Conocí a Ramón Ayala sin saber que era Ramón Ayala. De muy chica recuerdo que pedía deseos a través del estribillo de “Posadeña linda” sin saber que era “Posadeña linda”. “Río, río, mío, mío, dame sueños, dame, que quiero vivir”, cantaba dentro mío, supongo que a partir de haber escuchado la versión de Ramona Galarza. También conocí muy pronto “El cosechero” en la versión de Mercedes Sosa y el estribillo de esa canción se convirtió en otro de mis mantras: “Un ranchito borracho de sueños y amor quiero yo”.

Empecé a identificar su nombre porque era amigo de mi tío (el músico entrerriano Miguel “Zurdo” Martínez“) y en la familia se lo mencionaba. Pero no supe realmente quién era Ramón Ayala hasta mucho, mucho tiempo después. Como le pasó a gran parte de quienes desde el jueves a la noche lloramos su muerte.

Porque si bien fue un creador prolífico y tuvo una carrera extensísima, no fue hasta comenzado este milenio, cuando ya era un señor de edad, que lo conocimos realmente y empezamos a disfrutar de sus canciones. Ahí fue que nos perdimos en esos paisajes de selva y río, conocimos las condiciones en las que trabajaban cosecheros, cachapeceros y pescadores y soñamos con que nos quisieran como en “Mi pequeño amor”.

Y entonces Ramón se volvió mito en vida. Ir a escucharlo era asistir a una fiesta de vitalidad y una explosión de sensaciones. Entre canción y canción, le gustaba hablar, en profundidad y en broma. Y tenía un mensaje muy claro: la vida es única y sublime y hay que vivirla intensamente.

Fiel a esa premisa, recibía en su casa, junto a su compañera María Teresa, a decenas de músicos. Les contaba de sus viajes por el mundo, como aquel que hizo a Cuba, donde, decía, había conocido al Che Guevara y había descubierto que los revolucionarios cantaban sus canciones. O a África, donde había vivido aventuras increíbles. Les leía de sus libros y les mostraba sus coloridos cuadros. Y les enseñaba a tocar el gualambao, ese ritmo que inventó en 1960 y que al principio parecía raro, pero se fue imponiendo.

Celebramos sus 80 o 85, sus 90 o 95 años. Le gustaba generar confusión con las fechas. Y Ramón seguía en pie mientras otros grandes referentes de la música argentina se iban despidiendo.

A veces ya no podía tocar la guitarra (tocaba una especial, de diez cuerdas) como antes, pero siempre alguien lo acompañaba. Hubo un “Encuentro en el estudio”, aquel programa de entrevistas de Lalo Mir en Canal Encuentro, que fue legendario y en el que Ramón estuvo acompañado por los Hermanos Núñez, misioneros como él. El programa, que aún hoy suma miles de visitas, acercó al músico a un público más amplio.

Fue en 2013, el mismo año en que se estrenó el documental “Ramón Ayala”, del fotógrafo Marcos López, excesivo, apasionado y entregado al arte tanto como el misionero. Fue el encuentro de dos colosos y la película, que está subida a YouTube, es pura belleza.

Ese año además el sello Los Años Luz Discos publicó el disco Cosechero, con todos los grandes clásicos de Ayala, acompañado por los Hermanos Núñez, Facundo Guevara y Juan Pablo Navarro. Decía el músico entonces -a los 86 años, aunque él decía que tenía 80- que estaba cantando mejor que nunca. Y posiblemente haya sido así. Fue una gran reivindicación de su trabajo, que antes no había sonado tanto ni tan bien cuidado en su propia voz. 

Naty Zonis, productora que acompañó al misionero en estos últimos años, hizo un trabajo descomunal de digitalización y remasterización de sus discos más viejos, que ahora están todos subidos a las plataformas. Así pudimos escuchar por fin, por ejemplo, “El cachapecero”, esa canción dedicada a quienes transportaban los troncos talados del inmenso Chaco boreal, en la versión original de Ramón Ayala de 1963. Antes la conocíamos solo en la voz de Mercedes Sosa. 

Zonis fue también la que hace poco más de un año organizó un homenaje a Ramón Ayala en el CCK. Siempre digo que a los músicos hay que honrarlos en vida y ese concierto fue una celebración hermosa de la obra de este referente inmenso. Se llamó “El viejo río que va”, una frase de “El cosechero”, y contó con una primera parte en la que una orquesta de cuerdas interpretó una selección de gualambaos y una segunda parte en la que Nadia Larcher, Cecilia Pahl y Walas, cantante del grupo de rock Massacre y sobrino de Ayala (que este viernes le dedicó unas conmovedoras palabras en redes sociales), interpretaron grandes éxitos de este artista, acompañados por el ensamble entrerriano De Costa a Costa.

Ramón, ya debilitado, estaba en primera fila y aplaudió emocionado.

En junio pasado se presentó gratis en el Centro Cultural Borges el trío Garupá de Rosario, que sacó un disco dedicado íntegramente a la obra de Ramón y que tomó su nombre de la localidad natal del artista. Se había corrido la bola de que esa noche sería especial y así fue. Había muchos músicos entre el público. La fuerza y la magia de Ramón brillaron en todo su esplendor en los arreglos de este grupo exquisito, integrado por Julián “Chula” Venegas, Homero Chiavarino y Joel Tortul. 

La noche terminó, como tantas otras en tantos entornos diferentes, con público y artistas coreando “El cosechero”, devenido himno. Venegas contó en una entrevista con elDiarioAR que le hicieron llegar el disco al músico y que este les había respondido con elogios. Su música, debe haber entendido Ramón entonces, estaba en buenas manos.

Hace muy pocos años viajé a Posadas y fui a la famosa Bajada Vieja, donde transcurre la trama de “Posadeña linda”. Ahí hay desde hace ya muchos años una estatua de Ramón Ayala en medio de esa vegetación tropical intensa que tanto nutre la obra de este artista. Esta mañana se convocaron allí varios músicos para recordarlo, entre ellos, Cecilia Pahl, quien grabó un bellísimo disco de canciones de Ayala, muchas muy poco o nada conocidas, llamado Corochiré, allá por 2010.

Ramón Ayala murió a los 96 años pero sus canciones ya eran inmortales mucho antes de eso. Como ningún otro creador de música popular argentina, es venerado por las generaciones más jóvenes de músicos. Su poema “Ser” es una guía para todos ellos y para todos los que disfrutamos de su obra:

“Mira la luz, goza la vida

y el acontecimiento de existir.

Milenios de sombras transcurrieron

antes, mucho tiempo antes de ti.

Mira la luz, goza la vida

y todo lo que emana de tu ser.

La secreta palabra de tu alma.

El llamado misterioso de la piel“.

Eso haremos, Ramón. Muchas gracias.

CRM

La partida este viernes del misionero Ramón Ayala desató una enorme tristeza en la comunidad musical, para la cual era un referente indiscutido.

“Tristeza infinita”, escribió en sus redes el entrerriano Carlos “Negro” Aguirre. “Gracias Ramón querido por regalarnos tus melodías de inmensos arcos, gracias por la profundidad de tu mirada, gracias por dejar que el misterio del paisaje habite en tu obra, gracias por leer con tanta nitidez la compleja realidad de la vida en la selva y el río, gracias por nombrar lo invisible, gracias por la inspiración inagotable, gracias por ser arte en cada palabra, sonido y pincelada, gracias por la belleza y la verdad. Que tu alma navegue el agua infinita de la calma. Te amamos”.

La cantante y compositora correntina Teresa Parodi escribió: “Ramón Ayala, voz de pueblo. Grito de selva enmarañada. Corazón de mensú que no se rinde, sangre de tierra roja, luz de agua. Tu poesía nos hará falta. Aquí y ahora baja tu canción en correntada buscando al fondo la libertad del mar, límpida y clara”.

“Gracias por la música, el arte y el compromiso con ese duende Ramón. Te cantaremos y celebraremos siempre”, señaló a su vez la cantora catamarqueña Nadia Larcher.

“Te quiero Ramón. Abrazaremos tu presencia en las canciones hermosas que nos dejaste. En el litoral color y vida, en los amores que nos habitan”, expresó la también misionera Flor Bobadilla Oliva.

“Acá te quedas Ramón ♥︎ Gracias por cantarnos y regalarnos las canciones. Gracias por ser inspiración rebalsada de belleza”, sostuvo Luna Monti con un video de un evento reciente en el que se coreó el clásico “El cosechero”.

La cantante Cecilia Pahl, que grabó el disco Corochiré con obras de Ayala, posteó en Facebook: “Ante la triste noticia del fallecimiento del gran Ramón Ayala El Mensú, nos auto convocamos, mañana sábado 9/12 a las 11 hs en el monumento a Ramón en la Bajada Vieja de la ciudad de Posadas”.

“Una noche sentado frente a una multitud dijo ”Y entonces yo seré Presidente y todos ustedes serán mis Ministros“, y por un momento le creímos. Como también nos hizo creer que nunca se iba a morir. Se fué el Rey del asombro y la alegría. Siempre en sus ojos y sus palabras, el mundo fue más justo y más bello. Gracias por la magia maestro!!!”, escribió el músico chaqueño Coqui Ortiz.

El grupo vocal Santaires compartió un texto dedicado a Ayala: “Uno nunca termina de entender si el Litoral existe por una cuestión geomórfica, por algún orden divino (para algunes), o porque lo creó uno de los artistas más completos que dio nuestro querido país. Les Santaires creemos más en la teoría de que, si el Litoral existe, es porque El Mensú lo escribió, le puso melodías, lo armonizó y lo pintó”.

“Ramón Ayala debe ser el poeta y musico que más abrevamos en nuestro repertorio de canciones grabadas en nuestros discos. Todas ellas tienen arreglos hermosísimos de Roberto Calvo y Juan Concilio que supieron extraer hasta el último resquicio de fragancias, colores, personajes y sabores que cada tema propone desde su génesis. Sepamos hacer el silencio que El Maestro Merece por su partida, pero no por mucho tiempo. Sigamos replicando su obra porque con ella vamos a poder transitar seguros y seguras nuestros caminos como intérpretes. Salud Ramón Querido. ¡Gracias por toda tu música y tu amistad!”, añadió.

La escritora Mariana Enriquez comentó “Ramón Ayala genio absoluto, cuánta compañía además. 96 vividos a tope”.

“De luto: la selva, el río Paraná, la luna, el yerbal la tierra colorada, el menú, los pescadores y todos nosotros...”, publicó, a su vez, Dolores Reyes.

“Adiós a Ramón Ayala. Enorme poeta y músico argentino, misionero. Autor de grandes canciones como esta que suena, Corochiré, que imita al zorzal cantando en la selva”, señaló Pedro Mairal en la red social X.

El escritor Pedro Patzer compartió las siguientes palabras: “Hay poetas que cambian la historia con canciones: ¡Ramón Ayala fue uno de ellos! En una Argentina que desconoce a la Argentina interior, el Mensú nos presentó un país de selvas, yerbales, cachapeceros, cosecheros, pescadores, jangaderos, posadeñas lindas y sobrevivientes, que pese a dolorosas cinrcunstancias, jamás han dejado de cantar su gualambao. Gracias querido Ramón Ayala por enseñarnos a amar nuestra casa , gracias por jamás desertar, gracias por no renunciar a eso que nos encuentra: nuestra identidad”.

Desde la radio Folklórica Nacional, comentaron: “Lamentamos informar el fallecimiento de Ramón Ayala, influencia máxima de nuestra música del litoral. Acompañamos a su familia y amigos en este momento de dolor”.

El Instituto Nacional de la Música (INAMU) posteó: “Con profunda tristeza despedimos del gran Ramón Ayala, referente por excelencia del arte del Litorial, padre del gualambao y símbolo de la provincia de Misiones”.

CRM

Se fue nomás. Lleva consigo su Misiones, su Paraguay, su litoral, su gualambao, sus aguas, su sonrisa eterna que desafiaba la selva agreste también suya.

La sonrisa de Ramón fue el gran gesto de un amante.

Las canciones de Ramón fueron grandes gestos de un alquimista.

Si alguna vez se dijo que la canción es más que la suma de palabras y sonidos, que la canción llega por vías insondables que escapan a reglas, fórmulas y técnicas, ahí está Ramón para demostrarlo. “Mi pequeño amor”, “Canto al río Uruguay”, “Lapacho”, “El cosechero”, “El cachapecero”, “El mensú” y tantas otras fueron alumbramientos de un mago.

No hay sonrisa sin llanto. Eso Ramón lo supo cuando relató por décimas las atrocidades de la Triple Alianza.

Como un extraño trotamundos, paseó su tierra colorada por lugares inimaginables, con la certeza de que siempre, pero siempre, será la tierra bendecida por una posadeña linda.

Gracias querido Ramón. Este país incierto tiene canción.

El misionero Ramón Ayala, creador original y exuberante, referencia por excelencia de la música litoraleña, falleció este jueves a los 96 años en la Ciudad de Buenos Aires.

Allegados al artista indicaron que Ayala murió en el Sanatorio Güemes donde se encontraba internado y en delicado estado desde hace poco más de 10 días a causa del agravamiento de un cuadro de neumonía.

La familia del artista informó que los restos del músico serán despedidos en una casa velatoria del barrio de Almagro este viernes, mientras que la despedida será el sábado por la mañana en el Cementerio de Chacarita.

El velatorio del poeta, artista plástico y creador del ritmo del gualambao se realizará entre las 12 y las 20 en la calle Quito 3778.

“El sábado invitamos a acompañar el cortejo fúnebre a las 11 en Chacarita acceso a Crematorio”, completaron los familiares del autor de gemas como “El jangadero”, “El mensú” y “El cosechero”.

Su nombre real era Ramón Gumercindo Cidade y sus oficios múltiples: compositor, intérprete, guitarrista, pintor, narrador de historias; todos ejercidos sin detenerse en la barrera de la exageración. Su acta de nacimiento está fechada el 10 de marzo de 1927, en Garupá.

Músico intuitivo y genial, se atribuye ser el creador de un ritmo, el gualambao, y es el compositor de canciones de envidiable belleza, a la vez portadoras de una voz de denuncia social: “El jangadero”, “El mensú”, “El cosechero”, “Canto al Río Uruguay”, entre tantas.

Más allá de los datos biográficos duros sobresalen al menos dos méritos: en un ambiente folclórico en el que irrumpieron en un momento Los Chalchaleros, Los Fronterizos, y tantas formaciones copiadas en espejo hasta el hartazgo, Ayala trabajó en otra línea, más cuidadosa. Así como en Salta y Tucumán se levantaron Eduardo Falú o el Dúo Salteño, en el litoral, Ayala, forjó su propia tradición.

Habrá que computarle, además, que irrumpió en una escena dominada, en el Litoral, por la música correntina y allí también se las arregló para construir un camino propio.

Nació en 1927 en el pueblo de Garupá, a 15 kilómetros al sureste de Posadas, frente al río Paraná, y en la frontera con Paraguay. Fue el mayor de cinco hermanos.

En la adolescencia, tras la muerte de su padre, se trasladó a Buenos Aires, con su madre y se inició, de manera intuitiva, en el aprendizaje de la guitarra.

Acompañó al cantor cuyano Félix Dardo Palorma y, alentado por el maestro Herminio Giménez, comenzó a trabajar el repertorio litoraleño.

A lo largo de los años 50, Ayala formó parte del trío Sanchez-Monjes-Ayala (junto a Arturo Sánchez y Amadeo Monjes) con el que recorrió una amplia variedad de canciones, de las guaraníes a las más porteñas, sin descuidar los boleros.

Hacia 1960 creó el gualambao con la idea de darle un estilo propio y único a su provincia (tuvo un contrapunto público con Chango Spasiuk sobre el origen de esa especie).

El gualambao está formado por dos ritmos de polca encadenados por una permanente síncopa que le confiere una fisonomía particular. Se escribe en compás de 12/8 (doce octavos), es decir que cada compás posee 12 corcheas distribuidas entre 4 tiempos.

En 1962 viajó a Cuba, invitado por el Instituto Cubano de Amistad con los Pueblos. Allí pudo conocer al revolucionario a Ernesto “Che” Guevara, y comprobar que su canción “El mensú” había sido cantada en los fogones revolucionarios de la Sierra Maestra durante la Revolución Cubana.

“En 1963 compuse ´El cosechero´, que fue un éxito enorme. Y ´El jangadero´, que Mercedes Sosa cantó como nadie. Desde entonces no paré de componer”, narró el propio Ayala.

Escribió el periodista Sergio Pujol: “Digamos que ”El cosechero“ es la metonimia de Ayala: todo su ser está ahí, perfectamente aludido. Están su barroco cuasi tropical, su instinto pictórico, su nervio rítmico, su talento para la melodía. Están el paisaje encarnado, y el hombre vuelto paisaje. Están la libertad del que canta y la condena del que trabaja: Rumbo a la cosecha, cosechero yo seré…”

Ayala, creador de más de 300 composiciones, grabó en 1976 su primer disco solista, “La vuelta de Ramón Ayala El Mensú”.

“Posadeña linda”, “El río vuelve”, “Mi pequeño amor”, “Zambita de la oración”, son otras de sus reconocidas obras.

“Hay una especie de descubrimiento con mi obra. O tal vez todos me están cargando”, bromeó Ayala hace algunos años sobre la múltiple ramificación de su música, especialmente entre estudiantes y músicos jóvenes.

Fue el centro de un documental filmado por realizador y fotógrafo Marcos López, en 2013, tan caótico como el personaje que se proponía retratar. Así lo describió: “Ramón es exagerando, siempre está declamando el instante de la fragilidad de la existencia, es místico, podría ser como un Walt Whitman pero en la selva guaraní, una especie de monje y filósofo”.

Su recorrido fue emparentado, por su forma solista, su inclinación por la canción social y su proximidad con la naturaleza, con la figura de Atahualpa Yupanqui. Más allá de gustos, Ramón Ayala resiste esa comparación.

CRM con información de la agencia Télam

Ya sabemos que Rosario es cuna de infinidad de artistas originalísimos. Julián “Chula” Venegas no es la excepción. Este cantor y compositor nacido en 1984 armó una carrera interesantísma basada en la tradición de la canción popular pero dándole aires nuevos.

Tiene grabados varios discos como solista -Río Arriba (2021), Choques (2020), De barcos y derivas (2018)- pero ahora está centrado sobre todo en dos proyectos colectivos con los que está recorriendo el país y, pronto, algunos otros lugares del mundo.

Uno es Ambulantes, que comparte con José Santucho, y el otro es Garupá, un trío que integra junto a Joel Tortul en piano y Homero Chiavarino en acordeón, que se dedica a celebrar la obra del gran compositor misionero Ramón Ayala.

Con el primero, dedicado a los oficios callejeros urbanos, estará en unos días en la Ciudad y la Provincia de Buenos Aires (el viernes 25 en El Alambique de CABA con Turica Doncel, el sábado 26 en Sede APM de La Plata con el dúo Wagner-Taján, y el domingo 27 en la Asociación Cultural Arte y Vida, en Martín Coronado, PBA).

Esta charla con elDiarioAR tuvo lugar poco después de la presentación de Garupá a sala llena en el Centro Cultural Borges, en un concierto que terminó en ovación de pie de todo el público.

-¿Cómo te convertiste en cantor o cuándo supiste que querías dedicarte a esto?

-Canto desde desde chico. Recuerdo que la maestra ya de nivel inicial me ponía delante de los compañeros para cantar. Y me acompañó el canto toda mi vida desde el vamos. Tuve la suerte de que era una actividad naturalizada en mi familia. Canta mi viejo, mi vieja, cantaban mis abuelos maternos, mis abuelos paternos, mis hermanos. Después pasó que estaba tan naturalizada la actividad que me costó verla como posibilidad de laburo o forma de vida. Y esa fue una decisión que me llevó más tiempo. Probé otras carreras, otros laburos. Y si bien los resultados eran buenos, nunca llegaba a sentirme bien, a tener una proyección en las actividades que encaraba. No me veía a largo plazo. Y sí me veía a largo plazo en la música. Estudié mucho guitarra también y otras cosas, un poco de percusión, pero principalmente canto. Todo se ordenó alrededor del canto. Me di cuenta que si tenía que ponerme a pensar cuál era el eje ordenador musical de mi vida era el canto. Me reconozco como cantor. Todo lo que hice complementa eso. Y en cuanto a género ordenador de lo que hago dentro de la música, que es un es un campo amplísimo, es la canción, la canción popular.

-¿Y la composición viene desde el principio también o llegó más tarde?

-Más tarde. Recuerdo primeros intentos de canciones a los 20 años. Voy siempre como cabalgando entre el ser intérprete de canciones prestadas o ser intérprete de mis propias canciones. Cuando me mandé a hacer canciones, caí también en esa presión de tener que estar produciendo con cierta constancia o periodicidad. Y después me di cuenta que disfruto mucho también de interpretar y que podría justamente ir intercalando entre canciones que voy haciendo y canciones que me gusta cantar, siempre dentro de conceptos o intentando buscar conceptos para unir las canciones o para armar repertorios. Y eso como una herramienta de construcción de identidad o de apropiación en el mejor de los términos de las canciones que yo interpreto. Si las junto alrededor de un concepto, me parece que hay más posibilidades de que se logre esa apropiación.

-En tus discos te importa bastante que quede en claro de dónde sos.

-Últimamente vengo hablando de eso en las clases que doy particulares y en talleres y también lo uso como recordatorio personal. Me gusta trabajar un canto situado, lo más situado posible. Porque también por popular uno puede recurrir a un montón de géneros. Lo popular es muy vasto y no queda exento de pisotones culturales. A veces dentro de la música popular -que está bien dicho; no es que esté mal dicho- se comete el error reduccionista de hablar de jazz, rock, pop, blues y un montón de géneros populares, pero que son foráneos, de otros lados. No son los nuestros. Entonces eso también influye a la hora de cantar, a la hora de decir, en los fraseos. Y todas son variables que tengo en cuenta a la hora de apropiarme de las canciones para hablar desde mi situación, desde mi situación geográfica, mi situación comunitaria, mi situación como parte de un grupo de colegas con los que me vengo formando hace un montón de tiempo, compañeros de proyecto, maestros, obviamente. Y trato de que el repertorio que yo elija esté en sintonía con esa historia, en definitiva. De todas formas, me encantan canciones estándar de jazz. El otro día hicimos con una banda de acá de Rosario un tributo a Chet Baker, que es un vientista de Estados Unidos. Y me gusta hacer eso, pero por gusto musical, digamos. Ya no tiene que ver más con un lugar situado desde donde canto. Y eso está también. Me hace bien cuando me permito esas cosas también.

-¿Y alguna vez sentiste la necesidad de trasladarte a Buenos Aires para vivir de la música?

-No me pegó ese mandato de lleno, la verdad. Soy parte de una generación que tiene la posibilidad de otros circuitos, de difusión sobre todo. Es una de las cosas buenas que tienen las redes, el acceso a internet. Y eso me parece que nos relajó en ese sentido. Sigue siendo una vidriera principal Buenos Aires. Sigue siendo importante estar ahí de vez en cuando, pero se pueden construir también circuitos alternativos. Por lo pronto, yo lo creo así. Muchos amigos también piensan así. Y también está la otra realidad de que Rosario no es un lugar que no tenga posibilidades de seguir creciendo a nivel de producción o circuitos culturales. Tengo la suerte de haber nacido en una ciudad que tiene mucho potencial, que ya tiene tradición musiquera y que puede todavía dar mucho más al respecto. Y también me siento parte de esa construcción acá en mi ciudad. No es como otras ciudades demográficamente importantes como Buenos Aires. No es como otras capitales donde puede haber más circuitos de trabajo, pero tampoco es un lugar que no tenga recursos.

-Hablemos de los dos proyectos que lanzaste el año pasado y con los que seguís ahora. Por un lado, Ambulantes. ¿Cómo es ese proyecto? ¿Cómo surgió?

-Con Santucho compartimos amistades, gustos musicales e intereses, también respecto a determinadas temáticas sobre las cuales escribir. Y como músicos populares encontrarse con la temática de los ambulantes, con un concepto que gira en torno a esos trabajadores y trabajadoras, fue como encontrarse con un tesoro, como dar con una motivación y entusiasmo para producir que estamos buscando constantemente. Los dos nos sentimos muy atraídos por esa posibilidad. Nos dimos cuenta también de que, además de las ganas que teníamos nosotros, no era un repertorio que hayamos escuchado. No dimos con repertorios completos dedicados a eso. Entonces nos resultaba también novedoso en ese sentido. Sí a lo mejor repertorios dedicados a laburantes rurales pero no urbanos. Él cayó a mi casa una noche del año 2021, si mal no recuerdo. Y guitarreando en el patio él me mostró unas canciones que tenía relacionadas a ese concepto. Yo ya venía cantando una canción a los churreros, que está escrita por un amigo. Había hecho un audiovisual también usando el pregón del chatarrero. Y cuando llega José ya con cuatro canciones relacionadas a ese concepto, cayó así medio naturalmente la certeza de que íbamos a terminar haciendo un disco. Lo que tiene la canción popular es que -o por lo menos los criterios que compartimos con José relacionados a la canción popular- te mete en un trabajo de investigación. Vos querés hablar de algo o querés saber un poco para escribir una canción y realmente resonar en una comunidad que pueda escucharte y tenés que ponerte a estudiar, a leer, a comer churros o lo que sea que te empiece a meter más de lleno en la temática. Y ahí arrancamos con esas canciones y nos pusimos también a producir un poco más. José escribió la mayor cantidad de las canciones. Yo metí mano en tres. Después pedimos prestadas otras canciones a colegas amigos. También es parte de ese repertorio una canción de Jaime Roos que es “El grito del canilla”, que le hicimos un arreglo a dos voces, y otra de Emilio Magaldi, que es “El afilador”, un vals, creo que de mitad del siglo 20, que también lo adaptamos a a la estética que queríamos para este disco. Es un proyecto con una temática muy vigente porque atraviesa generacionalmente a mí, a mi sobrino, a mi viejo, a mi abuelo, a mi bisabuelo. Es re loco eso, ¿no? Que esos oficios sigan resistiendo o insistiendo en el pregón, en lo territorial, en la manufactura, en prescindir de los avances tecnológicos. Es un concepto realmente muy transversal.

- Y siguen girando con ese disco, ¿no?

- Sí. Tenemos esas fechas en Capital Federal y La Plata y vamos a hacer temporada acá en Rosario de vuelta. Entre las cosas que vengo construyendo están estas ganas de construir otro tipo de consumo de la música, que viene más del teatro independiente, que hace temporadas. Claro que hay diferencias entre las dos ramas del arte. Una cosa es la música y el consumo masivo y gratuito de la música y la disponibilidad gratuita de la música y otra, el teatro, que tenés que ir. Si te gustó la obra, tenés que volver a verla y pagar una entrada. Pero fuiste a ver un grupo de música y te gustó y después es darle play a una plataforma de reproducción online. Y eso no es lo mismo que pagar una entrada. Al músico le significa mucho menos eso. Así que con Ambulante estamos pensando también en esa forma de presentarnos. Ya lo hicimos el año pasado, durante todo el mes de octubre. Este este año va a ser durante todo septiembre en ese formato de temporada acá en Rosario.

-Además estás con Garupá, dedicado a la obra de Ramón Ayala. ¿Cómo se les ocurrió?

-Ramón es parte del cancionero popular argentino y litoraleño y parte de las guitarreadas. Está presente en todos lados. Es uno de los artistas más importantes del siglo 20, sin lugar a dudas. Vasto en toda su producción. Pintor. Escritor. Músico. Y cada uno, tanto Joel como Homero como yo, siempre lo abordamos de alguna u otra forma. En una guitarreada o en repertorios grabados de cada uno. Por otra parte, los tres venimos de barrios musicales distintos, pero sí relacionados a la música popular. Joel viene más del palo del tango. Homero viene más del palo de la de la música litoraleña y de la cumbia. Y yo más del palo de la canción. Estábamos con ganas de hacer música popular, de armar un grupo, pero no sabíamos qué hacer. Lo veníamos pensando ya hacía un tiempito. Y se nos ocurrió que Ramón Ayala podía ser un gran denominador común. Los tres le tenemos una gran admiración. Nos parecía que las canciones de Ramón también tienen una generosidad que se dejan intervenir, con respeto, pero se dejan intervenir. Y los tres también, como músicos populares que somos, sentimos ganas de meternos en ese trabajo que viene haciendo Liliana Herrero, por ejemplo, de trabajar la vigencia de algunos mensajes. Y pensamos también que Ramón, además de toda la belleza que tiene a nivel sonoro, tiene un mensaje muy vigente. Sus canciones pueden ser comprendidas incluso por nuevas generaciones. Así que nos mandamos en ese laburo de trabajar esa vigencia, de darle nuestras herramientas y una sonoridad que viene de esos barrios musicales que nombré hace un ratito, como para también sumarnos a ampliar el espectro de escucha de Ramón Ayala. Para nuestra generación y para las generaciones que siguen. Y así fue como nace Garupá, que también tiene una proyección larga. La vigencia de Ramón se sostiene por un mensaje, sobre todo, muy profundo, muy comprometido con su tierra, con los laburantes de su tierra, con su paisaje, muy ecologista, con todo lo que está significando esa palabra hoy. Entonces, con más razón nos dieron ganas de trabajar a Ramón.

-¿Y cómo trabajaron los arreglos, que son bellísimos?

-El que tiene más naturalidad para arreglar en tiempo real, te diría, es Joel. Lo bueno que a él se le viene la idea, la comparte y entre los tres le vamos dando forma y orientando esas ideas. También se nos ocurren cosas a Homero y a mí, pero principalmente el que más agarra esa manija es él. Después Homero es muy importante en cuanto al criterio litoraleño. Como se crió en Paso de los Libres, tocó en un montón de festivales de chamamé, hay cuestiones de criterio que van más allá de las habilidades técnicas de un instrumentista, que está bueno siempre tener ese marco. Por eso es tan importante Homero. Y además toca el acordeón, la guitarra, canta. Entonces nos da muchas posibilidades. Y en mi caso tomo las decisiones interpretativas, o sea, cómo me apropio de las letras de Ramón, cómo las fraseo, cómo trato de hacer una apropiación del mensaje para decirlo a mi manera, con otro tiempo, también con otro timbre de voz, que quizá pueda resonar mejor en las generaciones de ahora o en las que vengan. Esas decisiones las tomo yo. Y entre esos tres criterios se va acomodando la estética de Garupá.

-¿Ramón escuchó el trabajo?

-Sí, lo escuchó. Nos mandó mensajes de audio. Garupá viene justo a salir en un momento en donde Ramón está más limitado de movilidad e incluso también se lo puede visitar menos. Está en un momento de fragilidad física. Pero, sí, le hicimos llegar el material. Le gustó mucho, así que estamos re contentos nosotros.

-¿Cómo sigue tu 2023?

-Garupá y Ambulantes van a estar seguro, incluso produciendo cosas nuevas. En ambos casos nos pareció apropiado arrancar con un disco con repertorio contundente y numeroso y ya una vez hecho eso quizás subirnos a las modalidades de ahora, que son más de sacar un single y un video. Con ese antecedente de un cuerpo de canciones ya robusto y abundante, nos sentimos cómodos en el nuevo formato de ir sumándole de a poco otras canciones que vayamos produciendo. Con Ramón tenemos para hacer un millón de canciones más. Nos interesa hacer un trabajo de canciones que no son tan conocidas. En el primer disco nos parecían ineludibles los clásicos de Ramón. Pero después tiene otras canciones que son tan bonitas como esas pero no tan conocidas, y tenemos ganas de hacerlas. Y después con la temática ambulante, lo mismo. Vamos a seguir produciendo. Tenemos ahí picando oficios nuevos. Por ejemplo, cocacolero de cancha. Tenemos una canción que la estamos calentando. También tenemos letra y música del oficio de muralista, que está creciendo un montonazo. Acá en Rosario tiene una fuerza increíble. Hay una letra nueva que le tengo que poner música que me la pasó José de los carritos de choripanes y de hamburguesa. Todas cosas que son indicadores de las ganas de seguir haciendo en los dos grupos. Probablemente publique además un disco nuevo mío en estos meses. Son canciones que quedaron como al costado de estos dos proyectos, que tienen que ver con los tiempos de cuarentena y de pandemia. Si hay un denominador común entre Garupá, Ambulantes y ese disco es la necesidad de complicidad, de trabajar en equipo, de salir un poco de la cuestión solista, de producir con amigos. Y este disco que voy a publicar tiene mucho de eso: la mayoría de las canciones están hechas en parcería con otras personas.

-¿Y te vas a Europa?

-Nos vamos a ir con Garupá a la Expo Iberoamericana de Música en Portugal, a mediados de octubre. Y después nos vamos a quedar trabajando por ahí, por la región, por Portugal, por España, seguramente. Estamos armando la gira. Así que presiento que esos proyectos merecen atención para lograr una expansión linda. Siempre alguna aventura solista voy a tener porque toco la guitarra y canto. Pero Garupá y Ambulantes son los proyectos que van a seguir andando el año que viene y van a ser, seguramente, el eje principal.

“Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

CRM

Considero que a los artistas hay que honrarlos en vida. Por eso fue tan importante el homenaje a Ramón Ayala que se hizo el domingo 6 en el CCK. Ayala, de 95 años, estuvo en primera fila escuchando varios de sus clásicos interpretados por Cecilia Pahl, Nadia Larcher y Walas, del grupo de rock Massacre (que es su sobrino), acompañados de unos músicos maravillosos.

“Mira la luz, goza la vida”. Así empezó la velada con un recitado en off del poema “Ser” del músico misionero. Fue un homenaje breve, pero contundente, bajo el título El viejo río que va. Concierto para Ramón Ayala: “El Mensú”.

El ritmo del gualambao, creado por Ayala, retumbó en el Auditorio Nacional, repleto de público, que más tarde coreaba el estribillo de “El Cosechero” (“algodón que se va, que se va, que se va, plata blanda mojada de luna y sudo, un ranchito borracho de sueños y amor quiero yo”) y luego, de pie, alentaba “Olé, olé, olé, Ramón, Ramón”.

Y es que el autor de muchos clásicos del folklore como “Posadeña Linda”, “El jangadero”, “Retrato de un pescador”, “El cachapecero” y tantos más presentaba dificultades para caminar y recibió con emoción el reconocimiento, acompañado siempre de su fiel compañera Teresa.

Entre los músicos estaban el violinista Santiago Martínez, el percusionista Cacho Bernal, el pianista José Bulos, la flautista Chela Martínez Bader, el acordeonista Natalio Sturla, el chelista Juan de Dios Rivas y la guitarrista Maru Figueroa. Estos últimos dos fueron los responsables de los arreglos. ¡Larga vida a Ramón Ayala y más homenajes a los artistas vivos!

Lorena Astudillo y la fuerza creadora de las mujeres

Y vamos con las novedades de estos días. La prolífica y siempre activa cantante Lorena Astudillo presenta este viernes 11 su nuevo disco Peregrina, tanto en plataformas como en vivo. Lo integran ocho canciones de su propia autoría en las que busca plasmar la acción creativa y creadora de las mujeres músicas argentinas.

“La nueva canción argentina en manos y voces de mujeres” es el lema bajo el que se promociona este trabajo, que cuenta con la participación de 15 reconocidas músicas: Ligia Piro, Alejandra Radano, Katie Viqueira, Clara Aita, Milagros Caliva, Caro Cohen, Carmen Donneys, Flor Giammarche, Mariana Mariñelarena, Constanza Meinero, Jacquie Oroc, Maia Perduca, Marina Ruiz Matta, Paula Suárez y Eliana Zarabozo.

“Peregrina es un entramado, donde 16 músicas nos sumamos, trenzamos y creamos en un modo que nos recuerda cómo las mujeres podemos sostener colectiva y solidariamente las empresas que nos proponemos, y llevarlas exitosa y felizmente a destino. Rebecca Solnit, Virginia Woolf, Clara Coria, entre tantas lúcidas escritoras, me nutren, me acompañan y guían ideológicamente en este trabajo, donde me empeño en nombrarnos, en reconocernos como creadoras, sabiendo acerca de las tantas dificultades que tenemos las mujeres para movernos en libertad y paridad. Con total consciencia de esto, me animo a emprender este peregrinaje con convicción y alegría porque, por más viento en contra que sople… es posible”, dijo la cantora sobre su disco, el octavo de su carrera.

Por el momento, solo escuchamos un adelanto, la canción “Candombita”, que les dejo a continuación. La presentación será en Rondeman Abasto.

Emilia Siede vuelve a Buenos Aires

Emilia Siede, cantora argentina radicada en Uruguay, vuelve a Buenos Aires para presentar su primer disco solista, Es un decir, del que les hablaba acá hace unos meses. Este trabajo contiene temas de autores contemporáneos entre los que están Papina de Palma, Mocchi, Duratierra, Decidores, Nicolás Ibarburu, Valbé/Noe Recalde y Anikké (N. Rallis). También hay un tema de la propia Siede, “Pez de río”. La producción y las guitarras están a cargo del gran Lautaro Matute. Además, están Luna Sujatovich en piano y sintetizadores y Martín Beckerman en percusión.

“Siento que soy parte de una generación que está componiendo muchísimo, están brotando muchas canciones nuevas preciosas, y lo entiendo como algo folklórico en sí, como si les cantautores de hoy fueran el nuevo folklore, siempre arraigados al paisaje y las influencias de territorio. Cuando interpreto las canciones busco ir hacia esa raíz, que es la que me conecta con lo más puro y esencial de la voz y de la música”, nos dijo Siede en su momento.

El regreso de esta argentina a la ciudad de la furia se producirá el jueves 17 de noviembre en el Cultural Morán. Abrirá la noche nada menos que la potente Luciana Jury.

Les dejo un video que ya tiene unos años, pero que me encanta. En él Siede cuenta cómo nació “Pez de río”, dedicada a su padre, y la canta. Y más abajo el link al disco completo:

El dúo Tozzola - Cacoliris y un EP dedicado a la pampa argentina

El guitarrista Matías Tozzola y el percusionista Horacio Cacoliris forman un dúo instrumental que acaba de lanzar el segundo EP de una serie dedicada a las diferentes regiones del país. Pampas se estrenó en plataformas el 4 de noviembre y el 17 se presenta en vivo en el nuevo Café Vinilo. La invitada de la noche será Lorena Astudillo, de quien hablamos más arriba.

Tozzola, guitarra solista de la Orquesta Juan de Dios Filiberto, toca la guitarra de siete cuerdas. Se juntó con Cacoliris a finales de 2019 con la idea de abordar un repertorio dedicado a la música argentina con versiones de grandes referentes como el “Cuchi” Leguizamón, Falú-Dávalos, Atahualpa Yupanqui, Ariel Ramírez y Raúl Carnota, entre otros.

Ese repertorio lo empezaron a alternar con composiciones propias, lo que los llevó a pensar en EPs centrados en las diferentes regiones argentinas. Pampas, como indica su nombre, está dedicado a la música de la llanura que comparten la provincia de Buenos Aires y La Pampa, donde conviven ritmos como el triunfo, el estilo y la milonga pampeana. Les dejo acá para escuchar los tres temas de este delicado trabajo:

Pablo Bernaba y su disco solista

El bandoneonista Pablo Bernaba, a quien conocemos del Quinteto Negro La Boca, lanzó a fines de septiembre un disco solista, Vozaneón, con tangos clásicos, alguno de su autoría y “Un vestido y un amor” de Fito Paéz. Este 11 de noviembre lo presenta en vivo, con importantes invitados. El show será en el Club Atlético Fernández Fierro (CAFF).

Los temas de este disco son interpretados con un estilo siglo XXI, con reminiscencias de Rubén Juárez, gran referente en esto de cantar y tocar el bandoneón a la vez. En los fraseos, que Bernaba hace con voz grave y aguardentosa, podemos encontrar algo del Polaco Goyeneche.

Así como el disco es minimalista e intimista, la presentación en vivo seguirá la misma línea. Entre los invitados estarán las cantoras Patricia Malanca y Dolores Solá así como Oscar Pittana y Gastón Ruiz (del Quinteto Negro La Boca) en contrabajo y en guitarra, respectivamente. Patricio Villarejo tocará el chelo, Lía Martinez ofrecerá su danza y habrá otrxs invitadxs sorpresa.

En este video, Bernaba interpreta con la Malanca “Garzas del Riachuelo”.

En 2008, el músico fundó el Quinteto Negro La Boca, grupo que tiene un fuerte trabajo estético-político en el barrio homónimo. Además, dirige el Festival de Tango de La Boca. También fundó y dirigió entre 2011 y 2015 la Escuela Popular de Tango de La Boca.

Acá les dejo el disco completo:

La UNSAM lanza diplomatura virtual en música argentina

Estas noticias me encantan, porque sé que así más músicos tendrán acceso a más formación y seguiremos teniendo una música viva y en evolución constante: en 2023 la Universidad Nacional de San Martín (UNSAM) contará con una nueva Diplomatura en Música Argentina, que se puede estudiar desde cualquier parte del país y del mundo.

Se trata de una propuesta 100% virtual, con clases sincrónicas y asincrónicas, y tiene una duración de 4 meses (80 horas totales).

Está dirigida a instrumentistas y/o cantantes interesadxs en la creación e interpretación de folclore argentino, con experiencia en guitarra, piano, cuerdas, vientos, bajo/contrabajo, bandoneón, percusión o canto.

Esta Diplomatura en Música Argentina, que dirige el pianista Andrés Pilar (del que les hablé muchas veces por Don Olimpio, el Trío Patio y otros proyectos), tiene como objetivo la formación de músicos en la interpretación, los arreglos y el conocimiento estilístico del folclore argentino. Les brinda herramientas técnicas, creativas y conceptuales, “con un sólido conocimiento del género elegido y su repertorio, enmarcado en el devenir histórico de esta música en nuestro país en diálogo con las producciones musicales actuales”, según indica el programa.

Para acceder a esta diplomatura, es necesario aprobar un examen de ingreso. El plazo para inscribirse termina el 30 de noviembre. Los interesados pueden escribir a este mail: diplomusica.eayp@unsam.edu.ar.

Yapa: Homenaje a Ramón

Y, bueno, sí, la yapa de hoy era un poco obvia: el homenaje a Ramón Ayala, que fue transmitido en directo por YouTube. ¡Que lo disfruten!

¡Nos vemos en dos semanas!

“Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

CRM

Se acerca el otoño pero acá seguimos disfrutando de este verano postpandémico -o al menos nos gusta pensarlo así- que está permitiendo a las músicas y los músicos volver a trabajar. Y a nosotros ir a escucharlos en vivo. O en plataformas (o en CDs y vinilos, ¿por qué no?). O leer sobre ellos. Y leerlos a ellos.

Carlos “Negro” Aguirre lanza su disco nuevo

Por fin tenemos fecha de lanzamiento del nuevo disco del entrerriano Carlos “Negro” Aguirre, uno de los músicos que más queremos todos. Será el 30 de marzo en el marco del ciclo La Hora Azul del sello Shagrada Medra desde el canal de YouTube. Y, luego, desde el 31 de marzo estará disponible en las principales plataformas. Hace unos meses tuvimos la fortuna de charlar con el polifacético pianista y compositor en una cálida noche paranaense y nos contó cómo fue todo el proceso de creación de este trabajo, titulado Va siendo tiempo.

Junto con el Carlos Aguirre Quinteto -integrado por Luis Medina, Mauricio Laferrara, Sebastián Narváez, Mauro Leyes y el mismo Aguirre- grabó sobre todo temas de su autoría. El quinteto comenzó a conformarse en 2017, a partir de la idea del autor de “Los tres deseos de siempre” de crear un laboratorio para investigar sonoridades en relación a los grupos de guitarra en el folklore.

Como nos contó en aquella entrevista, primero se dedicaron a jugar con temas de discos anteriores o incluso con composiciones clásicas, para luego encarar el arreglo de canciones nuevas, pero todo sin apuro y sin presiones. Además, en el medio llegó la pandemia y juntarse y ensayar se complicó durante un tiempo. Claro que no hay mal que por bien no venga y así se acercó al grupo la joven y talentosa guitarrista de Paraná Florencia Schroeder, que con su incorporación lo convertirá en sexteto.

“En el transcurso de este tiempo fue surgiendo la necesidad de ampliar la tímbrica del grupo y paulatinamente se agregaron otros instrumentos de la familia de las cuerdas pulsadas: guitarra píccolo, guitarrón, guitarra bajo y mandolina. También, y a la hora de interpretar varios ritmos del Litoral, nos gustó la idea de incorporar el acordeón”, explica Aguirre en la presentación de este trabajo.

Va siendo tiempo, que se comenzó a grabar en febrero del año pasado, recorre diferentes regiones del país: hay chacareras, zambas, una chaya y varias piezas litoraleñas. Hay temas instrumentales y canciones. Doce son de Aguirre y uno, “Los amores de Cabré”, del venezolano Enrique Hidalgo, al que el entrerriano conoció a través de los discos de Cecilia Todd. De lo temas instrumentales, hay uno dedicado al músico y compositor correntino Nini Flores.

En aquella entrevista, realizada tras una Ronda de los Martes, con la que en la capital entrerriana se protesta contra la utilización de agroquímicos y en la que había participado el músico, hablamos también del compromiso de Aguirre con el cuidado del medio ambiente. Por ejemplo, ya no entran plásticos a su casa y en sus redes va contando el proceso. En la misma senda, este domingo 20 participará en el Festival por el Agua, que tendrá lugar en la Plaza de las Colectividades de Paraná con más de 50 artistas locales.

Ramón Ayala cumplió 95 y hubo fiesta y disco nuevo-viejo

Seguimos en el Litoral. El misionero Ramón Ayala, mítico compositor de clásicos de nuestra música como “Posadeña linda” o “El cosechero”, cumplió 95 años el 10 de marzo y hubo serenata en la puerta de su casa. Estuvieron allí, entre otros, Cecilia Pahl, que compartió emocionantes imágenes y videos en sus redes. (Pahl grabó hace unos años un disco precioso con canciones de Ayala llamado Corochiré).

Y con ocasión de los 95 de Ramón Ayala se lanzó además el primer disco remasterizado del catálogo recuperado de vinilos. Se trata de Viaje vegetal, de 1963, que incluye, por ejemplo, “El cachapecero”, tema que hasta ahora solo podíamos escuchar en la voz de Mercedes Sosa. El cachapé era un carro de cuatro ruedas arrastrado por bueyes, caballos, mulas o burros, que se usaba para transportar troncos. “Lenta mortaja de luna sobre el cachapé/Muerto el gigante del monte en su viaje final”. Así se refiere Ayala a un quebracho enorme talado. Siempre me emocionaron esos versos. El catálogo incluye en total siete álbumes, así que tenemos Ramón para rato.

La obra de Leda Valladares en un nuevo libro

Este miércoles a las 18:30 se presenta en Buenos Aires, en el auditorio Jorge Luis Borges de la Biblioteca Nacional, el libro La vida mía sobre la obra de Leda Valladares con la participación de músicas y músicos, videos especiales y música en vivo. La anfitriona de la presentación será la cantante y docente Miriam García, discípula de la investigadora y compositora tucumana.

El material es una producción del Instituto Nacional de la Música Argentina (Inamu) y busca ser “un libro de estudio para escuelas y espacios de educación artística de todo el país”. Por eso, no va a estar a la venta, pero cualquier escuela de música de cualquier rincón del país lo puede solicitar al INAMU y se lo envían de forma gratuita.

A Leda Valladares, de cuyo nacimiento se cumplieron 100 años en 2019, le debemos que no se haya perdido todo un enorme legado de música andina de transmisión oral que ella recopiló. Este libro es un homenaje a esa obra y a la vez un recorrido por su vida y se basa en dos libros editados por ella misma, que contienen partituras de sus recopilaciones.

Cuenta con las colaboraciones de León Gieco, Charo Bogarín, Gustavo Santaolalla, Litto Nebbia, Suna Rocha, Marcela Abruzzese, Acoplase-Rueda de Canto Comunitario con Caja, Adolfo Colombres, Clara Cortázar de Goettmann, Rubén Cruz, María de Michelis, Miriam García, Miguel Garutti, Alejandro Iglesias Rossi, Silvia Iriondo, Silvio Killian, Fara Korsunsky, Lucía Montero, Fabiola Orquera, Nancy Pedro, Lucía Piossek, Liliana Rega, María Carolina Romero, Martín Ruiz Torres y Daniel Soruco.

La coordinación del proyecto, edición y redacción general es de Neli Saporiti, con asesoría y revisión general de Miriam García.

La etapa más difundida como intérprete y compositora de Leda Valladares fue la que compartió con María Elena Walsh, con quien se instaló en Francia en 1952. Juntas trabajaron en base a carnavalitos, bagualas y vidalas, además de desarrollar composiciones propias. Con Walsh, Valladares grabó los discos Entre valles y quebradas I y II, ambos de 1957, hoy imprescindibles en nuestra música.

Bernardo Monk y Carlos Gardel

Este sábado en el CAFF Bernardo Monk, conocido sobre todo en el ámbito del tango más vanguardista y el jazz, presenta junto a su orquesta su séptimo disco solista, Mago: viaje al universo Gardel, en el que lleva por nuevos caminos puramente instrumentales el repertorio gardeliano al que tuvo acceso desde muy niño.

“Monk recurre a una amplia paleta de recursos expresivos para contar una historia, su historia, que lo vincula al mítico cantante de tangos desde una niñez llena de aromas, juegos, imágenes, cuentos y música”, señala el texto de presentación sobre este encuentro entre el músico que estudió en Berklee y el “Zorzal Criollo”.

Además de Monk en saxofones alto y soprano, instrumentos que son los que siguen la melodía que canta Gardel, la orquesta está integrada por Matías Grande y Juan Bautista Bringas en violín, Paula Pomeraniec en violoncello, Daniel Ruggiero y Emiliano Guerrero en bandoneón, Adrián Enríquez en piano y Martín Wainer en contrabajo. Los arreglos y la dirección son del propio Monk. El disco suena así:

Para escucharlo en vivo tienen que dirigirse el sábado a las 20 a Sánchez de Bustamante 772 o comprar las entradas antes en este link.

Yapa: Gerardo Rozín y las Guitarras del Mundo

No podíamos no despedir en esta columna al periodista Gerardo Rozín, que falleció la semana pasada, y al que le debemos que la música popular tuviera por muchos años un lugar central en la televisión. Recuerdo particularmente cuando reunió a todos estos genios de la guitarra en La Peña de Morfi para tocar “Viejo Caá Catí”, promocionando el Festival Guitarras del Mundo. Entre ellos estaban los queridos Rudi Flores, Roberto Calvo y Juan Falú. Gracias por esto, Gerardo. Ojalá haya quien tome tu legado.

¡Nos reencontramos en dos semanas!

“Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

CRM

Este 10 de marzo el cantante y compositor misionero Ramón Ayala, conocido como “El Mensú”, cumple 95 años y lo celebra con la edición digital del que fuera su primer LP, Viaje Vegetal, publicado en 1963.

Se trata del primer adelanto del proyecto de restauración y digitalización de los vinilos grabados por el autor de Posadeña linda y El cosechero, entre otros, entre 1960 y 1990.

Ayala, que también es pintor y poeta, nació el 10 de marzo de 1927 en Garupá, Misiones. Es uno de los mayores referentes vivos de la música de raíz argentina. Además de componer muchas canciones que ya son clásicos, es creador de un ritmo: el gualambao.

Viaje Vegetal es el primer lanzamiento del catálogo que incluye en total siete álbumes. Desde hace años hay un equipo trabajando en la restauración y digitalización de los audios y de las gráficas de esas obras, “manteniendo su impronta original, explorando sonidos, paletas y tipografías para poder mantener la identidad de cada disco”, según se explica en el texto de presentación.

Viaje Vegetal (1963) es el primer LP grabado por Ayala. Fue editado en Uruguay por el sello Carumbé a cargo de Sarandí Cabrera. Este material es inédito en Argentina y no estaba en Internet hasta este jueves. En este disco se pueden escuchar las primeras grabaciones de obras como El Cosechero, El Mensú, El Jangadero y El Moncho junto a otras menos conocidas como Irupé o La Vertiente. La tapa es un dibujo del mismo Ayala, y en la contratapa del vinilo figuran las siguientes palabras del músico:

“El túnel verde del monte llevando el cachapé de ruedas grandes, el Jangadero como una rara flor del agua, río abajo y el cosechero del algodón perdido Chaco adentro, crecieron en mí, con la necesidad de realizar este primer disco, este canto redondo al litoral, a sus caminos de tierra colorada, a sus hombres anónimos con los que he compartido horas, tomando sus imágenes y sueños en la canción a la pintura, a la sinuosa anaconda del Paraná llena de ranchos ribereños, pescadores y guricitos, piernitas chorreadas y ojos profundos. Para ellos, para la gente simple de mi tierra, pero llena de luz, va este homenaje de ”guitarra y canto“”.

A ello se suma una nota del editor: 

“Hay más cosas que decir y que no las dirá el artista y hombre modesto que es Ayala y que debe conocer quien goce de la audición de este ”Viaje Vegetal“. Por ejemplo, que estas canciones ya famosas de Ayala fueron creciendo con su propia vida a impulsos de las renovadas visiones y sugerencias del paisaje y el lugar Misionero en el cual nació y volvió Ramón Ayala. Su geografía violenta, el río Paraná dominando el paisaje litoraleño, la tierra roja y los seres afincados para el dolor en ella misma, encontraron su doble cronista en Ramón Ayala. El cronista que se expresa en sus canciones y el artista plástico, dibujante y pintor que aunque conocido solamente por sus amigos no por eso deja de ser realmente valioso, como da fe el dibujo de Misiones ”Bajada vieja“, que ilustra la carátula de este Long-Play”.

Y añade:

“Como hombre de Misiones, Ayala se nutre de aquella vida y en sus cantos se reúnen lo criollo argentino litoraleño, la componente guaranítica y el toque de Brasil (...) Sensible y errabundo artista, Ramón Ayala es una rica personalidad que se expresa múltiplemente. Así como cantor y como intérprete de la guitarra, su calidad no cede a la de compositor, poeta y artista plástico. Todas esas virtudes esenciales recoge este disco que ofrece Carumbé con la certidumbre de dar a publicidad una pequeña obra maestra”.

CRM