Supongo que si una estuviera en el business de los clics lo lógico sería escribir, esta semana, alguna reflexión (idealmente “en contra”; lo saben todos los noticieros, ser opositor siempre es más fácil que ser oficialista) sobre el premio Aena que acaba de ganarse Samanta Schweblin: orgullo nacional, la mejor cuentista de nuestra época, la heredera absoluta del fantástico rioplatense. Lo que yo tengo para decir sobre ella es eso: leyendo Pájaros en la boca hace unos quince años entendí lo que era la técnica, el significado de una frase como el oficio del cuentista. Sobre el premio, qué hay para decir: todos nos merecemos todo y nadie se merece nada. Todos nos merecemos un millón de dólares, y nadie se lo merece. Que se lo den a una escritora que trabaja tanto y tan bien y que, encima, es argentina, no puede parecerme otra cosa que una buena noticia. Samanta, además, usó su plataforma para hablar lindo y claro. Me gustó que recordara el desfinanciamiento de la Universidad de Buenos Aires, quizás porque sé, de leerlo en algún lado, que ella estudió Diseño de Imagen y Sonido, y representa una de esas trayectorias no lineales que hay que defender cada vez que hablan de la gente que se cambia de carrera tres veces como si fueran ellos los culpables de alguna tragedia educativa.

Pero si algo me interesó de todo el revuelo fue, bueno, justamente, el revuelo. Me divierte que haya gente que piense que es obsceno recibir tanto dinero, que use esa palabra; gente de buen pasar, gente a la que le va bien, gente que podría pensar también que es obsceno ser propietario de un departamento de 100 o 150 mil dólares mientras otros viven en la calle. Me divirtió, también, en el contexto de la otra discusión tuitera de las últimas semanas, la de la importancia de “hablar de plata” entre mujeres y ahorrar e invertir en lugar de gastar en tonterías. Más allá del sesgo de género (que dudo que se verifique en datos: al menos en principio una puede suponer que los videojuegos o las plataformas de contenido erótico mueven tanto la economía como los zapatos y las pulseras), es notable que el lenguaje del dinero siga tan atado al medioevo: lo obsceno, lo sucio, lo ominoso. Lo interesante es que el polo opuesto (el de obtener placer en hablar de dinero, que en el siglo XXI es hablar de “inversiones”) en el fondo participa de la misma moral: de hecho, me recuerdan a la acusación de Foucault contra los hippies y las feministas en el primer tomo de la Historia de la sexualidad. Foucault dice allí que los cultores de la liberación sexual que se autofelicitan por “romper tabúes” se engañan. Hablamos de sexo todo el tiempo, y en mil registros: la pregunta, en cualquier caso, es cómo lo hacemos, qué mundos inventan o subrayan nuestros discursos. Con el dinero pasa exactamente lo mismo: no solo es falso que hoy no hablamos de dinero, es falso cien veces, y más en la Argentina. Nos la pasamos hablando de plata. Es agotador todo el tiempo y la energía que le dedicamos los ricos, los pobres y los de mitad de tabla a hablar de plata. Préstamos de Mercado Pago, plata en negro y plata en blanco, deudas de tarjetas, fondos comunes de inversión, cuánto pagás de expensas, de alquiler o de prepaga. Que me lo merezco, que guardar para la urgencia, que si dejás la plata quieta desaparece, que si no diversificás tu inversión estás expuesto. En todo caso, la pregunta es cómo deberíamos hablar de estas cosas; qué influencia tiene sobre el mundo si hablamos de una manera o de otra, si tiene alguna, o si en el fondo son todos espejitos de colores para jugar a qué podemos tocar estructuras intocables. Como siempre, la responsabilidad individual es un terreno pantanoso. No es cierto que no exista; todos conocemos gente que gana lo mismo que uno y se maneja mejor o peor, lo que sea que eso signifique. Gente que gasta más porque ahorra menos, y entonces parece estar disfrutando más; gente que ahorra más y gasta menos y un día cambia el auto cuando vos todavía no juntaste para cambiar el calefón. Dicho eso, casi nadie se hace rico o pobre por manejarse bien o mal, de nuevo, lo que sea que eso signifique para cada cual.

Lo que es yo, a mí me encanta hablar de plata porque me encantan los chismes. Esa pregunta que hizo viral Oriana Junco, de qué viven, es una ventana a los secretos más oscuros y patéticos de las personas; ya lo decía Discépolo también, en Cambalache, cuando hacía referencia a “el que vive de las minas” como arquetipo humano. Es gracioso, me doy cuenta, cuando se trata de gente de una escala social parecida a la de uno: el que tiene un laburo que oculta en la empresa del hermano mientras pone en la vidriera de las redes sus kioscos más glamorosos, la que alquila una cochera de los padres, el que no recibe nada en la mano pero tiene una extensión de la tarjeta que nadie le controla, la que lleva un par de años invirtiendo una indemnización. Siento que se pone menos divertido cuando las diferencias se vuelven demasiado grandes; es profundamente incómodo hablar de que te aumentaron la prepaga con gente que jamás tuvo una. También es incómodo estar del otro lado; se siente una vergüenza extraña cuando alguien mucho más rico que vos te cuenta, por caso, sus historias con el manejo de un campo heredado; una no sabe si hacer como que entiende o dejar en claro que ni idea, pero de todos la sensación es rara, como un pudor que no se sabe de dónde viene. Supongo que eso es porque el verdadero tabú es el de la desigualdad, no el del dinero. El dinero es simpático si estamos todos en la misma, pero cuando nos confronta con diferencias injustas la incomodidad es única e inconfundible, como siempre que un chusmerío divertido desemboca en una historia violenta.

TT/CRM

Por fin se terminó el misterio: la ganadora de la primera edición del Premio Aena de Narrativa Hispanoamericana, dotado con un millón de euros, es la argentina residente en Berlín Samanta Schweblin, con su libro de cuentos El buen mal. Los finalistas Marcos Giralt Torrente, Héctor Abad Faciolince, Nona Fernández y Enrique Vila-Matas, los cuatro finalistas, se llevaron 30.000 euros respectivamente. 

Schwenlin es una de las autoras argentinas contemporáneas más reconocidas a nivel internacional. Nacida en Buenos Aires en 1978, se destacó primero como cuentista con libros como El núcleo del disturbio y Pájaros en la boca, donde consolidó un estilo preciso, inquietante y atravesado por lo fantástico y lo perturbador en lo cotidiano.

Su primera novela, Distancia de rescate, fue finalista del Premio Booker Internacional y luego adaptada al cine, lo que amplificó su proyección global. Su obra fue traducida a decenas de idiomas y distinguida con premios como el Ribera del Duero y el National Book Award en su categoría internacional, confirmando su lugar central en la literatura en español actual.

Un premio de estas características no podía entregarse sin pompa y circunstancia, así que La Tropa, empresa de eventos encargada de darle vida a este galardón, organizó una ceremonia en el Museo Marítim de Barcelona. A ella acudieron personalidades del mundo de la política española como Óscar Puente, ministro de Transportes y Movilidad Sostenible (del que depende AENA); Jordi Hereu, ministro de Industria y Turismo; Jaume Collboni, alcalde de Barcelona, que dio unas palabras de bienvenida y Salvador Illa, president de la Generalitat de Catalunya, quien se encargó de las de despedida.

Por el photocall y las mesas de la sala en la que se desarrolló la ceremonia se pudo ver a integrantes del ámbito de la cultura como Rosa María Calaf, Arturo Pérez-Reverte, Javier Argüello, Pilar Eyre, Najat El Hachmi, Begoña Gómez Urzáiz, Paulina Flores, Jordi Soler, Carme Riera o Santiago Roncagliolo.

El jurado estuvo integrado por la escritora Rosa Montero como presidenta, así como por la escritora y traductora Pilar Adón, el poeta y filólogo Luis Alberto de Cuenca, el periodista y escritor Jorge Fernández Díaz, la periodista y escritora Leila Guerriero, y los escritores José Carlos Llop y Élmer Mendoza. Los secretarios, sin voz ni voto, han sido los periodistas Sergio Vila-Sanjuán y Jesús García Calero. Dos horas antes del anuncio de su resolución, Maurici Lucena, presidente de Aena, dio el discurso de apertura de un evento presentado por Martina Klein y Josep Cuní que tuvo hasta actuaciones. 

La directora de arte Vanesa de la Haza firmó cinco intervenciones artísticas relacionadas con algún momento clave de los libros finalistas al Premio Aena de Narrativa Hispanoamericana. Por ejemplo, la dramaturga Alda Lozano ideó un monólogo en el que la actriz Nieves Soria dio vida a Josefina, la abuela de Marcos Giralt, una de las protagonistas de su novela Los ilusionistas.

Alex Gassent interpretó al piano una obra musical inspirada en el libro El buen mal, de Samanta Schweblin mientras que la actriz, dramaturga y premio nacional de Literatura Dramática Lola Blasco realizó una performance basada en Ryo, la hija del protagonista de Canon de cámara oscura de Vila-Matas. También hubo un dibujo en vivo firmado por Patricio Hidalgo al que acompañó la voz del actor y director chileno Benjamin Leiter que revivió al comandante Ramiro de Marciano, la novela de Nona Fernández. Cerró la ronda de acciones la coreógrafa y bailarina ucraniana Alina Sokulska con una coreografía basada en Ahora y en la hora de Héctor Abad Faciolince, ambientado en la guerra de Ucrania. 

Ahora y en la hora, de Héctor Abad Faciolince; Marciano, de Nona Fernández; Los ilusionistas, de Marcos Giralt Torrente; El buen mal, de Samanta Schweblin; y Canon de cámara oscura, de Enrique Vila-Matas, son las cinco obras finalistas del Premio Aena de Narrativa Hispanoamericana. Se trata de un nuevo galardón literario español que está dotado con un millón de euros, una cuantía que iguala la del Premio Planeta, que hasta ahora era el premio de literatura mejor dotado en España.

El resto de finalistas recibirán 30.000 euros. En el anuncio de las obras que optarán al Aena, ocurrido en la Librería La Mistral, se encontraron presentes la escritora Rosa Montero, presidenta del jurado; el periodista Jesús García Calero, secretario del jurado, y los scouts Nuria Azancot y Antonio Martínez Asensio.

La novela ganadora de esta primera edición se dará a conocer en una ceremonia que tendrá lugar en Barcelona el próximo 8 de abril. Así lo hicieron saber hace unas semanas Rosa Montero y el presidente de Aena, Maurici Lucena. Allí también revelaron una de sus mayores particularidades y lo que distingue al premio del Planeta: el galardón se otorgará a obras ya publicadas. Un equipo compuesto por profesionales del periodismo cultural y literario de España e Hispanoamérica buscará reconocer las mejores obras de narrativa escritas en español y lenguas cooficiales y publicadas en 2025.

“Es un premio que no es más que alegría para el sector, para las editoriales, para los escritores y para los lectores. Que se meta dinero y visibilidad en el sector del libro me parece maravilloso”, apuntó Rosa Montero. “El millón coloca este premio desde el principio en un lugar alto, y ahora el premio tiene que estar a la altura de un millón, y eso cuesta. Aunque todos los premios son subjetivos, realmente intentar que el premio tenga un peso en el conocimiento de la literatura mundial en español es una aspiración”, agregó sobre la dotación del galardón.

El jurado, junto a Montero, lo componen los escritores Pilar Adón, Luis Alberto de Cuenca, Jorge Fernández Díaz, José Carlos Llop, Elmer Mendoza y Leila Guerriero. Como entidades colaboradoras participan en el premio la Fundación Gabo y la Cátedra Vargas Llosa. Paralelamente al premio Aena, se van a impulsar acciones de fomento de la lectura y del diálogo literario en España e Hispanoamérica para visibilizar la diversidad literaria, promover la circulación de autores y autoras y fomentar un diálogo enriquecedor entre ambos continentes.

El premio aspira a tener un reconocimiento similar al Goncourt en Francia o el Booker del Reino Unido, según explicó Maurici Lucena en la presentación. “Tenemos la voluntad de abarcar ambos lados del Atlántico. Queremos que el premio no se quede en España y que irradie a las Américas”, subrayó el presidente de Aena, que también insistió en que no se trata de “desmerecer ni criticar” ningún otro premio. Asimismo, recalcó que “no existe ningún interés editorial que pueda interferir en la imparcialidad del premio”.

Uno. Pasó hace nada y pasó hace un montón: ese ritmo frenético y un poco zonzo que mueve las noticias o las modas. Algo que parece lo último titila al mismo tiempo que empieza a diluirse hasta quedar tapado por otro algo, todavía más nuevo y estridente, y así. Novedades como bebés que nacen con cara de ancianos (la mayoría). La semana pasada, a esta misma hora, las redes se veían invadidas por imágenes generadas por una nueva función del chat GPT que permitía a los usuarios transformar sus fotos imitando la estética del estudio Ghibli, esa adorable casa de animación japonesa fundada por Hayao Miyazaki y un grupo de colegas, creadora de obras maestras como Mi vecino Totoro, El viaje de Chihiro, La princesa Mononoke o El recuerdo de Marnie (de paso, vale recordarlo: todas ellas y muchísimas más están disponibles en el catálogo de Netflix). Mirar el teléfono fue cruzarse con instituciones de cualquier rincón del planeta, viejos compañeros de la primaria, campeones del mundo, parientes lejanos, dirigentes políticos, cantantes, titulares de consorcios de edificios, niños y grandes jugando por un rato a verse distintos, a tener esa particularidad y ese encanto de ojos sorprendidos, de colores vivos, de naturaleza chispeante. Todos y cada uno, como dibujados a mano. Todos nuevos y al mismo tiempo uniformados. Todos singulares, todos calcados. Todos y nadie. (En pocas horas, claro, llegaron los debates y las consabidas polémicas, con el mismo ritmo agitado y evanescente).

Dos. “Todo gran arte trae consigo la marca de la ligereza. No importa cuán pesado luzca, no importa si sus procedimientos y sus materiales evocan el fárrago o la mole. El gran arte siempre parece flotar, cosa tanto más sorprendente si se trata de objetos voluminosos: las catedrales góticas, como naves espaciales a punto de despegar; los párrafos de Rabelais y Cervantes; cualquier página de Onetti; las conversaciones diabólicas de Thomas Mann; la composición abisal de Velázquez; los edificios de Lina Bo Bardi. Obras pesadas pero que logran suspenderse en el aire, no sabemos si a pesar o a causa de su densidad. La ligereza, por tanto, como seña del gran arte. Dan ganas de soltar esta fórmula: si no flota, no es arte”, leo en La ligereza, de Juan Cárdenas, un flamante libro de ensayos publicado este mes por Sigilo. De inmediato pienso en todo eso que parece volar –una forma particular de la levedad, esa flotación que no es estrictamente etérea– que distingue a las películas del estudio Ghibli y que tironeó a millones en todo el mundo a sentir que también podían volar por un rato toqueteando unos botones de sus teléfonos. “Por desgracia –sigue Cárdenas– vivimos en un mundo que confunde la ligereza con la frivolidad (...). Por supuesto, nada es más difícil que la ligereza. El arte siempre es dificilísimo. Solo que hay un tipo que revela la dificultad y otro que la oculta”.

Tres. Una escritora que me encanta –una artista con una obra flotante, también– y que creo que es la que mejor trabajó la ligereza en su escritura: Hebe Uhart. Por estos días Adriana Hidalgo Editora publicó Una pequeña parte del universo, un libro divino que compila textos donde, además de comentar varias de sus lecturas, Uhart ofrece algunas ideas sobre la escritura. “Empecé a escribir de forma deliberada, como si me estuviese ejercitando para algo, alrededor de los diecisiete años. Me ayudó a corregir los textos un amigo mayor, egresado de Filosofía, pero a quien le interesaba mucho la literatura, con un perfil similar al mío, que estudié filosofía y en las clases de Filosofía Moderna leía a Dostoievski mientras escuchaba vagamente que lo mónada no tiene puertas ni ventanas. Ese amigo, sin cobrar por su enseñanza, tuvo la paciencia de leer lo que yo escribía y me señalaba las partes vivas y las partes muertas del texto. Y aunque alrededor de los diecinueve años yo no me interesaba por la filosofía, algo se me debe haber pegado por lo que leía, supongo que Husserl, porque un verano se me dio por desfulanizar a todo el mundo. Yo vivía en un pueblo suburbano donde todos los vecinos del centro se conocían, se saludaban y se paraban a hablar de lo que a mí me parecían pavadas, entonces quería percibirlos fuera del contexto cotidiano de tedio y la chatura y verlos en su mismidad, como seres luminosos que emergen en toda su esencia: a todo es yo lo llamaba desfulanizar. Por eso los ejercicios literarios que hacía tenían este encabezado: ‘Esa tortuga’, ‘Ese colibrí’. Ese y esa en su mismidad”.

Cuatro. Los aparatos nos escuchan y se ve que algo dije en casa sobre Miyazaki, la inteligencia artificial o el estudio Ghibli porque apenas empecé a buscar algo para mirar en las plataformas, la tele me ofreció el documental Hayao Miyazaki y la garza (2024) del menú de Netflix. Me gustó especialmente la nula solemnidad con la que los realizadores, seguramente cercanos al gran maestro del cine de animación, se aproximan a su costado más íntimo. En las primeras escenas Miyazaki está desnudo en una pequeña pileta de agua termal. En ocasiones aparece en piyama, deambula por un pasillo desvelado, fuma inquieto, dibuja con los pies temblorosos, se frustra porque las cosas no le salen, llora por la muerte de un amigo, discute con sus compañeros de trabajo. Se supone que está haciendo su última película, que es El niño y la garza (aunque su colaborador más cercano le dice “mentiroso” porque vive diciendo que va a renunciar y no para y hasta le lanza el adjetivo que sospechamos todos: “neurótico”). El cineasta de los universos únicos como uno más: con toda la preocupación encima, a lo largo de seis años. Un hombre de a pie buscando la ligereza y al mismo tiempo viendo de qué manera esconder sus mecanismos. Hasta que lejos de cualquier frenesí, de los relojes o las novedades impostadas –y con el título más desfulanizado de todos: El niño y la garza– consigue desprenderse de la Tierra y flotar. Una vez más.

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1. Los libros de abril. Con la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires cada vez más cerca –un recordatorio: arranca el 24 de abril para el público en general, por acá pueden leer un poco más sobre las particularidades de esta edición– las editoriales locales y los sellos extranjeros que publican sus títulos en el país anunciaron para este mes el lanzamiento de muchísimos y muy diversos libros.

Por mi parte, habrán notado que ya arranqué con La ligereza, del escritor colombiano Juan Cárdenas (Editorial Sigilo, 2025). También me entusiasmó saber que de la mano de Blatt & Ríos llega un nuevo libro de la escritora argentina Marina Yuszczuk (hace un tiempito hablamos por acá de su novela Para que sepan que vinimos) y que Ampersand publica una serie de ensayos de la uruguaya Ida Vitale en su preciosa colección Lectores.

Pero hay mucho más. En este enlace pueden leer una suerte de guía que armé con algunas de las publicaciones más destacadas del mes.

La guía con los libros de abril se puede leer por acá.

2. El buen mal, de Samanta Schweblin. En las seis historias hay una inquietud que no se menciona pero que late, una tensión por algo inminente que pareciera a punto de estallar y que se percibe en cada gesto de los protagonistas. Ocurría en la nouvelle Distancia de rescate o en los relatos de Siete casas vacías y vuelve a suceder ahora: los personajes de los cuentos que integran El buen mal (Random House, 2025), el nuevo libro de la escritora argentina Samanta Schweblin, se mueven por el nervio de un volcán inescrutable. Como si se tratara casi de una marca registrada en esta autora, una vez más vuelven a escena la tragedia, la fragilidad de la vida cotidiana, los vínculos familiares y el peligro al acecho de todos, pero en especial de algunos niños.

Instalada en Berlín, donde vive y da talleres de escritura, por estos días anduvo de gira presentando su reciente libro. Primero fue en España y luego en Argentina con dos presentaciones públicas, una en el Malba de Buenos Aires, otra en Córdoba.

Como hizo con la mayoría de los medios gráficos locales, la escritora eligió responder por correo electrónico las preguntas que le mandé sobre su nueva publicación (“prefiero contestarlas por escrito y devolverle a las palabras el peso y el cuidado que se merecen”, me dijo). Las diferencias entre cuento y novela, su interés por la idea del cuidado, los peligros en la infancia, su mirada sobre el gobierno de Javier Milei y por qué cree que lo extraño puede llegar a ser más genuino fueron algunos de los asuntos a los que se refirió. Pueden leer la entrevista completa en este enlace.

El buen mal, de Samanta Schweblin, salió por Random House. En este enlace, una entrevista con la autora.

3. Series y películas del mes. Abril también trae novedades en el mundo del streaming. Está, claro, El Eternauta a fin de mes, uno de los lanzamientos más rutilantes del año. Pero también se vienen la segunda y esperadísima temporada de The Last of Us, el regreso de Black Mirror y una nueva temporada de Hacks, algo que en lo personal me tiene muy entusiasmada porque es una de mis series preferidas.

Con todo eso y otros estrenos armé esta selección con las series y películas que se podrán ver en formato hogareño a lo largo de abril. Ahí se van a encontrar con las fechas, las plataformas y los tráilers.

La selección con series y películas que llegan al streaming en abril se puede leer por acá.

Apostilla. El mes nuevo también trae novedades a Lumiton, mi plataforma virtual favorita para ver películas en casa. Hasta el 28 de abril, disponible desde Argentina de manera gratuita y online, se podrá ver un ciclo con diez películas de Stanley Kubrick. Están, entre otras, sus grandes tanques como El resplandor, Full Metal Jacket, La naranja mecánica y Lolita. Encuentran todo en este enlace.

Banda sonora. Hablábamos arriba de ligereza y una de las películas que vi recientemente y más disfruté es casi una oda a lo leve. Se trata de Better Man, la biopic de Robbie Williams estrenada hace poquito con una particularidad: mientras que todo el elenco de la película está interpretado por actores y actrices profesionales el cantante británico es representado por un mono creado digitalmente.

Como lo explica una voz en off del propio Williams al comienzo del largometraje, ocurre que él mismo se vio así en su vida, como una especie de animal de feria, una figura dispuesta a entretener al público. Con una estructura clásica, repleta de números musicales y versiones pegadizas de los grandes hits de Williams, la película es ligera, súper conmovedora y al mismo tiempo un gran retrato de un personaje tan lleno de carisma como de matices. Aproveché para sumar algunas de sus canciones a nuestra banda sonora. Se escucha, como siempre, por acá.

Bonus track. Esta semana se conoció la triste noticia de la muerte de Val Kilmer, a quien muchos recuerden seguramente con cariño por su participación en películas emblemáticas de los ‘80 y los ‘90 como Top Secret, Top Gun, El Santo, The Doors y la fallida Batman Forever, entre muchas otras. En 2021 (¡qué jóvenes fuimos!), en una edición de Mil lianas dedicada a los desvelos, hice referencia al documental Val, lanzado en aquel entonces, que lo tiene como protagonista. “Hace mucho que quiero contar una historia sobre la actuación. Del lugar donde acaba tu persona y empieza el personaje. Ahora que me cuesta hablar, tengo más ganas de contar mi historia”, afirma en el largometraje el actor, a quien tiempo atrás le habían detectado un cáncer de garganta que lo mantuvo alejado temporalmente de su trabajo. Así fue que decidió revisar los cientos de grabaciones que registró y conservó a lo largo de su vida (fanático de las cámaras, siempre tuvo una a mano y grabó desde escenas de su infancia hasta los castings y material detrás de escena en los sets de sus películas más célebres) y hacer de eso un relato fascinante en un documental que tuvo su estreno mundial en el Festival de Cannes y después se lanzó en la plataforma Amazon Prime Video donde está disponible en la actualidad.

En Val, Kilmer se muestra con honestidad al desnudo, muestra sus problemas físicos, cuenta sus obsesiones, sus desvelos, las internas con algunos de sus pares y directores con los que trabajó, sus dolores, su vida familiar. Como una suerte de collage, que tiene a su hijo como narrador en off por la dificultad que tiene el actor para hablar, el documental resulta un recorrido súper conmovedor al tiempo que exhibe la historia de una estrella, el astro de un cine popular e imbatible. Si pueden, no se lo pierdan.

Bonus track II. Si andan por Buenos Aires, recuerden que sigue el BAFICI (en la edición anterior hicimos una especie de mapa con algunas películas). Sumo que habrá en estos días funciones de dos clásicos restaurados del cineasta suizo Alain Tanner (Jonas que tendrá 25 años en el año 2000 y En la ciudad blanca)

¡Hasta la próxima!

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En las seis historias hay una inquietud que no se menciona pero que late, una tensión por algo inminente que pareciera a punto de estallar y que se percibe en cada gesto de los protagonistas. Ocurría en la nouvelle Distancia de rescate o en los relatos de Siete casas vacías y vuelve a suceder ahora: los personajes de los cuentos que integran El buen mal, el nuevo libro de la escritora argentina Samanta Schweblin, se mueven por el nervio de un volcán inescrutable. Como si se tratara casi de una marca registrada en esta autora, una vez más vuelven a escena la tragedia, la fragilidad de la vida cotidiana, los vínculos familiares y el peligro al acecho de todos, pero en especial de algunos niños.

Schweblin es una de las autoras argentinas con más proyección en el exterior. Premiada internacionalmente, sus publicaciones circulan por librerías de todo el mundo. El buen mal, de hecho, fue editado para Latinoamérica por Penguin Random House y por Seix Barral para España. En Estados Unidos estará disponible a partir de septiembre a través del sello Alfred A. Knopf, en Reino Unido por Picador Books desde agosto, y ya tiene ediciones previstas en portugués y holandés. 

Instalada en Berlín, donde vive y da talleres de escritura, por estos días está de gira presentando su flamante libro. Primero lo hizo en España y esta semana en Argentina con dos presentaciones públicas, una en el Malba de Buenos Aires, otra en Córdoba.

Como hizo con la mayoría de los medios gráficos locales, elige responder por correo electrónico las preguntas de este medio (“prefiero contestarlas por escrito y devolverle a las palabras el peso y el cuidado que se merecen”, asegura).

– Un poco a contramano de la industria editorial que muchas veces demanda que los autores y autoras publiquen frecuentemente, este libro llega casi una década después de tu último libro de cuentos publicado y un poco menos de 7 u 8 después de la última novela. ¿Fue deliberado? ¿Fue costoso? ¿Necesitás mucho tiempo para escribir?

– Escribir me lleva tiempo, sí. Pero en estos años hubo también otros proyectos relacionados con el cine, y además no todo lo que escribo está listo para ser publicado o debiera incluso ser publicado alguna vez. Este último libro lo escribí entre 2021 y 2024, llevó unos tres años, que es lo que suelen llevarme los libros de cuentos. Hay cuentos que costaron más que otros. William en la ventana lo escribí en dos días, aunque aclaro, dos días son los que necesité para bajar al papel un primer borrador, luego trabajo meses y meses con cada historia. La mujer de Atlántida me llevó casi un año de trabajo y varias veces estuve a punto de abandonarlo. Al final estaba tan pegada al texto que pensé que era la historia menos importante del libro, y me sorprende seguir recibiendo comentarios de los lectores diciendo que esta historia es su favorita. El ojo en la garganta se escribió rápido, rápido para su extensión quiero decir, pero luego hubo mucho trabajo afilando a ese narrador tan raro que tiene, y que me dio dolores de cabeza más de una vez.     

– ¿El buen mal es un regreso al cuento o siempre estás escribiendo cuentos? ¿Qué te ofrece este género que no encontrás en otros?

– Siempre estoy escribiendo cuentos. No siento pertinente ir hacia la extensión de la novela si no intuyo que hay algo que necesita esos tiempos más extendidos. Si no, siempre prefiero la intensidad y esa sensación que deja la lectura de un buen cuento, que es un poco como atravesar un portal. Sí, digamos que la novela es un túnel y el cuento un portal. El portal se atraviesa en segundos, y el shock de llegar a un mundo distinto, a una percepción nueva en solo segundos, le da al evento de esa lectura una fuerza casi del orden de la magia. La novela se parece más a un proceso, es más introspectiva y paciente. Ninguna es mejor que la otra, pero lo que es seguro, al menos en mi escritura, es que cada idea nueva que llega, llega también con sus guiños de cómo podría contarse. No creo que un cuento podría haber sido una novela, y tampoco creo que funcione a la inversa.  

– ¿Buscás material específico para leer mientras estás escribiendo algo puntal? ¿Leíste algo en particular que te llamó la atención mientras escribías estos cuentos?

– El libro entero empezó con un enojo con un libro que estaba leyendo. Un cuentista danés que de hecho es muy bueno, pero termina todos sus cuentos matando al personaje principal al final. Estaba terminando el último cuento, embarcada en la previsibilidad de ese gesto que temía que se repitiera una vez más, cuando el personaje, justo unos segundos después de suicidarse, alcanza a concluir algo genial. Y yo pensé ¡al fin!, ¡que siga, que siga! Pero el libro había terminado. Me pregunté qué nos pasa con la muerte, que ocupa siempre gran parte de nuestras ficciones. Pero sobre todo, qué nos pasa con la muerte ocupando casi siempre el espacio más protagónico de las historias, es decir, los finales. Y me pregunté si sería posible, en lugar de terminar una historia con la muerte, empezarla con la muerte. Y sobre todo, si empiezo con la muerte de mi personaje, ¿es posible aún así quedarme con él, avanzar con él en la historia con los elementos más cotidianos -hacer el almuerzo, ocuparse de los hijos, encontrar algo que se pierde-, sin salirse nunca del género del realismo? Con esta pregunta escribí el primer cuento, Bienvenida a la comunidad, que luego puso en marcha a todas las demás historias.  

Digamos que la novela es un túnel y el cuento un portal. El portal se atraviesa en segundos, y el shock de llegar a un mundo distinto, a una percepción nueva en solo segundos, le da al evento de esa lectura una fuerza casi del orden de la magia. La novela se parece más a un proceso, es más introspectiva y paciente.

– En más de uno de los cuentos de este libro hay una inquietud que podríamos llamar, para usar tus términos, de “distancia de rescate” (pienso, por ejemplo, en El ojo en la garganta, donde es más nítido, cito: “Desde el comedor, mi padre charla con la abuela sin dejar de controlar qué estoy haciendo, siempre atento a mis movimientos, a mi constante conversación con las cosas que me rodean”). ¿Te interesa pensar la infancia como una zona de riesgo? ¿O a la adultez como un lugar que, con toda la incertidumbre, tiene que hacerse cargo del cuidado?

– Me interesa el cuidado, y todo el amor y la tragedia que acarrea semejante intento. Queremos cuidar y que nos cuiden, pero no sabemos cómo cuidar, quizá sabemos cómo quisiéramos ser cuidados, pero no sabemos qué es lo que necesita el otro, o lo intuimos y no somos capaces de hacerlo, o en realidad ni siquiera sabemos qué necesitamos nosotros mismos para permitirle a otro que nos cuide. Hay un gran misterio atrapado ahí. Y en la atención a esos cuidados están atadas también las preguntas de por qué cuidamos, y a quiénes, y para qué. Los niños y los adultos y los mayores, todos cargan con distintas sabidurías y vulnerabilidades. Y no creo que solo los adultos cuiden, los niños y los mayores también cuidan muchísimo, aunque los primeros no entiendan aún todas las normas, y los mayores ya las hayan reformulado más de una vez. Quizá por eso entonces me parecen más atractivos como personajes que los adultos, porque niños y mayores parecen tener un saber que a veces perdemos en la adultez, una conexión más genuina con lo que podría ser verdaderamente importante. 

– ¿Cómo apareció el título El buen mal? En inglés, por estos días, se conoció, pero con un sentido un poco corrido del que tenemos en español, con esa conjunción que tiene el “y”. Una cosa y la otra, Good and Evil. ¿Se pueden separar realmente o, como en español, se superponen estas dos dimensiones?

– Era el título del primer cuento que escribí, que ahora se llama Bienvenida a la comunidad. No recuerdo cómo nació exactamente, sí que al avanzar más en el resto de las historias, la fuerza del buen mal se hacía tan presente que decidí mover el título del cuento hacia el de todo el libro. En el caso del título en inglés, Good and Evil, además de funcionar con ese sentido de la “y”, del que hablás, es también, una frase hecha que justamente significa algo así como “buen mal”. Y en la versión al inglés la traductora propuso agregar “and other stories”. Con lo cual, además de sugerir eso de “el buen mal”, la traducción completa sería, “El bien y el mal, y otras historias”, en el sentido “y otras historias que nos contamos sobre las ideas que tenemos sobre el bien y el mal”. Me encantó esta propuesta para el inglés, pero no me la llevé al español porque para nosotros se volvía un título demasiado largo.

– Como una de las autoras argentinas que más circulan en el exterior, ¿te interesás por las traducciones? ¿Te preocupa cómo se pueden llegar a leer ciertas zonas de tus cuentos que tienen mucho que ver con lo argentino (pienso, por ejemplo, en la historia que transcurre en Hurlingham) o con una forma de hablar muy propia de acá?

– Al contrario, lo que me preocupa es el lector argentino. No importa que tan lejos viva, cuando pongo las manos sobre el teclado y empiezo a escribir, mi imaginación viaja inmediatamente a Argentina. Soy una autora argentina escribiendo desde afuera, no me preocupa tanto confundir al lector extranjero -que de todas formas sabe que está leyendo literatura en traducción-, sino la intromisión de algo mío, de argentina que vive hace tantos años afuera, que pudiera sacar del encantamiento de la ficción al lector argentino. Por ejemplo, en Berlín vivo rodeada de muchos tipos de españoles, mexicano, colombiano, venezolano, y a veces manchan mi propio español, que es al final mi herramienta de trabajo. Las traducciones me inquietan, uno se pasa tantas horas desvelado por un párrafo o una palabra, que la idea de alguien más tomando esas decisiones por uno es bastante incómoda. Pero por otro lado, yo leí a muchos de mis autores favoritos en traducción, así que puede que haya cosas que se escapen, pero a veces también un buen traductor puede escribir un libro mejor que el original, por más inquietante que esto nos parezca a los escritores.  

Queremos cuidar y que nos cuiden, pero no sabemos cómo cuidar, quizá sabemos cómo quisiéramos ser cuidados, pero no sabemos qué es lo que necesita el otro, o lo intuimos y no somos capaces de hacerlo, o en realidad ni siquiera sabemos qué necesitamos nosotros mismos para permitirle a otro que nos cuide. Hay un gran misterio atrapado ahí.

– “Lo raro siempre es más cierto”, se lee en la cita a Silvina Ocampo que abre El buen mal. ¿Por qué la elegiste? En un libro donde todas las historias bordean la muerte de distintas maneras, ¿se te impuso enfocar más en la rareza de la vida cotidiana que en el miedo?

– Es una cita que escuché hace unos años, conversando con Pablo Maurette. Y desde entonces más que como una cita la recuerdo como una clave, o incluso como un mantra. Cuando el mundo se enrarece, cuando intuitivamente elijo una opción que a primera vista no parece del todo la más sensata, cómoda o adecuada, me doy fuerzas diciéndome “Tranquila, lo raro siempre es más cierto”. Creo que la normalidad es nuestra gran ficción acordada, y en cambio hay más verdad en cada uno de nosotros cuando prestamos atención a nuestra cara más genuina. Todos somos un poquito raros, únicos y personales, y el concepto de normalidad pareciera un semáforo rojo titilando furioso todo el día, intentando normalizar un modo de circular que no nos representa.

– ¿Por qué en esta oportunidad decidiste responder a la prensa mayoritariamente por escrito?

– Siempre me pregunto ¿y si pensar con tiempo fuera una responsabilidad? No tengo problema en dar entrevistas de radio o para la televisión, pero si las entrevistas salen por escrito, prefiero contestarlas por escrito y devolverle a las palabras el peso y el cuidado que se merecen. Hacer esto por escrito lleva muchísimo más tiempo, así que contesto menos entrevistas, pero con más cuidado. A los que escribimos nos importa lo que pasa por escrito, sobre todo si nos representa.

– ¿Cómo estás viviendo los ataques a distintas personalidades de la cultura argentina por parte del presidente Javier Milei, en especial a algunas mujeres, y los recortes presupuestarios en general en estas áreas? ¿Se siente distinto estando afuera?

– Como dije en otros medios, me cuesta mucho entender el gobierno de Javier Milei. No creo en el odio como estrategia política. Defiendo la diversidad en términos sexuales, religiosos, migratorios, políticos y culturales, por lo tanto estoy en contra de cualquier política personalista y autoritaria. La represión sólo genera más violencia, sobre todo cuando es absolutamente arbitraria e injusta. Y es una ingenuidad pensar que la censura cultural, directa o indirecta, es una buena idea en un país en el que el cine, el teatro, la música, las artes plásticas y la literatura siempre han sido espacios de resguardo y de resistencia.

AL

La escritora argentina residente en Alemania Samanta Schweblin presentó en Madrid su nuevo libro de relatos, El buen mal (Seix Barral), que tiene como hilo conductor una indagación sobre “las fuerzas invisibles” que nos empujan en el día a día y cómo, en esa cotidianidad, irrumpe lo extraño, a menudo lo trágico, para cambiarlo todo.

“Estamos comandados por fuerzas invisibles que a veces olvidamos, miedos, traiciones, mandatos familiares, creemos que nuestras verdades son el mundo, no entendemos que una cosa es el mundo y otra nuestras verdades”, reflexionó la autora, que vive en Berlín desde hace doce años.

Durante la presentación, habló sobre la irrupción de Javier Milei en el gobierno de Argentina y recordó que el propio mandatario habla en términos de “batalla cultural”. La escritora aseguró que “ir contra la cultura en un país donde la cultura ha sido siempre lugar de resguardo y de brutal resistencia no es nada inteligente”. “Hemos pasado antes por ahí y nos volvemos a poner de pie”, agregó.

Schweblin es una de las escritoras en español con mejor acogida internacional. Su nuevo libro conecta con la tradición argentina del “cuento de lo extraño”. “Siempre me sentí un bicho raro y traté de entender qué les pasaba a otros obsesionados con pertenecer a la mayor de las ficciones que tenemos, que es la idea de la normalidad”, dijo este lunes en una conferencia de prensa en la capital española.

Schweblin (Buenos Aires, 1978) reconoce que “necesitamos” la normalidad porque “estandarizar y automatizar todo nos hace la vida más fácil”, pero cree que, a nivel literario, “no es interesante” y que “lo que de verdad sucede y toca al lector es un personaje único, auténtico, vulnerable y extraño”.

Cuando le preguntan por sus referentes, no puede evitar mencionar a Horacio Quiroga, Jorge Luis Borges, Adolfo Bioy Casares o Antonio Di Benedetto, pero asegura que en los últimos años incorporó muchas autoras que tardó más tiempo en descubrir, como Sara Gallardo, Silvina Ocampo u otras latinoamericanas como la chilena María Luisa Bombal o la mexicana Elena Garro.

Con todo, dice no estar de acuerdo con la afirmación de que lo mejor que se está escribiendo ahora es de mujeres. “Las mujeres representaban una minoría y, cuando una minoría irrumpe, trae puntos de vista e historias nuevas que se leen con frescura, ganas y necesidad, y eso hace que el foco se ponga ahí, pero no porque escriban mejor”.

Schweblin debutó en 2002 con su primer libro de cuentos, El núcleo del disturbio. Con Siete casas vacías (2022) ganó el premio National Book Award para una obra traducida en Estados Unidos y fue dos veces semifinalista y una finalista al prestigioso Booker Internacional.

Traducida a 40 idiomas, sus cuentos se publicaron en The New Yorker, Granta o The Paris Review; el New York Times la comparó con David Lynch y su primera novela, Distancia de rescate (2014), fue llevada al cine por Claudia Llosa para Netflix.

Su editora en Seix Barral, Elena Ramírez, aseguró que pocas veces una autora suscita tanta unanimidad, y recordó que, entre sus lectores, figuran otros escritores de prestigio como George Saunders, Lorrie Moore, Siri Huvsted, Amy Hempel, Enrique Vila-Matas, Leila Guerriero o la reciente premio Nobel Hang Kang.

 Sobre su proceso de escritura, dijo hoy que las imágenes están muy presentes y la ponen en marcha, pero hay algo previo mucho más importante. “Estandarizamos los sentimientos, pero lo que sentimos es terriblemente específico”, señaló la autora, que sospecha que la razón por la que escribe es descifrar “una serie de comandos” para instalar ese sentimiento tan específico en alguien más.

A veces, como en el relato La mujer de Atlántida, puede tardar más de un año en conseguirlo. El libro entero lo escribió en tres años. “El lenguaje es incómodo, nos hace lo que somos y a la vez siento que nos falla todo el tiempo, decir lo que estas pensando es casi imposible”.

Schweblin llega con este libro al catálogo de Seix Barral, que inicia también la recuperación de su fondo con la publicación de Distancia de rescate; y en abril llegarán Pajaros en la boca y Kentukis. 

Con información de la agencia EFE

Las editoriales argentinas y también las internacionales que distribuyen sus títulos en el país anunciaron la publicación de novelas, ensayos, libros de cuentos, investigaciones periodísticas y crónicas que llegarán durante marzo a las librerías locales. Entre otros, lo harán de la mano de autores y autoras como Samanta Schweblin, Tamara Tenenbaum, Annie Ernaux, Jon Fosse, Hebe Uhart, Daniel Link, Lina Meruane, Simone Weil y Georges Perec.

A continuación, un repaso por los lanzamientos más destacados y las editoriales que los publican.

1. El buen mal, de Samanta Schweblin. “Magnéticos e irresistibles. En cada uno de los cuentos de El buen mal, Samanta Schweblin nos abduce a otra dimensión donde quedamos en contacto íntimo con sus personajes. Encandilados por el fulgor de la inminente tragedia, vulnerables y profundamente humanos, advierten cuánto podría transformarlos la irrupción de lo inesperado. A algunos los dejará de pie frente al dolor, a otros dialogando con la culpa y a todos atravesados por la incertidumbre. ¿Importa saber qué es verdad? Se trata, de principio a fin, de ser partícipes de un fenomenal artificio literario. Con inédita perspicacia, Schweblin intuye el punto de quiebre de una voluntad, la intensidad premonitoria de un temblor y la lejanía que impone la ternura. Conoce la mejor de las infinitas posibilidades de una historia y el modo de encajar las piezas de una trama para dar con un gran relato que se hunda y proyecte, oscurezca e ilumine el día a día de la época y el alma de quienes la habitan. En su literatura, premiada internacionalmente, los filos entre realidad y ensueño deslumbran como los de un cuchillo”, se lee en la contratapa de esta publicación de la escritora argentina que sale en el país por el sello Random House.

El libro de cuentos El buen mal, de Samanta Schweblin, salió por Random House.

2. Un millón de cuartos propios, de Tamara Tenenbaum. Con este texto, la escritora y filósofa Tamara Tenenbaum ganó la primera edición del Premio Paidós de ensayo. “Estoy yendo a Un cuarto propio a hacer lo que Virginia decía que hacemos con los clásicos griegos: a buscar, más que lo que Virginia tenía, lo que a nosotras nos falta”, dice la autora en las páginas de este libro, que llega este mes a las librerías de la mano del sello Paidós.

“A mediados de 2022, Tamara Tenenbaum recibió el encargo de traducir Un cuarto propio, de Virginia Woolf. Tomando como punto de partida las cuestiones que le suscitó dicho encargo, ahora nos propone una relectura del libro para reflexionar sobre la situación actual de las mujeres (aunque no solo de ellas) abordando los temas que le interesan: la precariedad laboral, el amor desaparecido en la era de Tinder, la comida, el dinero, el resentimiento como respuesta política o la nostalgia y el poder de la tradición”, adelantaron en un comunicado los editores del libro.

“Con una prosa lúcida y fluida, a lo largo de este texto, rico en referencias literarias y filosóficas, pero también de la cultura pop, la autora dialoga con el clásico de Virginia Woolf y nos propone un ensayo que busca ir más allá de un manifiesto, que quiere ser «una propuesta de contramundo plebeya y feminista, basada en la importancia de la belleza y el trabajo como ‘productores de igualdad y libertad’. A Tamara Tenenbaum, a quien le interesa escribir sobre su tiempo, Un cuarto propio le funciona como inspiración y oráculo, y le ofrece la oportunidad de pensar en otras formas posibles de vivir en el siglo XXI que se opongan al discurso neoconservador circundante y que sean modernas y posmodernas a la vez, pero, sobre todo, que nos ayuden a transitar la incertidumbre sin caer en un optimismo ingenuo ni en un pesimismo reaccionario”, agregan.

 Un millón de cuartos propios, de Tamara Tenenbaum, fue publicado por Editorial Paidós.

3. Escenas de una infancia, de Jon Fosse. Según informó la editorial Penguin Random House en un comunicado, esta publicación “reúne, por primera vez en lengua española, una selección de la mejor prosa breve del Premio Nobel de Literatura”. 

“De los relatos aquí contenidos, algunos se adentran libremente en el terreno de lo autobiográfico, como las extraordinarias estampas de Escenas de una infancia o El pelo de Line: evocan primeras veces, amistades, pérdidas, el descubrimiento del deseo, instantes de felicidad y fracasos más o menos estrepitosos. Y entre estos relatos se intercalan joyas de otro tenor, como su primer texto publicado, Él, o la inquietante y onírica nouvelle Y ya puede venir el perro, en la que una disputa entre vecinos desencadena un espiral de tensión y violencia que avanza hacia un clímax inapelable. Escritas entre 1981 y 2013, estas piezas breves comparten una enorme potencia expresiva que bebe del habitual estilo minimalista de Fosse, y nos permiten asistir al viaje de una voz única que ha ido puliéndose a lo largo de los años, demostrando que el cuento es otro de los modos recurrentes de su imaginación y que también constituyen uno de los mayores logros de su obra”, detallan desde la editorial.

Escenas de una infancia, de Jon Fosse, salió por el sello Random House.

4. Escribir la intimidad, de Annie Ernaux y RoseMarie Lagrave. “En esta conversación inspiradora y llena de complicidad, Annie Ernaux y RoseMarie Lagrave exponen una reflexión sobre sus obras, su evolución feminista, el concepto de clase social y las transformaciones producidas en Europa desde la segunda mitad del siglo XX. Dos mujeres de la misma generación que se reconocen mutuamente en sus relatos personales: las emociones y la intimidad como temas de investigación; los caminos empíricos que abre la interseccionalidad; la importancia de la vejez y el envejecimiento desde una perspectiva feminista. Todos los debates de actualidad confluyen en este intercambio y trazan un retrato vivo y honesto de la obra y la vida de dos de las más agudas y comprometidas intelectuales contemporáneas”, informó la editorial Altamarea, que publica este libro en la Argentina.

Escribir la intimidad, de Annie Ernaux y RoseMarie Lagrave, fue publicado por el sello Altamarea.

5. Un sueño made in Argentina. Auge y caída de Pumper Nic, de Solange Levinton. “En octubre de 1974, poco después de la muerte de Perón y en medio de una violencia política sin precedentes, se inauguró Pumper Nic, el primer fast food de Argentina. Era una copia descarada de las cadenas norteamericanas que introdujo el concepto de comida rápida o, como anunciaba su eslogan, 'una nueva forma de comer'. Su fundador tenía veintinueve años y todo lo que sabía sobre montar un negocio lo había aprendido de su padre, un carnicero judío que había llegado sin nada desde Alemania huyendo de los nazis. La atrevida idea de ofrecer hamburguesas ‘en el país del bife de chorizo’ se convirtió en un negocio millonario capaz de sobrevivir durante dos décadas atravesadas por crisis salvajes”, adelantan los editores sobre esta publicación, que resultó ganadora de la tercera edición del Premio de No Ficción Libros del Asteroide.

Un sueño made in Argentina. Auge y caída de Pumper Nic, de Solange Levinton, salió por Libros del Asteroide.

6. Coloquio de las quiltras. Argumentos caninos ante las crisis del feminismo, de Lina Meruane. “Siguiendo la huella de los canes cervantinos, Cipión y Berganza, y de las perras Fina y Franca de Rosario Ferré, Lina Meruane organiza en este ensayo-ficción su propio coloquio sobre las tensiones que asaltan a los feminismos contemporáneos. Sus perras callejeras –la vieja quiltra chilena «Lina» y la joven chucha española «Luna» –debaten qué implica la liberación de los cuerpos: tener o no crías, exaltar o no la desnudez, aceptar y practicar las transiciones de toda especie, e incluso legitimar el perreo vis a vis una violencia sexual, sicológica y simbólica todavía impune dentro y fuera de los libros”, señalan desde la editorial Debate sobre esta nueva publicación de la escritora chilena.

“Este diálogo desenfadado, a ratos un fiero contrapunteo generacional, es, sobre todo, un alegato a favor del examen crítico y de la refutación en vez de la cancelación de los argumentos adversos”, agregan.

Coloquio de las quiltras. Argumentos caninos ante las crisis del feminismo, de Lina Meruane, salió por Debate.

7. Clases. Literatura y disidencia, de Daniel Link. “Veinte años después de su publicación original, vuelve –con nuevo prólogo y dos textos inéditos– Clases, el primer volumen de una trilogía integrada también por Fantasmas y Suturas”, anunció Eterna Cadencia en un comunicado sobre esta publicación que llega tras la despedida de Daniel Link de la Facultad de Filosofía y Letras de la UBA, luego de más de tres décadas como titular de la cátedra Literatura del Siglo XX.

“Con la década del sesenta como escenario clave y disruptivo, Daniel Link indaga en el abandono definitivo de toda pretensión de autonomía del arte (consecuentemente también de la literatura) y en los nuevos modos de intervención política y estética. A su vez imagina una suerte de programa curricular irreverente, que incluye desde a Kafka, Hesse, Pasolini y Barthes a Seinfeld y Star Wars, para ser dictado en una clase soñada que dinamite los rancios sistemas clasificatorios propios del capitalismo. Se trata, en palabras del autor, ‘de las clases como dispositivos de captura y disciplinamiento, como ficciones normalizadoras y, aun, como fantasías de exterminio. Y se trata, por lo tanto, de leer en ciertos textos más o menos emblemáticos de la literatura del siglo pasado todo lo que en ella hay de resistencia a la captura, al disciplinamiento, a la normalización y al exterminio’”, detalló la editorial.

Clases. Literatura y disidencia, de Daniel Link, salió por Eterna Cadencia Editora.

8. Una pequeña parte del universo, de Hebe Uhart. “Este mes lanzamos un libro muy querido y anhelado. Se trata de Una pequeña parte del universo, que reúne una serie de escritos inéditos y algunos muy poco conocidos de Hebe Uhart, compilados por Pía Bouzas y Eduardo Muslip. Entre ellos hay textos de Uhart sobre escritores que le gustaban mucho, como Felisberto Hernández, Enrique Wernicke o Juan José Morosoli; o sus filósofos favoritos, como Simone Weil y David Hume; también sobre cultura griega (Prometeo, La Ilíada) y reflexiones sobre la escritura y el rol del escritor”, informó el sello Adriana Hidalgo Editora sobre esta novedad que llegará en marzo a las librerías.

“El conjunto de este libro permite enriquecer lo que se sabe sobre la formación de Uhart como escritora. Recurrencias de ciertos textos a lo largo del tiempo, lecturas que no se agotaron ni 'superaron', sedimentarias, un río de curso lento y sinuoso. Aquello que reconocemos como la voz de Uhart, su manera inconfundible de ubicarse en el mundo, su asombro y su atención, su pasión por el detalle y el símil se entrelaza y se nutre, echa raíces en estas lecturas, se funde en ellas. La mayoría de los textos aquí reunidos fueron escritos desde mediados de los años ochenta en adelante. Las cinco secciones en que se divide este nuevo título incluyen ensayos sobre escritores, filósofos, cultura griega clásica, apuntes sobre escritura y una miscelánea: facetas menos conocidas que dialogan de forma sorprendente con su ficción y sus crónicas”, detallaron los editores.

Una pequeña parte del universo, de Hebe Uhart, salió por Adriana Hidalgo Editora.

9. Fe, esperanza y carnicería, de Nick Cave y Seán O'Hagan. “Este libro, creado a partir de más de cuarenta horas de conversación íntimas con el periodista Seán O’Hagan, es una exploración profundamente reflexiva, en palabras del propio Cave, de lo que realmente impulsa su vida y creatividad”, adelantaron en un comunicado desde el sello Sexto Piso.

“En él, el músico habla de fe, arte, música, libertad, duelo y amor. Se sumerge con total franqueza en su vida, desde su infancia temprana hasta la actualidad, en sus amores, su ética del trabajo y la profunda transformación que ha sufrido su existencia en los últimos años. Fe, esperanza y carnicería es un estallido de esperanza e inspiración de un verdadero visionario”, agregaron.

Fe, esperanza y carnicería, de Nick Cave y Seán O'Hagan, salió por el sello Sexto Piso.

10. Salomé, de Elaine Vilar Madruga. “En un futuro en el que los humanos cazan criaturas invaluables en planetas desconocidos, una de ellas cae en manos de las más altas jerarquías del imperio galáctico y es la razón de motines y desconfianza. El poder político se ve desestabilizado al nacer dentro de los gobernantes un hambriento deseo, despierto por este ser del espacio exterior, cuyo destino recuerda a las primeras historias de la humanidad”, señala la sinopsis oficial de esta novela de la escritora cubana Elaine Vilar Madruga, nacida en La Habana en 1989.

El libro, que obtuvo el Premio Calendario 2013 y el Premio Agustín Rojas de la Crítica a la mejor novela de ciencia ficción publicada en Cuba el mismo año, es publicado ahora por el sello independiente La Pollera.

Salomé, de Elaine Vilar Madruga, salió por La Pollera.

11. Botánica para comer, de Joaquín Ais. “La botánica gastronómica representa el lugar de encuentro con mayor probabilidad de éxito entre personas que cocinan y, al mismo tiempo, reflexionan sobre el fundamento científico de lo que están haciendo. Así como nos sucede en la vida en general, en la cocina es imposible escapar de la convivencia con las plantas”, señala el autor de este libro que publica este mes Siglo XXI.

“Este libro nos muestra en toda su plenitud a verduras, frutas, raíces, semillas y flores para incorporarlas más y mejor en nuestras recetas de todos los días. Con tanto rigor como entusiasmo, el autor –biólogo y asesor gastronómico– recorre las plantas desde la raíz hasta la flor y nos deja consejos prácticos y sencillos para ampliar la variedad que conseguimos y sumarlas a nuestros platos de maneras innovadoras”, adelantan sobre la publicación los editores.

Botánica para comer, de Joaquín Ais, salió por Siglo XXI Editores.

12. La gravedad y la gracia, de Simone Weil. “El trabajo lleva a experimentar de manera agotadora el fenómeno de la finalidad pospuesta, como una pelota; trabajar para comer, comer para trabajar. Si miramos una de las dos como un fin, o una y otra tomadas por separado, estamos perdidos. El ciclo contiene la verdad. El pensamiento está obligado a pasar de un instante al instante siguiente sin atarse ni al pasado ni al futuro”, se lee en las páginas de este libro, que llega en marzo a través del sello independiente Godot.

“Este libro reúne quizás los textos más íntimos de Simone Weil. El amor y la desgracia se entrelazan con las dos fuerzas que, según Weil, organizan todos nuestros comportamientos: la gravedad y la gracia. Escritos entre 1941 y 1942, estos textos fragmentarios extraídos de sus cuadernos tratan sobre los temas fundamentales del espíritu humano: la fe, el trabajo, el sufrimiento, la verdad, la contradicción y la injusticia”, adelantaron los editores.

La gravedad y la gracia, de Simone Weil, salió por Ediciones Godot.

13. Ven a bailar conmigo, de Russell Hoban. “En marzo presentamos una novela de Russell Hoban, un autor poco conocido en lengua hispana pero considerado uno de los escritores más originales de la literatura en inglés de fines del siglo XX. En Ven a bailar conmigo, Hoban reformula la novela de amor romántico para llevarnos a su universo en donde el humor, el arte, el deseo y los límites difusos entre sueño y realidad son tan protagonistas como Elias y Christabel”, informó la editorial Sigilo sobre su lanzamiento destacado de marzo.

“Estamos en Londres, el nuevo siglo acaba de comenzar. Christabel Alderton, cantante de una banda de rock gótico, tiene cincuenta y cuatro años, está soltera y desde muy joven sufre premoniciones que a veces se cumplen, pero no siempre. Elias Newman, de sesenta y dos, también está soltero, es médico, disfruta mucho del arte y tiene una sensibilidad especial para leer señales en todos lados. Un día se cruzan, quizás no por casualidad, en una exposición de la Royal Academy of Arts. Él siente una atracción fuerte e inmediata, casi un llamado que no estará dispuesto a ignorar. A ella se le activa un miedo muy antiguo: todos los hombres que ha amado murieron antes de tiempo, tal vez por culpa de su mala suerte, y no tiene ninguna intención de volver a enamorarse. Así comienza este baile amoroso en un mundo reencantado por la belleza y el terror de los símbolos”, informa la sinopsis oficial del libro.

Ven a bailar conmigo, de Russell Hoban, salió por Sigilo.

14. Un hombre que duerme, de Georges Perec. Esta novela narra “la peripecia de un estudiante que decide no levantarse de la cama el día de sus exámenes de Sociología, abandonar sus estudios, romper toda relación con amigos y parientes, y recluirse en sí mismo y en su chambre de bonne, donde todo es gris”, según se lee en la contratapa de la publicación. 

“Más tarde se dedicará a deambular incansable por París, a ir al cine, a leer los titulares de los periódicos, pero como lo haría un sonámbulo. Para el estudiante todo forma parte de una vaga estrategia encaminada a alejarse de los deseos materiales, de la ambición y de su dependencia de los objetos, los ambientes, los sonidos y aromas de París, la ciudad que lo ha acogido y que lo acabará fagocitando”, agregan los editores.

Un hombre que duerme, de Georges Perec, salió por Impedimenta.

15. La invitada, de Emma Cline. “Tras el éxito mundial de Las chicas, llega la esperadísima segunda novela de Emma Cline: una joven a la fuga en un entorno de lujo y apariencias, un thriller psicológico que deja sin aliento”, señaló la editorial Anagrama sobre esta publicación, que llegará a las librerías locales este mes.

“Las piscinas de Long Island parecen un buen lugar donde languidecer y poner sordina al mundo exterior, pero Alex ya no es —o nunca ha sido— bienvenida allí. A sus veintidós años, la joven domina el arte de la seducción como nadie, hasta que por un desliz en una cena con los amigos de Simon, su adinerado amante, se queda en la calle, con un billete de vuelta a Nueva York. Acechada por su pasado y sus dificultades económicas, pero dotada de gran habilidad para guiarse por los deseos de los demás, Alex decide quedarse en Long Island y deambular como un fantasma por ese territorio de opulentas calles y jardines, siempre ajeno e inaccesible. En el centro de esta fascinante novela, escrita con una prosa voluptuosa e hipnótica, hay una mujer impulsada por la desesperación y por un sentido mutable de la moralidad. El escenario es un mundo de lujo y apariencias, de dominio y dependencia, de seguridad e incertidumbres”, señalan los editores en la contratapa del libro y agregan: “En la estela de clásicos como Highsmith y Cheever, La invitada es una exploración, con ojo de cartógrafo, de las dinámicas de poder y autoengaño a las que nos entregamos para sobrevivir”.

La invitada, de Emma Cline, salió por Anagrama.

16 El diseño de las cosas cotidianas, de Don Norman. “La combinación de unas buenas capacidades de observación y de unos buenos principios en materia de diseño es una herramienta potente al alcance de cualquiera, incluso de quienes no se dedican profesionalmente al diseño. ¿Por qué? Porque en última instancia todos somos diseñadores, en el sentido de que todos diseñamos de forma deliberada nuestra vida, nuestro dormitorio y nuestra manera de hacer las cosas; sabemos diseñar asimismo métodos alternativos, formas de superar los fallos de dispositivos existentes. Así pues, una de las finalidades de este libro es devolverle a la gente el control sobre los productos de su vida: enseñarle a seleccionar diseños útiles y entendibles y a arreglar los que no lo son tanto”, señala el autor de este libro publicado este mes por Ediciones Godot.

“El diseño de las cosas cotidianas de Don Norman es una obra fundamental que transforma nuestra comprensión sobre el diseño y su impacto en la vida diaria. Norman, pionero en la relación entre las personas y la tecnología, nos invita a reflexionar sobre cómo los objetos que utilizamos a diario pueden ser tanto una fuente de frustración como de satisfacción. A través de ejemplos accesibles y situaciones cotidianas, revela que el mal diseño no es culpa del usuario, sino de un enfoque que ignora las necesidades humanas. Desde puertas confusas hasta controles complicados, Norman analiza cómo un diseño deficiente puede generar confusión y descontento. A lo largo de sus páginas, se exploran conceptos clave como la visibilidad, las relaciones naturales entre funciones y controles, y la importancia de la retroalimentación”, afirman los editores de la publicación en un comunicado.

El diseño de las cosas cotidianas, de Don Norman, salió por Ediciones Godot.

17. ¿Qué es esa cosa llamada filosofía?, de Lucas Soares. “Lucas Soares –profesor de filosofía antigua, escritor y poeta– recorre diferentes definiciones de la filosofía y se acerca a varios autores en una introducción personal al pensar filosófico que reinvidica la experiencia de no entender como mecha que enciende el deseo de conocimiento. Se trata de un libro que, en lugar de simplificar, enfatiza la artesanía del pensamiento y acerca a ese proceso tanto a lectores amateurs como a curiosos de la literatura y las humanidades”, informaron desde Siglo XXI Editores sobre esta publicación.

¿Qué es esa cosa llamada filosofía?, de Lucas Soares, salió por Siglo XXI Editores.

18. Vida, de Gustavo Padilla. “Un viaje. Un encuentro. Una aventura. Todo eso que nos encuentra con nuestros latidos y nos permiten conectar con lo ajeno para redescubrir lo propio. Ese es el universo que creó el escritor Gustavo Padilla en Vida, un periplo de estudiantes de posgrado de distintos países que se sumergen en un paraíso selvático tan enigmático como fascinante. Una narración universal nos envuelve en el viaje con meticulosos detalles de los paisajes, los olores y los sonidos de la Oceanía tropical, donde sobreviven la naturaleza virgen y las costumbres originarias. Es allí donde los protagonistas se encuentran con personajes autóctonos que los sacudirán de su confort para llevarlos a transformar sus destinos. En esta road story, donde los estudiantes crecen página a página, las anécdotas se entrelazan con la naturaleza en su estado más puro, que recibe a los protagonistas con lo que ellos más anhelan: una cotidianidad permanente de sorpresas. A través de la poética de una épica, la historia se presta a lo surreal y al misticismo para que el viaje continúe con nosotros y nos acompañe para toda la vida”, informó el sello Servicoop sobre este nuevo título del escritor tucumano Gustavo Padilla. El autor presentará esta novedad en la próxima edición de la Feria del Libro de Buenos Aires.

Vida, de Gustavo Padilla, salió por Servicoop.

AL

Muchos representantes del sector coinciden en señalar que 2024 fue por momentos muy difícil y que estuvo plagado de inquietudes en el ecosistema editorial argentino. Con ventas en baja durante buena parte del año, las proyecciones para 2025 se hacen, una vez más, desde la incertidumbre y las expectativas moderadas. 

Es en este contexto que, desde los grandes grupos editoriales hasta las editoriales medianas y pequeñas, los planes para el año que recién comienza parecen ir por el lado de la apuesta más o menos segura en un terreno siempre inestable. Es por eso que entre los anuncios para 2025 se destacan mucho más los grandes nombres consagrados que aquellos de autores y autoras menos conocidos. Sin embargo, entre novelas, libros de cuentos, ensayos, rescates y poesía el año promete algo de diversidad y buenas lecturas.

Desde su página oficial la multinacional Penguin Random House anunció que una de sus grandes apuestas será un nuevo libro de cuentos de la escritora argentina Samanta Schweblin. A la vez, el grupo editorial adelantó que publicarán en Alfaguara la poesía completa y en algunos casos inédita de Julio Cortázar. Será, según dijeron, “uno de los acontecimientos literarios de 2025”. La empresa también anunció una novedad sorprendente: pasarán a publicar las tiras de Mafalda a través de uno de sus sellos.

Entre los autores y autoras destacados de la casa, también llegarán títulos nuevos de Jorge Luis Borges, con una serie de clases de literatura norteamericana que brindó; nuevos ensayos de María Moreno y Alan Pauls, una nueva publicación en manos de Selva Almada, una novela de César Aira y un libro de ficción de Martín Caparrós ilustrado por Miguel Rep.

Planeta, el otro grupo editorial transnacional con pie en Argentina, también anunció que durante 2025 apostarán por figuras emblemáticas de su catálogo. Habrá libros nuevos de Camila Sosa Villada, Guillermo Martínez, Pedro Mairal, Florencia Canale y Fabián Casas. Además, aunque sin fecha definida por ahora, saldrá un libro póstumo de Juan Forn.

Tusquets, uno de los sellos del grupo, sumará este año publicaciones inéditas de Aurora Venturini y nuevos textos de Leila Sucari y Luciana de Luca. Por esa editorial también saldrá una novela de Gustavo Álvarez Núñez. 

Uno de los lanzamientos esperados y ya anunciados del año será el libro de memorias de Beatriz Sarlo. Cuando se conoció en diciembre la noticia de la muerte de la ensayista, la editorial Siglo XXI contó que Sarlo había entregado el manuscrito a mediados de 2024. Tendrá como título No entender. Memorias de una intelectual y llegará a las librerías en febrero.

El sello Ediciones Godot, por su parte, reveló algunos de los libros y autores que publicarán este año. Se destacan, entre otros, textos de Samuel Beckett y Stefan Zweig, autores emblemáticos de la editorial. Entre los rescates literarios que harán en 2025, como parte de la edición de la obra completa del escritor argentino Gustavo Ferreyra, Godot lanzará en abril reediciones de las novelas La familia y El director, con prólogos nuevos de Mariana Enriquez y Martín Kohan respectivamente.

Como parte de los festejos de los 80 años de presencia en el país, Fondo de Cultura Económica adelantó que seguirá apostando por la literatura nacional. “Nuestro 80° aniversario será un año de celebración con actividades especiales y un renovado compromiso con la ficción contemporánea argentina. Entre las novedades del programa editorial 2025 destacamos: Si estás leyendo esto, de Kike Ferrari; Todavía tengo algo que decir, de Florencia Gómez García; La parte del sonambulismo, de Nicolás Hochman; Los acontecimientos, de Ramiro Sanchiz; El señor Kreck, de Juan Octavio Prenz; La tercera aberración, de Flor Canosa; y Los mundos anteriores, de Gustavo Nielsen, entre otros títulos”, informaron en un comunicado.

Desde la editorial Adriana Hidalgo señalaron que una de las publicaciones de 2025 que los tiene más entusiasmados es Una pequeña parte del universo, un libro que reúne una serie de textos inéditos y algunos muy poco conocidos de Hebe Uhart. “Entre ellos apuntes que usaba para dar sus clases de taller, ensayos breves sobre filósofos y cultura griega (no hay que olvidar que Hebe fue profesora de filosofía) así como sus primerísimos esbozos literarios, compilados por Pía Bouzas y Eduardo Muslip”, comentaron. La editorial también prevé la salida del volumen 2 de Tener lo que se tiene, la poesía reunida de Diana Bellessi, y también se suma  Plaza mágica, un ensayo de Álvaro Abós sobre la historia de la plaza San Martín de Buenos Aires, ubicada a metros de la estación de Retiro, y los famosos personajes de la cultura y la sociedad argentina que frecuentaron este espacio emblemático de la vida porteña.

Por su parte, Eterna Cadencia Editora anunció que planea un año entre viejos conocidos de su catálogo, clásicos, rescates de inéditos y nuevas apuestas.

“¡Leeremos material inédito de Sylvia Molloy! Publicaremos Amigos, el intercambio epistolar entre la autora y sus amistades más cercanas: José Bianco, Victoria y Silvina Ocampo, Enrique Pezzoni, Edgardo Cozarinsky, Adolfo Bioy Casares, Héctor A. Murena, Severo Sarduy, entre otrxs. Un libro que es, al mismo tiempo, el testimonio de vínculos entrañables −atravesados por la literatura y la complicidad intelectual, pero también por el cotilleo y el humor− y el retrato de dos décadas intensas en Argentina: las del sesenta y el setenta”, informaron desde la editorial. 

A la vez, el sello anunció que un año después de su retiro como docente de Literatura del Siglo XX en la carrera de Letras de la Universidad de Buenos Aires, reeditarán Clases. Literatura y disidencia, de Daniel Link, una publicación que estuvo agotada durante muchos años. 

También informaron que durante 2025 incorporarán al catálogo algunas obras clásicas. 

“Por un lado, Idilio y otros cuentos, de Guy de Maupassant, con selección, prólogo y traducción de Jorge Fondebrider. Se trata de una antología cronológica que pone el foco en lo mejor de la producción de Maupassant, uno de los primeros escritores profesionales de la historia y un verdadero prodigio”, aseguraron desde Eterna Cadencia, quienes también publicarán una edición de Sensatez y sentimiento, de Jane Austen, al cumplirse 250 años de su nacimiento. Será con prólogo y traducción de Eleonora González Capria.

Entre las incorporaciones de nuevos nombres al sello se anunció la llegada de los cuentos reunidos de Diego Angelino, con prólogo de Martín Kohan.

“Nacido en Entre Ríos en 1944, Angelino es una voz secreta, original e inconfundible de la narrativa argentina contemporánea. Su obra fue elogiada y premiada por jurados compuestos por Onetti, Cortázar, Walsh, Borges y Bioy Casares, entre otrxs. Para escribir su primer conjunto de relatos, Angelino se presentó a un subsidio del Fondo Nacional de las Artes y Victoria Ocampo, una de las evaluadoras, le envió una carta en la que daba una opinión entusiasta sobre uno de sus cuentos”, detallaron.

El sello Ampersand, uno de los más distinguidos del panorama local por su catálogo y también por el cuidado a cada texto que publican, anunció a finales de diciembre sus cuatro primeras novedades editoriales de 2025. “Desde febrero hasta mayo, se suman al catálogo Carlo Ginzburg con un ensayo sobre las tensiones entre texto e imagen; la historia de las metamorfosis del libro antes del códice, por Filippo Ronconi, y la autobiografía lectora de Ida Vitale. También José Emilio Burucúa y Nicolás Kwiatkowski amplían su Historia natural y mítica de los elefantes con el esperado segundo volumen”, detallaron.

Otra de las editoriales locales que está de festejo en 2025 es Caja Negra. El sello, que cumple 20 años, promete seguir apostando al ensayo y a la literatura.

Entre los anuncios más potentes que realizaron, está el desembarco de dos autores interesantísimos. Por un lado, reeditarán Materiales para una pesadilla, de Juan Mattio, novela que fue distinguida en 2022 por el Premio Fundación Medifé Filba. Además, se sumará Michel Nieva, “con un volumen que reunirá sus ‘ficciones gauchopunks’: sus dos primeras novelas, hoy inconseguibles”, aseguraron.

El sello independiente Blatt & Ríos anticipó, en tanto, un año con títulos de escritores con libros previos en la editorial y también algunas apuestas. “En 2025 seguiremos editando al mismo ritmo y con la misma ambición: que nuestros libros acompañen, que nos ayuden a pensar y a habitar este mundo tan complejo que nos toca vivir. Se vienen nuevos libros de Nicolás Teté, Iosi Havilio, Olivia Gallo, Daniel Tevini, Agustina Adamoli y Derian Passaglia, entre otros; también la primera obra de una autora que estamos seguros de que será muy bien recibida por las lectoras y lectores: la colombiana Natalia Jiménez Silva. Además, estamos preparando la reedición de la biografía de Osvaldo Lamborghini de Ricardo Strafacce, de La libertad total de Pablo Katchadjian y las Cartas a la madre de Charles Baudelaire. Como todos los años, Aldo Giacometti está ya traduciendo una nueva novela de Lee Child. Y, por supuesto, algunas sorpresas que nos guardamos para más adelante”, afirmaron en un comunicado.

Por último, La Crujía reveló algunos títulos y autores que planea publicar en la primera parte de 2025. Llegarán, entre otros,  La vida, la novela y el amor, un ensayo de Federico Jeanmaire. “Este podría ser un libro sobre cómo —en palabras del autor— escribir novelas nos ayuda a vivir. Además de notas ocultas sobre el oficio, también hay historias personales: la del autor con su hijo, la del autor frente a su madre anciana y, por supuesto, la de por qué escribir o para qué leer. Es, entonces, un libro sobre la novela y la vida —y la muerte—, y la novela y el amor”, informaron en un comunicado.

La editorial también tiene previsto publicar un libro de ensayos con prólogo y comentarios del cineasta Andrés Di Tella bajo el título Lecciones de cine. La publicación reunirá, según anticiparon, clases magistrales del Programa de Cine de la Universidad Torcuato Di Tella con intervenciones de importantes cineastas que fueron profesores invitados, entre ellos Lucrecia Martel, Mariano Llinás, James Benning, João Moreira Salles y Albertina Carri. 

AL

Siete casas vacías, el libro de cuentos de la argentina Samanta Schweblin, se alzó la noche del miércoles en Nueva York con el National Book Awards de Estados Unidos en la categoría de Traducción.

Los relatos, publicados por la editorial española Páginas de Espuma en 2015, fueron traducidos al inglés por Megan McDowell bajo el título Seven Empty Houses.

El único antecedente de un autor argentino ganando este premio fue Julio Cortázar en 1967 por Rayuela, traducida por Gregory Rabassa.

En la misma categoría había quedado quedó finalista otra latinoamericana, la ecuatoriana Mónica Ojeda, por su libro Mandíbula.

El premio, creado en 1950, reconoce obras literarias publicadas en editoriales estadounidenses durante el año anterior al de su concesión.

Los ganadores de cada categoría -Ficción, No Ficción, Poesía, Literatura Infantil y Traducción- son seleccionados por un jurado de cinco miembros.

Schweblin, que reside en Berlín, ganó este año además el Premio Iberoamericano de Letras José Donoso 2022, galardón chileno que todos los años, desde 2001, entrega la Universidad de Talca en reconocimiento a la obra completa de una escritora o un escritor escrita en español o portugués.

Nacida en Buenos Aires en 1978, es autora de libros de cuentos que trabajan entre lo real y lo fantástico, rondando el género de lo siniestro, como Siete cajas vacías (2015) y Pájaros en la boca (2009). También escribió novelas, como Distancia de rescate (2014), llevada al cine recientemente, o Kentukis (2018).

Entre los premios con los que fue distinguida están el Juan Rulfo 2012 por el cuento “Un hombre sin suerte”, parte del libro Siete casas vacías. En tanto formó parte de la prestigiosa lista corta del Man Booking International Prize 2017.

Sergio Olguín o Claudia Piñeiro fueron algunos de los escritores argentinos que felicitaron a Schweblin en redes:

CRM

Siete casas vacías, de la argentina Samanta Schweblin, quedó seleccionado en la “long list” (lista larga) de finalistas al National Book Awards de Estados Unidos, que se entrega en la categoría de Ficción, No Ficción, Poesía, Literatura Infantil y Traducción.

El libro de Schweblin, que se publicó en castellano en 2015, quedó en esta última categoría, que premia la mejor traducción al inglés de una obra en idioma extranjero. “Las siete historias de la colección de Samanta Schweblin presentan siete casas vacías diferentes donde las familias extrañan personas, recuerdos, amor, muebles o intimidad. Seven Empty Houses, traducida del español por Megan McDowell, es una exploración del deseo universal de conexión humana”, consideró el jurado.

En la misma categoría quedó finalista otra latinoamericana, la ecuatoriana Mónica Ojeda, por su libro Mandíbula. “Dos compañeros de clase de escuela secundaria católica se unen por su amor mutuo por las historias de terror y se vuelven inseparables, casi imágenes especulares entre sí en Jawbone de Mónica Ojeda. Traducido del español por Sarah Booker, la novela se basa en el fenómeno de terror de Internet, ”creepypastas“, y crea un mundo donde los villanos y las víctimas se vuelven imposibles de distinguir”, señaló el jurado.

El premio, creado en 1950, reconoce obras literarias publicadas en editoriales estadounidenses durante el año anterior al de su concesión.

Los ganadores de cada categoría son seleccionados por un jurado de cinco miembros. La ceremonia se realiza en noviembre.

Schweblin, que reside en Berlín, ganó hace unos días el Premio Iberoamericano de Letras José Donoso 2022, galardón chileno que todos los años, desde 2001, entrega la Universidad de Talca en reconocimiento a la obra completa de una escritora o un escritor escrita en español o portugués.

Nacida en Buenos Aires en 1978, es autora de libros de cuentos que trabajan entre lo real y lo fantástico, rondando el género de lo siniestro, como Siete cajas vacías (2015) y Pájaros en la boca (2009). También escribió novelas, como Distancia de rescate (2014), llevada al cine recientemente, o Kentukis (2018).

Entre los premios con los que fue distinguida están el Juan Rulfo 2012 por el cuento “Un hombre sin suerte”, parte del libro Siete casas vacías. En tanto formó parte de la prestigiosa lista corta del Man Booking International Prize 2017.

CRM

La escritora argentina Samanta Schweblin recibió el nuevo IIla-Premio de Literatura 2021, que le fue entregado por el Premio Nobel Mario Vargas Llosa en el marco de la feria “Più libri più liberi” (Más libros más libres) que se celebra en Roma y a la que accedió por su novela “Kentukis”, por la que también estuvo nominada este año en Alemania al LiBeraturpreis 2021.

“Es la primera vez que este premio se otorga a una mujer y lo que me hace feliz es poder decir: 'estamos aquí y siempre hemos estado aquí'”, sostuvo anoche la escritora, que en 2010 fue seleccionada por la revista Granta como una de las 22 mejores escritoras en español menores de 35 años y pertenece a una breve y potente saga de autoras argentinas que con apenas 45 años son multipremiadas y leídas en todo el mundo.

En esta ocasión Schweblin se quedó con el IIla, un premio promovido por la Organización Internacional Italo-Latinoamericana que se creó en 1969 para dar a conocer las obras de los escritores latinoamericanos al público italiano y volvió a ser relanzado después de 25 años de ausencia en el marco de Più libri più liberi, una feria que hasta el miércoles reunirá en Roma a 484 expositores y contará con la participación de escritores como Alessandro Baricco, Melania Mazzucco, Roberto Saviano y Fernando Savater.

“Es un premio que vuelve, es un gran premio, que abre puertas, que da visibilidad al trabajo de autores, traductores y editores. Pero en la lista de este importante premio no hay ninguna mujer, no encuentro ninguna profesora latinoamericana, no encuentro a Silvina Ocampo ni a Armonía Somers ni a Clarice Lispector. Ninguno”, explicó Schweblin durante la ceremonia de entrega, que estuvo presidida por Vargas Llosa.

“Schweblin es un escritora muy original y tiene una prosa muy delicada, elegante y rica que podría servir para contar historias realistas y, en cambio, cuenta el mundo insólito de una manera original. Es un premio bien merecido. Es una de las mejores autoras de los últimos años”, señaló el autor de “Conversación en La Catedral” y “La ciudad y los perros”.

En el mismo acto otra mujer, la traductora Laura Scarabelli, crítica literaria y profesora asociada de literatura hispanoamericana en la Universidad de Milán, fue galardonada con el “Premio a la mejor traducción” por su versión de la “Manodopera”, de la escritora chilena Diamela Eltit.

La ceremonia tuvo lugar en la Sala Cometa de La Nuvola, un monumental edificio diseñado por el arquitecto italiano Massimiliano Fuksas y contó con la presencia del embajador argentino en Italia, Roberto Carlés.

El IIla -Premio de Literatura 2021 por “Kentukis”, que fue seleccionada por el diario The New York Times en su versión en español como uno de los diez mejores títulos de ficción de 2018, no es el primer reconocimiento que recibe el texto, que en 2020 obtuvo el Premio Mandarache de Jóvenes Lectores y también fue nominado al International Booker Prize -uno de los más prestigiosos de habla inglesa- y al LiBeraturpreis, concedido exclusivamente a autoras de África, Asia, América Latina y el mundo árabe.

“Pensar los premios para mujeres siempre complica un poco porque no me gusta participar en ningún evento o espacio en el que a las mujeres nos vuelven a poner aparte, como las mesas de literatura en la que sólo participan mujeres. No quiero seguir perteneciendo a un grupo que ponen aparte”, sostuvo Schweblin hace un tiempo desde Berlín, ciudad en la que reside desde 2012 y en la que escribió su primera novela, “Distancia de rescate”, cuya adaptación se estrenó en octubre en Netflix, con dirección de la cineasta peruana Claudia Llosa, con la que coescribió el guión.

Con información de agencias.

IG

Durante los últimos años, los nombres de escritoras latinoamericanas están ganando presencia en el panorama literario internacional: Fernanda Trías, Mónica Ojeda, Samanta Schweblin, Fernanda Melchor, Camila Sosa Villada, Mariana Enríquez, Valeria Luiselli, Jazmina Barrera, Paulina Flores, Giovanna Rivero, Gabriela Wiener... Algunas cosecharon importantes premios, todas son alabadas por la crítica y sus obras se difunden a ambos lados del océano tanto en editoriales independientes como en grandes sellos. 

A menudo sus apellidos aparecen junto a la etiqueta de “nuevo boom” o “boom femenino” en alusión al fenómeno literario y editorial de los años 60 formado por autores latinoamericanos como Gabriel García Márquez, Mario Vargas Llosa, Julio Cortázar o Carlos Fuentes, entre otros grandes nombres masculinos. Pero el boom no puede entenderse sin Elena Garro, Rosario Castellanos, Nélida Piñón, Clarice Lispector y otras integrantes femeninas que tardaron décadas en ser reivindicadas, según apuntaba la periodista y poeta Luna Miguel en el ensayo El coloquio de las perras (Capitán Swing, 2019), un intento por rescatar a algunas de las autoras que tradicionalmente permanecieron en un segundo plano, como la mexicana Elena Garro, cuyo talento quedó mucho tiempo opacado tras su relación con Octavio Paz.

Ahora, el término “nuevo boom” o “boom femenino” puede encontrarse de forma recurrente en medios de comunicación y mesas de debate en ferias y eventos literarios; también es utilizado como estrategia comercial. Sin embargo, algunas de estas escritoras nacidas en los 70 y 80 en diferentes territorios de América Latina, como Mónica Ojeda, Fernanda Trías, Jazmina Barrera o Giovanna Rivero, rechazan frontalmente la etiqueta. Ojeda, Trías y Rivero lo hicieron públicamente en la mesa redonda No somos un boom: escritoras en el horizonte latinoamericano, celebrada durante la pasada edición de la Feria Internacional del Libro de Guayaquil (Ecuador), y no dudan en reafirmar sus posturas al ser entrevistadas por elDiario.es. 

Mónica Ojeda (Guayaquil, 1988) dice tener “un problema con el nombre, no con que se hable de esta nueva generación de escritoras”. “Llamar a nuestra generación ‘nuevo boom’ quiere decir que somos una nueva generación de lo mismo, es decir, una nueva versión de lo que pasó en los años 60”, explica por correo electrónico. “No creo que sea correcto por varias razones: primero, el contexto no es el mismo, segundo, nuestra escritura no es la misma, tercero, las miradas político-escriturales tampoco”. 

Para la escritora ecuatoriana, exponente del denominado gótico andino, autora de las novelas Mandíbula y Nefando, del libro de cuentos Las voladoras y el poemario Historia de la leche, “es política la decisión de volver al término boom para hablar de la literatura latinoamericana como si lo único que nos hubiera ocurrido es García Márquez et al”. “Creo que al llamarnos 'nuevo boom' se fuerza las tuercas hacia un pasado ya superado y se hace desde una mirada eurocéntrica y exotizante, por eso se escoge solo a autoras latinoamericanas de un determinado rango de edad, mestizas y/o blancas publicadas en España. Es, a todas luces, una mirada desde el norte hacia el sur. Me interesa más la mirada del sur sobre sí mismo”, asevera Ojeda. 

“Al principio no le di mucha importancia, pero luego la etiqueta se impuso para marcar el trabajo de algunas escritoras, entre ellas, yo, y entonces reflexioné sobre lo que esa pulsión implicaba”, afirma la novelista y cuentista boliviana Giovanna Rivero (Montero, 1972). “La innegable noción de inmediatez que acarrea el término boom es nociva: pareciera que la mayor presencia en los circuitos culturales y editoriales de la producción literaria de algunas escritoras se hubiera dado por una suerte de 'incineración espontánea', sin trabajo de años”, dice Rivero, que este 2021 publicó el libro de relatos Tierra fresca de su tumba (Candaya). “Asimismo, la connotación de estallido del boom fragmenta hermandades, elimina genealogías, subestima los caminos y conquistas de escritoras de generaciones anteriores”. 

La connotación de estallido que tiene el boom fragmenta hermandades, elimina genealogías, subestima los caminos y conquistas de escritoras de generaciones anteriores

Giovanna Rivero — Escritora

“El boom latinoamericano fue un fenómeno que invisibilizó a muchas, por eso justamente es que me resisto al término. Es como mínimo irónico que ahora se utilice para referirse a nosotras”, señala la uruguaya Fernanda Trías (Montevideo, 1976), que ganó el premio Sor Juana Inés de la Cruz por su novela distópica Mugre rosa (Literatura Random House). “Al final es una cuestión de cómo se va a nombrar el fenómeno. Esperemos que sea algo un poco más imaginativo que boom. Pero sí es importante cuestionar el término porque el lenguaje sí importa, las palabras sí tienen peso simbólico. No es lo mismo que se utilice un término viejo y masculino que nos invisibilizó durante mucho tiempo, que se utilice otro”.

Aunque no recuerda haber visto dicho término aplicado a sí misma, la autora mexicana Jazmina Barrera (Ciudad de México, 1988) incide también en lo desafortunado de la palabra boom para englobar a algunas de las escritoras más conocidas de Latinoamérica “porque las explosiones se asocian con algo espontáneo y pasajero”. Barrera, que acaba de publicar su novela Punto de cruz en España (Tránsito) y México, espera “que el reconocimiento de las escritoras latinoamericanas no sea una moda transitoria, sino que encuentren un espacio amplio y permanente en las publicaciones internacionales”. “Creo que en la literatura latinoamericana hay, desde antes de Sor Juana, una tradición riquísima de escritoras, muchas de las cuales todavía no son justamente revaloradas”, concluye.

Visibilidad, reconocimiento y reduccionismo

No se trata de que ahora exista más calidad literaria o un mayor número de escritoras latinoamericanas, el cambio está en la recepción, coinciden las entrevistadas. “Habría que ponerle una etiqueta al fenómeno de los lectores, no al de las escritoras”, opina Trías. “Porque lo que cambió es que se abrieron los ojos a lo que siempre estuvo. Al dar más oportunidades también empezaron a encontrarse voces de mujeres que estaban escribiendo y que, décadas atrás, hubiesen tenido mucha más dificultad para encontrar editorial o lograr ser leídas”. Destaca el impulso de los movimientos feministas de América Latina durante la última década, que propiciaron que las editoriales prestaran más atención a la literatura escrita por mujeres y que los premios las tuvieran en cuenta: también en el mundo anglosajón, especialmente desde que la argentina Samanta Schweblin fuera finalista del Booker Prize internacional en 2017 por su novela Distancia de rescate, que acaba de ser llevada al cine por Claudia Llosa. Barrera celebra que el feminismo haya abierto nuevas vías de publicación, y subraya “la tarea de reescribir y visibilizar la historia de todas esas escritoras que fueron silenciadas e invisibilizadas en generaciones anteriores”.

Pese al reconocimiento de los últimos años, Ojeda lamenta el reduccionismo que todavía prevalece en torno a las autoras latinoamericanas: “A nosotras se nos sigue intentando encasillar, limitar y reducir a una categoría. Por ejemplo, si no nos ponen en mesas para hablar del terror (aunque muchas trabajemos con tantas otras cosas más allá del género), se nos pone en mesas para hablar de la escritura de mujeres y de este nuevo boom. Se nos limita la lista de temas de los que podemos hablar”. “Creo que la mirada sobre el asunto sigue siendo, en el fondo, patriarcal, porque se sigue mirando con sorpresa que haya mujeres escribiendo bien y siendo leídas. Ya es hora de que dejemos la sorpresa a un lado y que asumamos esto con normalidad”, recalca.

Es incomprensible que a las mujeres las agrupen a todas juntas solo por ser mujeres. ¿A los hombres los agrupan de manera indiscriminada solo por sus genitales?

Fernanda Trías — Escritora

En este sentido y al reflexionar sobre la diferencia de trato mediático y comercial con respecto a otros compañeros de generación, Trías considera “incomprensible que a las mujeres las agrupen a todas juntas solo por ser mujeres, no por afinidades estéticas, por un determinado tratamiento de un tema, por universos o imaginarios. ¿A los hombres los agrupan de manera indiscriminada solo por sus genitales? En un libro escrito por una mujer la palabra más importante es 'mujer', mientras que en un libro escrito por un hombre, la palabra más importante es 'libro'”.

Para Rivero, “algunas etiquetas facilonas intentan aplanar, precisamente, la serie de transformaciones importantes que los campos culturales experimentan gracias a la participación decidida e irreductible de escritoras, académicas y otras artistas en distintas áreas del pensamiento contemporáneo”. Por eso, opina que “la sororidad es fundamental a la hora de prestar oído y reconocer el trabajo de las mujeres, pero esa sororidad es exigente, cuestionadora y con frecuencia nos recuerda el deber de la autocrítica. Además, a esa sororidad se han sumado muchos varones. Llamar a todo esto boom es no dar la talla”, concluye.

Necesito una palabra que no sea peyorativa para hablar de la capacidad de una obra de arte de generar efectos: tanto efectista como efectiva tienen el color del desprecio. La primera evoca un abuso de golpes de efecto; la segunda parece venir con un ‘meramente’ ya incorporado, comunica que sí, se resolvió, se cumplió con una consigna. Quiero decir, en cambio, que Distancia de rescate de Claudia Llosa es una película que produce efectos, una película hecha para la piel. Leí hace mucho y varias veces la novela de Samanta Schweblin, y de hecho recordaba algo parecido a eso: que era de esos textos en los que una, más que los detalles de la trama, recuerda la experiencia de haberlos leído. Pero en la novela, al menos en mi memoria de su lectura, la emoción que predominaba era el miedo; al conocer la historia, yo ya sabía lo que se venía (es interesante el desafío de adaptar un thriller que tanta gente ha leído y ver cómo suplir ese suspenso que proviene de no saber cómo sigue), y acaso haya sido por eso que lo que más me acompañó mientras miraba la película fue una sensación de extrañeza, un desconcierto producido específicamente por la combinación de la sensualidad con la destrucción.

Llosa pone muy al frente de Distancia de rescate el erotismo a la vez doméstico y salvaje que se arma entre dos madres un poco solas que, se acercan la una a la otra con esa mezcla de intriga, envidia y deseo que las mujeres a veces sentimos con las que,  intuimos, son versiones mejoradas de una misma. Como la narración en off está a cargo del personaje de Amanda (María Valverde), es la mirada de ella la que acompañamos durante la película, y es entonces el cuerpo de Carola (Dolores Fonzi) el que vemos ser mirado, su piel dorada y su andar gatuno tal como los mira Amanda desde su soledad inocente y voraz. Este duelo de cuerpos y miradas surca toda la película, incluso a medida que se va poniendo más oscura y que la trama de la enfermedad y la muerte va tomando peso.

Tengo entendido que la película se hizo antes de la pandemia, pero creo que no la podría haber sentido de la misma manera si no hubiera vivido este fin del mundo de baja intensidad que atravesamos estos últimos dos años. Distancia de rescate no habla de un episodio aislado, no habla de una situación transitoria y local: habla de un apocalipsis como el que nos tocó a nosotros, un apocalipsis lento y errático, un mundo que se va destruyendo de a poquito mientras tratamos de pretender que no nos damos cuenta y seguimos viviendo, teniendo sexo, teniendo hijos. Por eso creo que la sensualidad de la película no es una estetización, no es solo hacer cine bello, sino que es casi una apuesta política: hasta cuando todo se está rompiendo seguimos teniendo tiempo para admirar el vaivén de un par de piernas firmes, el modo en que rebota una cabellera enrulada. La atención múltiple, finalmente, es el tema de la novela, lo que le daba título, y Llosa lo entiende muy bien: se ve claramente en la escena clave en la que el personaje de Amanda explica en off el concepto de distancia de rescate (la distancia que una madre tendría que recorrer para salvar a su hija si le pasara algo, ese hilo que une a las madres y los hijos que se tensa y se afloja pero nunca deja de percibirse), escena que muestra a una Amanda distraída entre la intriga que Carola le produce, la historia que Carola misma le está contando y la cercanía de su hija con la pileta, una metáfora perfecta de la maternidad. Pero no se ve solo ahí: creo que de todos los temas que toca la novela, la película (con guion de Llosa y de la propia Schweblin) decide subrayar esta cuestión de la atención dividida, de la distracción, del modo en que nadie sabe qué es importante y qué no entre las mil millones de cosas a las que tenemos que estar atentas, las madres y las no madres también. La experiencia de ver la película es eso, también: es un thriller que mira hacia los costados y no solamente a su resolución, que abre temas, imágenes y capas que van más allá y más acá del misterio, que en su decisión de acompañar con belleza la destrucción termina diciendo mucho más de lo que parece.

La sensualidad de la película "Distancia de rescate" no es una estetización, no es sólo hacer cine bello, sino que es casi una apuesta política.

Me hizo pensar mucho en esta cuestión de ‘lo importante’, leitmotiv que se repite también en el texto. Yo no sé si es una cuestión de época o si sencillamente las cosas fueron siempre así y yo las estoy entendiendo ahora porque soy más grande de lo que era antes, pero mi sensación es que ya no se soporta más esto de que nada importe, la ironía, la indiferencia, la resignación. Mataron a un chico porque sí, lo mató la policía, otra vez; y no va a pasar nada, es terrible aceptarlo y es terrible saberlo pero no va a pasar nada. Nos rodea este crecimiento de la derecha en múltiples direcciones y de todos los colores, y quizás es contradictorio y quizás me equivoco pero en mi cabeza hay una relación entre las ganas con las que cierta juventud abraza el deseo de destruirlo todo y la sensación de que efectivamente nada funciona, de que nuestras democracias no están logrando resolver nuestros problemas y que la tranquilidad con la que los adultos aceptamos eso todos los días ya no da para más. Quiero explicar un poco mejor esta relación que encuentro: los adultos, los moderados, los que queremos seguir sosteniendo la fe de la democracia y el Estado nos organizamos con nuestras cotidianeidades y nuestras pequeñas conquistas, tratamos de no pensar en todo lo enorme que no funciona, en una policía que en el fondo ya sabemos que no vamos a ver reformada en el corto plazo y quizás tampoco en el largo, en una pobreza estructural que tampoco imaginamos mejorando en las décadas que nos quedan de vida, incluso cuando nos quedan cuatro, cinco o seis como me quedan a mí. Nos ponemos contentos cuando un programa estatal a pequeña escala parece funcionar bien, nos regocijamos con la mínima recuperación económica post pandemia, nos aliviamos cuando lo mínimo sigue funcionando. Es el aprendizaje de la adultez, ese de Distancia de rescate, el de seguir viviendo cuando todo se rompe; como estamos haciendo con el cambio climático, pongamos, como muestra la película que lo hacemos con la devastación ambiental. Pero quizás algunos seamos demasiado adultos; y quizás eso que llaman polarización sea la crisis de esa forma de adultez. Quizás haya algo en esa forma de crecer que no va a funcionar más. 

TT