El colectivo Anna's Archive, un grupo activista para “preservar el conocimiento y la cultura de la humanidad”, aseguró que extrajo unos 300 TB de datos de la plataforma Spotify, formando un archivo que comprende 86 millones de archivos de audio y 256 millones de metadatos, entre los que se incluyen nombres de artistas y títulos de álbumes. Según este colectivo, la cifra representa el 99,6% de la música consumida de forma habitual por los usuarios del servicio.

Spotify confirmó que detectó un acceso irregular a sus sistemas. La plataforma se encuentra investigando el suceso y comunicó la desactivación de una serie de cuentas de usuario que cree que están implicadas en la extracción de información. “Una investigación sobre acceso no autorizado identificó que un tercero extrajo metadatos públicos y utilizó tácticas ilícitas para eludir la DRM [gestión de derechos digitales] para acceder a algunos de los archivos de audio de la plataforma”, declaró la plataforma.

Desde Anna's Archive afirman que ya publicaron a través de torrents (un archivo o enlace que permite descargar contenidos entre usuarios) los metadatos extraídos de Spotify, así como las imágenes de las portadas y los análisis de audio de las canciones.

Aunque el inventario de Spotify supera los 100 millones de canciones, la empresa indicó que la filtración no constituye la totalidad de su catálogo. Como respuesta al incidente, la plataforma reforzó sus protocolos de seguridad y mantiene la vigilancia sobre comportamientos en su infraestructura para detectar nuevas incursiones.

“El patrimonio musical estará a salvo de la destrucción”

Anna's Archive justifica la publicación de los datos como un proyecto de preservación destinado a proteger el patrimonio cultural ante posibles desastres o conflictos que limiten el acceso a la música. El grupo funciona como un motor de búsqueda que facilita el acceso y descarga de materiales protegidos con derechos de autor. En países, como España, el acceso a su página web se encuentra bloqueado por las operadoras, debido a reclamos de copyright.

“Por ahora, se trata de un archivo exclusivo para torrents destinado a la conservación, pero si hay suficiente interés, podríamos añadir la descarga de archivos individuales desde Anna's Archive. Por favor, hágannos saber si les gustaría que lo hiciéramos”, afirma el colectivo en su comunicado, que pide compartir los torrents para “ayudar a conservar los archivos”.

“Con su ayuda, el patrimonio musical de la humanidad estará protegido para siempre de la destrucción causada por desastres naturales, guerras, recortes presupuestarios y otras catástrofes”, sostienen. Otros usuarios y especialistas, no obstante, recalcan cómo este material protegido ahora puede ser accesible no solo para usuarios, sino también para empresas y organizaciones, que pueden utilizarlo para el entrenamiento de la inteligencia artificial.

La filtración coincide con un periodo de tensiones entre la plataforma y los creadores. Recientemente, grupos como Massive Attack retiraron su catálogo del servicio debido a las inversiones de su fundador en tecnología de uso militar. La recolección de volúmenes elevados de datos para su procesamiento posterior es un patrón identificado por especialistas en el análisis de las estructuras de captura de información de las redes sociales actuales.

A pocos días de terminar 2025, toca hacer balance del año. Y Spotify se encarga de pasar revista en el ámbito musical con su ya tradicional Wrapped, un resumen anual de los hábitos de escucha del usuario, una especie de informe en el que recopila los minutos totales escuchados, las mejores canciones, los artistas preferidos, los pódcast favoritos y los géneros que no podemos dejar de escuchar día tras día, en el gimnasio o de camino al trabajo. 

Esos fueron los datos clásicos hasta la fecha. Sin embargo, el Wrapped 2025 viene cargado de novedades y quizás la más llamativa sea que Spotify calcula ahora la edad de escucha del usuario. Hay de todo: personas de 32 años que, según la plataforma, tienen gustos musicales de gente de 64 y viceversa; y usuarios que respiran aliviados porque la edad que les aparece coincide con la que realmente tienen. 

Pero, ¿cómo recopila y calcula Spotify todos estos gustos musicales? ¿De qué forma determina la edad de escucha? La plataforma detalló en un comunicado las pautas que sigue para recopilar todos estos datos, los filtros que utiliza y cómo da su valoración final en el caso de establecer una edad, quizás el dato más controvertido de todos y que generó todo tipo de comentarios en redes sociales. 

Así calcula Spotify tu Wrapped 2025 

Wrapped captura tu experiencia auditiva de 2025 tomando de referencia el periodo que va desde enero hasta mediados de noviembre. La información está disponible desde el pasado 3 de diciembre. 

Para obtener el Wrapped 2025 deben cumplirse una serie de requisitos, como haber reproducido al menos treinta canciones durante más de treinta segundos cada una y haber escuchado al menos a cinco artistas diferentes durante el año. La plataforma ofrece este resumen a todos los usuarios, tanto si tienen la versión gratuita como si disfrutan de la premium. 

En el caso del total de minutos escuchados, se incluye todo, tanto las sesiones en modo privado, como el contenido marcado como Excluir del Perfil de gusto e incluso pistas filtradas de las historias basadas en gustos de Wrapped como ruido blanco. Al final, la plataforma muestra el tiempo real de escucha, no la duración del contenido. Por ejemplo, si se escucha un pódcast al doble de velocidad, solo contabiliza los minutos reales que se emplean. 

La edad de escucha de Spotify 

Algo más subjetivo es la edad de escucha, que no tiene que coincidir con la que realmente tiene el usuario, que puede tener 30 años pero tener gustos musicales de una persona mucho mayor. Spotify se basa en la idea del “golpe de reminiscencia”, la tendencia a sentirte más conectado con la música de los años más jóvenes. 

Pero, ¿cómo se obtiene esta cifra? Primero, se fijan en las fechas de lanzamiento de las canciones escuchadas. Después, se identifica el período de cinco años de música con el que el usuario interactuó más que otros oyentes de la misma edad. “Nuestra hipótesis es que este lapso de cinco años coincide con tu ‘incremento de la reminiscencia’, asumiendo que tenías entre 16 y 21 años cuando se lanzaron esas pistas”, señala la plataforma.

Eso explica por qué las personas jóvenes obtienen edades de escucha elevadas. Por ejemplo, si se escucha mucha música de los 70, seguramente tenga 63 años, en cuanto a gustos musicales. Spotify lo define como un ejercicio “lúdico” y así se lo tomaron algunos usuarios. 

En cuanto a las canciones favoritas, no hay misterio: las clasifica según la frecuencia. Respecto a los géneros musicales, toma de referencia los que aparecen en las canciones y muestra, al menos, tres tipos. En el caso de los artistas, hay varias opciones y una de ellas es la carrera a lo largo del año, en el que muestra la progresión de los más escuchados según los meses y el podio final. 

Al final, con estos y otros muchos datos, el usuario obtiene su particular resumen musical, que no calificación. Un balance de canciones, artistas, géneros y pódcast que marcado su 2025. 

El legendario dúo Massive Attack, formado por los músicos Grand 'Daddy G' Marshall y Robert Del Naja, decidió unirse a la campaña No music for genocide y, en consecuencia, retirar su música de todas aquellas plataformas, eventos y festivales en los que se demuestren vínculos económicos o ideológicos con el genocidio de Gaza.

El primer paso fue pedir a su discográfica la retirada de su catálogo de la plataforma Spotify. La razón: las inversiones reveladas del director general de la empresa, Daniel Ek, a través de su empresa Materia Prima, en diversas empresas de tecnología vinculadas a la industria militar israelí. En concreto en la compañía alemana de defensa Helsing, que vende software al ejército israelí que utiliza inteligencia artificial en decisiones militares.

“En 1991, el flagelo de la violencia del apartheid se desvaneció en Sudáfrica, impulsado a distancia por boicots públicos, protestas y la retirada de obras de artistas, músicos y actores”, comienza diciendo el dúo en un comunicado publicado en su página de Instagram. “La complicidad con ese Estado se consideraba inaceptable”, prosigue Massive Attack, que seguidamente agrega: “En 2025 lo mismo ocurre ahora con el estado genocidio de Israel”.

“A día de hoy, hay un equivalente de músico a la recientemente anunciada campaña @filmworkers4palestine (firmada por 4.500 cineastas, actores, trabajadores de la industria e instituciones)”, prosigue el comunicado en referencia a la iniciativa @nomusicforgenocide, apoya las peticiones más amplias Palestinian-led Boycott, Divestment & Sanctions movement.

“Hacemos un llamamiento a todos los músicos para que transfieran su tristeza, ira y contribuciones artísticas a una acción coherente, razonable y vital para poner fin al indescriptible infierno que se visita sobre los palestinos hora tras hora”, finaliza el comunicado de Massive Attack.

La banda también especificó su contribución: “En apoyo a la iniciativa No Music For Genocide, Massive Attack hizo una solicitud formal a nuestro sello discográfico (Universal Music Group) para que nuestra música sea retirada de todos los servicios de streaming (DSP) en el territorio de Israel”.

A esta primera acción, le siguió otra inmediata exigiendo al sello que su música no esté presente en ningún territorio en Spotify por “las (reportadas) inversiones de su CEO en una empresa que produce drones militares de municiones y tecnología de IA integrada en aviones de combate”. Massive Attack es la primera formación vinculada a un gran sello que toma esta decisión.

El pasado julio Massive Attack y Brian Eno anunciaron una alianza de músicos que “denuncian el genocidio en Gaza” para protegerse de las acciones legales de la justicia británica tras las acciones legales contra el grupo de rap Kneecap. Adicionalmente, hace dos noches Brian Eno logró un lleno total en el concierto por Palestina que organizó con decenas de artistas como Benedict Cumberbatch, Florence Pugh y Annie Lennox.

Desde que el periódico británico Financial Times hiciera unas revelaciones sobre las actividades empresariales de Daniel Ek, fundador y director general de Spotify, algunos músicos decidieron abandonar la plataforma. Ese periódico reveló que Ek estaba llevando a cabo una inversión de 600 millones de euros en el fabricante alemán de drones Helsing por mediación de Prima Materia, una empresa fundada por él y por el principal inversor en Spotify, Shakil Khan, en 2020.

En ese movimiento financiero, la empresa de inversión del fundador de Spotify valoró al grupo tecnológico de defensa alemán en 12.000 millones de euros, convirtiéndola en una de las empresas emergentes más valiosas de Europa. Con sede en Múnich, Helsing lleva tiempo desarrollando software de inteligencia artificial para producir sus propios drones, aviones y submarinos de guerra, beneficiándose del creciente flujo de inversiones hacia las empresas de defensa. El tenso escenario geopolítico está impulsando a los países de todo el mundo a incrementar su gasto militar y replantear soluciones tecnológicas en el campo de batalla.

Prima Materia ya había realizado una primera inversión significativa en Helsing en 2021, meses antes de la invasión de Rusia a Ucrania. Ahora, Ek redobla la apuesta y valora a Financial Times que la aceleración de su inversión se debe al uso de tecnologías de guerra mejoradas con inteligencia artificial y de drones: “No podemos subestimar las implicaciones que esto tiene para este conflicto [en Ucrania] o, en realidad, para cualquier conflicto futuro”.

Entre los grupos que se han posicionado en contra, el trío musical Xiu Xiu, que construyó una sólida reputación por su honestidad lírica y su trabajo experimental en la escena posindustrial desde los 2000. La banda anunció hace unos días que estaba trabajando en eliminar toda su música de la plataforma debido a la “inversión en drones de guerra con inteligencia artificial”. Junto con el titular “Spotify usa el dinero de la música para invertir en drones de guerra”, Xiu Xiu publicó en Instagram un comunicado en el que afirmaba estar en proceso de sacar todo su catálogo del “agujero de basura violento y apocalíptico de Spotify”: “Por favor, cancela tu suscripción”.

Según el portal especializado Consequence, la banda recibió “apoyo total” de sus tres sellos principales, Polyvinyl, Kill Rock Stars y Graveface. Sus pasos los continuó recientemente el grupo australiano King Gizzard & the Lizard Wizard, influyente dentro del rock psicodélico, que difunde el siguiente lema: “A la mierda Spotify”. Una decisión que llegó poco tiempo después de que el grupo californiano Deerhoof, con más de 20 años de trayectoria y reconocido por sus discos rock, se retirara de la plataforma por la misma razón. “No queremos que nuestra música mate a la gente. No queremos que nuestro éxito esté ligado a la tecnología de combate de IA”, declaró en un comunicado.

“Con el tiempo, los artistas querrán abandonar esta estafa de minería de datos, ya ampliamente odiada, que se hace pasar por una 'compañía musical'. Es espeluznante para los usuarios y horrible para los artistas. La creación musical perdura para siempre, pero este o cualquier otro plan digital para hacerse rico rápidamente acabará quedando obsoleto”, agregó Deerhoof a través de Instagram.

Las consecuencias de abandonar Spotify

“Una de las afirmaciones que se suelen hacer sobre Spotify es que, en teoría, permite que cualquiera que se registre pueda descubrir tu música, por muy lejos que esté de los autoproclamados centros de la modernidad. Pero el hecho de que alguien esté lejos de los guardianes occidentales no significa que carezca de cultura o que necesite escuchar a nuestra banda”, escribió la banda en su comunicado. “No somos capitalistas y no queremos conquistar el mundo. Especialmente si el precio de 'ser descubierto' es permitir que los oligarcas llenen el mundo de armamento informatizado”, añadió, agradeciendo a su discográfica el apoyo. “Sabemos que les estamos pidiendo un sacrificio, y eso significa mucho para nosotros”, confesó la banda.

El mensaje de Deerhoof hace hincapié en un detalle importante: las graves consecuencias a las que se enfrentan los artistas si quitan su música de Spotify, una plataforma que ya de por sí les genera poco dinero. “Tenemos el privilegio de que fuera una decisión bastante fácil para nosotros, pues paga una miseria y ganamos mucho más con las giras. Pero entendemos que otros artistas y sellos dependen de Spotify para una mayor parte de sus ingresos, y no juzgamos a aquellos que no pueden hacer lo mismo a corto plazo”, declaró el grupo.

Joyful Noise Recordings, el sello discográfico de varios de los lanzamientos de Deerhoof, apoyó la decisión de la banda de abandonar Spotify. “Desde los inicios del streaming, los artistas y sellos independientes se han visto obligados a colaborar con diversas entidades digitales para sobrevivir. Entidades que a menudo se financian con fuentes que no se alinean con nuestros valores”, escribió Joyful Noise. Según el portal Music Business Worldwide, Daniel Ek habría ganado 800 millones de dólares solo con acciones en Spotify desde mediados de 2023. Ahora, los artistas reclaman que ese dinero, logrado principalmente por los suscriptores, se destine a causas inmorales para muchos de ellos.

Spotify es una vergüenza. No crea nada, falta al respeto a los artistas y no es más que un cártel aliado con las grandes discográficas, un puñado de megaestrellas y ahora también trata de aliarse con la IA y la maquinaria bélica.

James Kennedy — Artista, músico y escritor

También Rubén Albarrán de la banda mexicana Café Tacuba llamó a boicotear Spotify por esta razón. A través de un video difundido en sus redes sociales, advirtió sobre el peligro de normalizar este tipo de inversiones, que podrían estar siendo utilizadas actualmente “en contra de los niños en Sudán, en el Congo, en Palestina, en Ucrania”. “Esto es guerra en contra de la humanidad”, declaró.

El músico Morris Mills declaró en Instagram haber alertado a su distribuidor de eliminar todo su perfil de la plataforma de streaming y pide a la industria actuar en consecuencia: “Los actores y guionistas se unieron: meses de huelga luchando contra la explotación de la IA y por salarios justos. Y lograron un cambio real. ¿Por qué los músicos no podemos hacer lo mismo?”. Mills enfatizó que “es hora de que los artistas, los productores, los sellos independientes y los fans se unan y digan: ‘Basta’”. “Esto no es solo una falta de respeto. Es una injusticia económica. Eliminé mi música de Spotify, no porque me haya rendido, sino porque estoy plantando cara”, publicó.

Asimismo, el músico y productor James Kennedy, que reside en Gales, Reino Unido, y que tiene décadas de experiencia en la industria musical, lleva tiempo exponiendo la cara oculta del sector a través de publicaciones y apariciones en artículos de portales de música especializados como NME y Guitar Magazine, donde abordó las preocupaciones de los artistas con la salud mental, la política y las discográficas. Esto también lo hizo en convenciones musicales y en su reciente obra Loud Medicine, convirtiéndose en una de las voces más reivindicativas del panorama internacional y abogando por los derechos de los músicos y los cantantes.

En conversación con elDiario.es, Kennedy valora que “Spotify es una vergüenza”: “Representa todo lo malo de la industria musical. No crea nada, no invierte nada en las artes, no respeta a los artistas y no es más que un cártel aliado con las grandes discográficas, un puñado de megaestrellas, y ahora también intenta aliarse con la inteligencia artificial y la maquinaria de guerra”.

Artistas comprometidos como la banda de postrock canadiense Godspeed You Black Emperor! utilizaron sus propios discos para llamar la atención sobre las vinculaciones de la industria musical con la armamentística hace más de dos décadas. La portada del disco de 2002 Yanqui U.X.O. mostraba un análisis que vinculaba empresas como AOL Time Warner (ahora Warner Media, propietaria de sellos como Elektra o EMI) con la empresa de armamento Raytheon (ahora RTX Corporation).

La banda canadiense, un referente para grupos actuales como los citados Deerhoof, siempre se mostró muy concienciada sobre el contexto político y, aunque aún no se pronunció sobre el boicot de numerosos artistas a Spotify por las inversiones de su creador, trató de ser reivindicativa con su arte. En 2024, su octavo álbum de estudio tomó por nombre No Title as of 13 February 2024 28,340 Dead (Sin título a fecha de 13 de febrero de 2024 28.340 muertos). El título es el número de personas que habían sido asesinadas en Gaza a día 13 de febrero del año pasado, que fue cuando terminaron de grabar el disco.

Ahora, las inversiones de Daniel Ek en Helsing a través de su empresa Prima Materia no solo ponen en alerta a los artistas cuya música está en Spotify y consideran inmoral continuar en la plataforma, sino a muchos usuarios que no saben a qué causas y empresas se destina el dinero con el que pagan su suscripción. “Por favor, no escuches mi música ahí. No escuches ninguna música ahí”, reclama James Kennedy. “Boicoteá, evitá, condená y decile a los demás que hagan lo mismo, en voz alta”, concluye. Este periódico trató sin éxito de ponerse en contacto con Prima Materia para obtener información adicional.

La cantante Lali Espósito volvió a ser blanco de ataques de libertarios tras el lanzamiento de su nueva canción, “No me importa”. Trolls libertarios, liderados por Daniel Parisini (Gordo Dan), llamaron a boicotear a la plataforma Spotify luego de que esta promocionara el tema. Lo que lograron es darle aún mayor visibilidad y que se convirtiera en uno de los más escuchados.

“Lali madre de todxs lxs argentinxs”, publicó la plataforma de música en X, tras lo cual seguidores del presidente Javier Milei, quien desde hace meses se enfrenta a la artista, comenzaron a realizar un ataque coordinado primero pidiendo a la plataforma que baje el tuit y luego llamando a cancelar las suscripciones para migrar a YouTube Music. “Ya mismo me doy de baja” o “Lali no es mi mamá” fueron algunos de los comentarios más repetidos.

En parte, reaccionaron enojados por el lenguaje inclusivo del mensaje pero también porque Spotify promocionara a una artista que detestan. Otros militantes libertarios llegaron incluso a acusar a la plataforma de promover el “progresismo” o el “wokismo” por promocionar a una artista que es una clara defensora del derecho al aborto legal. A la campaña se sumaron figuras cercanas a Milei, como el legislador de la Ciudad de Buenos Aires Ramiro Marra, el director de Comunicación Digital Juan “Doe” Carreira y el director de Realización Audiovisual Santiago Oría.

En consecuencia, “No me importa” no solo fue escalando posiciones en Spotify, sino que también creció cada vez más en YouTube Music. El tuit de Spotify no solo no fue borrado sino que fue replicado y likeado miles de veces, lo que llevó a “No me importa” a ser tendencia. La canción, segundo single de su nuevo disco después de “Fanático”, se filtró durante el fin de semana, tras lo cual la cantante decidió recorrer las calles de Buenos Aires para promocionar personalmente el lanzamiento.

Cuando este miércoles se le consultó por la polémica, el portavoz presidencial, Manuel Adorni, se desentendió del tema: “Por supuesto que estoy al tanto que hubo un conflicto con una plataforma, pero no entiendo quiénes hicieron eso. Nosotros siempre apelamos al sentido común, a la libertad, y dentro de esa libertad, si alguien quiere darse de baja en una plataforma, está invitado a hacerlo. No lo sé. No veo nada de malo en eso”.

El vocero consideró que en las redes se debe ejercer la libertad sin agresiones: “En lo personal, no debe existir ni agresión, ni amenazas, ni atentar contra la libertad, la vida, las características personales ni la propiedad de las personas”. “Habiendo tantas redes sociales, todos tenemos la libertad de participar en algunas y no en otras. Me parece que está bueno también que pase, que empecemos a aceptar que la libertad no son solo beneficios, sino que trae también detrás de los beneficios de la libertad, la responsabilidad de tener que elegir y el riesgo de equivocarse”, añadió.

Las marcas Coca-Cola y Oreo se han unido como “besties” para crear dos productos de edición limitada: Galletita Rellena Oreo Coca-Cola y Coca-Cola Oreo Zero Edición Limitada. En esta colaboración, Mondelez International y Coca-Cola fusionan creatividad y tecnología. Galletita Rellena Oreo Coca-Cola y la Coca-Cola Oreo Zero Edición Limitada estarán disponibles hasta agotar stock y ofrecerán diferentes experiencias. Ambos productos están decorados con los distintivos relieves de las galletas Oreo y las botellas apiladas de Coca-Cola. Las galletitas posees dos bases de chocolate combinadas con el sabor a Coca-Cola. Las tapas están estampadas con diseños de Coca-Cola y rellenas de crema blanca.

Alianza con Spotify

En colaboración con Spotify, ambas marcas presentan la “Experiencia Digital Bestie Mode”, una experiencia musical diseñada para que mejores amigos y amigas combinen sus gustos musicales y disfruten juntos. También se invitará a los usuarios de Spotify Free a acceder a la experiencia bestie a través de una promoción en la plataforma. Una vez conectados a una cuenta de Spotify, los fans recibirán una serie de preguntas para comparar sus gustos musicales con los de sus amigos. Se generará una lista de reproducción con las preferencias musicales combinadas para que los mejores amigas y amigas disfruten juntos.

Ambos productos estarán disponibles a partir de septiembre en las tiendas y en los mercados participantes, incluidos Estados Unidos, Canadá, China, México, Argentina y Brasil, entre otros.

Spotify despidió el 4 de diciembre a 1.500 trabajadores (el 17% de su plantilla) en lo que parece un reajuste empresarial en pos de la viabilidad económica de un negocio cada día más en entredicho. Uno de ellos era Glenn McDonald, conocido como el alquimista de los datos. Aquel día se conectó por videollamada con un superior que en 10 minutos le comunicó la difícil decisión que había tomado la empresa y los detalles de su fulminante despido. Llevaba una década desarrollando proyectos de identificación, sistematización e interconexión de canciones en el infinito archivo sonoro de la plataforma de streaming musical más voluminosa e influyente del planeta.

Nacido en Texas hace 56 años, McDonald fue uno de los impulsores de Echo Nest, una startup creada en 2008, cuando Spotify aún no operaba en Estado Unidos. Por aquel entonces, Echo Nest ofrecía análisis de datos a emisoras de radio e incluso a MTV. Cuando en 2014 Spotify vio que no podía desarrollar por sí misma herramientas a partir de sus analíticas internas, absorbió Echo Nest y McDonald pasó a integrarse en su plantilla. Este ingeniero vio desde dentro la evolución del mercado del streaming y finalmente fue una de sus víctimas más lloradas; proyectos tan vistosos como el mapa de estilos Every Noise At Once le habían granjeado cierta fama como taxonomista sonoro.

Estos días anda ultimando You have not yet heard your favorite song (Aún no has escuchado tu canción favorita), un libro en el que tratará de explicar cómo el streaming altera nuestra relación con la música. Tras su fulminante despido, el alquimista de Spotify accedió a hablar con elDiario.es.

-¿Cuál era su trabajo en Spotify?

-El nombre burlón de mi cargo era ‘alquimista de datos’, un poco al estilo de los científicos de datos. Pero si un científico busca la verdad, yo más bien manejo ingredientes y transformo unas cosas en otras. Había otra definición que precisaba que mi trabajo era experimentar con todas las posibilidades que surgen al estudiar los datos. En teoría, mi labor era idear prototipos que los equipos de ingenieros pudieran transformar en herramientas. En la práctica, quizá esos equipos estaban centrados durante seis meses en otro proyecto y mi trabajo fue plantear proyectos que pudiera desarrollar por mi cuenta y que impulsé porque creía que eran interesantes o valiosos para los usuarios.

-¿Y el trabajo de escuchar nueva música?

-¡Claro! Cada semana rastreo miles de nuevos lanzamientos tanto porque quiero conocerlos por mí mismo como por ejercer un control de calidad. Miraba listas de novedades ordenadas por géneros y detectaba errores en la categorización por estilos o en las fechas de lanzamiento. Por un lado, comprobaba si en una lista de lanzamientos de discos de metal, por ejemplo, todos los discos eran de ese género y, por otro, detectaba si faltaba alguno. Para ello tenés que conocer el género. De otro modo, no notarás que falta el nuevo de Within Temptation, por ejemplo. Y si no sale en la lista tenés que descubrir por qué.

-Parte de su trabajo era etiquetar la música, detectar estilos nuevos y, llegado el caso, darle un nombre para que el usuario pudiera llegar a él. ¿Cree que el principal objetivo de Spotify es que sus usuarios estén lo mejor informados posible sobre todas la músicas que hay en su catálogo?

-Spotify es un negocio. Su principal objetivo es hacer dinero. Otro objetivo es satisfacer a sus usuarios, sean suscriptores o no. Respecto a si tenerlos bien informados es un factor imprescindible para satisfacerlos o no lo es, esa ya es una pregunta complicada. Yo pienso que debería ser así, pero no sé si Spotify piensa igual. Deberías preguntar a algún portavoz de la empresa.

-Déjeme ser más específico. ¿Usted creó la herramienta para relacionar unos grupos con otros ‘Sus fans también escuchan’?

-La idea no es mía, pero trabajé en ella en Echo Nest y esa versión de Echo Nest es la que tomó Spotify. Más adelante yo la reelaboré y, sí, la que funciona actualmente, hasta que la cambien, era una de mis principales labores.

-Esa función muestra una veintena de artistas similares, pero la lista podría ser de 250. ¿Bajo qué criterio se escogen esos 20 y no otros?

-Hay un mecanismo de puntuación y aparecen los 20 que obtienen más puntos. Es matemática: una combinación del número de fans compartido por ambos artistas y la proporción que representa esa coincidencia en el cómputo total de seguidores de cada artista. No los selecciona una persona. Pero soy yo quien establece ese equilibrio tras muchos análisis, repeticiones y comparaciones entre posibles resultados. Por tanto, no es algo objetivo en el sentido de que haya una sola respuesta posible, pero no hay manipulación humana.

-¿Cree que los algoritmos trabajan cada vez menos para el usuario?

-Es un asunto complicado porque existen muchos algoritmos. Mi tipología de algoritmo favorita es simple matemática con variables que los humanos controlamos y variamos. Me gusta trabajar creando un algoritmo que produce unos resultados concretos y evaluarlos en comparación con distintos ejemplos. Cuando trabajaba en el algoritmo de ‘sus fans también escuchan’, estudiaba el resultado en cientos de estilos musicales. ¿Cómo varían los resultados de Taylor Swift si altero el algoritmo? ¿Y los de black metal noruego? ¿Y los de un grupo de punk-pop filipino? ¿Y los de Mozart? ¿Y los de Duke Ellington? Cada género tiene patrones de escucha distintos. Si el algoritmo es tan complicado que no podés ajustarlo con variaciones, o si el algoritmo está ideado para maximizar el tiempo de escucha o para repetir escuchas, es más complicado pulirlo desde la reiteración o saber si lo estás mejorando o no.

Cuando trabajaba en el algoritmo de ‘sus fans también escuchan’, estudiaba el resultado en cientos de estilos musicales. ¿Cómo varían los resultados de Taylor Swift si altero el algoritmo? ¿Y los de black metal noruego? ¿Y los de Mozart?

-En cualquier caso, cada día intervienen más en nuestra escucha.

-Las escuchas de 500 millones de personas a través de los servicios online expresan el gusto humano y la sabiduría colectiva. Para mí eso es un recurso enorme. Mi objetivo es intentar que este universo musical se autoorganice, mostrar patrones de escucha y atender a usuarios y artistas para que toda esa música sea explorable y que los fans de un artista puedan bucear más y más. Eso nunca pasaría de forma natural. Los algoritmos intentan que ese espacio sea más explorable, que el servicio no se limite a buscar un artista y encontrarlo. Eso está bien para un servicio online de bibliotecas, pero es rascar la superficie del potencial que supone disponer de toda la música online a la vez.

-¿Spotify debería funcionar como una biblioteca? Las bibliotecas parecen espacios culturalmente neutrales. O más neutrales que Spotify.

-Ni siquiera una biblioteca pública es solo un archivo de libros. También hay estrategias para visibilizar más unos libros que otros cuando en las estanterías se exponen más visiblemente los de un autor del que se cumple algún aniversario. Es una forma de dar mejor uso a libros por los que la gente tiene más curiosidad. Todo eso es más sencillo en un servicio musical online. No existen las barreras físicas de la biblioteca y podés conectar todo el catálogo para que la gente pueda descubrir cosas que ni siquiera conoce. En las bibliotecas públicas hay una titularidad pública. En Spotify, no: ahí hay unos intereses económicos. Pero mi trabajo nunca se guió principalmente por imperativos empresariales. Intentaba que los usuarios estuvieran felices y conectados a su quehacer musical. Y si ayudás a que la gente explore y descubra música que les guste, escuchará más música y seguirá conectada. Así que, sí, muchas herramientas de Spotify están indirectamente ligadas a objetivos económicos.

-Califica Spotify como una estructura de poder.

-Nunca me encargué de la parte económica porque me importa más la gente y la música que los márgenes de beneficio. Pero todas las empresas involucradas en este negocio, sean sellos, distribuidoras o Spotify, están centradas en obtener esos beneficios. Y los artistas que intentan ganarse la vida son parte de ese beneficio. Spotify es necesariamente una estructura de poder económico. Y es lo normal. Es capitalismo normal. Como persona idealista, hay muchas cosas que desearía que no estuvieran sometidas al capitalismo, pero no es así. Y esto no es una crítica hacia ninguna empresa concreta.

-Si Spotify deja de pagar por las canciones con menos de mil reproducciones, ¿la diversidad musical que tenemos hoy puede verse amenazada?

-Es un temor razonable. No estuve involucrado en esa decisión y no tengo nada que decir en términos de negocio, pero soy receloso ante la reducción de tarifas y que esta signifique quitar el dinero a los más pobres para dárselo a los más ricos. Es lo contrario de lo que me gustaría ver en el mundo. Leí sus justificaciones, que las cantidades a pagar eran pequeñas. Las comprobé y es cierto: son muy pequeñas. Pero eso hace que la decisión aún sea peor. Es una decisión moralmente retrógrada que no aporta unos beneficios pragmáticos.

Es cierto que las cantidades a pagar por canciones con menos de mil reproducciones son muy pequeñas. Pero eso hace que la decisión de no pagarlas sea aún peor. Es una decisión moralmente retrógrada que no aporta unos beneficios pragmáticos

-¿Esa cifra de 120.000 canciones que se incorporan diariamente al catálogo de Spotify es un problema? ¿El verdadero problema es que Spotify no supo calibrar las dimensiones que podría adquirir su catálogo?

-Aún no existe un problema de almacenamiento. Las canciones son relativamente pequeñas y los servidores son baratos. El problema es que si pasamos de mil canciones a cien mil, ¿qué va a evitar que lleguemos a subir diez millones de canciones cada semana? Ahí ya podés intuir un problema de almacenamiento en algún momento. Por otro lado, a mí como músico aficionado me parece sensacional poder componer canciones y subirlas a un espacio en el que también están las de Taylor Swift y Metallica. Eso es positivo.

-¿Tiene un grupo musical?

-Sí, Aedliga. No soy bueno haciendo canciones. Jamás seré famoso. Mis ingresos totales por streaming suman cuatro dólares. Pero yo no creo que la cantidad de gente dispuesta a componer una canción, grabarla, rellenar el formulario de una distribuidora y subirla a la red sea tanta como para que un servicio de música online no pueda absorberla toda. Sí creo que si con la inteligencia artificial (IA) se generan millones de canciones, podemos llegar al punto en que no sea práctico almacenarlas todas. Si hay tantas, puede ser un problema localizarlas. Si no buscás mi grupo, nunca lo encontrarás. Y nadie lo busca. Por lo tanto, mis canciones están allí, pero no entorpecen las carreras de Alphaville o de A-ha. En cambio, si generás millones de canciones mediante inteligencia artificial y les ponés los títulos de otras canciones muy populares, podés generar problemas de usabilidad de la información. Es muy razonable preocuparse por el daño público que pueden causar motivaciones egoístas.

Creo que si con la inteligencia artificial se generan millones de canciones, podemos llegar al punto en que no sea práctico almacenarlas todas

-Los últimos informes indican que las playlists de Spotify están perdiendo suscriptores y escuchas a mansalva. Por otro lado, Spotify está entrenando la IA para generar listas automáticas. ¿Hacia dónde vamos?

-A lo largo de los años Spotify creó muchas playlists personalizadas en base a un concepto y otras playlists personalizadas en función de tus gustos. Metal mix, por ejemplo, es una lista de música metal a partir de una piscina de canciones. No hay nada aleatorio ahí. Está diseñada para vos y sonarán canciones que ya oiste y que gustaron. Pero sabés que esa lista no está reemplazando otras listas editorializadas. Rap Caviar sí es una lista comisariada por expertos en hip-hop. Ahí la gracia es que es una experiencia compartida. Todo el que sigue esa lista escucha lo mismo y entra en el contexto de Kendrick Lamar, Kanye West o quien sea. Son artefactos culturales diferentes. Ninguno es mejor o peor que el otro. Tienen funciones distintas.

-¿Cree que podemos perder el control sobre la música? Me refiero al poder de decidir cómo, cuándo y cuántas veces escucharla. ¿La necesidad de las plataformas de streaming de rentabilizar su negocio puede traer más cambios que dificulten nuestra experiencia como usuarios?

-Es absolutamente razonable temer a las empresas capitalistas que median en la cultura. Y no es algo que se limite a los servicios de streaming musical, sino a Amazon, Google y cualquier compañía tecnológica que intente atender las necesidades humanas y tener beneficios. Es totalmente justo escudriñar y cuestionar el equilibrio entre estos dos objetivos. Y está totalmente justificado sentirse como mínimo inquieto ante ello y tener un ojo siempre encima de las posibles contraprestaciones. No creo que Spotify sea un caso único en este sentido. Es una pregunta que debemos hacernos ante cualquier compañía que opere en la relación entre seres humanos. Sean medios de comunicación, publicidad, seguros médicos...

-Dice que es muy razonable que tengamos miedo. ¿Lo tiene usted?

-Todos deberíamos tener miedo. Cualquier persona que trabaja con tecnología vinculada a asuntos humanos debe tenerlo presente en todo lo que haga. Y escuchar su conciencia. Siempre me sentí aliviado al trabajar en un servicio de streaming musical y no en uno de seguros médicos. Si algo fallaba, no implicaría que alguien no iba a recibir un tratamiento para el cáncer y moriría. Pero esto a veces la gente lo asume como una excusa para no examinar su conciencia y eso es precisamente lo que hace que las cosas vayan mal. Cuando no implicás tu conciencia en tu trabajo es cuando empezamos a tener experiencias miserables. Por lo tanto, todo lo que hagas tenés que hacerlo con tu sombrero de ser humano y no con el sombrero corporativo. Debemos pensar qué elementos culturales ponemos en el centro y qué efecto puede tener esa decisión. Por eso, para mí, es tan interesante el mundo del streaming musical. La música y la comida son dos caminos ideales para que la gente sea receptiva a aprender sobre nuestras diferencias. Que exista gente en la otra punta del mundo que no conocés puede ser inquietante desde un punto de vista abstracto. Tal vez piensan de forma totalmente distinta a mí e incluso me odian. Pero oyendo su música podés pensar: ¡es buenísima! Y probando su comida podés decir: ¡es delicioso! Y quizá pierdas ese miedo. Creo que lo que necesitamos como especie es justamente eso: reconocer que todos somos fascinantes.

Cuando no implicás tu conciencia en tu trabajo es cuando empezamos a tener experiencias miserables. Debemos pensar qué elementos culturales ponemos en el centro y qué efecto puede tener esa decisión

-Y cuando estas decisiones las toman grandes corporaciones, la responsabilidad es aún mayor porque pueden determinar el modo en que accedamos a la música en el futuro. Es posible que dentro de dos décadas no haya otra forma de acceder a la música grabada que estas plataformas.

-Sí, eso es cierto. Sobre las corporaciones digo lo mismo que sobre los algoritmos: es tentador tratarlas como entidades independientes en sí mismas, pero todas sus decisiones las toman personas concretas. Si una corporación toma una mala decisión será porque no tuvo en cuenta las repercusiones y no habrá optado por la decisión adecuada. E igual pasa con los algoritmos. Un algoritmo no tiene intenciones por sí mismo. Las matemáticas no pueden recomendarnos canciones porque no tienen gusto. Todo lo que hacen es encontrar un patrón en la escucha humana colectiva y conectarlo con tu escucha individual. Eso es todo. Llamar recomendación a un algoritmo es engañoso.

NC/CRM

El ministro de Economía, Luis Caputo, anunció una devaluación en el tipo de cambio. Así, el dólar minorista opera en $820 en el Banco Nación.

De acuerdo con la resolución 5463 de la AFIP, desde este miércoles 13 de diciembre, el dólar oficial más impuestos tiene un recargo del 60% para los gastos en el exterior a través de tarjeta de débito o crédito, incluidos los servicios de streaming.

¿Aumentará el valor de Netflix, Spotify y otras plataformas de streaming?

Para los casos en que los consumos en moneda extranjera se paguen en pesos, aumentará el valor a pagar. Esto incluye a servicios como Netflix, Spotify y otras plataformas de streaming. Además, el costo final dependerá de la jurisdicción del titular de la tarjeta y radicación del plástico.

En ese sentido, el dólar tarjeta estará compuesto de la siguiente manera:

De esta manera, la suma del dólar oficial más a los impuestos da un total de $1320.

Cuáles son los nuevos precios de Netflix en Argentina

Aquí, una lista de los precios actuales de los servicios de streaming más populares y cuál será su precio real cuando se debiten de la tarjeta. El precio entre paréntesis es el que pagarán los usuarios, tomando el precio base de referencia y sumando el 59 por ciento de impuestos.

Netflix

Spotify

Disney+

HBO Max

Amazon Prime

YouTube Premium

Apple TV Plus

Apple Music

PlayStation Plus

Xbox Game Pass

NB

Taylor Swift, Bad Bunny, The Weeknd, Drake, Peso Pluma, Feid, Travis Scott, SZA, Karol G y Lana del Rey. Estos son los 10 artistas más escuchados en Spotify en 2023, según los datos de Wrapped. No se encuentra ninguna banda entre ellos. Ni rastro tampoco de grupos que firmen las 10 canciones o álbumes más escuchados del año. Tampoco en 2022. Y, en el momento en el que se escribe este artículo, no hay ninguna banda en el TOP 50 Global de Spotify o en el TOP semanal de YouTube, que marcan los temas más escuchados del momento en streaming. Los rankings los copan los artistas en solitario, con o sin colaboraciones entre ellos. 

Cualquiera que haya crecido con grandes grupos del pasado como The Beatles, Los Rolling Stones, Queen o Metallica se revolverá en su asiento al percatarse de que ya no hay grupos como los de antes entre las listas de lo más escuchado. La única banda actual que sí se cuela en algún tipo de ránking global es la norteamericana Imagine Dragons, que entra en los 50 artistas más escuchados al mes en Spotify, pero en el ecuador del puesto 24.

A nivel global, el streaming en 2022 supuso unos ingresos de 19.000 millones de dólares, representando un 67% del total de ingresos mundiales por música grabada. 

Como cualquier disciplina artística, la música también evoluciona. Hay quien acusa estos hechos a factores como las modas y tendencias. Los charts [estadísticas] los copan artistas de reggaetón, pop y música urbana, que suelen ser interpretados de forma general por un solista. Las plataformas de streaming las usan más las personas de mediana edad o jóvenes, que también suelen escuchar más estos estilos, más populares en las últimas décadas. Un artículo del periódico The Guardian apunta a que las bandas están desapareciendo porque la gente joven no está interesada en ellas.

“Es un fenómeno que se viene dando en los últimos años, las tendencias en los géneros que triunfan no son tanto de bandas sino de solistas”, reconoce Antonio Guisasola, presidente de Productores de Música de España (PROMUSICAE), asociación que representa a la industria discográfica de España ante la Administración Pública y otros colectivos privados. “Es posible que se deba a las preferencias actuales de los oyentes y a las estrategias de promoción de los artistas solistas en la industria musical. Un cambio de tendencias como ha sucedido durante toda la historia en el arte”, argumenta por su parte al preguntarle por estos hechos Gabriel Sarlo, director del sello Rimas en Europa y añade los factores de modas cambiantes: “Por ejemplo, en los clásicos con Mozart, Beethoven o Chopin ya triunfaron los solistas”. 

“No creo que las banda estén en peligro de extinción, pero tampoco que vaya a haber un repunte de bandas con un nivel de consumo digital suficiente para entrar en esos charts”, expresa por su parte Cristóbal Colom, marketing manager de Altafonte al plantearle estas cuestiones. “No creo que se acaben las bandas porque siempre va a haber gente que se junte aunque no sea hegemónico. Siempre ha habido menos bandas en los charts que solistas, el problema es que ahora hay menos que nunca”, dice por su parte Diego Arroyo, vocalista del grupo Veintiuno, que ya reconoció problemas en la industria con las bandas en otra entrevista con elDiario.es. “El streaming nos ha permitido poder escuchar a una banda de Corea del Sur sin que tengamos que comprar su disco”, valora positivamente por su parte Tony Moreno, vocalista de la banda Eskorzo, quien destaca llevar más 30 años en la industria y haber visto “evoluciones e involuciones”.

Un problema interno

“Triunfar en la música no depende de si se es una banda o un solista, son tendencias que pueden cambiar”, opina Guisasola. No obstante, hay quien ve aquí más bien un error de la industria. “El chart es un síntoma del sistema y a qué está supeditada. El problema viene de que las discográficas no tienen el control de lo que consumen los clientes, sino de los algoritmos”, explica Arroyo. Él pone el foco en la figura del A&R, profesional encargado de contratar nuevos músicos: “ahora se ven las estadísticas de crecimiento orgánico en una red social y se intenta ficharlo antes que nadie. Muchas veces van antes los seguidores y el engagement que la proyección musical”. “Si ahora un artista no triunfa en dos años se lo echa. Falta confianza”, censura. 

“Cualquier A&R hoy en día está súper pendiente de las tendencias en redes y de los fenómenos virales y debe estar pendiente para ficharlos rápido”, asume por su parte Colom. No obstante, lleva la contraria a Arroyo y le rebate: “Esto no quita que se sigan haciendo muchos fichajes por su proyección artística”. Eso sí, Colom reconoce que la música que hacen los solistas es más rentable en términos económicos. “Más allá de la obviedad de no tener que repartir los beneficios entre varios miembros, creo que lo que hay son géneros musicales más rentables que otros. Estos suelen ser  artistas en solitario por el tipo de música que hacen y cómo se compone, produce e interpreta”. 

Otras fuentes dentro del sector de la industria musical reconocen que la “desaparición” de las bandas es una ejemplificación de hacia dónde va la música y la vida en general; “hacia la simplificación general”. Las mismas fuentes dicen que es “más fácil” hablar con un productor que formar una banda de 4 o 5 miembros.

“Entrar en el algoritmo”

El mercado de la música grabada en España en 2022, por ejemplo, supuso unos ingresos totales de 462 millones de euros en la industria, según el informe de PROMUSICAE. Las fuentes consultadas acusan al funcionamiento actual de la industria, donde los artistas se ven obligados a sacar canciones cada mes para “entrar en el algoritmo”. “Nadie escapa de la espiral de lanzar singles cada mes y medio, sobre todo cuando tienes un proyecto emergente. Tienes que estar activo”, reconoce Colom.

Para llegar a la composición constante de canciones, no solo trabaja el solista. Según las fuentes consultadas, muchas veces hay otros compositores detrás de los temas. “Se ha estandarizado como sistema hegemónico que el autor y el artista ya no tienen que ser la misma persona. Antes, quien componía la canción la defendía en directo. Ahora, vemos a muchos artistas que ni siquiera participan en la composición, arreglos o producción de un tema”, explica Arroyo. 

“La inmensa mayoría de proyectos en solitario nunca son realmente solistas”, espeta el marketing manager de Altafonte. Colom desgrana que “un solista tiene un equipo detrás que puede funcionar como una banda: una banda cuyos miembros no son estables y van cambiando de disco a disco, gira a gira, o single a single”. Aunque, en sus palabras, “esto puede ser incluso musicalmente más enriquecedor que tener una banda con los mismos miembros. Afortunadamente cada vez se reconoce más el trabajo de estas personas”. “Cuando un artista triunfa, lo hacemos todos, pero los músicos, los artistas plásticos y diseñadores, sí podrían estar más destacados”, reconoce por su parte Sarlo. 

Las bandas suelen tener ritmos de trabajos más dilatados, sobre todo cuando son sus miembros quienes componen e interpretan las canciones. “Una banda es una comunión de gente que toca música y se junta para hacerla. Son procesos de trabajo colectivos con la misma gente. Eso no es tan productivo. Tres o cuatro personas tienen un número limitado de ideas que tienen que poner en común. Hay días en los que no sale nada”, detalla Arroyo. “Si necesitamos sacar un tema cada mes, no llegamos”, enfatiza. “Desarrollar un producto durante muchos años no es tan rentable. Las discográficas quieren que la producción sea lo más rápido posible. Están desesperadas por posicionar un número uno detrás de otro”. 

Arroyo señala la importancia de la propiedad de los sellos discográficos de los medios de producción de la industria musical para alcanzar los altos ritmos de producción: “ellos tienen a los productores, a los intérpretes y a los beatmakers”. En este sentido, para Tony Moreno, hay un problema de expectativas y de busca de rédito constante en los sellos discográficos, “hay un inconveniente con el tema de que hay que triunfar a toda costa. Hace incluso que los proyectos a veces tengan menos calidad”.

Individualismo como camino hacia el éxito 

Crear una banda es una forma natural de componer música. De una manera colectiva los miembros se tienen que poner de acuerdo para armar sus canciones. Por ello, hay también quien ve en esta pérdida de hegemonía de las bandas un triunfo del individualismo imperante. “Hay una idea individualista también de que es mejor triunfar en solitario que en colectivo. El objetivo de triunfar y ser famoso a toda costa condiciona al resultado final de una obra”, opina Moreno. “Tener una banda es una forma de vivir en la que quieres tocar con tus amigos; divertirte y hacer música juntos”, resalta Arroyo. 

En una banda hay un componente asambleario interno inevitable. Aunque, según fuentes directas del sector, puede haber artistas solistas que sean “más difíciles de negociar” que un grupo, por regla general los procesos de negociación con estas suelen ser más laboriosos por ser más personas vinculadas directamente a un proyecto. “Es más fácil convencer a una persona que a un grupo de personas. Donde hay más debates y piensan 7 se modela más un producto final”, destaca Manuel Collados, guitarrista y vocalista de la banda Los 300. “Prefiero repartir el pastel y crear en común con gente afín”, añade sobre sí mismo. 

Algo que sí que es habitual en los ránkings mundiales son las colaboraciones entre solistas para alcanzar el éxito, que hace décadas no era tan común. Son muchos los artistas del género urbano reivindican que, aunque lo hagan bajo nombres propios, sí se juntan para hacer música. “Sea en banda o en colaboraciones, es importante mantener las relaciones interpersonales y el trabajo colectivo de la creación música”, destaca Antonio Guisarte. 

Al preguntar por si ha llegado el fin de la era de las bandas, todas las fuentes consultadas responden con un rotundo no. Sin embargo, Diego Arroyo pide mayor educación social general en términos musicales. “Debería haber una concienciación por el que se entienda que es valioso ver música en directo y que el intérprete se pueda equivocar”, destaca. Y a las discográficas en general les pide “un compromiso para que se entienda que no todo es el rédito inmediato y que se piense en medio y largo plazo”. “Entramos en el paradigma de si debemos dejar la música solo en las leyes del mercado o debemos buscar un componente artístico”, concluye.

RN

Las reglas del juego están a punto de cambiar. Spotify confirmó que a partir de enero de 2024 las canciones que generen menos de 1.000 escuchas no cobrarán nada. Miles de artistas dejarán de recibir ingresos, por míseros que fueran. Según estimaciones de la propia plataforma, esta medida generará unos 40 millones de dólares que se distribuirán entre las canciones que superen el millar de escuchas. La decisión no solo supone un golpe a las normas de distribución de ingresos por escuchas, sino que lanza un mensaje a futuros artistas: si tu música no es mínimamente popular, no sacarás nada de aquí.

Este bombazo legislativo llega cuando la cifra de canciones que cada día se incorporan a Spotify es de 120.000 (sin visos de decrecer), lo cual empieza a poner en jaque la capacidad de almacenamiento y procesamiento de datos de la plataforma. Por otro lado, en esta avalancha de pistas de audio hay un porcentaje significativo de grabaciones de sonidos relajantes (de lluvia, ballenas o lavarropas) y composiciones generadas mediante Inteligencia Artificial. Son millones de archivos sonoros que no solo distorsionan el reparto de ingresos sino que forzaron a las plataformas de streaming a plantearse hasta cuándo podrán seguir engullendo archivos a su catálogo sin poner filtros más estrictos.

La capacidad de generación de canciones parece infinita. Pero la capacidad de almacenamiento y procesamiento de toda esa información sonora no lo es tanto porque para que las canciones puedan ser escuchadas en todo el planeta son necesarias distribuidoras digitales y plataformas de streaming que deben multiplicar esa canción las veces que sea necesario. Cada año hay más usuarios de plataformas, pero el ritmo de canciones que se incorporan a través de las distribuidoras crece a un ritmo superior. Spotify tiene 574 millones de usuarios y supera los 100 millones de canciones. Según un estudio de la consultora Luminate Data realizado en 2022, el 42% de las canciones contenidas en todas las plataformas de streaming del mundo no habían recibido más de 10 escuchas y el 24%, ni una sola. El problema ya no es almacenar y procesar tantísima música, sino constatar que mucha de esa música nunca la escuchará nadie.

Una canción famosísima y una jamás escuchada pueden ocupar lo mismo en un centro de almacenamiento de datos. Ese es el destino de todas y cada una de las canciones compuestas y grabadas en el planeta

Una canción famosísima y una jamás escuchada pueden ocupar lo mismo en un centro de almacenamiento de datos. Ese es el destino de todas y cada una de las canciones compuestas y grabadas en el planeta. De la inmensa mayoría de ellas no se almacena una única copia, sino varias. Por lo tanto, termina ocupando bastante más de esos cinco megas en una sola computadora. Desde que se graba en el estudio hasta que la podemos escuchar en nuestro dispositivo, cada canción se multiplica cientos de veces y se almacena en docenas de data centers.

Antes de ser canción

El productor español Guille Mostaza es un obseso de la calidad de audio. En su estudio Alamo Shock no solo graba a gran calidad (48000Hz/24Bit), sino que guarda tres copias de todo el material que se genera durante el proceso de grabación. “Del disco de Niña Polaca grabé a todo el grupo a la vez, analizamos, comentamos y luego empezamos la grabación desde cero. A la hora de mezclar el disco, rescaté algunas de esas tomas del ensayo”, desvela para justificar que el archivo final del disco Que adoren tus huesos sume 114,83 gigabytes. “Yo hago dos backups, uno en otro disco duro aparte y otro en Dropbox, con lo que lo utilizado en total es el triple de esta cifra”. El disco ya suma 344,49 GB. Si lo dividimos por las 14 canciones que integran el disco, cada canción generó 24,6 GB.

En Alamo Shock no se borra nada. También se almacenan las pistas de cada instrumento por si el grupo las quiere para hacer remezclas o para lanzarlas en directo. “Todo el proyecto del disco ocupa cerca de 250 gigabytes, sin contar los backups, que en mi caso triplicaría la cifra por tener dos copias extra”, calcula Mostaza. Esos 750 gigabytes son 53,6 gigabytes por canción. En el estudio de grabación, el peso de la música ya hay que calcularlo en gigabytes (miles de megabytes). Mostaza aún doblará la resolución de los archivos para masterizarlo y entregará un archivo final con el disco en tres resoluciones: MP3, CD y HD. “La primera es para que lo puedan escuchar sin gastarse todos los datos del teléfono. La segunda para tener una buena calidad reproducible en cualquier sistema y la tercera es exactamente la versión a alta definición tal y como sale del estudio”.

La carpeta con el disco de Niña Polaca pesa 5,21 GB. Y, por supuesto, en Alamo Shock crearán otra copia de seguridad. Cada una de sus 14 canciones supera ya los 25 gigabytes, aunque nadie en la calle pudo escucharlas todavía. El destinatario de ese archivo será cada uno de los integrantes de la banda, así como la discográfica que lo edite, su agencia de management, la editorial que gestione sus derechos o la empresa de comunicación que promocione la banda. Todos podrán descargarse el archivo en las calidades de audio que estimen necesarias, guardar una copia en sus servidores de almacenamiento y generar nuevas copias para amigos y empleados. Pero el destinatario más relevante en el proceso que conducirá las canciones hasta el público es la distribuidora digital.

De decenas de copias a cientos

Montse de las Heras es directora de Análisis y Reportes en Altafonte, distribuidora digital que solo acepta archivos en formato wav o FLAC. (Una canción de cuatro minutos puede suponer 50 megabytes en FLAC y 70 en wav). En Altafonte se guardarán ese archivo y harán una copia de seguridad. También lo comprimirán en una versión mp3 de uso interno de unos 4 megabytes del que también harán otra copia de seguridad. Aquel archivo de 50/70 megabytes ya ocupa 110/150 megabytes. Sin embargo, aclara De Las Heras, “nuestro sistema no detecta si una misma canción está en un single, en un epé y en un álbum. Ahí tenemos redundancia”. Es decir, que esa misma canción incluida en un grandes éxitos del artista, un recopilatorio de verano o una banda sonora puede terminar almacenándose tres o seis veces. Y todas, con su respectiva copia de seguridad. Podemos hablar ya de 700 megabytes.

Aun así, la multiplicación más importante se produce cuando ese archivo sonoro sale de la distribuidora digital para incorporarse al catálogo de las plataformas de streaming. “En Altafonte, entre agregadores y subagregadores, trabajamos con ciento y poco empresas”, estima De Las Heras. Y, ¿qué pasa entonces? Sergio López Montolio es ingeniero informático con un máster en Arquitectura de Computadoras, Redes y Sistemas y una década de experiencia en almacenamiento y análisis de datos en el entorno de la industria musical. “Cuando la canción llega a la plataforma de streaming, se duplica un mínimo de tres veces, aunque a veces son más. Y luego el archivo a máxima calidad se comprimirá en muchas resoluciones”, explica. Plataformas como Spotify ofrecen hasta cinco calidades de audio, lo cual obliga a crear y almacenar versiones de la canción en todas esas modalidades. “No es lo mismo el algoritmo de compresión estándar que deja los temas a tres megabytes que el de máxima resolución de Tidal que reproduce con calidad original y pesa más de 150 megabytes”, matiza Guille Mostaza.

Días atrás, Tidal comunicaba a las distribuidoras digitales que ya no quería recibir la versión MQA (master quality audio) de las canciones. Eso no significa que no ofrezcan versiones de altísima calidad para los suscriptores de Tidal Hi-Fi Plus, sino que esta versión MQA no ofrecía un salto cualitativo en la escucha que justificase almacenar otra copia de cada canción. Tras esa decisión ya hay una preocupación por el volumen de datos acumulados y un deseo de reducir costos de almacenamiento. Ni Spotify ni Tidal ni la inmensa mayoría de plataformas de streaming tienen data centers en propiedad y deben alquilar servicios de almacenamiento en la nube a las grandes empresas del sector. Amazon, Azure (de Microsoft) y Google son las tres más importantes.

Terabytes, petabytes, exabytes

Aunque cada plataforma de streaming tendrá su política, las más serias “hacen tres o más copias de seguridad que se almacenan y distribuyen en lugares muy alejados entre sí para evitar desastres como que se incendie un data center y se pierda el material”, explica López Montolio. Pero luego hay que tener copias de distribución ubicadas cerca de las regiones que más interés pueden tener por escuchar ciertas canciones. “Las probabilidades de que una canción muy popular esté reproduciéndose a la vez en distintas partes del mundo hacen que sea interesante tener copias cerca de los usuarios. Una canción muy popular solo en España no necesita estar cerca de un usuario en Japón, pero hay canciones que sí”, argumenta. El último single de Taylor Swift, por ejemplo, requerirá más copias de distribución que la cara b de un single del grupo finlandés Nummisuutarit.

Que una canción muy popular esté reproduciéndose a la vez en distintas partes del mundo hace que sea interesante tener copias cerca de los usuarios. Una muy popular solo en España no necesita estar cerca de un usuario en Japón, pero hay canciones que sí

Sergio López Montolio — Ingeniero informático

Esas copias de distribución se generan de forma automática mediante algoritmos y se destruyen cuando la canción pierde popularidad para dejar paso a otra canción que está siendo demandada por más oyentes. “La copia por distribución es dinámica, no es una copia estática que una vez hecha se almacena, sino que aparece y desaparece en función de los flujos de uso”, aclara Montolio. Pero las canciones contienen y generan información que hay que procesar: saber a qué estilo pertenece y si fue creada de forma legal, localizar al autor para pagarle su dinero, detectar las ciudades donde suena más la canción y conocer los hábitos de escucha de los usuarios… La información que se deriva de la interacción de millones de usuarios con millones de canciones no supone tanto volumen de datos ni requiere tanta capacidad de almacenamiento, pero cuantos más usuarios y canciones haya más trabajo y datos habrá que procesar.

Ninguna plataforma de streaming calcula el volumen de datos almacenados en gigabytes, sino en petabytes. Miles de ellos. Y si un terabyte son 1.024 gigabytes, un petabyte son 1.024 terabytes. Tanto las copias de seguridad, como las de distribución, como los datos almacenados por Deezer, Spotify, Tidal y Pandora se suman a las copias de esas mismas canciones almacenadas por el resto plataformas de streaming del mercado mundial. Para calcular el volumen que ocupan todas las canciones almacenadas en todas las plataformas de streaming del planeta habría que echar mano de exabytes; o sea, miles de petabytes.

Horizontes de colapso

Para López Montolio “no hay un horizonte de colapso porque los sistemas de almacenamiento son cada vez más eficientes y si eres capaz de combinar distintos sistemas de almacenaje, la capacidad de expansión es muy grande”. No todos los data centers ofrecen las mismas prestaciones ni todas las canciones tienen la misma actividad. Por ello, “canciones que solo se han escuchado una vez hace ocho años no tiene sentido almacenarlas en almacenes extremadamente rápidos. En una cuestión de optimización. Lo que más se usa se guarda en un almacenamiento rápido y lo que menos, en uno más lento”, explica. Los data centers más rápidos son más caros. Las canciones menos populares se almacenan en data centers más lentos y baratos. “Hay que ser capaz de optimizar esto para que el usuario tenga disponibles todas las canciones, pero que el coste sea manejable. Sobre todo, cuando se suben 120.000 canciones al día”, resalta.

Los data centers más rápidos son más caros. Las canciones menos populares se almacenan en data centers más lentos y baratos

Si en algo coinciden López Montolio y De Las Heras es en que el volumen que ocupa la música actualmente no es nada comparado con el que ocupa el video. “YouTube supera esas cantidades de petabytes y crece a un ritmo incluso más rápido que la música”, afirma el primero. En YouTube se suben cada minuto 500 horas de videos; el doble de la música que se sube a la red. Además, el volumen que ocupan los videos es mucho mayor y la capacidad de comprimirlo, más limitada. YouTube supera ya los 2.000 millones de usuarios pero, a diferencia del mundo de la música, no hay decenas de plataformas de video con el catálogo de YouTube. Su hegemonía es casi absoluta. YouTube solo hay uno.

Hay otra gran diferencia entre YouTube y las plataformas de streaming de audio. YouTube pertenece a Google y aunque tenga que pagar por almacenar sus datos precisamente a Google, Google no vive exclusivamente de YouTube ni de comerciar con videos. Spotify solo vive de comerciar con canciones y paga un dineral, también a Google, por almacenar su catálogo. “Dudo que cuando empezaron se dieran cuenta del monstruo en el que se iban a convertir. Por eso no tienen un cloud propio”, intuye De Las Heras. “En el mundo de la música digitalizada hay dos modelos de negocio: el que hace dinero si el artista hace dinero y el que hace dinero independientemente de cómo le vaya al artista. A estos últimos, lanzar contenido vacío ahí fuera les da igual. Son las plataformas las que se dan cuenta ahora de que a lo mejor no pueden aguantar ese volumen. Llegará un día en que los artistas que tienen música en Spotify tendrán que ser rentables”, profetiza. Dejar de pagar por las canciones que no suman a mil reproducciones ya parece una medida para deshacerse de los que no lo son.

Spotify tendrá que soltar lastre en algún momento porque el problema ya no es solo el costo de almacenamiento. Es también el servicio que has de dar a tus clientes

Montse de las Heras — Directora de Análisis y Reportes en Altafonte

“Spotify tendrá que soltar lastre en algún momento”, insiste De Las Heras, “porque el problema ya no es solo el costo de almacenamiento. Es también el servicio que has de dar a tus clientes”, añade, refiriéndose a artistas, distribuidoras y demás proveedores de contenido. “Gestionar las incidencias que se pueden producir en la ubicación de 120.000 canciones diarias implica cada vez más personal y los recursos humanos que hay que destinar es lo que acaba pesando”, advierte. Y esto afecta a Spotify y a cualquier plataforma que reciba decenas de miles de canciones cada día. Solo hay dos vías para que las plataformas sean rentables: que cada vez más usuarios paguen por ese servicio o que algunos artistas (los que menos dinero generan) empiecen a pagar por subir su música.

La tercera solución sería que el público escuche más música para generar más ingresos. Sin embargo, los últimos estudios de Luminate Data detectan que, a pesar del aumento de oferta musical, el consumo de novedades se estancó. Cada año disponemos de más canciones nuevas, pero eso no significa escuchemos más canciones nuevas que el año anterior. Solo acumulamos más.

Fin de semana en Buenos Aires. Después de días encapotados, en la ciudad amanece un sábado celeste. Con él, arranca la temporada de festivales de la primavera, o por lo menos un anticipo. El primero es EQUAL, una demostración de fuerza del gigante del streaming Spotify. Su lema, “Mujeres a todo volumen”.

El evento es parte de una campaña que busca celebrar y visibilizar a las artistas mujeres de la Argentina, que cada vez tienen más presencia en los rankings de la plataforma. Con una pantalla en el Times Square de Nueva York, anunciaron el lineup que se presentó anoche en el Hipódromo de Palermo: Connie Isla, Taichu, Soledad, Karina, Marilina Bertoldi, Emilia, Lali y María Becerra.

Durante la engorrosa acreditación aparecían muestras de lo que sería una audiencia de 19 mil personas, según informaron oficialmente. Muchas familias, en especial madres e hijas. En general, más mujeres. También jóvenes, con más paridad pero de un amplio rango de edad. 

Lo que se tardó para llegar al escenario hizo difícil poder ver a Connie Isla y Taichu. Una persona cercana a la segunda notó que pasaron una pista con un ritmo más rápido de lo habitual, y por ello señaló la queja de la cantante. Taichu aprovechó entre un tema y otro para irse a zancadas detrás del escenario, mientras se acomodaba su top con la cara de La pasión de Cristo.

“Está todo mal organizado” se queja una fuente de la producción. Recuenta que le confirmaron su entrada recién un día antes y que también se demoró en poder ser acreditada en el lugar. De todos modos, se respetó el horario estipulado para cada presentación, y se notó el poco tiempo que llevaba pasar de un acto al siguiente.

Se notaban también los precios. La botella Smartwater del aguatero, milqui. La hamburguesa, cuatro lucas. El cono de papas, también. La remera oficial del festival valía siete mil pesos. El buzo, ocho mil. Igual, la mayoría de aquellos con merch las trajo de sus casas o la compraron a los manteros de la avenida Bullrich. “Faltaron remeras de los artistas”, reconoció la fuente.

“La Sole” presentó parte de su nuevo álbum, “Natural”, “que no es de esos discos que van a sonar en la radio o tener rotación”, pero que viene del corazón, contaba. “Sueño que haya pan y trabajo, ese es nuestro derecho”, dice una de sus letras. Se notó la brecha generacional entre madres con los ojos llorosos y sus hijas que no se sabían del todo las letras, aunque todas confluyeron con “Tren Del Cielo” al cierre. Al costado, desde una carpa encima una tarima que vendría a ser el VIP, la miraba Daniel Grinbank.

Un punto en común entre la variedad de artistas fue el hecho de estar pendientes de los tiempos. Todas relojeaban cuánto les quedaba en el escenario y si podían hacer una canción más. Una que tuvo varios changüí fue Karina, quien cantó “Corazón mentiroso” al atardecer y logró que el resto de su repertorio se baile de noche. Su fiesta, ya en la oscuridad, tuvo como clímax la aparición de Ivonne de La Delio Valdez para hacer “Inocente”, además del final con “Fuera”.

Previo a cada show, la introducción se hacía en las pantallas por parte de una artista invitada. Barbi Recanati presentaba a Marilina Bertoldi, pero fue tapada por una sirena y un estallido que dieron lugar al rock. La miraba un grupo de tres nenas, que sorprendidas se decían “es lesbiana” y “es un chique”. Sus madres se miraban y cuchicheaban a viva voz, escandalizadas por los movimientos de Marilina. “Termina esto y viene la mejor de la noche” se decían, graciosas pero tensas. Parece que lo que termina de cruzar la línea entre lo normal y el escándalo sigue siendo la orientación sexual de alguien.

Marilina le contestó con “Lá Lá”, su canción “para toda la familia”, además de sus habituales letras con puteadas y sus gestos acompañados por el dedo medio de su mano. Entró con saco, camisa y corbata pero terminó en calzas, con los botones desabrochados y la corbata haciendo de vincha. “Una última y se viene lo mejor de la noche”, avisó cuando terminaba.

Después de Marilina, llegó lo que una mayoría de la tribuna estaba esperando. Un sinfín de madres y padres alzaban a sus hijas para que queden por encima de las demás cabezas, o las llevaban a upa lo más cerca posible de Emilia Mernes. Una Emilia sacada del manga nipón Sailor Moon, a la que las jóvenes le dibujaban carteles donde le pedían bailar con ella. Tati tuvo suerte de subirse al escenario en “No_se_ve.mp3”. Hacia el final, Emilia arrancó “Los del Espacio”, pero la dejó justo antes de las estrofas de su compañera María Becerra.

Lali pidió la atención de la audiencia desde las pantallas, pero estas volvieron a negro. Antes de arrancar, se oyó en el eco del hipódromo al operador invocando a Osvaldo Pugliese. Casi al final de “Obsesión” se cortó el micrófono de Lali y su pista siguió de largo por unos segundos (fue una de las pocas sin banda, solo acompañada por sus bailarines). Se fue tras bambalinas para pedir arrancar desde el principio de nuevo. “Acá no ha pasado nada”, dijo al terminar. Estaba cerrando una gira que la llevó del otro lado del océano y terminó en Buenos Aires, donde cantó “Quiénes son?” -su collab con Moria Casán- por primera vez en el país.

El final fue todo de María Becerra, la Nena de Argentina, la argentina mas escuchada del mundo. Después de “Adiós” -su tema con Ráfaga-, anunció que cantaría “la reina de las cumbias”. Acto seguido, regresó Karina e interpretaron juntas “Con la misma moneda”. “Es importante hacer eventos así para visibilizarnos entre todas” dijo Maria antes de último single, “Corazón vacío”, el cual se lo dedicó a todas las madres solteras. Repartió rosas azules mientras la cantaba. 

Se despidió, pero no terminó su presentación sin antes una breve aparición en las pantallas de Morena Cesáreo, “La miedosa” o “More con Flow”, quien se volvió viral en los últimos meses en TikTok. Para terminar, María retomó con su parte de “Los del Espacio”. Una vez terminado el festival, el público gritaba por Morena, quien asistió y vio todo desde el VIP que balconeaba sobre el campo. Otras personalidades testigos del momento, confundidas, lo filmaban con sus celulares.

La persona que alzó la voz y contestó a cualquier crítica que pudiera surgir para la organización fue Lali. “Hicieron algo tangible”, dijo, restándole importancia a los repetidos problemas técnicos. “Los cambios culturales se hacen, no se dicen”.

LC

Noches de pesadillas por acá (y no digo más, por ahora). Como quien intenta sacarse de encima una borrachera tomando un poco de cerveza, vi que subieron a HBO Max una de las películas que más me aterran y, en lugar de esquivarla o darle play a otro capítulo de La Niñera (desde que sacaron de Amazon Prime Mad About You, mi único refugio de “algo de 20 minutos que me saque del presente y me lleve a otro lugar menos enrulado por un rato” es ese), decidí volver a verla. Se trata de Duel (la traducción local es Reto a muerte), la primera película de Steven Spielberg. Un telefilm de 1971 con una premisa simple y espeluznante; una obra maestra. Un hombre de lo más común, que tiene un trabajo de lo más común y una familia de lo más común sale de la ciudad a la ruta un día de lo más común con su auto común –un Valiant rojo– para reunirse con alguien por algún tipo de negocio. Una reunión que se supone importante, pero no más que eso.

Al principio vemos lo que este conductor ve desde el volante: la ciudad se va desvaneciendo hasta que aparecen la ruta y un paisaje polvoriento. Por fin, con un juego magistral de espejos que Spielberg va a sostener a lo largo de 70 y pico de minutos, le ponemos cara al protagonista. De fondo, un programa de radio de lo más trivial, también. Ya en las afueras, con el sol brillante y el camino que se va poniendo cada vez más desértico, el hombre acelera en medio de la nada (una nada sospechosa, pero también agradable). Hasta que en un momento se topa con un camión gigante, viejo y oxidado que echa humo desde una chimenea medio estrambótica que le sale de arriba de la cabina. El Valiant pasa al camión para sacárselo de encima. A partir de esa maniobra –de lo más común, también– empieza un tipo de zozobra que se va ir convirtiendo, a medida que avanza la película, en el terror más llano y demencial.

Es que el conductor del camión –al que Spielberg nunca muestra del todo: apenas esboza unos planos de su brazo y un par de botas marrones que lleva puestas– empieza a perseguir al del Valiant, a acelerar, a taparle el camino, a intentar pisarlo o destruirlo. Sin entender bien por qué, el conductor del Valiant pasa por todos los estados: se enfurece, se envalentona, quiere buscar a la policía, intenta encontrarle una explicación a este hostigamiento, teme por su vida, quiere escapar, se resigna. Casi no hay diálogos y la película se juega en esa coreografía angustiante, en un reto mudo y terrorífico. (Spielberg contó muchos después que él quitó mucho texto del guión, pese a la insistencia de los productores que querían que el protagonista hablara un poco más).

“Cuando algún asunto me habla, no me pregunto cuándo fue que me empezó a decir algo. Simplemente lo acepto como algo que encaja, que siento familiar de alguna manera y que tengo que expulsar de mi sistema. Puedo rastrear sus orígenes en el patio de la escuela, pero lo hago muchos años después, cuando doy una entrevista. Las entrevistas son como terapia para los cineastas que nunca fuimos al analista. Entonces, muchos años después, cuando vuelvo a Duel (...) veo que algunas de esas primeras películas eran sobre mi miedo a ir a la escuela porque había chicos más grandes que podían llegar a perseguirme y arruinarme la vida”, contó Spielberg en una entrevista y también en un documental donde repasa su trabajo (también está disponible en HBO Max, se llama simplemente Spielberg). “El camión es el bully, el auto soy yo”, sintetizó después con una contundencia que no aparece en una película donde casi no hay palabras. Y no porque no existan o no se puedan esbozar, sino porque están en fuga, en ese movimiento que parece infinito, en esa ruta interminable. Duel muestra todo el tiempo que es imposible encontrar una forma de contener todo eso que asusta (el miedo es deforme, el miedo es un camión insólito con el cartel que dice “inflamable” atrás que aparece en la ruta y de un momento a otro acecha sin decir nada, el miedo es un gran agujero). Y que, a la vez, no queda mucha opción más que vivir intentándolo, como el conductor del Valiant rojo: a veces con el pie en el acelerador, a veces parando al costado del camino, a veces angustiados, a veces pendencieros, a veces metidos para adentro, a veces buscando la ayuda de otros, a veces arrasados, a veces encendidos por su chispa. 

Hace un tiempito, cuando le dedicamos algunas líneas al asunto en esta entrega del newsletter, la escritora Paloma Vidal me recordó la cita al filósofo Thomas Hobbes que hace Roland Barthes en un epígrafe de El placer del texto: “La única pasión de mi vida ha sido el miedo”. En esa entrega también hablamos de fugas imposibles a las que siempre estamos volviendo: ¿Cómo escapar de eso que hacen –y hacen de nosotros– las personas, la naturaleza, las palabras, las mascotas y, sobre todo, nuestros propios miedos?

Noches de pesadillas por acá (y no digo más, por ahora). O sí: que con todo eso encima, intento un nuevo escape de la mano de Spielberg y esta vez me pongo a ver Tiburón. Pero antes les dejo una nueva edición de Mil lianas.

1. Diario de limpieza, de Matías Moscardi. Tres dimensiones se superponen en este libro breve, gracioso y estimulante: un diario que es un diario (es decir, el repaso de los días del narrador y su familia), también un  recorrido por diarios de escritores y, al mismo tiempo, una especie de mini-thriller doméstico. En Diario de limpieza (Bosque Energético, 2023), el escritor argentino Matías Moscardi se mete con la mugre –o mejor, con todo lo que hacemos para combatirla– para intentar desgranarla mientras él mismo describe cómo limpia su casa trapo, escoba o Blem en mano. En paralelo, hace distintas lecturas de libros en los que se analizan la limpieza y la suciedad a lo largo de la historia y busca también en diarios íntimos de escritoras y escritores para ver cómo ellos mismos abordaron esa cuestión, por momentos tediosa en su repetición, por momentos apasionante y casi siempre vinculada de alguna manera con la tarea de escribir. En la tercera pata, el relato, que está separado en diez semanas, un asunto hogareño tensiona la historia: una invasión misteriosa y sucia dentro de la casa inquieta al narrador, que buscará de todas las formas posibles combatir ese terror. 

Con ese suspenso de fondo y una escritura diáfana, tal como sostiene la escritora Marina Yuszcuk en la contratapa, el autor es “capaz de orquestar la vida cotidiana, la literatura y la filosofía” para terminar dejando a su paso pistas –como motas infinitas que no hay trapo que termine de borrar– sobre lo precario y lo insólito de lo que hacemos y nos sostiene todos los días.

Matías Moscardi nació en Mar del Plata, Argentina, en 1983. Es doctor en Letras, investigador del Conicet y docente en la UNMdP. Publicó, entre otros, los libros de poesía Bruma (VOX, 2012) y Los misterios del punk rock (Neutrinos, 2015); la novela Las cosas (Clase Turista, 2014); ¡El Gran Deleuze! Para pequeñas máquinas infantes (Beatriz Viterbo, 2021) y Las respuestas. 1779 preguntas (Beatriz Viterbo, 2022). Sobre Bosque Energético hablamos alguna vez en este espacio: a cargo de Eugenia Pérez Tomas y Andrés Gallina, la editorial nació bajo la premisa específica de publicar diarios íntimos en cualquiera de sus vertientes. Con cuatro títulos ya editados, estos libros aparecen o irán apareciendo en forma de bitácoras, cuadernos de artistas, autorretratos y también, según prometieron sus creadores, está prevista la salida de algún diario falso de autoras y autores destacados.

El libro Diario de limpieza, de Matías Moscardi, salió por la editorial Bosque Energético. Más información, por acá.

2. Operación Travesti, de Rodrigo Ottaviano. “Una parábola, retrato o registro alrededor de Travesti, de Daniel Melero. Una entropía donde confluyen los entretelones de su producción, la presentación aniversario –veinticinco años después– y la trayectoria sinuosa de un artista transversal”, dice la sinopsis oficial.  Me gusta, sobre todo, que hayan elegido la palabra “registro” porque a eso apunta este documental encantador de una hora: la recuperación de una figura como la de Melero –que desde los primeros minutos se autoproclama sin victimizarse como un paria del rock argentino– y la de un disco tan especial de 1994 que irradia hasta hoy, a partir de entrevistas, de archivos de época y, sobre todo, de las propias canciones que se van escuchando entre los testimonios del protagonista.

Con esa capacidad única que tiene para capturar con palabras todo eso que está siempre escapando (¿qué es la música? ¿cómo nace una canción? ¿para qué seguir escribiendo?), Melero arma y desarma entre el recuerdo, la reflexión apacible y la propia interpretación de los temas, durante un show que hizo cuando se cumplieron 25 años de la salida de Travesti. Estrenado en la última edición del BAFICI, el documental Operación Travesti llega ahora a la pantalla del auditorio del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba), con funciones todos los viernes de septiembre.

El documental Operación Travesti se podrá ver a partir del viernes 8 de septiembre en el auditorio del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, Malba. Más información, en este enlace.

3. La One. La vida de Moria Casán. “La construcción de una biografía autorizada es un desafío periodístico e intelectual que obliga a asumir el riesgo de la voz oficial”, plantea el escritor y periodista Cristian Alarcón en su cuenta de Instagram para presentar esta producción lanzada a través de Spotify por Anfibia, la publicación y plataforma que él dirige. Desde ese lugar y al mismo tiempo con un intento por traer lecturas novedosas, el podcast documental La One propone a lo largo de nueve episodios un recorrido por la vida y el trabajo de Moria Casán. Un camino que no está exento de dificultades, tratándose de un personaje tan popular y sobre todo tan narrado por ella misma y por los medios de comunicación.

Pude escuchar los tres primeros episodios y me interesó sobre todo la búsqueda, a partir de distintos testimonios más allá de la voz de la protagonista, para intentar llegar a esos lugares menos transitados de un personaje lleno de recovecos: la vedette, la mujer deseada por un país, la conductora de televisión que propone a sus invitados que lloren frente a las cámaras, la candidata a diputada, la que expone a sus dos maridos en su propio programa, la que inventó su propio multiverso con frases como latigazos, entre otras. ¿Qué la convirtió en una mujer icónica para la cultura popular argentina? ¿Cuál es el secreto de su vigencia? y ¿Cómo hace para transformarse todo el tiempo? son algunas de las preguntas que se plantean e intentan responder los realizadores.

El podcast La One. La vida de Moria Casán está disponible en Spotify.

4. Guía de libros. Una de las palabras que más se repite por estos días entre analistas políticos es incertidumbre. El resultado de las Primarias, Abiertas, Simultáneas y Obligatorias (PASO) del 13 de agosto dejó en Argentina un escenario inesperado por la mayoría y lo que pueda ocurrir en las elecciones generales de octubre sigue por ese camino alejado de las verdades cerradas, de las sentencias firmes, de las rigideces.

Entre investigaciones sobre los principales candidatos, análisis en profundidad, miradas con el ojo puesto en el tablero global, en los últimos tiempos el mundo editorial apostó a la publicación de numerosos libros que ofrecen elementos para observar la coyuntura política e intentar pensar el contexto. A modo de guía en medio del desconcierto, armé una selección de libros entre el ensayo, las biografías no autorizadas y el análisis académico. La encuentran en este enlace.

La selección con diez libros entre la investigación y el análisis de fondo para intentar una lectura del tablero incierto que dejaron las PASO se puede leer por acá.

Banda sonora. A lo largo de las páginas del libro Diario de limpieza que comentamos arriba, el narrador va esbozando también una especie de banda sonora que lo acompaña con canciones vinculadas a la limpieza y también a su contrapartida: la suciedad. Elegí para nuestra playlist compartida algunos de esos temas y otros que me gustan especialmente vinculados con ese arco, entre la mugre y la pulcritud (de Andrés Calamaro a Pappo’s Blues en lo local, de Taylor Swift a Sonic Youth y Lou Reed entre lo de afuera).

Por supuesto que, más allá de que teníamos varias de él y le dedicamos una entrega especial de Mil Lianas porque escribió una de mis canciones favoritas de todos los tiempos, sumé a esta banda sonora otros temas de Daniel Melero y del disco Travesti. En el documental, el músico recuerda algunas anécdotas del rodaje de dos videoclips que se registraron el mismo día con dirección de Diego Kaplan. Les dejo el de Quiero estar entre tus cosas con ese memorable Melero Frankenstein.

Bonus track. Para quienes estén por Buenos Aires este fin de semana del 9 y 10 de septiembre y tengan ganas de darse una vuelta: vuelve la Fiesta del Libro Usado, vuelve la FLU. Por segundo año consecutivo tiene lugar este encuentro que reúne a libreros con lectores “para acercar el placer de la lectura a todos los bolsillos”, tal como sostienen los organizadores del evento. Esta vez la sede elegida es la Plaza del Lector de la Biblioteca Nacional (Las Heras 2505, CABA). Además de stands con las librerías de usados más interesantes de la ciudad, que prometen llevar joyas a sus puestos, a lo largo de los dos días habrá lecturas y mesas con grandes escritores. Pueden leer más por acá.

Bonus track II. Por estas horas se conoció el tráiler de la nueva película de Hayao Miyazaki, The Boy and The Heron (se anuncia para diciembre en Estados Unidos, no tenemos fecha para acá todavía). Es hermoso como todo lo que hace Studio Ghibli. Lo dejo por acá y me despido hasta la próxima.

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No falla. Cada vez que una de las plataformas líderes en servicios de streaming altera sus condiciones contractuales, se desencadena un debate público de imprevisibles consecuencias. Pasó hace un año con Netflix tras anunciar el fin de las cuentas compartidas y está pasando ahora con Spotify. La líder en transmisión de música en línea informaba hace pocos días de una subida generalizada en sus cuotas de suscripción, la primera en su historia. El asunto no tardó en propagarse en las redes con especulaciones sobre los motivos detrás de este incremento y posibles alternativas a la plataforma sueca, siendo Tidal la más recomendada de entre sus competidoras. Y no, no porque resulte más asequible. Su planes y precios son similares. Las razones apuntadas para dar ese salto son otras.

Tidal es un servicio de streaming de música y vídeos en alta calidad fundado en 2014 por la compañía escandinava Aspiro y adquirido un año después por el rapero Jay-Z para competir con Spotify que, por aquel entonces, ya estaba cambiando las reglas del juego en lo que afectaba al bolsillo de los creadores. “La primera plataforma global de música y entretenimiento propiedad de artistas” rezaba la campaña de lanzamiento en la que participaron Madonna, Beyoncé, Nicki Minaj, Rihanna, Daft Punk, Coldplay o Kanye West entre otros de sus accionistas.

“Una plataforma propiedad de artistas que tratará a los creadores de música con el mayor de los respetos”, remataba el mismo Jay-Z en una entrevista a The New York Times ese mismo año. Un bonito propósito que él mismo volatilizaría en 2021 al vender el 80% a la tecnológica Square por 300 millones de dólares. Previsiblemente pactado en el acuerdo de compra, Tidal mantiene esa pretensión ética de “seguir siendo el mejor hogar para la música, los músicos y la cultura”, según afirmó Jack Dorsey, CEO de Square y fundador de Twitter, tras su adquisición.

Retribuciones más justas

Es esta filosofía de negocio, a priori más respetuosa con los creadores que integran su catálogo, uno de los puntos fuertes entre quienes la recomiendan. El encarecimiento de los planes de pago de Spotify, entre un 10% y un 20%, ha reavivado la polémica sobre el reparto de regalías de las empresas de streaming, especialmente rácano para las propuestas con menor número de oyentes. Mientras la sueca “beneficia a las grandes y medianas discográficas, Tidal paga cinco veces más a los artistas que suben sus canciones ahí”, defiende Guille Mostaza, compositor, productor y gerente del estudio de grabación Álamo Shock donde emplea uno de los planes familiares de la plataforma.

Tidal paga cinco veces más que Spotify a los artistas que suben sus canciones ahí

Guille Mostaza — Músico y productor

También el músico Javier Ojeda señala esta diferencia para decantarse por su servicio. “Es bastante más del triple”, comenta. Pero acaba filtrando el descontento con el sistema de retribución al puntualizar “más del triple de casi nada, pero bueno, esto es lo que hay”. Unas condiciones que generan disidencias. Son muchos los músicos que no dudan en exhibir públicamente su rechazo al streaming, especialmente entre quienes conocieron el auge del formato físico con el que se embolsaban al menos un 10% en derechos por cada disco vendido.

Atendiendo a los números, Spotify paga entre 0,002 céntimos y 0,004 céntimos por cada reproducción según el emplazamiento del oyente, la popularidad de la canción o incluso su duración. Tidal, en cambio, otorga 0,01 céntimos, una diferencia que puede quintuplicar a la de la compañía sueca.

A esto hay que añadir el sistema de pago. El de Spotify, como el de Apple Music, se basa en el prorrateo, es decir, calcula la proporción que debe recibir cada artista poniendo su número de reproducciones en relación con el global de la plataforma. Este modelo favorece a los artistas más escuchados quienes también salen beneficiados por el complemento de ingresos por publicidad. De esta manera, la cuota del usuario podría financiar proyectos musicales que jamás apoyaría voluntariamente.

Tidal, como Deezer, sí se centra en las preferencias del usuario. Su sistema UCPS (User Centric Payment System) reparte una parte importante de la suscripción mensual del oyente entre sus artistas más reproducidos, yendo un 10% íntegro al más escuchado de todos ellos. ¿Más justo? Probablemente. Guarda, cuando menos, alguna similitud con el sistema tradicional, en el que el seguidor retribuye de forma directa al artista a través de la compra física del disco.

Por otra parte, ese conteo de reproducciones totales que aparece junto a cada canción en la interfaz de Spotify desaparece en Tidal, detalle que valora Javier Ojeda para “acabar con esa ansiedad que producen estos números en los artistas y ayudar a que el oyente decida libremente lo que escuchar sin estar condicionado por cuestiones mercantilistas”.

Calidad de sonido

Otra de las razones esgrimidas por los usuarios para optar por Tidal es su mayor calidad de sonido. “Tengo la sensación de que cuida más la música, de entrada hace streaming de audio a máxima resolución, lo que supone bastante más calidad que la de Spotify”, dice Guille Mostaza en referencia a esos 1.411 Kbps en formato FLAC del plan básico de Tidal (9.216 en el superior) frente a los 320 kbps en formato OGG del plan Premium de Spotify. Una característica determinante para un profesional del sonido que prefiere “escuchar la música tal y como salió del estudio, no filtrando frecuencias e información dinámica. Esto, junto a su amplia sección de créditos, hizo que me decidiese por esta plataforma”, comenta.

En el mismo sentido se pronuncia Javier Ojeda que, tras confirmar esa superioridad de Tidal en cuanto a sonido, también subraya “la posibilidad de contar con mayor información sobre lo que se está reproduciendo”, en alusión a su sistema de acreditación, “mucho más completo que en Spotify”. Una información con la que “se aprenden muchas cosas valiosas, como que en la música hay muchos puestos de trabajo diferentes, algo que en el cine tienen muy bien aprendido”, señala Guille Mostaza y corrobora Ojeda cuando recuerda a quienes “hemos hecho nuestra culturilla musical a base de leer la información sobre músicos, compositores y productores de aquella o esta canción”.

Por otro lado, Javier Ojeda advierte sobre otro aspecto técnico a tener en cuenta, el de la limitación en el volumen de reproducción de Spotify, inexistente en Tidal, que hace que “todas las canciones suenen al mismo volumen” e impide escuchar el disco “como ha considerado el productor, el artista o quien sea”, recalca.

Luis Moner, de la discográfica independiente Discos Belamarh, se desmarca de la cuestión de la calidad sonora y asegura que usa Tidal porque se lo recomendaron en ese sentido pero “como no soy audiófilo no noto la diferencia”, una experiencia que evidencia que la tan cacareada superioridad de sonido de la plataforma podría no resultar apreciable para todos los oídos.

¿Iguales en catálogo?

Respecto a la envergadura de sus catálogos, la diferencia entre ambas plataformas no parece significativa. O no, al menos, para quienes han hecho las transición de una a otra. Beatriz Efe, una de sus usuarias, utilizó una aplicación que permite el trasvase de listas desde Spotify a Tidal y explica que “de una lista de 23 horas de música muy muy muy variada, perdí menos de 25 minutos de canciones”. Experiencia que coincide con la de Guille Mostaza, a quien le parece desdeñable “el no encontrar alguna canción en ninguna de las dos, o que a veces esté en una y en otra no” y recuerda que “hay artistas que se han retirado de Spotify bien por temas éticos o bien porque no están de acuerdo con su reparto de beneficios” por lo que a efectos de catálogo el resultado “es de empate con Tidal”. Ojeda, en cambio, discrepa al considerar que esta “tiene un catálogo un poco inferior en volumen con respecto a Spotify, Deezer y otras”, aunque puntualiza que “está casi todo”.

Es la cuestión referente a los contenidos albergados por la compañía sueca otro de los condicionantes que podrían impulsar al cambio de plataforma. Lo mismo que pasó con Joni Mitchell o Neil Young, que retiraron sus canciones de Spotify por la difusión de fake news, está sucediendo con usuarios preocupados por distintas cuestiones éticas. Una de ellas es Beatriz Efe que, además de apuntar su mejor sonido y un reparto más justo para los artistas, tiene entre sus razones para elegir Tidal que “no financia y publicita podcasts con contenido fascista”.

Las armas de Spotify

Pero que Spotify sea la compañía de streaming que representa al 32% de los usuarios del servicio, con más de 200 millones de suscriptores y presencia en más de 200 países (este año ha despedido al 6% de su plantilla) no puede ser casualidad. Tras el despligue de motivos expuestos para sustituirla, ¿hay razones que expliquen por qué tantas personas siguen confiando en la plataforma? Las hay, más allá de la inercia social del “más vale malo conocido…” o de su altísima inversión en marketing.

A la cabeza de ellas su plan gratuito, por el que apuesta más de 300 millones de usuarios y que se financia a través de la publicidad emitida en un modelo próximo a la tradicional radiofórmula. Una prestación que, por otra parte, no es exclusiva de Spotify. Además de Deezer o Soundcloud, también se puede escuchar música gratis en plataformas que no requieren de suscripción ni de registro, como YouTube o Bandcamp, esta última erigida en escaparate para las bandas noveles.

Y los usuarios de Tidal, ¿echan de menos algo de Spotify? Ojeda menciona su motor de búsqueda que considera “muy superior” al de Tidal, lo que explicaría que “pueda tardar más en encontrar una determinada canción”. Guille Mostaza destaca su navegador y elogia la aplicación misma: “Es magnífica: la rapidez, la sencillez de su manejo y el buscador son lo mejor”. Y Beatriz Efe señala la presencia de contenido exclusivo, algo que la ha condicionado para mantener Spotify en sus dispositivos: “Es la única forma de escuchar Deforme Semanal”, se lamenta, aunque sí se ha dado de baja del plan Premium porque, insiste, se niega a que su dinero “se reinvierta en propaganda fascista”.

Otras cuestiones técnicas afloran entre los usuarios de Tidal en la confrontación de ambas plataformas. Entre ellas, el irregular funcionamiento de las aplicaciones para el móvil, su mejorable conectividad con otros dispositivos o los defectos en su modo sin conexión que “aunque es bastante más fiable ahora que hace un año, aún así falla más de la cuenta” afirma Beatriz Efe, quien también se queja de lo difícil que es compartir música con gente que no usa la aplicación.

La polémica que no cesa

En cualquier caso, ni la subida de cuotas ni un cambio masivo de proveedor revertirán en mejorar las condiciones a los artistas, demanda clave en la polémica sobre este modelo de negocio digital. Y que, si bien la irrupción de Spotify supuso el fin del pirateo que había traído de cabeza a los agentes de la industria durante años, es la actual expansión del streaming la que está revelando sus toxicidades. No solo se trata de un negocio deficitario: también deviene en otras problemáticas de alcance, desde implicaciones en la sostenibilidad de pequeños proyectos culturales a la homogeneización de oferta y demanda, el impacto sobre la morfología de las canciones o la incorporación sin filtro de música generada por IA en sus catálogos.

“El streaming se nos vendió como una forma de democratizar el acceso a la música”, opina Luis Moner, “pero al final, como cualquier otro eslabón del capitalismo, es una forma de control de la atención que permite a grandes emporios del entretenimiento poder gestionar y monitorizar tus gustos mediante listas de canciones”, quien pone el foco en la escucha aleatoria porque “no faculta al oyente a tener una capacidad crítica de lo que quiere o no escuchar”. Mostaza, por su parte, también apela a la responsabilidad del usuario en este proceso, pues “si se acude a estas plataformas para ver lo que sugieren está claro que las tendencias de mercado tienen su manera de venderte lo que quieran”.

La situación no tiene visos de mejora a corto plazo. Ojeda la define como “un escalón más en el continuo desmoronamiento de la situación de intérpretes y creadores en la industria musical” y, aunque asume que es una batalla perdida, intenta no quejarse, “las cosas son así y si no te adaptas, mueres”. El mismo sentir se refleja en Luis Moner. Aunque su discográfica debate con los artistas el acceso al streaming, lo hace sin convencimiento ni afección alguna: “Soy consciente de que no nos va a aportar un extra de ventas y tan solo el ‘tener que estar’ ya me produce un fastidio tremendo”.

Uno. No hay fechas así sin filo, sin puñal doble: la memoria de la persona que falta y el recordatorio rasposo del tiempo para el que todavía sigue (tres años ya). El 6 de julio se cumplieron tres años de la muerte de Rosario Bléfari y, una vez más, las redes se llenaron de fotos, de recuerdos, de canciones. Mi amigo Martín compartió un podcast que lanzaron este año para homenajearla. Lo busco, me quedo en el título, Excursiones a los universos de Rosario Bléfari, me encanta. Hablan músicos, escritores, actores. Todos amigos, gente que la conoció, por lo general, en movimiento. Que la encontró en recitales, en ferias de libros, en rodajes, en cumpleaños. También aparece ella misma, con su forma particular de estar en esos lugares, con esa vida y esa obra de excursión permanente.

Dos. En lo formal: excursión. f. Ida a alguna ciudad, museo o lugar para estudio, recreo o ejercicio físico. En lo menos rígido: descendiente directa, casi siamesa de excursus, de la digresión, de moverse hacia afuera. 

Tres. A veces reniego, a veces me divierto con esto. Tengo una memoria escolarizada para varios asuntos (dejo anotado que fui a la guardería desde los 45 días, en algún momento me mandaron a dos jardines en simultáneo, hice el secundario en doble turno y mejor cierro acá la digresión para no abundar). Y digo escolarizada en el sentido de que muchas acciones, términos que uso o recuerdos están moldeados por la experiencia escolar (¿qué vino primero, el delantal o una forma de decir y estar?). En cualquier caso, todavía hoy, cuando alguien falta a alguna reunión o asunto programado digo que tal se rateó, por ejemplo, o que alguien demasiado obsecuente hace fuerza por salir abanderado. Tal vez sea por eso, también, que cuando leo o escucho excursión pienso en el día distinto en medio de una rutina más o menos establecida, el de la salida, el de la sorpresa, el de las mil posibilidades. La excursión es ese movimiento que habilita lo infrecuente, la excursión tiene gusto a Cepita de manzana. Una modulación más ligera que viaje, menos definitiva; más concreta que paseo, menos atolondrada. Por eso me atrapa. La excursión es un resquicio, un agujero en el pizarrón o en el cuaderno, un abracadabra, una palabra que abre.

Cuatro. “Querido Orión: Todos los escritores tienen una palabra favorita que los traiciona”, escribe Lucio V. Mansilla en el comienzo de la excursión más célebre de la literatura argentina, Una excursión a los indios ranqueles, esa serie de cartas tramposas a un amigo que se convierten en libro. Un poquito después sigue: “Decididamente alcanzamos unos tiempos raros, —todo menos lo que queremos”.

Cinco. Dos excursionistas que se encuentran en sus textos, pienso ahora, mientras leo a otras dos amigas que intercambian cartas. En Ya te llegará (Eterna Cadencia, 2023) se reúne la correspondencia que se enviaron las escritoras Margo Glantz y Tamara Kamenszain entre 1984 y 1997. Más allá de poder pispear qué se decían, qué pasaba entre ellas, qué pasaba con ellas en el mundo en el que se movían, me enganchó el hecho de que estos mensajes fueran en sí mismos pequeñas excursiones en medio de sus obligaciones, sus pesares, los avatares del correo, sus inquietudes. Una forma de salir de lo de todos los días y, al mismo tiempo, un modo de acercarse a la distancia, entre palabras. “Trabajo mucho, no termino nada, no me dedico a la literatura, sino al ensayo, hago miles de planes, recorro los caminos, doy conferencias, me angustio y se va la vida, pero no es el león cómo lo pintan, las cosas se arreglan, se divierte uno, vienen los amigos, etc.”, le escribe Margo a Tamara en agosto de 1991.

Seis. Excursiones es el cuarto y último disco de Suárez, la banda que lideraba Rosario Bléfari. La canción Excursiones, segunda en la lista, es la que le da nombre. La letra menciona lugares de confluencia, como una plaza con dos veredas y una avenida que baja hasta el puerto, espacios afuera, rincones donde nos vinimos a encontrar. También se repite muchas veces la palabra excursiones; como al cantarla Rosario la acentúa en la e final, la hace sonar más extraña de lo que ya es. La enrarece, la estruja, la estira hasta desarticularla. 

Arranca nuestra excursión semanal y escrita con algunas de estas cosas que fui anotando, arranca una nueva edición de Mil lianas.

1. La vida dormida, de Natalia Labaké. Hablamos de este documental cuando se estrenó en 2022 y es una alegría que siga circulando y ahora se pueda ver de manera gratuita en la plataforma CineAR Play. En La vida dormida, la ópera prima de la directora argentina Natalia Labaké, se suceden las imágenes de su archivo familiar y también las que ella misma decidió registrar. Las protagonistas son las mujeres de una familia peronista, una abuela que grababa todo (las escenas que mejor resumen los '90 en su mirada: Menem bajando de un gomón en una playa, Menem jugando al tenis), una nieta que rescata y observa.

Es que la cineasta, nieta de Juan Labaké, mítico dirigente peronista y apoderado de Estela Martínez de Perón (de alguna manera el hombre que, a partir del silencio de la ex presidenta, habla por ella), realiza en su película un doble movimiento. Por un lado, recupera las grabaciones que hizo su abuela Haydeé Alberto, que grabó a su esposo y a su familia a lo largo de toda su vida con cámaras caseras. Y por el otro, decidió ella misma repensar el lugar de esa mujer que miraba y de otras mujeres de su familia.

Así, consigue un retrato muy fino de época (en ese sentido, sobre todo por el uso de materiales caseros en formato hogareño, me hizo acordar bastante a Esquirlas, otro documental interesantísimo que comentamos por acá y que también está disponible para ver gratis en CineAR) y otro muy personal, en el que con sutileza se descubren, como en capas, secretos, intrigas e internas familiares. Vidas que parecían dormidas, hasta que se enciende una cámara.

La vida dormida, de Natalia Labaké, se puede ver ahora en la plataforma gratuita CineAR Play.

2. Ya te llegará. Correspondencia 1984-1997, de Margo Glantz y Tamara Kamenszain. Las escritoras Margo Glantz y Tamara Kamenszain se conocieron en México en 1979, cuando Tamara, Héctor Libertella –por entonces su marido– y Malena, su hija pequeña, debieron exiliarse en ese país. Aunque la relación había empezado antes por un vínculo que tenían sus padres, al poco tiempo se hicieron muy amigas. Tanto que la amistad continuó durante varias décadas en las que se encontraron de manera salteada en distintas circunstancias por lo general vinculadas con los libros y países. Ya te llegará (Eterna Cadencia, 2023) recopila las cartas que empezaron a intercambiar cuando Kamenszain regresó a Buenos Aires con la vuelta de la democracia y hasta 1997.

Con prólogo y un trabajo muy delicado de reposición de detalles y contextos, a cargo de las escritoras Leonora Djament, Cynthia Edul, Florencia Garramuño, Mercedes Halfon y Malena Rey, el libro es el testimonio de un vínculo de afecto, pero también un documento de época. Una serie de cartas que permiten asomarse a la literatura y sus bordes, entre la circulación de los libros, las preocupaciones de estas dos mujeres y esa efervescencia vital que, incluso en épocas difíciles, las llevaba a seguir escribiendo hasta convertirse en dos autoras latinoamericanas fundamentales. Como en toda buena conversación entre amigas, hay escenas memorables que se superponen sin orden ni prioridad, entre quejas, curiosidades, chismes, observaciones sobre textos propios y ajenos, pesares, reclamos, burocracias. Todo ese universo íntimo y literario quedó plasmado en una correspondencia que las dos conservaron durante décadas. Esta edición, además de la transcripción de las cartas incluye también en versión facsimilar algunas postales que también se enviaron y que, cuando Kamenszain murió en 2021, fueron encontradas entre sus papeles personales. 

Ya te llegará, con las cartas de Margo Glantz y Tamara Kamenszain, salió por Eterna Cadencia Editora.

3. Especiales Nacional: Excursiones a los universos de Rosario Bléfari. Como les contaba más arriba, el 6 de julio se lanzó el primero de los tres episodios de este podcast de la colección de especiales realizados por Radio Nacional dedicado a la figura de Rosario Bléfari. La propuesta es muy simple: hay una voz que narra muy poco y, de inmediato, da lugar a los testimonios para repasar su vida y la obra. Todo está armado de a pedacitos con archivos de la mismísima Bléfari y también con los recuerdos de quienes la conocieron. 

La lista de convocadas y convocados es impactante y muy diversa, desde sus compañeros de Suárez, hasta actrices como Susana Pampín y Cristina Banegas, y también personajes del mundo de la música (la anécdota que cuenta Mosca, del grupo punk 2 Minutos, vale por todo el capítulo), de las artes plásticas, de la literatura, del teatro y el cine. 

Escuchar estas voces –muchas de ellas emocionadas por la evocación– es lindo y al mismo tiempo muy conmovedor. También es una forma sonora que captura escenarios, momentos, lugares que ya no existen y en los que Rosario Bléfari dejó huellas delicadas y profundas.

El primer capítulo de Especiales Nacional. Excursiones a los universos de Rosario Bléfari, con producción de Radio Nacional, está disponible en Spotify.

Apostilla. A propósito del desembarco en Amazon Prime Video de la película Blondi, dirigida y protagonizada por Dolores Fonzi, el crítico argentino Diego Lerer hizo una tarea titánica: armó esta lista con 100 películas argentinas disponibles en esa plataforma. La verdad es que se trata de un auténtico mapa de referencia. Y digo que su misión fue titánica porque Prime suele ser complicada y mantiene misteriosamente muchas películas ocultas que recién aparecen después de buceos profundos. Gracias a la tarea de Diego, en esta selección que armó para su sitio Micropsia pueden ver, entonces, todo el material nacional disponible allí.

Banda sonora. Él Mató sacó finalmente Súper terror, su nuevo disco, y esas canciones potentísimas se volvieron de alguna manera una banda de sonido excluyente de estas horas (me costó decidir, pero elegí tres para este espacio). Me gusta esto que escribió Gabriel Plaza, uno de los periodistas de música que más admiro por su enorme conocimiento y sensibilidad: “Un disco que empieza con una canción como ‘Un segundo plan’ merece ser uno de los  discos del año. El tema es un manifiesto. Condensa en su estribillo la búsqueda de un ideal y persigue todo aquello que perdió una generación”. Ya que estamos: a propósito de este lanzamiento, Gabriel le hizo una entrevista divina a Santiago de Él Mató para Tiempo Argentino (la pueden leer en este enlace). 

Por supuesto que, aunque en nuestra lista compartida ya teníamos muchas canciones de Rosario Bléfari en sus distintas vertientes –sola, con Suárez, en ese dúo hermoso que se llamó Los Mundos Posibles–, sumé varias más que se pueden escuchar por acá.

Bonus track. Ya comentamos alguna vez en este espacio lo bueno que es Usina Lumiton, un lugar que, además de diversas actividades presenciales, ofrece distintos materiales para ver online y gratis para quienes estamos en Argentina. Por estos días y hasta fin de mes, en su menú tienen, entre otras cosas, tres películas que no dejaría pasar. Por un lado, con subtítulos en español y en copia restaurada, se puede ver Jeanne Dielman, 23, quai du Commerce, 1080 Bruxelles, de la directora belga Chantal Akerman (lo anotamos por acá: en 2022 fue elegida como la mejor película de todos los tiempos en la tradicional encuesta que hace la revista británica Sight & Sound). Además, la plataforma también tiene dos películas argentinas imperdibles: La mujer de los perros, de Laura Citarella y Verónica Llinás, y La flor, de Mariano Llinás con las integrantes del grupo Piel de lava como protagonistas.

Bonus track II. Desde que arrancó el año se multiplican todo tipo de actividades culturales que tienen como eje para la reflexión y la memoria los 40 años de democracia. La semana pasada se inauguró la muestra fotográfica Caminar por las veredas, que reúne el trabajo de fotoperiodistas muy destacados de la Argentina como Rodrigo Abd, Rafael Calviño, Silvana Colombo, Dante Cosenza, Daniel García, Eduardo Longoni, Daniel Merle, Mariana Nedelcu y Natacha Pisarenko con curaduría de Laura Casanovas. Por acá pueden leer un poco más sobre esa y otras exposiciones interesantes –y gratuitas– que se pueden visitar en Buenos Aires.

Bonus track III. Los dejo con esta versión de Viento helado de Rosario Bléfari en 2015 y me despido hasta la próxima.

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La empresa sueca Spotify anunció este lunes que tiene planeado recortar el 6% de su personal “esta misma semana”, tras el desplome del 66% de sus acciones del año pasado. Se suma así al conjunto de empresas tecnológicas que cotizan en bolsa que tuvieron que ajustar sus recursos humanos.

Las acciones de la compañía cayeron por las dudas de los inversores sobre el viraje de la plataforma hacia el formato podcast, según la agencia de noticias alemana DPA. El anuncio de despidos se suma los recientes de otras empresas de tecnología como Amazon, Meta (Facebook, Instagram, Whatsapp), Microsoft o Alphabet (Google).

La mayoría de las empresas del sector culpan por los recortes de personal al aumento de la inflación, la suba de tipos de cambio, o en algunos casos el fin del ciclo expansivo de las plataformas digitales, el cual tuvo lugar durante la pandemia de Coronavirus.

Por su parte, Microsoft anunció que por la incertidumbre económica y cambios en las prioridades de los clientes, despediría desde el 18 de enero a unos 10.000 empleados, lo que representa algo menos del 5% de sus 221.000 trabajadores, informó AFP. La compañía con sede en Washington ya efectuó despidos en dos etapas, una en julio de 2022, que afectó a menos del 1% de su personal, y otra en octubre, donde despidieron menos de 1.000 personas.

El 5 de enero, Amazon dijo que despediría “un poco más de 18.000” empleos en todo el mundo, mediante un plan de despidos que afectará sobre todo a los almacenes gestionados por el grupo y al departamento de recursos humanos.

La empresa Meta, casa matriz de Facebook, Instagram y WhatsApp, anunció en noviembre despidos de 11.000 puestos de trabajo, lo que corresponde al 13% de su plantilla.

Twitter, luego de su adquisición por el magnate Elon Musk a principios de noviembre de 2022, lanzó un contundente plan de recortes que afectó a la mitad de sus 7.500 trabajadores.

Por ultimo, Alphabet, casa matriz de Google, anunció el 20 de enero que despediría a unas 12.000 personas en todo el mundo, poco más del 6% del total de sus empleados.

LC con información de agencia Télam

“Muchachos, ahora nos volvimos a ilusionar”, el tema que cantaron los hinchas argentinos durante el Mundial y que alimentó la ilusión de todo un país, volvió a batir otro récord en la conocida plataforma de música, Spotify.

El tema de la banda La Mosca Tsé-Tsé se convirtió en un éxito total en este último mes y, en la previa de la final de la Copa del Mundo, se colocó en el primer puesto de lo más escuchando en el país en la plataforma Spotify.

Ahora, alcanzó otra meta, pero esta vez se trata de una muy especial. .

Según informó ChartData, página conocida por proporcionar actualizaciones relevantes y notables sobre pistas, álbumes y artistas a nivel mundial, la canción de la banda liderada por Guillermo Novellis “rompió el récord de transmisión de un solo día de todos los tiempos para una canción en Spotify Argentina con 1.578 millones de transmisiones después de que la Argentina ganara la Copa del Mundo”, informó la organización a través de su cuenta oficial de Twitter. .

El pasado martes, la canción se había subido al primer puesto de lo más escuchando en el país en la plataforma Spotify y había entrado al número 1 en el “Top 50 Argentina” con más de 500.000 de reproducciones en un solo día.

De esta manera, había superado a “La Bachata” de Manuel Turizo, “Cómo chilla ella” de YSY A, “Dos Besitos” de La Joaqui, “Punto G” de Quevedo y “Quevedo: Bzrp Mussic Sessions Vol. 52” de Bizarrap y Quevedo.

La adaptación del clásico tema “Muchachos”, popularmente conocido por ser cantado en los estadios por las hinchadas de fútbol, fue lanzado por la banda el pasado 11 de noviembre en la plataforma de videos YouTube, donde fue furor e inmediatamente cosechó más de 12 millones de reproducciones y más de 300 mil “Me gusta”.

Mientras que en Spotify alcanzó más de 5 millones y medio de reproducciones.

La nueva versión, por los jugadores

La original, de La Mosca

Con información de agencias.

IG

No hizo falta entrar en diciembre para darnos cuenta de que este año ya estaba terminado. En el último día de noviembre, la plataforma de streaming musical Spotify nos entregó su ya clásico resumen de fin de año, el wrapped 2022. Un compendio de datos, colorido y animado, para replicar en stories de Instagram, a través del cual se le informa a cada uno de los usuarios cuáles fueron sus artistas más escuchados, las canciones que más veces reprodujo, los géneros más transitados y algunas otras curiosidades que intentan configurar una radiografía del consumo musical de cada individuo. No es un ranking con lo más escuchado o lo más popular sino una suerte de espejo para que cada uno pueda ver su propio comportamiento como consumidor de música y compartirlo con el mundo a través de las redes.

Algún tiempo atrás, los medios especializados de música en Argentina -revistas y suplementos juveniles de los diarios- hacían para esta fecha sus ediciones de fin de año, sus anuarios para señalar qué había sido lo mejor de los últimos doce meses. A veces esas listas las confeccionaban los propios periodistas pero también se incluían encuestas para dar voz a los lectores y a los músicos, de modo que todos pudieran aportar su mirada. Así se llegaba a determinar lo más destacado: los discos, las canciones, los videoclips y también los recitales. Hoy parece ya no ser necesaria esa voz centralizada que nos permitía ir en busca de aquello que tal vez se nos había escapado, alegrarnos por lo bien que le había ido en el año a algún artista de nuestra preferencia o indignarnos por el modo en que el público abrazaba algún proyecto musical que no nos convencía.

La recapitulación anual que hace Spotify se aleja de esos mecanismos y entrega en su lugar una herramienta para que cada uno pueda hablar de sí mismo a través de la música. Apoyándose en el tan mentado algoritmo, la plataforma le muestra a cada usuario qué tan bien lo conoce y organiza sus gustos personales para que pueda exhibirlos ante el mundo con orgullo.

Unos pocos días antes de que llegara a los usuarios de Spotify este resumen, circuló en algunas redes sociales un experimento similar que utilizaba la misma información para la confección de un cartel de festival. Una imagen con el line up del festival de los sueños de cada uno. La aplicación Instafest le permitía a cada usuario visualizar cómo sería un festival hecho a su medida, donde se cruzaran todos sus artistas preferidos: los locales y los extranjeros, los que están en actividad y los que ya no tocan, los vivos y los muertos. Se le dio a los usuarios -otra vez- la posibilidad de hablar de su propio gusto musical, apelando en este caso a la idea aspiracional del festival, una de las formas más populares de consumir música en vivo en esta época. Si sos un usuario más o menos constante de redes sociales e hiciste de Spotify la base de tu consumo musical, probablemente esta semana que pasó hayas sido parte o testigo de esta experiencia. Si aún no lo hiciste y querés ver el cartel del festival hecho a tu medida, solo tenés que ingresar en instafest.app.

En el año que se está yendo tuvimos en Buenos Aires grandes festivales como el Lollapalooza, el Quilmes Rock y el Primavera Sound. La semana que viene llega una nueva edición del festival Music Wins con una cartelera que incluye a Metronomy, Devendra Banhart, The Blaze, Chet Faker y Magnetic Fields. Los festivales siguen siendo un punto de referencia y un objeto de deseo para jóvenes y adultos no solo por la propuesta musical que ofrece cada uno sino también por lo que representan como experiencia social, por la oportunidad que brindan de encontrarse con otros en un espacio común. Los festivales -y también los conciertos por fuera de los festivales- son una de las formas de consumo cultural que menos transformaciones ha sufrido en el siglo XXI.

El modo de ir a ver música en vivo que tenemos en la actualidad no dista mucho de lo que era en los años 60, 70 y 80. Sigue siendo, afortunadamente, un ritual en el que ponemos el cuerpo, nos acercamos a otros y -lo más importante- estamos probablemente dos horas concentrados en algo que está ocurriendo y no es mediado por pantallas. Probablemente lo más disruptivo de esa escena sea la presencia de los celulares levantados entre la multitud buscando capturar el momento para rememorar más tarde o como un modo de decir “yo estuve aquí” a los seguidores en Instagram. Más allá de ese detalle, el espacio de los recitales sigue manteniendo varios de sus rasgos esenciales y se convierte en un saludable escape para el cuerpo y la mente.

El ejercicio que propone Instafest -el sueño de ese bello festival hecho a medida del gusto musical de cada uno- parece inofensivo: nos regala una bella imagen que habla de quienes somos y nos invita a conocer el mix musical de nuestros contactos. Pero es finalmente un juego peligroso en tanto sugiere la posibilidad de hacer ingresar el algoritmo en una experiencia que aún se permite ser colectiva y en alguna medida diversa y abierta a lo inesperado. Parte del encanto de un festival es no saber de manera tan taxativa quiénes se van a presentar y la posibilidad de enfrentarse a lo desconocido, descubrir una banda o un solista que está fuera de nuestro radar. Aún siendo solamente un ejercicio visual y mental, el cartel que nos regala Instafest termina exponiendo la cara más cuestionable del modo de consumir música en la actualidad.

En Spotify todo está disponible. Toda la música que alguna vez soñamos tener, la tenemos. Pero esa accesibilidad ilimitada se volvió una trampa que nos aleja de la posibilidad de conocer música nueva o vieja por fuera de nuestros consumos habituales. Si algo tenemos para reprochar a Spotify es justamente el modo en que muchas veces nos encierra dentro de nuestro propio universo de canciones del momento, ese afán por darnos solamente lo que sabe que nos gusta hoy. El sistema de recomendaciones a través de playlists y los daily mixes que confecciona el algoritmo para cada usuario muchas veces termina construyendo un muro a nuestro alrededor, que posterga la posibilidad de alcanzar nuevos mundos y, lo que es aún peor, nos puede hacer odiar, por insistencia y repetición, la música que más amamos.

HS

Bizarrap fue el artista argentino más escuchado del mundo, el rapero puertorriqueño Bad Bunny el más reproducido en la Argentina y el podcast “La cruda” de Migue Granados, el favorito local y número 50 a nivel internacional, según los datos que compartió la plataforma Spotify sobre las preferencias de los oyentes en 2022.

A poco de terminar el año, la plataforma de música con más de 456 millones de usuarios en todo el mundo, reveló un informe en el que detalla qué se escuchó en el país y en el mundo.

En la Argentina, Spotify reveló que el género urbano se consolidó entre las preferencias de los oyentes, al arrojar que el artista más escuchado en el país durante 2022 fue Bad Bunny, seguido por Duki y Maria Becerra.

Las canciones más escuchadas de este año en el país también tuvieron sello argentino: el tema más reproducido fue de Bizarrap, con su “Session #52” con Quevedo, seguido por “La Bachata” de Manuel Turizo y nuevamente Bizarrap con su colaboración #48 con Tiago PZK, (session que se ubicó en el puesto 39 de Chile, el 5 en España y en el 20 en Perú).

En lo que respecta a las artistas mujeres dentro del Top 50 local, María Becerra corona 2022 ocupando el tercer lugar del ranking local con 653,8 millones de reproducciones acumuladas, Tini se ubica en el séptimo lugar con más de 408,2 millones y Nicki Nicole con más de 304,9 millones.

En el universo de los podcast, “La Cruda” de Migue Granados, que este año fue reconocido por la Legislatura porteña, fue el más escuchado en la Argentina y además ocupa el puesto 50 en los ranking mundiales.

En el escenario internacional, Bizarrap consiguió ser el artista argentino más escuchado en el mundo durante 2022, ubicado en el puesto 49, seguido por Duki (puesto 71) y María Becerra (número 110).

Por su parte, el RKT se posicionó este año dentro de los rankings de Spotify, donde se destacó el tema “Tu turrito” de Rei junto a Callejero Fino. Este género que fusiona la cultura del reggaetón y la cumbia se presenta como un movimiento creciente en la Argentina con artistas como La Joaqui, Kaleb Di Masi y DJ Tao.

A nivel global de reproducciones, este año el rapero puertorriqueño Bad Bunny es el artista con más reproducciones en la plataforma -más de 18,5 millones- seguido por Taylor Swift, Drake, The Weeknd y BTS.

Con información de Télam.

IG

La estremecedora historia del líder de Viejas Locas, Pity Alvarez, ya está disponible en Spotify en formato podcast documental. De la fama y los escenarios a pasar sus días tras las rejas por asesinar de cuatro balazos a un hombre. La historia del músico más carismático que la escena del rock nacional argentino supo conocer.

 ¿Que llevó al Pity a asesinar a un vecino? ¿Por qué fallaron todos los mecanismos para contenerlo a tiempo? ¿Por qué su música sigue tan vigente entre las viejas y nuevas generaciones? A poco de comenzar el juicio oral, todas estas preguntas y más encuentran respuestas en el nuevo podcast original de Spotify.

 La producción estuvo a cargo de Anfibia Podcast, con su director Tomás Pérez Vizzón como productor ejecutivo. Anfibia es uno de los referentes de este tipo de narrativa en Latinoamérica y en el último tiempo produjo documentales sonoros como “Basta Chicos” y “Fugas. El Plan perfecto no existe”. En esta ocasión, realizó junto a Spotify, Intoxicado, un relato complejo narrado por el actor Diego Alonso.

 Los episodios recorren toda una vida marcada por peligros y tormentos, como nunca antes había sido contada, el caso también expone las fragilidades institucionales para contener las adicciones y los trastornos de salud mental.   

 Dividido en seis entregas, el primer episodio titulado “Cristian” relata la oscura noche en la que Pity Alvarez asesina de cuatro balazos a Cristian “el Gringo” Díaz de 36 años, en un barrio de monoblocks de Buenos Aires. A partir de allí, el segundo capítulo retrocede en el tiempo e invita al oyente a recorrer los orígenes del cantante: la época de éxitos de los años 80 y 90 de un chico rebelde y astuto de clase trabajadora que encuentra en el rock & roll la vía de escape para una rutina opresiva. Rápidamente, las pérdidas familiares y el comienzo de su consumo problemático de drogas comienzan a tener lugar, dando inicio a una nueva etapa en su vida colmada de excesos y peligros.

 La tercera entrega del nuevo podcast narra un antes y un después en la historia de la música argentina con la disolución de Viejas Locas y el nacimiento de la nueva banda del Pity: Intoxicados. Su fama y reconocimiento artístico comienzan a crecer pero, al mismo tiempo, su vida se vuelve más tormentosa y el artista decide hacer pública su adicción a la pasta base. Instalado en Samoré, el barrio en el que cometerá el homicidio, Pity se siente en peligro y empieza a portar armas.

 A partir de allí, todo se sale de control. En el cuarto episodio, el Pity se convierte en protagonista de páginas policiales mientras lidia con sus adicciones y se describe el germen del conflicto que luego terminaría en el asesinato. Seguidamente, en el quinto capítulo, se cuenta cómo el artista sufre un accidente y planea el regreso de Viejas Locas con un show en Tucumán que terminó por volverse una pesadilla: el predio termina en llamas y el Pity ya no sabe cómo lidiar con la situación.

 El recorrido llega a su fin con “Dios y el Diablo”, el episodio final de la audio serie que revela los detalles del crimen y lo que vino después: las horas del Pity como prófugo, su entrega y la reclusión en el pabellón psiquiátrico del penal de Ezeiza.

PP

La suba impositiva del 45 por ciento al dólar turista tendrá un impacto en el precio de los servicios de streaming como Netflix y Spotify, que se pagan en dólares. La disposición entró en vigencia esta mañana con su publicación en el Boletín Oficial.

A través de la Resolución General 5232, la AFIP elevó la alícuota de la percepción a cuenta de los impuestos a las Ganancias y sobre los Bienes Personales del 35% al 45%. “La actualización alcanza al consumo de divisas para viajes y gastos en el exterior” señaló el organismo a cargo de Mercedes Marcó del Pont.

A su vez, la decisión excluye a las compras para ahorro que continuará con una alícuota del 35%. 

Cuánto costará Netflix

Cuánto costará Spotify

Los impuestos que incluye son IVA (21%), PAIS (8%), adelanto de IG/IBP (45%) que aumentará desde mañana.

DL