Actores, directores, productores y trabajadores de la industria audiovisual argentina alertaron que el proyecto de reforma laboral impulsado por el Gobierno de Javier Milei podría provocar “un daño irreparable” al cine argentino, durante una audiencia pública realizada este miércoles en el Congreso Nacional.

Entidades profesionales que componen el Espacio Audiovisual Nacional (EAN) aseguraron que el proyecto de reforma laboral presentado por el oficialismo, previsto para ser tratado el próximo 11 de febrero, puede llevar al “desfinanciamiento total” del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA).

“El daño que podría hacer al sector audiovisual argentino sería irreparable”, afirmó Daniel Pensa, productor cinematográfico y presidente de la Cámara Argentina de la Industria Cinematográfica (CAIC) sobre el proyecto de ley y le pidió a los senadores que voten “más allá de gustos o disgustos personales y dogmatismos”.

Reclaman que los artículos 210 y 211 del dictamen del proyecto de Ley de Modernización Laboral “no tienen ninguna relación con la legislación laboral y constituyen una amenaza directa y letal contra la industria audiovisual argentina”, de acuerdo a un comunicado reciente del EAN.

De aprobarse la ley, se eliminarían las principales fuentes de financiamiento del Fondo de Fomento Cinematográfico, administrado por el INCAA, que actualmente se nutre de un impuesto del 10 % sobre las entradas de cine, otro gravamen similar sobre la venta de videogramas y el 25 % de lo recaudado por el Ente Nacional de Comunicaciones (Enacom).

El reclamo fue apoyado por actores consagrados como Mercedes Morán y Julieta Díaz -que se encontraban presentes en la exposición-, además de Cecilia Roth, Guillermo Francella y Oscar Martínez; importantes directores argentinos entre los que participaron Juan José Campanella y Marcelo Piñeyro; y productores, como Alejandro Israel.

En la audiencia participaron además representantes de la Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica (ENERC), la Sociedad General de Autores de la Argentina (Argentores), guionistas, y figuras de otros colectivos audiovisuales.

Cuestionaron también el carácter “discriminatorio” de la ley, que propone eliminar asignaciones específicas para el INCAA y Radio y Televisión Argentina, mientras mantiene los fondos destinados a otros institutos culturales.

La productora Vanessa Ragone, de CAIC, citó los resultados de un estudio realizado en 2023 por el Banco Interamericano de Desarrollo (BID) y la plataforma audiovisual Netflix, llamado 'El efecto multiplicador en el cine', para explicar como la inversión pública en un proyecto audiovisual genera más puestos de trabajo de calidad y mayores ingresos de dólares producto de las ventas al exterior.

“Al dinamizarse la actividad, el sector también aumenta su facturación y tributa más impuestos como el IVA”, afirmó durante su exposición.

El EAN convocó a una movilización para el próximo 11 de febrero frente al Cine Gaumont, a metros del Congreso, con el objetivo de exigir a los legisladores que retiren los artículos cuestionados del proyecto, día en que se tratará el proyecto de reforma laboral.

La carta del EAN a los senadores

Nos dirigimos a Ud. para llamar su atención sobre dos artículos incluidos en el proyecto de “Ley de Modernización Laboral” que esconden una amenaza directa y letal contra la industria audiovisual argentina, una materia que nada tiene que ver con el objeto de la ley.

Se trata de los artículos 210 y 211, según la numeración del Dictamen de las Comisiones de Trabajo y Previsión y de Presupuesto y Hacienda que será tratado en el Recinto en los próximos días.

Artículo 210 (antes 195): El desfinanciamiento del cine argentino.

Este artículo ataca institutos fundamentales de la Ley de Cine (17.741), desfinanciando el Fondo de Fomento Cinematográfico que se nutre actualmente del 10% sobre el valor de cada entrada de cine y del 25% del canon que abonan los licenciatarios de televisión por la explotación del espacio radioeléctrico nacional.

La eliminación de esos recursos hará que el INCAA pierda su autonomía financiera, quedando sujeto a los recursos que discrecionalmente le asigne cada gobierno a través de las Leyes de Presupuesto de cada año.

Dado que, por lo general, la producción de una obra audiovisual requiere una planificación financiera de varios años, sería imposible el desarrollo de esta industria sin tener una previsión a largo plazo de los fondos de fomento, quedando expuestos a la arbitrariedad del Poder Ejecutivo de turno.

Artículo 211 (antes 196): La discriminación al Cine Nacional.

En consonancia con el anterior, este artículo propone derogar los incisos a) y c) del artículo 97 de la Ley de Servicios de Comunicación Audiovisual (26.522), que establecen la asignación específica al INCAA y a RTA (TV Pública y Radio Nacional) de una parte de los recursos que provienen del gravamen que pagan los canales de TV por el uso del espacio radioeléctrico Nacional.

Sin embargo, curiosamente, mantiene intacta la vigencia de los otros incisos del mismo artículo, que disponen la asignación específica del mismo impuesto al Instituto Nacional del Teatro (INT), al Instituto Nacional de la Música (INAMU), y al FOMECA (radios y medios comunitarios).

Esta contradicción deja en evidencia que el objetivo de la norma no es ni siquiera fiscal, sino desfinanciar al INCAA, a la TV Pública y a Radio Nacional.

En efecto, no se elimina el impuesto, ni siquiera se eliminan todas las asignaciones específicas de ese impuesto; sólo se desfinancia al INCAA y a la TV Pública y Radio Nacional.

CONSECUENCIAS CONCRETAS

No se trata solo de Cultura; se trata de industria.

Pérdida masiva de empleo registrado.

Cientos de miles de puestos de trabajo anuales podrían desaparecer en toda la cadena de valor: trabajadores del sector audiovisual y proveedores de bienes y servicios.

La mano de obra audiovisual que se pierde no se recupera fácilmente: es una fuerza de trabajo especializada que se forma en la práctica, en los rodajes y en la continuidad del trabajo.

Retroceso federal.

Las Provincias Argentinas que sostienen políticas públicas para impulsar el desarrollo de la industria audiovisual local, por el impacto económico que generan en inversión privada y creación de empleo local, verían frustrados sus esfuerzos. La falta de complementación de esas políticas desde el INCAA las hará inviables.

Además, se afectaría el desarrollo turístico que las producciones audiovisuales promueven.

Pérdida de mercados internacionales.

No habrá presencia de nuevas películas argentinas en los festivales internacionales más prestigiosos del mundo, donde tanto reconocimiento han conseguido, impulsando la apertura de mercados internacionales para nuestras producciones.

Dependencia.

La producción audiovisual nacional quedaría exclusivamente en manos del financiamiento de las grandes plataformas de streaming extranjeras.

Daños económicos.

Según estudios del propio INCAA, por cada peso que se deja de invertir en el Fondo de Fomento, la economía argentina pierde $ 5,4 en Valor Bruto de Producción.

El fomento del Cine Nacional no es un gasto; es una inversión que genera riqueza, trabajo e identidad.

El fomento del Cine Nacional no es un gasto; es una inversión que genera riqueza, trabajo e identidad.

Por todo ello solicitamos respetuosamente que se retiren del proyecto de ley a ser tratado en el Recinto, los artículos 210 y 211, que nada tienen que ver con la legislación laboral que el proyecto propone modernizar.

Defender el Fondo de Fomento es defender el trabajo argentino, la identidad nacional y el desarrollo económico.

Desde ya, agradecidos por su atención, saludamos muy atentamente. 

EFE

Ser pasajero: cuando lo invitan a dar una conferencia, a un festival, a formar parte de una residencia literaria en un país remoto o en alguna ciudad argentina. Ser pasajero: cuando elige recorrer algún paisaje deslumbrante o hacer un retiro de yoga. Ser pasajero: cuando algún recepcionista de hotel no termina de entender lo que le pregunta, cuando hay confusiones, demoras y equívocos muy graciosos. Ser pasajero: enredarse, dar vueltas, volver a lugares conocidos, perderse en los desconocidos, ver cómo se repiten, cómo se singularizan y, finalmente, de qué están hechos los días.

El cineasta y escritor Martín Rejtman acaba de publicar el libro Cuarto sucio, ubicación peligrosa (Ediciones Universidad Diego Portales, 2025), una suerte de diario personal donde registra a lo largo de más de quince años una gran cantidad de viajes que hizo por trabajo o por placer. El hilo que une a los textos, justamente, es el tránsito, el pasaje, el ir y venir que, con gracia, con austeridad y con elegancia, Rejtman reconstruye a partir de sus observaciones. Así, los números de las habitaciones de hoteles de Curitiba, Tokio, Santiago de Chile, Washington, Londres, Cachi o Bangkok son excusas para mirar, para capturar diálogos insólitos, para pensarse a sí mismo y también a los otros.

– Quería arrancar por tu vínculo con la escritura. Evidentemente al principio parece haber estado asociada ciento por ciento con el cine hasta que decidiste que se abría, que iba hacia otro lado, como ocurrió con los cuentos. ¿Tenés registro del momento de esa bifurcación? ¿Fue así?

– Sí, más o menos sí. ¿Viste que hay historias que uno cuenta y que las repite tanto que se convierten en una especie de mito personal? (risas). Y después ya no sabés si son ciertos o si son inventos tuyos. Así que mi invento o por lo menos mi idea de cómo fue que empecé a escribir literatura se da cuando yo me fui a estudiar a Estados Unidos. Ahí quería escribir guiones de cortos y ponerme a filmarlos enseguida. En un momento me di cuenta de que no iba a poder filmarlos a todos, que uno puede filmar determinada cantidad de cosas pero no podés filmar todo. Esto por ahí pasa cuando tenés 20 años y tenés muchas cosas en la cabeza. Fue ahí que empecé a escribir algunos cuentos, bastante malos me parece, pero después volví a Buenos Aires con la idea de hacer un largometraje. Ese largo se pinchó, se filmó una semana y no se pudo terminar. Rosario Bléfari era la protagonista. En ese tiempo me puse a escribir los cuentos de Rapado que después fueron el origen del guión de la película. Creo que cuando escribí esos cuentos ya tenía pensado un poco que de ahí quería sacar una película. Se ve que pesaba el trauma de no haber podido terminar la otra, aunque esto lo estoy pensando ahora, y dije bueno, por ahí es momento de hacer algo concreto, posible, que empiece y termine como los cuentos. Algo que pueda terminar yo en mi casa sin necesidad de tener que juntar la plata, reunir un equipo técnico, llamar a los actores y hacer todo lo que implica una película. Pero bueno, había empezado a escribir literatura antes, en Estados Unidos, un poco por sobreabundancia de ideas para decirlo de alguna manera, no sé. Por una cosa un poco adolescente, también.

– ¿A Estados Unidos habías ido a estudiar cine, pero tu formación previa acá había sido en Letras?  

– En realidad acá fui a la Facultad de Filosofía y Letras un año. Yo quería dedicarme a hacer películas. En ese momento mi mamá me dijo: “Tenés que ir a la Facultad por lo menos, estudiar algo, si no, no vas a tener nada para contar”. ¡Y tenía razón! (risas). Así que me anoté en Filosofía y Letras, pero en la carrera de Historia. Hice un año y no terminé, creo que varias materias que hice eran de Letras. De todas maneras, no estudié nunca realmente literatura. Si no me equivoco, tampoco fui nunca a un taller literario. 

– ¿Eras muy lector de chico?

– Sí, de chico fui siempre lector. Empecé a ver películas y empecé a leer con interés más o menos al mismo tiempo, a los 13. En mi casa había una biblioteca muy grande, la biblioteca de mi mamá. Fue todo un tema este año que falleció mi vieja y no sabía qué hacer con sus libros, que también eran los libros con los que yo empecé a leer. Con los objetos por ahí es más fácil: algunos los regalás, otros los vendés, otros los tirás. A los libros yo no quería tirarlos. Entonces decidí quedarme con algunos y otros los regalé entre amigos. De alguna manera dispersé esa biblioteca.

– ¿Te acordás qué literatura había ahí?

— Sí, había muchos policiales, aunque yo no leía tanto los policiales, iba más por algún latinoamericano. Había de todo, me acuerdo que mi mamá me dio para leer a los 13 o 14 El lamento de Portnoy, de Philip Roth y El pájaro pintado de Jerzy Kosiński que es un libro muy violento sobre la guerra, con mucha violencia. No sé por qué, no sé qué le agarró a mi vieja para darme esos libros. No sé si fue algo consciente, como para tirarme todo de golpe o si fue como un desliz. Ella en esos años leía un montón y estudiaba teatro, aunque no era artista ni nada que se le parezca pero estaba en contacto con esos circuitos de Buenos Aires, la Galería del Este y qué sé yo. Yo después seguí, leía bastante Cortázar, Vargas Llosa, Sábato. Me leía un libro en dos días. Era un lector súper ávido.

¿Viste que hay historias que uno cuenta y que las repite tanto que se convierten en una especie de mito personal? Y después ya no sabés si son ciertos o si son inventos tuyos. Así que mi invento o por lo menos mi idea de cómo fue que empecé a escribir literatura se da cuando yo me fui a estudiar a Estados Unidos.

– ¿Cómo surge el proyecto de Cuarto sucio, ubicación peligrosa? Porque por ahí contás que el plan de escribir sobre viajes ya estaba hacía un tiempo.

– Sí, la idea del libro viene desde hace mucho. Fue Leila Guerriero la que me propuso hacer este libro hace un montón a partir de unas crónicas que Julián Gorodischer me pidió que escribiera para Clarín. En ese momento yo escribía algunas notas periodísticas cuando necesitaba algo de plata. Hubo un tiempo en el que el periodismo o la escritura daban un poco más de plata que ahora, ahora no dan nada. De hecho fue en ese momento también que me mandaron a cubrir la Ruta 66 en Estados Unidos para el primer número de la revista El Planeta Urbano. Para lo de Clarín, Julián Gorodischer primero me dijo si no hacía unas crónicas sobre taxis. Yo dudaba porque la verdad es que no tomaba muchos taxis o no me parecía tan interesante. Justo estaba por irme de viaje a Europa, donde no iba a tomar taxis porque eran carísimos. Entonces le digo que por ahí podía hacer crónicas de hoteles. Y así fue, salió en el diario y eso lo leyó Leila, que después me llamó por teléfono sin conocerme para preguntarme si quería hacer un libro con eso. Yo no sabía si era una buena idea y estuvimos así con un tira y afloje sobre eso durante mucho tiempo. De todas maneras seguí tomando notas sobre el tema en mis viajes, durante unos 12 o 15 años. Yo pensaba, por ahí, en hacer algo donde aparecía en una parte del libro con mi punto de vista, pero también con otros escritores. Porque me parecía demasiado cargar sobre mí el peso de tener que escribir un libro sobre lo mío. Algo de esa idea, sin embargo, fue quedando y a lo largo del tiempo seguí escribiendo. Hasta que el año pasado volví a contactar a Leila y le dije “che, ¿estás enojada conmigo?”. Y por suerte me dijo que no (risas). Le conté que tenía muchas notas que había tomado en todo este tiempo. Me dijo “bueno, mandame y vemos qué hacemos”. Y ahí se armó, rapidísimo. Cuando nos pusimos a revisar el material hablamos mucho, ella revisaba y me hacía propuestas. Con ella fue un trabajo muy generoso de su parte, exhaustivo, excelente.

– Al leer el libro, hay un giro autobiográfico en el material que pareciera desmarcarse de tus otros libros y de tus películas. Uno puede suponer que siempre hay elementos propios de la vida de los autores o directores, pero acá aparece una primerísima primera persona…

– Sí. ¡Y es todo lo que cuento es cierto además! (risas). De todas maneras, no fue la primera vez. Hay dos ejemplos anteriores. Uno es un libro donde publiqué el guión de Silvia Prieto. Yo había escrito un diario de rodaje, y aunque no lo había hecho para publicar ni nada, cuando se lo mostré a Rosario (Bléfari) me dijo “está buenísimo”. Después hablé con Fernando Fagnani, que era el editor de Norma, y se lo mostré, también le gustó mucho y decidimos incluirlo. Antes estuvo un libro que se llama Treinta y cuatro historias que está dentro de otro libro sobre Guillermo Kuitca que se publicó en los ‘90. Ahí hay algunas que son historias personales y otras que son historias de Guillermo: una especie de libro raro con algunas cosas completamente en primera persona, aunque no se dice cuáles son en primera persona mía y cuáles son en primera persona de otros personajes que aparecen.

– En cine usaste varias veces la voz en off para que tus personajes relataran en primera persona algunos episodios. En este libro esa primera persona mira, cuenta, describe a partir de esas notas que fuiste tomando. ¿Tuviste que trabajar mucho esa construcción o fue algo fluido?

– Sí, tomé notas en los viajes y después lo redacté. De hecho lo que hice el año pasado fue agarrar todas las libretas y las notas de la computadora y busqué todo lo que tuviera relación con viajes u hoteles. En algunos había anotado hotel, el número de la habitación. En otras no tanto y tuve que investigar un poco, buscar atrás en mis mails. Pero a la hora de redactarlo no hubo una idea de construcción de nada. Solamente pensaba que cada pequeña historia fuera una pequeña historia, un pequeño relato. Nunca hubo una idea de construir un personaje ni se me ocurrió pensar en cómo construir una primera persona. Porque creo que en el momento en que te sentás a escribir en primera persona eso ya está, está dado me parece. ¡Sobre todo porque acá soy yo! Cuando me preguntan por las películas siempre pasa que quieren saber de dónde vienen. Obviamente que los materiales con los que uno construye las ficciones siempre tienen mucho personal. En mi caso mucho, pero nunca nada de todo eso es autobiográfico. Hice La práctica, una película sobre el yoga. Y, sí, yo practico yoga. Fui a un retiro de yoga mucho tiempo en un viaje al norte de Santiago de Chile. Y, como el protagonista, también me caí en una alcantarilla. Todo eso pasó pero no soy yo, como en este libro.

– En dos entradas del libro hay referencias interesantes al tiempo. Una que tiene que ver con la administración del tiempo, te preguntás, y te cito, por “cuánto hay que dedicarle a escribir, cuánto a leer y cuánto a vivir”. En otro tramo hablás del tiempo de los viajes como un paréntesis, un tiempo distinto sin progresión. ¿El tiempo en general es un asunto que te inquieta o querías pensarlo particularmente acá?

– Sí, para mí es un asunto el tiempo. El tiempo como la idea de perder el tiempo. El tiempo en el que no hago nada. El tiempo que le dedico, no sé, un día entero a escribir una oración. Pero no por detallista y perfeccionista, sino porque me distraigo. El tiempo siempre es un tema para alguien que se dedica, como yo, a actividades no tradicionales. Los que no tenemos un trabajo fijo ni un horario concreto. Muchas veces ni siquiera tenemos un plazo de entrega y cuando hay un plazo de entrega ese límite te sirve siempre porque te ayuda a ordenarte. Pero donde yo me muevo es una cosa más difícil de gestionar y de administrar me parece. Encima a mí me pasa que voy fluctuando entre esos períodos laxos y otros donde el tiempo es bastante organizado y marca todo como por los rodajes donde cada minuto, cada segundo cuenta. Tenés que usar el tiempo de una manera súper eficiente. A veces trato de pensar de manera optimista, esto de que en verdad un escritor está todo el tiempo trabajando. Quiere creer eso, pero también la realidad me lleva a pensar que soy un poco vago o que en realidad trabajo muy poco. O mucho menos de lo que debería trabajar. Me está pasando en estos días que me cuesta mucho ponerme a trabajar. A veces me pongo a escribir y cierro un párrafo y digo “ya está”. Pero no digo “ya está” para todo el día, es como que me siento aliviado y ya puedo pasar a otra cosa. 

Cuando me preguntan por las películas siempre pasa que quieren saber de dónde vienen. Obviamente que los materiales con los que uno construye las ficciones siempre tienen mucho personal. En mi caso mucho, pero nunca nada de todo eso es autobiográfico.

– En los viajes que describís aparece una especie de media lengua, un inglés un poco roto que hablan personas que no tienen al inglés como primera lengua y vos mismo. Algo muy tuyo de lo absurdo de la incomunicación o de los equívocos.

– Sí, puede ser. Es que se usa un idioma que no es de nadie. Muchas veces, cuando uno tiene que hablar con la gente en los hoteles, es porque hay algo que falta o algo que no funciona. En general la gente está entrenada para responder sobre cosas que funcionan, no sobre cosas que no funcionan. Y, al mismo tiempo, uno tampoco está tan entrenado en cómo resolver esos problemas. Y en los viajes problemas hay todo el tiempo. Entonces sí, se arman situaciones de una comunicación muy extraña o un poco balbuceante. 

– También hay algo cómico, ¿lo pensás a la hora de escribir? ¿Te interesa que haya humor en lo que relatás?

 – A mí esas cosas me dan mucha risa. Lo que pasa es que el ser consciente de que uno está escribiendo un libro hace que uno se pueda ver un poco más desde afuera. Entonces, todo lo que a otra persona probablemente lo enojaría, a mí me divierte. Y no solo me divierte sino que me produce cierta satisfacción porque digo “ah, tengo material que está bueno” o “con esto acá tengo algo más para contar”. Se habla del vértigo de “la hoja en blanco”, pero en mi caso era el de la habitación vacía: tenía miedo de abrir y que no hubiera nada. Pero creo que tener el libro entre manos me ayudó a estar atento. Y en general tengo el oído puesto en esas situaciones. El ojo puesto en eso. No sé si es algo buscado, pero sí le presto atención a esas cosas.

– Y querés que el que te lea se ría con lo que escribís.

– Sí, espero que sí. A veces me preguntan si en tal película había que reírse o no había que reírse. O hay gente que me dice “che, me reí mucho pero no sabía si estaba bien”. No están seguros de que tenían que reírse o no tenían que reírse. Me llama la atención y me causa gracia eso porque para mí es bastante obvio eso en el humor: que si te reís, te reís y listo. No hay mucha pregunta ahí, me parece.

– En este libro se cuelan noticias o personajes vinculados con la política. Se menciona a José Antonio Kast, por ejemplo, que por estas horas es noticia en Chile. Y también aparece el nombre de Javier Milei cuando hablás con un taxista. ¿Eso fue buscado? ¿Te interesaba que estuviera esa dimensión política o lo pensaste como un registro documental de época?

– Me parecía que estaba bien que el libro tuviera cierta cosita documental. Pero lo de esos personajes no fue buscado para nada, eran situaciones que pasaban y me gustaba que estuvieran. Me gustaba que uno pudiera relacionar determinados momentos de los viajes con épocas particulares. 

– En tus películas la dimensión política es clara, aunque no está en primer plano, no se podría decir que hacés un cine militante o un cine político en los términos en los que se solía hablar en otras décadas del país. Pienso, sin ir más lejos, en Silvia Prieto, para mí la película que cierra los ‘90 en Argentina, la que traza un límite, la que pone a circular rollos de dólares, chicas que cortan la calle en Palermo y demás. ¿Te interesa la política?

– A ver, me interesa la realidad. O, mejor dicho, no me interesa el cine político en sí mismo. El rótulo de “cine político” me parece un poco una pavada. Como la idea de “cine de género”, todas esas definiciones me parecen auto limitantes. Me parece que cualquier película obviamente va a estar reflejando un contexto político y lo tiene que hacer sí o sí. No hay forma de que no ocurra. Pero querer ponerle intención a eso me parece problemático. Qué sé yo, no sé. Me acuerdo de cuando vi La hora de los hornos, por ejemplo, que es la película política argentina por excelencia o a la que le ponen rápido ese rótulo. A mí me interesó más como una película pop que como una película política. Obviamente estaba la política metida ahí, pero lo que más me llamó la atención era lo pop que era. Y eso seguramente pasa a pesar de la voluntad de los directores. Creo que en general siempre es más interesante lo que pasa “a pesar de” antes que lo que pasa intencionadamente. Hay más verdad en eso. Hay más política, también.

Para mí es un asunto el tiempo. El tiempo como la idea de perder el tiempo. El tiempo en el que no hago nada. El tiempo que le dedico, no sé, un día entero a escribir una oración. Pero no por detallista y perfeccionista, sino porque me distraigo. El tiempo siempre es un tema para alguien que se dedica, como yo, a actividades no tradicionales

– El dinero suele ser problemático para el arte en general y diría que para las personas que se mueven en el mundo cultural. Cuesta hablar de plata, es un asunto que se omite o se ve desde la distancia. Sin embargo, en tu obra en general y en este libro en particular el dinero está presente: sabemos cuánto cuesta una noche de hotel en tal lugar, un traslado, algo que comprás o regateás para que salga menos. ¿Te interesaba que quedara ese registro también? 

– No sé, eran las notas que tomaba. Y esas notas son el documento de un momento, me parece que eso es lo que cuenta. Pensando en el dinero, está el libro de Rosario (N. de la R: se refiere al libro Diario del dinero, de Rosario Bléfari, publicado por Mansalva). Yo todavía no lo leí. En este caso es más una cuestión de necesidad que otra cosa. Y anotarlo, me parece que hacía parte del viaje: cuando uno viaja va tomando decisiones en relación al dinero que tiene. A qué hotel vas, qué comes, qué haces después, cuánto tiempo te quedás. Todo eso tiene mucho que ver con cuánto dinero tenés. Entre la gente que yo conozco, es muy poca la que no tiene ninguna limitación en este sentido. El dinero es lo que te pone límites siempre. Me acuerdo cuando era chico que me parecía que nunca iba a suceder el momento en que iba a ir a un restaurante e iba a poder elegir un plato sin mirar el precio. Me parecía que eso era una utopía, que era algo imposible (risas), Y no es que mi familia no tuviera plata, mi familia estaba bien. Pero nunca fue de “pedite lo que quieras”. Siempre vi un límite, me sentí medido. Por ahí esto con el tiempo se afianzó más, porque uno para hacer una película está como contando los centavos todo el tiempo. Y a la vez por ahí tiene que ver con mi personalidad también: por un lado ser muy consciente de la plata y por el otro no tener ninguna noción. O sea, por un lado soy muy consciente de lo que gasto, pero no soy consciente de lo que tengo. De repente un día me quedé sin un centavo y no sé qué hacer, y no tengo plata para tomar un café. Y de pronto encuentro 300 dólares en un cajón que me quedaron olvidados. Ahora no es tan así, ahora es otra situación, pero durante mucho tiempo mi vida fue así, como de no saber, de mucha incertidumbre por un lado y a la vez de nunca pasarla mal realmente. Con muchos viajes hay algo raro y es que tienen que ver con invitaciones. Entonces por momentos parece que tengo una vida de unmillonario y en realidad la mayoría del tiempo tengo que cuidar cada centavo porque no tendría cómo sostener eso del todo.

– Otra zona muy presente en el libro tiene que ver con los regresos, con volver a lugares en los que ya estuviste. ¿Te interesaba esto en particular?

– Sí, me interesa y es algo que noto o algo que trato de mirar. Las veces que vuelvo. Lo que significa volver a otro lugar. Lo que significa volver a tu casa. Mirá, justo acabo de volver de Roma. Yo viví un año en Roma entre el ‘82 y el ‘83 y después volví a la ciudad dos veces. Esta vez estuve un mes y pico, me alquilé un departamento y me fui a escribir ahí. Después de mucho tiempo, algunos después de 40 años, vi amigos de aquella primera vez. Y sí, es como que fui a eso especialmente porque quería volver a ese lugar. Quería ver qué me pasaba de vuelta en un lugar a donde ya había vivido a los 21. ¿Qué me pasa ahí hoy a los 64? Allá había trabajado un poco en cine como segundo asistente de montaje en una película. Pero tuve mucho tiempo de estar viendo qué hacer, de estar buscando un trabajo y una casa. Todo ese año fue un año así, de movimiento. Y de formación también. Y ahora fui a escribir y, aunque estuve más quieto, me vi como tratando de inspirarme con la ciudad de algún modo, como me había pasado antes. Uno siempre está tratando de inspirarse con lo que tiene alrededor. Esta vez también hice una proyección de Silvia Prieto ahí. Vinieron mis amigos, pero ninguno me dijo qué le pareció la película (risas). Después de días así, cuesta volver. Quiero decir: volver a la casa de uno después de un viaje siempre es un tema. Siempre está todo medio mal, ¿viste? 

– ¿Te referís a la situación actual, a la economía, a volver a la Argentina del gobierno de Javier Milei?

– Sí, claro.

– Me toca entrevistar a escritores y escritoras todas las semanas y varios me dicen que les está costando escribir en este contexto político, que esta situación los desanima o que se distraen y enojan con las noticias. ¿A vos te pasa algo así?

– Bueno, por algo me quise ir a Italia, sentía que no era un buen momento para estar acá. Tengo un límite de tolerancia muy bajo. Pasan tres meses y ya me quiero ir. Con este gobierno me está pasando eso: no soporto lo que sucede. Y me da ganas de irme, sí, de estar afuera. Respirar otro aire, qué sé yo. Igual acá uno también puede armar su propio circuito o sus propios canales de información. No tengo por qué estar leyendo siempre Diario Milei (risas), podés estar leyendo a otros. Pero claro, a pesar de eso, salís a la calle y ves a la gente que duerme en cualquier parte, te encontrás con la miseria. Es imposible que te mantengas al margen de eso, no hay forma de estar al margen. Después también está el desprecio por la cultura, aunque más que el desprecio, es peor que desprecio, es como una guerra a la cultura. En un punto es desesperanzador, decís “dónde caímos”, ¿no?

– Hacia el final del libro hay una escena muy linda en la que vos mismo no te reconocés en un espejo: de un día para otro te dejaste el bigote. La cuestión de la identidad atraviesa toda tu obra, con personajes que de repente quieren cambiar sus vidas, con esa ilusión de que se pueden intercambiar fácilmente por las de otros. ¿Viajar es intentar ser otro? ¿Buscaste ser otro en los viajes? 

– Sí, me gusta la idea de que estás en lugares donde no te conoce nadie. No sé si exactamente querés convertirte en otra persona, pero hay algo de ese anonimato que es lindo. Los viajes tienen algo de eso, de hacerse anónimo en un punto, de borrarse un poco lo que creemos que somos. Por ahí el encanto de un viaje está en verse como otro y pensar cuánto de tu contexto te arma como persona. Como te dije viví en Italia, viví en Estados Unidos. Y de alguna manera ahí no era como acá. Era otro, no hablaba castellano con nadie. Y en Estados Unidos me pasaba también. Era otra persona. Era un estudiante de cine, no era el hijo de mi papá y mi mamá, ni el hermano de mi hermana. Era yo sin todo eso y sin mi idioma también. Hay algo atractivo, hay algo que está bueno en eso. Aunque también, a la larga, algo de eso se puede volver un poco como una carga y creo que por eso siempre volví. Me podría haber quedado en Estados Unidos, me podría haber quedado en Italia, realmente me sentía muy bien. Hice muy buenos amigos. Me parece que disfruto mucho viajar y volver, es como un doble movimiento. Por eso si pasan tres meses y estoy en un mismo lugar ya me empiezo a inquietar.

AL/MG

Después de la espectacular recepción que tuvo su premiere en el Festival de San Sebastián, acaba de llegar otra muy buena noticia para Belén, la película de Dolores Fonzi sobre un dramático caso que puso en alerta y movilizó al colectivo feminsta argentino. Apenas un par de días antes de que se conozca el resultado de la votación del jurado que decidirá qué película se lleva la Concha de Oro, el premio destinado al mejor film de la competencia oficial en la que participa el largo de Fonzi, la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de la Argentina informó que Belén es la candidata argentina para participar de la preselección de la categoría de mejor film internacional en los premios Oscar y en el rubro de mejor película iberoamericana en los Goya, que se otorgan en España. Ahora es cuestión de esperar la resolución del jurado de esta edición de San Sebastián, presidido por el cineasta catalán Juan Antonio Bayona y con una integrante argentina, la popular actriz y cantante Lali Espósito. 

Mientras tanto, la edición 73 de este tradicional festival de cine que se lleva a cabo en una de las ciudades más bonitas del País Vasco sigue adelante. La popularidad del evento es indiscutible. En la época de esta contagiosa fiesta que la ciudad vive a pleno, los hoteles están atestados y hay mucha gente circulando por la calle a todas horas. Las funciones están casi siempre llenas, son de verdad muy pocas las ocasiones en las que quedan algunas butacas vacías. Conseguir entradas para ver películas de la sección oficial, de hecho, requiere ser precavido y gestionarlas con un buen tiempo de antelación.

En la sección Perlak del festival se agrupan películas de directores ya consagrados en el circuito de festivales. Muchos de ellos tienen un pie en el mainstream, pero se trata de cineastas con la personalidad suficiente como para distinguirse. Autores, digamos. Por eso siempe vale la pena seguirla. Este año hubo en este apartado películas de unos cuantos favoritos de la crítica especializada: Yorgos Lanthimos, Paolo Sorrentino, Jafar Panahi, Joachim Trier, Richard Linklater, Olivier Assayas, François Ozon...

La grazia, del italiano Paolo Sorrentino, fue la encargada de abrir el último Festival de Venecia, donde tuvo una muy buena recepción. El León de Oro se lo llevó Jim Jarmusch por Father, Mother, Sister, Brother’, pero Toni Servilio, actor fetiche de Sorrentino y otra vez protagonista en esta nueva película del realizador napolitano, se quedó con la Copa Volpi destinada al mejor actor.

Una revalorización de la política

En San Sebastián también hubo muy buenas reacciones. Y lo cierto es que la película lo justifica largamente. La grazia es el film más maduro y equilibrado de Sorrentino, un cineasta muchas veces barroco y desmesurado que esta vez consiguió el tono justo para la historia que quiso contar.    

Servilio está magnífico en su papel de Presidente de la República Italiana. En Italia, parte de la prensa ha observado que el personaje está, en buena medida, inspirado en quien actualmente ocupa ese cargo, el siciliano Sergio Mattarella (a propósito, otro hombre del sur del país, como Sorrentino). Igual que Mattarella, Mariano De Santis (Servilio) proviene de la Democracia Cristiana y es un moderado. Se ha dicho bastante que la película es un revalorización de la política en estos tiempos donde sufre tanto descrédito, un contexto que ha facilitado la llegada al poder de arribistas de todo pelaje. Italia sabe de este asunto por el caso de Beppe Grillo, fundador del “partido antisistema” Movimento 5 Stelle, del que terminó eyectado por sus propios militantes. Otro ejemplo desafortunado de este tipo de incursiones extemporáneas es el del comediante ucraniano Volodímir Zelenski. 

La grazia es un comentario muy inteligente sobre el tema porque nos permite empatizar con alguien que, por sobre todas las cosas, tiene tantas fortalezas como debilidades. De Santis es un ser humano real y no una idealización o una proyección de deseos y frustraciones ajenas. 

Una parte importante de esta sociedad actual en la que todos nos asumimos, por acción u omisión, más como consumidores que como ciudadanos se indigna con los políticos y reclama con las ínfulas de un cliente ofendido. No da la impresión de que llevemos una vida tan inmaculada como para ponernos en ese lugar, pero igual lo hacemos todo el tiempo. “Son todos ladrones” es el axioma más común de aquel que se queja de la política como si se hubiera suscripto a una plataforma para ver fútbol y no logra encontrar todos los partidos por los que dice haber pagado.     

La película de Sorrentino pone el foco en la etapa final del mandato de este presidente de modales elegantes y ritmos pausados que se entrega con resignación a las tediosas rutinas que le exige el protocolo y escapa visiblemente a los conflictos. Pero hay que decir que lo hace con gracia y mucha sagacidad. De Santis es un hombre que acierta y se equivoca, que mide, calcula y cambia si hace falta. Y no es necesariamente un camaleón o un oportunista. Obviamente, dependerá de la experiencia de cada espectador con la película, pero se podría decir que Sorrentino apuesta porque nos identifiquemos con De Santis sin presentarlo como un héroe indiscutible. 

Si bien desea más que nada tranquilidad y una salida decorosa del cargo, más que un epílogo cargado de gloria, De Santis debe enfrentar algunos dilemas morales en la última recta de su mandato: dos indultos a personas que ya fueron condenadas por la justicia italiana y la aprobación de una ley de eutanasia que lo enfrenta al Papa ficticio de la película, que por fin es negro, tiene rastas y maneja una moto de alta cilindrada. 

Pero lo que realmente lo tortura es no tener a su lado al gran amor de su vida. De Santis extraña a horrores a esa mujer que fue siempre su media naranja y ya no está, pero también lleva la espina clavada de una infidelidad y se aboca con mucha determinación a descubrir al tercero en discordia. Cuando finalmente se entera, no opta por la venganza, elige una actitud mucho más serena y noble. 

La película también cuenta muy bien el vínculo con una hija que trabaja con él como asesora. Es, como bien dijo el director, una historia de amor. Pero no en el sentido puramente romático. En La grazia, el amor va tomando distintas formas: el de pareja, el paternal, el filial e incluso el que requieren los buenos vínculos amistosos. La grazia también celebra explícitamente la duda (eso lo dice como declaración de principios ya de arranque) y la imperfección. Pero lo medular en la película es el amor como condición indispensable para mantener la vitalidad. Una idea candorosa, casi extravagante para la época. Aplausos de pie para Sorrentino.

Una comedia negra, muy negra

También llamó la atención Bugonia, del griego Yorgos Lanthimos, un cineasta talentoso al que le gusta mucho calzarse el traje de provocador. Más que a Sorrentino, incluso. Emma Stone y Jesse Plemons se lucen con dos actuaciones memorables en esta comedia negra –muy negra, en realidad– y por momentos grotesca que está ligeramente inspirada en una la película coreana de 2003 titulada ¡Salven el Planeta Verde!

Un apicultor afectado por la progresiva disminución de la población de abejas está convencido de que ese problema fue generado por un poderoso conglomerado farmacéutico que dirige la gélida, robótica figura corporativa que encarna Stone con un sublime despliegue de recursos. Habrá entre ellos una guerra sin cuartel porque hay otros hechos trágicos del pasado que pesan en la relación. 

Pero cuando todo indica que Teddy, el obsesivo personaje que interpreta Plemons, es solamente un fanático enloquecido por las conspiraciones que se tejen en redes sociales y el film parece encaminarse decididamente hacia la crítica mordaz, recargada de humor oscuro del clima cultural que desembocó en la inolvidable invasión al Capitolio fogoneada por Donald Trump, de pronto da un giro inquietante que suma una trama alienígena y complejiza su decodificación más superficial. 

Ambicioso, Lanthimos desarrolla su propio diagnóstico sobre este mundo acelerado y violento en el que vivimos echando mano al absurdo, lo cual obviamente tiene mucho sentido. ¿Quién no siente hoy que la misión es sobrevivir como se pueda a los exabruptos de una agotadora tragicomedia? Queda muchas veces atrapado en las trampas de su estilo grandilocuente y efectista, pero está claro que es un cineasta muy personal y osado. Y eso también se agradece.    

Lucrecia Martel y Milagros Mumenthaler, despiertan expectativa

Son muchas las películas programadas en el festival (más de 250). Inabarcable, lógicamente. Pero vale la pena contar que se exhibieron otras dos producciones argentinas muy esperadas en estos días: Nuestra tierra, de Lucrecia Martel, primero estrenada en Venecia, y Las corrientes, de Milagros Mumenthaler, también presentada antes en otro festival clase A, el de Toronto. Las dos tienen ayuda extranjera. Nuestra tierra, de Estados Unidos, México, Francia, Países Bajos y Dinamarca. Las corrientes, de Suiza, donde transcurre una parte de la historia. Este tipo de cine, que no es esclavo de estereotipos ni fórmulas algorítmicas, necesita imperiosamente que el INCAA cumpla la función para la que fue creado si no quiere correr el riesgo de languidecer.    

Las corrientes cosechó buenas críticas en Toronto. The Hollywood Reporter, por ejemplo, tituló la suya de manera elocuente: “Una mujer que lo tiene todo se deshace en una fascinante película argentina exquisitamente elaborada”. Mumenthaler evidencia la insatisfacción y la confusión por algunos traumas no resueltos que conflictúan a la protagonista con sutileza, sin subrayados. Y consigue que el ambiente de la película sea capturado por un misterio persistente que lo envuelve gracias a un sólido trabajo de puesta en escena. Cuenta con dos socios muy eficaces para esa tarea, Isabel Aimé González Sola, Esteban Bigliardi, concentrados, y muy precisos, en sugerir más que en remarcar. 

Nuestra tierra, por su parte, toma como punto de partida al asesinato de Javier Chocobar, dirigente indígena de la comunidad de origen diaguita Los Chuschagasta, ocurrido en 2009 en la provincia de Tucumán. Atacado por el terrateniente Darío Amín y dos ex policías que lo escoltaban cuando defendía pacíficamente el territorio ancestral de su comunidad frente a la explotación de una cantera, Chocobar se ha transformado en un símbolo. Eso es lo que de algún modo reafirma Martel con un documental que usa como principal puesta en escena al propio juicio oral en el que los tres agresores terminaron condenados (Amín a 22 años de prisión por homicidio agravado, por caso) pero que ahora vive una nueva etapa en la Corte Suprema de Justicia. 

La acertada hipótesis de Nuestra tierra, cuyo guión fue escrito por la directora y María Alché (actriz de La niña santa, directora con Benjamín Naishtat de la exitosa Puan), es que el caso Chocobar se inscribe como continuidad de una violencia simbólica y material que atraviesa la historia argentina desde la época colonial (con un epicentro en la sangrienta Campaña del Desierto), un tema recurrente en toda la obra de Martel, no solo en su notable adaptación de la novela Zama de Antonio Di Benedetto. 

Esta vez, la directora de joyas del cine argentino como La ciénaga y La mujer sin cabeza se mete de lleno en este tema con una contundencia inédita. Los pueblos originarios son víctimas permanentes de la marginación, la estigmatización y la invisibilización. Nuestra tierra es un gran aporte para confirmar esos graves problemas.  

Hoy, tanto Amín como los expolicías Luis Gómez y José Valdivieso esperan una instancia judicial decisiva en libertad. La persecución al cine argentino no es sólo un tema de manejo de recursos disponibles (que por otra parte son genuinos). Se trata de otra manifestación categórica de un programa ideológico que tiene una importancia mayor a la que suelen asignarle cínicos y desentendidos. 

AL/MG

Federico Rodríguez estaba acostumbrado a que lo chequeen cinco o seis veces al año. Chequear es el término que usan en la industria audiovisual cuando los llaman para saber si están disponibles para un proyecto. Hasta 2023, tenía que decir que no a varios porque se le superponían los rodajes. Tiene 33 años, es asistente de dirección y filmaba entre tres y cinco películas o series por año. Su especialidad son las de autor, sobre todo las óperas primas, apoyadas por el  Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (Incaa). Desde que asumió el gobierno de Javier Milei, Federico filmó una sola, una ópera prima que se rodó en 2024 y ya tenía el financiamiento garantizado de la gestión anterior. 

—Estamos a mitad de año y no me chequearon para ningún proyecto. Nunca me pasó desde que empecé a trabajar. 

La industria audiovisual argentina creció un 45% entre 2007 y 2022, cuando llegó a ocupar a 31.000 trabajadores y trabajadoras en puestos formales y generar otros 600.000 de manera indirecta. Ese crecimiento se frenó en 2024. La motosierra llegó al Incaa en los primeros meses de gobierno y gran parte de la producción nacional quedó paralizada. La gestión de Carlos Pirovano fue la primera en tener cero películas aprobadas en 2024 y 2025 y frenó el financiamiento de alrededor de 200 proyectos que estaban en proceso de realización en todo el país. 

También fueron eliminadas medidas clave de fomento, como el certificado de exhibición –un tributo que las distribuidoras de películas extranjeras pagaban al cine nacional–, la cuota de pantalla que garantizaba la exhibición de filmes argentinos y la media de continuidad que aseguraba la permanencia de una película en cartelera según su audiencia. También eliminó la preclasificación que adelantaba fondos y hubo más de 400 despidos en el Incaa.  

Federico se dio cuenta que no había lugar para el cine nacional cuando a comienzos del 2024 se encontró con colegas en las puertas de Congreso para pedir que no se desfinancie el Incaa. No solo estaban los técnicos como él. Los productores que siempre lo llamaban cuando tenían la plata para hacer las películas llegaron en la misma, pidiendo que les habiliten los proyectos. Desde hacía meses nadie los atendía ni firmaba los contratos. 

—Ahí me di cuenta que si ellos no tenían certezas faltaba muchísimo para empezáramos a filmar algo. 

Su salida fue parecida a la de muchos de sus amigos y amigas. Hace “changas audiovisuales”: producciones institucionales baratas con equipos reducidos. Lo que antes eran varios roles ahora lo cumple uno solo. A eso le suma alguna que otra publicidad. 

—Y así desaparecen fuentes de laburo. Mis amigos están en la misma, haciendo changas o buscando otra cosa. 

Federico trabajó en su primera película Incaa a los 24 años. Estaba en el equipo de dirección y a punto de recibirse en la Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica (Enerc). Había llegado a Buenos Aires desde Corrientes en un momento en el que crecía la industria de la mano de la Televisión Digital Abierta (TDA). Canal Encuentro, la Televisión Pública y otros canales públicos se convirtieron en una usina de producción para una generación de jóvenes egresados de escuelas de cine y distintas universidades. Había trabajo en Buenos Aires pero también en las provincias. 

Entrar a la industria era salir de trabajos precarizados y filmar una serie con presupuestos reales, donde se cumplían los roles y los pagos según lo que estipulaba el sindicato. Federico pasó por distintos trabajos, primero de eléctrico, después de producción hasta especializarse en asistente de dirección. Cuando estaba terminando de estudiar en Enerc un profesor le dijo algo que le quedó resonando: la inversión en la TDA era algo bueno porque había generado una industria pero también una trampa. 

—No había publicidad y nuestro rubro siempre se paga. Se tiene que poder sostener por sí mismo como pasaba con Incaa que era autosustentable y tenía fondos de varios impuestos. 

El primer cambio en la industria lo vio con el macrismo. Se terminaron las producciones para la televisión y tuvo que arrancar de cero. Ahí se metió en las de autor. Hizo más de 20 películas y series, por lo menos 15 con apoyo del Incaa, y filmó en provincias como Corrientes, Formosa, Misiones, Entre Ríos, Santa Fe y Buenos Aires. En esos años vio cómo los presupuestos alcanzaban cada vez menos y siempre eran necesarios otros fondos, ya sea de las provincias, coproducciones con otros países o entidades privadas. 

—Cada vez se desplaza más a las películas de cine de autor y a las ópera prima que son la contracultura de la industria. Todo lo que vemos es de plataformas o grandes productoras. Me lleva a pensar en cuándo voy a volver a laburar en una película porque mi búsqueda laboral es en un cine que está desapareciendo. Los pocos que tienen trabajo están en plataformas. Y casi todo se filma en Buenos Aires. 

Abril Alassio entró en la producción de plataformas. Es tucumana pero vive en la ciudad de Buenos Aires. Tiene 32 años, es microfonista y empezó en 2022 en una película con apoyo del Incaa. Desde entonces no paró: la llaman para distintos proyectos y casi no tiene baches. Al principio eran trabajos en cine pero en los últimos dos años la mayoría son series y películas para plataformas, como División Palermo y Atrapados. 

—Mi caso es excepcional, me considero bastante afortunada. Mi hermana trabaja hace 15 años en esto y estuvo un año y medio parada. Ahora está cosiendo y dando clases de costura. La mayoría está haciendo laburos de otra cosa por dos pesos con cincuenta. 

La hora de las provincias 

—La industria audiovisual hoy depende de lo que hagan las provincias— dice Luciana Lacorazza, quien integra la Cámara de Productoras Audiovisuales de Santa Fe.  Según estimaron, en la provincia quedaron 50 proyectos truncos por el desfinanciamiento del Incaa. En Santa Fe en 2022 se filmaron al menos cuatro películas y siete series, que emplearon a gran parte de la industria provincial. En 2025 ninguna. 

Luciana tiene 41 años y es productora creativa de proyectos. Trabaja con directores y directoras desde la etapa de desarrollo hasta la distribución. Antes del desfinanciamiento, trabajaba en una serie y una película que tenían premios y la declaración de interés para empezar y los frenaron. Ella también se considera afortunada: puede sobrevivir con empleo en el sector público. Dirige Señal Santa Fe, un canal del Ministerio de Cultura donde se proyectan producciones provinciales. 

Entre sus colegas la situación es distinta. Los que dan clases en las escuelas de cine de Santa Fe y Rosario tienen una parte de la subsistencia garantizada ahí. Pero no alcanza. Los salarios docentes quedaron atrasados. 

—Muchos se volcaron a otros trabajos o incluso se fueron de la provincia. 

Luciana es parte de la comunidad que pelea por una Ley de Cine provincial. Esta semana presentaron nuevamente el proyecto a la Legislatura. La propuesta tiene varios aspectos y uno de los más importantes es la creación de un fondo para la industria audiovisual. La idea es que dependa, entre otras partidas, del cobro de ingresos brutos a los servicios digitales audiovisuales online y del total de los ingresos brutos de la actividad audiovisual, de cines y cualquier otro medio de exhibición. 

Santa Fe fue pionera en 2008 cuando creó el plan de Fomento Espacio Santafesino, del Ministerio de Cultura, pero con los años los montos se volvieron bajísimos para una industria como la audiovisual. 

—Fuimos precursores y ahora quedamos relegados. Con un gobierno provincial que tiene uno de sus ejes en la producción, la audiovisual es una industria que genera trabajo directo e indirecto y construye identidad santafesina. 

Romina Tamburello habla con elDiarioAR apenas baja del avión en Misiones. Llegó a Posadas para estrenar Vera y el placer de los otros, la ópera prima que codirigió con Federico Actis, hecha por la productora Pez. Vera fue filmada en Rosario y trata de una adolescente de 17 años que subalquila por un par de horas un departamento vacío para que otros adolescentes tengan relaciones porque le gusta escuchar detrás de la puerta. La película se estrenó en 2023 en un festival en Estonia y cosechó premios en todo el mundo, desde Tailandia hasta Mar del Plata. 

El camino para hacer una película o una serie es largo. Vera lo empezó en 2016 cuando ganaron el concurso Raymundo Gleyzer del Incaa y quedó frenada dos veces: primero por la intervención del macrismo y en marzo de 2020 por la pandemia. El rodaje fue a fines de 2021 y empleó a muchas de las personas que trabajan en la industria en Rosario. Tuvo apoyo del Incaa y de la provincia de Santa Fe, entre otros fondos. Unos meses antes del rodaje, Romina dirigió Maternidark, una serie financiada por el programa Renacer Audiovisual del ex Ministerio de Cultura nacional con apoyo municipal y provincial. La serie estaba en Contar pero la bajaron junto con la plataforma. 

Con Pez trabajan en una segunda película pero no consiguen los fondos. Estaba en evaluación del Incaa para ser declarada de interés y se las mandaron de vuelta con el cambio de gestión. Romina ahora da talleres de guion y escritura. También escribe la adaptación a película de su último libro, Los amigos de papá. 

—Estamos buscando financiamientos internacionales para las dos películas porque el Incaa está destruído. Y también atentos a que salga la ley de cine de Santa Fe y viendo cómo coproducir con otras provincias. 

Con ley también es difícil 

Por primera vez en más de 20 años en la industria, Rodrigo Guerrero piensa en irse de Córdoba o en ponerse un negocio de otra cosa, tal vez una panadería. Es director, productor y guionista y tiene la productora La Buena Hora. Hizo su primera película en 2009, El invierno de los raros, estrenada en 2011. 

Trabaja en cine desde 2002 y vivió en cambio de la industria audiovisual cordobesa. Primero de la mano de las producciones de la TDA y después con una masa profesionalizada que empezó a hacer películas con el apoyo del Incaa. Hasta 2023 se rodaban entre diez y quince películas al año. En 2024 se hicieron dos y este año ni una. Rodrigo vive de los coletazos de una película que estrenó esta semana y todavía tiene un resto del Incaa y del Polo Audiovisual de Córdoba. También de otra película filmada en 2023 que le vendió a Amazon. 

—El año pasado solo rodé un cortometraje independiente y este año nada. Tenía tres películas con declaración de interés de 2023 y se cayeron. 

Córdoba tiene una ley propia de Fomento y Promoción para la Industria Audiovisual desde 2016. Fue implementada a través del Polo Audiovisual Córdoba, que depende del Ministerio de Industria, Comercio y Minería. Hay un Fondo para el Fomento de la Actividad Audiovisual pero la ley no especifica un monto fijo ni de donde sale, depende de la voluntad política de cada gobierno.  

Rodrigo explica que el Fondo para el Fomento siempre fue un complemento al Incaa. El tema es que es cada vez más chico. La otra política anunciada este año fue un cash rebate (o devolución de dinero) de $5.000 millones por año, con el que la provincia busca convertirse en un destino atractivo para filmar. Rodrigo celebra la medida pero dice que hay una disparidad con el Fondo, de apenas $350 millones. Para él, el cash rebate dificulta la producción de películas cordobesas y favorece que lleguen productoras de afuera con sus equipos armados. 

—Se valora el instrumento pero son reintegros y tenés que tener el dinero para gastarlo. Se complica sin el apoyo inicial del Incaa, que antes permitía rodar y luego reintegrar. El tema es en qué lugar quedamos los directores, guionistas y productores con las historias cordobesas contadas por cordobeses.

Desde que está la nueva gestión en el Incaa, Rodrigo presentó proyectos en las pocas convocatorias que hubo. No quedó. Los proyectos seleccionados eran la mayoría porteños. Para él, el Incaa debería tener un cupo federal. Sobre todo en tiempos en que lo único que se filma es de plataformas. 

—Los rodajes de plataforma son casi todos allá. Para las productoras de las provincias es doblemente difícil continuar produciendo y resolviendo la financiación de nuestras películas porque no tenemos la trayectoria ni la espalda económica de las productoras de Buenos Aires. 

Rodrigo hace ficción y documental. Más de 20 años logró vivir de su trabajo. No se metió en la docencia porque, mal que mal, siempre salían proyectos e hizo una carrera ahí. Ahora duda. 

—Si no produzco algo este año tengo que ir a otro lado o dedicarme a otra cosa. Es una decisión que me cuesta porque hace más de 20 años que vengo haciendo películas. Fuimos la primera generación que no nos fuimos de Córdoba y que empezamos a producir acá. Nos convertimos en la segunda plaza de producción a nivel nacional. Y ahora todo eso se está cayendo.

AB/DTC

Durante los próximos 12 días (desde este martes 13 al sábado 24) los habitantes del Planeta Cine se trasladarán en masa a la Costa Azul francesa, más precisamente al balneario de Cannes, para participar en el principal evento artístico e industrial del año. Es que durante esas casi dos semanas conviven el festival más influyente con el Marché du Film, el mercado más importante de la temporada. Prestigio, glamour y dinero, trípode que sostiene un andamiaje organizativo sin igual para contener a 4.000 periodistas y otros 15.000 acreditados que viajan para hacer negocios. Una bacanal de proyecciones en las mejores salas, reuniones en stands, cócteles en hoteles de lujo y fiestas en playas privadas, discotecas o a bordo de yates que parecen ciudades flotantes.

Si en el Marché se presentan cada año cientos de películas en desarrollo, en rodaje, en postproducción o ya finalizadas, el festival –en cambio– se reduce a unos pocos títulos. Entrar a Cannes no es fácil y la selección de un film puede cambiar la carrera no solo de ese proyecto sino también de su director o sus productores. Sin contar cortometrajes ni clásicos restaurados, en esta 78ª edición se estrenarán 73 largometrajes en la Sección Oficial (21 de ellos en la lucha por la Palma de Oro) y otros 40 en las tres secciones paralelas e independientes: Quincena de Cineastas, Semana de la Crítica y ACID. Al revés que en otras muestras, como Berlín o Toronto, Cannes apuesta por menos películas para que tengan mayor exposición y repercusión.

Incidencia en el año cinematográfico

Cannes siempre fue un festival que marcó tendencias, pero en el último lustro su influencia ha crecido de forma exponencial. Desde que la coreana “Parasite” ganó la Palma de Oro y luego el Oscar a Mejor Película en 2020, el festival francés se consolidó como el evento de referencia.

Veamos, por ejemplo, lo que ocurrió en los dos últimos años: en 2023 la Palma fue para “Anatomía de una caída”, de la local Justine Triet, que terminó consiguiendo cinco nominaciones al Oscar y la estatuilla a Mejor Guion, mientras que otros títulos de esa edición de Cannes también dominaron la discusión cinéfila: desde “Los asesinos de la luna”, de Martin Scorsese; hasta “Zona de interés”, de Jonathan Glazer. En 2024 la incidencia fue aún mayor: “Anora”, de Sean Baker, hizo doblete como “Parasite” (primero la Palma, luego los Oscar más importantes), mientras que “Emilia Pérez”, “La sustancia” y “El aprendiz” también fueron protagonistas de la temporada de premios.

La gran pregunta que todos se hacen en la Croisette, por lo tanto, es cuáles serán las películas con las que Cannes 2025 invadirá el resto del año cinematográfico que se extenderá hasta marzo del año próximo. 

Festival de autores y autoras

En la Competencia Oficial de esta edición habrá, como siempre, mucho cine francés y estadounidense, pero también del resto de Europa. En cambio, la presencia latinoamericana será bastante escasa (el brasileño Kleber Mendonça Filho estrenará “O agente secreto”) y España tendrá dos representantes: “Romería”, de Carla Simón (cierre del tríptico que inició con “Verano 1993” y “Alcarràs”) y “Sirât”, de Oliver Laxe (rodada en los desiertos del norte de Africa).

Este año regresan los hermanos belgas Luc y Jean-Pierre Dardenne (dos veces ganadores de la Palma de Oro) con “Jeunes mères” (ambientada en un refugio para madres adolescentes) y la local Julia Ducournau con “Alpha”, su esperado nuevo film luego de ganar el máximo premio en Cannes 2021 por la provocativa “Titane”. Habrá que ver qué opina el jurado presidido por una estrella local Juliette Binoche.

A Hollywood con amor

El cine estadounidense, ya sea a gran escala o más independiente, tiene siempre un lugar de privilegio en Cannes. En la disputa por la Palma estarán, por ejemplo, los más recientes largometrajes de Wes Anderson (“The Phoenician Scheme”), Kelly Reichardt (“The Mastermind”), Ari Aster (“Eddington”) y Richard Linklater con “Nouvelle Vague”, una historia en francés que transcurre durante el rodaje de “Sin aliento”, de Jean-Luc Godard, película clave para el surgimiento de esa nueva ola a la que refiere el título.

Fuera de Competencia se exhibirán desde “Misión: Imposible - Sentencia final” con Tom Cruise seguramente protagonizando alguna presentación espectacular en medio del estreno mundial, hasta lo nuevo de Spike Lee con Denzel Washington (“Highest 2 Lowest”, inspirada en “El cielo y el infierno”, de Akira Kurosawa). También volverá a Cannes Robert De Niro para recibir una Palma a la carrera en la ceremonia inaugural (luego se proyectará la comedia francesa “Partir un jour”, ópera prima de Amélie Bonnin) y para al día siguiente dar una charla pública sobre su trayectoria.

Cine argentino en crisis

El cine nacional suele tener una importante presencia tanto en la sección oficial como en las muestras paralelas, pero este año contará con una representación muy reducida por la drástica caída en la producción de películas a nivel local por las restrictivas políticas de fomento del INCAA durante la gestión libertaria de Carlos Pirovano. “Drunken Noodles”, de Lucio Castro, se proyectará en ACID, mientras que “Tres”, de Juan Ignacio Ceballos, será parte de la competencia oficial de cortos La Cinef.

Más allá de esos títulos, hay presencia argentina directa o indirecta en varias producciones. Por ejemplo, la muy esperada “Die My Love”, de la escocesa Lynne Ramsay, con Jennifer Lawrence, Robert Pattinson, Nick Nolte y Sissy Spacek, está basada en la novela “Matate amor”, de Ariana Harwicz.

Ucrania, Gaza y las búsquedas políticas

Cannes dedicará buena parte de su primera jornada al “Día de Ucrania”, durante la que se proyectarán tres películas sobre el conflicto con Rusia: “Zelensky”, de Yves Jeuland, Lisa Vapné y Ariane Chemin; “Notre Guerre”, de Bernard-Henri Lévy y Marc Roussel; y “2000 Meters to Andriivka”, de Mstyslav Chernov.

Pero también habrá registros sobre otras regiones del planeta en crisis: desde “Once Upon a Time in Gaza”, de Arab y Tarzan Nasser; hasta “Yes!”, del siempre contestatario director israelí Nadav Lapid, que está ligado a los ataques ocurridos el 7 de octubre de 2023 y narra la historia de un músico de jazz en crisis al que le encargan componer un nuevo himno nacional.

Trump y un golpe de (al) mercado

La decisión del presidente estadounidense Donald Trump de imponer aranceles a las películas extranjeras para así favorecer los rodajes en su propio país alteró lo que prometía ser un Marché du Film con buen clima de negocios.

En las últimas horas, más de 100 organizaciones de cine y televisión de todo el mundo lanzaron un llamamiento a las instituciones de la Unión Europea y a los gobiernos de los diferentes países titulado “Nuestras historias, nuestras voces: una declaración global por la libertad artística, la diversidad cultural y la soberanía cultural”. En Francia, quedó dicho, se admirará como en pocas otras partes a la cultura estadounidense, pero no están dispuestos a bajar la guardia frente a una ofensiva como la lanzada de forma imprevista y brutal por Donald Trump.

DB/DTC

En todo enfrentamiento dialéctico las partes en disputa apelan a argumentos, datos, cifras y hasta ciertos golpes de efecto que mejor les sientan a sus muy disímiles posiciones. Es lo que está ocurriendo desde que a fines de febrero de 2024 el economista Carlos Pirovano asumió la presidencia del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (Incaa) para imponer un profundo cambio en la legislación del sector, cerrar la mayoría de los programas de fomento, difusión y acción federal, desalojar sedes y reducir la planta laboral de los casi 800 empleados que había (muchos con contratos temporales) a los 261 que actualmente trabajan en los cuatro edificios que quedan abiertos: la sede central de Lima 319, la ENERC (escuela que depende del organismo), el complejo Gaumont y la Cinemateca.

La polémica recrudeció en los últimos días cuando el Espacio Audiovisual Nacional (EAN), que integran cuatro entidades de directores (DAC, PCI, CDC, RDI), tres de productores (CAIC, APIMA, CAPPA), una de distribuidores (Cadicine) y otra de gestión de derechos (Argentores) emitió un duro informe titulado Gestión del INCAA, Año Cero en el que denuncia que “Carlos Pirovano se ha convertido en el único presidente del Incaa en tener el récord histórico de CERO PELÍCULAS ARGENTINAS aprobadas durante su gestión”.

Para entender el aspecto medular del debate hay que explicar el cambio principal que introdujo Pirovano: eliminó el sistema de preclasificación y adelantos de subsidios que permitía a los productores, una vez recibida la declaración “de interés” por parte de un comité integrado por profesionales del sector, salir a buscar socios en el exterior, aportes de los servicios de streaming y tener una mínima certeza financiera (entre los vaivenes de la economía local y la constante degradación de los aportes del Incaa el apoyo oficial era en muchos casos más testimonial que efectivo).

Si el sector cuestionaba hasta 2023 esa idea de “un poco para todos”, ahora directamente rechaza de plano una legislación que exige que el productor haga su proyecto a riesgo (hay solo algunas líneas de crédito con tasa subsidiada) y que, una vez que lo tenga listo, lo presente ante un Comité de Películas Terminadas que evalúa su potencial comercial para eventualmente otorgar algún apoyo.

En ese sentido, Pirovano respondió: “No es cierto que no hubo apoyo a la producción, firmamos muchas declaraciones de interés para films analizados por el Comité de Clasificación de las Películas Terminadas. Lo que no hemos aprobado son declaraciones de interés de preclasificación, ya que ese sistema se abolió por ser ilegal”.

Las cifras del Incaa

Según sus propios números, el Incaa ha pagado entre 2024 y lo que va de 2025 unos $3.200 millones en subsidios pendientes de la gestión anterior (al hacerlo con mucho atraso los ingresos de las productoras se han ido licuando por efectos de la inflación), pero –como sostiene el EAN– no hay proyectos que puedan iniciarse en medio de la incertidumbre del esquema de fomento actual. Solo se están filmando películas y series financiadas por los gigantes del streaming (Netflix, Amazon Prime Video, Disney+, Max) o –como quedó demostrado en la programación del último BAFICI– pequeñas producciones independientes que se concretan al margen de las estructuras del Incaa y de las exigencias de la industria más tradicional.

Si se analiza la ejecución presupuestaria del Incaa con los datos del Sistema de Información Financiera para Empresas Públicas, Fondos Fiduciarios y Entes excluidos del Presupuesto de la Administración Nacional, entre enero y marzo últimos el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales tuvo ingresos tributarios por $11.373 millones y su recaudación total ascendió a $12.069 millones, mientras que los egresos por todo concepto fueron de $4.797 millones, con un “ahorro” de $7.272 millones; el decir, Carlos Pirovano, subejecutó el presupuesto y gastó apenas el 39,7% de los recursos disponibles.

Pirovano asegura que parte de los fondos existentes se usarán para los premios de los concursos en marcha, para mejorar el Festival de Mar del Plata y para el regreso a Buenos Aires del mercado Ventana Sur, que en 2024 se realizó en Montevideo, y hasta confirmó sede y fechas: será en el Palacio Libertad del 1 al 5 de diciembre próximos. Por otra parte, el Incaa perdió hace pocas semanas el manejo del sistema Cine Ar (Cine Ar TV, Cine Ar Play y Cine Ar Estrenos), que pasó a la órbita de la Secretaría de Comunicación y Medios que conduce el vocero presidencial y actual candidato a legislador porteño, Manuel Adorni.

Los concursos de la discordia

Con los subsidios reducidos a su mínima expresión, en los últimos meses el Incaa lanzó o está por lanzar una serie de concursos (Desarrollo de Proyectos, Operas Primas, Documentales Digitales, Segundas Películas, Guion, Largometrajes para Grandes Audiencias), pero como cada uno recibe decenas o centenares de proyectos y los jurados son ad honorem la mayoría todavía no se ha expedido con demoras que superaron las previsiones más agoreras.

Así, mientras el Incaa sigue ingresando los fondos previstos por la Ley de Cine (el grueso proviene del impuesto del 10% a las entradas a las salas y del 25% de la recaudación de la ENACOM) y reduce su gasto operativo, el organismo está muy lejos de cumplir con lo que esa misma ley establece: que por lo menos el 50% de sus ingresos se destine al fomento de la producción. De nada sirve “ahorrar” la mitad de lo que se recauda si no se cumple con la misión principal, esencial, para la que existe un ente autárquico de apoyo a la producción audiovisual como el Incaa.

DB/DTC

Mondongo es un colectivo artístico (primero como trío, luego como dúo) que se ha convertido en un fenómeno de masas y de ventas. Mariano Llinás es uno de los directores más creativos y prolíficos del cine independiente argentino. Lo cierto es que los “mondongos” Manuel Mendanha y Juliana Laffitte (Agustina Picasso se radicó en Estados Unidos en 2008 y abandonó el grupo), y Llinás y su socio en la productora El Pampero Cine, Agustín Mendilaharzu, cultivaron durante más de 20 años una intensa amistad y colaboraron en múltiples proyectos de ambas partes. Un encargo de Arthaus en 2021 al director de “Historias extraordinarias” y “La flor” para que registrara el proceso creativo de Mondongo pareció la excusa ideal para hacer pública esa relación, pero ocurrió exactamente lo contrario: el realizador y los protagonistas del retrato se pelearon y esa enemistad se convirtió en parte esencial de las películas.

Y hablamos de películas en plural porque aquel (fallido) encargo original derivó en lo que ahora se conoce como “Tríptico Mondongo”, tres largometrajes muy diversos entre sí en cuanto a registros, formas y tonos, pero que obviamente se complementan y potencian a la hora de abordar la contradictoria relación con el director, con el mundo del arte, con la materia de sus obras y con el dinero.

“El equilibrista” (73 minutos), “Retrato de Mondongo” (124 minutos) y “Kunst der Farbe” (90 minutos), se podrán ver en Arthaus Central (Bartolomé Mitre 434) desde este 21 de marzo. Estarán los viernes a las 20 y los sábados y domingos a las 19, durante lo que resta de marzo, abril y mayo, con entradas a $5.000 y $3.500 para estudiantes y jubilados (se sacan por Alternativa Teatral).

Que el “Tríptico Mondongo” se proyecte en Arthaus tiene toda la lógica: allí se desarrolla hasta el 6 de abril una muestra sobre el dúo artístico y su dueño, el coleccionista Andrés Buhar, no solo comisionó aquel film a Llinás que devino en trilogía sino que a fines de 2024 adquirió la instalación “Argentina (paisajes)” en US$1.270.000, convirtiéndose así en la obra más cara de la historia del arte argentino.

elDiarioAR dialogó con Llinás sobre el largo, tortuoso y cambiante proceso que llevó de las primeras imágenes caseras filmadas cuando él y los Mondongo eran unos jóvenes amigos hasta la ficción que asoma en la tercera y última entrega, “Kunst der Farbe”.

–Se nota en las películas que hay (¿había?) una muy intensa relación de amistad con los integrantes de Mondongo desde muy jóvenes ¿Desde cuándo manejabas la idea de hacer algo juntos y cómo fue mutando hasta llegar al encargo de Arthaus?

–Con Manuel y Juliana nos conocemos desde hace muchos años. Manuel trabajaba en el MALBA cuando nosotros comenzamos a trabajar también allí y fue uno de quienes insistieron de manera más intensa en que fuera en ese cine que se estrenara “Balnearios”, el primero de mis films que también fue el primero en proyectarse en el MALBA como un estreno. A partir de eso, se dio una amistad muy intensa que se acrecentó cuando Agustina Picasso, que también era una “Mondongo”, dejó el grupo. En esos años ellos experimentaron un crecimiento formidable en términos mediáticos y ello redundó en que se hicieran bastante conocidos entre el público y al mismo tiempo que generaran cierta irritación en el medio artístico, fundamentalmente entre cierta parte de sus colegas. Agustín y yo vivimos de muy cerca todo ese proceso, y durante años íbamos a ese mismo taller que aparece en la película y pasábamos largas noches hablando de esas cuestiones. Para mí, que desde siempre estoy obsesionado con las cuestiones que podríamos llamar de “ética artística” (cómo un artista lleva su carrera y su vida en relación, fundamentalmente, con el mercado y el dinero), estar cerca de ellos era una experiencia fascinante: un grupo al que admiraba mucho y que experimentaba un ascenso meteórico, con las evidentes tentaciones que eso conlleva, era un tema realmente apasionante si uno tiene la suerte de verlo de cerca. Esos encuentros eran realmente muy intensos, casi peligrosos, y hubo un momento en el que empezamos a filmarlos. También hay que decir que en aquella época con Agustín registrábamos casi todo, pero había en esas filmaciones algo que se parecía a una promesa. También hay que decir que entre ellos y nosotros eran habituales las colaboraciones: hicieron los afiches de “Historias extraordinarias” (más tarde también el de “Clementina”) y organizaron una muestra de mi largo film mural sobre el Río Paraná en la galería Ruth Benzacar (luego también mostrarían en la galería de Mondongo mi otro film sobre el Transiberiano). Por mi parte, escribí varias veces textos para prólogos de ellos, en general poemas que aparecían antes o en el medio de los estudios críticos. Agustín, por su parte, se dedicó desde siempre a filmar las obras de ellos. De modo que era una relación de muchísima confianza. Hay que agregar que al mismo tiempo ellos tenían una profunda vida social de la cual nosotros no participábamos y no es exagerado decir que ambos mundos nos mirábamos con desconfianza. Pero lo cierto es que esa relación se mantuvo de manera casi intacta durante más de 20 años. Agustín y yo íbamos, ellos pedían comida y abundante vino blanco, discutíamos un rato de cuestiones de ética y dinero hasta que en un momento Juliana ponía música, empezaban las sesiones de karaoke y todo terminaba en un amistoso desborde. Esas noches se repitieron durante años. Cuando llega la propuesta de Arthaus de hacer un film sobre ellos (y yo creo que desde el comienzo estaba claro que mi cercanía con el grupo debía ser un elemento integrante de la película) desde un primer momento pensé que ese encargo que me proponían era un trabajo que Agustín y yo estábamos haciendo desde hacía años, sin proponérnoslo, y que era el momento de darle una forma. En ese momento, yo creo que ninguno de nosotros imaginaba que ese encargo implicaría también el final de una amistad tan intensa, pero acaso retrospectivamente y para un observador externo, pueda resultar evidente. Hay cosas con las que no es posible meterse sin que se rompan.

–¿Cómo fue que terminó en trilogía? ¿Siempre fue la idea o los hechos precipitaron esa forma?

–Podríamos decir que lentamente fue apareciendo como una necesidad. Por un lado, el proceso del “retrato” se volvió tan tortuoso que de algún modo desvirtuaba el encargo que Arthaus nos había hecho. Después de todo, ellos querían hacer un film sobre el “Baptisterio de los colores”, proyecto de Mondongo inspirado en el tratado “Arte del color”, de Johannes Itten, y yo les estaba devolviendo una suerte de biografía personal. Entonces imaginamos la posibilidad de hacer ese film aparte, casi para “cumplir” con el encargo. La primera parte del tríptico está signado por ese origen y sólo se integró como obra cuando empezó a incluir el largo poema del cierre que finalmente hace de él algo que deja de estar signado por la idea del “encargo” y lo vuelve algo que pueda pensar como propio. En cuanto al film número tres, “Kunst der farbe”, desde un comienzo estaba pensado como un juego, con la idea del desafío, pero fue tomando una autonomía tal que no encajaba dentro de los otros solo como una sección. Cuando la relación entre el grupo y yo se cortó definitivamente, eso finalmente ordenó esa película: es en la ficción una especie de “venganza”, aquello que yo hago una vez que ellos se han convertido en mis enemigos. El film vuelve juego algo que en la vida real por momentos se pareció bastante a una tragedia.

–Resulta particularmente intensa y desgarradora la segunda película, creo que es donde más te expusiste a nivel íntimo en toda tu carrera. ¿Cómo lo ves hoy?

–Simplemente hubo un momento en que comprendí que un film así (sobre mis amigos, sobre artistas amigos, sobre artistas amigos que desde muchos lugares son acusados de frivolidad) corría el riesgo de volverse una tontería o un objeto abyecto si quienes lo hacíamos no nos atrevíamos a un máximo nivel de exposición. Cualquier film que no fuera “peligroso” hubiera resultado una cosa infame: un cineasta legitimado hablando bien de sus amigos, artistas legitimados. Una inmundicia. En ese sentido, la creciente hostilidad entre nosotros que el film muestra es también una creencia en los poderes del cine: la película había comprendido que nosotros no éramos más amigos aun antes de que nosotros lo comprendiéramos. Cuando empezamos a ver y a editar esas imágenes había en ellas tanto dolor y tanta decepción, tanta confianza perdida y tanta distancia en los intereses de cada uno, que no quedaba a mi criterio otro camino más que obedecer a esa tristeza y construir el film alrededor de eso.

–El dueño de Arthaus pagó una cifra récord por una instalación de Mondongo. En esta nota y en varios momento de las películas decís que muchas veces hablaban del tema del dinero ¿Qué opinión te merece estos hechos?

–Como dije antes, las cuestiones del dinero y el mercado eran la materia sobre la que hablábamos obsesivamente, todo el tiempo, en la época en que éramos amigos. Yo creía incluso que nuestra amistad estaba de algún modo sostenida en eso. Ahora que esa amistad no existe sería desleal con ellos continuar opinando sobre cosas que durante mucho tiempo fueron nuestras. No creo que corresponda que lo haga. Solo puedo decir que mi admiración por la obra de ellos sigue intacta y que me parece bien que ganen mucho dinero, al igual que todo artista talentoso y trabajador que se lo merece.

–Se dice que se puede hacer muy buen arte desde el amor y la admiración pero también desde el odio y resentimiento. Aquí, de alguna manera, hubo un poco de todo (y junto). De hecho, lo explicitás cuando citás a John Wayne en los westerns de Howard Hawks...

–No creo que haya habido ni odio ni resentimiento en ninguno de los films. Más bien lo que creo que se ve es tristeza por una amistad perdida. Acaso la tercera parte se permita alguna forma de catarsis, pero aun así está muy lejos del odio. Yo pienso en ese tercer film como una obra signada por la alegría de recuperar la libertad. El proceso de los dos primeros films fue extremadamente tortuoso, largo, lleno de sufrimientos personales y, desde luego, ruinoso económicamente para nosotros. Una vez atravesado ese mal trago, la tercera película aparece como liberada de esa angustia y entregada a las cosas que desde siempre nos hacen felices: la ficción, el juego cinematográfico, los viajes por las rutas de la provincia, la complicidad con las actrices, la sonrisa dulce de María Villar y la mirada de Pilar Gamboa, que, una vez más, justifican por sí solas la existencia del cinematógrafo.

DB/DTC

El  Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) actualizó este lunes los montos de los subsidios destinados a los diferentes tipos de producción para el cine argentino, al tiempo que estableció el “costo reconocido de una película nacional de presupuesto medio”, en $300.000.000, con carácter retroactivo al 1 de septiembre de 2024, y el ministro de Desregulación y Transformación del Estado, Federico Sturzenegger, celebró las resoluciones publicadas en el Boletín Oficial con un posteo repleto de refrencias a filmes argentinos y una foto de “Tiempo de Revancha”, la película de 1981 escrita y dirigida por Adolfo Aristarain y protagonizada por Federico Luppi, Haydée Padilla, Julio de Grazia y Ulises Dumont.

A través de la Resolución 50/2025, publicada en el Boletín Oficial. , el gobierno estableció “el costo reconocido de una película nacional de presupuesto medio” en $300.000.000, con vigencia retroactiva al 1 de septiembre de 2024, monto que reemplaza al vigente hasta ahora, que era de $105.000.000.

Además, se fijaron topes de subsidios para distintos formatos de producción:

En tanto, la resolución 48/2025 determinó que la “Cuota de Pantalla de Estrenos de películas nacionales para las exhibidoras será 6% del total de películas estreno exhibidas por grupo empresario en el año para los que tengan más de 8 pantallas y 4% para los que tengan hasta 8 pantallas”.

La norma establece:

De acuerdo a la resolución, “la misión del organismo es promover la innovación, profesionalización y calidad en cada etapa de la producción audiovisual, con el objetivo de fortalecer la industria audiovisual como un sector competitivo, moderno y sustentable, que contribuya a la identidad cultural del país y expanda su alcance hacia nuevos mercados globales”.

Sturzenegger, el “tiempo de revancha” y las referencias al cine argentino

En un posteo en redes sociales, como lo hace habitualmente cuando se publican disposiciones en el Boletín Oficial que tienen que ver con ajustes en el Estado, el ministro de Desregulación, Federico Sturzenegger, consideró a la resolución 48/25 con firma de Carlos Pirovano, Director del INCAA, dependiente de la Secretaria General de la Presidencia que comanda Karina Milei, como “una pieza de colección que revela la hipocresía (y daño) del discurso del Estado presente: en este caso deja expuesto como el INCAA literalmente devastó las salas de cine en el interior del país que decía defender”.

“Te lo resumo así nomás: a medida que el INCAA crecía en militancia rentada con el kirchnerismo, necesitaba más y más recursos de manera insaciable. Y ¿de dónde podría sacar fácil esos recursos? Obviamente, de los espectadores de cine a los que podía expoliar con una simple resolución del organismo. Hay que darse cuenta, para ese arreglo de plata dulce, la historia oficial era que se defendía a la cultura. La realidad era que, a fuerzas de tasas (sin tregua) se fueron sumando costos a la entrada de cine para financiar la militancia del INCAA”, arrancó su posteo el funcionario.

Para Sturzenegger, “dentro de esas muchas tasas, hubo una que resultó devastadora para las salas del interior: la Resolución 2114/11 con firma de Liliana Mazure (NdeR: presidenta del INCAA entre 2008 y 2013). La Resolución 2114/11, hay que darse cuenta, para que no ocurra nunca más, es otro ejemplo de como el Estado utiliza una causa noble para beneficio propio, sin importarle si lo que hace destruye lo que dice defender. Un engaño superior a cualquiera que Gastón Pauls pudiera hacerle a Ricardo Darín. Es la maldad que acecha”.

“La 2114/11 arranca diciendo que el objetivo del INCAA es el 'fomento de la actividad cinematográfica', sigue con que 'la realidad contraviene el derecho a la diversidad cultural' (te lo resumo así nomás: la gente no veía lo que el Estado quería que viera) y que 'el acotado número de ventanas … ha llevado a la ocupación por unos pocos productos.' Aceptemos que hubiera pocas salas, ¿qué hace la resolución al respecto? ... dice: … 'cabe distinguir el derecho de clasificación cinematográfica, del derecho a la emisión del certificado de calificación'. (¿Perdón?) Te lo resumo así nomás: básicamente inventaron un impuesto a pagar por cada película que exhibía cada cine”, sostiene el ministro.

Y agrega: “Para las salas del interior ese impuesto, Liliana Mazure, lo fijó en hasta 6.000 entradas cuando la película se exhibía en muchas salas. ¡Curiosa manera de fomentar y ayudar a que haya más cines! El resultado fue devastador: al imponer un impuesto que crecía con el número de salas, los productores encontraron que ya no era rentable pasar cine en salas pequeñas del interior. Así, en 2024, de los 800 títulos estrenados en AMBA, solo 200 llegaron a las provincias más pequeñas. El INCAA había hecho inviables los cines del interior (¿y eso de la diversidad cultural?) Fue nuestra odisea de los giles. Nos dejaron en una ciénaga. Cenizas del paraíso”.

“Afortunadamente los ahorros que ha logrado Pirovano en el INCAA hoy permite reducir estos costos a CERO, devolviéndole esos recursos a las salas de cine de todo el país. Llevará años recuperar lo perdido. Pero eventualmente tendremos menos ñoquis y más cine. De ese que la gente quiera ver. En libertad. Quizás no haya sido el robo del siglo, pero igual llegó el momento de recuperar lo que el INCAA nos robó. Tiempo de revancha del espectador. Federico Luppi sonreiría. VLLC!”, concluyó Sturzenegger.

Con información de agencias.

IG

No lo vi venir, pero la verdad es que quedé tan arrasada, tan deslumbrada, que apenas si puedo garabatear unas líneas con torpeza (otro día hablamos de esa puerta entornada que nos tironea cuando no esperábamos algo particular, ese “yo no buscaba nada y te vi”, esa invitación sigilosa que nos hace ajustar la mirada para darle lugar al imán siempre inoportuno de lo sublime). Hablo de la película La quimera de la cineasta italiana Alice Rohrwacher. Llegó a los cines los primeros días de este año y sospecho que también debe andar dando vueltas por los pasillos non sanctos de la virtualidad (para quienes prefieran las sendas legales, de la misma directora pueden ver Lazzaro felice en Netflix y buena parte del resto de su filmografía en Mubi). 

¿Importa la historia? Más o menos. Importa el encandilamiento. O la luz (punto enorme, de paso, a la fotografía en manos de Hélène Louvart). Es que, desde los primeros planos, La quimera está llena de destellos. Vemos a una chica preciosa que se asoma y enseguida se vuelve sombra. Después aparece su cara completa hasta que vuelve a apagarse. Al instante entendemos que ella es parte de un sueño o un recuerdo de Arthur, el protagonista, un joven que intenta dormir mientras viaja en un tren que lo devuelve a su casa después de haber pasado unos días en la cárcel. En ese terreno onírico, su amor soñado y brillante, se lo dice muy claro: “¿Te diste cuenta de que el sol nos sigue? ¡Nos sigue!”. 

Arthur, de hecho, vive batallando entre lo que brilla –y por momentos llega a enceguecerlo– y una oscuridad que lleva a cuestas. Es un tipo retraído, tristón, de origen misterioso (por momentos habla en inglés) y con un superpoder que ejerce en la clandestinidad: apenas acercándose a la tierra con un palo o una rama en la mano, puede percibir los lugares donde se ocultan sitios arqueológicos con tesoros etruscos que saquea de noche junto a unos amigos bastante atolondrados. Una banda de tombarolis, es decir, ladrones de tumbas antiguas, que se dedican a vender parte de estos botines y a alterar la quietud de un pueblo rural de La Toscana (ahí se cuelan, gracias a la maestría de Alice Rohrwacher, unas líneas del disparate del cine de Federico Fellini, las notas sutiles de un neorrealismo revigorizado por el ojo vitalista de la directora y hasta la propia Isabella Rossellini, que interpreta un papel pequeño y muy gracioso llamado Flora).

Admirador de la belleza e inevitablemente afectado por ella –de Damocles al Hombre Araña: nunca falta ese hilo ineludible que ata a cualquier superpoder con una responsabilidad grande–, Arthur pasa sus días entre el vértigo de cada aventura en las tumbas y el recuerdo de Beniamina, ese amor que cada tanto vuelve como un sueño. Pero, como le ocurre a cualquier superhéroe, en algún momento le toca bajar la guardia, vivir de día, hacer trámites, sacarse el traje. Ahí entra en escena Italia, una joven intrigante que se cruza de casualidad cuando va de visita al castillo en ruinas de Flora. Es en medio de esas paredes descascaradas, de esos muebles de lustres antiguos y de las sombras que Arthur empieza a reparar en ella. Algo titila, algo le ve, algo le genera curiosidad. Sus movimientos, entonces, estarán marcados por un péndulo entre un amor mitológico e ilusorio –la Quimera, después de todo, también es un monstruo griego clásico que vomitaba llamas– y otro terrenal, tal vez más aplomado, aunque igual de inquietante.

¿Importa cómo sigue la historia? Más o menos. Importa el encandilamiento. O la luz. En el cine, en el amor. Algo parece nítido en la penumbra: mientras el sol lo siga, Arthur no va a dejar de circular entre ruinas, entre brillos pasados, entre destellos futuros. Quizás porque su quimera sea la de saber, recordar o imaginar que no hay amor sin deslumbramiento, sin fantasía, sin fatalidad. Que todos los amores son tesoros y todos los amores son imaginarios. Que toda la belleza del mundo puede resplandecer ante cualquiera en el instante menos pensado. Basta con acercarse un poco a la tierra. Basta con abrir o cerrar los ojos.  

Arranca una nueva edición de Mil lianas. Hay pequeños botines, chucherías y alguna puerta que por ahí se abre. 

1. Lecturas de verano, primera parte. Como ocurrió el año pasado, quise aprovechar que en enero el mundo editorial suele entrar en una pausa para armar una selección –arbitraria, claro– por algunos libros publicados durante 2024 que no llegaron a tener la cobertura que se merecían. Así que, bajo el rótulo de Lecturas de verano, en cuatro entregas voy a intentar rescatar algunas publicaciones que salieron en los últimos meses y no llegaron a tener la cobertura que se merecían, que por falta de tiempo quedaron afuera de los balances de fin de año o, simplemente, que vale la pena tener en cuenta como opción para quienes estén buscando lecturas por estos días.

La primera entrega de esta saga está compuesta por tres notables novelas escritas por autores nacidos en Argentina y que, en distintos tonos, paisajes y estilos, tienen al dinero en un lugar destacado de sus relatos. Se trata de ‘Ta loco aquel que quiera tu corazón (Fondo de Cultura Económica), de Carlos Bernatek; La ficción del ahorro (Fiordo Editorial), de Carmen M. Cáceres, y Dominó (Fagus), de José Salem. Pueden leer mis reseñas sobre cada uno de estos libros en este enlace.

La primera entrega de Lecturas de verano 2025 se puede leer por acá.

2. Series y películas. El primer mes del año, según fueron anunciando las distintas plataformas, promete estrenos interesantes en el universo del streaming. Por mi parte, vengo haciendo una especie de maratón de Severance, para llegar a tiempo al estreno de la segunda temporada, que será lanzada a partir del 17 de enero. Como no llegué a verla en el cine cuando se lanzó, también agendé que el 29 de este mes estará disponible para ver en formato hogareño la película Los domingos mueren más personas, de Iair Said, con Rita Cortese y Juliana Gattas en el elenco.

Si quieren saber un poco más de algunas películas y series destacadísimas que llegan a lo largo del mes, por acá pueden encontrar una guía con los títulos, las fechas y los tráilers de producciones que se incorparan a los catálogos de Netflix, Max, Mubi, Amazon Prime Video, Apple TV+ y Disney +.

El repaso con las series y las películas destacadas que llegan al streaming en enero se puede leer en este enlace.

3. Libros de 2025. Muchos representantes del sector coinciden en señalar que 2024 fue por momentos muy difícil y que estuvo plagado de inquietudes en el ecosistema editorial argentino. Con ventas en baja durante buena parte del año, las proyecciones para 2025 se hacen, una vez más, desde la incertidumbre y las expectativas moderadas. 

Es en este contexto que, desde los grandes grupos editoriales hasta las editoriales medianas y pequeñas, los planes para el año que recién comienza parecen ir por el lado de la apuesta más o menos segura en un terreno siempre inestable. Tal vez sea por eso que entre los anuncios para 2025 se destacan mucho más los grandes nombres consagrados que aquellos de autores y autoras menos conocidos. Sin embargo, entre novelas, libros de cuentos, ensayos, rescates y poesía el año promete algo de diversidad y buenas lecturas. Por acá pueden leer un repaso por algunos títulos y autores de libros que se vienen.

El repaso por algunos de las publicaciones que llegarán a las librerías durante 2025 se puede encontrar en este enlace.

4. Series de 2025. En los últimos días de 2024, las productoras, las señales de televisión y las plataformas de streaming empezaron a revelar algunos detalles de los lanzamientos que proyectan estrenar a lo largo de 2025. Según anticiparon, habrá regresos de programas muy esperados, versiones de clásicos adaptados a la pantalla chica y también superproducciones.

Por acá armé un recorrido por diez títulos muy esperados que llegarán a las pantallas este año. De la adaptación de El Eternauta a The Bear y The Last of Us, realmente hay de todo.

El repaso por diez series muy esperadas que llegan a las pantallas en 2025 se puede leer por aquí.

Banda sonora. “Ah, todo lo que hago es para vos. Ah, el tesoro se esta hundiendo”, dice la letra de la dulcísima y tremenda El tesoro, de Él Mató a un Policía Motorizado. En esa canción pensé mientras recordaba algunas imágenes de La quimera, la película que les comenté arriba. Me pareció una buena excusa para sumar a este espacio temas que hablen de tesoros y gemas perdidas. Entran, además de Él Mató, The Cure, Depeche Mode, Cocteau Twins. Leo García y Wilco, entre otros. Se escucha, como siempre, por acá. Ah, también subí algunas de las canciones que integran la banda sonora de la película, que es alucinante.

Por último, para quienes tengan ganas de salir por un rato del algoritmo propio y escuchar cosas nuevas, les dejo en este link la selección con canciones divinas de 2024 que hizo mi amigo Nicolás.

Bonus track. Para muchos y muchas esta época suele estar atravesada por ilusiones y proyectos. Los concursos literarios muchas veces se convierten en trampolines para canalizar esa energía. Por eso que quería compatirles información sobre dos convocatorias recientes para autoras y autores con materiales inéditos en castellano. Por un lado, la Fundación El Libro brindó detalles de su clásico concurso anual que premia volúmenes de cuentos y que se entregará en la próxima edición de la Feria del Libro de Buenos Aires. Por otro lado, la sede local de la editorial Fondo de Cultura Económica anunció que, como parte de los festejos por los 80 años de presencia del sello en la Argentina, convocará a escritores y escritoras de menos de 35 años para participar de un certamen de novelas inéditas para sumarlas a su catálogo. En este enlace pueden leer más sobre estos concursos, los plazos, los requisitos y los premios estipulados.

¡Hasta la próxima!

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Si estas palabras te pudieran dar fe. Cerca de la revolución - Charly García

“Estamos todos borrachos, preocupados o las dos cosas”, me dijo hace unos días mi amigo M en una fiesta. No se me ocurre mejor imagen que esa para ilustrar estas horas. Es que la intensidad de fin de año en mayor o menor medida nos llega a la mayoría –de los más vitalistas a los más fatalistas: todos desorientados en ese bien o mal de muchos, en esa pista de baile incierta, en el despiste– como una ola gigante a punto de estallar sobre nuestras cabezas. El mismo vértigo cada vez: saltar y dejarla pasar por arriba con la mirada en alto, mantenernos metidos para adentro y atravesarla por abajo con los ojos apretados. En cualquier caso, habrá que poner el cuerpo intentando romper o rompernos lo menos posible. Como hicimos otros años, como vamos a seguir haciéndolo porque llegamos hasta acá, como nos canta Charly García incluso a los más escépticos: si estas palabras te pudieran dar fe. 

Aprovecho esta edición de Mil lianas –la última de 2024– para desearles de corazón a todos aguas amables y músculos firmes para lo que se venga el año próximo. Empezamos.

1. Películas argentinas. El año que termina fue definitivamente una paradoja para el cine nacional: mientras las películas argentinas cosechan elogios, ganan premios en festivales y circulan en varios países con vigor, los recortes dispuestos por el gobierno nacional hicieron que la cantidad de rodajes se redujera de manera drástica. 

Con un panorama preocupante en el horizonte y con una baja en la afluencia del público a las salas (puede leer este muy buen balance que escribió Diego Batlle en elDiarioAR), a lo largo de 2024, sin embargo, llegaron a los cines notables películas argentinas que se destacan por la frescura y el desparpajo de sus realizadores. 

Ya les comenté tiempo atrás por acá que la película que encabeza la lista de mis favoritas este año es Alemania, de María Zanetti, seguida por El jockey, de Luis Ortega y La práctica, de Martín Rejtman. Por suerte todas ellas están disponibles para ver en formato hogareño por streaming. En este enlace pueden leer un poco más sobre cada una, ver los tráilers y conocer en qué plataforma se encuentran.

El panorama con tres películas argentinas notables de 2024 para ver por streaming se puede leer por acá.

2. Literatura argentina. Lo comenté en este espacio hace poquito: cada vez que encaro la tarea de elegir los libros del año me causa gracia el gesto. Es que, en general, los que más me atraen son justamente esos libros huidizos y un poco corridos que le escapan al año en el que salen o a su época.

A la vez, esta labor me obliga siempre a abrir el paraguas: los balances implican sesgos, omisiones, arbitrariedades, decisiones que no le hacen justicia a todo lo que ocurrió en un determinado período, limitaciones de quienes los arman y un recorte obligado por el tiempo o, mejor, por su falta.

En este caso, encabezada por La Circunstancia, de Jorge Consiglio –la novela que más me impactó entre las que leí este 2024– seguida por Diario de una mudanza, de Inés Garland, y Vida en Marta, de Santiago Craig, armé una lista con doce publicaciones muy diversas en las que se destacan el humor, algunos personajes inolvidables, la sensibilidad y el riesgo. Pueden encontrar el listado completo en este enlace, hay libros de cuentos, textos híbridos, novelas y retratos maravillosos. 

El balance con lo mejor de la literatura argentina publicada en 2024 se puede leer en este enlace.

3. Rescates literarios. En un año difícil para las editoriales por los vaivenes de la economía y la crisis que afectó seriamente al sector por la caída en las ventas de libros, hubo sellos que decidieron alejarse por un rato de lo estrictamente nuevo. Es que, a lo largo de todo 2024, algunas editoriales recuperaron para sus catálogos publicaciones que hacía rato habían dejado de circular, otras indagaron en los archivos de autores centrales para llegar a materiales poco conocidos, otros eligieron apostar al hallazgo de clases magistrales para convertirlas en textos impactantes.

Este repaso personal está encabezado por el deslumbrante Diario del abandono, de Leopoldo Brizuela, publicado por Bosque Energético. Pueden leer el balance completo en este enlace.

La lista con doce grandes rescates literarios de 2024 se puede leer en este enlace.

Banda sonora. Buena parte de la música que me acompañó este año fui compartiéndola en nuestra banda sonora (sí, esa que encuentran renovada los viernes por acá). Así que ahí van a encontrar una suerte de muestrario de los lanzamientos del año que más sonaron en casa o en la calle cuando voy con auriculares. La lista, como siempre ecléctica y deforme, está encabezada por Mercedes Sosa en Nueva York 1974 (les hablé de esa gema hace unas semanas) y sigue con Manning Fireworks, de MJ Lenderman, y Maquillada en la cama, de Juliana Gattas.  

Posdata. Gracias por estar ahí cada viernes, por el milagro de la lectura, por sus mensajes afectuosos. Mil lianas entra a boxes unos días –un ratito nomás, para hacer ajustes y oxigenar un poco– y vuelve el 10 de enero. Si sienten algún tipo de abstinencia, además de leer las notas que voy a ir publicando estos días en el diario, encuentran todas las ediciones pasadas del newsletter en este enlace.

¡Hasta la próxima!

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Tal como apunta Diego Batlle en su balance anual, el cierre de 2024 coincide con el primer año del gobierno de Javier Milei y deja un saldo más que preocupante para el futuro del cine argentino. “Si bien Milei no cumplió con su promesa de cerrar el Incaa, sí se practicó un fuerte ajuste que incluyó cientos de despidos, el cierre de buena parte de los programas federales, la suspensión del fomento a la producción y un cambio en las reglas de juego que generó el rechazo unánime del sector”, señala Batlle sobre el gobierno libertario, que ya desde la campaña presidencial había elegido al cine y a la cultura en general como uno de sus blancos favoritos de ataque.

En medio de este panorama ciertamente preocupante por la baja cantidad de rodajes del año, sin embargo, a lo largo de 2024 llegaron a los cines notables películas argentinas que fueron rodadas un tiempo antes, que se destacan por la frescura y el desparpajo de sus realizadores y que además tuvieron buena circulación en festivales. Luego de pasar con éxito por las salas locales, donde por la crisis se redujo la afluencia de público en un 18% si se compara con 2023, estos largometrajes aterrizaron en los últimos meses en distintas plataformas de streaming y pueden verse en formato hogareño.

A continuación, un repaso por cada uno de ellos y las plataformas donde están disponibles.

1. Alemania, de María Zanetti. “En un viento joven y brillante/en una cuestión de fe/en una coraza invisible/en una tarde de cansancio”, se oye en la voz de Rosario Bléfari. La canción Tarde de cansancio, de Suárez, es uno de los temas que se destacan en la banda sonora de Alemania, un largometraje hermoso y deslumbrante de la cineasta argentina María Zanetti que luego de circular por algunos festivales internacionales llegó con gran éxito a las salas de cine de Argentina durante 2024. La letra podría dar algunas pistas sobre lo que le pasa a la protagonista, Lola (Maite Aguilar), una adolescente que se prepara para rendir las materias que se llevó en el colegio mientras fantasea con una posibilidad: viajar a Alemania para hacer una especie de intercambio estudiantil. Hay fe, hay juventud, hay una coraza y también mucho cansancio en ella, que mientras intenta avanzar con su plan y atraviesa algunas experiencias vitales típicas de su edad, se choca con una traba familiar. Es que su hermana mayor, Julieta (Miranda de la Serna), vive con un trastorno en su salud mental que absorbe la atención y el dinero de sus padres. 

Contada con una proximidad que hace de cada escena una situación atrapante y ubicada en 1998 (la minuciosidad de la reconstrucción se destaca en cada detalle, en cada gesto, en cada objeto), la película funciona como un retrato íntimo y también como una logradísima fotografía de época. Está la crisis de Lola, con sus silencios, con su inquietud, con sus vaivenes, y también ese tipo especial de derrumbe que son o fueron las familias de clase media en la Argentina de los ‘90, con sus agujeros, con sus dolores, con sus intentos por permanecer juntos como se pueda. 

Sismóloga de un momento –el de hacerse grandes– y de un país –el de los sueños rotos y el de los intentos por volverlos a unir–, Zanetti expone con gran sensibilidad los temblores, el deseo y las insistencias de sus personajes y su tiempo. El elenco, impecable en cada uno de los roles, se completa con María Ucedo y Walter Jakob.

Alemania, de María Zanetti, está disponible en Max.

2. El jockey, de Luis Ortega. “He aquí una película que no apela a los reflejos habituales del público mediante su narrativa, que no encaja en ningún género preestablecido, que se permite giros fulminantes, divagues aparentemente antojadizos, cohabitación de la comedia y la tragedia, formulación de enigmas que nunca tendrán explicación, profanación y también respeto hacia imágenes religiosas, Palito Ortega y Sandro y Nino Bravo en compañía de Mozart, cine dentro del cine, travesuras bizarras que las tomás o te las perdés… Una película tan pero tan ingeniosamente queer que más no se puede pedir. Para ver y apreciar con casi todos los sentidos”, sintetizó con lucidez Moira Soto en esta columna para elDiarioAR. 

Dirigida por Luis Ortega y protagonizada por Nahuel Pérez Biscayart, Úrsula Corberó y Daniel Giménez Cacho, la película sigue las peripecias de Remo Manfredini (Pérez Biscayart), una leyenda del turf un poco autodestructiva que empieza a verse en aprietos en su carrera. Está en pareja con Abril (Corberó), una jocketa que espera un hijo suyo y debe decidir entre continuar con su embarazo o seguir corriendo carreras. Hasta que un día Remo sufre un accidente, desaparece del hospital y pasa a deambular por las calles de una ciudad espectral.

Entre las escenas más impactantes del largometraje se encuentra la maravillosa secuencia de baile del comienzo entre los protagonistas. Suena Sin disfraz, de Virus, y eso que se ve se parece a un cortejo. Es que los cuerpos de los bailarines no se tocan, pero se miden como si quisieran llegar a la mínima distancia posible, se tantean como si estuvieran a punto de engancharse. Cada uno, a su tiempo, da vueltas alrededor del otro y estira el aire que los separa hasta hacerlo exiguo. Los divide un resquicio o un abismo: ese espacio ínfimo que pueden tajear en el movimiento con sus extremidades, ese toco el aire, a vos no te toco. Esa zona de promesas, ese por ahora.

Los actores principales de El jockey –o mejor, sus cuerpos– no serán los mismos después de su danza inaugural (de hecho, por distintas clases de accidentes, se golpearán, se romperán y, por fin, mutarán). Ese baile en el fondo es un anzuelo: Remo y Abril no volverán a ser tan esplendorosos como cuando bailan por primera vez y a la vez no podemos dejar de mirarlos, de acompañarlos en la fuga que sobreviene a ese inicio alucinante.

Después de varias semanas en cartel y de convertirse en una de las películas argentinas más vistas del año, El jockey desembarcó en diciembre en la plataforma Disney+.

El jockey, de Luis Ortega, está disponible en Disney+.

3. La práctica, de Martín Rejtman. Rodada íntegramente en Chile –una novedad para este cineasta, que suele ubicar sus historias en un bastante reconocible terreno porteño de clase media–, esta película sigue la historia de Gustavo (Esteban Bigliardi), un instructor de yoga argentino que vive en Santiago y enfrenta la separación de su pareja.

Como ocurre en las películas de Martín Rejtman, en La práctica hay intercambios infinitos: de objetos, de dinero, de viajes en distintos vehículos, de clases. Hay, también, varios accidentes y deslices. Se suele comentar mucho la forma en la que hablan los personajes de Rejtman, pero lo central pasa más por sus movimientos y por los tironeos a los que quedan expuestos (de hecho, La práctica está atravesada por posturas de yoga, huesos que crujen, viajes en moto, trastabilleos, temblores de la naturaleza que los sacuden).

Reconocido como una de las voces clave del cine contemporáneo, Rejtman vuelve a combinar su mirada de las situaciones cotidianas desde el absurdo, con la inteligencia que lo caracteriza para mostrar los vaivenes del deseo en los cuerpos más que en las palabras. 

La práctica, de Martín Rejtman, está disponible en Mubi.

AL/DTC

La recuperación que el negocio del cine había conseguido luego de la catástrofe de la pandemia tuvo un traspié en este 2024 que se despide entre lamentos e incertidumbre. A pesar de un buen último bimestre, con éxitos a escala global como “Moana 2”, “Gladiador II” y “Wicked”, los números de este año cerrarán por debajo de los de 2023. Si en los Estados Unidos la caída estará en el orden del 5%, en las salas argentinas el derrumbe resultará mucho peor: más de 18%.

En un año en el que en el ámbito local sólo funcionaron bien las películas animadas destinadas al consumo familiar, la concurrencia alcanzará a 35 millones de espectadores; es decir, 8 millones menos que los 43 millones de 2023, 12 millones menos que en 2019 (pre-pandemia) y 15 millones menos que el récord de 2015 (50,3 millones de personas en las salas), siempre según los datos de Ultracine.

De los cinco títulos más vistos en los cines argentinos, cuatro fueron de animación: “Intensa-mente 2” (Pixar) con 6.525.000 tickets; “Mi villano favorito 4” (Illumination) con 3.300.000; “Kung Fu Panda 4” (DreamWorks) con 1.520.000; y “Moana 2” (Disney), que se mantiene primera por estos días, ya suma 1.150.000 y tiene aún mucho espacio para crecer. La única película con actores de carne y hueso que ingresó al Top 5 fue “Deadpool & Wolverine” (Marvel), que quedó tercera con 3.045.000 localidades vendidas.

Entre las película que anduvieron muy bien en casi todo el mundo, pero no así en la Argentina aparecen desde “Duna: Parte 2”, que figura cuarta en el ranking mundial y aquí figura en el puesto 19; hasta “Beetlejuice, Beetlejuice”, pasando por la mencionada “Wicked” (el público local no es muy afecto a los musicales).

Y, mientras fracasaban muchos “tanques” de Hollywood, la realidad también fue dura para unos cuantos autores que antes eran pasión de multitudes en las salas locales: “La habitación de al lado”, film de Pedro Almodóvar con Tilda Swinton y Julianne Moore, fue visto por solo 50.000 personas, mientras que “Golpe de suerte en París”, de Woody Allen, apenas superó los 30.000 tickets. Peor le fue al mítico y generalmente exitoso Clint Eastwood: su muy buen thriller judicial “Jurado #2” ni siquiera llegó a las pantallas grandes y en breve llegará al streaming en la plataforma de Max.

Las penurias del cine argentino

El cierre de 2024 coincide también con el primer año del gobierno de Javier Milei y de Carlos Pirovano al frente del Incaa (aunque el economista asumió la presidencia del organismo recién en marzo). Y, si el panorama general del negocio cinematográfico no fue precisamente estimulante, en el caso del audiovisual argentino el balance es en todo sentido aterrador.

El cine argentino ya era desde los tiempos de la campaña electoral uno de los enemigos predilectos de los libertarios y, si bien Milei no cumplió con su promesa de cerrar el Incaa, sí se practicó un fuerte ajuste que incluyó cientos de despidos, el cierre de buena parte de los programas federales, la suspensión del fomento a la producción y un cambio en las reglas de juego que generó el rechazo unánime del sector. Este año prácticamente nadie filmó con apoyo del Instituto y, si la parálisis de la industria no fue total, es porque los gigantes del streaming como Netflix, Disney, Max y Amazon siguen produciendo películas y series dirigidas en varios casos por reconocidos cineastas como Diego Lerman, Benjamín Naishtat, Ana Katz, Lorena Muñoz, Alejandro Hartmann o Gabriel Medina.

El cine argentino ya era desde los tiempos de la campaña electoral uno de los enemigos predilectos de los libertarios y, si bien Milei no cumplió con su promesa de cerrar el Incaa, sí se practicó un fuerte ajuste que incluyó cientos de despidos y el cierre de programas federales

El cine nacional tampoco consiguió un apoyo masivo del público. Mientras se sucedían las muestras de solidaridad en el exterior y llovían los premios en los principales festivales internacionales, a nivel local las películas lucharon contra la desidia y el desinterés de una audiencia que extrañó a sus figuras más convocantes como Ricardo Darín (aparecerá en la ambiciosa serie “El Eternauta”) y Guillermo Francella (se viene la cuarta temporada de “El encargado”).

De hecho, el film argentino más visto del año fue un estreno de 2023 que se mantuvo en cartel durante las primeras semanas de 2024, como el documental futbolero “Muchachos, la película de la gente”, con 200.000 espectadores (en total sumó 1.100.000). Así, el lanzamiento más exitoso resultó “El Jockey”, largometraje de Luis Ortega con Nahuel Pérez Biscayart y la española Úrsula Corberó, con 125.000 personas, seguido por el reestreno de “Nueve Reinas”, clásico de Fabián Bielinsky, con 80.000; “Culpa cero”, de y con Valeria Bertuccelli, con 75.000; y el thriller “Jaque Mate”, con 65.000 (un fracaso rotundo para los cánones habituales de un actor popular como Adrián Suar).

Con pocas sorpresas (una de las honrosas excepciones fue “Alemania”, de María Zanetti, que convocó a más de 20.000 espectadores con una salida muy pequeña y manteniéndose varios meses en cartel), el cine nacional sufrió ataques de todo tipo: en los apoyos oficiales, en los discursos de los funcionarios y en las redes sociales.

Luego de la entrega en octubre de los premios Martín Fierro en la que se sucedieron encendidos y politizados discursos, el cine argentino encontró al mes siguiente su movida más potente desde lo artístico en Contracampo, una muestra autogestiva (organizada de forma artesanal, a pulmón, sin apoyo de organismos oficiales y ni siquiera de las entidades del sector) que tuvo sala llena en casi todas sus funciones y demostró en muchos de los 37 títulos proyectados esa calidad y diversidad que desde el Incaa se pretende combatir y destruir en nombre de la rentabilidad.

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Muchas funciones con salas semivacías, pocas visitas de figuras extranjeras y una mínima presencia de la industria audiovisual nacional. El cambio de gestión en el Gobierno nacional (en el país, en el Incaa y en la propia muestra) no generó ningún efecto benéfico en una 39ª edición del Festival de Cine de Mar de Plata, que finalizará este domingo con más pena que gloria.

Es cierto que en los últimos años el festival que presidía Fernando E. Juan Lima y dirigía desde lo artístico Pablo Conde había perdido presupuesto y, por lo tanto, una considerable cantidad de títulos y de eventos, pero siempre mantuvo una identidad, un criterio de programación y una mística cinéfila. Todo eso se extrañó en la fría, abúlica, rutinaria, burocrática primera edición libertaria con Carlos Pirovano al frente del INCAA y con Gabriel Lerman y Jorge Stamadianos como responsables de la programación.

Salvo alguna que otra función con entradas agotada (como la de “Megalópolis”, de Francis Ford Coppola, en un Auditorium de 1.000 butacas), las plateas se notaron raleadas no solo en funciones matinales o vespertinas de películas poco conocidas sino incluso en proyecciones nocturnas de varios films importantes.

Los cinéfilos se quejaron tanto del precio de los tickets (pasaron de $200 los más baratos en 2023 a $4.300 los más caros en 2024) que promediando el festival los organizadores improvisaron un descuento para jubilados que no habían previsto. Las localidades tanto para el Bafici porteño como para la muestra marplatense solían costar bastante menos que las del circuito comercial porque se supone que cada espectador ve un promedio de tres films por día y que tanto los estudiantes como los jubilados deben contar con algún beneficio adicional.

En cuanto a visitas, se destacó sobre todo la presencia española (desde Paz Vega hasta Emma Suárez, pasando por Adriana Ugarte), la participación del argentino —radicado en Los Angeles— Pablo Hellman, referencia mundial en el terreno de los efectos visuales (acompañó una proyección del musical “Wicked” y recibió un premio a la carrera) y lo más parecido a una figura de Hollywood fue la del director Jason Reitman, quien presentó en la Competencia Internacional “Saturday Night”, su tributo a los inicios del mítico programa televisivo “Saturday Night Live” y a los “próceres” de la comedia estadounidense de la década de 1970.

La oferta de cortos y largometrajes fue aún más acotada que el ya complicado año anterior (se proyectaron 168 películas contra 208 de 2023) y la presencia del cine argentino también fue mucho menor que en ediciones previas. Fue sintomático ver a varios directores y productores locales que sí aceptaron la invitación oficial evitando alfombras rojas o eventos públicos, como si sintieran culpa de haber participado en este contexto en el que la gestión de Pirovano no para de agredir a y hasta burlarse del cine (independiente) nacional. La cobertura mediática también fue mucho más limitada y menos entusiasta que en otros tiempos más esplendorosos.

Y con respecto a cine argentino y su convocatoria, al festival oficial le surgió, además, un evento que lo opacó durante varios días: Contracampo. La movida, organizada en tiempo récord y de forma colectiva y autogestiva por un grupo de directores, productores y críticos, fue un asombroso éxito de público (las 270 butacas disponibles en el Teatro Enrique Carreras no alcanzaron para cubrir la demanda para ver los 37 films que se proyectaron entre el viernes 22 y el martes 26 ) y una serie de charlas y debates en la que se analizaron las problemáticas de la producción, la exhibición y la preservación del cine nacional y hasta la propia dinámica de un Festival de Mar del Plata del que todos -más allá del boicot de este año- se reconocen como asiduos concurrentes y defensores.

Más allá del vacío que una parte significativa del sector audiovisual argentino le hizo este año al festival, se vieron en la muestra oficial algunos títulos nacionales valiosos como, por ejemplo, los dos que participaron en la Competencia Internacional: “La quinta”, de Silvina Schincer; y “El casero”, de Matías Luchessi.

En su tercer largometraje (primero en solitario) luego de las experiencias junto a Ulises Porra en “Tigre” (2017) y “Carajita” (2021), Schnicer narra las desventuras de un matrimonio que viaja con sus tres hijos a la quinta del título, pero lo que en principio parece la oportunidad ideal para el disfrute de un fin de semana largo fuera de la ciudad se convierte en algo bastante más ominoso y desgarrador. Los recién llegados descubren que la casa ha sido usurpada durante varios días por extraños y encuentran todo dado vuelta. Ese es solo el inicio de una serie de situaciones cada vez más extremas que la familia deberá enfrentar en un entorno donde además hay una presencia también amenazante de la naturaleza.

El film tiene algo de las tensiones, los secretos, el misterio y el erotismo de “La ciénaga”, de Lucrecia Martel, pero también dialoga con la Celina Murga de “Una semana solos” o la Paula Hernández de “Los sonámbulos”, aunque Schnicer les suma algunos elementos más propios del thriller psicológico y hasta del cine de terror.

Luchessi, director de “Ciencias Naturales” (2014), “El Pampero” (2017) y “Las Rojas” (2022), tiene una propuesta con bastantes puntos en común con “La quinta”. Marcela (Paola Barrientos) y su hermano Claudio (el uruguayo Alfonso Tort) viajan tras 20 años de ausencia a la antigua casona familiar en Villa Carlos Paz. Ella, que acaba de regresar al país tras separarse de su marido estadounidense, tiene entre manos un ambicioso proyecto inmobiliario para construir en el predio un hotel boutique con inversores de Florida que podrían aparecer por el lugar en cualquier momento. El, en cambio, es un dramaturgo y director teatral bastante bohemio y con un pasar económico mucho más precario y manejos algo turbios con el dinero. Ya en destino, se reencuentran con Ramón (Alvin Astorga), el casero del título, que al parecer ha mantenido el lugar alquilándolo para múltiples usos (por ejemplo, un curso de buceo en la amplia piscina contigua). Todo servido, entonces, para una película sobre las diferencias familiares y de clase que tiene como antecedente directo a a “Los dueños”, el recordado film de 2013 codirigido por los tucumanos Agustín Toscano y Ezequiel Radusky.

A nivel de cine internacional también se vieron varios largometrajes valiosos como “Vermiglio”, notable drama pueblerino ambientado a finales de la Segunda Guerra Mundial de la italiana Maura Delpero (vivió durante varios años en la Argentina, donde en 2019 filmó su ópera prima “Hogar”) que venía de ganar varios premios importantes en la reciente Mostra de Venecia; o “Peaches Goes Bananas”, íntimo, crudo, provocador y fascinante retrato que la directora francesa Marie Losier hizo de la cantautora canadiense Merrill Beth Nisker, más conocida como Peaches, artista de culto si las hay. Porque, aun con sus carencias y desniveles, los festivales como Mar del Plata siguen siendo un ámbito de descubrimiento y de actualización para algo tan vital como la formación de esas audiencias que buscan un cine que se aleje de lo complaciente, lo demagógico y lo convencional.

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El cine argentino necesitaba y se merecía un espacio como Contracampo. Organizada en tiempo récord y de manera colectiva, autogestionaria, sin presencia institucional (ni siquiera se convocó a las entidades del sector), la muestra que comenzó el viernes último y continuará hasta este martes 26 no solo se mostró como una alternativa cuestionadora al Festival de Mar del Plata y a las actuales políticas del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (Incaa) sino que consiguió construir además una identidad comunitaria y una identificación, un sentido de pertenencia.

Más que una muestra de cine, Contracampo pareció un mezcla entre festival de rock y mitín político: en medio del apoyo efusivo y hasta cierto fervor militante, se formaron largas colas para conseguir entradas (costaban $2.500 contra $4.300 en la mayoría de las funciones del festival “oficial”) y luego para ingresar. Las 270 butacas del Teatro Enrique Carreras resultaron escasas y se colgó el cartel de entradas agotadas en casi todas las proyecciones nocturnas y hasta en las trasnoches, cuando Fernando Martín Peña proyectó clásicos de Manuel Romero, Juan Berend, David José Kohon y Carlos Echeverría en copias en fílmico.

En Contramano se formaron largas colas para conseguir entradas (costaban $2.500 contra $4.300 en la mayoría de las funciones del festival “oficial”, el de Mar del Plata) y luego para ingresar

Mientras el Festival de Mar del Plata, organizado por un Incaa abiertamente hostil hacia el cine argentino (y más aún el independiente), sufría una evidente merma de público (demasiadas funciones con sala ridículamente vacías), falta de mística cinéfila (la desangelada y anodina ceremonia inaugural fue una muestra contundente al respecto) y de apoyo del sector (los pocos realizadores nacionales que aceptaron la invitación oficial trataban de pasar lo más inadvertidos posible y por lo bajo admitían cierta sensación de culpa), Contracampo se convirtió en un espacio de resistencia artística y hasta de contención emocional. Buena parte de los asistentes, habituales espectadores del festival, aseguraban que este año no pisarían las salas de la muestra oficial.

Contracampo no solo proyectó 37 films entre cortos, medios y largometrajes (varios de ellos en estreno mundial y los restantes luego de haber sido exhibidos en festivales de referencia como Berlín, Cannes y San Sebastián), con presentaciones previas de sus equipos y charlas posteriores con el público, sino que también se propuso pensar el cine, los festivales, la exhibición y la preservación: por las mañanas, la librería El Gran Pez también quedó chica para albergar a tantos interesados en participar de charlas gratuitas con temas bien actuales: “¿Un Incaa para quién?”; “¿Un cine sin pasado? La educación y la crisis del patrimonio audiovisual”; “¿Dónde se pasan y donde se ven nuestras películas? Un problema para espectadores y cineastas” y “¿Qué festival queremos?”. A esta última habían comprometido su presencia los directores artísticos de Mar del Plata, Gabriel Lerman y Jorge Stamadianos, pero a último momento la cancelaron.

Aunque desde la organización de Contracampo se evitó hablar de “contrafestival”, la pica y la grieta resultaron más que ostensibles. Aun a riesgo de contentarse con una postura endogámica y hablarles a los ya convencidos, buena parte del sector audiovisual consideró que una acción pública, política y artística como esta era lo más atinado frente a un Incaa y un festival que han hostiles y hasta crueles (el presidente del Incaa, Carlos Pirovano, dijo en una reciente entrevista en el canal de streaming libertario Carajo que como castigo les iba a hacer ver a los conductores las 100 películas argentinas que no llegaron a 1000 espectadores cada una). Más allá de ese torno de burla impropio de un funcionario y de la falacia de esas cifras (los films nacionales más pequeños recorren festivales locales e internacionales, muestras y salas alternativas que no son monitoreadas por el Incaa), se sintió como una nueva agresión, una provocación más de una gestión que está vaciando el organismo y se niega a dialogar con las entidades de la industria.

Buena parte del sector audiovisual consideró que una acción pública, política y artística como Contramano era lo más atinado frente a un Incaa y un festival que han hostiles y hasta crueles

“Estamos orgullosos de estrenar Vida céntrica en este espacio, celebro el sentido comunitario y político de esta iniciativa, que es la que había que hacer en este momento. Ojalá se repique y haya muchos Contracampos en todo el país”, sintetizó Rodrigo Moreno (“Los delincuentes”) al presentar en estreno mundial su muy artesanal película de 50 minutos codirigida con el fotógrafo Bruno Dubner. Amigos desde hace años, vienen filmando desde hace mucho tiempo en el centro porteño y en esta primera parte de varias por venir concibieron una suerte de sinfonía urbana a ritmo de jazz en el que se permiten, por ejemplo, incursionar de forma poco convencional en las pizzerías más emblemáticas de la zona.

En la función inmediatamente anterior del domingo 24 se exhibió otro registro de la Ciudad de Buenos Aires, aunque en un contexto muy diferente. En efecto, “El repartidor está en camino”, documental de ese pionero y patriarca del Nuevo Cine Argentino que es Martín Rejtman, fue rodado en plena pandemia y tiene como protagonistas a los jóvenes —en su mayoría venezolanos— que repartían comida en sus bicicletas y motos mientras buena parte de la sociedad estaba encerrada. La primera mitad del film ambientada en 2020 es extraordinaria. Luego, como suele ocurrir en el cine del director de “Rapado”, “Silvia Prieto”, “Los guantes mágicos”, “Dos disparos” y “La práctica”, la película apuesta por la deriva, por desafiar las expectativas. Rejtman viajó en 2022 a Venezuela para de alguna manera bucear allí en buscade huellas, reflejos o la contracara de ese aluvión de familias que abandonaron en masa su país y en tantos casos se radicaron en la Argentina.

Las premières mundiales de “Solo qu3r3mos un poco de amor”, lo nuevo del prolífico Raúl Perrone; y de “Las formas de la invención”, simpático y encantador retrato sobre la dinámica en un barrio popular correntino a cargo de Maia Navas; “Cuando las nubes esconden la sombra”, hermosa película del chileno José Luis Torres Leiva protagonizada por la actriz argentina María Alché (presentó el film rodado en el extremo sur del continente); “Sombra grande”, de Maximiliano Schonfeld; y dos títulos que pasaron por el último Festival de Cannes como el premiado “Simón de la montaña”, de Federico Luis; y “Algo viejo, algo nuevo, algo prestado”, de Hernán Rosselli (el máximo hit de Contracampo porque dejó más gente afuera) fueron algunos otros de los eventos destacados de una muestra con tono combativo y espíritu de rock.

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Si bien el 39º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata tuvo su inauguración oficial horas atrás, las primeras funciones en sus cuatro sedes (Auditorium, Aldrey, Chauvin y Teatro Colón) serán este viernes. Y, este mismo 22 de noviembre, desde las 11, comienzan en el Teatro Enrique Carreras las proyecciones de Contracampo, iniciativa de un grupo autoconvocado de directores, productores, críticos y técnicos del cine argentino que no solo declinaron participar de esta edición de la muestra oficial, sino que conciben ese espacio como un lugar de protesta contra la actual gestión del INCAA, así como un ámbito para el debate y la reflexión sobre la crisis del sector audiovisual.

Aunque nadie quiere hablar de duelos ni de grietas, de rebeldes ni colaboracionistas, algo de eso flota en el convulsionado ambiente del cine nacional. Por supuesto, varios directores que sí aceptaron la invitación del Festival de Mar del Plata aseguran que denunciarán el estado de las cosas en la industria cuando les toque presentar sus películas y además creen que –más allá de no comulgar con quienes hoy están a cargo de la organización– hay que defender el espacio porque corre el riesgo de ser discontinuado, algo que ya ocurrió con un festival que dejó de funcionar en 1970 y recién se retomó en 1996.

Un manifiesto político

“Nos reconocemos como público formado en y por el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata”, aseguran quienes organizan Contracampo. Sin embargo, en el manifiesto del grupo se asegura que “frente al repliegue conservador que esconde un desprecio y un desconocimiento de la historia del cine, este nuevo Contracampo se concibe como una acción en defensa del cine argentino, que se realizará en paralelo al festival para asegurar un espacio donde el cine nacional pueda manifestarse en libertad. Nace ante el descontento frente a este desguace programado y busca destacar la importancia de tener un festival que pueda conservar su autonomía y un INCAA que no coarte la diversidad de miradas y de esquemas de producción que tanto enriquece la cinematografía nacional. Contracampo es una acción política que busca abrir una plataforma de discusión frente a la amenaza que pesa sobre la libertad de expresión, la radicalidad estética, el federalismo cinematográfico y la autonomía del festival”.

Entre los 37 títulos que se exhibirán hasta el martes 26 inclusive en Contracampo (22 largos, 11 cortos y mediometrajes y cuatro clásicos de Manuel Romero, Juan Berend, David José Kohon y Carlos Echeverría en copias en fílmico), aparecen varias de las mejores películas argentinas del año, incluidas dos estrenadas en el último Festival de Cannes (“Algo nuevo, algo viejo, algo prestado”, de Hernán Rosselli; y “Simón de la montaña”, de Federico Luis), así como los más recientes trabajos de cineastas de prestigio internacional como Mariano Llinás (“Popular tradición de esta tierra”), Martín Rejtman (“El repartidor está en camino”); Rodrigo Moreno (“Vida céntrica”), Maximiliano Schonfeld (“Sombra grande”), Celina Murga (“El aroma del pasto recién cortado”), Raúl Perrone (“Solo qu3r3mos un poco de amor”) y el chileno José Luis Torres Leiva (“Cuando las nubes esconden la sombra”, protagonizado por la actriz argentina María Alché).

El festival “oficial” también presenta una amplia oferta de cine nacional. En la Competencia Internacional se verán dos producciones locales como “El casero”, de Matías Lucchesi; y “La quinta”, de Silvina Schnicer; en la Competencia Latinoamericana aparecen “1978” de Nicolás y Luciano Onetti; y “Adiós Madrid”, de Diego Corsini; mientras que entre los títulos de la Competencia Argentina figuran “Adulto”, de Mariano González; “Buenas noches”, de Matías Szulanski; “La llegada del hijo”, de Cecilia Atán y Valeria Pivato; “Lágrimas de fuego”, de Gabriel Grieco; “Retratos del apocalipsis”, de Nicanor Loreti, Fabián Forte y Luca Castello; “Romeo y Ofelia”, de Gustavo Postiglione; y “Vinchuca”, de Luis Zorraquin.

Selección internacional

El Festival de Mar del Plata, cuyas actividades continuarán hasta el domingo 1º de diciembre, ofrecerá también una selección de elogiadas películas extranjeras de reconocidos cineastas como los franceses Jacques Audiard (el film de apertura “Emilia Pérez”), Quentin Dupieux (“Le Deuxième Acte”) y Marie Losier (“Peaches Goes Bananas”), el alemán Edward Berger (“Cónclave”), el canadiense Jason Reitman (estará presente en La Feliz para presentar “Saturday Night”), la india Payal Kapadia (“All We Imagine as Light”), el coreano Hong Sangsoo (“By the Stream”), el japonés Kiyoshi Kurosawa (“Cloud”), los estadounidenses Francis Ford Coppola (“Megalópolis”) y Nathan Silver (“Between the Temples”), el iraní Mohammad Rasoulof (“The Seed of the Sacred Fig”), la italiana Maura Delpero (“Vermiglio”) y el español Jonás Trueba (“Volveréis”).

Más allá de las mencionadas discusiones en el mundillo del cine argentino respecto de si participar o no del evento y de las quejas del público por los fuertes aumentos en los precios de las entradas (el año pasado costaban entre $200 y $400 y ahora -incluyendo el service charge- las más caras ascienden hasta los $4.300), lo cierto es que esta 39ª edición, primera bajo la codirección artística de Jorge Stamadianos y Gabriel Lerman luego del desplazamiento del histórico equipo anterior, permitirá recuperar unas cuantas películas valiosas. Lejos del ideal, es cierto, pero al menos sosteniendo una continuidad que en estos tiempos aciagos para la cinefilia local ya es motivo suficiente como para celebrar.

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En medio del rechazo de diferentes personalidades de la cultura y el espectáculo, con protestas en diversos ámbitos, incluso en otros países, en defensa del cine argentino, el Poder Ejecutivo Nacional publicó este martes en el boletín Oficial el Decreto 984/2024 que modifica el artículo 30 de la Ley de Fomento de la Actividad Cinematográfica Nacional N° 17.741 y que busca, según sus argumentos, alinear los subsidios al cine con criterios de “calidad, audiencia y eficiencia”.

De acuerdo a los considerandos de la norma, “en los últimos años, el cine argentino ha registrado una caída significativa en la participación de la audiencia local”, y detallan que, en 2014, el cine nacional captaba un 17,84% del total de espectadores, cifra que descendió al 7,35% en 2023. 

A su vez, el decreto describe que, “de las 236 películas estrenadas en 2023 con apoyo del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), solo 4 superaron los 100.000 espectadores, mientras que otras 100 no lograron alcanzar los 1.000, y 4 no llegaron a 20 espectadores, incluyendo una que solo tuvo 4 espectadores”.

Según el Gobierno de Javier Milei, estos datos “son la consecuencia de un sistema de subsidios a la producción de películas nacionales que viola lo dispuesto en la ley rompiendo la relación buscada entre subsidio y audiencia”. Por ello, considera “necesario establecer ciertos criterios para permitir un manejo con mayor eficiencia de los recursos públicos destinados por el INCAA al subsidio de películas nacionales, como así también vincular el otorgamiento de los mismos a la calidad, a las posibilidades de exhibición, a la audiencia y a la recuperación de los fondos otorgados por sobre preferencias ideológicas”.

“La Ley de Fomento de la Actividad Cinematográfica Nacional determina que el subsidio otorgado en ningún caso podrá significar más del 50% del costo de producción total del proyecto, que en ningún caso podrá superar, individualmente, el 50% de cada uno de los costos de producción del mismo, y que ninguna producción podrá obtener más del 5% del total de los recursos asignados anualmente por el INSTITUTO NACIONAL DE CINE Y ARTES AUDIOVISUALES al otorgamiento de subsidios”, explica la norma.

Principales Puntos del Decreto 984/2024

1. Subsidios Basados en Recaudación Bruta de Taquilla

  - Películas sin interés especial: recibirán el 70% de su recaudación bruta de taquilla, deducidos los impuestos, hasta alcanzar el costo promedio de una producción nacional.

 - Películas con interés especial: estas películas, consideradas de alto valor cultural o artístico, podrán recibir hasta el 100% de su recaudación bruta bajo el mismo límite de costos. Se considerarán películas nacionales de largometraje de interés especial:

2. Límites de Financiamiento en Subsidios

 - Ningún proyecto podrá obtener subsidios que superen el 50% del costo total de producción y no más del 5% del presupuesto total anual del INCAA destinado a este tipo de financiamiento. Esto establece un marco más equitativo para la distribución de los recursos.

3. Revisión de Subsidios para Otros Medios de Exhibición

 - Además de los subsidios para exhibición en salas, los fondos destinados a otros formatos, como streaming o televisión, también se vincularán al nivel de audiencia alcanzado en estos medios, estableciendo una política de asignación según la popularidad real de la película en diferentes plataformas.

4. Prohibición de Adelanto de Fondos

  - El INCAA no podrá adelantar ningún subsidio sin que la película haya comprobado sus niveles de audiencia, lo que garantiza que los fondos públicos se utilicen con mayor responsabilidad y eficiencia.

5. Aplicación de los Cambios

  - La nueva normativa se aplicará a todas las películas cuyo estreno comercial sea posterior al 24 de julio de 2024, asegurando que las producciones futuras se adapten a estos nuevos requisitos de financiamiento.

Objetivo: Fomentar la Calidad y Alcanzar a la Audiencia

El Decreto 984/2024 establece una política clara que favorece a las películas con potencial de atraer una audiencia significativa, permitiendo así que el cine nacional compita en el mercado local e internacional. Al incentivar producciones de calidad y orientar el uso de subsidios hacia proyectos con alto potencial de taquilla, el gobierno argentino espera que el cine nacional recupere terreno perdido y logre una mayor visibilidad en las salas de cine y otros medios.

El decreto completo

Ranking de espectadores de películas nacionales en 2024

Ranking de espectadores de películas nacionales en 2023

Ranking de espectadores en salas argentinas durante 2024

Con información de NA.

IG

Hasta el 15 de diciembre y con acceso libre y gratuito en la Casa Nacional del Bicentenario de Buenos Aires se podrá recorrer la muestra “¡Hoy en cartelera! diálogos del cine y el teatro en 101 afiches”, pensada para rendirle homenaje “al diseño gráfico argentino y a la transformación de la comunicación visual de nuestras artes escénicas y cinematográficas, evocando momentos que se han vuelto emblemáticos de nuestra cultura”, informaron los organizadores en un comunicado. 

Pensada como un recorrido visual sobre la evolución del diseño gráfico en el cine y el teatro de la Argentina, la exhibición es organizada en la Casa Nacional del Bicentenario (Riobamba 985, CABA) por el Mercado de Industrias Culturales Argentinas (MICA), a través de su línea MICA Conecta Audiencias, de la Subsecretaría de Promoción Cultural y Artística de la Secretaría de Cultura. 

“A través de un centenar de afiches, además de talleres y conversatorios, el proyecto curatorial recorrerá los últimos cincuenta años de la comunicación visual del cine y el teatro argentino, en los que se podrá ver cómo el diseño gráfico ha sido una pieza clave para narrar su identidad”, informaron desde la organización en un comunicado.

“Se incluyen afiches icónicos como los del artista visual Edgardo Giménez, que reflejan la vanguardia del teatro oficial y, en el ámbito del cine, afiches que muestran la transformación de la industria, de los años ochenta al cine contemporáneo, acompañados de gráficas que marcaron el pulso de cada época”, agregaron.

Entre los diseñadores gráficos, artistas visuales, dibujantes e ilustradores presentes en la exposición se encuentran materiales de Alejandro Ros, Andrés Mendilaharzu, Boogieman Media, Bordenave & Cardinali, el Departamento de Diseño del Teatro General San Martín, el Departamento de Diseño Teatro Nacional Cervantes, Diego Berakha, Diego Heras, Edgardo Giménez, Estudio Lelime, Estudio Trineo, Ezequiel Black, Florencia Bembihy, Gabriela Kogan, Johanna Wolf, Juan Lo Bianco, Leandro Ibarra, Marcelo Granero, Martín Gorricho, Martín Lehmann, Nico Risso, Pablo Bologna, Romina Del Prete y Renata Schussheim.

A lo largo de la muestra, que inaugura este 5 de noviembre y podrá recorrerse hasta el 15 de diciembre, habrá distintas jornadas con charlas, talleres y mesas con entrada gratuita en las que se contará el proceso creativo detrás de varios de los materiales presentes en la exhibición. La agenda con todas las actividades se puede encontrar en este enlace.

AL/MG

La Universidad de Buenos Aires (UBA) y la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo (FADU) anunciaron la segunda edición del Festival Internacional de Cine de la UBA (FIC.UBA), que se llevará a cabo del 16 al 22 de octubre en distintas sedes porteñas. En esta ocasión el encuentro “hará foco en el diálogo entre historia, presente y futuro del cine”, según anunciaron desde la organización en un comunicado.

Mientras varias universidades nacionales se mantienen en alerta por la confirmación del veto a la Ley de Financiamiento Universitario y en la propia UBA se multiplican las manifestaciones, asambleas y clases públicas por parte de docentes y estudiantes por los reclamos que siguen sin ser resueltos, llegará esta semana una nueva edición del festival que, según los organizadores, “busca poner en valor los clásicos que formaron la identidad cinematográfica contemporánea, entendiendo que su estudio y comprensión son parte fundamental de esa construcción”. 

“El FIC.UBA 2024 propone una mirada a lo mejor de nuestra historia para resignificar su riqueza y hasta qué punto su influencia sigue vigente en la mirada de los realizadores que hoy son celebrados en todo el mundo”, informaron. 

Según lo anunciado, a lo largo del festival se proyectará más de medio centenar de películas entre la Competencia Internacional de Largometrajes (donde se destaca la participación del cineasta y guionista argentino Alejandro Agresti con el estreno de Lo que quisimos ser), la Competencia Iberoamericana de Cortos, la Competencia de Cortometrajes UBA y las distintas retrospectivas y homenajes. 

Entre las personas que serán distinguidas se revelaron los nombres de Mirtha Legrand y Héctor Olivera, de quienes se proyectarán algunas obras destacadas.

“Reina indiscutida de las producciones de la época con 36 films en su haber, de la comedia blanca al drama noir, Mirtha Legrand será homenajeada por la UBA con un Doctorado Honoris Causa. El mismo reconocimiento será otorgado a Héctor Olivera en coincidencia con el 50º aniversario de su clásico La Patagonia Rebelde (1974)”, detallaron desde el festival. Además, serán reconocidos el cineasta Daniel Tinayre, a 30 años de su fallecimiento, y el mítico estudio cinematográfico Argentina Sono Film.

“Además, el festival sostendrá su compromiso con la democracia y los derechos en la figura de la multipremiada directora e ilustradora franco-iraní Marjane Satrapi, que también recibirá un Honoris Causa de la UBA”, agregaron desde la organización.

Otro de los largos destacados que se proyectará en una de las funciones especiales del festival será Esta ambición desmedida (2023), el documental del cantautor español C. Tangana dirigido y producido por el grupo Little Spain (Rogelio González, Carlos Bacanas y Cris Trenas). La película que sigue una gira del madrileño y abrió el último Festival de San Sebastián.

Las funciones serán, en todos los casos, con entrada gratuita y tendrán como sede central a la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo (FADU) (Av. Int. Güiraldes 2160, Pabellón 3, Ciudad Universitaria), el Cine Gaumont (Av. Rivadavia 1635), el Centro Cultural San Martín (Paraná 310), el Cine Cosmos.UBA (Av. Corrientes 2046) y el estacionamiento de la FADU, donde habrá proyecciones al aire libre.

Las entradas se retiran desde media hora antes del inicio de cada función, hasta cuatro por persona, en la boletería de cada una de las sedes, informaron desde el festival.

“En esta edición, dedicada a la memoria de Manuel Antín, Honoris Causa de la UBA 2023, el público podrá acercarse a los grandes directores de hoy, los nuevos talentos emergentes y los consagrados de la época dorada del cine”, agregaron.

El FIC.UBA tendrá lugar del 16 al 22 de octubre. La programación completa se puede ver en este enlace.

AL/JJD

La película más controvertida (y también una de las mejores) de esta 72ª edición terminó ganando el máximo galardón. Se trata de “Tardes de soledad”, documental del catalán Albert Serra que generó protestas en la entrada de los cines por parte de los grupos de defensores de animales porque describe con crudeza (pero también con un inmenso nivel artístico) las corridas, centrándose sobre todo en la figura del torero peruano Andrés Roca Rey.

El triunfo de Serra, director de “Honor de cavalleria”, “El cant dels ocells”, “Historia de la meva mort”, “La mort de Louis XIV”, “Roi Soleil”, “Liberté” y Pacifiction, fue la consagración para una representación española que también obtuvo el premio a Mejor Actuación (Patricia López Arnaiz por “Los destellos”, de Pilar Palomero) y el de Mejor Dirección para Pedro Martín Calero por el film de terror “El llanto”.

Precisamente Calero fue uno de los varios premiados que subieron al escenario de la inmensa sala Kursaal y reivindicaron al cine argentino. El realizador explicó que “El llanto”, su ópera prima, es una coproducción con la Argentina que se rodó en buena parte en la ciudad de La Plata, tuvo apoyo del INCAA y contó con mitad de elenco artístico y actoral de nuestro país. “Me siendo honrado por de alguna manera ser parte de ese cine”, aseguró.

El discurso más potente, de todas formas, fue el del actor Nahuel Pérez Biscayart, quien recibió el premio a “El Jockey” como Mejor Película de la competencia Horizontes Latinos. “Las películas que me hicieron actor las filmé principalmente en Argentina y todas tuvieron el apoyo del INCAA. Si pude ser actor es porque mi país cree en la fantasía y se armaron estructuras para que esas fantasías puedan ser plasmadas, como por ejemplo la Ley de Cine. Como muchos de ustedes sabrán, y hay que repetirlo, el Gobierno argentino está empecinado en llevar a cabo un plan de destrucción de la industria nacional y con eso se lleva puesto también a la cultura y al cine argentino. Se creen muy pillos y muy militantes de la libertad, pero detrás de ese autoengaño en el que viven, de ese odio que profesan, no hay ninguna libertad; hay simplemente una profunda soledad. Podrán intentarlo, pero no nos van a destruir, no vamos a borrar nuestra memoria ni nuestro futuro. Sepan que todo el amor que nos produce juntarnos para filmar las películas de nuestro país será siempre mucho más fuerte que todo desprecio. Gracias por este premio que demuestra que el cine argentino se ve, gusta, se exporta, agrega valor, atrae inversiones y deja dinero en el país. Sí, para estos que solo ven las cosas con ojos mercantilistas”, aseguró en medio de una ovación.

El festival, que ya había organizado el martes último una jornada en apoyo al cine argentino, dedicó un largo segmento de la ceremonia -transmitida en directo por la televisión pública española (TVE)- a recopilar opiniones de varios realizadores, productores e intérpretes de nuestro país presentes este año en San Sebastián y cerró el especial con un video enviado por Ricardo Darín agradeciendo tantas y tan contundentes muestras de solidaridad.

Además de las estatuillas a “El llanto” y “El Jockey”, el cine argentino obtuvo este año el premio Sebastiane a películas de temática LGTBIAQ+, que recayó en “Reas”, de Lola Arias, una mezcla entre documental, film experimental y musical interpretado por quienes estuvieron presas y ahora, en libertad, pudieron viajar a esta ciudad del País Vasco y recibir la distinción.

El palmarés oficial se completó con el Premio Especial del Jurado para el elenco de “The Last Showgirl”, película de Gia Coppola (nieta de Francis Ford) que tiene como protagonista a Pamela Anderson (en la actuación de su vida) como una veterana bailarina de un show de cabaret en Las Vegas que está a punto de quedarse sin trabajo. Las propias Coppola y Anderson subieron emocionadas al escenario a agradecer el galardón.

Por su parte, la portuguesa -radicada en Escocia- Laura Carreira compartió con Calero la estatuilla a Mejor Dirección por “On Falling”, su extraordinaria ópera prima producida por Ken Loach que narra la cotidineidad de una mujer portuguesa (Joana Santos) que trabaja en un depósito de una compañía tipo Amazon o Mercado Libre en condiciones laborales muy “desreguladas”. Finalmente, el francés François Ozon consiguió dos premios con “Quand vient l'automne” (“Cuando cae el otoño”): el de Mejor Guion y el de Mejor Intérprete Secundario para Pierre Lotin.

Más allá de los premios (fue muy bueno el palmarés por parte de un jurado en el que participó la escritora argentina Leila Guerriero), la 72ª edición tuvo distinciones a la trayectoria para Pedro Almodóvar -con la presencia del presidente español Pedro Sánchez en el evento-y para la actriz australiana Cate Blanchett; y otras visitas ilustres como las de Monica Bellucci, Johnny Depp, Andrew Garfield, Isabelle Huppert, Noémie Merlant, Ángela Molina, Franco Nero, Lupita Nyong’o, Charlotte Rampling, Tilda Swinton y de directores como Jacques Audiard, Tim Burton, Sean Baker, Edward Berger, Leos Carax, Costa-Gavras, Audrey Diwan, Arnaud Desplechin, Mati Diop, Coralie Fargeat, Payal Kapadia, Dea Kulumbegashvili, Mike Leigh, Joshua Oppenheimer, Mohammad Rasoulof, Walter Salles o Paolo Sorrentino, por citar solo algunas.

A nivel artístico, además de las excelentes retrospectivas sobre cine policial italiano y sobre cine cubano con muchas copias restauradas para la ocasión, se vieron gran cantidad de películas sobre el tema de la muerte digna, enfermedades, degradaciones, cuidados paliativos y eutanasia: desde “La habitación de al lado”, brillante film de Almodóvar con Tilda Swinton y Julianne Moore; hasta “El último suspiro”, del nonagenario Costa-Gavras, pasando por la citadas historias de Pilar Palomero y François Ozon, la china “Bound in Heaven”; el film de clausura “We Live in Time”, con Florence Pugh y Andrew Garfield; y varios títulos más que se dieron en otras secciones (“Los últimos románticos”, “My Eternal Summer”, “Regretfully at Dawn”, “Los domingos mueren más personas”, “Por todo lo alto”, “Oh Canadá” y “Cuando las nubes esconden las sombras”).

En el antepenúltimo año al mando de José Luis Rebordinos, director desde 2011, San Sebastián se ha consolidado con esta 72ª edición como uno de los grandes festivales europeos. Nunca llegará a ser como Cannes, Berlín ni Venecia, pero luego de ese tridente aparece con dignidad una muestra que tiene muchos recursos, una buena y variada programación, mucho apoyo del público y sponsors, y una excelente organización (sumada a una predisposición poco frecuente a solucionar cualquier detalle o imponderable que pudiera surgir). Un festival orgullosamente progresista y humanista (el único spot que se vio siempre antes de las proyecciones es sobre la Agenda 2030) en un mundo que no deja de girar hacia la derecha. Sí, hoy por hoy, una auténtica rareza.

DB/DTC

La película argentina El jockey, dirigida por Luis Ortega y protagonizada por Nahuel Pérez Biscayart y la actriz española Úrsula Corberó, ganó este sábado el Premio Horizontes Latinos del 72 Festival de San Sebastián. 

El Jockey representará a Argentina en la carrera por los Premios Oscar, de la Academia de Hollywood, y los Goya, de la Academia del Cine español.

El filme cuenta la historia de un jockey legendario con un comportamiento autodestructivo que pone en peligro su vida y su relación con su novia, y que termina siendo perseguido por un grupo peligroso.

Uno de los actores que participó de la película fue Daniel Fanego, que murió el pasado 19 de septiembre, por lo que todo el equipo le dedicó un cálido homenaje durante su estreno del pasado sábado en San Sebastián.

CRM con información de la agencia EFE