La gente estalla en risas en un momento de la proyección del film Nuestra tierra, cuando Carlos Páez de la Torre (1940-2020) –periodista, historiador, premio Kónex– pregunta entre canchero y divertido: “¿Yo escribí eso?”. Se está refiriendo a un dato que plantó hace décadas en La Gaceta de Tucumán y que fuera citado en contra de la comunidad indígena Chuschagasta en el juicio posterior al homicidio de Javier Chocobar. En esa nota, afirmaba que dicho agrupamiento diaguita había desaparecido en 1807. Y en la pantalla, Páez sigue chichoneando: “Bueno… Hay que publicar algo todos los días”.

Lógicamente, esa risa del público no excluye un regusto de indignación. Un verdadero hallazgo haberle hecho esa consulta al historiador, obviamente en el transcurrir de los 15 años de preparación y maduración de este documental: con ese logro humorístico (negro) se pone en evidencia con contundente síntesis la ligereza y simplificación con que se ha abordado la historia, la cultura y los derechos de los pueblos originarios. Generando así desde la educación escolar, desde la literatura y los medios una mentalidad de subestimación, cuando no de abierto racismo hacia los indígenas, pobladores ancestrales de las Américas antes de la Conquista avasalladora del llamado –desde el punto de mira eurocéntrico– Nuevo Mundo.

Localmente, claro que hay excepciones a este menosprecio. Entre las cuales, como muestra, la fascinante novela de Sara Gallardo Eisejuaz (1971, felizmente reeditada el año pasado por el sello Fiordo), donde un mataco (wichi) toma la palabra propia del colonizador y la retuerce y la desordena para contar en una lengua paralela su desgracia, tan parecida a la de la mayoría de los indígenas locales expoliados, despojados, marginados. Otro ejemplo en las artes de una mirada afectuosa y comprensiva: las hermosas fotos tomadas por Grete Stern entre 1958 y 1964 a integrantes de comunidades autóctonas del Gran Chaco. Propiamente la contracara de las hechas por europeos en el siglo XIX, comienzos del XX.

Hace rato que la salteña Martel es consciente de esta incalificable desconsideración hacia los descendientes de pueblos originarios a los que, de distintas maneras, ha valorizado con enfoque humanista y genuinamente democrático, volviendo patente su exclusión, su inferiorización. Pero fue particularmente en Zama (2018), personal adaptación de la gran novela de Antonio di Benedetto (de 1956, antecediendo a Eisejuaz), que sucede en el siglo XVIII, en plena descomposición (pero no eliminación) del sistema colonialista, donde esta artista trae a primer plano la presencia indígena. Lo hace desde el comienzo del film, con esas indias de alegre recreo, solo embadurnadas de arcilla, más adelante los jinetes ciegos guiados por sus hijos, indios pintados de rojo; e incluso negras y negros arrancados de África (muchos de sus descendientes serán enviados a luchar en la Guerra de la Triple Alianza, un siglo después). En el film Zama, un personaje que critíca el sistema de encomiendas creado para convertirlos a la fe católica y explotar el trabajo de los indios, con derecho a castigarlos severamente. Así fue que integrantes de los pueblos originarios llegaron a participar en la construcción de iglesias, en una de las cuales, que aparece en Nuestra tierra, se puede ver un fresco –pintado mucho más tarde– donde un par de santos echa rayos a indios incendiarios.

Durante la investigación para la realización de este documental actualmente en cartel, LM, además de encarar el muy laborioso rodaje de Zama, dirigió en pandemia el mediometraje Terminal Norte donde, entre otras músicas y cantoras, se hace notar Lorena Carpanchay, primera bagualera trans de los Valles Calchaquíes a quien la anfitriona Mariana Carrizo, grandiosa coplera (cuya voz se escucha en off en Nuestra tierra), llama “mi trava diaguita”.

De dónde son los colonialistas

Parafraseando un dicho que se adjudica a varios buenos actores del siglo pasado –la tragedia es fácil, lo difícil es la comedia– se podría decir algo parecido de la colonización y la descolonización. Salvando, por supuesto, los costos en vidas humanas, destrucción de culturas y enorme sufrimiento que siempre han sido consecuencia de las invasiones violentas en territorios ajenos desde hace milenios. Tanto tiempo, sí, porque la palabra colonia viene del latín (siglos V-VII AC). “Grupo de gente de un país que se establece en otro para aprovechar sus recursos naturales. Ejemplo, las colonias fenicias en el Mediterráneo”, anota María Moliner en su famoso Diccionario del uso del español. 

Se podría añadir que esa forma de apropiación y dominación, más allá de que se hayan liberado gran número de colonias entre el XX y el XXI, permanece hasta nuestros días, por ejemplo, en la iniciación o la continuidad de ciertas guerras. Asimismo, aunque menos evidente porque se suele disimular, perdura en los resabios de un pensamiento o unas conductas con vestigios ultraconsevadores, de espíritu supremacista.

¿Durante cuánto tiempo, siempre dejando de lado por completo a los pueblos originarios, se llamó Madre Patria a España en la escuela, el habla cotidiana, no solo en la Argentina? Pasando por alto los diversos mecanismos de genocidio de los habitantes naturales de estas tierras, ya mediante la fuerza de las armas, ya por la exposición al contagio de enfermedades que no conocían, ya por desplazamientos impuestos a través del citado sistema de encomiendas. Que, dicho sea con toda intención, fue establecido en 1503 por un clérigo que había leído mal, muy mal las palabras de Jesucristo sobre el amor al prójimo: Fray Nicolas de Ovando. También hay que reconocer que fue otro clérigo, Fray Bartolomé de las Casas, dominico que llegó a ser encomendero en el siglo XVI, quien, cuando conoció cómo funcionaba realmente esa invención hipócrita, repudió la práctica y abogó firmemente en favor del derecho de los indios, a quienes consideraba plenamente humanos.

Este dominico tan erudito como honesto y compasivo, escribió una serie de crónicas destinadas a la Corona sobre las atrocidades cometidas contra los indígenas de las Américas en la primera época colonial. La más conocida: Brevísima relación de la destrucción de las Indias (escrita en 1542, publicada en 1552). Aunque también se encargó de defender a los esclavos de origen africanos, el título que le quedó fue el de Protector de los Indios.

En buena medida, el menosprecio de las etnias autóctonas se puede atribuir a la opinión instalada en las clases altas terratenientes (que como dice un integrante de la comunidad en Nuestra…, “empezaron a llamarnos los gauchos, la peonada”). Y sin entrar ahora en el tema del trato que recibían las mujeres indígenas como mucamas con cama adentro, las “chinitas” en esa clase social.

Bastante más que un oportuno documental

Según la agencia Tierra Viva, el año pasado la Unión de Pueblos de la Nación Diaguita afrontó otra oleada de desalojos, de persecusiones judiciales y otras violencias en su territorio. El hostigamiento del que fueron objeto los integrantes de la comunidad Chuschagasta para quitarles su territorio de siglos persiste, así como no prospera el reconocimiento de las etnias autóctonas, sus tradiciones y lenguas. El caso del asesinato de Javier Chocobar y las heridas graves infligidas a Andrés Mamani y a su primo Andrés por parte del productor agrícola Darío Amín y sus dos esbirros para adueñarse de la cantera de piedra laja en el territorio de la comunidad, no es un hecho aislado en el norte de la Argentina. La muy extendida duración de ese proceso judicial (Amín, condenado a 22 años por homicidio agravado, murió de covid en la pandemia, sus laderos ya están en libertad) es una prueba más del ninguneo de la Justicia. Tucumana, esta vez.

Como se sabe, porque merecidamente Nuestra tierra ha tenido mucha difusión en los medios, reseñas elogiosas y, por su lado, Martel se ha prestado con excelente onda a numerosas entrevistas, este documental ofrece escenas de la reconstrucción del crimen con los comuneros observando; las imágenes del celular del matador cuando rodó por el suelo (el tipo estaba grabando para obtener pruebas de la reacción de los chuscha cuando los provocara) consiguen por puro azar objetivo un efecto aterrador. Las escenas del juicio donde, sin subrayados, se impone la mala fe, la violencia apenas contenida, el aire de superioridad de los acusados, de abogados y abogadas, de los magistrados. Y sin intentar impacto maniqueo, frente a ellos conmueve la seriedad, la dignidad, la entereza de los comuneros que fueron heridos, de los que acompañan en la sala.

Además de la breve y rotunda entrevista a Carlos Páez, hay una pocas y concisas respuestas de otras personas que en ningún momento se convierten en las típicas cabezas parlantes de docs del cine o la tevé. En sus medidas y calmas participaciones, Hortensia Mamani, viuda de Javier Chocobar expone antiguas fotos familiares, las identifica, hace sus comentarios. Resulta evidente que Martel y su equipo se han ganado su confianza, al igual que la de otros comuneros (aunque a otra señora la tuvieron que esperar 10 años para que prestara sus fotos).

La directora –casi se podría decir: humildemente– se mantiene en el plano del documental sin fiorituras, consiguiendo el efecto buscado: esto que estamos viendo es la vida real en una parte de nuestra tierra, en una provincia poco registrada por las cámaras, por los noticieros, salvo en alguna fecha patria. LM sabe que acá no es cuestión de planos complejos, de belleza pictórica. Acude al comienzo a la ya célebre imagen satelital de la tierra tomada por la NASA, para recalar en el verdor tucumano, en una cancha donde chicas juegan al fútbol; también transige con el uso práctico de drones. Pero en algunos momentos le salta la india salteña poeta y filma algunos animales como solo ella sabe hacerlo (ver si no la llama-personaje en un interior en Zama, en perfecta actuación). Y va al rescate de gallinas en una cocina, se detiene cerca de unas cabras, vuela con las aves y acepta que un cóndor le tire un dron. Y hay que ver cómo mira a ese caballo en medio de un campo, inmóvil unos buenos segundos. Al ratito, cuando el animal lo dispone, se va a trotecito, sale de escena por la izquierda. Sin simbolismos, eh.

Lucrecia Martel es algo más que una cineasta. Es una persona que cuando habla el resto calla y escucha, porque sabemos que de su boca va a salir una reflexión que nos haga pensar de otra forma. Igual que sus películas, obras maestras como La ciénaga o La mujer sin cabeza, nos hacen plantearnos las normas del cine establecido, las intervenciones de la cineasta en las clases magistrales que ofrece en universidades y festivales expanden la forma en la que nos cuestionamos todo. Solo hay que recordar aquel emocionantísimo discurso para entregarle el León de Oro honorífico a Pedro Almodóvar. En apenas unos minutos, logró que el cine de Almodóvar resonara en toda su magnitud poética y política.

Martel no se doblega. No se une a las corrientes dominantes. Dice lo que piensa, y lo justifica. Es una defensora acérrima del diálogo, incluso con el que piensa diferente. Así cree que se puede avanzar. Ahora, la editorial Caja Negra edita en un libro esas conversaciones que dio en museos, universidades y que mantuvo con colegas de profesión como la española Carla Simón. Un libro para subrayar frases, para repensarnos. Para intentar, como pide ella, “convocar un destino común”. Uno en el que quepan todos. Los pueblos indígenas, los que viven en los márgenes, los olvidados... Una forma de mantenerse optimista mientras reinventamos el cine, y el mundo que nos tocó vivir como de alguna forma intenta su nuevo filme, Nuestra tierra. Para ella cada palabra cuenta. Cada término es una forma de cuestionar algo. Por eso prefiere contestar a esta entrevista por cuestionario, para poder reflexionar cada respuesta.

-Tengo la sensación de que la desazón es el sentimiento que se desprende de sus últimas charlas, ¿lo sigue teniendo?

-Comparto con la mayoría una preocupación acerca del futuro. Tenemos mucho por hacer para que no sucedan las penurias que imaginamos, y en ese sentido estoy optimista, porque nos quedan todavía jugadas por hacer. Quizás si ha percibido cierta desazón es porque es mucho trabajo.

-¿Hasta qué punto cree que la pandemia y, de alguna forma la llegada de las plataformas, fue un punto de inflexión en esa desazón?

-Todos hemos pensado cosas singulares en esos días. Además de ver animales de excursión en nuestras ciudades, de escuchar pájaros que no sabíamos que teníamos de vecinos, y dormir con menos ruido, además de esas cosas magníficas, unas premoniciones oscuras nos invadieron. La primera, que ya era bastante obvia en Latinoamérica, es que la salud es un lujo de los ricos. Y quien tenga más dinero accede a mejores remedios. 

En ningún pueblo se rompieron las puertas de las iglesias para salir en procesión y que la Virgen pare la peste, porque la peste había escapado de un laboratorio y solo otros laboratorios podían detenerla. Nuestros dioses empezaron a palidecer. Eso nos ha pasado. Delegamos la salud en la ciencia. La vacunación fue una nueva forma de comulgar. Al menos las fotos que se publicaron de vacunación se parecían mucho a las de mi primera comunión. Yo, que he perdido la fe hace mucho, no me preocupé por esto. 

Ser solidario era quedarse encerrado, esa fue la frase que prendió en mí la alerta. Nos dejamos encerrar por gobiernos que negociaban vacunas rodeados de sospechas de corrupción, haciendo negocios millonarios, mientras los ciudadanos estábamos enfermos o separados de nuestros enfermos. No puede sorprendernos que el interés en la política haya decrecido. La economía se paró, y la economía de las pequeñas empresas se hizo pedazos. Pero los gobiernos vieron cuánto más fácil era gobernar con la gente encerrada y asustada. Y entonces no debe sorprendernos el ascenso de la derecha.

El encierro fue mucho más llevadero porque hace tiempo que nuestro espacio vital se ha restringido. La tecnología de las comunicaciones genera la fantasía de la visita, que es otra cosa. Ir de visita es otra cosa. Comunicarnos con símbolos, con solo sonidos, con imágenes planas, es algo que también hacen las máquinas. Nosotros necesitamos un poco más. Las plataformas nos ofrecieron infinitas horas de series, películas con las que paliar el insomnio, la angustia de que algo sin precedentes nos estaba sucediendo. Y nos doblegamos ante la tecnología y sus gurúes por miedo a la muerte. Aunque fuera también la tecnología del transporte responsable de la expansión del virus, la tecnología de los laboratorios la que afiló los colmillos. Empezamos a sentir que esta Tierra era demasiado chica, demasiado sucia, quizás si fundáramos colonias en el espacio… Y abandonamos nuestro planeta. En nuestro corazón, ya no estamos aquí, la mayor parte del tiempo estamos en el espacio, en un futuro que no necesita de mucha gente. El festival de los ansiolíticos.

-¿Qué rol tiene el cine ante este panorama? ¿Hay una necesidad de, a pesar de ello, ser optimista?

-Voy a llamar cine, como acordamos con Ernesto de Carvalho, antropólogo y compañero clave de Nuestra Tierra, a toda narración que haga uso de imágenes y sonidos. Parece lo mismo, pero es algo que hay que inventar con nuevas ideas de narrativa, de financiación, de distribución. El cine puede alterar la percepción agotada de prejuicios, intoxicada de tecnologías de control. Como antes alteraba a los indios las plantas sagradas. El cine puede permitirnos volver a ver algo que no estábamos viendo, porque las hemos naturalizado. Puede hacernos escuchar cosas que por constantes hemos dejado de escuchar.

Puede que parezca una exageración, pero este cine que deseamos inventar es un buen refugio para toda persona que tenga pensamiento crítico y ame este planeta. Para todos los que sienten curiosidad por los otros de nuestra especie y de otras. No es un cine para enunciar verdades. Y una buena noticia, para ser parte de este cine no hay que hacer decenas de películas, no es un cine para tener una carrera de director de cine, no es un cine para por fin hacerse la pileta en el fondo de la casa, sino para ir en busca de la aventura de habitar un planeta. No es un manifiesto esto, es un deseo que comparto con muchísimas personas.

-Para usted el lenguaje es una forma de encontrarse con los otros. Defiende conversar con gente que no piensa como nosotros, ¿no es cada vez más complicado?, ¿qué puede sacar uno de una conversación con, por ejemplo, alguien de extrema derecha?

-Cuando uno habla con alguien, un rato serenamente, las etiquetas con las que catalogamos a las personas se desvanecen. Ese es el momento donde se puede transformar el mundo. Hay que llegar a esos momentos, cuanto antes. La disposición al diálogo no para evangelizar, sino para entrar en el laberinto del otro, para tratar de comprender cómo ve el mundo. No significa acordar, pero es el primer paso para tener algo en común. Es necesario erradicar la idea de enemigo, porque con esa idea llegamos hasta acá y no estamos felices.

Cuando uno habla con alguien, un rato serenamente, las etiquetas con las que catalogamos a las personas se desvanecen. Ese es el momento donde se puede transformar el mundo

Lucrecia Martel — Cineasta

-¿Vamos al cine a que nos den la razón?

-El cine de la sustitución de una verdad por otra es el cine de la razón. Como le decía antes, limitar el cine a la función de informar nuevas verdades, es una pena, porque no se trata de cuál es la verdad que debe ser desbancada, sino de con qué artimañas construimos consenso o imponemos sobre los otros una idea supraeterna a la que todo debe doblegarse. Alguien puede decir, pero debe haber una forma de definir un hecho, algo que ha sucedido. Por supuesto, pero es eso justamente una forma de definir.

-¿No está de moda también una ‘ambigüedad’ que acaba siendo una ausencia de posicionamiento que puede ser apropiada por cualquiera? 

-Si está de moda, es cuestión de esperar que pase la moda. No es para preocuparse. De lo que yo hablo no es de no tener posiciones, sino de no imponerse sobre la humanidad como si uno fuera la única cosa buena. Mantenerse alerta porque tampoco las posiciones permanecen fijas. Ojalá me equivoque, pero creo que viene el tiempo en donde creer va a ser un peligro. Antes de creer en una noticia, antes de creer en una imagen, antes de creer en un grito en la calle, vamos a tener que hacer muchísimas operaciones intelectuales, y físicas. La gente que abraza las verdades eternas va a ser la más fácil de engañar.

-Dice que las películas no son nada si no hay una conversación después, ¿ha perdido el cine esa capacidad?

-La oferta descomunal de películas producidas con fines empresariales, me refiero a las compañías que llaman contenido a las películas, no aspiran a la conversación sino a las visualizaciones, los likes, o lo que sea que midan y puedan evaluar económicamente. A veces son muy interesantes, y sin embargo nuestras charlas sobre eso se agotan muy rápidamente. Todos sabemos con total claridad que se produce más de lo que necesitamos. Y lo que se produce, también hablando en general, no surge de una necesidad humana sino de unos objetivos de expansión de las empresas que a esta altura de los problemas energéticos y ambientales resulta incomprensible. Todos sabemos que la cantidad de basura que producimos es inmanejable. Las conversaciones requieren de más tiempo, el pensamiento requiere de más tiempo. Nuestra forma de consumo está marcada por la manipulación y la ansiedad, y eso requiere de aceleración del tiempo. Muchísimas películas quizás tienen el poder de generar conversaciones, pero no en este modo de consumo.

-¿Hay un vínculo entre un cine cada vez más conservador y una sociedad más conservadora donde vivimos el auge de la derecha cada vez más claro?

-El cine las películas, los libros, la música, reflejaban antes a las sociedades donde se producían, pero ahora no lo veo tan claro. Al igual que la comida o la oferta de tecnología personal, lo que consumimos refleja los objetivos de las empresas, y pocas veces el consumidor puede ejercer su voluntad de ciudadano, o simplemente de humano, y elegir. La idea de libertad de oferta y demanda es una falacia que contradice todo lo que nos rodea. ¿Cuánta decisión hubo en la gente en torno a los smartphones? Muchos padres que tienen hijos adolescentes y niños no están tan felices con este invento tal como es, y desearían otro tipo de tecnología.

-Defiende el uso de la lengua y su posible extinción si no nos esforzamos, por otro lado, siento que en las plataformas se vive un momento en el que hay hasta cierta fetichización por la lengua: “la serie más vista es en coreano”, “el éxito de la ficción en español”. ¿En qué momento se encuentra la lengua española en ese sentido?

-Me parece que justamente estamos en un momento de transición en cuanto a las lenguas. Porque las lenguas madres, sobre todo las que han tenido colonias, engrosan el aprendizaje de las máquinas, y están cada vez más disponibles los traductores, las versiones dobladas. Muchas lenguas como el español están en una primavera de disponibilidad. No sé cómo seguirá este fenómeno.

-Apuesta por reinventar el cine, ¿cómo podemos hacerlo?, ¿cómo de importante es que esa reinvención incluya a aquellos que hasta ahora se ha dejado fuera?

-Reinventar el cine requiere, indudablemente, del acceso de personas que históricamente han estado marginadas de esta industria. Cómo se hace esto como política cultural de un país, no sé. Yo sé cómo se hace esto personalmente, en pequeños grupos. Y la palabra clave es salir a la calle, caminar, conversar.

-Leyendo el libro, y tras ver la película, tengo la sensación que Nuestra tierra ha sido una obra que le ha tocado de forma profunda, ¿tiene la sensación de haber hecho —perdón por la obviedad del adjetivo— algo importante?

-Algo importante para mí, sin duda. Algo importante para el norte argentino, muy probablemente. Algo importante para el mundo, ojalá. Tengo claridad sobre lo que deseo hacer en el futuro, no sé si va a ser fácil. La facilidad nunca ha sido la emoción con la que se va a las aventuras.

Es realmente alarmante si un gobierno teme más al movimiento LGTB y al feminismo que a las compañías de extracción de datos de los ciudadanos

Lucrecia Martel — Cineasta

-En un momento de crisis política evidente, ¿cree que el cine debe ser más explícitamente político?

-Creo que la crisis excede la definición de política. Todos los días la mayoría de los humanos pensamos, o leemos, o vemos, algo relacionado con la extinción del planeta, la extinción de la especie humana. La posibilidad del reemplazo definitivo del hombre por máquinas inteligentes. La sumisión de nuestros gobiernos a las empresas de tecnología multimillonarias. Nuestra propia ofrenda diaria de datos íntimos a aplicaciones dudosas. Habría que preguntarse qué es políticamente explícito. Creo que el cine de propaganda es muy explícito e inútil, en términos de generar reflexiones. Como dije más arriba el cine puede alterar la percepción, sacarnos un rato de ese río de sustitución de información permanente para entregarnos a otra cosa, a algo que desnaturalice lo que llamamos realidad. Eso no impone una agenda, sino que habilita el pensamiento. Quizás ha llegado la hora del cine clandestino, en los términos de Clarice Lispector, una felicidad clandestina.

-Pide en el libro “convocar un destino común”, y pienso cómo en Argentina Milei rompió el sistema de producción de cine. ¿Se rompió también esa posibilidad de imaginar un destino común, es más difícil ahora?

-Lo más importante que se ha roto en nuestro país es la confianza en la delegación de poder en las fuerzas políticas que lo disputan. Los ciudadanos argentinos apuestan, como se apuesta a una criptomoneda que nos salve, mucho más que a lograr un buen trabajo, o que estudiar sea un camino para lograr un buen trabajo. Cualquiera en Argentina sabe, y esto no es un logro de Milei, viene desde hace mucho tiempo, que las casas más grandes en los barrios son de funcionarios del gobierno. Este gobierno, al igual que el anterior, cree que la cultura es una batalla. Que los enemigos son todos los que no son ellos, pero es difícil entender qué es lo que creen de sí mismos los libertarios, porque no conversan, gritan palabras que suenan bien como libertad, pero inmediatamente las contradicen con actos de restricción a la prensa, a la información pública, a las libertades sexuales de las personas.

Cualquier fuerza política de un país subdesarrollado que no tenga en su agenda la educación como la principal necesidad en un mundo cada vez más complejo para el discernimiento humano, es realmente alarmante. Si un gobierno teme más al movimiento LGTB y al feminismo, que a las compañías de extracción de datos de los ciudadanos para vaya a saber qué fines. Que siga permitiendo que la casa más grande, la fortuna más grande se hace como funcionario, que el narcotráfico se combate matando transas en barrios pobres, desde mi punto de vista, es un gobierno condenado a la irrelevancia.

Después de la espectacular recepción que tuvo su premiere en el Festival de San Sebastián, acaba de llegar otra muy buena noticia para Belén, la película de Dolores Fonzi sobre un dramático caso que puso en alerta y movilizó al colectivo feminsta argentino. Apenas un par de días antes de que se conozca el resultado de la votación del jurado que decidirá qué película se lleva la Concha de Oro, el premio destinado al mejor film de la competencia oficial en la que participa el largo de Fonzi, la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de la Argentina informó que Belén es la candidata argentina para participar de la preselección de la categoría de mejor film internacional en los premios Oscar y en el rubro de mejor película iberoamericana en los Goya, que se otorgan en España. Ahora es cuestión de esperar la resolución del jurado de esta edición de San Sebastián, presidido por el cineasta catalán Juan Antonio Bayona y con una integrante argentina, la popular actriz y cantante Lali Espósito. 

Mientras tanto, la edición 73 de este tradicional festival de cine que se lleva a cabo en una de las ciudades más bonitas del País Vasco sigue adelante. La popularidad del evento es indiscutible. En la época de esta contagiosa fiesta que la ciudad vive a pleno, los hoteles están atestados y hay mucha gente circulando por la calle a todas horas. Las funciones están casi siempre llenas, son de verdad muy pocas las ocasiones en las que quedan algunas butacas vacías. Conseguir entradas para ver películas de la sección oficial, de hecho, requiere ser precavido y gestionarlas con un buen tiempo de antelación.

En la sección Perlak del festival se agrupan películas de directores ya consagrados en el circuito de festivales. Muchos de ellos tienen un pie en el mainstream, pero se trata de cineastas con la personalidad suficiente como para distinguirse. Autores, digamos. Por eso siempe vale la pena seguirla. Este año hubo en este apartado películas de unos cuantos favoritos de la crítica especializada: Yorgos Lanthimos, Paolo Sorrentino, Jafar Panahi, Joachim Trier, Richard Linklater, Olivier Assayas, François Ozon...

La grazia, del italiano Paolo Sorrentino, fue la encargada de abrir el último Festival de Venecia, donde tuvo una muy buena recepción. El León de Oro se lo llevó Jim Jarmusch por Father, Mother, Sister, Brother’, pero Toni Servilio, actor fetiche de Sorrentino y otra vez protagonista en esta nueva película del realizador napolitano, se quedó con la Copa Volpi destinada al mejor actor.

Una revalorización de la política

En San Sebastián también hubo muy buenas reacciones. Y lo cierto es que la película lo justifica largamente. La grazia es el film más maduro y equilibrado de Sorrentino, un cineasta muchas veces barroco y desmesurado que esta vez consiguió el tono justo para la historia que quiso contar.    

Servilio está magnífico en su papel de Presidente de la República Italiana. En Italia, parte de la prensa ha observado que el personaje está, en buena medida, inspirado en quien actualmente ocupa ese cargo, el siciliano Sergio Mattarella (a propósito, otro hombre del sur del país, como Sorrentino). Igual que Mattarella, Mariano De Santis (Servilio) proviene de la Democracia Cristiana y es un moderado. Se ha dicho bastante que la película es un revalorización de la política en estos tiempos donde sufre tanto descrédito, un contexto que ha facilitado la llegada al poder de arribistas de todo pelaje. Italia sabe de este asunto por el caso de Beppe Grillo, fundador del “partido antisistema” Movimento 5 Stelle, del que terminó eyectado por sus propios militantes. Otro ejemplo desafortunado de este tipo de incursiones extemporáneas es el del comediante ucraniano Volodímir Zelenski. 

La grazia es un comentario muy inteligente sobre el tema porque nos permite empatizar con alguien que, por sobre todas las cosas, tiene tantas fortalezas como debilidades. De Santis es un ser humano real y no una idealización o una proyección de deseos y frustraciones ajenas. 

Una parte importante de esta sociedad actual en la que todos nos asumimos, por acción u omisión, más como consumidores que como ciudadanos se indigna con los políticos y reclama con las ínfulas de un cliente ofendido. No da la impresión de que llevemos una vida tan inmaculada como para ponernos en ese lugar, pero igual lo hacemos todo el tiempo. “Son todos ladrones” es el axioma más común de aquel que se queja de la política como si se hubiera suscripto a una plataforma para ver fútbol y no logra encontrar todos los partidos por los que dice haber pagado.     

La película de Sorrentino pone el foco en la etapa final del mandato de este presidente de modales elegantes y ritmos pausados que se entrega con resignación a las tediosas rutinas que le exige el protocolo y escapa visiblemente a los conflictos. Pero hay que decir que lo hace con gracia y mucha sagacidad. De Santis es un hombre que acierta y se equivoca, que mide, calcula y cambia si hace falta. Y no es necesariamente un camaleón o un oportunista. Obviamente, dependerá de la experiencia de cada espectador con la película, pero se podría decir que Sorrentino apuesta porque nos identifiquemos con De Santis sin presentarlo como un héroe indiscutible. 

Si bien desea más que nada tranquilidad y una salida decorosa del cargo, más que un epílogo cargado de gloria, De Santis debe enfrentar algunos dilemas morales en la última recta de su mandato: dos indultos a personas que ya fueron condenadas por la justicia italiana y la aprobación de una ley de eutanasia que lo enfrenta al Papa ficticio de la película, que por fin es negro, tiene rastas y maneja una moto de alta cilindrada. 

Pero lo que realmente lo tortura es no tener a su lado al gran amor de su vida. De Santis extraña a horrores a esa mujer que fue siempre su media naranja y ya no está, pero también lleva la espina clavada de una infidelidad y se aboca con mucha determinación a descubrir al tercero en discordia. Cuando finalmente se entera, no opta por la venganza, elige una actitud mucho más serena y noble. 

La película también cuenta muy bien el vínculo con una hija que trabaja con él como asesora. Es, como bien dijo el director, una historia de amor. Pero no en el sentido puramente romático. En La grazia, el amor va tomando distintas formas: el de pareja, el paternal, el filial e incluso el que requieren los buenos vínculos amistosos. La grazia también celebra explícitamente la duda (eso lo dice como declaración de principios ya de arranque) y la imperfección. Pero lo medular en la película es el amor como condición indispensable para mantener la vitalidad. Una idea candorosa, casi extravagante para la época. Aplausos de pie para Sorrentino.

Una comedia negra, muy negra

También llamó la atención Bugonia, del griego Yorgos Lanthimos, un cineasta talentoso al que le gusta mucho calzarse el traje de provocador. Más que a Sorrentino, incluso. Emma Stone y Jesse Plemons se lucen con dos actuaciones memorables en esta comedia negra –muy negra, en realidad– y por momentos grotesca que está ligeramente inspirada en una la película coreana de 2003 titulada ¡Salven el Planeta Verde!

Un apicultor afectado por la progresiva disminución de la población de abejas está convencido de que ese problema fue generado por un poderoso conglomerado farmacéutico que dirige la gélida, robótica figura corporativa que encarna Stone con un sublime despliegue de recursos. Habrá entre ellos una guerra sin cuartel porque hay otros hechos trágicos del pasado que pesan en la relación. 

Pero cuando todo indica que Teddy, el obsesivo personaje que interpreta Plemons, es solamente un fanático enloquecido por las conspiraciones que se tejen en redes sociales y el film parece encaminarse decididamente hacia la crítica mordaz, recargada de humor oscuro del clima cultural que desembocó en la inolvidable invasión al Capitolio fogoneada por Donald Trump, de pronto da un giro inquietante que suma una trama alienígena y complejiza su decodificación más superficial. 

Ambicioso, Lanthimos desarrolla su propio diagnóstico sobre este mundo acelerado y violento en el que vivimos echando mano al absurdo, lo cual obviamente tiene mucho sentido. ¿Quién no siente hoy que la misión es sobrevivir como se pueda a los exabruptos de una agotadora tragicomedia? Queda muchas veces atrapado en las trampas de su estilo grandilocuente y efectista, pero está claro que es un cineasta muy personal y osado. Y eso también se agradece.    

Lucrecia Martel y Milagros Mumenthaler, despiertan expectativa

Son muchas las películas programadas en el festival (más de 250). Inabarcable, lógicamente. Pero vale la pena contar que se exhibieron otras dos producciones argentinas muy esperadas en estos días: Nuestra tierra, de Lucrecia Martel, primero estrenada en Venecia, y Las corrientes, de Milagros Mumenthaler, también presentada antes en otro festival clase A, el de Toronto. Las dos tienen ayuda extranjera. Nuestra tierra, de Estados Unidos, México, Francia, Países Bajos y Dinamarca. Las corrientes, de Suiza, donde transcurre una parte de la historia. Este tipo de cine, que no es esclavo de estereotipos ni fórmulas algorítmicas, necesita imperiosamente que el INCAA cumpla la función para la que fue creado si no quiere correr el riesgo de languidecer.    

Las corrientes cosechó buenas críticas en Toronto. The Hollywood Reporter, por ejemplo, tituló la suya de manera elocuente: “Una mujer que lo tiene todo se deshace en una fascinante película argentina exquisitamente elaborada”. Mumenthaler evidencia la insatisfacción y la confusión por algunos traumas no resueltos que conflictúan a la protagonista con sutileza, sin subrayados. Y consigue que el ambiente de la película sea capturado por un misterio persistente que lo envuelve gracias a un sólido trabajo de puesta en escena. Cuenta con dos socios muy eficaces para esa tarea, Isabel Aimé González Sola, Esteban Bigliardi, concentrados, y muy precisos, en sugerir más que en remarcar. 

Nuestra tierra, por su parte, toma como punto de partida al asesinato de Javier Chocobar, dirigente indígena de la comunidad de origen diaguita Los Chuschagasta, ocurrido en 2009 en la provincia de Tucumán. Atacado por el terrateniente Darío Amín y dos ex policías que lo escoltaban cuando defendía pacíficamente el territorio ancestral de su comunidad frente a la explotación de una cantera, Chocobar se ha transformado en un símbolo. Eso es lo que de algún modo reafirma Martel con un documental que usa como principal puesta en escena al propio juicio oral en el que los tres agresores terminaron condenados (Amín a 22 años de prisión por homicidio agravado, por caso) pero que ahora vive una nueva etapa en la Corte Suprema de Justicia. 

La acertada hipótesis de Nuestra tierra, cuyo guión fue escrito por la directora y María Alché (actriz de La niña santa, directora con Benjamín Naishtat de la exitosa Puan), es que el caso Chocobar se inscribe como continuidad de una violencia simbólica y material que atraviesa la historia argentina desde la época colonial (con un epicentro en la sangrienta Campaña del Desierto), un tema recurrente en toda la obra de Martel, no solo en su notable adaptación de la novela Zama de Antonio Di Benedetto. 

Esta vez, la directora de joyas del cine argentino como La ciénaga y La mujer sin cabeza se mete de lleno en este tema con una contundencia inédita. Los pueblos originarios son víctimas permanentes de la marginación, la estigmatización y la invisibilización. Nuestra tierra es un gran aporte para confirmar esos graves problemas.  

Hoy, tanto Amín como los expolicías Luis Gómez y José Valdivieso esperan una instancia judicial decisiva en libertad. La persecución al cine argentino no es sólo un tema de manejo de recursos disponibles (que por otra parte son genuinos). Se trata de otra manifestación categórica de un programa ideológico que tiene una importancia mayor a la que suelen asignarle cínicos y desentendidos. 

AL/MG

La directora argentina Lucrecia Martel reivindicó este domingo en el Festival de Venecia el cine para mostrar el mundo actual, marcado por “las imágenes y sonidos” de una Palestina “devastada” y por la violencia en otras partes.

“Solo quiero decirles que la historia nos puso en esta encrucijada. Yo ahora hubiera querido jubilarme, estar en la playa, ustedes los jóvenes seguramente tendrán la misma aspiración, pero nos tocó este tiempo”, dijo la cineasta en la rueda de prensa de presentación.

Martel estrenó fuera de concurso en la Mostra su primer documental, 'Nuestra tierra', para dar voz a las aspiraciones de la comunidad indígena de recuperar su suelo y pedir justicia tras el asesinato el 12 de octubre de 2009 del líder Chuschagasta, Javier Chocobar, a manos de un terrateniente y dos policías.

La directora de 'La mujer sin cabeza' (2008) o 'Zama' (2017), defendió el valor del cine para contar este tipo de cuestiones.

“Nos tocó el tiempo en el que el cine vuelve a tener una relevancia fundamental para contar lo que está sucediendo. A diario vemos imágenes y sonidos de un país que está siendo devastado, de un pueblo devastado, que es Palestina”, denunció, al tiempo que agregó que es una situación que viven también los “pueblos americanos y otros tantos en el mundo”.

Por eso animó a los directores y artistas, especialmente a los más jóvenes, a no caer en el pesimismo. “La historia nos puso en esta encrucijada, estamos un poco deprimidos, no sabemos qué va a pasar, que la Inteligencia Artificial, que nos quedamos sin trabajo, que ya está pasando”, dijo.

Para Martel “es el mejor momento para hacer cine y volver a pensar sobre nosotros. Que no estemos deprimidos, que mantengamos la alegría del trabajo de contar, porque es el bastión más importante que tiene la humanidad para pensarse a sí misma”.

Qué es “Nuestra tierra”

Demoró casi quince años, pero la cineasta argentina Lucrecia Martel estrenó este domingo en el Festival de Venecia su primer documental, 'Nuestra tierra', para mostrar la batalla de una comunidad indígena por el suelo y por la justicia frente a los caciques y las “trampas” del sistema.

“Empecé a investigar y si bien siempre el racismo fue para mí un problema muy profundo y un gran escollo en la cultura argentina, me parecía que esta vez era necesario ir más lejos y contactar esa comunidad”, explicó en la rueda de prensa de la Mostra.

En su primera incursión en el documental, Martel aborda el asesinato en 2009 del líder de la comunidad indígena Chuschagasta Javier Chocobar, a manos del terrateniente Darío Amín -junto a dos policías-, en medio de las disputas por tierras ancestrales en la provincia de Tucumán.

La pelea que derivó en el homicidio quedó grabada por la cámara de un teléfono móvil y esas imágenes, difundidas enseguida por Youtube, animaron en 2010 a la directora a abordar este suceso.

“Durante muchos años investigamos históricamente a la comunidad y los documentos que tenían para tratar de entender qué es lo que permite a un ser humano sentirse legitimado para sacar un revólver y disparar a unas personas”, explicó la cineasta.

Martel recorre con sus cámaras esta tierra disputada, también desde el aire con sus drones, para reflexionar sobre su legitimidad, sobre los derechos de unos pobladores que siguen siendo despojados desde época colonial y desde el nacimiento mismo del país.

Para ello, la cineasta, que fiel a su reputación de meticulosa dedicó catorce años a este proyecto, también accedió al tribunal para testimoniar el juicio sobre este caso, abierto solo después de nueve años de protestas por parte de los parientes de la víctima.

Aunque en un principio no pretendía utilizar la grabación, finalmente optó por incluirla en el documental, ya que en ella se aprecia la diferencia 'social' entre los terratenientes e indígenas.

“Finalmente nos dimos cuenta de que era una parte fundamental porque en el juicio se pone en acción el lenguaje y todas las artimañas del lenguaje con las que es posible sostener el racismo y todas las mentiras en torno a la legitimidad de la tierra”, dijo.

Martel regresa de este modo a Venecia, tras su último largometraje 'Zama' (2017) y el corto 'Camarera de piso' (2022), con esta defensa de las poblaciones indígenas que, a fin de cuentas, sirve también para reivindicar el poder del cine para abordar estas cuestiones.

“Cuando aparece una película sobre una comunidad indígena, la duda que tenemos en el cine es si uno está autorizado para hablar de esas cosas, si uno se está aprovechando para después estar acá, paseándose por el mundo, con una película sobre el dolor y la frustración de unas personas. Quiero decirles que es indispensable asumir el riesgo histórico de poder equivocarse”, sostuvo.

Esto porque, a su parecer, “el cine entró en zonas de impotencia donde las mujeres tienen que hablar de las mujeres, los hombres de los hombres, los negros de los negros o los indios de los indios”. “Es indispensable asumir el riesgo de conversar con los otros”, insistió.

El asesinato de Chocobar supuso la condena a 22 años de prisión del cacique, mientras que dos expolicías que lo acompañaban, Luis Humberto Gómez y Eduardo José del Milagro Valdivieso Sassi, recibieron penas de 18 y de 10 años de prisión respectivamente (aunque pocos años después serían excarcelados).

La película, en palabras del productor Benjamín Domenech, ofrece a la audiencia “la posibilidad de entender efectivamente qué sucedió en el pasado para poder imaginar un futuro un poquito más amable” para los pueblos ancestrales argentinos.

Gonzalo Sánchez - EFE.

Por favor, dejemos ya de lado un debate que termina promocionando los “16 sketches televisivos” (como atinadamente definió un crítico de cine sin lopes en la lengua cuando lo entrevistaron), y hablemos de cine. De ese cine argentino que, según palabras de un actor muy exitoso –intérprete, hace 24 años en la tevé, de un baboso cuarentón que se calentaba con una adolescente, “La Nena”, compañera de colegio de su hija– “van a ver cuatro, ni la familia del director va”.

Aclarando antes que, efectivamente, cierta falta de filtro de calidad en la gestión anterior del INCAA permitió que se diera apoyo a unas pocas cintas impresentables, y que, sí, hubo algún favoritismo partidario. Probablemente, esas películas costaron bastante menos guita de la que anda circulando en viajes al exterior presidenciales prescindibles, sobrecostos en medicamentos, partidas distributivas, campañas, etcétera, etcétera. Pero esas producciones que no alcanzan el mínimo nivel deseado, son realmente las menos. Quienes despotrican o leen comunicados sobre quita de subsidios a “los fracasos comerciales” no parecen tener la más pálida idea de las obras de calidad aceptable –o bastante más que aceptable– que sí tuvieron público en su escala (sin suficiente publicidad, casi siempre sin otra sala de estreno que el Gaumont) y que sí merecían ser subsidiadas. Tampoco los despotricadores de turno sabrían que ni el suceso de público ni el fracaso de taquilla significan per se valía artística.

A El dependiente (1969), admirable film de Leonardo Favio, no fue a verla ni remotamente la cantidad de gente que concurrió en masa a las funciones de Juan Moreira (1973) o a las de Nazareno Cruz y el Lobo (1975). Y más cerca en el tiempo ¿habría que desechar la excelente El aura (2005), de Fabián Bielinsky, porque recaudó alrededor del 35 por ciento de lo que ganó la debidamente aclamada Nueve reinas (2000) del mismo realizador?

Obvio que el Instituto de Cine debería mejorar en su gestión y ofrecer un filtro de calidad a cargo de un jurado idóneo y de honestidad probada que, desde luego, supiera apreciar la necesidad e inclusión de proyectos innovadores, experimentales, originales a los que acaso asista un público más selectivo y entrenado; proyectos que en el día de mañana podrían convertirse en clásicos, y previamente participar en exigentes festivales internacionales.

Fracasar, triunfar, quizás escandalizar y perdurar

Viene muy a cuento recordar que El perro andaluz (1929), de Buñuel generó escándalo y rechazo en su estreno parisino, y que antes pasó lo propio en la presentación de La consagración de la primavera (1913), de Stravinsky. Entre otras repulsas que sufrieron artistas visionarios figura el célebre cuadro de Manet El almuerzo sobre la hierba (1863) cuyo desnudo de mujer contemporánea sentada tan pancha sobre el pasto junto a dos caballeros empichados diera origen –junto obras de Pissarro, Vollon y otros, luego consagrados– al Salon des Refusés.

Muchos buenos films a los que les fue mal en la taquilla –e incluso a veces mal comprendidos por los críticos– con el correr de los años devinieron clásicos de culto. Por un lado, aunque tuvo reseñas muy favorables y cierta cantidad de público, Mulholand Drive (2001), magnífica realización de David Lynch, no pudo recuperar los costos, pero desde su estreno, crecen los clubes de fans, y su influencia en otros cineastas es indiscutible. Zama, la maravillosa Zama de nuestra Lucrecia Martel es altamente apreciada en buena parte del mundo como pieza maestra. Los censores del apoyo al cine nacional parecen desconocer supinamente que hay películas necesarias para hacer avanzar el lenguaje, renovarlo, proponer rupturas gramaticales, abrir nuevos caminos, arriesgar…

Por caso y un poco al azar, dando ejemplos conocidos: El ciudadano (1941), film al que nadie negaría su condición de influencier en incontables cineastas del planeta, fue un fiasco de público (no sabemos si fue la familia de Orson Welles a verla…): Yojimbo (1961), formidable creación que mezcla géneros de Kurosawa, fue la inspiración directa de la trilogía de spaghettivwesterns de Sergio Leone que arrancó con Por un puñado de dólares (1964), a su vez el relanzamiento estelar de Clint Eastwood como “el hombre sin nombre” (no hace falta remarcar la posterior fantástica evolución de CEcomo actor y director). Por su lado, el enorme K había sido incitado, según reconoció, en el film The Glass Key (1942), de Stuart Heisler, segunda versión de la novela negra de Dashiell Hammett, La llave de cristal (1931). O sea –chocolate Pacarí (de Ecuador, el mejor del mundo)– por la noticia: las artes se retroalimentan entre sí, y cada una en particular con sus propios antecedentes.

Como muestra, bastan cuatro

Lo prometido en el título es deuda que se paga nombrando a films nacionales en cartel que por afluencia de público se mantienen. Aunque esta cronista no logró respuesta sobre número concreto de espectadores (salvo en el caso de Un mundo recobrado, que está llenando todas las funciones dominicales en Cacodelphia), va de suyo quienes son los que sostienen esa permanencia.

La más exitosa, con más de 3 meses en el Gaumont (estuvo en más salas), es una joya bien argentina de cine negro, Gatillero, descacharrante realización de Cris Tapia Marchiori que te agarra del cogote y prácticamente no te deja respirar en sus 90 minutos. Le sigue en su cuarta semana, también en la catedral del cine argentino, el G, aunque sin brillar en los niveles de la anterior, Buscando a Shakespeare, documental firmado por Gustavo Garzón, con formato de buen telefilm de cabezas parlantes que ha interesado al público mediante despliegue de entrevistas particularmente en Inglaterra, con vistas de Londres y de Straford-upon-Avon. Luego hay que mencionar a la emocionante Un mundo recobrado, de Laura Bondarevsky, que fuera elogiada desde estás página en oportunidad de su estreno. Y finalmente –sin agotar, por supuesto, los títulos locales en danza y sin propasarnos con el espacio– vale remarcar la sobresaliente y muy personal fusión de videoarte, testimonio social y político con renovadas formas de documental que brinda Todo documento de civilización, de Tatiana Mazú González, que se está dando en la Sala Lugones del San Martín (quedan las siguientes funciones: sábado 30/8 y marte 2/9, a las 21; viernes 29/8 y domingo 31/8, miércoles 3 y jueves 4/9, a las 18).

Qué decir en pocas líneas de ese prodigio llamado Gatillero, con su unidad de tiempo, acción y lugar que se pega a su protagonista recién salido de la cárcel al que le suceden mil cosas en su barrio (locaciones en la isla Maciel); todo en una noche de acción, emoción, tensión brutal. Con convenciones de género, claro, perfectamente aceptables, provenientes del noir, esa categoría del film policial bautizada así por –cuándo no– un francés de cuyo nombre no me acuerdo ni tengo ahora tiempo de buscarlo. Proveniente de la novela negra de los años ’20 y ’30 del siglo pasado (Hammett, Chandler, Macdonald, Cain); el peso del pasado, pesimismo, traición, fatalidad… Códigos narrativos que recurren –por ejemplo– a la femme fatale (acá, impagable Julieta Díaz en muy significativo rol). Y si bien no hay un detective privado desencantado tenemos al inolvidable Galgo, personaje que cumple en parte ese rol en sus averiguaciones para salvar el pellejo.

Género comprometido en Estados Unidos la novela negra, hablando de crimen organizado con anclaje en lo social y lo político. Gatillero no le va en zaga, por cierto, y mejor no espoilear más e ir raudamente al Gaumont, si aún no la vieron. Sí, como sagazmente marcó toda la crítica, la cinta es un plano secuencia (obvio que con sus truquitos para conseguir un tiempo cinematográfico concentrado que parece, pero no es real) te olvidás de esa hazaña técnica al toque, porque el relato te arrastra y la cámara siempre está en el lugar propicio, donde debe estar artísticamente, moralmente. La planificación que denota esta obra fuera de serie, la dirección de actores, el empleo de las luces y las sombras, del diseño de sonido, del registro de las locaciones y los grafitis callejeros, etcétera, merecen todos los encomios imaginables.

En cuanto a Buscando a Shakespeare es otro regreso al viejo debate respecto de la autoría de las 36 piezas teatrales del llamado Cisne de Avon. Con muchos testimonios de todo calibre y algunas escenas –lamentablemente muy breves– de versiones escénicas en Buenos Aires y por la Royal Shakespeare Company. Hay declaraciones sustanciosas como las de la directora de la RSC, Erica Whyman, que rechaza la idea de involucrarse en la polémica (“no intento hacer que Shakespeare sea quien queremos que sea, y no quien era realmente…”). Un profesor del Shakespeare Institute también se resiste a la versión de que sugiere que las obras “las deben haber escrito un comité de aristócratas y no un provinciano con cierta educación, que había leído y creo piezas brillantes”. La guionista y protagonista, Mariana Sagasti, si bien comienza el film proclamando “Shakespeare es mi pasión”“, no le alcanzan los 92 minutos para citar las grandes puestas locales de Rubén Szuchmacher –aunque más no fuera Enrique IV, Segunda parte, que llegó a representarse en el mismísimo Teatro El Globo–, nombrar al excepcional traductor local de WS, Lautaro Vilo o la apasionante rescritura de Macbeth, La señora Macbeth de Griselda Gambaro, desde el enfoque de la lady, por citar algunas ausencias importantes. Entre las curiosidades de Buscando… figura, aparte de los dichos de un delirante escritor, la palabra del presidente de la Gran Logia Masónica Argentina con el fin de insinuar que WS era masón.

“Lo que yo diría es que no hay ningún subtexto. Lo decís todo sin pretender que te entienda. Shakespeare tiene esa verdad profunda que se conecta directamente con tu corazón. Y al decir las palabras en voz altas, se encuentra la manera de pronunciarlas”, dice May Rylance, actor y ex director del Globo. Gustavo Garzón, director de Buscando…, hace algunas de las entrevistas y ha sido elegido por la guionista para hacer La tempestad.

“No existe documento de civilización que no sea al mismo tiempo documento de barbarie”, es la frase de Walter Banjamin apuntada en Eduard Fuchs, coleccionista e historiador, que toma la directora Tatiana Mazú para su titular su extraordinario film Todo documento de civilización. Donde cruza la General Paz para retomar la denuncia sobre la desaparición y asesinato de Luciano Arruga a manos de la policía. La cineasta trabaja con el rodar de los coches en tomas distantes, indirectas, nocturnas, repetidas hasta la abstracción; trabaja con el ruido del asfalto y un comentario musical que se fusiona. Coches, colectivos, coches. Y se atreve varios minutos con la pantalla fundida a negro (y a la sala donde se proyecte hecha una boca de lobo) para que se escuche mejor la voz de la combativa, amorosa madre del chico de 16 que un día ya no volvió: “A Luciano lo hostigan, lo llevan, le pegan la primera vez”, memora. “Pido ver a mi hijo, me lo niegan”, Entonces va la hermana a la comisaría y lo oye gritar: “Me van a matar”. Esa vez, logran sacarlo, pero Luciano ya estaba marcado: “Eran cuestión de días”.

Luciano amaba los libros, pudo colarse en una biblioteca paga porque una señora se apiadó al verlo en la puerta y gracias a ella empezó a leer a Julio Verne. Viaje al fondo de la Tierra, Viaje a la Luna. El film se embellece con viejas ilustraciones de antiguas ediciones.

La cámara se detiene en calles rotas, en basura, objetos tirados que parecen instalaciones, cintas de VHS enredadas en la vegetación que tapa la pobreza de las villas a quienes van por la General Paz. La segunda vez que la policía lo agarra, Luciano ya no volverá: “Tres meses en una morgue mientras la ciudad estaba empapelada con su cara. A Luciano lo desapareció la policía y lo mató el estado”, se quiebra la madre.

WB habla de la barbarie de la restricción de derechos, la transgresión de normas morales, de valores humanistas. Piensa estrategias para combatir la amenaza del fascismo, la barbarie del nazismo. Y también piensa el cine como el resultado de todas las formas de visión de “una nueva percepción estética que no pasa por la contemplación sino por el contacto físico que es el shock visual. El cameraman procedería entonces como el cirujano, penetrando profundamente en el tejido de la realidad dada, haciendo resurgir lo invisible. Edgard Morin, pensador francés ya centenario, también sostiene que la barbarie esta intrínsecamente ligada a la civilización, que no solo la acompaña, en su ensayo Cultura y barbarie europeas.

Benjamin asimismo discurría sobre barbarie positiva, que el film de Tatiana Mazú estaría representada por esas llamas del final y la leyenda “Sin justicia habrá fuego”.

Y para el cierre, nada mejor que la palabra de Violeta Uman, directora y programadora del Festival de Cine Argentino de Villa Crespo, nacido en 2019, que en su sexta edición tendrá lugar entre el 24 y el 28 de septiembre próximo, como resultado de una amplia selección de cortos y largometrajes. Dice así Uman (también talentosa realizadora de Nunca hizo tanto frío) al tiempo que termina de trabajar junto a Alejo Moguillansky en el visionado de cortos y largos para la muestra: “Como programadora del Festival Vecine me siento conmovida por la cantidad y diversidad de películas que recibimos en la convocatoria: casi 200 títulos con apenas una semana de aviso. Sobre todo, teniendo en cuenta este un contexto tan adverso para nuestro cine, donde se están desmantelando apoyos fundamentales y se busca debilitar lo colectivo. Hay una vitalidad que no se rinde y eso es algo muy esperanzador. Desde nuestro lugar entendemos que programa r es una forma de defender nuestro cine acompañando su pulsión vital, habilitando espacio de exhibición y encuentro, dando refugio a las películas y constituyendo en comunidad una pequeña trinchera de resistencia”.

MS/MG

La cineasta Lucrecia Martel será una de las protagonistas de la 82ª edición de la Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica, que se celebrará en Venecia del 27 de agosto al 6 de septiembre. Su documental Nuestra Tierra, dedicado al asesinato del líder indígena Javier Chocobar, fue incluido fuera de competencia y, según adelantó el director del festival Alberto Barbera, se trata de una obra que demandó “muchos años de investigación para poder reconstruir el homicidio” del referente diaguita.

La película marca el esperado regreso de Martel al circuito internacional, tras una década de silencio creativo desde Zama (2017), y destaca en una programación que reúne nombres consagrados de la industria global.

Entre los cineastas que competirán por el León de Oro figuran el mexicano Guillermo del Toro (Frankenstein), el griego Yorgos Lanthimos (Bugonia), la estadounidense Kathryn Bigelow (A House of Dynamite), Noah Baumbach (Jay Kelly), Jim Jarmusch (Father Mother Sister Brother) y Olivier Assayas (The Wizard of the Kremlin), además de Benny Safdie con The Smashing Machine, una biopic sobre el luchador Mark Kerr protagonizada por Dwayne Johnson.

La apertura oficial estará a cargo de La grazia, el nuevo filme del italiano Paolo Sorrentino, que buscará repetir el éxito de ediciones pasadas tras Parthenope (2024) y È stata la mano di Dio, ganadora del León de Plata en 2023.

Del Toro, ya ganador del León de Oro en 2017 por La forma del agua, vuelve con una ambiciosa adaptación de Frankenstein, calificada por Barbera como “espectacular”. En tanto, Lanthimos profundiza su vínculo creativo con Emma Stone en una sátira sobre delirios conspiranoicos, mientras Bigelow regresa a la Mostra después de su histórica consagración con The Hurt Locker.

El humor y las estrellas también tendrán su espacio: Jay Kelly, de Baumbach, será una comedia con George Clooney y Adam Sandler en los papeles de un actor en crisis y su representante durante una gira por Europa. Y en la sección fuera de competencia, Julia Roberts debutará en el festival bajo la dirección de Luca Guadagnino con After the Hunt, un thriller con tintes del movimiento MeToo que la reúne con Andrew Garfield.

La sección paralela también ofrecerá otros estrenos destacados, como In the End of Dante, de Julian Schnabel, con un elenco que incluye a Gal Gadot, Gerard Butler y Al Pacino, quien además participa en Dead Man’s Wire, dirigida por Gus Van Sant.

La representación española estará encabezada por Carmen Maura, que protagoniza Calle Málaga de la marroquí Maryam Touzani en la sección Venecia Spotlight, y por Jaume Claret Muxart, quien presentará su ópera prima Estrany riu en la categoría Horizontes. El documental Memoria de los olvidados, de Javier Espada, aportará una mirada sobre Luis Buñuel.

En esa misma sección, Barrio Triste, del estadounidense de origen colombiano Stillz, incluirá al puertorriqueño Bad Bunny como parte del elenco, y el cine ecuatoriano tendrá su debut con Hiedra, de Ana Cristina Barragán.

Con una programación diversa y cargada de figuras internacionales, la edición 2025 del Festival de Venecia se perfila como una de las más potentes de los últimos años. Y entre tantas ficciones, el trabajo paciente y comprometido de Martel promete dejar una huella.

Con información de la agencia EFE

Lucrecia Martel dice lo que piensa y hace el cine que piensa. Un cine que revienta normas y clichés. Un cine que revisa su país, Argentina, constantemente, ya sea su pasado colonial (Zama) o la diferencia de clases y las tensiones presentes como en La ciénaga, que hace poco fue elegida como la mejor película argentina de la historia. Martel cuestiona todo y no solo desde sus películas. Cuando fue jurado en Venecia dijo claramente que no pensaba aplaudir a Polanski y que incluso pensó dejar de ser miembro por la presencia de su película.

Le dio igual lo que dijeran. Poco después desveló que Marvel la había llamado para tener una reunión. Habían pensado en ella para dirigir Viuda Negra. No solo contó la anécdota, sino que se quedó a gusto explicando que cuando le dijo al jefazo de Marvel que le preocupaban las escenas de acción ellos le dijeron que no se preocupara, que esas las dirigía otra persona. Se fue sin dudarlo. Por supuesto, Martel lo aireó para que todos supieran cómo se manejan en el estudio más importante del mundo.

En más de 20 años solo dirigió cuatro películas, y ahora apura el montaje de la quinta, el documental Chocobar, que prepara desde hace mucho y que todo apunta a que se verá en algún festival en 2024. Con ella, Martel vuelve a mirar al pasado colonial de Argentina con la historia real del activista indígena Javier Chocobar, que fue asesinado en 2009. A pocos días de la segunda vuelta de las elecciones en su país, donde el ultraderechista Javier Milei puede llegar al poder, la directora realizó una master class en el festival Rizoma y contestó, por correo electrónico, las preguntas de elDiario.es.

-La charla que dio en Rizoma se bautizó con el nombre master talk, ¿se considera usted maestra, a quiénes considera usted sus maestros?

-No soy maestra. Una maestra acompaña a sus alumnos un largo período. Les tiene paciencia. Yo doy una charla, y no me siento obligada siquiera a responder los correos. Porque me piden mi correo, lo doy, pero rara vez contesto. No soy buena. Lo único que hago parecido al bien es decir exactamente lo que pienso, y que se parece aproximadamente a lo que hago. Es decir, actuar como se piensa, en mi caso, casi como pienso. Es útil, pero no merece llamarse maestría..

-Justo en estos momentos me encuentro leyendo el último libro de Annie Ernaux, La escritura como un cuchillo, en el que reflexiona sobre el término de ‘mujeres creadoras’, que por un lado considera injusto, porque no se usa para referirse a los 'hombres creadores'. Pero por otro lado cree que en su obra es imposible obviar su condición de mujer en lo que escribe, ¿qué opina de esa clasificación, las mujeres directoras?

-No me gusta hablar de mí como mujer directora porque me obliga demasiado a ser mujer y a ser directora. Será un delirio de grandeza, pero aspiro a mucho más. Al mismo tiempo agradezco no haber sido director varón, porque nunca me hubieran preguntado por el colectivo varones, y seguiría creyendo en el orden natural. 

-Otra cuestión que dice Annie Ernaux es que reflexionó mucho sobre qué lenguaje usar cuándo escribió sobre la clase social a la que pertenecían sus padres y de la que ella se considera una tránsfuga, una clase ‘dominada’.

-Muy buena idea: clase dominada, te obliga a pensar en la dominación. Fijate cómo países colonizados por europeos, están dominados musicalmente por la cultura de los que fueron esclavos africanos, pero se canta en inglés o en portugués. Entonces hay que pensar qué es la lengua y qué es la música. Quién domina a quién.

Agradezco no haber sido director varón, porque nunca me hubieran preguntado por el colectivo varones, y seguiría creyendo en el orden natural

Lucrecia Martel — Cineasta

-¿Cree que la diferencia de clase es una de las barreras más difíciles de romper en el cine, que los directores suelen pertenecer a una burguesía?

-Sí, es un bastión de la blancura occidental. Pero no creo que dure mucho más ni el cine ni la blancura. La población está segmentada en circuitos generacionales, y en precoces consumidores de la cultura. Hay una generación que respira con Taylor Swift, y yo no sabía quién era Taylor Swift hasta hace unos meses. Mi mamá sí sabía quién era Madonna, Michael Jackson. Mi abuela también. Pero la mamá de mucha gente de mi edad en EEUU no sabe quién es Tita Merello. Y mientras aquí intentamos aprender a vivir con 150% de inflación, me doy el lujo de apenarme por EEUU. 

-En estos 20 años se vivió un cambio radical en la industria con la llegada de las plataformas, ¿le afectó a la hora de levantar sus proyectos, trabajaría para una de ellas?

-Por ahora no me ha afectado. Estoy trabajando en una película que se financió hace muchos años, no con plataformas. Pero yo trabajaría en cualquier lado en donde me dejen trabajar en paz y me paguen razonablemente bien.

-No me resisto a preguntarle por aquella vez que Marvel se acercó a usted para ver si le interesaba rodar una película con ellos, ¿qué conclusión saca de aquel encuentro? Si le dieran libertad absoluta, ¿la haría?

-Para mí fue inolvidable. A los muchachos que me entrevistaron no creo que les quede ningún recuerdo en particular. Me hice una selfie con el martillo de Thor. Una empresa que está haciendo cientos de millones con sus películas ni se pregunta por la libertad absoluta de un director, no porque no les interese, sino porque no saben de qué serviría.

-Lleva años preparando su nueva película, Chocobar. ¿La veremos pronto?, ¿cree que el tema de la colonización y las comunidades -nativas es una deuda pendiente en el cine?

-El año que viene espero que la vean. En mi país nos hemos engañado tanto que nos cuesta mucho ahora acordarnos cuáles fueron los engaños. Casi toda nuestra historia está escrita desde la orilla del mar, como si recién llegáramos a un continente desconocido. Es mucho trabajo desentrañar eso. Y es tan obvio que nos ofende darnos cuenta. 

-Es inevitable preguntarle por el momento de Argentina, la segunda vuelta de las elecciones es en breve, ¿tiene miedo a lo que ocurra?

-Somos un hermoso país de gente desquiciada. Por ejemplo, digo “nosotros” y no sé de quién estoy hablando. Para salir de esta necesitamos una capacidad de autocrítica, y una claridad respecto al momento en el que está el mundo. Necesitamos mucha confianza en los otros para aceptar los sacrificios que tendremos que hacer, e imaginación para que los sacrificios no caigan sobre los mismos de siempre. Es mucho pedir. En un referéndum nos costaría cambiar la copa del mundo por un destino mejor. Y sin embargo no se me pasa por la cabeza alejarme de este lugar. El país natal es una enfermedad incurable. 

JZ

La primera edición del Festival Internacional de Cine de la UBA (FIC.UBA) viene con una novedad: un seminario titulado “Cine y Democracia”, que contará con la participación de Lucrecia Martel, Álex de la Iglesia, Sergei Loznitsa, Enrique Piñeyro y Mariano Llinás; directores, guionistas, actores, profesores e intelectuales con importantes trayectorias.

El evento está organizado por la carrera de imagen y sonido junto a los profesores Felipe Vega Terra y Miguel De Luca de la carrera de Ciencia Política, será de participación gratuita, constará de 4 clases magistrales y otorgará certificado de asistencia, emitido por la FADU/UBA.

Cine y Democracia pretende generar un espacio de debate y reflexión sobre el papel del cine en la consolidación de los valores democráticos en la sociedad.

Por 4 días consecutivos, la experiencia reunirá realizadores audiovisuales y políticos, intelectuales y docentes, permitiendo un debate sobre temáticas como la libertad de expresión, la diversidad cultural, la igualdad de género, la economía en el cine, los desafíos del rol del Estado en materia cultural y cómo el cine abordó todos estos temas en su historia.

El seminario intentará dar cuenta de las problemáticas que a lo largo de estos cuarenta años han sido pensadas desde y a partir del cine, tanto desde la perspectiva de la producción nacional como desde la mirada de realizadores internacionales que encuentran eco y diálogo con los problemas universales en nuestra historia.

Se llevará a cabo del martes 25 al viernes 28 de julio, entre las 14:00 y las 16:00. en el Aula Magna del Pabellón 3 de Ciudad Universitaria, sede de la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo (FADU). Quienes deseen inscribirse y participar, podrán hacerlo a partir del lunes 3 de julio. La inscripción es individual y por clase.

Cronograma

Festival Internacional de Cine de la UBA

El FIC.UBA está organizado por la Secretaría de Políticas de Diseño e Innovación Tecnológica y la Secretaría de Relaciones Institucionales, Cultura y Comunicación de la UBA, junto a la FADU y la Carrera de Diseño de Imagen y Sonido. La Dirección General es de Ricardo Alfonsín, la Dirección Artística de Marcelo Altmark y la Dirección Institucional de Paula Quattrocchi.

Durante el festival, se exhibirán más de medio centenar de películas entre la competencia internacional de largometrajes, la competencia iberoamericana de cortos, la competencia de cortometrajes UBA y distintas retrospectivas y homenajes.

Las funciones serán, en todos los casos, con entrada gratuita y tendrán como sede principal a la FADU (Pabellón 3 de Ciudad Universitaria), además del Cine Cosmos UBA, las Salas 1 y 2 del Centro Cultural San Martín y el Cine Gaumont del INCAA.

LC

La actriz australiana Cate Blanchett, ganadora de dos premios Oscar, aseguró en una entrevista que le gustaría trabajar con la directora argentina Lucrecia Martel.

Su respuesta es viral en las redes sociales por la reacción de miles de argentinos que festejaron su mención en una entrevista del ciclo “Women in Motion Talk” de Variety.

“Lucrecia Martel para mí. Lucrecia Martel”, respondió sin titubear al nombrar a la argentina, realizadora de “La Ciénaga” y “Zama”.

En 2021, Martel fue incluida dentro del ranking de las veinte directoras más influyentes de la historia del sitio especializado en cine SlashFilm.

El mes pasado fue homenajeada en el prestigioso festival suizo de documentales Visions du Rée, que le otorgó un Premio Honorífico durante su 54° edición. Figura destacada del cine contemporáneo y referente del denominado Nuevo Cine Argentino, la cineasta salteña impartió una masterclass en el evento.

MB con información de agencia de noticias Télam

“La ciénaga” (2001), de Lucrecia Martel, fue la película más votada en la encuesta que buscó determinar los mejores films nacionales y que fue presentada en el Festival de Mar del Plata. En la votación fue seguida por “Invasión” (1969), de Hugo Santiago; “Tiempo de revancha” (1981), de Adolfo Aristarain; y “El dependiente” (1969) seguida por “Crónica de un niño solo” (1965), ambas de Leonardo Favio.

En la sala Gregorio Nachman del Teatro Auditorium se presentó la Encuesta de Cine Argentino 2022, una consulta entre figuras destacadas de la industria del cine local para determinar cuáles son, a su juicio, las mejores 100 películas nacionales de todos los tiempos.

La encuesta, que tuvo cuatro ediciones anteriores y fueron hechas por el Museo del Cine Pablo C. Ducros Hicken entre 1977 y 2000, partió este año de la iniciativa y el trabajo conjunto de las revistas especializadas en cine “La vida útil”, “Taipei” y “La tierra quema”, que convocaron a más de 546 miembros de la comunidad cinematográfica del país de todos los rubros técnicos y teóricos.

“La ciénaga” (2001), de Lucrecia Martel, fue la película más votada, después estuvo “Invasión” (1969), de Hugo Santiago; “Tiempo de revancha” (1981), de Adolfo Aristarain; y “El dependiente” (1969) seguida por “Crónica de un niño solo” (1965), ambas de Leonardo Favio.

Los cinco puestos siguientes entre los diez primeros filmes sobre una lista final de 100 fueron para “La hora de los hornos” (1968), de Octavio Getino y Pino Solanas; “Juan, como si nada hubiera sucedido” (1987), de Carlos Echeverría; “Pizza, birra, faso” (1998), de Bruno Stagnaro y Adrián Caetano; “Silvia Prieto” (1999), de Martín Rejtman; y en el décimo puesto se ubicó “Nueve reinas” (2000), de Fabián Bielinsky.

“Esta encuesta tiene la idea concreta y explícita de elaborar un canon del cine argentino y sirve para discutir, abrir puertas y llamar la atención sobre algunas cosas”, dijo en la presentación la directora del Museo del Cine, Paula Félix-Didier.

“No tener políticas públicas de preservación de nuestra memoria audiovisual hace que a la foto del cine argentino le falten partes”, aseguró Félix-Didier como un llamado de atención a la creación pendiente desde 1999 de la Cinemateca Nacional.

Además de Paula Félix-Didier, la presentación contó con la presencia de Pablo Ceccarelli (“Taipei”), Mercedes Orden (“La tierra quema”) y Ramiro Sonzini (“La vida útil”).

El trabajo de juntar datos, procesarlos y organizar el ranking se trasladó al sitio www.encuestadecineargentino.com, ya que la encuesta es vista “no como una lista sino como una red y link que se entrecruzan entre sí”, explicó Sonzini.

En la página se encuentra el Top 100 con las películas elegidas acompañadas por su ficha técnica y sinopsis, además de la información con cada uno de los que votaron cada título.

Además, en el caso de que esté disponible, cada película tiene un link para por verla por el público en alguna plataforma.

Por Hugo F. Sánchez, enviado especial de la agencia Télam 

Con la participación de la cineasta Lucrecia Martel como una de las invitadas destacadas y con una programación que promete jornadas de encuentro entre libros, música, cine y lecturas de grandes autoras y autores, se anunció el regreso del Festival Internacional de Literatura de Tucumán (FILT), que tendrá lugar los días 29, 30 y 31 de julio en el Museo de la Universidad Nacional de Tucumán, San Miguel de Tucumán.

Según señalaron los organizadores, la edición 2022 de este evento literario, que nació en 2015 y estuvo dos años en pausa por la pandemia, traerá algunos cambios.

“Después de dos años en pausa, el FILT vuelve, pero no vuelve igual que antes. Los últimos tiempos nos han cambiado como han cambiado también los modos en que nos relacionamos con la literatura. En esta sexta edición privilegiamos la forma sobre el contenido, pensamos al escritor como mucho más que el autor de un libro. Es por eso, que también el cine y la música son protagonistas de nuestras actividades”, adelantaron desde el Festival en un comunicado.

Una de las invitadas destacadas del FILT 2022 será la cineasta Lucrecia Martel, que participará de distintas actividades.

“La galardonada directora salteña y presidenta del jurado del Festival de Cine de Venecia dará la conferencia Phonurgia la perspectiva de sonido en el cine y la escritura”, contaron desde el FILT. La charla será el viernes 29 de julio desde las 20, en el Museo de la Universidad (MUNT).

 Además, el sábado 30, a las 22, en la Facultad de Derecho de la institución se podrá ver el documental Terminal Norte que Martel realizó en 2021. Después de la proyección, hablará la protagonista de la película, la artista Julieta Laso. 

Para acompañar estas actividades, además, el domingo 31, a las 19 habrá una charla sobre la escritura en el cine, de la que participarán Ezequiel Raduzky, Guillermo Del Pino, Elena Burgo de Chazal.

La lista de invitadas e invitados para esta edición incluye también a Dolores Reyes, Hernán Ronsino, Luciana Tagliapietra, Marina Yuszczuk, Paula Trama, y Gabriela Bejerman, entre otros.

Desde 2015, el Festival Internacional de Literatura Tucumán “funciona como un espacio para el intercambio y la difusión de la producción literaria de Tucumán y el país”. 

“Buscamos consolidar a la provincia como un referente del campo literario nacional, además dar cuenta de las voces emergentes y reunir figuras destacadas de la literatura latinoamericana”, señalan desde la organización del FILT. 

Desde su nacimiento, en 2015, pasaron por el festival personalidades de la cultura y las letras como Martín Kohan, Diana Bellessi, Tamara Kamenszain, Selva Almada, Mariana Enriquez y Julián López, entre muchos otros.

Más información sobre la programación del FILT 2022, por acá.

MA

Relampaguea a cierta distancia sobre lo que podría ser una carretera, pero no se viene la tormenta: el cielo luce plácido aunque fluctuantes nubes se alejan raudas. Pero las luces son de los autos que pasan dejando su estela. Una cantora del Río de la Plata se ha refugiado en el norte del país porque el show que preparaba se ha cancelado, dicen los subtítulos mientras se escucha el valsecito La sombra, de Lucio Mantel.

Corte. Ahora es noche cerrada. Noche amable más que la alborada, diría San Juan de la Cruz, si bien con un propósito menos festivo: entre risas y voces un grupo de mujeres se mueve en la oscuridad, sin otra luz y guía que la que en el corazón ardía (por seguirlo al místico poeta, aunque la verdad es que alguien porta una linterna…). Ellas estacionan en algún lugar no identificable, se trasluce que están a sus anchas. Una morocha argentina (pero no la que al paisano muy de madrugada le ofrece un cimarrón) que oficiará de anfitriona llevando el hilo de esta suerte de recital nada convencional, habla de lo que les pasó en un encuentro de copleros, y ahí nomás se manda a cantar Romance de un negro milonguero, de Zitarrosa. Sí, es ella, la impar Julieta Laso que canta con la voz, la mirada, las manos, el cuerpo entero (antes lo hizo en off, entonando el valsecito). 

La misma que empezó a cantar “años en los antros de los antros”-dirá más adelante- con un trío de guitarras y que en 2014 reemplazó al Chino Laborde en la orquesta típica Fernández Fierro, abandonando de momento su incipiente carrera de actriz. En 2018, se largó como solista, grabó dos discos, Martingala y La Caldera, y acaba de lanzar el tercero, Cabeza negra, que incluye -como es su costumbre- diversidad de géneros del país en su repertorio.

JL presenta informalmente a las chicas. Nada que ver con cabezas parlantes de documental tipo: rostros vivaces, miradas expresivas; sus respectivas voces, haciendo comentarios al pasar, se escuchan como pensamientos, sin que abran la boca: Noelia Sinkunas, “reina de pianistas”; Fidela “Michu” Carrasco, hija bailarina de la supercoplera Mariana Carrizo, la “Cuchi” (por cuchillera) también dando felizmente su presente;  Lorena Carpanchay, primera coplera trans de los Valles Calchaquíes; Daniel “Bubu” Ríos, guitarrista; B Yami, trapera; Maka Fuentes y Mar Pérez, integrantes de Las Whisky, banda feminista de noise; Miguel Moreyra, bailarín…  Está claro que el compañerismo ya está instalado desde antes de que comience el film, donde aparecen dos varones que se integran con total empatía pero sin entrar en diálogo. 

El verdor del monte salteño, los sonidos de la naturaleza, el interior de un coche que deja ver caminos y puentes configuran la cambiante escenografía, con esos distintos planos espaciales, esa personal profundidad de campo tan propia de Lucrecia Martel. Tan reconocible a través de sus largometrajes, en sus trabajos para la tevé, en cortos y clips. La misma LM, que antes de este mediometraje -que algunos llamarán “menor” por su duración, por la modestia de sus recursos materiales, por su aparente sencillez- hizo en los Estados Unidos la dirección artística de Cornucopia, su primera producción teatral, para Björk. Es decir, la grandiosa reinvención de Utopía, el álbum de 2017 de la artista islandesa: imagen y sonido de vanguardia, despliegue alucinante de proyecciones; música, cine y teatro en un ruego por la salvación del planeta que logró que la crítica no encontrara palabras suficientes para elogiarlo. 

Ese despampanante show tuvo su debut en 2019, y retomó las giras en 2022. Vale recordar que en 2018, Martel había realizado el clip Fantasmas (un tema de Diego Baiardi y Lisandro Silva Echeverría) por Julieta Laso, con las bailarinas Jorgelina Contrera y Fidelia Carrizo. Sobreimpresiones envolventes de cuerpos danzantes, la cantora con los ojos orlados de negro cual diva del cine mudo, su pelo recogido en estilizada onda belle époque. Y al cierre, al igual que en Terminal Norte cuando finaliza con Cara de gitana, clavándonos sus ojos con mirada de Medusa, en la mejor versión de las que ofrece la mitología cuando aúna lo terrorífico y lo hermoso, esa idea griega de las mujeres como incivilizadas y peligrosas por naturaleza. Por cierto, a Julieta, cuando suelta su negra pelambre, no hay Perseo que se le anime con su espada, ni aún dormida…

Todas hacen lo suyo yendo por ahí, entre árboles y yuyales, sobre un tronco o en algún interior indescifrable porque Martel es así: nunca una vista postal del paisaje, nunca un paneo para ver detalles de una habitación; ella apenas nos deja entrever, adivinar en esos trasfondos fuera de foco tirando a abstractos si se trata un exterior o de un interior; a veces una o dos figuras bailando en segundo plano un trapeo incitante de BYanin, otras dibujan pasos de una danza criolla. La propia anfitriona bebiéndose los dichos de Carpanchay, su Trava diaguita, su Poemario. Cuando le toca a Mariana Carrizo, tal como fue anunciada en las presentaciones, te despega de la tierra con su caja y su cantar. Maka y Mar, las Whisky traen sus vibraciones. Y más Laso: un deleite cómo saborea Muchacho (de Celedonio Flores y Edgardo Donato), un escalofrío haciendo Hoy es nunca (de Leda Valladares).

Y desde uno de esos viajes en coche no sabremos a dónde, JL recuerda su paso por un colegio de monjas que la pintaban, su duro aprendizaje de teatro que le dio ese plus a la cantora que devino con el tiempo y una ayudita del azar. Como otras intérpretes relevantes de acá y de allá, Julieta es una actriz que canta, una cantora que actúa: Tita Merello, Susana Rinaldi, Marilyn Monroe, Jeanne Moreau, Judy Garland, Marion Cotillard, Dalida… De esa estirpe. Lo último que recicla o más bien hace como si fuera la primera vez es una canción que tiene más de cuatro décadas, Cara de gitana, del jujeño Daniel Magal. Lo hace con una irradiación seductora, juguetona, pícara, provocativa, filmada con tanto amor que invita a volver a San Juan de la Cruz, siempre tergiversando un tanto sus intenciones: “… que si color moreno en mi hallaste,/ ya bien puedes mirarme/ después que me miraste/ que gracia y hermosura en mi dejaste”.

MS

En el Festival De Cine de Cartagena de Indias de 2020, Gustavo Nielsen transcribió para La Agenda de Buenos Aires una conferencia de Lucrecia Martel. Digo conferencia porque así se hizo llamar por los organizadores, pero en los hechos merece pertenecer al rubro obra de arte. La sensibilidad de Martel para comprender lo que por lo general se nos escapa o es bloqueado por la burocracia de la vida, aparece en aquella conferencia en términos de pensamiento.

En un momento repara en los déficits de representación de los directores de cine de aquello que no sea lo propio, lo cercano, lo siempre visto. Dice: “Vean este ejemplo: escena de un personaje que se va a bañar. ¿Cuántos planos necesito para contarla? Es invierno. El personaje sale de la cama cuando suena el despertador, va al baño, se rasca, abre la canilla de agua caliente de la ducha y se baña. Ese espacio-tiempo que tengo para contar debe llevar veinte segundos de acción real, y capaz que lo puedo contar en cinco. O, si me quiero detener en el agua de la ducha para hacerme la artista, treinta segundos”.

Sigue: “Ahora veamos qué difícil es hablar del otro cuando el espacio-tiempo es diferente. Estoy en un barrio, no muy lejano, en el que no hay agua corriente, y quiero hacer una secuencia de una persona que se baña. ¿Cuántas tomas necesito para lograrlo? La persona se levanta, se viste, va a un lugar a buscar agua que, a lo mejor, queda a trescientos, cuatrocientos metros. Carga con baldes. Vuelve, enciende fuego, calienta parte en una cacerola, porque dije que es invierno. ¿Cuánto lleva traer el agua? ¿Cuánto, calentarla?”.

Martel dice que esa persona tarda en empezar a bañarse más de media hora, algo que ella (nosotros: “la clase media blanca”) puede hacer en segundos, y reconoce que ese abismo es político y filosófico: “Y estoy hablando de un acto sencillísimo como bañarse, no de criar a los hijos”.

De la representación de criar hijos cuesta arriba se ocupó Esteban López Brusa en El lecho (EME, 2017). Es una de las grandes novelas de los últimos años, en la que no se vende la pobreza como un espectáculo de pobres sino como una inmersión artística en las fuerzas que la hacen vivir.

No se trata de reestablecer para la literatura, mediante impulsos etnografistas, los escenarios donde transcurren los hábitos de la miseria material (que también están allí al modo de una naturaleza inalterable, digamos un bosque tupido que no deja de crecer), sino de acercarnos a la experiencia de conocer, en la medida de lo posible, qué se siente siendo pobre.

¿Qué hace un pobre? Se somete cada día a una dinámica enloquecedora basada en mil alertas. Es menos un ciudadano que una presa de las dificultades en estado de multiplicación. Hay que ir de acá para allá consumiendo tanques enormes de energía vital, caminar, correr, levantar objetos pesados, luchar contra el terreno, el frío, el hambre, el cansancio, la inestabilidad de ingresos; e imaginar salidas rápidas bajo el acecho de la necesidad, soportar el desprecio o el desdén, asociarse en confianza espontánea con desconocidos o desconfiar de los conocidos, reparar lo que se rompe sin chance de reemplazo y, además, asumir compromisos de solidaridad en las crisis.

Como le ocurre a Daniela, la preciosa criatura femenina de El lecho que, perdida bajo la súper tormenta de abril de 2013 en las afueras de La Plata, encuentra un bebé de la edad del suyo y lo adopta; y así, arrastrando como barcos en la tierra lo que ama, cruza la catástrofe como un ángel. Todo ese día de Daniela fue así. Y así son y serán todos los días, tanto para ella como para los pobres de la realidad.

Las vocecitas supremacistas que se alzan desde los abismos sin piso de su ignorancia temblando de miedo, nos dicen que es una generalidad (les falta: “de la raza”) que los pobres sean entes de vagancia y ocio. Pero si se mira por dentro la realidad, incluso la composición dramática de la pobreza como la registran con la misma sabiduría Martel en su conferencia y López Brusa en su libro, habremos de saber que nadie trabaja más que un pobre. Todo en el pobre es actividad, gasto, pérdida, tensión de supervivencia, tracción (cuando trabaja y, más todavía, cuando vive).

La vida real también tiene sus películas y su literatura, de las que M. A. es uno de mis personajes preferenciales, por afecto y por representación de lo que podemos llamar “lo suyo”. Nació en una villa de Bahía Blanca, tiene 29 años y, sin son sagaces y más o menos informados, ya sabrán de quién estoy hablando. A los 27 tenía un hijo biológico de 13, llamado J.; y una hermana-hija, también de 13, llamada A. Poco antes de los repliegues sociales, laborales y vitales (y hasta mentales) en que desembocó la pandemia de 2020, su hijo J. fue a skatear a la plaza del barrio del Gran Buenos Aires donde viven, y regresó con un amigo, R, también de 13 años.

R. se quedó a dormir una noche, dos noches, nueve noches. M. lo amó desde el primer momento, pero le pidió datos posicionales y familiares para ver dónde estaba o dónde podía estar parada esa relación de madre-hijo que comenzaba, y finalmente R. se quedó en su casa (sigue en su casa ahora). “¡No sabés cómo le tiraba la calle!, me dijo, y también me contó que se sintió por primera vez su madre cuando él le hizo un primer reproche de hijo, vinculado a caprichos de menú.

Es una historia acerca de cómo conectar las terminales sueltas del amor a los desconocidos, que andan dando vueltas por todos lados, sobre todo en la calle. M. nació, se crió y templó como el chocolate o el acero su corazón en la pobreza (por “templó” quiero decir que se le rompió y lo reparó), una palabra demasiado críptica o demasiado general para que en ella puedan explicarse abiertamente sus derivados de violencia y sufrimiento, y sus silencios de tumba.

Pero fue cuestión de sentir la grandeza de ese acto para que comenzara a manifestarse, en mi lectura de los hechos, el papel que juego yo en este tipo de asuntos vinculados al acto de dar, o mejor dicho vinculados a alguien como yo, cualquiera que sea más o memos de clase media blanca como yo.  

Lamentablemente, en contraste con el acto bellísimo de M., mis recuerdos de filántropo de la calle no son buenos. ¿Qué “rescaté” de la calle que no hayan sido perros? Perros a los que amar al modo antropomórfico, claro, pero perros al fin, de cuatro patas, privados del lenguaje por el que podrían solicitarme algo imprevisto (habría que ver si seríamos capaces de adoptar perros que hablen). ¿Por qué no soy capaz de actuar como M., teniendo incluso más recursos que ella? Es el enigma de mi clase: ayudar “hasta ahí”, y establecer en esa autolimitación la distancia adecuada para que no se mezclen nuestras vidas con la de quienes no son como nosotros.

El día que M. me contó la historia de R. sentí su superioridad, su halo de ángel, muy parecido al personaje Daniela de El lecho. También la envidié cuando me dijo que hace unas semanas estaba escribiendo en el comedor y oyó desde la habitación de al lado las risas simultáneas de J., A. y R.: su obra de amor.

Volví a mi casa en tren y vi a una chica con su bebé en brazos pidiendo plata en los vagones. Yo tenía billetes grandes y billetes chicos. ¿Adivinen que fue capaz de darle a la desconocida el escritor de novelas que lucha en su casa por un mundo mejor? La plata chica, claro. No siempre hago eso, pero lo hice y me odié. ¿Por qué darle $70 pudiendo darle $1000 a alguien que los necesita más que mi billetera? Porque dar es un problema, una pérdida, una renuncia, y ese día preferí hacer “como si” diera. Aunque, como consuelo, me arranqué un juramento, que habrá que ver si cumplo: la próxima vez voy a dar $1000 y quedarme con $70. Es más justo, y menos vergonzoso.     

JJB

El ciclo es organizado por el área de (no) Pensamiento de la Fundación Andreani, la cual desarrolla actividades centradas en pensar cómo las transformaciones del mundo contemporáneo impactan en la cultura y en la sociedad. En la página web, se enuncia: “Hace décadas que vivimos bajo la sensación de que el mundo está cambiando de un modo radical, que eso que creíamos entender al hablar de ‘seres humanos’ no responde ya a una esencia única, fija, universal”.

Presente Discontinuo busca reflexionar sobre las “mutaciones de lo humano” a través del diálogo con artistas y pensadores argentinos. Hasta el momento, hay cinco entrevistas disponibles en YouTube y en Spotify con Daniel Melero, Rafael Spregelburd, Isol Misenta, Mariana Enríquez y Lucrecia Martel. El entrevistador es Germán Rúa, profesor de Filosofía y músico. Cada charla dura alrededor de una hora.

Asimismo, el área de (no) Pensamiento realiza otras actividades centradas en los cruces entre filosofía, ciencia y arte, como Posthumania, un encuentro que reúne a investigadores, filósofos y científicos para pensar el futuro de la humanidad a partir de la genética, la inteligencia artificial, el arte digital y los cyborgs. La primera edición del ciclo se llevó a cabo de manera presencial en 2021. Todas las actividades y charlas están disponibles en YouTube.

Rafael Spregelburd

Es un actor, dramaturgo, director de teatro y docente conocido por las obras que forman parte de la Heptalogía de Hieronymus Bosch, como La Terquedad, La Impotencia y La Estupidez, y por haber actuado en películas como El hombre de al lado (2009), Zama (2017), Historias extraordinarias (2008), Días de vinilo (2012) y Finding Sophia (2016). Recibió el Premio Konex de Platino en el 2014, el Premio Municipal de la Ciudad de Buenos Aires, varios premios ACE y el Trinidad Guevara, entre otros reconocimientos.

La charla incluye reflexiones sobre el pensamiento del filósofo Byung-Chul Han, anécdotas teatrales, los desafíos de hacer teatro por Zoom y los cruces entre las artes escénicas y la filosofía.

Mariana Enríquez

Es una escritora de literatura de terror, conocida por los libros de cuentos Los peligros de fumar en la cama (2009), Las cosas que perdimos en el fuego (2016), las novelas Este es el mar (2017) y Nuestra parte de noche (2019), ganadora del Premio Herralde. Además, trabaja como editora del suplemento Radar de Página 12 y es la directora de Letras del Fondo Nacional de las Artes.

La entrevista se centra en las obras de Enriquez y en tópicos filosóficos como la atracción por el mal, la relación entre los cuerpos, el deseo y la violencia, los cruces entre literatura, historia, virtualidad y obsesiones infantiles, los gamers y la música de Nick Cave.

Lucrecia Martel

Es una cineasta y guionista nacida en Salta conocida por las películas La mujer sin cabeza (2008), La ciénaga (2001), Zama (2017) y La niña santa (2004). Martel es egresada de la ENERC (Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica), y sus films fueron premiados en festivales internacionales como Cannes, Sundance, el Festival de Cine de Berlín y el Festival de Cine de La Habana.

En la entrevista, la cineasta reflexiona sobre sus búsquedas estéticas, la pandemia, la música de Björk y el lema nietzscheano de hacer de la propia vida una obra de arte.

Daniel Melero

Es un músico, compositor y productor que se hizo conocido por haber sido líder de Los Encargados, una banda de 1982 considerada el primer grupo techno del país. Produjo discos de Soda Stereo, Los Brujos, Todos Tus Muertos y Babasónicos, y en 1988 se lanzó como solista. Entre sus álbumes están Rocío (2016), Supernatural (2011), Disco (2014), Atlas (2016), Vaquero (2001) y Cristales de Tiempo (2017).

La charla se centra en John Cage, las pinturas rupestres, Spotify y el silencio. Además, Melero y Rúa reflexionan sobre la diferencia entre lo actual y lo nuevo, así como entre entre escuchar, oír y quedarse sordos.

Isol Misenta

Mejor conocida como Isol, es una ilustradora y autora de libros infantiles, cómics y libros ilustrados, además de ser cantante y pertenecer al dúo SIMA junto con su hermano, Federico Zypce. Entre sus libros más conocidos están Vidas de perros (1997), El globo (2002), Tener un patito es útil (2017), Nocturno (2011) y Abecedario a mano (2016). Además, ilustró libros de escritores como Paul Auster, Graciela Montes y Jorge Luján.

En la entrevista, Isol reflexiona sobre el rol de la infancia, pensada desde lo irracional y el absurdo, la creatividad en la niñez, los cruces entre música, literatura y arte, y el espacio de lo lúdico.

MGF

Lucrecia Martel trajo a la industria cinematográfica una nueva manera de contar historias con voz propia. Su primer film La Ciénaga fue aclamado internacionalmente y sus posteriores películas también fueron muy bien recibidas. Para estos días de verano, la lista para ver y volver a ver sus películas:

La Ciénaga

Esta fue la primera película escrita y dirigida por Lucrecia Martel, estrenada en 2001. Es una coproducción entre Argentina, España y Francia. La protagonizan Graciela Borges, Mercedes Morán, Martín Adjemián, Daniel Valenzuela, entre otros.

La trama transcurre en el noroeste argentino. Un dato de color es que la directora nació en Salta, así que los paisajes y el calor de su ciudad natal se ven representados en este film.

La ciénaga muestra a dos familias, que se unen por un lazo familiar no tan cercano, una prima .Una familia es de clase media y la otra, de productores rurales bien posicionados económicante.

Hay una decadencia general, hay envidias y rupturas del modelo clásico familiar. La familia está partida por kilómetros, por el pasado, que aparece como un fantasma y por los estilos de vida. El objetivo es sobrevivir a ese verano en que se encuentran todos juntos en el campo.

Está disponible para ser vista de manera gratuita en Youtube.

La mujer sin cabeza

Estrenada en 2008, La mujer sin cabeza se trata de un thriller psicológico, dramática y de género misterio.

Rodada en Salta, la película comienza con un viaje en auto por la ruta, donde maneja una mujer tranquilamente, hasta que atropella algo. Por el susto, sigue viaje y ese secreto comienza a traumarla. Días después le confiesa a su esposo que ha matado a alguien, sin embargo al recorrer la ruta sólo encuentran un perro muerto, y no hay rastros ni noticias de un accidente en el que haya muerto una persona.

Esta confusión comienza a conflictuarle la cabeza a la protagonista, quien segura de haber cometido un homicidio, comienza a transformar todos sus sentimientos en culpa.

Está protagonizada por María Onetto, Claudia Cantero, Inés Efron, César Bordón, entre otros.

Zama

Esta película, basada en Zama, la novela de Antonio Di Benedetto, fue nominada en la categoría “Mejor película de habla no inglesa” en los Premios Óscar.

Protagonizada por Daniel Giménez Cacho, Lola Dueñas, Matheus Nachtergaele y Juan Minujín, Zama cuenta la historia de Diego de Zama, un funcionario de la Corona española, que espera una carta del Rey que lo aleje del puesto de frontera en el que se encuentra estancado.

Con la misión de lograr su objetivo y que nada lo embarre, Diego de Zama va aceptando diferentes retos que le propone la vida. El más importante y tedioso es esperar y seguir esperando, ese reconocimiento que no llega.

Pasan años y la carta no llega. Zama es la historia de la espera. Incluso la novela de Di Benedetto está dedicada, justamente, a “las víctimas de la espera”

MGF

A través de la plataforma CONTAR y de manera gratuita, como parte del Mercado de Industrias Culturales Argentinas - MICA, se estrenaráTerminal Norte, un documental unitario dirigido por Lucrecia Martel. Se trata de una producción original para la plataforma pública de contenidos audiovisuales realizada por la productora Rei Cine, escrita y dirigida por la realizadora salteña. La protagonista es la cantante de tango Julieta Laso.

El mediometraje se rodó el año pasado, durante la pandemia, en la provincia de Salta. Es la primera película que da a conocer la autora después de Zama. Su estreno estará precedido por un evento en vivo desde la Sala Argentina del Centro Cultural Kirchner, que contará con la presencia de la directora y además, una presentación musical de la protagonista.

El unitario muestra a su protagonista ensayando canciones de su ecléctico repertorio junto a Noelia Sinkunas, su colaboradora habitual y Bubu Ríos, el maestro salteño de guitarreros. Laso es anfitriona de un aquelarre de músicas diversas, hermanadas por el enclave geográfico que las cobijó o que las vio nacer: la provincia de Salta. Entre ellas, Mariana Carrizo, coplera salteña reconocida internacionalmente; Lorena Carpanchay, primera coplera trans de los valles calchaquíes; B Yami, ícono del trap femenino emergente y Las Whisky, dúo feminista de noise. Entre estufas de adobe, rodeadas del sonido nocturno de la naturaleza, comparten sesiones de música, anécdotas y risas, encontrando en las canciones un refugio para atravesar la pandemia. Participan además Fidela Carrasco, Miguel Moreyra y Yulia Khvan.

MGF

Ya sabemos que en Rosario siempre se están gestando cosas interesantes. Esta vez se trata de una nueva obra conceptual que está preparando Martín Neri, exquisito guitarrista, compositor e intérprete, de la que tendremos un adelanto en forma de single este 10 de septiembre. Ese día, se estrenará Encierro, el primer capítulo del álbum homónimo que se lanzará el 3 de octubre a través del sello independiente Elefante en la Habitación!

Hasta ahora sabemos de Encierro que tiene música de Neri y letra de Jorge Fandermole con versos como estos: “Cada rincón de este lugar/Urde un feroz sueño del mal/Tara y dolor, mala señal/Tu resplandor inmaterial”. También sabemos que tiene que ver, claro, con el contexto actual. “El encierro, en su propia expresión denuncia un estado de vulnerabilidad, de asfixia. Siendo, a su vez, quien empuja a visibilizar el más genuino y vital de los sosiegos”, reflexiona Neri. Además de su publicación en todas las plataformas de música vía streaming, la obra se estrenará en un videoclip realizado en stop motion por El Birque Animaciones

En total, serán siete las piezas audiovisuales que presentará el rosarino, con músicas originales e incidentales y la participación de Leopoldo “Teuco” Castilla, Nadia Larcher, Gustavo Cortés, Carlos “Negro” Aguirre y Teresa Parodi, a quienes invitó a interpelarse y plasmar sus pensamientos sobre el encierro.

Neri, que fue durante cinco año guitarrista del legendario Dúo Salteño, reunió en diciembre de 2020 a intérpretes como Silvio Rodriguez, Teresa Parodi, Chango Spasiuk, Trueno, Ramiro Gonzalez y la Orquesta Sinfónica de Rosario para la canción De un mismo barro, que, con arreglos de Popi Spatocco y la participación de Estela de Carlotto, se presentó con ocasión de un nuevo aniversario de la restauración de la democracia en Argentina.

Pero les voy a compartir otro tema, más íntimo, que hace poco Neri le dedicó en Facebook en su cumpleaños a Chacho Echenique del Dúo Salteño.

Lucrecia Martel estrena documental musical con Julieta Laso

La cineasta mayor de Argentina dedicó parte de esta pandemia a realizar un documental musical que se llama Terminal Norte y que tiene a la cantante Julieta Laso, su pareja, como protagonista. Básicamente, la directora de La Ciénaga y Zama acompaña a la excantante de la Fernández Fierro durante el confinamiento que pasó en Salta, provincia natal de la Martel, y observa así su complicidad con otras artistas de la región. El unitario se estrenará este martes 7 de septiembre a las 20:00 en la plataforma pública Contar. Laso se dedicó a ensayar un show cancelado junto a la pianista Noelia Sinkunas y el guitarrista salteño Bubu Ríos y conoció a otras músicas con las cuales cantó y mantuvo largas tertulias nocturnas: la coplera Mariana Carrizo; Lorena Carpanchay, la primera coplera trans de los valles calchaquíes; B Yami, ícono del trap femenino emergente, y Las Whisky, dúo feminista de noise, entre otras. Antes del estreno de Terminal Norte, habrá un evento en vivo desde la Sala Argentina del Centro Cultural Kirchner, en el que estará Martel y cantará Laso. Se podrá ver por streaming en la misma plataforma desde las 18. 

Por cierto, Laso presenta el 14 de octubre en el Centro Cultural Kónex su nuevo disco, La Caldera, con toda la banda e invitados. Las entradas ya están a la venta.

Los cien años de Ariel Ramírez

Este 4 de septiembre se cumplió el centenario del nacimiento del pianista y compositor santafesino Ariel Ramírez, autor de muchos clásicos de la música argentina como la ya universal zamba Alfonsina y el mar (con letra de Félix Luna) o la Misa Criolla. El aniversario no solo fue una gran excusa para homenajearlo, sino que además fue el tema principal en torno al cual giró el primer episodio de Estudio 1, el nuevo programa con música en vivo que conducen el Chango Spasiuk e Hilda Lizarazu en la TV Pública. Por este ciclo, que coproduce el Ministerio de Cultura, pasarán artistas consagrados y emergentes de todos los géneros del país, se anunció. Para homenajear a Ramírez estuvieron su hijo, Facundo Ramírez, y un ensamble orquestal dirigido por Popi Spatocco, que reunió en el escenario a Jairo, Teresa Parodi, Sandra Mihanovich, Juan Falú, Luna Monti y Manu Sija. Escuchen cómo suena este tucumano:

Fue una muestra de lo que se vivió un día antes en el Centro Cultural Kirchner, donde tuvo lugar un concierto con la dirección musical de Spatocco con varios de los artistas nombrados arriba más Marian Farías Gómez, Sergio Galleguillo, Víctor Heredia, Liliana Herrero, Ángela Irene, Los 4 de Córdoba, Franco Luciani, Paz Martínez, Marcela Morelo, Zamba Quipildor, Miguel Ángel Robles, la Bruja Salguero, Patricia Sosa y el Coro de Sadaic, con dirección de Damián Sánchez. Ramírez murió el 18 de febrero de 2010 a los 88 años.

Ya que lo mencionamos, les contamos que todos los jueves de octubre a las 20 el Chango Spasiuk se estará presentando en el Teatro Chacarerean de la Ciudad de Buenos Aires.

Dos discos de músicos jóvenes que la rompen: Lisandro Baum y Daniel Chappet

Y hablando de centenarios, seguimos celebrando el de Astor Piazzolla. Entre los discos que se lanzan con ocasión del aniversario, quiero destacar el del pianista Lisandro Baum, que hizo nada más y nada menos que Estaciones porteñas en piano solo. Fue grabado por Exequiel Mantega y Sebastián Henríquez y publicado por el Club del Disco. Suena así:

Baum, nacido hace 37 años en La Plata y discípulo de Hilda Herrera, dirige e integra además el Quinteto Bataraz, que les recomiendo muchísimo y sobre el que seguramente hablaremos en alguna ocasión.

Y en la senda de Hugo Díaz, el joven armoniquista Daniel Chappet, oriundo de Balcarce, lanzó el 24 de agosto en todas las plataformas su primer disco, Cuarteto, con temas como Juana Azurduy, de Ariel Ramírez y Félix Luna, Soledad, de Gardel y Le Pera, Milonga gris, de Carlos Aguirre, y otros más nuevos, incluyendo algunos de él mismo. El cuarteto lo completan Nacho Stoppani en piano, Diego Amerise en contrabajo y Pablo Bianchetto en batería. Parece que el 8 de octubre lo presentan en vivo en el Teatro Municipal de Balcarce.

Camila Arriva lanza su segundo disco creado y tocado por “Mujeres”

Y si más arriba teníamos a Noelia Sinkunas acompañando a la Laso, nos la volvemos a encontrar, esta vez junto a una voz menos conocida, la de Camila Arriva, intérprete argentina que vive en Berlín y grabó un disco de tangos nuevos y clásicos con perspectiva de género, con creaciones de Azucena Maizani, Mercedes Simone, Eladia Bláquez y las más actuales Maia Castro y Verónica Bellini que hablan del femicidio y el acoso callejero. Se llama Mujeres y son mujeres las que crearon, interpretaron y grabaron todo el trabajo. Tenemos a Sinkunas en piano, arreglos y dirección; a Sofía Calvet en bandoneón, a Sara Ryan en violín y a Mariana Borghi en contrabajo acompañando a Arriva, que tiene la particularidad de dominar tanto la canción popular como la lírica y participó en producciones operísticas y conciertos de cámara en salas argentinas y europeas. Según explicó a Télam, su cometido ahora es “visibilizar la labor femenina, militar para que haya más voces y bandas femeninas sonando en las milongas; para que haya más mujeres girando por festivales- respetando la ley de cupo-; para que la gente no se horrorice cuando hay mujeres que bailan tango entre ellas o hacen el rol de líder”. El objetivo es poner en valor la labor femenina como parte de estos dos siglos de historia del género musical y en un momento de ruptura con el patriarcado tanguero.

Yapa

Este concierto es de cuando el entrerriano Carlos “Negro” Aguirre presentó su disco La música del agua en el CCK en 2019. Ahora lo subió a sus redes. Hay canciones de muchos de los compositores de la región del Litoral como Chacho Müller, Aníbal Sampayo, Ramón Ayala y otros en bellísimos arreglos para piano y la tenue y firme voz de Aguirre. ¡Puro disfrute!

¡Hasta dentro de dos semanas!

“Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

CRM