededor y otras novelas breves, de Elvio Gandolfo. “Considerado como uno de los mejores cuentistas argentinos, admirado por Uhart, Levrero y Fogwill, Elvio Gandolfo también es uno de los grandes exponentes de la novela breve en el Río de la Plata. El universo inoxidable que recorre toda su obra hace cumbre en estas cinco novelas, escritas entre 1967 y 2001, y que se reúnen por primera vez en un solo volumen. Caminando alrededor y otras novelas breves es un tesoro que condensa los recursos narrativos e imaginativos de este escritor enorme, necesario y entrañable que es Elvio Gandolfo”, señalan desde la editorial Caballo Negro sobre esta novedad editorial de septiembre.

Caminando alrededor y otras novelas breves, de Elvio Gandolfo, salió por Caballo Negro Editora.

14. Hacia un feminismo decolonial, de María Lugones. Eterna Cadencia editora anunció en lanzamiento de este libro, que el tercero de su serie Pluriversos. Se trata de una antología “que reúne cinco artículos de María Lugones, referente clave de la perspectiva decolonial e interseccional de los feminismos afrolatinoamericanos”. 

“Con una edición al cuidado de Gabriela Veronelli, prólogo de Leticia Sabsay y traducciones de Gabriela Castellanos, Camilo Porta Massuco y Joaquín Rodríguez Feo, este trabajo, a la vez que revisa y afina las lecturas decoloniales, deja en evidencia las pretensiones universalizadoras y eurocéntricas del ‘feminismo blanco’”, detalló la editorial.

Hacia un feminismo decolonial, de María Lugones, salió por Eterna Cadencia Editora.

15. La naturaleza sí tiene derechos. Aunque algunos no lo crean, de Aberto Acosta y Enrique Viale. “¿Por qué aceptamos como normal que las corporaciones tengan derechos y puedan reclamar por ellos mientras nos resulta inconcebible que la naturaleza, de la que depende nuestra vida, goce de ese reconocimiento? Dado que superar este desatino es uno de los grandes retos de la humanidad para enfrentar el colapso ecológico y social, Alberto Acosta y Enrique Viale, referentes internacionales del pensamiento y las luchas ecologistas, cuentan qué significan los derechos de la naturaleza y por qué el tema está muy lejos de ser una formalidad jurídica o una simple novelería. En este texto introductorio e inspirador, bucean en las razones históricas que, desde la conquista de América e incluso antes, explican el lugar de la naturaleza como proveedora pasiva de insumos y depósito de desechos, al servicio del crecimiento infinito en un planeta finito. Y ponen el foco en las falsas soluciones, como el desarrollo sostenible o el capitalismo verde, estrategias cosméticas que prometen respetar las normas ambientales mientras alientan la explotación extractivista de la tierra, los minerales, el agua, o formas más innovadoras de mercantilización”, adelantan sobre este libro desde Siglo XXI Editores.

La naturaleza sí tiene derechos. Aunque algunos no lo crean, de Aberto Acosta y Enrique Viale, salió por Siglo XXI Editores.

16. La vida secreta de las plantas, de Peter Tompkins y Christopher Bird. “Las plantas son la mayor fuente de riqueza del planeta Tierra (pensemos, por ejemplo, que el carbón y el petróleo fueron vida vegetal en el pasado). En La vida secreta de las plantas se exponen los experimentos que muestran la manera en que las plantas se comunican y cómo esta afecta la vida del resto de los seres vivos, para entender a su vez las relaciones físicas, emocionales y espirituales entre las plantas y los humanos”, señalan los editores de este libro, que salió por Ediciones Godot.

“Sin las plantas verdes, no comeríamos ni respiraríamos. Bajo la superficie de cada hoja, hay un millón de labios móviles que se dedican a devorar anhídrido carbónico y a despedir oxígeno. Más de 64 millones de kilómetros cuadrados de superficies cubiertas por hojas están cada día realizando este milagro de la fotosíntesis, produciendo oxígeno y alimentos para el hombre y los animales. La cantidad principal de los 375.000 millones de toneladas de alimentos que consumimos al año procede de las plantas, que los sintetizan del aire y del suelo con la ayuda de la luz solar. El resto deriva de productos animales, que también proceden de las plantas. Los datos con que actualmente contamos afianzan y corroboran la visión de que las plantas son criaturas vivas, que respiran y se comunican, dotadas de personalidad y de los atributos del alma. Somos nosotros los que, en nuestra ceguera, nos hemos empeñado y obstinado en considerarlas autómatas”, se puede leer en las páginas de La vida secreta de las plantas.

La vida secreta de las plantas, de Peter Tompkins y Christopher Bird, salió por Ediciones Godot.

17. Tres clases, de Alejandro Tantanian. “Tres clases es el nuevo libro del director, autor, actor, cantante, docente y gestor cultural Alejandro Tantanian, una de las figuras más destacadas del teatro argentino tanto por la extensión de su trayectoria, cuanto por la amplitud de su experiencia en el medio. Este libro es el resultado de una serie de clases dictadas en modalidad virtual durante el 2021: Una lectura de Hamlet. Tres clases teóricas; La bondad de los extraños. Tres clases teóricas sobre Tennessee Williams; y Una mirada desde el teatro a la obra musical de Bertolt Brecht. Aquí, Tantanian no solo hace una lectura formal de obras emblemáticas de estos autores a partir de elementos técnicos, sino también de la novedad que aportaron en el momento en que estaban en cartel, de aquello que las ha convertido en clásicos, de las lecturas que con los años se fueron haciendo de ellas y de los efectos que tienen todavía hoy”, informaron desde el sello Blatt & Ríos sobre este libro.

Tres clases, de Alejandro Tantanian, salió por Blatt & Ríos.

18. La fiesta de los negros. Una historia del antiguo carnaval de Buenos Aires y su legado en la cultura popular, de Ezequiel Adamovsky. “Mirando los pequeños corsos actuales, nadie podría sospechar la extraordinaria masividad que alcanzaba el carnaval a fines del siglo XIX, cuando Buenos Aires mutaba al ritmo de la inmigración. Por entonces se lo reconocía como uno de los más grandes y animados del mundo. ¿Cómo se explica semejante intensidad? Este libro responde esa pregunta con la convicción de que encierra claves valiosas para entender la formación de la Argentina moderna”, señalan los editores de esta publicación, editada por el sello Siglo XXI.

“A partir de una reconstrucción sorprendente y con un pulso narrativo que logra sumergirnos en la fiesta, Ezequiel Adamovsky cuenta cómo en esos días se jugaba con la sexualidad, de un modo que desafiaba las jerarquías de género y de clase, y se detiene especialmente en la transgresión de las fronteras étnico-raciales, así como en un fenómeno que llamó poderosamente la atención de los contemporáneos: la convivencia, en el espacio de la fiesta, entre comparsas de afroporteños y otras de blancos que se tiznaban el rostro, ejecutaban ritmos y bailes de raíz afro, cantaban canciones o se vestían con ropas que emulaban las de los negros. ¿Por qué fueron negros (reales y de imitación) y luego falsos gauchos los que ocuparon el centro de la escena? ¿Por qué justamente esas dos figuras, que para las élites eran emblemas de atraso y barbarie, fueron las preferidas del público? ¿Y qué relación tiene todo eso con la formación de la nación argentina y con su pretensión de ser blanca y europea?”, agregan desde la editorial.

La fiesta de los negros. Una historia del antiguo carnaval de Buenos Aires y su legado en la cultura popular, de Ezequiel Adamovsky, salió por Siglo XXI Editores.

AL/DTC

Pasaron siete años y medio desde que Charly García editó “Random” en febrero de 2017. La espera para un nuevo disco se hizo entonces larga, demasiado larga. De hecho, “La lógica del escorpión” está grabado y mezclado desde hace casi un año y medio, pero distintas complicaciones administrativas (como cuestiones de derechos por algunos covers) y de producción (Charly quería salir primero con una muy cuidada edición en vinilo) demoraron el lanzamiento, que finalmente se concretará el próximo 11 de septiembre. Sí, el Día del Maestro para él maestro del rock nacional.

Lo primero que hay que decir, sin condescendencias ni indulgencias, es que “La lógica del escorpión” es un muy buen disco, mejor incluso que el mencionado “Random”. Está claro que no llega a las cimas de “Yendo de la cama al living”, “Clics modernos”, “Piano bar”, “Parte de la religión” ni “Cómo conseguir chicas”, por citar solo a su majestuosa obra de la década de 1980, y que la voz de Charly está lejos de los matices y la potencia de sus épocas de gloria, pero el flamante álbum que Sony Music presentó este lunes en dos eventos organizados en el centro ArtLab en Chacarita demuestra que varias de las canciones están a la altura del mito, que la creatividad en muchos casos se mantiene inalterable.

“La lógica del escorpión” comenzó a grabarse en septiembre de 2021, se fue moldeando a lo largo de todo 2022 en sesiones grabadas por Matías Sznaider (también responsable de la mezcla) en el estudio Happy Together en Caballito y terminó siendo masterizado por Ted Jensen en el Sterling Sound de Nashville.

El resultado son 13 temas (alguno más incluso mezclado quedó a último momento en el camino tras la selección final), entre temas nuevos, covers propios (“Juan Represión”, incluido originalmente en el disco “Pequeñas anécdotas sobre las instituciones”, editado hace ¡50! años por Sui Generis) y ajenos (‘Watching the Wheels’, de John Lennon; y “Rock and Roll Star”, clásico de 1967 de The Byrds, ambas con las letras traducidas al españo ), para los que contó con la colaboración de David Lebón y Pedro Aznar (sus socios creativos en Serú Girán), Fito Páez y hasta un dueto (maravilla tecnológica mediante) con un tal Luis Alberto Spinetta para un bello y lírico rescate de “La Pelicana y el Androide”, que en su versión original fue parte de “Privé”, la placa que el Flaco lanzó en 1986.

Los músicos más cercanos (Fernando Kabusacki en guitarra, Fernando Samalea en batería) reaparecen en distintos temas, al igual que Rosario Ortega e Hilda Lizarazu en los coros, mientras que el arte de tapa es cortesía de la talentosa artista plástica Renata Schussheim y las sesiones de fotos más recientes estuvieron a cargo de Nora Lezano.

elDiarioAr estuvo en la presentación en ArtLab durante la que se puedo escuchar por primera vez el disco completo, en el que se destacan —entre varias otras canciones— el furioso e irresistible funk de “La Medicina Nº 9” y el potente blues “El Club de los 27” (ambas con aportes de Lebón en las guitarras); “Te recuerdo invierno”, un tema lento que remite a “Inconsciente colectivo”; “Autofemicidio”, un rock a puro riff de guitarra con un imponente wall of sound; “América”, con Pedro Aznar en voces, batería, guitarra y bajo con el título rimando con “prédica” y “réplica” para una historia sobre los miedos (a Dios, a ser feliz y a varias cosas más); y “Estrellas al caer”, que remite en parte a “La máquina de ser feliz”, el hit de “Random”.

La espera, por lo tanto, valió la pena. El 11 de septiembre el disco estará disponible tanto en plataformas digitales como en una edición de lujo de solo 7.000 unidades numeradas y certificadas para coleccionistas (ya está casi agotada), mientras que después se podrá conseguir otra versión más económica también en vinilo y en CD. Preparen los auriculares.

Los 13 temas y el orden de “La lógica del escorpión” son los siguientes:

Lado A

1- Rompela

Voz, teclado, guitarra y bajo: Charly García

Guitarra: Fernando Kabusacki

Batería: Fernando Samalea

Coros: Rosario Ortega

2- Yo ya sé

Voz, teclado, guitarra y bajo: Charly García

Guitarra: Fernando Kabusacki

Batería: Fernando Samalea

Coros: Hilda Lizarazu

3- El Club de los 27

Voz, teclado, guitarra y bajo: Charly García

Solo de guitarra: David Lebón

Batería: Fernando Samalea y Toño Silva

4- La Medicina N° 9

Voz, teclado, guitarra y bajo: Charly García

Guitarra rítmica: David Lebón

Batería: Fernando Samalea

Coros: Hilda Lizarazu

5- Te recuerdo invierno

Voz, teclado, guitarra y bajo: Charly García

Guitarra: Fernando Kabusacki

Coros: Rosario Ortega

6- Autofemicidio

Voz, teclado, guitarra y bajo: Charly García

Guitarra: Fernando Kabusacki

Batería: Fernando Samalea

7- América

Voz, teclado, guitarra y bajo: Charly García

Bajo, batería, guitarra y voces: Pedro Aznar

Lado B

8- Juan Represión

Voz, teclado, guitarra y bajo: Charly García

Guitarra: Fernando Kabusacki

Coros: Rosario Ortega

9- Estrellas al caer

Voz, teclado, guitarra y bajo: Charly García

Guitarra: Fernando Kabusacki

Batería: Fernando Samalea

10- La Pelícana y el Androide

Voces: Charly García y Luis Alberto Spinetta

Teclado, guitarra y bajo: Charly García

Guitarra: Fernando Kabusacki

11- Watching the Wheels

Voz, teclado, guitarra y bajo: Charly García

Guitarra: Fernando Kabusacki

Batería: Fernando Samalea

Coros: Hilda Lizarazu y Rosario Ortega

12- La lógica del escorpión

Voz, teclado, guitarra y bajo: Charly García

Guitarra: Fernando Kabusacki

Batería: Fernando Samalea

Coros: Rosario Ortega

13- Rock and Roll Star

Voces: Charly García y Fito Páez

Teclado, guitarra y bajo: Charly García

Guitarras: Kiuge Hayashida y Fernando Kabusacki

Batería: Fernando Samalea

Charly García está a punto de viajar a Estados Unidos. Tal vez lo intuya, tal vez lo pueda escuchar con su oído absoluto, tal vez esté escrito en algún lugar; va a partir para partir: el mar de la música argentina con sus nuevas olas, las cabezas de un país donde sus clics modernos van a reverberar para siempre. Quizás por eso habla frente a cámara con la calma impostada del que tiene un plan y una valija en la mano (el repaso mental, las tres P de pasaporte, pasaje, plata; el clásico “espero no estar olvidándome de nada” en tensión con un despreocupado “que pase lo que tenga que pasar, total voy a estar lejos”; la eterna cinchada inquietante entre lo nuevo y lo desconocido). Que lo inaudito no tape lo valiente: para algunos Charly es un marciano que se anima a aterrizar en la televisión. Y lo hace con soltura ni más ni menos que para conversar con Gerardo Sofovich, el conductor de voz rasposa, el actor, el productor de teatro de revistas, el hombre que escribió guiones de películas muy populares como Los caballeros de la cama redonda, Los doctores las prefieren desnudas, Los vampiros los prefieren gorditos, La guerra de los sostenes, Las muñecas que hacen ¡pum!. Lo insólito –tal vez pensado desde hoy– es justamente que se dediquen a conversar, que lo que compartan sea un diálogo, un interés genuino en ese aquí y ahora, en ese intercambio. Sofovich, de hecho, va dando muestras de su deslumbramiento ante el músico a medida que la charla avanza y Charly, a su vez, se prende del embeleso para regalarle palabras memorables. En un tramo se ponen confesionales: Sofovich dice que Los Beatles lo agarraron “cuando ya era grande”; García, lejos del lugar común del artista que apuesta a la incomprensión, asegura que trabaja pensando en el qué dirán. “Quiero comunicarme”, dispara.

La escena se interrumpe –y en esa interrupción, crece– con el aterrizaje de un tercero –no hay hechizo sin triángulo–: el actor Jorge Porcel, que dice que está de paso, que quiso meterse a escuchar. El mismo que protagonizó las películas que escribió Sofovich, el mismo que, según cuentan más adelante, suele debatir con el conductor sobre jazz. Más dubitativo, menos entregado a la novedad que Sofovich, el comediante de todos modos intenta arrimarse a un Charly cada vez más aplomado y encantador.

Sofovich pregunta si existe algo así como el rock nacional y le deja la respuesta servida para que García, en pocos movimientos, arme su árbol genealógico musical y cuente cómo escribe la música que escribe (un poco risueño, lo deja entrever: escribir es siempre armarse un linaje). Les dice que estudió música clásica, que de chico iba a ver a Almendra y a Los Gatos, que le interesan Gershwin o Bob Dylan y que, al mismo tiempo, su búsqueda es lo nuevo. “Se trata de hacer una música que no te suena a nada”, subraya. 

Con la picardía del pescador que sabe dónde pero sobre todo cuándo buscar, Sofovich lanza una pregunta caña: “¿Sos romántico?”. Entonces Charly, tal vez en el pico más alto de lucidez y frescura de todo el encuentro, asume: “Soy un romántico moderno. Por ahí es un romanticismo de un futuro antiguo. Algo antiguo pero futurista, como esas películas de ciencia ficción de antes que hablan de lo que va a pasar el año que viene y ya son viejas”.

La deriva los va a llevar a hablar de identidad, otra vez de Los Beatles, de ganar dinero, de las bandas y músicos que les “llegan” y los que no. Con Porcel no hay caso, no puede con Luis Alberto Spinetta pese a que, en su recuerdo, “Muchacha de papel fue una gran creación” (sic). Más adelante, será el turno de la violencia, de la política, de la importancia de que todos tengan la posibilidad de participar en las elecciones que se vienen (“mi voto es muy importante”, bromea Charly y promete que, como va a estar afuera, va a ir a votar al consulado). 

El final es para la paternidad, de alguna manera también para el futuro: García cuenta que fue a ver Titanes en el Ring con su hijo de seis años, que el nene juega con sintetizadores y que a veces le dice que sus canciones son “fallutas”. El cierre, a todo trapo, a todo encanto, lo impulsa otra pregunta caña de Sofovich: ¿qué te gustaría que fuera tu pibe? Charly, quizá pensando en la salida, en el viaje que se aproxima, en la música que viene, en la Argentina que se asoma y que conoce de memoria el tridente sufrir-amar-partir, responde y la moneda queda en el aire: “Me gustaría que fuera músico, por una vanidad personal. Pero me gustaría que fuera libre”.

Entonces Porcel, definitivamente pasado el proceso de deshielo, ya conquistado también por el músico, ya imantado por su magia, decreta que lo que acaba de escuchar es “el mejor acorde de la tarde”. Charly se pone a tocar algo en el piano, manda un saludo a los que están escuchando. “Voy a volver pronto, eh, y para arriba”, dice poco antes de partir para partir.

Estas escenas impresionantes fueron rescatadas en el podcast Charly García, 14 de julio de 1983 que circuló con mucha fuerza por estas horas (abajo les cuento más). Refleja una de las varias partidas con las que me crucé en estos días –del adiós glorioso de Ángel Di María a una película que me deslumbró y algunas lecturas: todo en ese tono–. Algunas forman parte de una nueva edición de Mil lianas. Si tienen ganas, pueden pasar por acá.

1. Partió de mí un barco llevándome, de Cecilia Kang. “Explicar con palabras de este mundo/ que partió de mí un barco llevándome”, escribió Alejandra Pizarnik en un poema que forma parte de su libro Árbol de Diana. De esa imagen y de esa partida inasible tomó el título para su película la cineasta argentino-coreana Cecilia Kang, quien en un texto que se difundió para los medios aseguró: “Podríamos decir que este poema habla acerca de aquello que es inaprensible con palabras. Aquello de lo vivencial, de la experiencia, que no se puede contar con el lenguaje. No nos alcanzan las palabras de este mundo para explicar algunas experiencias”.

Fue durante un viaje en 2013 a Seúl, la capital de Corea del Sur, que la realizadora tomó contacto con un personaje y con una historia que la marcó: la de una mujer llamada Kim Bok-dong, quien a sus 15 años fue convertida en lo que durante la Segunda Guerra Mundial se llamó “comfort women” o “mujeres de consuelo”. Fueron, según se pudo reconstruir años después y según narraron las propias sobrevivientes, más de 200 mil las jóvenes asiáticas secuestradas y llevadas lejos de sus hogares para ser explotadas como esclavas sexuales por el ejército imperial japonés. 

Muchos años después, la cineasta convoca a Melanie Chong, una joven actriz argentino-coreana y le propone que interprete frente a cámara en un monólogo a una de estas mujeres coreanas explotadas. Se trata, según se puede ir viendo a lo largo de la película, de una especie de experimento, de un intento por indagar en eso que no se puede decir pero sí registrar con imágenes. Lo que termina exhibiendo Kang con gran sensibilidad en su largometraje es una partida doble: por un lado la de la propia actriz, que a medida que se va involucrando en su papel se contacta también con sus propias heridas, con su propia historia personal, que también involucra idas y vueltas, partidas y llegadas. Y también la de la realizadora, que en ese intento por unir fragmentos que provienen de tiempos dispersos, arma una línea en forma de preguntas: ¿qué une aquel pasado con su propio presente? ¿Cómo ponerle el cuerpo hoy a las opresiones que siguen insistiendo?

La película Partió de mí un barco llevándome, de Cecilia Kang, se puede ver, entre otros, en Malba Cine. Más información sobre funciones y horarios, en este enlace.

2. Charly García, 14 de julio de 1983, de Marcelo Filippo. El músico, compositor y luthier argentino Marcelo Filippo lo cuenta así: un día del invierno de 1983 ve con su hermana que Charly García estaba en la televisión dándole una entrevista a Gerardo Sofovich. “Amenazando a nuestros padres para que no hicieran ruido”, como recuerda Filippo, decidieron registrar aquel encuentro insólito con lo que tenían a mano: un grabador portátil pegado al parlante del televisor. Ese audio se mantuvo guardado durante más de 40 años en un cassette TDK que Filippo convirtió ahora en un podcast hipnótico. Quizá intuía que tenía una joya entre sus manos, porque el registro se hizo poco antes de que García partiera a los Estados Unidos a visitar Nueva York y grabar un disco clave para la historia de la música popular argentina como Clics modernos y también por los tiempos que quedan capturados en esa cinta: las elecciones para que vuelva definitivamente la democracia están cada vez más cerca. El cruce que se arma entre un Charly súper lúcido, un Sofovich deslumbrado y la aparición sorpresiva de Jorge Porcel hacen de este hallazgo uno de los mejores documentos que se tienen de una época efervescente y de un artista que está por tomar vuelo, como sostiene Filippo, “en más de un sentido”.

El podcast Charly García, 14 de julio de 1983 se puede escuchar por acá. Más sobre Marcelo Filippo en este enlace.

3. La vida en serio, de Juana Bignozzi. Este libro, que llegó entre las novedades editoriales de junio, es también el libro de una escritora atravesada por una partida y por el intento de un regreso. La lengua está partida y también tironeada, rearmada. “Ahora sólo espero llegar a tiempo para siempre a mi ciudad”, escribe en el texto que abre esta publicación. Se trata del primer volumen de la poesía completa de Juana Bignozzi, lleva como título La vida en serio Obra completa 1998-2019 y fue publicado por Adriana Hidalgo al cuidado de Mercedes Halfon.

Bignozzi fue una especie de punk, una inclasificable, una de las autoras más interesantes del país. Un personaje que comenzó siendo la única mujer del célebre grupo de poetas El Pan duro, que integró con Juan Gelman y varios más, entre mediados de los 50 y mediados de los 60, y que luego dejó el país para instalarse en Barcelona en los ‘70. Muchos años después, de regreso en Buenos Aires, se convirtió en un personaje admirado por jóvenes poetas que se encargaron de cuidar su poesía, que por suerte está siendo recuperada con fervor. Leer a Bignozzi siempre es estimulante, como una inyección de adrenalina, de efervescencia.

El libro La vida en serio Obra completa 1998-2019, de Juana Bignozzi, salió por Adriana Hidalgo Editora.

Apostilla. La colega Malena Rey (si todavía, por alguna extrañísima razón, no siguen su divino newsletter El hilo conductor, háganlo, es por acá) rescató en su cuenta de Twitter una entrevista reciente que le hicieron a César Aira en su casa en Flores para la televisión sueca y es pura magia. Pueden verla en este enlace.

Banda sonora. Hablamos arriba de Clics modernos, del linaje que se armó Charly García y de Nueva York. Me parece una buena excusa para sumar a nuestra lista de canciones (sí, esa que siempre encuentran por acá) al propio Charly, a Spinetta, a George Gershwin y algunos temas que por motivos distintos nos pueden hacer viajar musicalmente hasta Nueva York. Acompañamos y de paso suspiramos con el aniversario del lanzamiento de Cuando Harry conoció a Sally, que por estos días cumplió 35 años.

Bonus track. Un aviso para quienes tengan entre sus manos algún proyecto de libro de no ficción: esta semana el sello Libros del Asteroide anunció que se abre la recepción de proyectos para participar en la quinta edición del Premio de No Ficción, un galardón que organiza esa casa editorial y que se fundó para “promover y promocionar la creación de no ficción literaria en lengua castellana”. Por acá pueden leer más detalles de la convocatoria que premia con 10 mil euros al ganador. De paso, un recordatorio: sigue abierto el llamado para participar del Premio Futurock de Novela 2024, que este año entrega 3.500.000 pesos y tiene como jurado a Alan Pauls, Julián López y Carla Maliandi.  En este enlace pueden encontrar más información.

Bonus track II. Por si se distrajeron o se les pasó, en este enlace pueden encontrar una guía con algunas de las novedades editoriales que llegan a lo largo de julio a las librerías.

¡Hasta la próxima!

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Todo lo que miro, leo o escucho por estos días encierra un modo de decir adiós. Tal vez pase siempre (¿no hay un réquiem escondido en cada libro, en cada película, en cada canción? ¿sobre qué se puede escribir, filmar, componer, si no es alrededor de asuntos que se acercan a algún tipo de final?). O tal vez, en realidad, mi atención ahora esté particularmente puesta en ese gesto antes que en otros. A veces ocurre, como si una única música acaparara lo que nos rodea y sólo nos quedara sintonizarla para ver a qué suena, de qué está hecha, a qué se parece, qué formas adopta.

De la notas que pispeo en un diario (sin ton ni son, varias víctimas de plumazos en todos los relatos: una forma de hacer política, los fondos para un plan que redujo el embarazo adolescente, los ingresos de los argentinos) a la última notificación en el teléfono (la baja de un proyecto que me entusiasmaba y no va a poder ser). De la escena del libro que leo (un boxeador agoniza en las primeras páginas de la prometedora novela La exactitud del dolor, de Horacio Convertini, ampliaremos) al edificio que veo crecer por la ventana, ahí donde había una casa antigua (Buenos Aires y su loop insaciable: “saluden-al-cielo-que-se- va”). 

Es curioso porque en la mayoría de los casos no hay cortes tajantes ni quietud y, por la velocidad que adoptan casi no queda espacio para la nostalgia. Como quien dice con timidez me voy yendo –pocas expresiones más hermosas– o se despide con un chaucito, las escenas se parecen a una mano que se sacude con fervor del otro lado de una ventanilla, al movimiento de armar una valija con cuidado, al paso a paso inapelable y en cuotas del despegue de un avión. 

Me acordé que hace un tiempo entrevisté a Martín Kohan cuando publicó su libro ¿Hola? Un réquiem para el teléfono (Ediciones Godot, 2022) y él se refería ahí a la insistencia de ese tipo especial de entre, de eso que se va escapando en fade out y al mismo tiempo no se termina de apagar.

“En algunos textos Walter Benjamin se refiere a lo que está ‘en trance de desaparecer’, ‘en crisis’ o ‘disolviéndose’ o ‘perdiéndose’. No repara en lo perdido sino en lo que está perdiéndose: esa forma de la despedida y esa modulación de un tipo de melancolía que no es tan drástica. Es sobre algo cuyas huellas todavía podemos ver, cuyas marcas todavía podemos tener incorporadas y, al mismo tiempo, son prácticas y formas que se están yendo de nosotros”, señalaba con lucidez en aquella nota el escritor.

Me agarré un poco de eso para armar esta entrega de Mil lianas. Van a encontrar una película hermosa que si me apuran, la declaro ya mismo la película del año, y que bordea eso que se da en llamar coming of age (hablamos en más de una ocasión sobre ese rubro de los relatos “de formación” en este lugar: aunque sea a tientas, algo se deja atrás para intentar avanzar hacia otro lugar). También hay un libro sobre un amor, un fuego y una vida que arden al tiempo que se extinguen. Y, por último, un documental que es homenaje al cine y a la vez una trinchera de la obstinación: si hubo un tiempo que fue hermoso, entre otras cosas gracias a las películas, todavía se puede hacer algo para que haya muchos más.

Esta vez este espacio es una invitación a escuchar el chirrido de una puerta que se va cerrando, pero que todavía insiste en ser madera, protección, límite. Pura terquedad. Pueden pasar por acá.

1. Alemania, de María Zanetti. “En un viento joven y brillante/en una cuestión de fe/en una coraza invisible/en una tarde de cansancio”, se oye en la voz de Rosario Bléfari. La canción Tarde de cansancio, de Suárez, es uno de los temas que se destacan en la banda sonora de Alemania, un largometraje hermoso y deslumbrante de la cineasta argentina María Zanetti que luego de circular por algunos festivales internacionales llegó por estas semanas a los cines argentinos y a la plataforma CineAR Play (al menos hasta el cierre de esta edición, se puede encontrar por acá). La letra podría dar algunas pistas sobre lo que le pasa a la protagonista, Lola (Maite Aguilar), una adolescente que se prepara para rendir las materias que se llevó en el colegio mientras fantasea con una posibilidad: viajar a Alemania para hacer una especie de intercambio estudiantil. Hay fe, hay juventud, hay una coraza y también mucho cansancio en ella, que mientras intenta avanzar con su plan y atraviesa algunas experiencias vitales típicas de su edad, se choca con una traba familiar. Es que su hermana mayor, Julieta (Miranda de la Serna), vive con un trastorno en su salud mental que absorbe la atención y el dinero de sus padres. 

Contada con una proximidad que hace de cada escena una situación atrapante y ubicada en 1998 (la minuciosidad de la reconstrucción se destaca en cada detalle, en cada gesto, en cada objeto), la película funciona como un retrato íntimo y también como una logradísima fotografía de época. Está la crisis de Lola, con sus silencios, con su inquietud, con sus vaivenes, y también ese tipo especial de derrumbe que son o fueron las familias de clase media en la Argentina de los ‘90, con sus agujeros, con sus dolores, con sus intentos por permanecer juntos como se pueda. 

Sismóloga de un momento –el de hacerse grandes– y de un país –el de los sueños rotos y el de los intentos por volverlos a unir–, Zanetti expone con gran sensibilidad los temblores, el deseo y las insistencias de sus personajes y su tiempo.

La película Alemania fue dirigida y escrita por María Zanetti. El elenco, impecable en cada uno de los roles, está integrado por Maite Aguilar, Miranda de la Serna, María Ucedo y Walter Jakob. En este enlace, información sobre funciones y horarios en los cines de varios puntos del país.

2. Nada más, de Marguerite Duras. “Todas las historias de Marguerite Duras se desarrollan alrededor de una pérdida. Sus cincuenta y seis libros –entre novelas, antologías periodísticas y obras de teatro–, sus diecinueve películas y sus decenas de guiones para el cine, además de sus programas televisivos, son un enorme relato sobre adónde nos transportan ciertos finales. Sin embargo, Nada más es el único ejemplo en el que Duras narra el desplome de una voz, de su propia voz”, subraya el escritor Valentín Roma en un texto que acompaña esta publicación, que se destaca entre los lanzamientos editoriales que llegan durante abril a las librerías argentinas.

Nada más (Periférica, 2024) es un libro de esquelas, de apuntes, de anotaciones finales dictadas para que algo que aparenta ser agónico no se pierda. Mientras su vida iba apagándose, Marguerite Duras le dictó a Yann Andrea, su última pareja, la serie de textos que lo integran. Algunos tienen fecha y hasta hora del día en que fueron creados, otros tienen la forma de diálogos, poemas u órdenes a un amante que se dedica a mecanografiar esas palabras finales.

Breve, apabullante, intenso, Nada más funciona como el epílogo para una vida y una obra (Duras murió tres días después de la última entrada de este libro) que sacude y deja ecos que llegan hasta nuestros días. En la posdata de esta edición la traductora Vanesa García Cazorla rescata un fragmento de otro escrito de la autora de El amante, La negrura atlántica, que condensa a la perfección el movimiento que hace la escritora en los textos que conforman Nada más: “La muerte sufre una amputación a manos de la escritura: queda mutilada con cada poema escrito o leído, con cada libro”.

Nada más, de Marguerite Duras, salió por Periférica. Más lanzamientos editoriales de abril, en este enlace.

3. Leyenda feroz, de Denise Urfeig y Mariano Frigerio. Para algunos y algunas supuso algún tipo de clandestinidad (hacer algo nuevo, prohibido, “de grandes”). Para otros y otras, una iniciación: ir al cine lejos de los adultos, ver por primera vez a personas desnudas, conmoverse sin pudor frente a la pantalla. También estuvieron los que, gracias a la película, llegaron a un tipo de música que hasta ese momento desconocían o quienes encontraron en ella alguna forma de sentir que se rebelaban, que iban en contra de una época expulsiva como la del menemismo.

Con dirección del entonces debutante Marcelo Piñeyro y con Fernán Mirás y Cecilia Dopazo como protagonistas, en 1993 llegó a los cines argentinos Tango feroz, la leyenda de Tanguito. Una película que, en poco tiempo, se convirtió en un récord de audiencia y en un fenómeno que excedía todo eso que pasaba en las salas de cine. Mientras el público iba a verla con fervor, Tango feroz era debatida en la tele (el cineasta y la dupla protagónica llegaron, por ejemplo, a ser invitados de Hora clave, con Mariano Grondona, para hablar de lo que provocaba en la juventud y un televidente señaló que el largometraje bajaba un mensaje subliminal “de corte marxista”), discutida en los diarios (las críticas no fueron del todo favorables), cuestionada por el mundo del rock (¿era la historia del músico Tanguito o una versión libre y ficcional alrededor de un mito?), celebrada por multitudes, que además se hicieron también fans de la banda sonora, uno de los discos más vendidos de la historia local.

Treinta años después de aquellos días de gente que, entre la ñoñería, la convicción juvenil y el gesto naïf que subrayaba aquello de “todo no se compra, todo no se vende” y repetía una y otra vez que “el amor es más fuerte”, los realizadores argentinos Denise Urfeig y Mariano Frigerio quisieron pensar de qué estaba hecho ese fenómeno, muy cercano para ellos generacionalmente. Entonces se pusieron a trabajar en Leyenda feroz, un documental que, repleto de testimonios y con una realización impecable, aborda todas las capas de una historia donde confluyen la leyenda, los conflictos y la época.

Hablé con los realizadores de Leyenda feroz a pocos días de su lanzamiento en el BAFICI y de su estreno comercial, previsto para el 9 de mayo. En tiempos en los que desde el gobierno nacional se cuestiona con crueldad y desconocimiento el rol del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales y se promueve su disolución, este documental, a su modo un homenaje al cine argentino, resulta doblemente valioso.

El documental Leyenda feroz podrá verse en BAFICI y tendrá su estreno comercial a partir del 9 de mayo. En este enlace, una entrevista con los realizadores.

Apostilla. Se confirmó que la serie Hacks, una de mis preferidas de los últimos tiempos como les conté por acá, vuelve el 2 de mayo a través de la plataforma Max. Una vez más, la dupla que integran la comediante supuestamente en retirada Deborah Vance (Jean Smart) estará vinculada, siempre de manera enredada, con la guionista Ava (Hannah Einbinder).

En esta ocasión la actriz, al año de separarse de su colaboradora, disfrutará del éxito de un espectáculo de stand up mientras que la joven intentará buscar nuevas oportunidades laborales en Los Ángeles. Según anunciaron los productores, la nueva temporada contará con la presencia de estrellas invitadas como Helen Hunt, Christina Hendricks, Christopher Lloyd, Dan Bucatinsky y George Wallace, entre otros. Con mucha ansiedad por ver cómo sigue esta historia, les dejo a mano el tráiler.

Banda sonora. Algunas canciones que hablan de despedidas se sumaron inevitablemente esta vez a nuestra lista compartida (no acepten imitaciones, encuentran siempre la banda sonora de Mil lianas en este enlace). También agregué las tres que se destacan en la banda sonora de la película Alemania: Tarde de cansancio, de Suárez; Polvos de una relación, de Virus, y Hablando a tu corazón, en la voz de Charly García.

Ya que mencionamos a Charly, por supuesto que se suma también Vampiro, justo en la semana en que tuvimos la suerte de escucharlo a los doce cantando una versión de ese tema que grabaría casi tres décadas después. “Vampiro, ¡déjame dormir tranquilo!”, pedía Charly entonces, durante un viaje escolar a Córdoba que rescataron las manos mágicas detrás de la cuenta Rarezas Say No More, siguió con la súplica y ahora nos sumamos a la plegaria todos.

Bonus track. Atención que se abrió una iniciativa interesantísima para artistas gráficos, ilustradoras e ilustradores de todo el país. La Feria de Editores (más conocida por todos como la FED) y La Fuerza Vermú invitan a participar de la segunda convocatoria para crear el afiche oficial de la feria, que este año se va a llevar a cabo entre el 8 y el 11 de agosto con más de 300 editoriales independientes de Latinoamérica. Hasta el 15 de mayo quienes tengan ganas se pueden presentar con sus propuestas (por acá, toda la información para participar). El premio es de 400 mil pesos y el jurado elegido para seleccionar el afiche ganador está integrado por Teresita Olhaberry (la artista ganadora de la primera edición), Gustavo Sala y Martín Ramón, director de Espacio Moebius, la editorial y galería especializada en cómics e ilustración. 

Bonus track II. Si andan por Buenos Aires con ganas de buen teatro, dejo por acá los títulos de dos obras que me cautivaron, sobre todo por los modos lúdicos, sensibles e inteligentes con los que se animan a jugar con el dispositivo escénico para desgranar esa materia un poco elusiva de la que están hechos los vínculos humanos. Por un lado, Breve enciclopedia sobre la amistad, del grupo BESA. Acá pueden ver días y horarios. Por otro lado, La gravedad de las burbujas, de Juan Pablo Galimberti, que se presenta en El Camarín de las Musas (acá, más información de las funciones).

¡Hasta la próxima!

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¿Viste cuando mirás y ves que hay una ola que se va armando, que crece, que se acerca, que parece que en cualquier momento se te viene encima? Mientras volvía de la dentista en el colectivo una de estas tardes de calor sin tregua, escuché algo parecido a esa frase que se asoma en mi cabeza ahora y trato de reconstruir –pocos ejercicios más plásticos que la memoria; recordar se parece bastante a moldear un universo con formas más que con datos–. Una chica hablaba con su amiga o compañera de trabajo (me inclino más por la segunda opción por la complicidad moderada que se iba estirando mientras conversaban; ese modo oblicuo de medir con nuestras palabras a otra persona que no conocemos tanto, pero podríamos). El asunto era un entuerto familiar que a la chica le dejaba esa impresión marina y desesperante: la suspensión, los segundos de pausa ante la garra, la cuenta regresiva como única certeza, ese tic tac poco antes de que el mundo se ponga de frente y muestre toda su potencia arrasadora. Las chicas se bajaron, la imagen se quedó conmigo. Vengo desde entonces pensando en olas, anotando por qué me atraen o me impactan, haciendo acopio, extrañando el mar (¡también!) y lidiando por momentos, como muchos de ustedes –sospecho– y como la chica del colectivo, con esa sensación de que algo grande, impiadoso y aplastante se avecina. 

La gran ola de Kanagawa es una obra que el pintor japonés Katsushika Hokusai hizo circular entre 1830 y 1833. Tal vez una de las imágenes más reproducidas, imitadas y homenajeadas de la historia, se trata de una xilografía de la que se hicieron miles de copias (algunas de ellas se conservan y se pueden apreciar en museos de todo el mundo, como el Met de Nueva York o el Británico en Londres) que se vendían a precios bajos y nunca fueron pensadas como “piezas únicas” aunque fueran similares entre sí, según leo por acá. La gran ola de Kanagawa es entonces –con ese azul inigualable y esa curva que intimida a los pescadores que vuelven de trabajar– muchas olas. También es parte de una saga que se llama 36 vistas del Monte Fuji. Me inquieta y al mismo tiempo me encanta que la ola enorme, tan repetida y tan célebre a lo largo de los años, haya eclipsado para siempre a otro gigante, como ese volcán que apenas se vislumbra en el fondo. Que parece diminuto al lado de esas llamas de agua rabiosas. Que conserva también su furia, como todo volcán, pero que acá permanece como un testigo silencioso. Que en la imagen de Hokusai se funde entre la espuma de las olas como si fuera parte del mar. 

El que miraba las nuevas olas y ya era parte del mar, quizá con cierta furia, quizá con hastío, era Charly García apenas arrancaban los ‘80. En la canción Mientras miro las nuevas olas, junto a Serú Girán, el artista hablaba de música, claro, pero también de una forma de estar en el mundo, entre eso que se quiere imponer como novedad sólo porque suena fuerte y eso que al final se revela como pura espuma. “Quiero estar bien, bien solo lejos del ruido/descubriendo por qué olvidamos y volvemos a amar./Y pensar qué sería de nuestra vida/cuando el fabricante de mentiras deje de hablar”, canta y a su modo, siempre profético, hace olas para llevarnos a su mar de palabras indelebles.

“Las olas traen cosas (...) y también se llevan cosas. Son lenguas invertidas, pulmones que se dilatan y se contraen, manos o tentáculos que arañan de espuma la arena. La fuerza de las olas puede abrir la tierra en dos (...). Las olas son el repelente de turistas que esperan que el mar sea ”una pileta“ –que vayan a una pileta entonces–. Aunque también son lugares que cobijan y despejan la mente: pueden habitarse por un instante, con disciplina y obstinación, como una pieza interactiva de arte efímero”, subrayo en el libro Guía maravillosa de la Costa Atlántica (Sudamericana, 2022), de Andrés Gallina y Matías Moscardi. Me gusta la imagen de las olas como lenguas al revés, me gusta que las olas digan cosas. También que haya personas pensando en sus formas, como revelan los autores: “Desde el siglo XVIII, los matemáticos se obsesionaron con ellas y quisieron inventar un modelo para describir con fidelidad la forma perfecta de una ola. En 1894, George Gabriel Stokes realizó el primer estudio matemático sobre la olas, que en la actualidad se emplea para medir tsunamis (...). En 1957, G. D. Crapper logró demostrar matemáticamente cómo se forman las olas de tubo. Concluyó que en un planeta ideal, con poca fuerza de gravedad y mucha agua, habría olas perfectas sin cesar, todo el tiempo. Pero cualquier abstracción siempre es rebatida por la cruda realidad. Habrá que ver cómo pega el viento en la playa y, sobre todo, saber esperar, no ser impacientes, que tarde o temprano llegará la ola que cada cual se merece”.

Mil lianas de hoy está lleno de personas frente a distintas olas gigantes (las del amor, las de Mar del Plata con todos sus misterios, las de las personas inolvidables). Con cautela, con intriga por lo que pueda pasar, con miedo y tal vez hasta con alguna ilusión. Si se animan, es por acá.

1. Siempre el mismo día (One Day). “¿Cómo puede pasar alguien de ser un desconocido total a convertirse en la persona más importante de tu vida?”, pregunta micrófono en mano una de las protagonistas, cuando le toca dar un discurso en el casamiento de una amiga. Ese interrogante –¿qué pegamento nos junta con otras personas? ¿qué hace que alguien se vuelva inolvidable para cualquiera de nosotros?– es el hilo que de alguna manera conduce toda la narración de Siempre el mismo día (One Day es el título original y menos tramposo que la traducción, que lleva a pensar en algún tipo de loop temporal que no tiene nada que ver con la historia). 

La serie, que se puede ver desde hace poco en Netflix y es de origen británico, está basada en una novela del escritor David Nicholls y tiene como protagonistas a Emma y Dexter (Ambika Mod y Leo Woodall), dos jóvenes que, con personalidades y recorridos muy distintos, se cruzan de casualidad el día de la fiesta de su graduación de la universidad, a finales de los’80, y quedan de alguna forma enganchados para siempre. 

El día del encuentro, que podría haber sido cualquier otro, es el 15 de julio, que entre los británicos marca el St Swithin's Day (o el día de San Suituno de Winchester), una fecha a la que siguen con atención: la leyenda indica que si llueve durante esa jornada, lloverá a lo largo de 40 días, es decir, casi todo el verano. Cada capítulo de la serie retomará esa fecha y avanzará a lo largo de dos décadas para mostrar cómo van cambiando sus vidas, mientras Emma y Dexter crecen, se vuelven a juntar, se distancian, viajan, se desarrollan profesionalmente, se enamoran (de otras personas y también entre sí), se pierden. Simpática, tierna, en algún momento devastadora (no pienso revelar mucho de la trama, pero quizá alguno leyó la novela o vio la película de 2011 que se hizo con este libro protagonizada por Anne Hathaway: los abrazo a la distancia), One Day combina algunos condimentos de la comedia romántica al estilo de Nora Ephron con la mirada un poco más ácida de los vínculos afectivos que propone el escritor Nick Hornby en algunos de sus libros. Con 14 episodios breves (algunos apenas llegan a durar poco más de 20 minutos), One Day ofrece una mirada inteligente y conmovedora sobre las relaciones humanas, la amistad, la pérdida, el amor y esa convención absurda que llamamos adultez.

La serie Siempre el mismo día (One Day) está disponible en Netflix.

2. Mar del Plata. Elegida por millones de turistas a lo largo de su historia como un gran sueño argentino, Mar del Plata es la ciudad de la pausa, de las vacaciones, de la ilusión, de los famosos –con sus brillos y con sus tragedias–, de los chalets, de los hoteles sindicales, del festival de cine, de la oportunidad, de hacerse “la temporada”, de Alfonsina Storni, del casino, de La Noche de las Corbatas, de la arena que quema, de las piedras, del agua marrón, de la euforia, de la resaca, del terror, de las clases altas, de las masas, del viento y de las olas.

Con tantas capas y tantos universos metidos entre sus construcciones y sus playas, a lo largo de los años la ciudad se convirtió también en una enorme inspiración para escritores, cineastas, fotógrafos y todo tipo de artistas maravillados por este balneario peculiar. Por las complejidades de su historia la academia lo eligió, además, para convertirlo en su objeto de estudio. A modo de homenaje por sus 150 años, hace unos días armé un recorrido arbitrario por libros, películas, publicaciones académicas recientes que transcurren en Mar del Plata o que de algún modo oblicuo la tienen como paisaje. Pueden leerlo por acá.

La selección con películas, libros, fotos y podcast sobre Mar del Plata se puede leer en este enlace.

3. Los libros de febrero. Enero suele ser una pausa para las novedades editoriales y febrero marca el arranque oficial del año en este terreno. Quienes estén buscando lecturas por estos días, por acá pueden leer un resumen con algunas de las publicaciones destacadas que a lo largo del mes estarán llegando a las librerías y, cruzo dedos, también pronto a las bibliotecas.

Una noticia auspiciosa: la editorial Siglo XXI acaba de lanzar su sello con libros dedicados al público infantil y juvenil. Hace unos días hablé con Laura Leibiker, quien está a cargo de ese proyecto. Pueden leer la nota por acá y conocer un poco más sobre los libros y autores que irán publicando.

La guía con las novedades editoriales de febrero se puede leer aquí. Y, en este enlace, la entrevista con Laura Leibiker sobre Siglo XXI para chicos.

Apostilla. “La erótica de la vida necesita de la alternancia, necesita pispear, entrever. Ese erotismo que Barthes ubica ‘allí donde la vestimenta se abre (...) en la intermitencia’. En el centelleo, ‘entre dos bordes’. No hay vida, no hay eros posible si somos consumidos por la lógica del todo es lo mismo, si dejamos pegada la vista, pero también los oídos, a ese ruido infernal, a esa invasión de crueldad. No  hay vida, ni futuro, pero tampoco hay presente posible. Sólo queda la narcosis entumecedora. Si el porno es la dimensión del sí a todo lo que sea descarga, la erótica de una vida posible, en medio de este desquicio, puede empezar ahí donde se dice a algo que no. Alternar, entrar y salir, abrir y cerrar los ojos. Entrecerrar un poco los agujeros para que no entre toda esa luz de frente”, escribió con lucidez Alexandra Kohan en este texto que lleva como título Aturdidos y que marca el regreso a sus columnas, ahora mensuales, en elDiarioAR. Con la imagen de la ola acuciante de fondo, releía estas palabras –en especial la idea de desarmar la lógica del todo es lo mismo– como un intento de barrenar esta sensación invasiva.

Banda sonora. Estamos perdidos en el mar/nadamos/andar sin sentido/sin poder buscarnos, hoy dice la letra de Puerto amar, de Francisco Bochatón, una de mis canciones favoritas de todos los tiempos. Esta semana se hizo inevitable pensar en olas y en el mar, así que buena parte de los temas elegidos para esta banda sonora (recordatorio: siempre la encuentran por acá) van por ese lado. Hay de todo, además de Bochatón, se suman La Costa Brava, Tom Waits, Morcheeba, Cocteau Twins, Dënver, Serú Girán y Gal Costa, entre muchísimos otros.

“Patricia Highsmith lo sabe todo sobre la ansiedad. Me enseñó que el miedo y la ansiedad son dos cosas diferentes”, le dice una librera al protagonista de Días perfectos, de Wim Wenders. Ese diálogo también me hizo pensar en las olas cuando vi en el cine la película, que es tan hermosa como arrasadora. Pueden escuchar parte de la música del largometraje, central en el relato, casi como un personaje más, por acá. Sumé algunas de esas canciones también a nuestra playlist compartida.

Por último, la serie One Day que mencionaba arriba, también tiene una banda sonora divina de la que trafiqué algunas canciones. Pueden escucharla completa y hacer un viaje en el tiempo por acá. 

Bonus track. Con un aumento en su dotación, que llega ahora a 3.500.000 pesos, y un jurado integrado por las escritoras María Moreno y María Sonia Cristoff y el crítico literario Daniel Link, abrió la convocatoria 2024 para participar de la quinta edición del Premio de Novela Fundación Medifé Filba, la distinción que reconoce lo más destacado de la literatura argentina. Por acá pueden leer más detalles sobre los plazos y los requisitos para participar.

¡Hasta la próxima!

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AL/MG