El Festival Ritual Criollo propone trasladar al formato de festival la bohemia, la intimidad y la emoción de las tradicionales guitarreadas argentinas. Luego de un año de presentaciones en el bar notable Los Galgos, el ciclo da un paso más y convoca a muchos de los artistas que lo integraron a lo largo del año para una jornada especial pensada como celebración colectiva de la música popular.

La primera edición reunirá a Juan Falú, Manu Sija, Victoria Birchner, Mora Martínez, Rudi Flores, el Dúo Bote (integrado por Flor Bobadilla Oliva y Abel Tesoriere), Silvia Iriondo, Nadia Szachniuk, Seva Castro, Julia Moscardini, Florencia Bernales, Claudio Sosa y Mariano Loiácono. La cita será el martes 16 de diciembre, desde las 21, en Galpón B (Cochabamba 2536), un espacio cooperativo clave del circuito independiente porteño.

La filosofía del festival retoma el espíritu que dio origen al ciclo: compartir una experiencia viva, espontánea y comunitaria, donde la música se transforma en ritual y en viaje hacia las raíces. Lejos de los formatos rígidos de concierto, Ritual Criollo propone un encuentro atravesado por la cercanía, el intercambio y la emoción compartida, con la guitarra y el canto como ejes centrales.

La grilla traza un mapa diverso del folklore actual. Confluyen voces emergentes, músicos de raíz, intérpretes del Litoral y del Norte argentino, y referentes del género popular que dialogan desde distintas trayectorias y regiones. El resultado es una postal de la escena folklórica contemporánea, atravesada por la tradición pero abierta a nuevas sensibilidades y modos de decir.

La elección de Galpón B no es casual. Su ambiente relajado, con mesas al estilo café concert, patio y espacios de circulación, favorece ese juego de ida y vuelta entre artistas y público que es marca registrada de Ritual Criollo. El festival se extenderá hasta la medianoche y permitirá transitar la noche sin apuros, como en una guitarreada que se estira entre canciones y encuentros.

Ritual Criollo fue ideado por los periodistas Claudia Regina Martínez y Gabriel Plaza con el objetivo de visibilizar la escena independiente del folklore en Buenos Aires y, al mismo tiempo, generar un refugio musical que recupere la atmósfera mítica de las guitarreadas que se viven en distintas regiones del país. Un patrimonio vivo de la música popular argentina donde la emoción, la poesía, el canto y la guitarra se encuentran en comunidad.

En ese sentido, el festival funciona como un puente entre esas raíces y el público urbano. Reúne artistas que respetan y renuevan el folklore desde la autenticidad, sin artificios, con honestidad, compromiso y sensibilidad, y propone un formato alternativo de encuentro, íntimo y participativo, donde la música circula libre y el público se vuelve parte del ritual.

Galpón B acompañará la experiencia con comida y bebida, sumando calidez a una noche pensada para recrear el espíritu del fogón en plena ciudad. Las entradas son generales y sin numerar, por lo que se recomienda llegar temprano para elegir un buen lugar y disponerse a disfrutar de una celebración que invita a escuchar, compartir y dejarse llevar por la música.

Las entradas se adquieren por Passline

El 22 de agosto se celebra el Día Mundial del Folklore, para homenajear aquellas expresiones artísticas y autóctonas que reflejan las tradiciones, costumbres y rasgos culturales de diversas regiones en varias partes del mundo, enalteciendo la identidad nacional.

Igualmente se rinde homenaje a todos los estudiosos, investigadores y difusores del folklore y tradiciones culturales de los pueblos.

Con la celebración de esta efeméride se efectúa un sentido reconocimiento al arqueólogo británico William John Thoms, quien utilizó por primera vez este término en el año 1846. Thoms escribía artículos para una columna semanal titulada “Folk-Lore” en la revista británica The Athenaeum. Dicho neologismo expresaba el saber del pueblo, conjugando los términos folk (pueblo) y lore (saber).

¿Qué es el folklore?

El folklore, folclor o folclore se define como una expresión cultural que abarca las tradiciones, creencias, expresiones, leyendas y costumbres populares que son comunes de una cultura, subcultura o grupo social.

Proviene del inglés “folk” que significa pueblo y “lore” que significa acervo, saber o conocimiento.

Manifiesta el sentido de pertenencia, arraigo y acervo cultural de cada nación mediante aspectos tales como su música, bailes, celebraciones y muestras artesanales, formando parte del patrimonio material e inmaterial de los pueblos.

Se han determinado diversos criterios de referencia acerca del folklore, dado que no todas las manifestaciones populares pueden ser consideradas como folclor:

Expresiones del folklore

Las principales expresiones del folklore son las siguientes:

Cada país celebra este día mundial de diversas maneras, aunque la esencia es la misma: enaltecer y preservar las tradiciones y costumbres de cada pueblo y nación.

El día del folklore en Argentina

El 22 de agosto de 1960, más de un siglo después de que se creara el término, se realizó en Buenos Aires, el Primer Congreso Internacional de Folklore. Presidido por el prestigioso folklorólogo salteño Augusto Raúl Cortázar (primo de Julio Cortázar), el Congreso reunió a representantes de 30 países quienes instauraron el 22 de agosto como el Día del Folklore.

La celebración coincide con el nacimiento de Juan Bautista Ambrosetti (1865-1917), etnólogo, arqueólogo, historiador, proclamado el “padre de la ciencia folklórica argentina”, por ser un pionero en realizar trabajos de exploración arqueológica y dedicarse a estudios sistemáticos del folklore nacional.

En 1904, Ambrosetti fundó el Museo Etnográfico de la Universidad de Buenos Aires que lleva su nombre, desde donde estimuló investigaciones etnográficas y folklóricas para el conocimiento de las sociedades indígenas y criollas contemporáneas.

El folklore trata de tradiciones, de hechos sociales y estéticos, compartidos por la población y que suelen transmitirse de generación en generación. Habla de un saber popular e incluye los bailes, la música, las leyendas, los cuentos, las artesanías y las supersticiones de la cultura local, entre otras manifestaciones multidimensionales.

Augusto Raúl Cortazar dedicó su vida al estudio del folklore. Para él, el folklore es una palabra polivalente y tiene una doble acepción que remite al “saber del pueblo” y “lo que se sabe acerca del pueblo”; es decir, tanto a los fenómenos folklóricos como a la ciencia que los estudia. Para que un hecho reúna la esencia de lo folklórico debe cumplir con ser popular, tradicional, colectivo, oral, funcional, empírico y regional, describió Cortazar en Esquemas del folklore.

En la actualidad, el panorama musical folklórico argentino es amplísimo y recientemente cobró nuevo vigor, como quedó en evidencia, por ejemplo, en el especial organizado por Mex Urtizberea y Milo J titulado ¡Falklore!

NB

Cada 29 de mayo se celebra el Día Nacional del Folklorista y se recuerda la figura de Andrés Chazarreta, músico santiagueño que dejó huella en la música popular y es considerado el “patriarca” del folklore argentino.

Por su valioso aporte a la identidad cultural de nuestro país, en 2011 se instituyó la fecha de su natalicio como el Día Nacional del Folklorista, mediante la ley 26665.

¿Quién fue Andrés Chazarreta?

Andrés Avelino Chazarreta nació el 29 de mayo de 1876 en Santiago del Estero y fue el primer difusor de la música argentina y principal promotor del género que lo llevó por todo el país desde 1906 con su Conjunto de Arte Nativo, cuyo momento histórico fue la presentación en el Teatro Politeama, de Buenos Aires, el 16 de marzo de 1921.

“Fue docente, hombre de familia, ciudadano ejemplar y el primer folklorista autoproclamado y reconocido. Hoy, su vieja casona familiar en la capital santiagueña, es un museo folklórico que lleva su nombre”, apunta el sitio web de cultura.gob.ar.

Día Nacional del Folklorista. cultura.gob.ar.

Andrés Chazarreta: el folklorista que recopiló y difundió la música nativa de Argentina

Durante más de cincuenta años, Chazarreta recogió, versionó y grabó numerosas obras del cancionero popular del noroeste argentino. De este modo, evitó que estas canciones quedaran en el olvido y logró que trascendieran las fronteras de la región.

“En 1906 formó el Conjunto de Arte Nativo, compuesto por 30 personas, entre músicos y bailarines, con el que recorrió las provincias del norte. Quince años después, el 16 de marzo de 1921, la compañía realizó una histórica función en el Teatro Politeama de la Ciudad de Buenos Aires, con la que consiguió que, por primera vez, la música folclórica llamara la atención en la Capital Federal, hecho que se vio reflejado en las crónicas periodísticas de la época”, indica el sitio web de defensoria.org.ar.

A lo largo de su vida, Chazarreta registró 395 temas musicales en Sadaic. Entre piezas de su autoría y recopilaciones de obras tradicionales anónimas, se cuentan la “Zamba de Vargas”, “Siete de abril”, “Criollita santiagueña”, “La Telesita”, “El Kakuy” y “El Tucumano”. Y no solo eso, también se le debe la clasificación de gran parte de los estilos musicales folclóricos argentinos, como el escondido, el cuándo, el llanto, el pala pala, la refalosa, la remesura, los aires, el triunfo, entre otros.

MM

A Ferni de Gyldenfeldt todavía la rodea el humo que recortó su figura sobre el fondo negro del escenario, todo para ella. Camisa de blanco impoluto, corbata y corset negros, se acompañó con la caja ante unas 300 personas sumidas en silencio de misa para entonar palabras de Lorena Carpanchay, coplera trans salteña: “Ya vienen las maricas cantando la tonada/ ya vienen las mariposas derribando las miradas/ diaguita, también trava y no me van a derribar/ sus insultos, sus maltratos, me van a respetar”. Los aplausos son de familias, ajenas y propia, de niñas, niños, viejos, jóvenes, alguna referente política, desconocidos, artistas de renombre. Retumban en el corazón del barrio porteño del Abasto, en una de las fechas de la “Peña Arcoiris”, el proyecto que Ferni y un grupo de artistas llevan adelante para afirmar que también el mundo del folklore es disidente e inclusivo a la vez. La cascada de rulos atada en una colita, la barba impecable, ella sonríe; canta “mi oficio de cantora es tan poderoso que puedo hacer amar a los que odian”, acompañada con la guitarra de Nahuel Quipildor. Vuelve a acercarse al micrófono y agrega “ojalá”. Ahora, a los aplausos se suman algunas risas.

Es una fecha porteña, el piso es de cemento y las mesas -repletas- ocupan casi todo el espacio que no es escenario, algo que importará poco en unas dos horas, cuando la mayoría del público lo recorra bailando un carnavalito de la mano de LeGon Queen, casi dos metros de “gauche” drag ataviada como diabla de la puna. De ese momento, no se salvarán ni los técnicos de luz y sonido del lugar, ni el manager de Ferni, Jorge Nacer -histórico productor de folklore argentino-, que sucumbirán ante la bazooka de burbujas con la que LeGon se abrirá paso.

Pero todavía falta. La noche recién empieza, con los primeros acordes y una voz que también sonó (y sonará durante el verano) al aire libre, bajo cielos estrellados, en peñas y “patios”, esos espacios de encuentro y celebración colectiva propios del folklore fuera de las grandes ciudades. 

Otros mundos

A los 14 años pisó Jujuy por primera vez, como parte del intercambio anual de su colegio secundario (“el Liceo 9, educación pública”, suelta cada vez que tiene ocasión, y sigue una pequeña catarata de fervor). Descubrir un mundo a cuatro mil metros de altura habitado por chicas y chicos de su edad, escuchar otros sonidos y ver otros colores soltó algo en Ferni, que encontró “la puna, el silencio, la montaña, la quebrada”. “Fue muy importante ver otra forma de vida”, tanto que, veinte años después, ella, nacida y criada en Villa Urquiza, recorre el país con un cancionero folklórico disidente y amoroso, en un show pensado para incluir. En realidad es “música popular argentina”, dice, un término más amplio, que habla “de realidades, de cómo viven las personas”, que designa un repertorio musical y de prácticas artísticas tan extenso como el deseo de quienes lo ponen en práctica. Por algo, en una de sus interpretaciones, la de “Cantora de oficio”, que puede escucharse en plataformas de música, se permitió una digresión: “Nadie debe creer que los, las y les artistas vivimos en un mundo donde todo es escenario y fantasía. Les artistas somos hombres y mujeres, también somos travestis, trans, no binaries, maricas, tortas, bisexuales, identidades sexogenéricas visibles que ya sin ocultarnos más trajinamos las calles y sus días”. 

El comienzo fue tan sencillo -es sólo una manera de decir- como descubrir que su formación lírica y de conservatorio podía encontrar más de un lugar. Ferni todavía sigue despuntando el vicio de esa música con su hermana gemela -y trans y no binaria, como ella misma-, Luchi Gyldenfeldt, cantante de ópera barroca, en “Ópera queer”, un espectáculo lírico con perspectiva transfeminista. Pero la peña es otro territorio, uno propio y también -todavía- a conquistar. Dice “lo de Cosquín” como una clave, y cada tanto queda claro que fue un hito, que para ella hay un antes y después “de lo de Cosquín”, que empezó como un reclamo personal pero quedó como marca para quienes sigan ese camino. En diciembre de 2021, participó en la la audición del Pre-Cosquín, antesala del festival de folklore más tradicional y masivo de Argentina, en la categoría de “voz femenina”; el jurado la celebró pero también le dijo que, de acuerdo con la comisión organizadora, para subir al escenario de la plaza Próspero Molina debería identificarse como varón. Entonces se negó. Quería cantar pero no asumir una identidad que no la define. Fue al Inadi -el Instituto Nacional contra la Discriminación, la Xenofoina y el Raciosmo, creado en 1995 y disuelto, por decreto, en 2024-, planteó su caso, peleó la decisión de obligarla a elegir entre categorías binarias con las que no se reconoce. Y ganó. Resultó que el reglamento del evento no podía prevalecer por sobre una ley nacional vigente, la de Identidad de Género. Desde entonces, el festival de Cosquín abandonó las categorías “voz femenina” y “voz masculina” para establecer la de “solista vocal”. 

Para entonces, Ferni ya era la profesora de música “del Liceo 9, educación pública”, el mismo secundario en el que había sido estudiante, y concurría su lugar de trabajo “siendo una disidente, la profesora trans que cantaba Ópera queer. Ya era visible”. También había conocido “Brotecitos”, el cancionero travesti trans no binario nacido de talleres de las artistas y activistas Susy Shock y Javiera. 

Entonces, resume, “empecé a entender que también había lugar para la disidencia en el folklore, aunque todavía estaba fuerte el binarismo”. El mismo binarismo que su voz, su cuerpo y su terquedad pusieron en jaque en Cosquín.

Brillos y botas

El Patio del Indio Froilán late como un corazón en medio del monte, en el barrio Boca del Tigre, en Santiago del Estero. Es un espacio enorme de tierra, chañares, quebrachos y música que el luthier de bombos legüeros Froilán González abrió en 1997 y todavía convoca a cientos de personas cada semana. El lugar es sinónimo de fiesta, música, baile, y un escenario, el Carlos O. Saavedra, plantado sobre la propia tierra y al amparo de un árbol. Allí, una noche, después de bailar en un show en el que la Ferni cantó, a LeGon Queen se le acercó un señor. Ella llevaba botas corraleras, bombacha gaucha, brillos en la barba, maquillaje drag en el rostro, la cabeza refulgente y calva; el señor estaba algo achispado. “Me vino a increpar”, recuerda la bailarina. El diálogo empezó con “¿vos a quién representás?”.

—¿Cómo? -recuerda LeGon que respondió inicialmente, todavía sorprendida.

—¿A quién venís a representar vos? —insistió el hombre.

—A mí y a mis compañeras. A la gente del colectivo, de la diversidad.

—Mirá mi mano: estos callos son de trabajar. Vos tenés que ir a laburar, el país no se cambia haciendo estas boludeces.

“Me quedé, lo escuché”, recuerda LeGon, que agradeció el consejo y deseó buena suerte al espectador. Dice que el hombre se fue mascullando palabrotas, pero que el episodio no es excepcional, que la mayoría de esas situaciones ocurre en redes sociales o en la calle, como cuando va al festival de Cosquín y “se escucha el cuchicheo”. Y sin embargo con eso aprendió a lidiar. Básicamente, porque después transitar el camino que la llevó a hallar el personaje artístico que quería construir, y de mostrarse, por ejemplo, en prime time televisivo con su participación en el programa Got Talent Argentina (en el que llegó a cuartos de final), entiende que la visibilidad no es sólo recibir eso. Hay algo, mucho, más.

Nació y se crió en Esperanza, histórico pueblo santafesino de lo que se conoce como “pampa gringa”; hoy viven allí alrededor de cincuenta mil personas. Empezó a estudiar danza folklórica a los 10 años, después de deslumbrarse con un ballet y ver bajo el escenario, a su lado, a “la profesora de este ballet con su trenza negra azabache, larga hasta la cintura, que le colgaba por el costado del hombro, lentes negros, boca roja”. Estudió con ella, Ana María Anconetani (“una de esas personas que tienen un ángel, te contagian y acompañan en la vida”), desde entonces hasta los 25 años. Cursó profesorado de danzas, fue carpintero, llegó a Buenos Aires con 28 años. Siempre amó el folklore, y siempre supo que su identidad estaba en el territorio queer. “Hasta los 25 siempre fui un puto tapado. Soy uno de los casos de las maricas que no nos podemos encontrar en el pueblo y nos vamos a las ciudades grandes. Queda por ahí un resabio de eso, como que de esas cosas no se hablan, porque por ahí en el círculo social de allí no se encuentran amistades o personas afines para compartir o tener ideas” y entonces hay que migrar para encontrarse. En la ciudad todo era nuevo. Mientras cursaba danzas folklóricas en la Universidad Nacional de las Artes (UNA), trabajó en un locutorio, en una librería con bar, en un café concert. Alguna vez participó en el ballet de uno de sus docentes de UNA, aunque “siempre respetando los patrones binarios de las estructuras folclóricas” y al mismo tiempo tenía “cierta incógnita”, porque “de chiquito sabía que era maricón, y siempre pensaba en cómo hacía un gaucho si era maricón como yo, qué pasaba”. 

Dictaba clases de malambo cuando una alumna le pidió ayuda: tenía que actuar en una fiesta y necesitaba reemplazar a un bailarín que a último momento había desertado. La misión era bailar una chacarera alrededor de una drag queen. LeGon dijo que sí, pero no reveló que ignoraba por completo qué quería decir “drag queen”. “Cuando llegó el día y vi eso, quedé enloquecida. Era una fecha de agosto, conmemoración en homenaje a San Martín. Estaban todas montadas como próceres pero a lo drag: estaba la San Martín, la Juana Azurduy, la Belgrano. Bailé, la pasé genial, y empecé a formar parte de estas fiestas y a hacer performances”, pero sin hacer todavía el click. La ocasión llegó meses después, aunque cuando apenas empezó a indagar en esa estética (“al principio, replicando estereotipos”) y ese arte llegó la pandemia de covid-19 y con ella, el aislamiento, que terminó siendo ocasión de aprender, tutoriales y videos de por medio, mientras la vida pública quedaba en suspenso. Al tiempo, otra vez una oportunidad en forma de invitación: ¿querría participar de un número musical en una fiesta? Podía ir como quisiera. 

“Fue el detonante”, recuerda, y enumera qué eligió: “la bombacha con la que bailé toda la vida, corset, blusa de paisana, cinturón de gaucho pero le saqué la rastra para usarla de gargantilla; me fui pelada, solo con el sombrero y ninguna peluca”. Al verla llegar, con ese look y sus casi dos metros de altura, le propusieron bailar sola en medio de la gente, convertirse en referencia de la velada. Le gustó tanto que el resto es historia. O mejor dicho, indagación, investigación y aprendizaje.

Al salir de lo binario y entrar con esa propuesta a su territorio de toda la vida, el folklore, encontró el camino que buscaba. “Empecé a sentirme más auténtica como drag rompiendo este binarismo del gaucho, esta cuestión tan marcada de un gaucho que lo convertí en un gaucho marica”, algo que “algunas personas interpretan como una falta de respeto”, pero otras no. Hay un ejemplo reciente. Hace poco, dice LeGon, “me escribió por redes un chico de Tandil diciéndome que es peón de campo, y que la vida de una marica en el campo no es fácil, pero que al verme se animó a explorar y a poder sentirse más libre. Yo lo leía y no lo podía creer. Leía y me largaba a llorar. Le respondí ‘con esto me pagaste de por vida lo que estoy haciendo’. A veces, una tiene en su cabeza la idea de que quiere llegar a determinados lugares, pero no dimensionás lo que podés hacer por otras personas. Entonces le dije también: ‘soy yo la agradecida, me permitiste llegar a vos’”.

La disidencia amorosa

Un día, LeGon caminaba por la calle Riobamba, en la zona del Congreso, y vio a través de una vidriera a las hermanas Gyldenfeldt; hacían “Ópera queer”. Todavía no se conocían; LeGon recuerda que pensó “que copadas” y siguió su camino. Las tres ataron cabos y vidas tiempo después, porque hoy la drag y la cantante lírica volcada a la música popular son “amichas”.

La Peña Arcoiris, además de encontrarlas en la Ciudad de Buenos Aires, las lleva por distintos puntos del país, con invitadas e invitados locales y músicas y músicos de todos los repertorios posibles.

Sintieron la necesidad, explica Ferni. Era clave “mover estas propuestas de forma federal. Empezar a hacer patios arcoíris. Que no sólo sea como 'la propuesta de la Ferni’, sino de varias artistas, varios artistas, en patios de tierra y demás”, y allí están ahora: en Jujuy, Córdoba, para federalizar “propuestas de folklore disidente y amoroso”. También, en los planes inminentes figura una pequeña gira europea. Ferni agrega que es “necesario”.

—¿Por qué?

—Porque es necesario descentralizar, llevar estos discursos, estas formas distintas de pensar y vivir a lugares donde todavía falta la información, los recursos para pensarlo. Y es necesario pensarlo en nuestras tradiciones. Estamos viviendo un momento de retroceso de los derechos humanos, los discursos de odio pueden instalarse, hay clima de rispidez. Y todo esto, sobre todo, afecta a mujeres y disidencias. Nos afecta en carne propia. Nuestra batalla cultural es llevar un patio en forma artística, amorosa, no violenta, sino creativa. Nuestra batalla cultural es estética, con belleza, poesía, música, con mensajes de amor y respeto. Son peñas amorosas donde hay lugar para todo el mundo, porque finalmente es el camino que queremos: no un ghetto sino espacios de construcción amorosa que incluyan a todas las personas.

SV

Cada 22 de agosto se conmemora el Día Mundial del Folklore y, en paralelo, el Día del Folklore Argentino. Fue el arqueólogo inglés William John Thoms quien usó por primera vez la palabra “folklore”, el 22 de agosto de 1846, en un escrito publicado en la revista The Athenaeum de Londres. El concepto deriva de “folk” (pueblo, gente, raza) y de “lore” (saber, ciencia), y se conjuga como el “saber popular”.

Thoms lo usó para referirse a la literatura popular y la UNESCO lo formalizó en 1960, eligiendo esa fecha como el Día del Folklore en todo el planeta.

Si bien la palabra puede aparecer escrita como “folcklore”, “folclore” o “folklore”, la Real Academia Española optó por utilizar “folclore”. Sin embargo, en el uso más generalizado aparece más “folklore”.

El 22 de agosto de 1960, más de un siglo después de que se creara el término, se realizó en Buenos Aires, el Primer Congreso Internacional de Folklore. Presidido por el prestigioso folklorólogo salteño Augusto Raúl Cortázar (primo de Julio Cortázar), el Congreso reunió a representantes de 30 países quienes instauraron el 22 de agosto como el Día del Folklore.

La celebración coincide con el nacimiento de Juan Bautista Ambrosetti (1865-1917), etnólogo, arqueólogo, historiador, proclamado el “padre de la ciencia folklórica argentina”, por ser un pionero en realizar trabajos de exploración arqueológica y dedicarse a estudios sistemáticos del folklore nacional.

En 1904, Ambrosetti fundó el Museo Etnográfico de la Universidad de Buenos Aires que lleva su nombre, desde donde estimuló investigaciones etnográficas y folklóricas para el conocimiento de las sociedades indígenas y criollas contemporáneas.

El folklore trata de tradiciones, de hechos sociales y estéticos, compartidos por la población y que suelen transmitirse de generación en generación. Habla de un saber popular e incluye los bailes, la música, las leyendas, los cuentos, las artesanías y las supersticiones de la cultura local, entre otras manifestaciones multidimensionales.

Augusto Raúl Cortazar dedicó su vida al estudio del folklore. Para él, el folklore es una palabra polivalente y tiene una doble acepción que remite al “saber del pueblo” y “lo que se sabe acerca del pueblo”; es decir, tanto a los fenómenos folklóricos como a la ciencia que los estudia. Para que un hecho reúna la esencia de lo folklórico debe cumplir con ser popular, tradicional, colectivo, oral, funcional, empírico y regional, describió Cortazar en Esquemas del folklore.

CRM

Victoria Birchner jugaba de chica a que cantaba en el Festival de Cosquín. Este año el juego se volvió realidad y allí estuvo en el escenario Atahualpa Yupanqui este enero, con su familia en primera fila. El camino hasta ese hito en su carrera comenzó en Córdoba, siguió en Rafaela, pasó por Rosario y recaló finalmente en Buenos Aires.

La cantora santafesina vive desde hace algunos años en la capital del país junto a su pareja, el armonicista Franco Luciani, y Arandú, el hijo que tienen en común. Viene desarrollando una carrera firme, con dos discos publicados, y muchas redes tejidas con sus pares. Y es que a Victoria le gusta compartir la música.

Por eso es que ahora presenta la segunda edición del ciclo Miércoles de Victoria en el Club Social Cambalache de San Telmo (14 y 28 de agosto), en la que compartirá canciones con otros artistas como Sandra Mihanovich, Cucuza Castiello y Daniel Maza con el fin de brindar un abrazo en tiempos turbulentos.

En la edición anterior del ciclo invitó, entre otros, a Juan Falú, Luciana Jury, La Bruja Salguero, Marcelo Dellamea y Maggie Cullen.

También los singles que lanzó en los últimos meses dan cuenta de esta vocación de Birchner de querer hacer música en compañía: grabó con la colombiana Marta Gómez, con Mihanovich y con Lula Bertoldi, por ejemplo.

—¿Cómo llegó a vos la música de raíz?

—Era la música que escuchaban mis padres en mi casa, que no son músicos, pero siempre consumieron mucha música nacional: folklore y rock nacional. Todo el día estaba la radio prendida con música nacional y esa es la música con la que yo jugaba de fondo. Mis viejos eran re jóvenes cuando me tuvieron. Eran estudiantes. Tenían 20 años. Y la música estuvo siempre. Y además yo pasé los primeros años de mi vida, hasta los siete, ocho años en Córdoba capital y mi familia seguía muy de cerca el Festival de Cosquín. Así que todos los eneros por la tele era ver el festival. Era la música que sonaba en casa. Y de repente yo jugaba a un montón de cosas y entre ellas jugaba a ser cantante y cantaba la música que conocía, que era esa, nuestra música nacional. Llegó de una manera muy natural. Era el sonido ambiente de mi infancia y se convirtió en mi juego también. Y después, muchos años después, en mi profesión.

—¿Y cuándo te diste cuenta que ibas a ser cantante?

—Empecé a estudiar canto en una escuela de música popular de mi ciudad, allá en Rafaela, cuando tenía 14 años. Tengo re lindos recuerdos de eso, porque fueron tres años de escuela donde yo iba al colegio y después tenía tres o cuatro veces por semana escuela de música. Y cuando terminaron esos tres años era lo que quería seguir haciendo. Y me quedaba un año para terminar la secundaria. Ahí en Rafaela ya empecé a cantar, tuve mi primer proyecto profesional y después ya me fui a Rosario a seguir estudiando música. Y ahí conocí el mundo del canto lírico, que era algo totalmente nuevo para mí. Pero siento que todo se dio de una manera muy natural. Una sensación como que tenía que ser así. De hecho, en algunos momentos de crisis, se me cruzó por la cabeza pensar: bueno, me dedico a otra cosa. Pero esto es lo mío. Esto es lo que quiero hacer. Esto es lo que sé y lo que quiero seguir aprendiendo. Así que se dio de manera natural. Empezó como el sonido ambiente, siguió como el juego y, finalmente, es la vida misma para mí.

—¿Y te viniste a Buenos Aires porque es donde suceden las cosas dentro del mundo de la música o fue culpa de Franco? (risas)

—Fue un proyecto del amor. Estuve en Rosario ocho años. Ahí grabé mi primer disco. Ahí empecé a tocar mucho más y después nos pusimos en pareja con Franco, estuvimos dos años a distancia y después decidimos que queríamos vivir juntos. Yo era súper consciente de que en Buenos Aires hay un montón de cosas y un montón de personas, lugares, música por todos lados y nunca había descartado la posibilidad de venir, si bien no era un plan a corto plazo. Y, bueno, se dio así y fue hermoso. No sabía si me iba a gustar vivir en Buenos Aires, pero me encanta.

—¿Y cómo influyó en tu carrera el hecho de estar conviviendo con una persona tan inquieta y ávida de música como Franco Luciani?

—El día a día es un torbellino. Entre la música que sucede, el compartirnos los proyectos, mostrarnos cosas, ensayos, la crianza. No hay un día de paz, digamos, en el mejor de los sentidos. Pero nosotros con Franco somos muy compañeros y eso para mí es algo hermoso que construimos, que fue así nuestra relación siempre. Él tiene proyectos nuevos, me cuenta las ideas, me comparte, me hace escuchar sus canciones cuando las está haciendo y yo lo mismo con él. Y eso es hermoso porque la vida cotidiana de esta profesión no es como la de la persona que trabaja en una oficina o en un comercio. Y nosotros nos entendemos. Por supuesto que hay momentos más sencillos, otros más complejos, pero creo que nos complementamos muy bien y disfrutamos de estar juntos y de compartirnos las cosas profesionales y personales: los miedos y las ilusiones y los deseos. Y la casa es un sonar constante. Si no es por la armónica, es por la vocalización de algún alumno o por Arandú que está jugando. Silencio no hay.

—Y el ciclo que estás presentando este mes inicia su segunda edición. ¿Cómo se te ocurrió armar algo en este formato?

—Fue la necesidad de compartir y la búsqueda constante del disfrute que a veces pareciera que la olvidamos en lo cotidiano con las preocupaciones, el contexto nacional, mundial. Y me niego a que el día a día, que la vida sea solo eso. Lo hice por necesidad. Cuando uno necesita un abrazo, si lo va a dar, lo está recibiendo. El ciclo es este abrazo que yo necesito y salgo a darlo para también recibir. Y siento que a todos nos viene bien ese abrazo. Es el recordatorio de que aunque sea un pequeño disfrute cotidiano tenemos que tener. Entonces lo busqué en este ciclo. Por eso los invitados. Y con canciones distintas cada vez. Las canciones están siempre para todo. Hay días que uno puede pensar con todo lo que está pasando, ¿qué hace una canción? Bueno, una canción puede por un momento hacerte sentir bien si no estás bien, puede hacerte reflexionar y hacerte pensar sobre algo que está pasando, puede distraerte por un momento y eso también es necesario. Todo eso que es la música y los encuentros con personas reales. Después de la pandemia quedamos mucho con lo virtual, y está buenísimo, obvio, lo aprovechamos, pero yo por lo menos en lo personal estaba necesitando mucho del encuentro real, de poder mirarnos a los ojos, abrazarnos, decirnos algo, entendernos con las miradas. Me van a estar acompañando mis músicos: Julieta Lizzoli en piano y José Torelli en guitarra. Este trabajo en equipo también lo hago porque tengo un equipo que apoya este proyecto y que también tiene ganas del encuentro. Con este ciclo, solo busco el disfrute y el encuentro. Eso para mí es lo más importante. Después hay otros proyectos y otras cosas, pero en este caso busco eso y el compartir con personas que admiro.

—Contame sobre los invitados de esta edición.

—En la primera fecha va a estar Sandra Mihanovich, que ya grabamos una canción con ella que fue hermoso. Ahora vamos a compartir en vivo. Y va a estar Pablo Farhat, un tremendo violinista, y Juampi Di Leone con la flauta y la armónica. Con ellos no compartí nunca. Va a ser la primera vez. En la otra fecha van a estar Cucuza Castiello, Daniel Maza y Sonia Álvarez, que es arpista. Estoy muy ilusionada con compartir con cada uno de ellos. Es como mantener la llama de la ilusión constantemente.

—¿Y el repertorio de cada vez lo vas eligiendo con los artistas?

—Cuando pensé en este ciclo, como pensé en esto del disfrute y el encuentro, pensé mucho en cantar canciones que a lo mejor hacía mucho que no cantaba, de las primeras canciones que canté en mi vida, y salirme un poquito del repertorio solamente del último disco, que era lo que veníamos haciendo. Sigo buscando un poco eso. Hay clásicos recontra clásicos del folklore y de la música nacional en general. Hay canciones nuevas. Y después con los invitados nos vamos poniendo de acuerdo y eso es hermoso. La charla previa para ver qué queremos compartir y empezar a a imaginarlo y que después suceda. Es mágico ese diálogo.

—Y hablabas de otros proyectos.

—Hay mucho de trabajo puertas para adentro antes de que algo salga hacia afuera. Y esa etapa particularmente a mí me encanta, la de la escucha, la de anotar cosas, escribir. Y ahora estamos trabajando puertas adentro. A ver qué vamos a grabar. Tengo muchas ganas de grabar con la banda completa. La banda es Julieta y José, pero también está Mariano Risso en la percusión y Guido Martínez en el bajo. Estamos con muchas ganas de grabar. A mí me gusta pensar mucho qué se graba. Y yo vengo sacando una serie de sencillos en colaboración con otros artistas. Eso sigue. Siempre estoy buscando compartir. Me encanta. Y también estamos planificando grabar algunos videos. Todo por ahora muy puertas adentro, mucho cuaderno, mucha escritura. Y también algo que es totalmente nuevo para mí es que estoy empezando a escribir. Así que en breve, seguramente, saldrá alguna canción nueva que para mí es un juego y estoy disfrutando mucho. Estoy escribiendo la letra y la música es de Julieta Lizzoli. En breve saldrá.

—¿Cómo estás viviendo este momento complejo que está atravesando el país? ¿Cómo están tus colegas músicos? ¿Qué podemos hacer?

—Cada uno desde desde su lugar, con lo que sabe y con lo que es. Siempre algo podemos hacer. Nadie es dueño de la verdad, pero hay cosas que son innegables y que no están bien. Hay mucha preocupación, mucho malestar. Hay personas que la están pasando muy mal. En nuestro ambiente las cosas están muy difíciles. Y por supuesto que pasan cosas que son mucho más graves, hay personas que la están pasando mucho peor. Nosotros somos conscientes de eso. Es un tema de charla constante, porque nosotros hacemos música y yo hago este ciclo ahora justamente para encontrarnos y disfrutar, pero también la realidad es que los músicos somos trabajadores. Y un concierto que para la persona que va es un momento de distensión, para nosotros también es un trabajo. Entonces siempre estamos tratando de pensar qué podemos hacer. Yo creo mucho en la palabra, pero también creo mucho en la canción. Cada uno desde su lugar puede hacer un poco más o un poco menos. Nosotros somos ciudadanos, no somos políticos. Hay decisiones que no podemos tomar. Pero podemos acompañarnos, podemos conversar entre nosotros. Podemos cantar canciones que nos hagan pensar. Y podemos, fundamentalmente, tratar de que la vida del de al lado no empeore con nuestra presencia. Si se la podemos mejorar un poquito, aunque sea cinco minutos, genial. Creo que es momento de eso, del abrazo, incluso en las diferencias, si se puede. Es difícil porque hay muchas preocupaciones. Pero creo en sumar desde el amor, el buen trato. Porque ya hay mucho que está pasando. No echar más leña al fuego, sino la contención, el acompañamiento, la charla. Y cuidarnos y cuidar al otro. Pienso en estos espacios, salir una noche a un concierto, compartirlo con una persona que querés, sea un amigo, una pareja, un compañero de trabajo. Es una hora de abrazo. Insisto en el abrazo, porque siento que de verdad lo necesitamos. Entre la virtualidad y las diferencias hemos perdido mucho eso de acompañarnos y de entender al otro, de ponernos en el lugar del otro. Y por ahí no podemos entendernos todos. Hay cosas que yo no las entiendo, no voy a querer entender todo, pero puedo acompañar y no sumar más malestar, sino todo lo contrario. Es un ejercicio. Por ahí no sale así como naturalmente. Pero es un ejercicio.

—Decías que tu familia miraba mucho el Festival de Cosquín y ahora vos estás en Cosquín. ¿Qué le pasa a tu familia con eso?

—Es una emoción tan grande que se sale del cuerpo y yo lo vivo con ellos porque ellos me acompañaron siempre. Ellos me han llevado a distintas localidades a participar del Pre Cosquín para que cante una canción. Y entonces cargábamos el auto y nos íbamos todos porque yo tenía que cantar una canción para competir. Es un acompañamiento incondicional y de disfrute familiar, porque la música y Cosquín puntualmente, en mi caso y creo que en el caso de todas las personas que viven en Cosquín todos los años, representa el encuentro y el disfrute en familia, entre amigos. Es una cosa hermosa lo que sucede en Cosquín, tanto durante el Pre Cosquín como en el festival mismo. Y eso se ve en las calles. Y así lo viví desde la primera vez que participé en un certamen de Pre Cosquín. Hemos ido a Cosquín a que cante una sola canción para competir y eso, hoy que soy madre, lo pienso y digo 'yo también lo haría', pero también sé el esfuerzo que representa. Este sueño de estar en Cosquín lo tengo desde chica. Entonces este verano vivimos un comienzo de año muy intenso emocionalmente, con toda mi familia. Fueron todos. Mis abuelos, mis amigos, estaban ahí en primera fila. Yo estaba cantando y estaban ellos, con mi hijo, mis hermanos. Y fue hermoso. Y veo la transmisión y es muy raro poder verme desde afuera y decir: esa soy yo y era lo que yo quería y era lo que yo jugaba. Y eso para mí es un privilegio y representa una emoción inmensa que todavía me cuesta ponerle palabras. Fue una cosa mágica que disfruté desde el primer segundo hasta el último. Un sueño cumplido.

“Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

CRM

Se habla mucho del compromiso político de los artistas. Que si deben pronunciarse o no. Que si antes lo hacían más que ahora. La Ferni directamente nació a la vida artística comprometida. Su desembarco en la música de raíz fue revolucionario desde el principio. Pero no solo por la conocida historia de su participación en el Pre Cosquín, donde no la dejaron presentarse en la categoría de solista vocal femenina por ser una cantante trans no binaria, pero luego -intervención del extinto INADI de por medio- cambiaron el reglamento para que solo exista la categoría de solista vocal, sin distinción de género. La Ferni revolucionó y revoluciona el folklore también porque resignifica clásicos para hacerlos inclusivos y porque su repertorio incluye un cancionero nuevo de autores diversos que se abren paso en el panorama actual.

Desde la última vez que charló con este medio, muchas cosas pasaron en la vida de esta artista. Su proyecto trascendió, creció como intérprete y se convirtió en referente para muchos otros artistas a los que aún les cuesta lograr visibilidad. Pero no solo a nivel artístico. La Ferni es de las primeras en levantarse ante las injusticia, como hizo el año pasado cuando organizó junto a otres un festival en apoyo a la lucha del pueblo jujeño en el Parque Lezama. Fue de las primeras también en denunciar el aumento de los discursos de odio en las redes cuando se confirmaba el triunfo del libertario Javier Milei en las elecciones.

De vivir, trabajar y crear en la era Milei y de sus proyectos charlamos en esta entrevista.

—¿Cómo estás llevando todos estos cambios que han ocurrido y que afectan tanto al quehacer cultural?

—Difícil, con autogestión. Desde acá en casa armar mi estudio para dar clases de canto. Me estoy desempeñando como profe particular de canto en este momento, por suerte con muchos horarios, con muchos, muchas, muches alumnes. También tengo la posibilidad de seguir cantando, inventar cosas, seguir imaginando encuentros, siempre con ese motivo urgente que es el abrazo, la canción, el encuentro que estamos necesitando. Es todo muy laborioso, muy cuesta arriba. Pero a la vez cuando ocurren las cosas es muy satisfactorio. Porque es un momento muy oscuro, muy terrible a nivel país, a nivel cultura, a nivel políticas de Estado, a nivel de vaciamiento, despidos, represión. Entonces estamos ahí, llevándola, abrazadita a la música, a mi familia, mi red en este momento tan complejo. Por suerte tenemos el arte, ¿no? Decimos y es verdad, no es solamente una frase, que por suerte están esos momentos donde podemos ser en comunidad, bailar, cantar, ser felices, intentar conectarnos con otra cosa, algo que nos haga emocionar, que nos conmueva, que nos haga pensar. Esa es un poco nuestra tarea.

—A la vez, en este tiempo se fue consolidando tu proyecto, viajaste por el país. ¿Sentís que ya el mundo del folklore, de la música de raíz, te abrió las puertas y está todo bien o todavía hay por ahí alguna nariz fruncida cada tanto?

—Siento que se van abriendo muchas puertas. Por la voluntad, el tesón, el empecinamiento de una de seguir habitando esos espacios, de seguir llevando de esta forma sincera una propuesta, un folklore respetuoso, arcoíris, que hable de la poesía, del respeto, desde la multiplicidad de identidades que conforman esta sociedad desde un lugar amoroso. Mucha gente va acercándose, va escuchando este mensaje y eso es algo hermoso. Yo creo que la gente va abriendo esas puertas, el pueblo, el público que se acerca y va pidiendo que una esté, va llenando las salas, ocupando las butacas. Hay una respuesta in crescendo aún en este momento. Sí observo que algo de eso está pasando. Me miro, me fijo dónde estaba el año anterior y digo ¡wow!. Ahora estamos haciendo en breves días El patio disidente de la Ferni en Santiago del Estero, algo que ya veníamos haciendo en Cosquín. Vamos a repetir el Patio Arcoíris en medio del cumple de la abuela Carabajal en Santiago del Estero. Tenemos ahora la fecha en el CAFF, el 9 de agosto, que es un lugar en el cual, parece pavada, pero no es menor para una, desde el arte autogestivo, entra más del doble de la gente que metíamos el año pasado. Entonces una observa que de repente puede animarse de a poco a cantar en otros escenarios. Puede llevar esta propuesta como la estamos llevando de vuelta en marzo de este año a Córdoba y Rosario y que pueda acercarse mucha gente, viajar como estuve en Tanti, en Icho Cruz, empezar a recorrer el Gran Buenos Aires, haber estado en Berazategui, en Vicente López, en Munro, haber ido varias veces este año a La Plata. Estas son las puertas que se van abriendo. Pero los trolls de las redes no han muerto, están presentes. Y hay muchos comentarios de odio. Y también me parece que a veces esos comentarios, saber que esa gente existe, condicionan un poco a algunos programadores, que no se animan todavía a convocar a alguna artista, algún artista trans no binarie en algún festival. Esas cosas todavía ocurren, pero me parece que muy prontito se van a dar vuelta. Porque este mensaje, estas propuestas son de mucha calidad, también de mucha humanidad.

—Contame de la fecha en el CAFF.

—Va a ser un show largo, importante, como fue el de abril, con full banda. En esta oportunidad Pacho Barroso en guitarra, Nicolás Rey en percusión, Marce Vicente en violonchelo, va a estar bailando LeGon Queen, mi amiga drag, va a estar performateando y después tres invitades sorpresa increíbles. Te puedo decir que una es una persona muy cercana a mí, con la cual también hago un espectáculo llamado Ópera Queer (NdR: Luchi de Gyldenfeldt, su hermana gemela). Y la otra es una gran, enorme cantora que admiro muchísimo. Y el otro invitado, un enorme pianista. Estamos muy, muy felices de que la fecha pueda ser también no solamente un recital, sino una peña, que fue lo que nos propusimos en abril y que salió hermosamente. Estoy muy feliz de estar repitiendo un evento así, que fusiona recital con fiesta con peña, en donde hacemos un repertorio nuevo, también hay un equipo de vestuario, de maquillaje, está toda la puesta de luces del CAFF. Son fechas muy producidas. Esta es la segunda de tres este año. La última será en diciembre. Estamos con toda esta ansia de encontrarnos, juntarnos, poder abrazarnos, bailar, cantar juntes, hacer esa catarsis tan importante, tan necesaria con la música. Teresa (Parodi) dice “la canción es urgente”. El encuentro es urgente, digo yo también. El encuentro, la canción, el abrazo es urgente. Y a eso les invitamos.

—¿Cómo elegís el repertorio?

—Investigo. Ahora estoy justamente investigando. Va a haber un reversión de clásicos en la fecha del 9. Seguramente cante por primera vez algo del repertorio de Raly Barrionuevo. Obviamente cantaremos a Susy Shock, a Atahualpa Yupanqui. Cantaremos a Teresa Parodi. Y ahí el repertorio aparece también por lo que una quiere decir, la necesidad de contar y de transmitir, hacer un comentario, alguna crítica, un tipo de aporte a lo que estamos viviendo como sociedad. Y luego también hay todo el tiempo un necesitar sacar para afuera y compartir con otros, con otras, con otres, convertir en canción algo del mundo interno, de la emoción de lo que una está viviendo en carne propia, desde lo emocional, desde las distintas patas que tiene nuestra existencia. También algo de eso siempre va condicionando qué se decide cantar, qué hace falta canalizar también desde la voz, qué nos es urgente y también transformar en canción para que no quede adentro. “Hay que sacarlo todo afuera, como la primavera”, dice Piero. “Nadie quiere que adentro algo se muera”. Bueno, la necesidad de que no quede con una la pena y sacarla afuera.

—Hace un año estabas trabajando en un disco. Salió un EP. ¿Cómo sigue ese proyecto?

—Ese EP salió, ese disco en vivo con Nahuel Quipildor. Son ocho canciones que se grabaron en vivo con público el año pasado en el estudio de Palta. Pero también siempre seguimos pensando qué más hacer. Ahí estamos con Nahuel. En este momento está paternando muy recientemente. Por eso no va a estar el viernes. Estamos pensando de a poquito en qué repertorio, de qué manera, con qué formato grabar algo de lo que venimos cantando en el último tiempo, que también empieza a fusionar y empieza a tener obras no solamente del repertorio del cancionero folklórico, sino de rock nacional, canciones propias. Ahí estamos con estas ganas y con los malabares de todos los días como todo el mundo en este presente tan complicado, donde de repente también grabar tiene su posibilidad concreta de realizarse si hay un amigo que nos presta un estudio. Porque si no es todo muy cuesta arriba y no alcanza el dinero.

—El año pasado te pusiste al frente del Festival para Jujuy. ¿Sentís que ahora los artistas están desmovilizados y demasiado golpeados para armar ese tipo de cosas?

—Siento que estamos todos muy desmotivados, desmotivadas, desmotivades. Hay un adormecimiento social que se observa, que está muy presente, muy latente. Y que no se va. Pasan los meses y no se va. Sigue ahí. Entonces me gustaría pensarnos y pensar la actividad musical como pensar a toda la sociedad en general en un movimiento activo del cual también puedan surgir respuestas concretas, candidatos concretos, proyectos concretos superadores. Mas pasa el tiempo y este letargo se vuelve agonía. Entonces sí siento que en el movimiento de artistas estamos todes también intentando atender nuestra economía, nuestro bolsillo. Entiendo mucho que desde lo que hacemos, de lo que cantamos, también contribuimos a que podamos pensar otro país, otra sociedad. Porque es realmente revolucionaria esta tarea, como es revolucionaria la tarea docente, como es revolucionaria toda actividad que involucre a otra persona y cuidar esa otredad, contemplarla y buscar aportarle una mejoría en su vida. Ojalá pronto sea inminente e imperiosa la necesidad de empezar a construir otro relato de esto que está pasando. Porque todavía hay muchas personas que le apuestan a esto y esto es lo difícil en la batalla cultural. Porque si tenés gran parte de la población que todavía confía y ciegamente, totalmente ciegamente, porque no están viendo, no están pudiendo comprender o no están pudiendo observar con claridad que todo lo que está pasando va en deterioro de la soberanía de nuestro país, de nuestra economía particular y social, de los recursos naturales de nuestra tierra, de nuestra cultura, de nuestra identidad nacional, es muy difícil dar esa batalla cultural. Incluso ponerte a discutir o a charlar, reflexionar, debatir con alguien que no tiene idea de lo que está pasando, porque mucha gente no tuvo idea que se aprobó la ley de Bases, no tiene idea lo que está pasando en las instituciones públicas, no tiene idea la implicancia que tiene que se despida gente todo el tiempo. Porque estuvo muy instalado el tema de que los que trabajaban en el Estado eran ñoquis, eran sanguijuelas, que vivían con la plata de uno. Entonces eso que instalaron, ese odio, que en realidad es el odio de pobres contra pobres, es el odio de trabajador contra trabajador, trabajadora, eso es difícil de desmantelar y es lo que tenemos que empezar a hacer ahora.

—Pero tengo entendido que en ese sentido con Ópera Queer, la obra que presentás con tu hermana, las cosas van muy bien.

—Con Ópera Queer está pasando algo muy interesante. Decidimos por primera vez este año hacer temporada mensual en Dumont 4040, que es una sala que si bien no está en calle Corrientes, no es una sala under. Es una sala de un teatro oficial. Y está pasando que se está llenando. Y es un público que no sabemos a ciencia cierta si votó, a quién votó. Y aparte una tiene ya hoy en día esa inquietud de, bueno, entrás a un lugar, hay 100 personas, sabés que 60 votaron a Milei. O sea, no es tan así, pero un poco es así. En el espectáculo de Ópera Queer nosotras somos muy políticas, pero no partidarias. Bajamos línea, pero siempre de forma amorosa y cuidada. Y nos ocurre que la gente se pone de pie siempre y nos espera a la salida para saludarnos. Y gente que está pensando qué comer, no si come o no come. Y nos abrazan. No nos dicen nada de algunas cosas políticas, pero nos esperan al final y nos saludan, nos dan un beso, nos abrazan fuerte. “Gracias por su mensaje”. Entonces esta es la batalla cultural que hay que dar. Yo creo que muchas personas que votaron a Milei, a este gobierno actual, no odian en realidad, solamente que están muy enojadas. Pero no odian a la otra persona. Odiaron situaciones que pasaron y también les lavaron mucho el cerebro. Hubo algo de estas redes sociales, de la manipulación de la data, que generó ciertamente una distorsión y se perdió ese sentido de humanidad, ese sentido de empatía, ese sentido de ser parte todos, todas, todes de una misma sociedad. Entonces ahí es cuando digo: qué importante que es para mí en este momento poder conmover y desde la conmoción, poder transmitir un mensaje. Esto creo que es lo importante y le gana por lejos a Milei. Estoy segura.

—De acá al año que viene, ¿qué soñás? ¿Qué proyectos tenés?

—Me gustaría poder sentir que esta propuesta de esta peña de La Ferni, esta Peña Arcoíris, pueda seguir creciendo. Y así como este año fue en un lugar grande tres fechas, capaz, quién te dice, soñar el año que viene con hacer una peña bimensual, con bandas invitadas, con artistas invitades en un espacio incluso un poco más grande. Hacer la peña de La Ferni y que se instale un poco también una Peña Arcoíris en Capital Federal, en principio. Seguir viajando. Hay muchas ganas, mucha intención de seguir recorriendo tanto con Ópera Queer como con esta propuesta de folklore, algún país de Latinoamérica y, por qué no, también de recorrer algo de Europa, sobre todo España. Estamos proyectando cositas ahí. Hay mucha gente que ya nos está esperando. Y, quién te dice, poder tener la posibilidad de materializar otro trabajo discográfico más armadito, de estudio. Y me encantaría poder cantar en algún festival también, en enero, en febrero, los festivales del país. Siempre va a ser un pendiente para mí cantar en Cosquín. Y siempre llega enero y yo voy a decir: ¿por qué no estoy ahí? Ojalá. Quién te dice en el 2025. Ojalá yo, algune, otre podamos ocupar y seguir visibilizando en esos lugares de tanta importancia algo de nuestra propuesta.

“Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

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La cantora riojana La Bruja Salguero tiene disco nuevo y lo presentará en vivo este sábado 13 de julio en La Trastienda. Mujer de albahaca contiene diez canciones, entre clásicos y temas nuevos, y cuenta con invitados como Lito Vitale, Lisandro Aristimuño, Enrique Espinosa, Lula Bertoldi y Raly Barrionuevo.

Se trata del noveno disco solista de esta artista, que en sus más de 30 años de carrera se convirtió en una de las referentes de las nuevas generaciones de artistas populares. Este nuevo trabajo, que amalgama sonoridades tradicionales con otras más nuevas con la dirección musical de Gabriel Pedernera, es el reflejo de una búsqueda permanente que lleva adelante la cantora.

En esta charla con elDiarioAR, repasa sus inicios, la lucha contra sus miedos y la plenitud con que abraza el presente.

—¿Cómo llega la música a tu vida y cuándo te diste cuenta que ibas a ser cantora?

—En las provincias del norte no vamos a aprender a cantar o a tocar un instrumento o a bailar. Se da en lo cotidiano esa transmisión empírica. Yo era chiquitita y mi papá, que era albañil, cantor, guitarrero, me enseñó, porque a pesar de no haber tenido ni siquiera la primaria, sabía de todo. Él me dio las primeras herramientas para mover esto, las cuerdas vocales: cómo respirar, cómo expandir el pulmón, cómo pararse. Y prácticamente llegué con esas herramientas hasta que me trasladé acá a Capital y me hice cargo del canto y empecé a estudiar. A los artistas también nos descubren las maestras de la primaria. Yo estaba en todos los actos de la primaria cantando. Me acuerdo cuando tenía nueve años, era el día de la madre, y levanto la vista y veo una mamá llorar. Y otra más. Yo era muy niña y me di cuenta que esto que me había enseñado mi papá no era algo que me pertenece a mí, sino que era algo que provocaba algo, que tenía un ida y vuelta. Y eso me impactó. He sido una niña muy tímida, muy huraña. Y para mí cantar era el momento en el que podía expresarme. Cargaba con mucha data de opresión. Mi papá siempre me decía: “usted no se junte con los ricos porque los ricos le van a hacer daño, quédese a cantar, agache la cabeza, trabaje”. Eran cosas que cuando empecé a crecer me hacían ruido. Y así empecé a a elegir las canciones: qué decir. O sea, siempre me gustó mucho la poesía, más que nada. Y él me decía inclusive en algún momento: “fíjese usted bien qué va a decir, porque va a tener una herramienta muy importante que es el micrófono”. Y eso me quedó dando vueltas siempre. En la secundaria también cantaba pero elegí estudiar danza porque amaba bailar. Sin embargo, siempre me han elegido para cantar. Pero es como que nunca me hacía cargo de esa parte. Entonces cuando fui mamá a los 19 y grabé el primer disco en el 95, que fue un cassette, ahí es cuando cuando empiezo a darme cuenta de que este don también era para compartir. Y así como había provocado emociones en las madres cuando era chiquita, podría también movilizar emociones. Quería un mundo para mi hija en el que ella pudiera hacer todo lo que quisiera más allá de si fuera rica, si fuera pobre. Siempre trato de que este don movilice las mejores sensaciones humanas. Estoy constantemente buscando algo que movilice más las tripas y que tratemos de hablar un mismo idioma.

—¿Y cuándo te mudaste a Buenos Aires?

—Grababa cada tanto, cantaba cada tanto. El canto siempre estaba ahí dando vueltas y siempre eligiendo las canciones que quería grabar. Hace 17 años ya que me traslado a Capital. Me vine porque quedé embarazada del más pequeñito. Mi compañero se había venido a trabajar acá y nos vinimos con todos los chicos, cuatro: tres de panza, uno del corazón. Y yo creo que ahí la vida dijo: ya está, hiciste todo lo que quisiste, hacete cargo. Ahí empecé a estudiar canto profesionalmente, con fonoaudiología inclusive, que todavía a diario practico. Y también a hacer terapia. Porque esa niña tímida, huraña, cuando cantaba siempre vivía una transformación muy linda. Por ahí siempre pienso es el apodo de La Bruja, porque yo era tan tímida, tan huraña, que el momento de cantar era como esta soy yo, esto soy. Y se daba una transformación muy linda. Y ahí en la secundaria me pusieron La Bruja. Entonces acá me empecé a hacer cargo también de la parte psicológica. Limpiar muchas cosas. Muchas trabas que tenía. Y por supuesto también empezando una carrera tenía que conectarme con músicos nuevos, con gente nueva y a mí no me gustaba. Allá, por ejemplo, le huía a los asados, a las reuniones, pero acá ya era otra cosa. Quien era mi compañero se hizo cargo de ser mi productor. Y él siendo periodista, siendo locutor, tenía una prestancia muy particular que intentaba trasladarme. Y después de años de terapia me diagnosticaron fobia social. Ya pasaron 12 años más o menos desde que empecé la terapia y ahí muchas cosas se quebraron y pude empezar a verlas de otra manera. Fue muy lindo, muy liberador a la hora de poder expresarme. Y empecé a soltar el cuerpo. Entonces ahora ya canto y bailo. Y desde entonces las cosas han ido muy rápido. Todo fluyó. Llegaron los premios. Y ahora lo disfruto. Pero sí creo que cada premio, cada reconocimiento que te van dando es una gran responsabilidad. Son muchos ojos más que se posan en vos.

—Y estás ahora presentando un disco nuevo. Tenés un poco de lo más nuevo, de lo más viejo. ¿Cómo armaste toda esa amalgama?

—Creo que cada disco representa una fotografía de este momento. ¿Hoy qué necesito expresar? ¿Qué necesito compartir? ¿Qué necesito movilizar? Y es ahí en donde empiezo a a bucear. Siempre primero busco las canciones conocidas. Está bueno cada tanto traer un clásico de allá atrás, que tiene una poesía que es actual y es necesario volverla a sacudir. Me moviliza eso por un lado. Por otro lado, también el amor, la pasión que tenemos nosotros en las provincias por nuestra cultura, por nuestra historia. Es algo que amamos, nos sentimos recontra orgullosos. Entonces también ese es otro eje que a la hora de de armar un disco siempre lo traigo. Este disco tiene algo de clásicos, algunas poesías que había que traer. Por ejemplo, un Atahualpa Yupanqui presente con “Caminito del Indio”, que es una canción que habla con orgullo y con honor de lo que sentimos en las provincias. Después, zambas que estaban allá en el tiempo, quedadas, de compositores que marcaron una etapa muy fuerte del folklore como es el caso de Arsenio Aguirre. Y canciones nuevas que escuché. Me gustó “Saravá”, que es de Juan Saraco de Duratierra. Me encantó lo que dice. Por ahí me preguntan: ¿y qué consejo le daría a las generaciones nuevas? Que las canciones tengan fundamento. Esto es lo más lindo. Esta canción tiene mucho de mensaje para las generaciones que vienen. Y también mixturando con poesía, que es algo que estilamos en La Rioja. Nosotros estilamos cantar y recitar. Esto nos enseñó el Chito Zeballos y todos nuestros maestros que tenemos en la provincia. Lo mixturé con un poema de Atahualpa Yupanqui que es “El Destino del Canto”, en el que habla de un canto sincero, que no busca luces, que acompaña al sentimiento del pueblo. Nosotros sabíamos tener hace muchos años en Córdoba un encuentro de músicos independientes en el que había pichones de Raly Barrionuevo, Sergio Galleguillo, Luna Monti, Juan Quintero, Topo Encinar. Éramos chiquititos, teníamos 19, 20 años y hacíamos esos encuentros. Era una generación que continúa todavía, que es un canto auténtico, que sale de las tripas. Son canciones y poesías hermosas. Y de repente nos hemos visto en un escenario con luces. Estamos en un lugar en el que es el momento de decir cosas. Y esta canción, “Saravá”, habla un poco de esto, de ese destino, de esa canción con fundamento. El final del poema -“Y al llegar al final, tendrán su premio. Nadie los nombrará, pero ninguna tumba guardará su canto”- me parece fantástico.

—También hay mucho de La Rioja en el disco.

—Tenemos una fiesta ancestral, la chaya, en donde más allá del jolgorio y de la alegría, de toda la cosa linda que tienen las fiestas populares, hay un mensaje muy interesante, que si durante el año por ahí te vas detrás de diferentes cosas o mirando tu propio ombligo o te peleás con alguien, tenemos el tiempo de la chaya para volver a unirnos en una misma energía, en esa esencia de comunidad. Cuando te llenan de harina ya no sabes si sos rico, si sos pobre, si sos niño, viejo, adulto, anciano. Volvés a ser una misma energía y tenés el permiso de volver nuevamente. Tenemos esta fiesta que año a año nos recuerda la idea de estar juntos, de comunidad, de la misma energía, la misma esencia. Y eso que es tan hermoso que es una fiesta popular, que habla de nuestro folklore, que tiene muchos rituales y demás, está reflejado también en, por ejemplo, una selección de coplas populares, que es un poco también esta cuestión del canto, que se va pasando de manera empírica, de manera anónima. Y también “El Camión de Germán”, que es una canción que cuenta mucho y que la hice en otro tiempo de las versiones que son conocidas para que se pueda degustar la poesía. Tiene mucho de paisaje, mucho de algo que tiene que ser escuchado detenidamente para ver la magia. Dentro de la historia de las provincias del Norte hay luchas que todavía son actuales. La más fuerte es el federalismo y la cuestión del unitarismo que todavía existe, que todavía hay que hacer mucho ruido para que se nos escuche. Y no hay nada más lindo que hacer ruido con lo nuestro.

—¿Qué canciones completan el disco?

—Canciones de esperanzas, como “Así sea”, que es una canción que le pertenece a un compositor, que estaba en aquellos encuentros de músicos independientes que es el Topo Encinar, un tucumano que tiene una pluma y unas melodías bellísimas. Es una canción de esperanza en esos estos tiempos, necesaria, importantísima. Y hace poquito en pandemia empecé a escribir y ya en el disco anterior había logrado engarzar lo que es algo nuevo para mí. Siempre he sido tan respetuosa de los poetas, pero llegó un momento en el que también necesitaba decir cosas que no encontraba cuando buscaba. Entonces empecé a escribir como suelto, libre, las estructuras todavía no las manejo muy bien. Pero sí pude acomodar con la ayuda de Bruno Arias y de Ramiro (González), una canción que salió en el disco anterior. Y en este caso junto al Bruno hicimos una nueva canción que también está inspirada en las bailarinas. Amo bailar, entonces amo a las bailarinas. Y particularmente a bailarinas de mi provincia, La Rioja, un par de mujeres que conozco, que amo, que admiro y que están pasando ipor enfermedades muy duras. Una en su cuerpo, otra en en su familia. Y conozco los dolores de muchas bailarinas. Y siempre es una cosa que está abajo con todo su dolor y todas sus luchas y demás. Y cuando suben al escenario a bailar es como que se prende una magia muy especial. Entonces para ellas le dediqué esta canción que se llama “Negra de albahaca”.

—¿Cómo fue que conociste a Lula Bertoldi y empezaron a hacer cosas juntas?

—En el caso de Lula, nos conocimos con Eruca Sativa cuando fuimos al Cosquín Folklore. Hubo mucho ruido, pero yo creo que hay una generación del Chango Farías Gómez para adelante que abrieron muchas fronteras. Entonces cuando fuimos al Cosquín hubo como un poco de ruido pero la verdad que la recepción del público fue excepcional, muy linda. Y de ahí ellos me invitaron al Cosquín Rock. Y fue también igual, que nuestros públicos puedan degustar estas diferentes aristas de la música argentina, que en realidad tienen los mismos mensajes. De ahí surgió una amistad, una energía muy particular con la Lula. Entonces hicimos un espectáculo ya hace un tiempo, en el que teníamos un repertorio variado. Hicimos por ahí en provincia de Buenos Aires, algunos shows. Hemos preparado un espectáculo de folclore, de rock, en donde nos cruzamos en estas energías y es algo hermoso. Y después ella es una amante de la historia y las luchas, particularmente las luchas de las provincias. Ama la historia de La Rioja, conoció y salió súper enamorada de lo que es la cantata riojana “Padrecito de los Pobres”. Y ahí hicimos un espectáculo también dedicado a las mujeres, mujeres de La Rioja, mujeres argentinas, mujeres laburantes, luchadoras. Y, bueno, a la hora de grabar el disco dije: tiene que estar la Lula. Entonces la pusimos en esta chacarera, que es de “Los amanecidos”.

—Hablame de los otros invitados en el disco.

—El disco encierra esta idea de cruzar sonidos, ritmos, voces, coloraturas, de hablar de música argentina. Quizás sin darme cuenta con estos sacudones políticos que hemos tenido es como decir: estos somos, vamos para adelante, nos juntemos, nos unamos. Y es así como llegaron invitados de diferentes aristas, como Lula, como Lito Vitale, que participa en una canción también dedicada a mi padre, que es el que me dio todo esto, “Caminito del Indio”, porque él la sabía cantar cuando era joven. Y en el caso de Lisandro (Aristimuño) es un artista que más allá de sus melodías, su voz, su poesía, todo lo que es él como artista, es una persona muy sensible y que yo siempre iba registrando cómo está constantemente atento a los artistas que hay en el país, acompañándolos. Y es así que lo conocí por primera vez en el estudio de grabación y fue hermoso. Es una persona muy sencilla, muy humilde. Necesitaba traerlo para cantar esta canción de esperanza, “Así sea”, con su esencia, con su alma. Y el Raly Barrionuevo fue traerlo de aquellos encuentros de músicos independientes en Córdoba a grabar esta chacarera que es de Ica Novo, “Yo toco solo bombo”, que era otro más de los compositores que se cruzaban en aquellos encuentros. En aquella época fue como una especie de nuevo cancionero, solo que nadie nos conocía. Pero se ha gestado algo muy fuerte. Hoy ya estamos en el escenario y cada uno por su lado va contando sus cosas y movilizando esto tan lindo.

—¿Y Enrique Espinosa?

—Nosotros tuvimos nuestros maestros. Mercedes, por supuesto, impulsándonos y acompañándonos y mostrándonos este camino de la canción con fundamento, la canción que deja un mensaje. Dentro de las mujeres, admiro muchísimo a Tona Páez, que es una cantora de La Rioja, una cantora de tripa que nunca aprendió canto. Amo la voz de Julia Zenko y la enseñanza de Mercedes. Y en la parte masculina para mí dos grandes íconos son el gordo Alfredo Ábalos y Enrique Espinosa. Cuando cantaba Enrique Espinosa la verdad es que enamoraba. A veces los planetas se van alineando para que algo se de. Quería que estuviera en este disco hablando de esas bellezas, de ese folklore bien de raíz, bien decidor y con esta voz que para mí era la voz argentina. Y elegimos una de Arsenio Aguirre (“Cuando la tarde”). Y la verdad que él tiene 86 años y hasta el día de hoy día a día hace sus ejercicios foniátricos. Y eso por supuesto también es una enseñanza. La verdad que este disco me dio grandes alegrías. Esa niña, esa joven, esa mujer que tenía fobia social ahora puede disfrutar mucho de esas conexiones.

“Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

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Cada 29 de mayo se celebra el Día Nacional del Folklorista y se recuerda la figura de Andrés Chazarreta, músico santiagueño que dejó huella en la música popular y es considerado el “patriarca” del folklore argentino.

Por su valioso aporte a la identidad cultural de nuestro país, en 2011 se instituyó la fecha de su natalicio como el Día Nacional del Folklorista, mediante la ley 26665.

¿Quién fue Andrés Chazarreta?

Andrés Avelino Chazarreta nació el 29 de mayo de 1876 en Santiago del Estero y fue el primer difusor de la música argentina y principal promotor del género que lo llevó por todo el país desde 1906 con su Conjunto de Arte Nativo, cuyo momento histórico fue la presentación en el Teatro Politeama, de Buenos Aires, el 16 de marzo de 1921.

“Fue docente, hombre de familia, ciudadano ejemplar y el primer folklorista autoproclamado y reconocido. Hoy, su vieja casona familiar en la capital santiagueña, es un museo folklórico que lleva su nombre”, apunta el sitio web de cultura.gob.ar.

Día Nacional del Folklorista. cultura.gob.ar.

Andrés Chazarreta: el folklorista que recopiló y difundió la música nativa de Argentina

Durante más de cincuenta años, Chazarreta recogió, versionó y grabó numerosas obras del cancionero popular del noroeste argentino. De este modo, evitó que estas canciones quedaran en el olvido y logró que trascendieran las fronteras de la región.

“En 1906 formó el Conjunto de Arte Nativo, compuesto por 30 personas, entre músicos y bailarines, con el que recorrió las provincias del norte. Quince años después, el 16 de marzo de 1921, la compañía realizó una histórica función en el Teatro Politeama de la Ciudad de Buenos Aires, con la que consiguió que, por primera vez, la música folclórica llamara la atención en la Capital Federal, hecho que se vio reflejado en las crónicas periodísticas de la época”, indica el sitio web de defensoria.org.ar.

A lo largo de su vida, Chazarreta registró 395 temas musicales en Sadaic. Entre piezas de su autoría y recopilaciones de obras tradicionales anónimas, se cuentan la “Zamba de Vargas”, “Siete de abril”, “Criollita santiagueña”, “La Telesita”, “El Kakuy” y “El Tucumano”. Y no solo eso, también se le debe la clasificación de gran parte de los estilos musicales folclóricos argentinos, como el escondido, el cuándo, el llanto, el pala pala, la refalosa, la remesura, los aires, el triunfo, entre otros.

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Cada tanto aparece un artista que conmueve desde lo más profundo de la raíz y sin embargo suena a nuevo. Es el caso del cordobés José Luis Aguirre, que lleva ya varios años haciendo crecer su base de público fiel, a fuerza de compromiso y arte, tanto que agota las entradas allá donde se presente.

Por estos días, será en Buenos Aires y alrededores. Después, no sabe, porque “El Jose”, que viene de Villa Dolores, en el Valle de Traslasierra, no está pendiente de su carrera y, sin embargo, desde la más absoluta humildad, su patio en la sierra, las guitarreadas con los amigos y las peñas fue armando una trayectoria que lo llevó, entre otras cosas, a recibir este año el premio Consagración en el Festival de Cosquín.

Presentó esa noche una canción que habla de la simpleza del barrio y que quizá resuma un poco toda su cosmovisión. Sobre esa composición habló con elDiarioAR, al igual que sobre la importancia de la comunidad para enfrentar estos tiempos oscuros y la necesidad de mantener el contacto con la madre tierra, aun viviendo en plena ciudad, entre muchos otros temas.

Aguirre, creador de canciones que ya son clásicas como “Bailecito para iluminar” o “Pisando nubes”, se presentó este jueves en el CAFF, a donde volverá el domingo 28 a las 21. Además, este viernes toca en el Auditorio Oeste de Haedo. Está dando a conocer su disco más reciente, Suelto, luego de que el anterior, Chuncano, se alzara en 2020 con un Premio Gardel.

-¿Cómo van a ser los shows que vas a ofrecer estos días?

-Vengo con una banda de jóvenes talentosos de Córdoba que me van a estar acompañando, con los que tocamos en Cosquín. Vamos a estar presentando canciones del último disco y algunas canciones inéditas y las canciones que me acompañan siempre, en un formato de banda de cinco. El jueves va a estar de invitada la Chiqui Ledesma, que va a cantar unos temas. Y así en el transcurso de los días me voy encontrando con amigos, gente querida, que se suma a cantar unos temas para acompañar la noche. Así va a ir pasando con el resto de los días, pero principalmente con la banda y con las canciones que me acompañan, también los clásicos de siempre.

-Cada vez que venís a Buenos Aires se terminan agotando las entradas. ¿Qué te parece que les pasa a los porteños con tu música?

-No sé muy bien qué pasa, pero veo y siento también acá una raíz muy profunda con la tierra, con la necesidad de volver a la ancestralidad y a la música de raíz y de milenios y de melodías antiguas. Eso se da acá, me sorprende mucho, a veces inclusive más que en los pequeños pueblos. Así que me parece que ese provincianía, esos abuelos, esa gente que sembró semilla acá, sembró no solo la semilla humana, sino también la cultural y de la madre tierra de sus regiones. Así que me sorprende cómo se baila, cómo cantan, cómo se hace folklore. Y yo contento siempre de sentirme bien recibido aquí, como en casa.

-Los que te conocen saben que sos siempre el mismo, estés en el patio de tu casa, en Cosquín, acá o donde sea. ¿Qué es lo que te hace mantener el eje?

-No sé si mantengo algún eje. Solamente intento eso, como decís vos. Para mí, simplemente soy un ser humano como cualquiera y me gusta estar ahí plantado desde mi visión de que antes que músico soy montones de cosas, que no se ven y que son esenciales. Y que a veces me calzo la guitarra y salgo a cantar pero que no soy todo el día eso ni ahí. Pero también me gusta esa parte en la que salgo a cantar y me convierto en artista. Y el artista forma parte del padre, del cocinero, del amo de casa y de un montón de otras cosas que vienen a complementar mi vida. Y creo que eso me mantiene ahí en un estar tranquilo y no necesitando tanto llamar la atención.

-Pero así y todo llamás la atención y sos parte de una generación que está creando un cancionero nuevo. ¿Sentís eso también?

-Ojalá que sea así. De verdad que no me pongo a pensarlo mucho y si me pongo a pensar me limitaría a querer ser algo y la verdad que yo no quiero ser nada. Simplemente estar acá, acompañar con canciones y, bueno, eso será algo que suceda o no. No es algo que me preocupe a mí ahora, ni estoy buscando. Simplemente sí me gusta la idea de pertenecer a un grupo de artistas de música independiente, de música que vuelve a encontrarse con el sentido popular de la música en todos sus aspectos. Así que sí, mientras sea desde ahí, yo feliz y contento, pero la verdad que no estoy buscando nada de eso. Pero sí me gusta sumar y soy consciente también que pertenezco a un grupo de artistas. Y eso me pone muy feliz y me compromete y a la vez dejo que las cosas pasen.

-Ahora, por ejemplo, te dieron el premio Consagración en Cosquín y presentaste una canción nueva, que es muy hermosa. ¿Cómo nació esa canción?

-Esa canción es el reflejo de de los últimos días antes de irme a cantar a Cosquín, el último mes de las cosas que estaban pasando en mi interior y en el afuera, fusionados desde el lugar en el que habito. Y a la vez hablan de ese lugar como si fuera un país, como si fuera, puede decirse, un planeta, pero es el pequeño barrio, que es lo mismo. Y desde ahí refleja las cosas que van sucediendo. Y también fue como un desafío de llegar al festival con esa impronta de decir: bueno, yo soy artista y quiero cantar una canción que refleje este último tiempo. ¿Lo puedo hacer? Y así fue un poco el desafío al que a mí me fue empujando la vida. Fue reflejando un poco, como en un cuadro, todas las pequeñas cosas que me parecen importantes, como los seres que habitan todavía el monte, los paisanos, todo lo que va relatando la canción, como un juego, que dije: ¿puedo yo hacer esto? Y, bueno, por suerte salió.

-¿Qué título le quedó al final?

-Y me parece que le quedó “Canción bonita”.

-Le cantás mucho a la importancia de hacer las cosas de manera colectiva. ¿Creés que en estos tiempos que estamos viviendo, así tan complejos, la cosa pasa por ahí?

-Sí, para mí, sí. Justamente por todo lo que se está desmantelando, todo lo que se está deshumanizando. Somos seres colectivos. Y todo esto viene a ser lo opuesto: la competencia, el odio, la división de lo que somos como familia, como seres humanos. Y justamente lo necesario es la comunidad, es el el saber que no estamos solos y que no se salva uno solo, sino habitando el planeta como una comunidad mucho más grande que los seres humanos. Ni siquiera el ser humano como el centro, sino como parte. Y hablo de una comunidad inclusive más amplia que la sociedad misma, que a veces nos dicen que que es lo único que tenemos que respetar. Y este individualismo, este capitalismo, esta destrucción de los derechos, todo esto que está pasando con este gobierno viene a romper justamente eso, la unidad.

-Acá en Buenos Aires estamos bastante alejados de la naturaleza y quizá parte de que a la gente le gusta ir a escucharte es que vos nos conectás de vuelta con la sierra, con los ríos. ¿Cómo hacemos para conectarnos de vuelta con eso?

-Yo veo que mucha gente está re conectada. Andar me da la suerte de poder encontrarme con gente que respeta, que está, no sé si necesariamente conectada con el paisaje, porque, bueno, quizás no tengas la posibilidad aquí, pero sí hay otras maneras de volver a la tierra: la danza, el rezo, una huerta vertical en tu casa. No sé. Miles de formas tenemos los seres humanos. Y creo que mucha gente está necesitando esa búsqueda y ese encuentro, ya sea en el medio del campo o acá en la ciudad. Pero también recordar y tener presente que cuando abrís una canilla, el agua no viene de cualquier lado, viene de algún lugar lejano. Todo lo esencial viene de un lugar lejano. Darse cuenta de eso es estar presente en la tierra y respetarla. Nada más abrir una canilla. Siento eso un poco, que aquí también se da esa posibilidad de ser seres humanos plenos, volviendo a la consciencia del planeta, no necesariamente viviendo en el centro del Amazonas. Y la música es una forma de conectar con eso. Por eso te digo que me sorprende cuando veo tanta gente bailando, haciendo música de raíz. Creo que es una manera de volver.

-¿Cómo sigue tu 2024?

-No sé bien. Se va armando. Generalmente no sé mucho. Me voy interiorizando más cercano a las fechas. Tengo un amigo que me ayuda, gente que me ayuda a organizarme. Yo llego, hago mis cosas. Y, mientras tanto, estamos grabando, yo sigo escribiendo, sigo produciendo más cotidianamente y, como digo, esa es mi vida real de músico que es tocar y encontrarme con los amigos a hacer música como algo familiar. Y eso siempre está presente y ahí van saliendo cositas. Se irán enterando a medida que yo me entere también (risas).

“Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

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Trinchera para resistir y abrazo colectivo. Eso promete ser el show que Duratierra ofrecerá este domingo 31 en el Konex bajo el título “La fuerza de nuestros días”. Presentarán las canciones de su último disco, La fuerza, y alguna que otra sorpresa con invitados especiales. “Estamos preparando un concierto movilizante y para eso estamos convocando a personas cuyas voces y presencias suman a ese fuego”, revelaron Micaela Vita y Juan Saraco, dos de los miembros fundadores de esta banda, a elDiarioAR.

El grupo, que está por cumplir veinte años de trayectoria y hace poco se convirtió en septeto, está integrado además por Nicolás Arroyo, Tomás Pagano, Valen Bonetto, Silvia Aramayo y Martín Beckerman. Su música, que mezcla el folklore con el pop, el rock, la canción latinoamericana y los nuevos sonidos urbanos, tiene un público fiel que se va ampliando con cada uno de estos encuentros rituales, en los que prima la amorosidad y la fiesta.

En esta charla, conversamos, entre otras cosas, sobre la importancia de la música en estos tiempos, sobre el folklore como base de su arte, sobre el cuidado de las infancias y sobre muchas cosas más.

-El último concierto de ustedes en CABA fue el 21 de octubre, justo antes de las elecciones. Fue un momento de mucha esperanza colectiva. ¿Cómo vivieron todo lo que pasó después de que ganara Javier Milei?

-Micaela: Una gran pesadilla. A muchas personas nos tomó por sorpresa realmente esto que está pasando. Después empecé a entender un montón de cosas. Ese anfiteatro tuvo esa calidad de lo esperanzado todavía. Creo que hay que hacer el trabajo de seguir gestionándonos esos espacios. Parte de esta lucha contra esta gente horrible tiene que ver con seguir gestionando y creando espacios de amorosidad, de pensar otros mundos, de seguir acercándonos. El cotidiano es un palo tras otro. Y acá la música viene a regalar esa posibilidad. Así que creo que va a ser un reencuentro con una materia humana que se transformó hacia un lugar bastante doloroso, preocupante y peligroso. Pero la música sigue estando ahí y nos va a volver a reunir. Y cobra otro sentido. Es un gran regalo tener el arte de nuestro lado. Ellos no tienen el arte de su lado y nosotres sí y entonces lo vamos a usar para seguir armando un mundo mejor, un mundo más interesante.

-¿Por eso le pusieron a este show “La fuerza de nuestros días”?

-Juan: Así es. Tiene que ver con lo que nos está pasando a todes en estos últimos meses. Tenemos el autoestima dañada. Y lo de la fuerza tiene que ver con fortalecer nuestro espíritu de alegría por la vida, de justicia, de lucha, de reivindicación, de creer en el arte como un elemento transformador. Porque somos personas, no robots. Entonces aunque tengamos convicciones y nuestras luchas cotidianas, estar expuestos cotidianamente 24/7 a una lluvia de información negativa es muy doloroso. Todo lo que está pasando económicamente, por un lado. Y, después, desde nuestro nuestra perspectiva, que es el arte y la música, es todo muy doloroso. Y, sin embargo, tenemos la música, tenemos el arte. Sigue siendo nuestro lugar de acción. Independientemente de que nos quiten los recursos, cierren instituciones, que el Estado no tenga políticas culturales activas que valoren el arte y la música maravillosa que tenemos en este país, siguen existiendo. No hay posibilidad de callar eso. Esa es nuestra convicción fuerte. Reencontrarnos para nosotros es seguir alimentando eso, porque entendemos que nuestros conciertos se han vuelto un poquito ese ritual para la gente que gusta de escuchar nuestra música y que lo necesita. Nosotros como artistas también lo necesitamos y también necesitamos estar vinculados a distintos rituales colectivos, como las marchas, las peñas, los encuentros, todas las luchas que se puedan, para encontrarnos y saber que nos tenemos.

-Ustedes siempre insisten mucho con que vayan los niños a los shows. De hecho, no pagan los menores de diez años este domingo. ¿Por qué ese interés?

-M: Porque las infancias son lo que más tenemos que cuidar. Y porque siempre siento que cuando les niñes están felices y cómodes en los espacios es una buena señal. Es una señal de salud espiritual, de estar haciendo las cosas bien. Y la verdad es que siempre existió esta mirada de lo adultocéntrico, de pensar que la música nos pertenece a las personas adultas y hay ciertos conciertos que son para niñes y otros que son para adultes. Y nos empezó a pasar orgánicamente que a las personas pequeñitas nuestra música les encanta y nos empezaron a mandar videos. Y dijimos: ¿cómo no van a estar abiertas las puertas para que vengan y sean parte? Y acá también viene esto de tenerla como invitada a esta maravillosa referencia que es para nosotres la Susy Shock, que tiene una mirada de las crianzas que a mí por lo menos me conmueve y me hizo ver con mucha más claridad la importancia de criar con amor. Y cuando digo criar no digo solo a les hijes propies. A criar a las infancias, a estar mirando eso. Si miramos eso, no podemos estar haciendo las cosas que estamos haciendo en este mundo. Si vos sabés que hay niñes que van a recibir este mundo y que van a vivir su vida, hay una responsabilidad directa sobre nuestras acciones cotidianas. Es importante que tengan la posibilidad de vivir una vida plena. Obviamente este contexto horrible que estamos mencionando recae directamente sobre muchísimos más niñes empobrecides que no pueden acceder a su alimento, a su educación básica, a su salud. Y de alguna manera esta música está buscando que también sea un refugio para todes les niñes. Duratierra como una trinchera que también les hace ese lugar, que también les pertenece. Y es muy emocionante cuando ves a un niñe cantando y sabiéndose las letras, sacada esa persona de éxtasis, de placer, de estar viviendo una experiencia movilizante. No tiene comparación.

-J: Algo tiene que ver con la inclusión de Astor (el hijo de ambos) en la escena también.

-M: Es cierto. Algo de que Astor sea parte también cristalizó de alguna manera la presencia de las infancias en nuestra música. Y es algo que es muy importante realmente para nosotres. Así que está bueno reforzar que toda persona que venga con niñes menores de diez años, no tiene que hacer nada. Vienen y pasan. Menores de diez, inclusive diez.

-Va a haber invitados. ¿Se puede saber algo?

-M: Estamos preparando un concierto movilizante y para eso estamos convocando a personas cuyas voces y presencias suman a ese fuego. Así que es toda gente muy maravillosa. No vamos a decir los nombres, pero va a ser una noche muy emotiva.

-J: Y arriba también. No es que nos vamos a juntar a llorar nomás.

-M: Claro. Y además el patio del Konex tiene esto de que toda la gente está de pie y se puede bailar desde el comienzo. Así como es movilizante en el sentido de lo emotivo, también va a haber baile desde el principio hasta el final.

-J: Será un exorcismo colectivo.

Quisiera que sigamos apostando por un territorio multicromático, latinoamericanista. Y que eso se vea reflejado en la música

-Ustedes hacen una música en la que parten de la música de raíz, del folklore, y mezclan un montón de influencias. ¿Creen que es por ahí la música del futuro?

-M: Ojalá que la música del futuro en principio esté hecha por humanes. La idea de futuro a veces se pone muy tenebrosa. Pero pienso en la importancia de darnos esas libertades de poder hacer y seguir creando realidades, territorios emocionales a través de la música. Para nosotres es la música que nos sale hacer y es la que también intencionamos, porque también podríamos hacer otra música, pero estamos eligiendo hacer esta porque hay algo que queremos contar que tiene que ver con este territorio, con esta realidad cultural, social y política. Y ojalá esta idea del territorio siga teniendo pregnancia en las generaciones futuras. A mí hay algo de la idea de la patria, de esta pertenencia territorial, al suelo, a la cultura, a lo que implica, que está realmente, de a ratos siento, muy en peligro. Como siempre tomada simbólicamente por la derecha y por los pensamientos ruines de toda esta gente. Y yo quisiera que sigamos apostando por un territorio multicromático, latinoamericanista. Y que eso se vea reflejado en la música. La verdad que por lo menos es la música que a mí me conmueve y me convoca y ojalá un poco el futuro de esto que llamamos la música de raíz, que siga andando por donde tenga que andar, pero que no pierda la intención de contar un territorio, una realidad, una memoria colectiva y una cultura ancestral.

-J: Para nosotros es un honor pertenecer a esta línea histórica, poética, musical, rítmica, sonora. Intentar pertenecer. Lo hacemos con mucha humildad porque nos costó mucho tiempo considerarnos parte. Y a la vez es un lugar que hay que asumir como tal para hacerlo. Decir, bueno, estamos cantando esta música, haciendo esta música y tratando de conocer los territorios, conocer a la gente. Y creo que hay una línea finita entre criticar la música que está de moda y pasar a ser básicamente un viejo (risas). Porque el mercado está cooptado hoy. No sé, el 95% de nuestro mercado musical es el trap y etcéteras. Y hay cosas increíbles ahí. La realidad es esa. Están haciendo música increíble, diciendo cosas muy potentes, haciéndose cargo del lugar y está buenísimo. Entonces no sé si es la música del futuro, retomando la pregunta. Sí me parece interesante que es una música que se puede hacer si la curtís. Y para curtirla tiene que existir gente que toque esa música, que lo haga desde una intención y desde un lugar que no sea el tradicionalismo. Que no pase a ser la música de acá algo étnico, viejo, extraño, ajeno, de museo, sino que esté vivo, en movimiento, es lo más lindo que le puede pasar a la música popular. Y no ser simplemente un color, que vos loopeás y ponés un archivo atrás del otro y le ponés un bombo para que tenga un color étnico. No lo estoy criticando. Simplemente que eso no tiene raíz. Y esa raíz hay que irla a buscar. Nosotres no creamos nada, somos porteños de base (ahora residen en Córdoba). Tuvimos que ir a buscarlo, intentar conectar con eso porque nos tocaba. Había una fibra interna que vibraba, que se removía con eso.

-M: Y acá vuelvo a la idea de la esperanza en las infancias. Astor, cuando vos le preguntás cuál es la música que más le gusta, te contesta que es el folklore.

-J: Y la cumbia.

-M: Ahora la cumbia también, que también es folklore. Pero Astor se levanta y pone Mercedes (Sosa) y, sí, después escucha otras cosas, un montón de lo que anda circulando. Pero creo que, como dice Juan, si nosotres tenemos la capacidad de transmitir desde lo vivo, desde algo sensible y en contacto con el presente, esta música, las nuevas generaciones también se acercan de ese modo, siguen sintiéndose parte de eso que se está contando en la música. Si no, te queda lejos. Y entonces ahí el trap te ganó. Porque el trap habla de lo que le está pasando a los pibes ahora y te ganó territorio. Pero nosotres también podemos contar desde la música popular este presente. Seguir cantando las canciones viejas es maravilloso y es importantísimo también. Pero estar gestando un nuevo cancionero popular es vital. Y cuando digo vital, digo vital de la vida, de algo que está en movimiento. Y hay un montón de gente, y nosotres nos incluimos acá, haciendo música nueva. Así que por supuesto que apostamos a que sea el futuro porque estamos trabajando para ello en tiempo presente.

Cuando todo está fiero, igual hay gente que está ahí encendiendo su velita para aportar al fuego colectivo. Y el fuego colectivo es algo muy potente

-Los dos dan talleres.¿Cómo está siendo esa experiencia? ¿Este año hay más gente con la necesidad de refugiarse en estas actividades?

-M: Para mi sorpresa, sí. La verdad es que yo doy esta formación en canto multidisciplinaria hace muchísimos años, desde el 2017, y en diciembre dije: uy, ¿qué va a pasar? Y no te puedo explicar la cantidad de gente que se anotó este año. Y a vos te pasó lo mismo (le dice a Juan). La gente acercándose explícitamente con esta misma certeza de que vamos a seguir haciendo lo que tengamos que hacer para sostenernos entre todes, para tramar, para armar espacios que nos traigan salud mental, emocional, que nos alimenten la creatividad. Así que sí, para la alegría y para regar la esperanza, la verdad que se acercó muchísima gente este año. Y eso también da cuenta de la potencia que tenemos como humanidad, que cuando todo está fiero, igual hay gente que está ahí encendiendo su velita para aportar al fuego colectivo. Y el fuego colectivo es algo muy potente. Ya sabemos en nuestra memoria de pueblo lo potente que es cuando encendemos eso entre todes. Así que esta turba, esta trinchera de Duratierra está ahí aportando su fuego y abriéndolo a toda persona que tenga la necesidad de estar y de recibir también esa energía y ese abrazo que, con certeza, van a recibir esa noche.

Para los que llegaron a leer hasta acá, les cuento que los Duratierra preparan una sorpresa especialísima para todos sus seguidores. Estén atentos el 12 de abril. La usina creadora de esta banda no para.

Duratierra toca el domingo 31 de marzo en el Konex. Abre el show Sushy Shock con Andrea Bazán y Caro Bonillo.

“Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

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Para muchos, se convirtió en un ritual de pandemia que se mantuvo después: a la hora de calmar la mente y bajar el ritmo de la jornada, se conectan al canal de YouTube de Shagrada Medra para participar de la escucha colectiva de un disco nuevo. En el chat de la plataforma, comentan las emociones que les generan los temas con los artistas y con otras personas que escuchan desde diferentes puntos del país y del planeta. Durante una hora y pico, a veces casi dos, disfrutan y comparten cada 15 días músicas nuevas.

“La Hora Azul”, como fue bautizada esta iniciativa del sello independiente fundado hace 30 años en Paraná por Carlos "Negro" Aguirre, Ramiro Gallo y Luis Barbiero, celebra este miércoles las cien emisiones. Lo hace presentando el nuevo trabajo del bandoneonista jujeño Santiago Arias junto a Mauro Alemán y Elio Gutiérrez llamado Barracán.

“En plena pandemia, ante la situación de que lxs músicxs no podían generar presentaciones en vivo para difundir su música, comenzamos a pensar de qué otra manera podrían dar a conocer sus novedades discográficas. Y así surgió entonces la idea de gestar lanzamientos virtuales”, cuenta Carlos “Negro” Aguirre a elDiarioAR.

“Al principio eran en formato de audio pero inmediatamente nos dimos cuenta de que YouTube, que es la plataforma desde donde elegimos hacer estas escuchas, daba lugar a la imagen además del sonido y ahí comenzamos a generar una suerte de pequeños documentales donde cada grupo musical generaba sus propios videos contando la historia de ese álbum y de cada una de las composiciones que lo integraban”, agrega el pianista y compositor, una de las figuras claves del panorama musical argentino actual.

“La Hora Azul” es un espacio de acceso libre y gratuito para el público en general y que cuenta, en cada edición, con un chat en vivo para que los asistentes puedan dialogar con los artistas sobre el proceso de creación de su obra.

“De a poco fuimos entendiendo que era también una bellísima oportunidad de reunión ya que este ciclo, al principio con una periodicidad semanal y luego quincenal, concitaba la atención de gente de muy diversos lugares del país y del mundo”, añade Aguirre.

“Así es como hemos vivido rondas al calor de músicas que han tenido la virtud de tender puentes con muchas personas que en un momento dado viven el ritual de escuchar un disco en profundidad. Es muy emocionante saber que en ese mismo momento somos un montón de almas resonando, como si estuviéramos en la intimidad de una casa y en familia, saboreando un menú sonoro”.

La acogida de esta propuesta fue muy buena y en cada emisión se fueron sumando más personas. “Fue una sorpresa la recepción que tuvo. Para mucha gente era un momento de paz en medio de la cuarentena. Pero por suerte, al cabo de ese proceso tan duro, muchas de estas personas siguieron fieles al ciclo y participando como siempre, no sólo de la escucha sino del chat que se abre al costado del video donde cada unx puede dialogar con lxs músicxs de turno y preguntarle todas las dudas e inquietudes que le surjan del repertorio que se está compartiendo”.

El ciclo mutó también a programa de radio. “Hubo un interés de varias radios que dispararon la necesidad de hacer, de cada uno de estos programas, una edición radial para ser compartida con la audiencia de esos medios de comunicación. Así es que en este momento hay varias radios de diferentes provincias del país y de Uruguay que están difundiendo todo el ciclo, desde los primeros programas que hemos compartido”.

Barracán, el disco que se presenta en esta emisión especial el miércoles a las 22, es el nuevo proyecto de Arias, que comenzó a gestarse a principios de 2021, cuando el músico, ahora residente en México, se había vuelto a vivir a Tilcara.

Allá se reencontró con su amigo Elio Gutiérrez, conoció a Mauro Alemán y armaron un trío. Hacen música de raíz andina basada en ritmos como el tinku, la cueca y el huayno. Gutiérrez toca charango y ronroco y Alemán, vientos andinos, sikus, quena y anata.

Entre las últimas emisiones de “La Hora Azul”, se presentaron los discos Sobre rieles, de Gari Di Pietro y Celina Federik, Cuentan los duendes de aquí, de Virginia Pagola, La Palabra Habitada, de Analía Garcetti, con canciones de Jorge Fandermole, y Puja, de Hugo Maldonado Barros.

El catálogo de Shagrada Medra da cuenta de una escena musical de excelencia que se desenvuelve por fuera de los circuitos formales y comerciales. El sello comenzó su andadura el 30 de junio de 1993 con la publicación del casete Barrio tranquilo con repertorio de un trío de tango integrado por Martín Vázquez y dos de los fundadores del sello: el violinista Gallo y el flautista Barbiero.

En estos 30 años de autogestión, acogió y lanzó unos 140 discos de los más diversos artistas. Jorge Fandermole, Silvina López, Inés Cuello, Santa Fe Jazz Ensamble, Horacio Castillo, Eva & Nadia, Coqui Ortiz, Rodrigo Carazo, Cecilia Pahl, Osvaldo Burucuá, La Cangola Trunca, José Santucho, Rudi Flores-Ernesto Méndez, Lilián Saba, Santiago Arias y Sebastián Macchi forman parte de la amplísima colección.

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Lo de Noelia Sinkunas impresiona. Toca sola, en diferentes grupos, acompañando a cantantes. El piano y ella son un mismo ser que se despliega en el género que sea. La sonrisa en su cara indica placer. Se toca todo y además lo disfruta.

Este año ganó el Gardel a mejor álbum de folklore alternativo por Salve y ya se está preparando para lanzar su próximo trabajo. En el medio, giró con su grupo de cumbia por Estados Unidos, grabó un disco nuevo con su grupo de chamamé y tocó tango, mucho tango.

La pianista nacida en Berisso hace 35 años lleva el tango en las venas. Puede con todo: desde Cucuza Castiello pasando por Julieta Laso hasta el proyecto Piazzolla Electrónico de Nico Sorín, entre otros. Pero no solo la música ciudadana es la que la hace vibrar. Vanguardia y tradición, lo popular y lo académico, todo converge en esta artista única en el panorama musical argentino.

En esta charla con elDiarioAR repasamos sus proyectos actuales y algo de lo que se viene en 2024.

–La música te viene de familia. ¿El piano también?

–No. Mi papá es guitarrista de tango. Mi abuelo también. En mi casa siempre había instrumentos y en un momento -es graciosa la historia- se ganó un teclado en una rifa en la iglesia del barrio, que es la iglesia de San Francisco de Asís. Después fuimos todos a ese mismo colegio, que queda a media cuadra de mi casa. Y ahí apareció el tecladito y empecé a tocar. Y la guitarra nunca la agarré. Todos son guitarristas y yo no. A los cinco ya estaba tocando el tecladito y a los siete, ocho les pedí que me mandaran a piano. Y arranqué a estudiar piano a los nueve, me parece, en la Escuela de Arte de Berisso. De ahí mi profesora de piano me recomendó para entrar al Colegio Secundario de Bellas Artes en La Plata, que es un colegio normal, de una universidad, con orientación artística. En mi caso hice piano y también composición. Rendí un examen para entrar y quedé. Había solo una vacante y quedé primera. Egresé y después hice la facultad ahí mismo, composición, en La Plata.

–Tu familia es tanguera y empezaste más por ahí, pero ahora ya controlás muchos otros géneros. ¿Cómo se fue dando eso?

–En realidad siempre toqué de todo. De hecho, mi primera banda fue una banda de metal progresivo. Mi papá estaba preocupado. “La piba toca rock”, decía (risas). También estudié música clásica. Y mi papá acompañaba a cantantes de tango. Entonces a los 16, 17 ya empecé a salir con él, a tocar, a acompañar cantantes. Para que aprenda el oficio, me decía. Y entonces fue como todo junto. Nunca fue: ahora esto, mañana lo otro. Se iba dando todo como articuladamente. A mí me gusta toda la música. Para mí cada lugar era un aprendizaje: el lenguaje que manejan las personas, la gente, el espacio, el código. Me gustaba todo.

–Y el piano es un instrumento especial para eso.

–El piano es multifacético, digamos. Puede estar en un montón de estilos.

–Por cierto, ¿cuáles son tus referentes en el piano?

–Tengo varios pianistas que me han flasheado mucho, como (Horacio) Salgán acá en Argentina y después Keith Jarrett. Lo escuché y dije ¡wow! Ese mundo de la improvisación. (Osvaldo) Pugliese también. No podía creer. Es tremendo. Pero después, no sé, a veces soy medio volada con el mundo pianistas. Me siento medio afuera a veces.

–En este momento, ¿qué proyectos integrás?

–Ahora estoy dedicando mucho más tiempo a mí que a otros proyectos. En realidad, siempre se dividió entre los proyectos para los cuales trabajo y aquellos que impulso. Ahora estoy en los que yo impulso. Pero, bueno, trabajo con Cucuza Castiello, con Julieta Laso. Con Cucuza, ahora presentamos Menesunda II (el 17 de noviembre en Galpón B). Ahora me está llamando bastante Mocchi. Después está Cachitas Now, mi grupo de cumbia, que es un proyecto que impulso hace como 12 años, más o menos. Ahora volvimos de una gira en Estados Unidos que fue increíble y vamos a presentar el show que viajó en diciembre en La Plata (1 de diciembre en Guajira Bar).

Después estoy tocando más mi música. Este año ganó un premio Gardel el disco Salve. Estuve haciendo conciertos de esa música con una banda grande, que es tipo orquesta: o sea, cuarteto de cuerdas, bandoneón, contrabajo, guitarra, piano y cantantes. Eso lo presento como Noelia Sinkunas Orquesta. Pero también me vengo presentando en diferentes formatos. En dúos, con Milagros Caliva, con Alex Musatov. En cada fecha tocamos temas míos y algunos temas de ellos también. O versiones que nos gusta hacer.

–¿Cómo se formó Flamamé, el grupo de chamamé que también integrás?

–Cuando empecé a tocar sola hace un par de años y a mostrar temas propios, la conocí a Milagros (Caliva) y la convoqué para grabar el disco Salve. Empezamos a tocar en dúo. Yo tenía un ciclo en Pista Urbana, la empecé a llamar y empecé a llamar también a la contrabajista Belén López. Tocábamos en trío. Y en un momento le salió a Milagros un viaje para presentar repertorio. Y fuimos con ese trío que veníamos tocando y ahí apareció Flor Bobadilla Oliva, que la llamaron de ese mismo trabajo para ir y cantar con nosotras. Y desde ahí las cuatro sentimos que nos conectamos un montón y se armó algo. Así como quien no quiere la cosa ya estábamos tocando. Estábamos haciendo algunos temas míos de los de Salve, algunos músicas que habían quedado afuera del disco. Pero después cuando decidimos grabar, cada una trajo sus canciones. Juntamos dos, tres temas cada una y salió el disco. Yo siento que cuando me abrí con mis canciones, me empecé a encontrar con gente que estaba en la misma. Y también siento que tengo una personalidad medio como de impulsar y que impulsé a mi alrededor a que también compongan canciones de lo que nos estaba pasando en ese momento. Así que empecé ahí a conectar con gente que estaba en esa como Mili, Belén López, Flor. Eso es Flamamé ahora, que presentamos el disco 16 de diciembre en el CAFF.

–¿Y con tu proyecto más solista?

–Y con mi orquesta voy a estar el 25 de noviembre (en Galpón B) presentando Salve con toda la orquesta completa. Cantando van a estar Tomi Llancafil, que es el cantante de Cachitas Now. Es como que cada vez que necesito, una voz, lo tengo como comodín. Y Yoli Campos y lo invitamos también a Leo García, que va a hacer unos tangos y folklore.

–Además estás trabajando en un disco nuevo.

–El disco nuevo en realidad tiene que ver con algunas músicas que habían quedado afuera del otro y que se fueron gestando también con la presentación de Salve. Cuando armamos la banda y tocamos Salve, faltaba más música. Entonces empecé a componer músicas para el show. Algunas son tocadas en vivo, otras fueron compuestas recientemente. Y también abrí otra puerta. En realidad no es una puerta muy nueva, pero decidí ponerlo ahí, con lo demás, que es la improvisación libre. El disco es un poco eso: improvisación libre, con tangos y chamamés. Hay un chamamé que canta Mocchi, que le pusimos letra juntes en una especie de residencia llamada Sonorámica. Empezamos a hablar de qué significaba para mí la música tradicionalista, mi familia, el mandato y salió esa letra. Tengo que empezar a mezclarlo. Sería para el año que viene. Capaz que sale algún tema ahora, pero la verdad que prefiero sacar todo junto. Me cuesta un poco eso de la planificación de los lanzamientos. Vamos a ver. Y va a haber unas voces invitadas. Mocchi ya grabó. Leo García también va a grabar un tema y tal vez Ricardo Mollo, que también hemos estado hablando. Lo loco es que para mí mezclar ciertas voces con estilos que a mí me gustan es medio un sueño que de repente está tomando forma. Como que Mollo cante un chamamé propio. O Leo García se cante un tango mío. Y el disco es de tango y chamamé y que parezcan tradicionales. Ese es el plan. Y que sea también con improvisación. Va a ser medio loco.

–Hablando de eso, ¿qué te pasa con esto de que te quieren encasillar o definir y eso sea imposible?

–Lo que pasa es que es muy loco. Yo con cuando empecé, cuando saqué mi primer disco, que se llama Escenas de la Nada Mirar (2018), como que quise buscar la forma de que no me conectaran con el tango. No sé por qué. Dije: no quiero más que la gente me diga que soy pianista de tango. Pero realmente, yo lo siento muy adentro, soy re pianista de tango. Y soy re pianista acompañante de cantantes. Ese es mi oficio y eso me encanta hacer. Pero en un momento fue como: no puedo salir de acá, también me gustan otras cosas. Entonces me encargué de tratar de mostrar otras cosas. Pero ahora me siento que soy re pianista de tango, aunque que te encasillen es un bajón.

–¿Al chamamé sí se puede decir que te acercaste más recientemente?

–No. Mi papá tocaba, siempre tocaba chamamé con mi abuelo. Tocaban con un acordeonista muy conocido en Berisso, que era Germán Fratarcangelli. Pero son re de decir: “no, nosotros no somos de Corrientes, entonces no podemos decir que tocamos chamamé, somos tangueros”. Y yo re escuché eso y siempre me molestó un poco. Entonces un poco también siento ciertos mandatos familiares o ciertas cosas que hay que sanar con respecto a nuestra identidad. Me lo estoy permitiendo. Siento que lo necesito hacer. Por eso es muy específico el disco: tango y chamamé.

–Pero sos parte de una generación que un poco le pasa eso, como los que se juntaron en Sonorámica. Están cerca de la música popular, pero mezclando, haciendo cosas nuevas.

–Lo que sentí en ese espacio no es que estamos cerca, somos parte de la música popular, pero que nos duele. Nos duele en algún cierto punto no ser realmente lo que se esperaba de nosotros. Desde el punto de vista tradicional hay que repetir un poco. Y hay como ciertos mandatos de estructura que por ahí nosotros todos, justo los que estábamos ahí, en cierto punto algo no queremos repetir. Queremos cambiar. Pero genera algo de dolor sentir que no sos tal cual se espera. Algo de eso siento y se charló bastante. Y, bueno, por ejemplo el chamamé este que va a salir en mi próximo disco y que grabó Mocchi habla de eso. La tradición duele básicamente y la sentimos muy adentro. El hecho de tomar un camino distinto al que tomaron, por lo menos para mí, mi papá o mi abuelo, ya es un montón.

–¿Pero decís que duele porque ustedes sienten que les están fallando?

–En un momento sí sentía que estaba fallando. Sentía que le estaba fallando al tango. Pero es raro. Hay muchos tangos también, muchos mundillos de cada música. Pero, bueno, en un momento sentí que tenía que estar en otro lado, no ahí. Y después, no sé, me empecé a teñir el pelo de verde o a tener otras estéticas no tan tradicionalistas para el estilo.

–Tocaste en la Fiesta del Chamamé.

–Pero nunca toqué en el Festival de Tango.

–¿Te gustaría tener más masividad?

–Me lo pregunto también si queremos ser mainstream. Y a veces me acuerdo cuando hablaba con mi abuela y me decía: tenés que ir a esos programas de la tele, tipo La Voz. O esos programas que son tipo concursos. Y la verdad que no. La verdad yo me siento muy bien así. Me encanta estar en el under. Me siento libre. Hacemos lo que nos pinta con la música y está buenísimo.

–¿Sentís que la música nos salva en estos momentos?

–Sinceramente, no puedo hacer otra cosa. Y cada vez que toco como parte de una experiencia, que es colectiva también porque está la gente escuchando, siento que mi cuerpo respira. Te relajás, entrás ahí en ese trance de la música en vivo y a mí me encanta. Soy medio adicta a eso. Por eso hago muchas cosas. Me cuesta frenar.

“Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

CRM/DTC

El rosarino Martín Neri es un cantante, guitarrista y compositor que regala poesía y sensibilidad en cada una de sus creaciones. Es uno de los organizadores de El Encuentro de música argentina en Rosario, esa cita anual de la música de raíz que ya es tradición y que cumplió veinte años en este 2023, y lleva adelante varios proyectos.

Como solista publicó las obras conceptuales Matriz de agua (2015) y Encierro (2022) y ya tiene canciones nuevas, que estos días lo llevan de gira por Europa. Además, conforma el dúo De Un Mismo Barro, con el riojano Ramiro González, y con el veterano maestro Chacho Echenique se lanzó a celebrar la obra del legendario Dúo Salteño, del que Neri fue guitarrista durante cinco años.

La música no le llegó por familia. Su papá era carpintero y su mamá, ama de casa. Pero él agarraba cualquier juguete y hacía de cuenta que era una guitarra. Así que en algún momento fue obvio que iba a recibir una de regalo. Así empezó todo.

Neri tiene muy claro que lo que hace no es comercial. “No concibo el arte como un recurso comercial. Me considero un gestor cultural, antes que nada. Creo que los trabajadores del arte somos gestores culturales, somos comunicadores”, afirma. “Hace mucho tiempo elegí vivir con la música, no vivir de la música. Y nunca me preocupó si mi oficio me devolvía el dinero. Siempre lo que me ocupó y me apasionó fue cómo relatar cada inquietud que tenía, de qué manera expresarla”.

En esa búsqueda, dio clases de composición y de canto. “Pero después no me enfocaba porque no era lo que yo elijo. Y, increíblemente, sin buscarlo, estoy viviendo de esto. Porque sin tener pretensiones uno enfoca de otra forma. Sin pretensiones, digo, de obsesionarse con que esto me tiene que dar de comer. Hoy día me encuentro con un presente en el que estoy re agradecido con que anecdóticamente lo que hago me permita vivir”.

La música y la poesía de Neri son inseparables de su lugar de origen, del barrio en el que se crió, su familia, el marco cultural en el que creció. Y del paisaje. “Cada historia nuestra está atravesada por un paisaje que es subjetivo y que tiene que ver con el marco donde uno da los primeros pasos, donde se cría, con quién se vincula”.

Entre sus referentes, menciona, obviamente, al Chacho Echenique y al Dúo Salteño. Y también al Cuchi Leguizamón, a Violeta Parra, a Carlos “Negro” Aguirre, a Jorge Fandermole, a Chico Buarque, Tom Jobim, Elis Regina, Mercedes Sosa, Teresa Parodi, Jaime Dávalos, Manuel J. Castilla, Juan L. Ortiz. “Ahí hay como un mapa de gente que admiro profundamente”.

La idea de celebrar al Dúo Salteño -porque no se trata de reeditar nada, sino de homenajear a ese tándem tan mágico que integraron Echenique y el ya fallecido Patricio Jiménez- surgió en la edición número veinte de El Encuentro, hace unos meses.

“Queríamos homenajear a referentes que aún tenemos entre nosotres. Y ahí apareció el nombre de Chacho y de Hilda Herrera, esa pareja hermosa de soñadores. Y la noche de Chacho, se le da la mención y me dice: '¿vos me acompañarías unas canciones que voy a cantar?' Y cantó unas canciones de su repertorio. Y en un momento, termina, me mira muy emocionado y me dice: 'parece como que Patricio estaría por acá dando vueltas'. Y me dice: '¿qué te parece si lo homenajeamos y cantamos una versión de alguno de los temas del Dúo?'”

Y así sucedió. “Cantamos una y fue increíble la reacción. Hubo una comunión ahí y cantamos otra y otra. Y después nos miramos, nos emocionamos. Sentimos muy fuerte la conexión cuando cantamos. Y, bueno, y dijimos: tenemos que hacer algo con esto. Así, sin ningún tipo de propósito de nada. Maravilloso”.

Y surgió una primera fecha en La Pampa, que tuvo lugar el pasado el 21 de septiembre en Santa Rosa. “Hasta ahí iba a ser eso nomás. Pero cuando comunicamos lo de La Pampa, fue una revelación para mí, porque una comunidad muy amorosa de un montón de partes del país y de otros países nos empezó a alentar. Y entre eso y entre empezar a cantar, a poner las canciones en repertorio y a escuchar los resultados, decidimos que vamos a girar con esto”.

Así que antes de fin de año habrá algún otro concierto, posiblemente en CABA. Y ya desde marzo otros en otros lugares del país y en Brasil, donde el pianista, compositor y arreglista André Mehmari se entusiasmó tanto con la iniciativa, que organizó para grabar algunos temas. “Cuando se enteró de esto, surgió esta idea de hacer una gira por Brasil y grabar seis, siete canciones con arreglos originales del Cuchi que no se han llegado a grabar”.

“Lo que más alegría me da es que cada vez que nos juntamos con Chacho a ensayar, Chacho se sonríe cantando. A veces paramos en la mitad de la zamba que estamos haciendo o antes de llegar a la mitad, porque Chacho hace como una media sonrisa de que está disfrutando. Y es lo que nos recordamos siempre: che, vamos a disfrutar”.

Y hablando de El Encuentro, ¿cómo se sostiene un evento así? “En el país que vivimos, todos los años nos preguntamos si sigue. En este contexto, más aún. Pero siempre nosotres intentamos unir fuerzas. Siempre en Santa Fe, hasta el día de hoy, sea el color político que haya sido, le han dado el visto bueno a este proyecto. Yo creo que nadie se animó a decirnos que no, porque es un movimiento de mucho esfuerzo, totalmente ad honorem. Son veinte años ininterrumpidos de gestión, de lucha, de militancia. De mucho amor”.

La cita anual en Rosario reúne a gran cantidad de artistas independientes y ofrece además varios talleres muy solicitados entre los estudiantes de música. Es una reunión obligada ya para muchos músicos y demuestra que no necesariamente las cosas tienen que pasar por Buenos Aires.

Para Neri, en general desde los entes culturales con sede en la capital del país se hace gala de lo que llama “un falso federalismo”. “Se lo he podido manifestar a programadores importantes de lugares estatales muy icónicos. Es una mentira el federalismo que ustedes cuentan en sus páginas virtuales o en sus relatos, porque trabajan con gente del interior, pero que vive acá en Buenos Aires”.

La capital es una vidriera importante. Pero es muy difícil llegar a ella. “También está la hostilidad de lo privado, las condiciones tan precarizadas para producir contenido, más aún de este tipo de contenidos. Es una problemática que se extiende a toda una paleta de laburantes: comunicadores, prensas, productores, fotógrafos, realizadores audiovisuales, artistas plásticos. O sea, hay todo una urdimbre de gente precarizada, pero de toda esa urdimbre, los más precarizados siempre somos los músicos, porque para hacer cualquier cosa, el músico independiente o la música independiente tiene que empezar a contratar a gente de toda esa paleta”.

Así y todo, Neri sigue adelante y por estos días se está presentando en Europa en formato solista. “Llevo un repertorio de canciones nuevas de este último tiempo que aún no tengo grabadas y recorro las otras también. Es una gira que empieza en Francia, en Troyes, una ciudad muy cercana a París, a donde también llevo un taller también de composición, que se llama La melodía de lo cotidiano. Después me voy a Lausanne, a Suiza. De ahí me voy a Alemania, que tengo dos conciertos en Berlín y en Dresden. Después regreso a Suiza para tocar en Ginebra y en Berna, y termino en España, en Barcelona y en Madrid”.

Mientras tanto, tiene cocinando a fuego lento un disco con Ramiro González. “Estamos muy felices con De Un Mismo Barro, muy felices. Somos hermanos. De Un Mismo Barro es el resultado de un vínculo muy cercano, de ambos habernos apoyado en momentos muy difíciles de cada quien. Cuando pasó todo esto del Dúo Salteño, nosotros estábamos a punto de grabar. Obviamente, Ramiro, se puso muy contento y me dijo que dejáramos el disco para después”.

“Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

CRM

A Manu Sija le brillan los ojos cuando habla de su nuevo disco, Ecléctica, su quinto trabajo, un álbum doble que contiene 22 canciones y que cuenta con la participación de 25 artistas invitados. Algunos son más conocidos, otros menos, pero todos son amigos del tucumano.

Se nota que este multiinstrumentista, compositor, productor y muchas otras cosas está contento con lo que hizo e ilusionado con la presentación el 8 de octubre en el Teatro Astros de la Ciudad de Buenos Aires.

Aunque, admite, un poco de temor tiene ante tamaña exposición. Porque, como cuenta en una charla con elDiarioAR, su música forma parte de ese amplio abanico de creaciones que no ocupa grandes espacios en los medios y por eso mucha gente ni se entera de que existe.

Pero está dispuesto a dar esa batalla. Tiene muy claro que hacer música es su pasión y que no podría hacer otra cosa. Y que forma parte de una generación de músicos que están dándolo todo para que su trabajo logre la visibilidad que merece.

Leon Gieco, Nito Mestre, Teresa Parodi, Liliana Herrero, Lalo Mir, Juan Falú, Kevin Johansen, Raly Barrionuevo, Ernesto Snajer, Ana Prada, Marta Gómez, Nadia Larcher, Flor Bobadilla Oliva, Hernán Jacinto y Santiago Arias son algunos de los invitados que aparecen en Ecléctica, que es tan variado en géneros y sonidos como indica su nombre.

Cuenta también con siete temas del propio Sija, quien en mayo de 2022 fue telonero de Pat Metheny en el regreso del guitarrista estadounidense a la Argentina.

¿Cómo fue el recorrido desde su Simoca natal hasta la calle Corrientes? Manu Sija, ahora de treinta y pocos años, arrancó cantando y tocando de muy chiquito. Con 11 o 12 años grabó su primer disco. Después vino un período largo, entre los 14 y los 23, en que fue solamente músico sesionista, hasta que finalmente inició su camino solista.

Desde muy pequeño tuvo devoción por los instrumentos. “Es algo que lo tengo innato. Pero lo que no tenía eran los instrumentos. Empecé a tocar entre los siete, ocho años bombo, guitarra, lo que iba apareciendo en mi casa. Mi instrumento principal siempre fue el violín, cuando llegó, porque costó conseguirlo en esa época. Pero después cada vez que tocaba con algún grupo, me quedaba en los momentos de pausa de los ensayos y agarraba la batería, el bajo. Después cuando he comenzado a trabajar como músico y a tener mi propia plata, empecé a comprarme los otros instrumentos”.

Además del violín y la guitarra, toca la batería, el bajo, los teclados, el acordeón, la flauta y el bandonéon. “El bandoneón es el último que he incorporado así como importante. Y después un montón de otros de otras cosas que las toqueteo. Tengo facilidad para agarrar en un primer momento un instrumento diferente”.

Y así como controla muchos instrumentos, también se mueve con comodidad en muchos géneros musicales. “Lo primero que he aprendido a tocar ha sido 'Luna tucumana', una zamba. Y ese es el punto de partida. Generalmente, siempre el punto de partida es el folklore argentino o latinoamericano. Pero nunca he sido impermeable a las músicas que están sonando en el ambiente”. Cuando empezó a tocar con otros músicos, su horizonte se amplió. Ni que hablar de cuando llegó el cable a su casa y empezó a ver MTV o Much Music. “Ahí entran el pop, el rock, el rock-pop”.

En ese mismo momento, empieza a escuchar mucho el Chango Farías Gómez, a Liliana Herrero, a artistas tucumanos como Lucho Hoyos, Juan Quintero o el Topo Encinar. “Hasta entonces nunca había escuchado esa manera de arreglar y de orquestar la música folklórica. Fue un quiebre y fue el momento en el que decidí que yo quería hacer ese tipo de música, con el folklore, con lo que yo sentía mi música, hacer esa mezcla que estaban haciendo ellos”.

Tiempo después empezó a estudiar en la Escuela de Música y en el Conservatorio. Y ahí se topó con compañeros de otros palos muy diferentes: la música clásica y el jazz y la fusión. “Ahí conocí a Jean-Luc Ponty, Stéphane Grappelli y a Pat Metheny y ese fue otro quiebre. Creo que la música es una combinación de toda esa data que yo empecé a consumir conscientemente como músico y toda la otra que está en el aire. La cumbia, el pop, todo lo que sea música, te va como atravesando. Y cuando uno decide hacer una canción salen todos esos destellos”.

Por eso es tan difícil encasillar a este artista, algo que para él no es un problema. “Algunas personas con las que he trabajado trataban de que siguiera un rumbo específico en género y estilo. Y la verdad que cuando he decidido jugármela el primer objetivo era tener libertad de hacer lo que tuviera ganas. Entonces cada vez que me encuentro con esa especie de limitante, no me gusta y me salgo de esos lugares. La verdad es que la música que hago es lo que siento, lo que me sale y lo que tengo ganas. Por eso el disco se llama Ecléctica, porque siempre me cuesta definir cuál es el estilo de música que hago o el género, y empiezo a nombrar un montón de cosas hasta que termino diciendo: es una música muy ecléctica. Y después lo conecté con lo que soy yo y con mi vida en general y me he dado cuenta que también mi forma de ser es bastante ecléctica”.

Entonces, Ecléctica es un disco en el que Sija hizo lo que quiso. Y los invitados accedieron todos gustosos a grabar porque son sus amigos. “Cuando he empezado a grabar he empezado a decir: esta canción me gustaría que la cante tal, esta, tal otro. Y todos decían que sí. Y así se han ido sumando canciones. En un principio era un disco normal, pensado como la continuación de Changosolo (2017),  porque en general, fuera de los invitados, toco todo yo y en ese formato de live looping. Pero después se empezaron a sumar y terminó siendo esto, que para esta época es muy raro que sacar un disco doble”.

La elección del repertorio fluyó de la misma manera. “Hay muchas canciones que las venía tocando ya. 'La nochera', que grabé con León Gieco y Nito Mestre, la venía tocando desde la pandemia, 'Como arbolito en otoño', con Raly Barrionuevo, también”. Durante el confinamiento, Sija se quedó encerrado en su departamento de Villa Crespo y se puso a tocar solo y a hacer vivos en YouTube e Instagram. “Tiraba canciones por tirar y las improvisaba. De esas han quedado varias. Las que son más conocidas o clásicos han quedado de ahí. Y después es el primer disco en el que grabo tantas canciones mías. También han ido surgiendo así en estos dos años y medio”.

Todo esto requirió sobre todo del despliegue de trabajo del propio Sija así como de la generosidad de todos los que participaron. “Gran parte de grabación de lo musical lo he hecho en el estudio que tengo en Tucumán, en la casa de mi mamá, porque toco todo solo. Después todos los invitados han ido grabando en su casa. Pero iba yo con el micrófono y la compu. Ellos me abrían la puerta de su casa, iba y grababa. O sea, hubo mucha, muchísima generosidad de parte de todos, porque la verdad es que es una relación de amistad muy linda la que tengo con todos ellos. Es lo que hace más especial el disco, porque no son uniones de las que se hacen en la industria musical, sino que son uniones por cariño y por admiración”.

Sí llevó un poco más de inversión la mezcla y la masterización, que estuvieron a cargo de Luis Bacque. “Es un argentino que vive en Nueva York y me hizo un precio para él muy, muy barato y para el trabajo que hizo, porque unir todos estos sonidos de diferentes grabaciones y cosas y tantos temas es un montón de trabajo también de ingeniería”.

¿Cómo será la presentación de Ecléctica en el Astros? “Igual al disco, imposible. Pero también es la magia de hacer música tocando solo: me puedo permitir hacer cualquier cambio en cualquiera de las canciones. Entonces siempre que toco suena diferente. Van a estar un montón de los invitados. Y voy a hacer también un par de cosas diferentes y tratar de darle una mirada que reproduzca un poco la tapa del CD, que es esta mezcla entre raíz, tierra y la calle Corrientes”. Después, la idea es llevarlo a todos los rincones del país que se pueda. “Ya lo empecé a hacer el año pasado, también como una decisión casi política de ir a lugares a llevar la música personalmente. Empecé a sentir que con esta cuestión de que la música te aparece a través de los algoritmos, no llega a todos los lugares y que era necesario ir por los pueblos. Salí solo en el auto con los instrumentos. Fui a La Rioja, Catamarca, Tilcara, Salta, Jujuy y a varios lugares que no había ido nunca y estuvo buenísimo. Y da igual si había diez personas o 100 o 50. Fue una experiencia de mucho crecimiento. Sé que cuando vuelva esa gente que me fue a ver, vuelve con algún amigo y se va armando una comunidad. Siento que es más real. Y tengo pendiente también armar una gira por Europa”.

A Sija no le gusta decir que vive de la música. “No me gusta la frase 'vivir de la música'. Y, por otro lado, no he visto a nadie preguntarle a un médico si vive de la medicina. Nunca me he cuestionado lo de ser músico o de hacer música para vivir. Para mí no hay otra opción. Digamos que yo vivo la música. De alguna forma, en la cuestión económica me voy acomodando. No tengo un apoyo atrás, ni familiar, ni nada. Para poder mantenerme tengo que tocar o producir o hacer algo. Pero toda mi vida, desde que trabajo, siempre he hecho algo para para vivir que tiene que ver con la música. Y el haber grabado con un montón de artistas conocidos o que se escuchan mucho genera un derecho que los músicos cobramos, que es AADI (Asociación Argentina de Intérpretes). Creo que la clave es no dejar de moverse y creer en uno mismo, en que lo que hace tiene el valor suficiente”.

“Cuando yo estaba empezando a trabajar de músico muchos consejos de músicos más grandes eran hacer música más comercial para ganar plata”, recuerda. “Te estoy hablando de 2005, 2006. Y la verdad es que no funciona así. Yo me he ido dando cuenta que si uno hace lo que tiene ganas y lo que le gusta y lo que es genuino dentro de uno, funciona en la medida que uno trabaje para eso. No creo que los artistas que son súper populares y famosos o que uno cataloga como comerciales no les guste lo que hacen y lo hagan solo por negocio. Creo que hay una cuestión ahí también de convicción y está buenísimo. Por eso funciona. Entonces, al revés, cuando uno hace una música que no es tan mainstream es lo mismo. Hay que hacerla con convicción y que sea totalmente genuina. Y creo que así va caminando eso, sin necesidad de otras cosas extrañas”.

En el disco también aparecen artistas más jóvenes, de los que se están abriendo camino en los últimos años. “A mis colegas de mi generación, los amo a todos, los quiero y me encantan. Y soy fan de todos”, asegura. Pero no es fácil darse a conocer. “Siento que todavía necesita un poco más de visibilidad lo que nosotros hacemos. A veces me encuentro aquí en Buenos Aires con algunos límites en cuanto a la comunicación de la música que tiene raíz folclórica. Es difícil llegar a los lugares donde uno podría tener más visibilidad y creo que es algo que tiene que ver con la Capital. No sé muy bien la razón, pero siento que en otras ciudades no pasa tanto. Incluso cuanto más al norte te vas yendo el folklore toma una relevancia mucho más grande. Pero, bueno, es una batalla que tenemos que dar nosotros: Nadia Larcher, Flor Bobadilla Oliva, Don Olimpio, Milagros Caliva, Noelia Sinkunas. Estamos todos en la misma. Algunos un poco más conocidos, otros menos. Pero creo que estamos todos tratando de pechar para que por lo menos nos vean un poco más y el público decida si le gusta. Creo que hay un montón de gente aquí que le encantaría lo que nosotros hacemos pero que no lo conocen”.

“Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

CRM

El centenario del poeta Hamlet Lima Quintana se celebra hoy con la publicación del álbum doble Canciones para no morir y el estreno en el país de la cantata Diario del regreso, que con música de Oscar Cardozo Ocampo e inspirada en el traslado de los restos del Che Guevara a Cuba, tendrá su demorada puesta local en el Centro Cultural Kirchner (CCK).

El par de acontecimientos tratarán de honrar y definir a una poderosa figura de la cultura popular que nació el 15 de septiembre de 1923 en Morón pero se formó artísticamente en Saladillo, donde desde esa observación de la llanura construyó una mirada en la que el paisaje, la comunidad y lo social convivieron en bella y testimonial armonía.

Al calor del Nuevo Cancionero gestado en Mendoza, fue junto a Armando Tejada Gómez uno de los fogoneros literarios de un repertorio con una posición política que influenció también a otros colectivos musicales en Cuba y en Chile, legando al menos dos zambas emblemáticas que han sorteado el paso del tiempo: “La amanecida” (compuesta junto a Mario Arnedo Gallo) y “Zamba para no morir” (con música de Norberto J. Ambrós y Héctor A. Rosales).

Pero además de esa profusa actividad en torno a la canción popular con unas 400 piezas, realizó investigaciones sobre sus ancestros del pueblo originario Coliqueo, escribió una biografía -la única al momento- de Osvaldo Pugliese; fue periodista y autor de poemas traducidos a varios idiomas en el mundo.

Hoy, día en que Hamlet cumpliría 100 años, se publicó Canciones para no morir, álbum sin fines de lucro donde participan Teresa Parodi junto al Coro de Sadaic y la dirección del maestro Damián Sánchez, Divididos con “Mono” Izaurralde, Orquesta Filarmónica de Mendoza y Jaime Torres, Víctor Heredia, los dúos Coplanacu y Orozco-Barrientos, León Gieco, Liliana Herrero, Raly Barrionuevo, Edith Rossetti y Popi Spatocco y Peteco Carabajal.

El elenco reunido entre temas cedidos, interpretaciones grabadas en discos, piezas en vivo y algunas inéditas, incluye a Mónica Abraham y Laura Albarracín, Mery Murúa y Paola Bernal con Migue Rivaynera, Gloria de la Vega y Josho González, Casiana Torres y Lucia Ceresani junto a Martín Castro, Litto Nebbia, Marián Farías Gómez, Lidia Barroso y Lucho González y Gabriel Senanes y Nancy Ocampo.

La extensa nómina de un registro que incluye la voz de Lima Quintana narrando sobre músicas propias “Gente necesaria”, “Situación personal”, “No veo el cielo madre” y “Elogio del silencio” también incluye a Susanna Moncayo con Oscar Alem, Carlos Bergesio, Julio Lacarra, Cuarteto Karé, Miguel Ángel Toledo, José Ceña, Eli Fernández y Lucrecia Rodríguez, Enrique Llopis, Carlos Bergesio y Mario Díaz, entre más.

Algunas de las gemas que contiene el repertorio de 27 estaciones que dan cuenta de esa prolífica faceta del escritor (que en 78 años de vida, además, publicó una treintena de libros de poesía, ensayo y prosa), son la tonada “Yo no me voy de la vida”, “Espejo de los dos”, “Zamba de Chilecito”, “La Cuatrereada”, “Hermano” y “Zamba del duraznillo”.

El registro cierra con la obra “Transferencia”, poema de Hamlet leído por sus hijos Felipe Lima, Juan Martin Lima y Germán Lima que añade el sonido del bandoneón de su nieto Martín Lima.

El proyecto cuenta con el apoyo del programa de Mecenazgo Cultural de la Ciudad de Buenos Aires y el aporte del equipo de producción (integrado por Silvia Majul en producción general y dirección, José Ceña en producción artística y el aval y acompañamiento de la familia Lima Quintana) y de la totalidad del elenco.

“Buscamos que a la totalidad del elenco la uniera el respeto y admiración por la obra y una trayectoria cercana a ese compromiso que nos legara Hamlet”, señala Ceña sobre su trabajo para el disco.

Acerca de lo realizado para la hechura del material, el músico, compositor y productor apunta que se emplearon “dos criterios”: “Primero se realizó un relevamiento de los temas ya grabados y allí apareció una revelación para nosotros, con un poema musicalizado por Litto Nebbia; y la otra línea de trabajo fue seleccionar temas a grabar, o sea, versiones nuevas que dejan un aporte muy valioso”.

Ceña resalta sobre el emprendimiento que la razón que motiva a realizar este homenaje, más allá del centenario, “es la vigencia del mensaje de Hamlet y la necesidad de escuchar poesías y letras de canciones bellas y fundamentales para alejarnos, entre otras cosas, de la vulgaridad y la frivolidad”.

Y en esa cuerda subraya: “Su aporte es atemporal con poesía de alto vuelo y un compromiso social donde la condición humana es relevante, por lo que creo que debería ser una fuente de inspiración y consulta permanente para las nuevas generaciones”.

Desde las 20 y en el Auditorio Nacional del CCK, en tanto, se producirá el demorado estreno en Argentina de la cantata Diario del regreso, de inspiración guevariana, a cargo de la Orquesta Nacional de Música Argentina Juan de Dios Filiberto y del Coro Nacional de Música Argentina, bajo dirección de Mariano Chiacchiarini y con Juan Iñaki en la voz solista como artista invitado.

Con cuatro movimientos y 14 piezas (por ser el día 14 el del nacimiento del revolucionario argentino-cubano), la obra fue grabada en el año 2000 con Jairo en la voz principal, pero nunca se escuchó en vivo en el país.

Germán Lima cuenta que la cantata “sí tuvo su estreno el 14 de junio del 2000, al cumplirse 72 años del nacimiento del Che, en la plaza Ernesto Che Guevara, sobre la explanada del memorial en Santa Clara, Cuba. La puesta estuvo a cargo de Oscar Cardozo Ocampo, junto a un grupo de músicos argentinos y la Orquesta Sinfónica de Santa Clara y fue cantada por Jairo con la presencia de Hamlet Lima Quintana”.

“Unos días después se hizo una segunda función en el teatro Carlos Marx, de La Habana, con los mismos participantes argentinos y la Orquesta Sinfónica de La Habana”, agregó uno de los hijos del autor.

Dora Giannoni, autora de “Antología: Poesía necesaria” (2008), sobre Lima Quintana, recuerda: “Cuando Hamlet estaba escribiendo la obra sobre Guevara él me decía: 'vos sabés que yo siento una especie de inspiración tan grande que es como si el Che me lo dictara' y es muy posible que a artistas de su talla les sucedan esas iluminaciones que vienen de otra dimensión”.

Escritora, docente, amiga personal del artista y esposa de Armando Tejada Gómez, sostiene que se trata de “uno de los enormes poetas que tiene esta patria, es un poeta muy grande en serio y un típico exponente de la poesía de la llanura tomada muy en serio y en profundidad”.

“Pero además -se explaya- fue tan prolífico, tiene tanta obra y, por otro lado, no solamente como poeta, también fue compositor, cantor, guitarrero, músico y hasta pintor, faceta esta última por la que obtuvo un premio en Morón en los años 50”.

Sin embargo, Giannoni reflexiona que “al igual que sucede con Armando, Hamlet es más conocido por sus canciones, pero toda su obra es una invitación a a buscar fundamentos y contenidos en tiempos de tanto negacionismo, de tanta frivolidad, de semejante vacío”.

Por esas características presentes en la producción artística de su amigo centenario, Dora propone que “como no se puede amar lo que no se conoce, a Hamlet hay que leerlo, difundirlo y usarlo en las escuelas para redescubrir su enorme vigencia”: “Como docente, por ejemplo, he usado sus 'Cuentos para no morir' y ese contenido que abarca lo ecológico, lo geográfico y lo histórico les encantaba a mis alumnos del secundario”.

Por Sergio Arboleya de la agencia Télam

La cordobesa Clara Cantore es conocida por aportar un formato diferente a la música de raíz, consistente básicamente en acompañar su voz con un bajo, algo muy poco habitual. La compositora e intérprete grabó varios discos, viajó por el mundo y se hizo un nombre. Y entonces llegó la pandemia y, con ella, un vuelco total en su vida.

Todo empezó cuando estaba en su casa de Unquillo, Córdoba, sin saber bien qué hacer en el confinamiento y se le ocurrió mandarle videos con canciones a la científica Andrea Gamarnik, que estaba trabajando 24/7 en temas relacionados al coronavirus, para que tuviera un remanso en medio de la vorágine.

Llamó a otros artistas -Sandra Mihanovich, Juan Carlos Baglietto, Juanchi Baleirón, Eruca Sativa, Nahuel Pennisi, entre otros- para que también grabaran videos y así nació Música por la Ciencia, un proyecto en el cual la música está al servicio de difundir conocimientos científicos. La iniciativa creció tanto que llegó a convertirse en programa de televisión. Pero ahora, con todo lo que aprendió en esos años, Cantore va por más y tiene entre manos un proyecto que promete revolucionar el quehacer artístico.

“Siempre, desde que empecé a hacer música, a los dos o tres años, pensaba en cómo puedo hacer para con la música traccionar, hacer alguna palanca en la realidad y que realmente mejore la calidad de vida de la gente”, cuenta a elDiarioAR.

Música por la Ciencia empezó con un grupo de amigos que trabajaban gratis muchas horas. En algún momento empezaron a pensar en cómo generar recursos para financiar ese proyecto.

“Pensamos: ¿qué pasa si esto, además de visibilizar proyectos científicos y artísticos, eventualmente algún día pudiera generar recursos que puedan circular por proyectos que usen arte y ciencia para mejorar la calidad de vida? Con Andrea dijimos: bueno, si vamos a empezar a buscar recursos, tenemos que tener una institución. Entonces constituimos la Fundación por la Ciencia”.

Y así fue que consiguieron los patrocinadores para hacer una segunda temporada del ciclo filmada en el laboratorio y una tercera en un estudio de televisión.

Y después siguieron soñando y concretando. “Una de las cosas que nos planteamos es que el proyecto tenía que ser soberano, más allá de que recibiera colaboraciones de distintos lugares”. Justo estaba comenzando el boom de los NFTs o tokens no fungibles (non fungible token, en inglés), activos digitales que representan objetos del mundo real como arte, música, videos, que se compran y venden en línea. “Es un concepto de comprar y vender arte digital dentro del mundo de las criptomonedas y del mundo blockchain, que mueve muchísimos recursos”, explica Cantore.

Entonces se plantearon buscar su propia forma de financiación a través de esa vía. “Porque la cuestión de la financiación tradicional, donde vos vas a una empresa o al Estado y decís '¿hola, qué tal? tengo un proyecto' es cuando menos desgastante. Es una gestión que tiene mucho más que ver con burocracia y con tener que explicar cosas y con tener contacto y con un montón de cosas que drenan la energía del proyecto esencialmente”.

Y así empezaron a diseñar una plataforma con el fin de generar y administrar sus propios recursos. “Es una plataforma que queremos que quede disponible para todo el mundo, porque esencialmente nos enseña a habitar este mundo digital. Y a tomar decisiones y a votar y a dirimir cuestiones que tienen que ver con cosas que nos interesan a todos. La idea es realmente que la gente que tiene ganas de organizarse se encuentre, tome decisiones y pueda ir implementando cosas que funcionen”.

La plataforma se llama Comunidar y está empezando a dar sus primeros pasos. “Venimos trabajando en pensar cómo se haría y un montón de cosas en el equipo, pero ahora entendimos que tenemos que armarla con la comunidad. Entonces estamos diseñando un sistema en donde poder comunicar cómo armar esta plataforma entre todos. Recién estamos largando el juego y vamos a hacer algunos juegos ahí adentro de la comunidad: juegos de democracia digital del futuro”.

Por ejemplo, ahora están debatiendo en torno a la cuestión de los derechos de autor. “Compuse una canción con una compañera de las redes. Entonces vamos a charlar sobre cómo distribuir los derechos de autor y de intérprete en el mundo digital con esta pieza de ejemplo. Porque todas las instituciones quedaron obsoletas. No se han digitalizado. Por ejemplo, si yo hago un tema con alguien y viene Bizarrap y me lo graba, yo no tengo ninguna legislación que a Bizarrap lo obligue a darme lo que me corresponde de SADAIC (la entidad que gestiona los derechos de autor)”.

Necesitamos generar otra clase de espacio. Los espacios que ya están están completamente viciados

Cantore aclara que la idea no es trabajar sobre las instituciones que ya existen. “Spotify, YouTube y todas estas estructuras ya tienen un sistema donde ellos distribuyen y hacen lo que se les da la gana. Lo que podemos hacer es trabajar sobre lo que nos corresponde a nosotros. DistroKid, que es la plataforma que nuclea a todas, me da 10 dólares por mes por canción, más o menos. ¿Esos 10 dólares cómo los distribuimos? Entonces empezamos a hacer juegos de escalabilidad, porque no es lo mismo distribuir 10 dólares que distribuir 100.000 o 10 millones”.

Su propuesta: “Si yo tengo una obra que genera 10 millones de dólares, en mi cosmovisión el 10% es para los que trabajaron y los que administran y el 90 es para distribuir”. El manifiesto de la fundación, de hecho, habla de distribuir recursos en proyectos que usan arte y ciencia para mejorar la calidad de vida de la gente.

“Pongo este ejemplo porque en octubre va a empezar un juego nuevo en el que realmente el objetivo es juntar 10 millones de dólares hasta diciembre. Pero solamente se pueden juntar si estamos todos entendiendo a dónde van a ir, cómo van a distribuirse. Entonces el tema es que solamente se puede jugar al juego si la comunidad se organiza”.

La bajista empezó a contar este proyecto en un espacio nuevo que se llama El Tao de la Música. La cita para quienes quieran sumarse es todos los jueves a las 17 y los datos están en el Instagram de Clara Cantore. La única condición para participar es respetar ciertas reglas morales. “Básicamente el juego tiene una sola regla que es respetar la diversidad de perspectivas y no invadirle el jardín al otro”.

En ese contexto, Cantore, que hace muy poquito presentó en vivo sus últimos dos discos, Entre algarroba y durazno (2020) y La música del vacío (2022), asegura que el concierto de este viernes en el Café Berlín será el último.

“Es mi concierto de despedida. Porque ahora descubrí dónde quiero que esté mi música. Quiero que esté sonando con todas las comunidades que están organizándose. No quiero formar más parte de la industria del entretenimiento. No soy solamente alguien que hace música. Soy alguien que piensa cómo organizar equipos y tengo ganas de usar la herramienta pequeña que tengo para ayudar a organizarse comunidades de una forma nueva”.

Como ejemplo pone que este sábado una fecha que tendrá el 19 de septiembre en la cárcel de Bouwer, Córdoba. “Voy a estar tocando en un proyecto que tienen unos amigos maravillosos. Tienen un vivero adentro de la cárcel y están cuidando los brotecitos de los tabaquillos. Los tabaquillos son uno de los árboles de las sierras de Córdoba. Están literalmente en la cárcel cuidando los arbolitos para reforestar la tierra”.

Después, en octubre, se irá a París a tocar en un congreso sobre salud mental. “Y voy a estar haciendo esa clase de cosas, o sea, tocando donde hay cosas para mover”.

“No podría estar haciendo una carrera de música y estar diseñando esto. Necesito trabajar en otras dinámicas. Y además sé que estos circuitos de sustentabilidad van a mejorar la calidad de vida de todos mis compañeros artistas que están sumidos en la pobreza. Porque realmente los artistas están sumidos en un desamparo muy zarpado. Necesitamos generar otra clase de espacio. Los espacios que ya están están completamente viciados”, afirma.

Cuenta que hace poco estuvo en Nueva York en una conferencia de la industria musical. “Estaban todos los CEOs de las mega empresas hablando de cómo funciona la industria. Yo estaba ahí y decía: ¡Claro! Mi música no está acá porque no es el lugar que le corresponde. Pero porque mi espíritu no vibra ahí. Y está excelente que exista, porque hay muchas cosas dentro de la industria de la música que le han hecho mucho bien. Pero la industria de la música en sí le ha hecho a la música lo mismo que la industria de la alimentación le ha hecho a la alimentación o lo mismo que la industria de la farmacéutica a la salud y la industria del agro a la naturaleza. Entonces este es un proyecto para que todas las personas que quedaron excluidas de las industrias empiecen a armar sus propias plataformas”.

¿Y de dónde saca esta cordobesa toda la energía para tanto despliegue de trabajo? “De la naturaleza”, dice muy segura. “Realmente lo difícil es estar en la ciudad. Estoy un ratito ahora y me vuelvo”. En su casa en Unquillo se levanta con el sol, medita, toma mates y se sienta con la compu para seguir desarrollando este proyecto. “El tiempo es para mí. Soy un ser realmente millonario. Muy millonario. Porque soy un ser que está en paz y quiero que todo el mundo esté en paz. Y porque quiero que todo el mundo esté en paz, entiendo que hay que plantear sistemas superadores de los que están ahora”.

Y volvemos al coronavirus. “Cuando empezamos con el proyecto, la base fue entender cómo funciona un virus, el sistema inmune y las vacunas para estimular el sistema inmune. Esos tres conocimientos son los que me dieron la clave para pensar cómo diseñar algo que le de a este organismo enfermo que es el mundo una información superadora, para que naturalmente se catalice un proceso donde las células empiecen a entender que esta información es superadora y rápidamente se regeneren los tejidos vinculares”.

En ese sentido, insiste en el mensaje positivo: “La única temática de charla es qué mal nos va y que nos vamos a la B y que se vienen tiempos de mierda. Maestro, no se vienen tiempos de mierda si ponemos el foco en qué podemos construir. Nadie puede ir en contra de lo que pasa, pero uno sí puede sacar el foco de ahí y decir: che, a ver qué podemos hacer. Y la idea es esa, sacar a la gente de la prisión mental de pensar que no hay salida. Claro que hay salida, pero es colectiva. Claro que hay salida, pero tenés que levantar la cabeza de tu ombligo”.

CRM

El músico entrerriano Pablo Jacobo, más conocido por su nombre artístico Pol Nada, presenta este fin de semana en vivo su nuevo disco, Aparecido (Fértil Discos), en el que pone a dialogar la música de raíz con la electrónica para dar lugar a un estilo que define como “folklore oscuro”.

Las onces canciones que lo componen -y que cierran una trilogía- son el fruto de un largo proceso de investigación que comenzó con el estudio de la obra de Linares Cardozo, el conocido compositor nacido en La Paz, Entre Ríos, al igual que él.

Empezó cuando en 2015 a Pol Nada le dieron ganas de hacer un disco de folklore. Reconoce que si bien en su ciudad natal el folklore estaba muy presente, él no le prestaba mucha atención. “Entonces para hacer un disco de folklore tenía que ponerme a estudiar. Dije: voy a empezar por lo que más conozco”. Así fue que se centró en Linares Cardozo, cuya “Canción de cuna costera”, por ejemplo, se cantaba en las escuelas desde la primaria.

Sacando sus canciones, empezó a componer las suyas propias. Pero lo que iba grabando del compositor entrerriano le gustó tanto que lo convirtió en un disco, La San Llamarada, publicado en 2017. “A mí me gusta mucho también la faceta de intérprete, al estilo de, salvando las distancias y con todo respeto, Mercedes Sosa o Liliana Herrero. Me puse más en ese rol en ese primer disco”.

“Después dije: bueno, ¿cómo mezclo esto con lo que yo venía haciendo, que era más del lado del pop y algo de la electrónica también?”. Y así salió un disco de reversiones electrónicas de ese mismo disco, Pluma, que se editó en 2019. Y después, mezclando esas dos cuestiones, nace el disco que presenta ahora.

“Es como una tesis. En chiste lo digo, pero es un poco verdad. Yo venía más del pop, de la canción. No la tenía clara con la electrónica. Fue investigar también. Y este disco es como una especie de cierre, porque se armó una narrativa. Siempre hay una narrativa en los discos que uno va haciendo, pero acá se armó algo más concreto. Fue una investigación, después trabajar con la electrónica y después producir mi propia obra a partir de eso que yo había estudiado en esos cuatro años más o menos”, explica a elDiarioAR.

¿Y por qué llamarle “folklore oscuro”? “En la obra de Linares encontré dos vertientes bastante claras: una más vernácula, más dirigida a recuperar paisajes y como más hacia afuera, por decirlo de una forma, y otra que era más hacia adentro, más introspectiva y más reflexiva. Y me centré más en esa obra, en ese bucear interior”.

En ese sentido, pensó la oscuridad en un sentido amable y no relacionada con el miedo. “La oscuridad como una posibilidad, como ir hacia lo desconocido. Ese folklore me interesa. Para mí, por ejemplo, es el de Liliana Herrero. Ella tiene esa búsqueda de no trabajar solo en función de la identidad y de lo vernáculo y de los paisajes, sino del folklore que tiene que ver con el pueblo, pero en un sentido más profundo”.

“Y me parecía que estaba bien ‘folklore oscuro’ porque era poco definido, no cerraba. No es, no sé, chamarrita o chamamé, sino un folklore como algo que tiene que ver con lo identitario pero oscuro. Me parece que era una palabra que abría y ahí yo podía meter electrónica, dub, un montón de cosas. Era para ponerle un nombre a esa versatilidad”.

En esa búsqueda, iba haciendo juegos musicales que le sirvieron para avanzar. “Por ejemplo, imaginaba: si Enio Morricone fuese argentino y viviese en Jujuy, ¿cómo sonaría? O si tuviese que agarrar un tema de Atahualpa tal productor o tal artista, ¿qué pasaría?”

Además, convocó a artistas cuyos trabajos le interesaban mucho, como San Ignacio o Barda (Cecilia Gebhard), para que lo ayudaran.

En cuanto al título, Aparecido, iba a ser el de una canción pero no fue y quedó dando vueltas. “Es como esto de oscuro. No cierra el concepto. Es un poco ambiguo, genera la duda de 'che, ¿estoy entendiendo o no estoy entendiendo?' Y me interesaba que eso estuviera en el disco. Quedó dando vueltas esa palabra y después a empezó a aparecer por otras cosas”.

“En el interior las historias de aparecidos tienen una cosa re cautivante y para mí tenían mucho en común con el disco: esto de que tiende a la oscuridad, a la vez es algo cotidiano y a la vez es medio místico. También hablan de personas que no están pero que están presentes de otra forma. Y para mí el disco habla mucho de eso que nos guía, pero que no es visible: el afecto, el amor. La palabra fue conectando con las diferentes canciones”.

Además de San Ignacio y Barda, el disco cuenta con muchos otros músicos invitados: El Remolón, Javier Casalla, Barbarita Palacios, Juana Aguirre, Pablo Dacal, Camilo Carabajal, María Ezquiaga y el Coro Folke. En la presentación de este sábado 9 a las 20:30 en el Xirgu estarán Dacal y Ezquiaga y se suman el Coro de Garage y la cantautora Kalén.

Pol Nada admite que le importa mucho lo que puedan decir los folkloristas más tradicionales de su trabajo, aunque también aclara que no dejaría de hacer nada si la reacción no fuese buena. Recuerda que para él fue muy importante, por ejemplo, cuando recibió un mensaje de aprobación de uno de los Hermanos Cuestas, un famoso dúo de música folklórica entrerriana.

“Respeto mucho a los artistas que vienen haciendo ese laburo hace tanto tiempo. Desde Ramón Ayala, Los Hermanos Cuesta, Los de Imaguaré, son todas cosas que yo escuché mucho sin saber que las estaba escuchando. Y en cierto sentido tienen en mi historia personal igual o más peso que artistas que escuché y que busqué mucho como Fito (Paéz), por ejemplo. El folklore más tradicional forma parte de mi forma de encontrarme con la música tal vez no tan conscientemente”, señala.

Además, está abierto al diálogo. “Me interesa mucho lo que pasa después de hacer un disco. Hemos hablado con amigos músicos sobre qué sentido tiene hacer música, más pensando en esto de la inteligencia artificial que se viene con toda, etcétera. Y yo me planto siempre arriba de la idea de que hacer música o hacer otras cosas lo mejor que tiene es la posibilidad después hablar de eso, la conversación. Me parece lo más interesante. Entonces, desde ese lugar también, si el disco abre una posibilidad de conversación, a mí me re interesa”.

CRM

La Fundación Atahualpa Yupanqui organiza los días 7, 8 y 9 de septiembre el 1º Congreso Internacional Yupanquiano, dedicado a la obra del músico y poeta de Atahualpa Yupanqui y la pianista y compositora Nennette Pepin Fitzpatrick, su compañera musical y de vida. 

Los objetivos de este encuentro, con entrada libre y gratuita, son abordar aspectos de la obra del compositor y guitarrista y de su pensamiento filosófico, valorar el aporte musical de Nennette Pepin Fiztpatrick, que firmó muchas composiciones con él bajo el seudónimo de Pablo del Cerro, y fomentar la producción de nuevos compositores de la música de raíz folklórica argentina. 

La cita es en el Centro Cultural Córdoba (Av. Poeta Lugones 401 - Córdoba Capital) los días 7 y 8 de septiembre y en el Centro Cultural Casa - Museo “Agua Escondida” (Cerro Colorado), donde vivieran Yupanqui y su esposa, el 9 de septiembre. 

El congreso, que abrirá Roberto Chavero, hijo del músico y presidente de la Fundación Atahualpa Yupanqui, abarca exposiciones de especialistas, presentación de trabajos de investigación y/o ensayos, presentación de nuevas obras de compositores, una Feria del Libro Yupanquiano y del Folklore, conclusiones y un cierre con un recital con importantes figuras del folklore y la presencia del ministro de Cultura Tristán Bauer. 

Aún está abierta la inscripción para ponencias. Más información en la web de la Fundación Atahualpa Yupanqui.

“Don Ata” nació el 31 de enero de 1908, en Campo de la Cruz, provincia de Buenos Aires, y murió el 23 de mayo de 1992 en Nimes, Francia. Es considerado uno de los mayores referentes de la historia del folklore argentino.

El escenario del Festival Folklórico de Cosquín, el más importante de Argentina, fue bautizado con su nombre en 1972. En 1986 Francia lo condecoró como Caballero de la Orden de las Artes y las Letras.

Entre sus obras más conocidas figuran “Camino del indio”, “Coplas del payador perseguido”, “El arriero va”, “La añera”, “La pobrecita”, “Los ejes de mi carreta”, “Los hermanos”, “Luna tucumana”, “Piedra y camino” y “Viene clareando”.

CRM

Ya que la música de raíz folklórica vive un momento de efervescencia, juntemos a varios de sus representantes nuevos más interesantes unos días en un estudio de grabación a ver qué pasa. Un poco así fue la idea que tuvieron el ingeniero de sonido Andrés Mayo y la cantante, guitarrista y productora Lucy Patané hace unos cuantos meses.

Armaron una lista y así fue como en marzo por casi una semana reunieron en una residencia artística en el Estudio Sonorámica en Mina Clavero, Córdoba, al cantante chubutense Tomi Llancafil, el multiinstrumentista tucumano Manu Sija, el cantautor uruguayo Mocchi, la pianista Noelia Sinkunas, la bandoneonista Milagros Caliva (ambas bonaerenses), la cantante y pianista misionera Flor Bobadilla Oliva y la cantante catamarqueña Nadia Larcher. De la experiencia, surgieron siete canciones inéditas, que se difundirán próximamente en un disco, y un documental, que se está terminando de editar.

Algunos eran amigos, otros ya habían tocado juntos alguna vez y otros no se conocían. Pero la experiencia resultó fructífera y motivadora y en los próximos días comenzará a circular un adelanto del resultado final.

En una charla con elDiarioAR, Mayo y Patané se explayaron sobre esta original residencia artística, que por el momento lleva el título de Proyecto Sonorámica. Y también algunxs de los músicos participantes dieron su testimonio (ver abajo).

-¿Cómo se les ocurrió juntar a este 'dream team' de músicos en una residencia artística?

-Lucy Patané: Hubo bastante de lo que se dice brainstorming. Nos juntamos bastante a pensar. En realidad, fue una idea inicial de Andrés, pero después se fue llevando para otros lados. Simplemente hubo una pequeña premisa o condición, que es que sean personas que están dando vueltas por el género folklore pero como bordeándolo, de alguna manera, personas que estén buscando experimentar o buscar algo diferente dentro de ese género. Entonces un poco empezaron a surgir los nombres.

-Andrés Mayo: A mí me gusta mucho sacar fotos. No literalmente hablando, sino retratar los momentos. Yo había producido un documental que se llama Charco - Canciones del Río de la Plata (2017), que por suerte todavía sigue girando, y me pareció que era una buena foto del momento que se vivía entonces. Y esto intenta hacer lo mismo, quizás un toque menos ambicioso en cuanto al despliegue de producción, pero la misma idea de decir: a ver, hay gente recontra talentosa, como dice Lucy, que salen de lo estándar y que uno sabe que están haciendo cosas y que merecen muchísima más visibilidad. Tenía esa idea, no sabía mucho cómo concretarla, pero sí que quería que fuera un retrato de este momento. Y la primera persona en la que pensé fue en Lucy para que me ayudara a tratar de llevarla lo más lejos posible en términos de producción artística y técnica. Y ahí sucedió que la tercera persona con la que nos juntamos fue Nadia Larcher. Tuvimos una reunión en su casa que estuvo buenísima y salieron un montón de nombres. Me acuerdo de haberme llevado de esa reunión anotados como 20 o 25 nombres, que eran todos espectaculares. Igual sabíamos que no iba a haber lugar para tantos. Después tuvimos que empezar a pulir para que la cantidad de gente estuviera de acuerdo con la cantidad de días, porque si llevábamos 20 personas no íbamos a poder estar solo cinco días. Y había también alguna limitación no solo de presupuesto, sino también de posibilidades de estar en un lugar en el cual estás aislado de todo. Y si nos quedábamos un montón de días como que todo arranca muy bien y en algún momento se empieza a desbandar.

- ¿En esos días se compusieron estas siete canciones que forman parte del proyecto? ¿Ya venían con las canciones? ¿Cómo fue ese proceso?

-LP: Cada persona llevó una canción. Las mostraron un poco antes, pero la verdad es que no hubo una preproducción. Fue un poco: estas son las ideas que se llevan y se tocaron y se grabaron ahí. O sea, no es que hubo un proceso previo. Se compartieron, sí, pero fue como una escucha y nada más. Entonces un poco el proceso era mostrar la canción en el momento y todes la iban arreglando y se grababa.

-Y son canciones inéditas, ¿no?

-AM: Sí, alguna creo que ya había sido grabada en otra versión. Pero en general, sí, eran inéditas. Y la idea que teníamos con Lucy era poder tener por lo menos un par de reuniones antes para que no fuéramos tan desprovistos, tan a ver de qué se trata, porque encima había gente que ni se conocía. Pero eso no pasó. Nos juntamos una vez, que estuvo muy bueno, a escuchar. Y eso fue todo. O sea que íbamos bastante en bolas, digamos. Pero salió bien. Salió muy bien. Lo que mejor funcionó para mí fue cómo nos organizamos humanamente y a nivel de tiempos. Porque si vos pensás en cinco días hacer siete temas es un montón. Y esto lo tengo que decir porque corresponde decirlo: aprendí mucho de Lucy, porque yo sentía que el tiempo que teníamos ahí nos iba corriendo y a ella la veía muy relajada. Y entonces yo miraba y decía: ¿cómo puede ser? ¿Por qué? Algo no me cerraba. Y después, con el paso de los días, me fui dando cuenta que esa era la actitud para que todo saliera bien. O sea, aprendí la estrategia.

-LP: Igual, sí, era un desafío muy grande que un grupo de personas se organice y entienda un proceso que, en realidad, nosotros tampoco es que fuimos con una forma de trabajo armada. Fue como, bueno, veamos a ver qué pasa en el momento. Hay un detalle importante y es que está todo grabado en vivo. O sea, estaban todas las personas adentro del estudio y se grababan todos los instrumentos a la vez. Y les músiques podemos perdernos mucho en los detalles cuando grabamos. Podés hacer mil versiones hasta que queda perfecto. Entonces el primer día creo que fue el más crucial, porque todes entendimos que no íbamos a ir a fondo a los detalles, sino que la búsqueda era que pase algo. Y en ese que pase algo muchas veces puede haber alguna que otra desprolijidad, pero lo que se registra en ese momento es único. Si después te ponés a corregir o a grabar por separado, todo eso se puede perder. Y ahí siento que empezó, que se entendió el proceso y fluyó a full.

- Y desde el principio esto quedó registrado en un documental. ¿Que qué es lo que muestra el documental?

-AM: Intenta ser una foto viva de ese momento. El documental está en proceso y sería un poco irresponsable contarte cómo va a ser hasta que no esté por lo menos bastante más avanzado. De hecho, va a salir un avance ya en estos próximos días. Pero el avance no pretende ser una muestra chiquitita de lo que va a ser todo el documental, sino que son imágenes que muestran registros totalmente al azar de momentos. Y esas imágenes mezclan un poquitito tomas de exteriores, alguna cosita que se hizo en tono de entrevistas. Lo que tiene de bueno es que una gran parte se hizo en fílmico, en 16 milímetros, y eso le da un toque muy especial a la imagen. Yo le tengo mucha fe y me encanta cuando charlamos con Lucy y vemos que se lograron las cosas más importantes. Se logró comunidad de gente que, en algunos casos, ni se conocían. Yo siempre doy el mismo ejemplo: Mocchi, que era quizás la persona más externa al grupo porque no tenía mucho contacto real con ninguno, se volvía en auto desde Mina Clavero. O sea, tenía un viaje largo y el resto se volvía en el bus. Bueno, cuatro personas cancelaron sus pasajes de vuelta para volverse con él. Espectacular. Y eso después de cinco días. En esos cinco días se dio una cosa de hermandad muy alucinante. Y después todo el mundo fue a los conciertos de quien tocaba. Iban todos. Eso es alucinante. Trasciende completamente el proyecto. El proyecto logró ya un objetivo sin haber salido todavía.

-¿Todos grabaron en todas las canciones?

-LP: Sí, sí, creo que sí. Quizás alguna que otra cosa, pero sí, siempre era estaban todos ahí adentro.

-¿Y cómo son entonces los próximos pasos?

-AM: La idea es que este primer avance sirva para hacer circular el proyecto. Tal vez ese avance sirva para contar de qué va y después salga todo junto el resto, que son dos partes: el documental y el disco, que no son exactamente lo mismo. Porque el documental quizás tenga partes de las canciones, pero no todas probablemente. Y el disco sí va a tener todo, las versiones completas. Incluso hay una versión muy hermosa de un tema de Flor Bobadilla que tiene una impro muy larga y esa impro puede que esté en el documental y no en el disco, o al revés. Son armados distintos para lo visual y para lo puramente auditivo.

-¿Tienen fechas ya?

-AM: Creo que antes de fin de año, porque el documental ya está en proceso y la idea es sacarlo antes de fin de año. Porque además el documental va a tener un recorrido en festivales. No es solamente colgarlo en YouTube. Adriano Bruzzese, que es el director, es una persona muy conectada con el cine. No tengo ninguna duda de que este documental va a girar, quizás no solo en los circuitos locales, sino muy probablemente afuera también. Porque además una cosa buenísima que pasa con este documental es que la gente es cada vez más conocida. De golpe vos la ves tocar a, no sé, Noelia Sinkunas en un megafestival acá y decís: ah, es la misma que está acá. Y empezás a linkear. Es toda gente re grosa y que dentro de diez años va a ser mucho más grosa todavía, mucho más conocida. Entonces va para arriba, digamos.

-Los dos tienen mucha experiencia en la música argentina, conocen muy bien el mundillo. ¿Por qué creen que surgió esta generación ahora haciendo un folklore así más experimental?

-LP: Creo que todo el tiempo se están dando esos fenómenos. Yo que soy un poco más del palo del rock estoy todo el tiempo analizando qué pasa, qué no pasa y cada tanto me cruzo con alguien de otra generación, más grande, que me dice: esto también pasaba en los 80. No soy una experta en género folklore, pero para mí todo se traslada a todos los géneros. Y todo el tiempo se están rompiendo ciertas estructuras. Me parece que ahora se ve un poco más porque todo es más visible con las redes, con todos los canales de difusión que hay. También la gente que convocamos está bastante en un circuito más disidente. Entonces también hay una cosa ahí de romper con muchas estructuras, no solamente con un género musical. Se da una combinación bastante fuerte de todo, de diferentes formas de ver la vida. Eso combinado con lo cultural es una movida bastante fuerte. Pero para mí todo el tiempo hay rupturas, todo el tiempo se rompe y eso abre a lo que viene después. Sí particularmente este grupo de personas tiene mucho talento real. Yo participé en algunas canciones tocando. Por lo general estaba del otro lado con Andrés, pero a veces tocando. Y yo ya he hecho cosas, por ejemplo con Noelia Sinkunas, varias veces, y no me deja de sorprender. Hay un talento que es muy grande y lo mejor es que saben qué hacer con eso. Porque no solamente es mover los dedos y poder tocar bien. Es qué tocas, qué decís, dónde lo decís, con quiénes lo decís. Me parece que esa parada un poco más política de alguna manera también lo hace un poco más visible.

-AM: Sí, yo creo mucho en los en los ciclos. Los ciclos son muy notorios en la Argentina y en cualquier parte del mundo. Y muchas cosas aparecen como pequeñas respuestas a lo que está pasando y pequeñas contraculturas. Así como apareció el rock en su momento y era la contracultura y era en sí mismo tremendamente cerrado. Y a Rata Blanca los putearon cuando tocaron en boliches de cumbia, por ejemplo. Y hoy en día esa contracultura es mezclar todo. O sea, Noelia Sinkunas tiene una banda de cumbia, que es Cachitas Now, tiene Flamamé, que hace chamamé, y toca tango. Y está todo bien y hace bien las tres cosas y podría hacer 10.000 más y todas las va a hacer bien. Finalmente estamos llegando a ese punto en el que la música no tiene ese tag y ese género, sino que realmente algo que cruza todas esas distinciones. Y en el medio, qué sé yo, el rock. Pero después el rock pasó al pop. Tuvimos un pop espectacular durante diez años y se lo vendimos a todo el mundo. Y después apareció el rock chabón de tres acordes que no se lo vendíamos a nadie. Y después aparecieron los Lucio Mantel y los Tomi Lebrero, cantautores. Después apareció el trap. Y ahora esto, que no tiene nada que ver con nada y que de alguna manera es sorprendente por todos lados. Yo la escucho tocar a Milagros Caliva y me emociona más que ningún bandoneonista argentino. No te lo puedo explicar. Y tiene 22 años, 23 años. O sea, ¿cómo sucede eso? No sé, pero es increíble. Entonces me parece que ahí hay algo y esa es la foto que yo quería que sacáramos.

“Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

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