El presidente colombiano, Gustavo Petro, ordenó hoy retirar su embajador en Buenos Aires, Camilo Romero, luego de que el presidente argentino, Javier Milei, lo calificara de “asesino terrorista” en una entrevista.

Ya en enero Milei había calificado a Petro de “comunista asesino” y de “una plaga letal para los propios colombianos”. Desde entonces, las relaciones entre ambos países son tensas.

Milei tildó además de “ignorante” al presidente de México, Andrés Manuel López Obrador.

En una entrevista que le concedió a Andrés Oppenheimer, que se emitirá en CNN en Español el domingo por la noche, el presidente argentino fue consultado sobre las elecciones mexicanas que se llevarán adelante el 2 de junio. Al respecto, el líder libertario se refirió a las críticas que le realizó el actual mandatario de ese país, de tendencia ideológica de izquierda: “Es un halago, que un ignorante como López Obrador hable mal de mí me enaltece”, disparó.

En 2023, antes de ganar las elecciones, Milei había considerado que el mandatario mexicano “es verdaderamente patético, lamentable, repugnante”. Luego, López Obrador respondió criticando las primeras medida de la gestión de Milei: “Llega el nuevo gobierno y dice que se acaban los subsidios, ya no va haber inversión pública, el que quiere estudiar tiene que pagar, el que se enferma tiene que pagar... ese es el modelo neoliberal. El Estado en Argentina asume las deudas de una élite de bajo para darle a los de arriba, eso es lo que están haciendo. No va a funcionar”, sentenció.

Por otro lado, en la misma entrevista Milei apuntó también contra Petro, con quien ya venía cruzando declaraciones en los meses previos. “Mucho no se puede esperar de alguien que era un asesino terrorista”, consideró al referirse a su par colombiano.

Tras las declaraciones de enero, Petro había respondido: “Los que nos atacan no tienen ni idea de qué es comunismo y qué es socialismo”.

JJD/CRM con información de NA

Michael Douglas, Jane Fonda, Viggo Mortesen, Julianne Moore y Emma Thompson, entre otras estrellas del cine y la música, afirman en una carta abierta que “una sola arma nuclear es demasiado” e instan al desarme como parte de una campaña que tiene como bandera el filme “Oppenheimer”.

Charles Oppenheimer, nieto del científico Robert Oppenheimer, que fue fundamental en el desarrollo de las primeras armas atómicas y acabó advirtiendo del peligro que entrañan para la Humanidad, es otro de los firmantes de esta carta abierta de la campaña “Make Nukes History” (convierte en historia las armas nucleares) lanzada por la organización The Nuclear Threat Initiative (NIT).

La campaña trata de concienciar sobre la amenaza nuclear al calor del éxito del filme “Oppenheimer”, de Christopher Nolan, que cuenta con 13 candidaturas en la edición de los premios Oscar que se celebra el 10 de marzo en Los Ángeles.

“Oppenheimer describe la historia del origen de las armas nucleares, la historia del Proyecto Manhattan y las posteriores advertencias de Robert Oppenheimer contra una carrera armamentista y el desarrollo de armas aún más poderosas. Oppenheimer tenía razón al advertirnos”, dice la carta abierta que publica este jueves el diario Los Angeles Times.

Los firmantes, entre los que está también la cantante Annie Lennox y la actriz Kristen Stewart, recuerdan que en la actualidad “nueve países poseen 13.000 armas nucleares. Algunas son 80 veces más poderosas que las que destruyeron Hiroshima y Nagasaki en 1945”.

Así mismo citan la advertencia del asesinado presidente de EE.UU. John F. Kennedy a las Naciones Unidas en 1961: “Hoy, cada habitante de este planeta debe contemplar el día en que este planeta ya no sea habitable”.

“Cada hombre, mujer y niño vive bajo una espada nuclear de Damocles, colgando del más delgado de los hilos, capaz de ser cortado en cualquier momento por accidente, error de cálculo o locura”, subrayan estos artistas que buscan con su carta abierta recordar que “si bien Oppenheimer es historia, las armas nucleares no”.

“En tiempos de gran incertidumbre, incluso una sola arma nuclear (en tierra, mar, aire o espacio) es demasiado. Para proteger a nuestras familias, nuestras comunidades y nuestro mundo, debemos exigir que los líderes mundiales trabajen para hacer que las armas nucleares pasen a la historia y construir un futuro mejor”, agregan antes de pedir a la gente que se una a esta campaña “antes de que se nos acabe la suerte”.

El viernes 8 de marzo , como parte de la campaña, se inaugurará una gran instalación de arte en el Original Farmers Market, cerca de The Grove en Los Ángeles, desde donde destacados TikTokers con millones de seguidores grabarán en vivo videos de contenido antinuclear, señala un comunicado de la organización.

“Toda persona debería ser educada sobre el increíble poder destructivo de las armas nucleares. Comprender la amenaza ilumina un camino necesario hacia su eliminación”, dijo el actor Matthew Modine, miembro del galardonado elenco de 'Oppenheimer'.

NIT subraya que Modine ha producido el nuevo documental 'Downwind' sobre el impacto de las pruebas de armas nucleares durante la Guerra Fría.

“Cientos de miles de estadounidenses han resultado directamente perjudicados por la lluvia radioactiva de cientos de explosiones nucleares llevadas a cabo en suelo estadounidense. Desde el momento de la primera prueba de la bomba atómica en Los Álamos, Nuevo México, todo nuestro planeta ha estado en riesgo. Necesitamos detener esta locura”, señala en el comunicado.

EFE.

IG

La Academia de Hollywood anunció este lunes la lista completa de nominados de los Premios Oscar 2024. Los intérpretes Jack Quaid y Zazie Beetzfueron los encargados de hacer públicos los nombres y títulos que pujarán por hacerse con las respectivas estatuillas el próximo 10 de marzo en el Dolby Theatre de Los Ángeles. El cómico Jimmy Kimmel conducirá la ceremonia en la que la película de Christopher Nolan Oppenheimer parte como favorita con 13 candidatos.

Los galardones contarán con presencia española gracias a La sociedad de la nieve de Juan Antonio Bayona, que logra la nominación a Mejor película internacional y a Mejor maquillaje y peluquería. Además de Pablo Berger, que optará al alzarse con la estatuilla a Mejor película de animación por Robot Dreams. Fuera de la lista se ha quedado Penélope Cruz, que optaba a entrar en la terna como Mejor actriz de reparto por Ferrari.

En el cómputo general, Oppenheimer gana la batalla a Barbie, que se queda en ocho nominaciones frente a las once del filme de Nolan; y es superada por Pobres criaturas de Yorgos Lanthimos y Los asesinos de la Luna de Martin Scorsese, que acumula diez. Los siguientes títulos más destacados son Maestro de Bradley Copper con siete y otros tres largometrajes que acumulan cinco cada uno: Anatomía de una caída de Justine Triet, La zona de interés de Jonathan Glazer y American Fiction de Cord Jefferson.

Habrá que esperar algo más de un mes para saber quién tomará el relevo a Todo a la vez en todas partes de Dan Kwan y Daniel Scheinert, la gran triunfadora del año pasado. Hasta ahora solo se conocía a los vencedores de los Governors Awards (Oscar honoríficos), que han recaído en la actriz Angela Bassett, el actor, guionista y director Mel Brooks y la montadora Carol Littleton.

Lista completa de nominados

Mejor película

Mejor dirección

Mejor actriz protagonista

Mejor actor secundario

Mejor actriz secundaria

Mejor guion original

Mejor guion adaptado

Mejor película internacional

Mejor película de animación

La sociedad de la nieve se enfrentaba este fin de semana a dos retos importantes. Uno, su llegada a Netflix, donde la película de Juan Antonio Bayona desembarcaba tras su paso por las salas. Y dos, su primera cita en la carrera de premios que, presumiblemente -y nominaciones el 23 de enero mediante-, concluirá en los próximos Oscar en marzo. El primer reto lo superó con creces. El filme es el más visto en todo el mundo y promete tener unas cifras de visionados que compensen el desembolso en el ambicioso filme hablado en español. En el segundo no pudo llevarse el Globo de Oro a la Mejor película de habla no inglesa, que ganó la francesa Anatomía de una caída que se confirma una vez más como uno de los títulos del año.

El filme de Justine Triet fue la sorpresa de la noche, ya que también se llevó el galardón al mejor guion por encima de varias de las favoritas de la noche. El libreto de Justine Triet y Arthur Harari, un thriller impecable que bajo la coraza de un thriller judicial radiografía una pareja, sale lanzado hacia los Oscar. Un éxito rotundo para el filme y para Cannes. El Festival afianza su posición como la cita imprescindible para el cine de autor y su influencia en la carrera de premios es ya indudable. Ganar la Palma de Oro es cada vez más importante, como demostró Parásitos y como recordó Triet en su discurso. No es de extrañar que en la mesa de Anatomía de una caída estuviera el director del certamen francés, Thierry Frémaux. 

La victoria de Anatomía de una caída no se podrá repetir en los Oscar, ya que Francia ha optado por elegir a A fuego lento, el drama culinario con Juliette Binoche en vez de al filme de Triet. Una decisión polémica que cada día que pasa se confirma como más errónea. Bayona lo tenía en esta ocasión más complicado que nunca, ya que en los Globos de Oro, al contrario que en los Oscar, puede optar cualquier filme que no esté hablado en inglés, por lo que este año había un popurrí de títulos que no podrán estar nominados en los premios de la Academia y que por tanto no serán rivales de la representante española. 

Era el caso de Anatomía de una caída, pero también de Vidas pasadas. Ambas optaban también al premio a la Mejor película dramática del año, y allí no tuvieron nada que hacer ante la mitad del fenómeno del año. El Barbenheimer explosionó también en Los Ángeles, pero solo a medias. Oppenheimer arrasó con todo y terminó la noche con cinco premios. Fue elegido como Mejor filme dramático, mejor dirección, mejor banda sonora, y también dos premios interpretativos. Tanto Cillian Murphy como Robert Downey Jr vencieron como Mejor actor protagonista en una película dramática y Mejor actor de reparto. “Gracias a los Globos de Oro por haber cambiado”, dijo Downey Jr. en su discurso dejando claro algo que no hacía falta hacer explicito al ver que todas las estrellas habían acudido a la llamada. Atrás quedan los años de castigo y polémica por la falta de diversidad y prácticas irregulares.

La otra parte del fenómeno del año, Barbie, se tuvo que conformar con los premios a la Mejor canción para el What I mas made for? De Billie Eilish y la categoría recién sacada de la manga de ‘Éxito comercial’. Un premio que no podía ser para nadie más. La película de Greta Gerwig logró que millones de personas se vistieran de rosa y llenaran las salas en verano, tal como recordó Margot Robbie, su productora y actriz protagonista. Lo hicieron en un momento crítico para la industria, con la huelga paralizando todo e impidiendo que las estrellas promocionaran las películas. “Gracias por crear un premio que conmemora a los fans”, dijo Robbie que vio como Pobres Criaturas le quitaba casi todos los galardones a su filme. El frankenstein feminista de Yorgos Lanthimos empieza a parecer la única alternativa a Oppenheimer para los Oscar al vencer como Mejor comedia y Mejor actriz. 

Ante el arrase de Oppenheimer fueron muchas las que quedaron como las grandes derrotadas de la noche. La zona de interés, Vidas pasadas y Maestro se fueron de vacío, y Los asesinos de la luna se tuvo que conformar con el premio a la Mejor actriz dramática para Lily Gladstone, que recogió su premio hablando en la lengua de su comunidad nativa, reivindicando su idioma y su cultura. Merecidísimo premio para Gladstone pero poco botín para la increíble e importante obra que ha creado Martin Scorsese sobre el genocidio de la comunidad Osage. “Gracias Martin porque estáis ayudando a cambiar las cosas”, dijo la actriz en el mejor discurso de la noche y uno de los pocos momentos de emoción en una gala larga y aburrida.

En los apartados interpretativos se reconoció la excelente labor de Alexander Payne como director de actores en Los que se quedan. Dos de sus intérpretes se llevaron el Globo de Oro. Paul Giamatti el de Mejor actor de comedia o musical por su cascarrabias profesor. El actor, que ya trabajó con Payne en Entre copas, le dedicó el premio a los maestros y dio las gracias al director por seguir teniendo fe en él. Por su parte, Da’Vine Joy Randolph se hizo con el de Mejor actriz de reparto y puede ir dando brillo a su próximo Oscar. No ha dejado escapar ni un premio en esta temporada y es la rival a batir. Como mejor película de animación se premió a un maestro, Hayao Miyazakio, que con El chico y la garza venció a la favorita Spider-Man:cruzando el multiverso.

Todo en una gala que demostró que los Globos de Oro ya han pagado su culpa por los pecados del pasado y vuelven a ser la fiesta a la que todos van. No faltó nadie. Ni Spielberg ni Oprah Winfrey, que dio el último premio de la noche. Fueron, eso sí, para sufrir una gala que nadie quiso presentar y que 10 días antes acabó cayendo sobre los hombros del humorista Jo Koy, que estuvo incómodo, tiró alguna pulla, pero nunca funcionó. Las caras de los nominados eran un poema y en varias ocasiones justificó la falta de tiempo. “Recibí el encargo hace diez días, ¿qué esperabais, una gala perfecta?”, dijo cuando alguno de sus gags no funcionó.

Lejos queda la mala baba de Ricky Gervais, las menciones políticas o a asuntos de actualidad (solo Jim Gaffgan se atrevió a mencionar de pasada a Epstein) y los momentos brillantes. Solo Kristen Wiig y Will Ferrell levantaron el nivel al presentar el premio al mejor actor de comedia o musical. Presentar los Globos de Oro seguirá siendo el año que viene un marrón que alguien tendrá que sufrir, aunque quizás, viendo que nadie se acuerda de las polémicas, tenga más pretendientes.

“Barbie”, de Greta Gerwin; “Pobres criaturas” de Yorgos Lanthimos; “Los asesinos de la luna”, de Martin Scorsese, y “Oppenheimer”, de Christopher Nolan, fueron los filmes con más menciones entre los finalistas de 10 categorías que la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas anunció este jueves para la próxima 96ª ceremonia de los Oscar.

A casi un mes de que se anuncien las nominaciones completas, las diez categorías que se dieron a conocer fueron: Largometraje documental, Cortometraje documental, Largometraje internacional, Maquillaje y peluquería, Música (partitura original), Música (canción original), Cortometraje animado, Cortometraje Live Action y Efectos Visuales y de Sonido, informó la prensa internacional.

El aclamado filme de Greta Gerwig, “Barbie”, encabezó la lista con cinco menciones preliminares, incluyendo sonido y canción original con tres nominaciones: “What I Was Made For?” de Billie Eilish, “Dance the Night” de Dua Lipa y “I'm Just Ken” de Mark Ronson y Andrew Wyatt, y música original del último dúo.

El filme de Scorsese protagonizado por Leonardo DiCaprio obtuvo cuatro menciones preliminares, en tanto “El color púrpura”, “Oppenheimer” y “Pobres criaturas” se alzaron con tres cada uno.

La votación para las nominaciones oficiales se realizará entre el 11 y el 16 de enero y el anuncio se hará el 23 del mismo mes. La votación final será del 22 al 27 de febrero y la entrega de la 96ª Premios de la Academia se llevará a cabo el domingo 10 de marzo.

Aquí los finalistas de 10 categorías:

Largometraje documental

“Sinfónica Americana”

“Apolonia, Apolonia”

“Más allá de la utopía”

“Bobi Wine: El Presidente del Pueblo”

“Almas desesperadas, Ciudad Oscura y la leyenda del vaquero de medianoche”

“La Memoria Eterna”

“Cuatro Hijas”

“Ir a Marte: El proyecto Nikki Giovanni”

“En el retrovisor”

“Sellado desde el principio”

“Foto fija: una película de Michael J. Fox”

“Una pequeña y apacible voz”

“32 sonidos”

“Matar a un tigre”

“20 días en Mariupol”

Cortometraje Documental

“El ABC de la prohibición de libros”

“El barbero de Little Rock”

“Oso”

“Entre la Tierra y el Cielo”

“El juego de las niñas negras: la historia de los juegos de manos”

“Campamento de Coraje”

“Voto decisivo”

“Cómo nos liberamos”

“Si los sueños fueran relámpagos: crisis de atención sanitaria rural”

“Isla en el medio”

“El último taller de reparación”

“Última canción de Kabul”

“Nai y Wai Po”

“Oasis”

“Alas de polvo”

Largometraje internacional

Armenia, “Amerikatsi”

Bután, “El monje y la pistola”

Dinamarca, “la tierra prometida”

Finlandia, “Hojas caídas”

Francia, “El sabor de las cosas”

Alemania, “La sala de profesores”

Islandia, “la tierra de Dios”

Italia, “Yo Capitán”

Japón, “Días perfectos”

México, “Tótem”

Marruecos, “La madre de todas las mentiras”

España, “Sociedad de la Nieve”

Túnez, “Cuatro Hijas”

Ucrania, “20 días en Mariupol”

Reino Unido, “La Zona de Interés”

Maquillaje y Peluquería

“El novio tiene miedo”

“Ferrari”

“Golda”

“Asesinos de la luna de flores”

“El último viaje del Deméter”

“Maestro”

“Napoleón”

“Oppenheimer”

“Cosas pobres”

“Sociedad de la Nieve”

Sonido

“Barbie”

“El creador”

“Ferrari”

“El asesino”

“Asesinos de la luna de flores”

“Maestro”

“Misión: Imposible - Dead Reckoning Parte Uno”

“Napoleón”

“Oppenheimer”

“La Zona de Interés”

Música (partitura original)

“Ficción americana”

“Sinfónica Americana”

“Barbie”

“El niño y la garza”

“El color morado”

“Elemental”

“Los remanentes”

“Indiana Jones y el dial del destino”

“Asesinos de la luna de flores”

“Oppenheimer”

“Cosas pobres”

“Quema de sal”

“Sociedad de la Nieve”

“Spider-Man: A través del Spider-Verse”

“La Zona de Interés”

Canción original

“Nunca desapareció” de “American Symphony”

“Querido alienígena (que estás en el cielo)” de “Asteroid City”

“Baila la noche” de “Barbie”

“Solo soy Ken” de “Barbie”

“¿Para qué fui hecho?” de “Barbie”

“Keep It Movin'” de “El Color Púrpura”

“Superpoder (I)” de “El Color Púrpura”

“El fuego interior” de “Flamin' Hot”

“High Life” de “Flora e hijo”

“Meet In The Middle” de “Flora and Son”

“No puedes atraparme ahora” de “Los juegos del hambre: La balada de pájaros cantores y serpientes”

“Wahzhazhe (Una canción para mi pueblo)” de “Killers of the Flower Moon”

“Ojos tranquilos” de “Vidas pasadas”

“Camino a la libertad” de “Rustin”

“Estoy soñando” de “Spider-Man: A través del Spider-Verse”

Cortometraje animado

“Auge”

“Víspera”

“Humo (Smoke)”

“Soy moderno”

“Una especie de testamento”

“Koerkorter (Apartamento para perros)”

“Carta a un cerdo”

“Noventa y cinco sentidos”

“Érase una vez un estudio”

“Nuestro uniforme”

“Paquidermo”

“Pete”

“27”

“¡Guerra ha terminado! Inspirado en la música de John y Yoko”

“Invocación salvaje”

Cortometraje Live Action

“El después”

“La tienda de regalos de Ana Frank”

“Un hoyo de aguacate”

“Bienvenidos a Los Ángeles”

“Gato muerto”

“Buen chico”

“Invencible”

“Frontera invisible”

“Caballero de la Fortuna”

“El hombre de una nota”

“Rojo, blanco y azul”

“El pastor”

“Extraña forma de vida”

“La maravillosa historia de Henry Sugar”

Efectos visuales

“El creador”

“Godzilla menos uno”

“Guardianes de la Galaxia Vol. 3”

“Indiana Jones y el dial del destino”

“Misión: Imposible - Dead Reckoning Parte Uno”

“Napoleón”

“Cosas pobres”

“Rebel Moon - Primera parte: Un niño de fuego”

“Sociedad de la Nieve”

“Spider-Man: A través del Spider-Verse”

Con información de agencias.

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Las películas “Barbie” y “Oppenheimer”, junto a la serie “Succession”, dominan las nominaciones a la 81ra. edición de los premios Globos de Oro de la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood, que se entregarán el 7 de enero en Beverly Hills, del estado norteamericano de California.

“Barbie”, de Greta Gerwig y “Oppenheimer”, de Christopher Nolan, con nueve y ocho candidaturas, respectivamente, son los filmes más nominados seguidos por “Los asesinos de la luna”, de Martin Scorsese y “Pobres criaturas”, de Yorgos Lanthimos, ambas con siete candidaturas.

Por su parte en televisión, la cuarta y última temporada de la serie “Succession”, lidera las nominaciones con nueve candidaturas.

Por el galardón a la mejor película dramática competirán “Anatomía de una caída”, de Justine Triet, “La zona de interés”, de Jonathan Glazer; “Vidas pasadas”, de Celine Song; “Maestro”, de Bradley Cooper; y las mencionadas “Los asesinos de la luna” y “Oppenheimer”.

Las nominadas al Globo de Oro a la mejor película de comedia o musical son “Air”, de Ben Affleck; “American Fiction”, de Cord Jefferson; “Los que se quedan”, de Alexander Payne; “Secretos de un escándalo”, de Todd Haynes; “Pobres criaturas”, de Yorgos Lanthimos; y “Barbie”, de Greta Gerwig.

La propia Gerwig competirá por el premio a la mejor dirección con Scorsese, Nolan, Cooper, Song y Lanthimos.

El filme español “La sociedad de la nieve”, de Juan Antonio Bayona, que es uno de las candidatos al Globo de Oro a la mejor película de habla no inglesa, competirá con la cinta francesa “Anatomía de una caída; la italiana ”Yo, capitán“, de Matteo Garrone; la finlandesa ”Fallen Leaves“, de Aki Kaurismäki; la británica ”La zona de interés“, de Jonathan Glazer; y ”Vidas pasadas“ de Celine Song.

En tanto en la nueva categoría, la que reconoce al “logro cinematográfico y de taquilla” del año, popularmente conocida ya como el premio al mejor blockbuster, entre las nominadas se destaca Taylor Swift, con la película sobre su gira “The Eras Tour”.

Las otras nominadas con “Barbie”, “Oppenheimer”, “John Wick 4”, “Super Mario Bros”, “Misión imposible: Sentencia mortal - Parte 1” y “Spider-Man: Cruzando el Multiverso”.

En televisión la cuarta y última temporada de “Succession”, con nueve candidaturas, la segunda temporada de “The Bear” y la tercera de “Only Murders in the Building”, con cinco nominaciones cada una, son las favoritas, en las que también destaca “The Crown” que opta a cuatro galardones con la primera parte de su sexta y última temporada.

Por el premio a la mejor serie dramática competirán, junto a “Succession”, “1923”, “The Crown”, “La diplomática”, “The Morning Show” y la ficción apocalíptica “The Last of Us”.

En comedia, las nominadas a la mejor serie del año son 'Colegio Abbott', “Barry”, “The Bear”, “Jury Duty”, “Only Murders in the Building” y “Ted Lasso”.

Las nominadas a la mejor miniserie o telefilme son “La luz que no puedes ver”, “Bronca”, “Todos quieren a Daisy Jones”, la cuarta temporada de “Fargo”, “Compañeros de ruta” y “Cocina con química”.

También en televisión hay un nuevo premio, se trata del reconocimiento al mejor monólogo de comedia en vivo. Una categoría en la que los nominados son Ricky Gervais por “Ricky Gervais: Armageddon”; Trevor Noah por “Trevor Noah: Where Was I”; Chris Rock por “Chris Rock: Selective Outrage”; Amy Schumer por “Amy Schumer: Emergency Contact”; Sarah Silverman por “Sarah Silverman: Someone You Love”; y Wanda Sykes por “Wanda Sykes: I'm an Entertainer”.

Con información de agencias.

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Me gusta que volvamos a hablar de las películas como acontecimientos, aunque sea por un rato. Hace tiempo que no percibía la sensación de “tener” que escribir sobre algo. En la coyuntura política existe algo así como el evento de la semana, y los columnistas políticos más o menos saben que tienen que cubrirlo. La actualidad cultural, en cambio, es cada vez tanto más infinita y dispersa que ya es raro sentir la obligación de comentar una novela o una película. Ya he escrito sobre Barbie, y estrictamente, no soy crítica de cine y probablemente nadie necesite que yo escriba sobre Oppenheimer. Si no fuera por todo el marketing que se armó alrededor del estreno simultáneo, de hecho, no escribiría sobre una película que ni siquiera me gustó tanto. Pero me pareció que en el fondo, la epopeya de Nolan habla tanto de nuestra época como la (para mi gusto) mucho más lograda de Gerwig, y que vale ver qué tan lejos nos puede llevar en el análisis el meme de Barbenheimmer.

En términos de adaptación, Barbie y Oppenheimer eran ejemplos contrapuestos: en el primer caso tenemos una muñeca sin relato, una muñeca que literalmente había sido todo y podía ser cualquier cosa, puro plástico y plasticidad. La historia de Robert Oppenheimer, en cambio, venía ya de fábrica con una serie de conflictos de vida o muerte, personajes interesantes, oscuros y contradictorios e incluso un par de escenas espectaculares que prácticamente se escriben solas (como el testeo de la bomba en el desierto estadounidense, que Christopher Nolan aprovecha con virtuosismo cinematográfico en la que es por lejos la mejor parte de la película). Al contrario de lo que mucha gente cree (toda esa gente que te dice “es una historia genial, deberías hacer algo con eso”), pienso que es mucho más difícil hacer una película con una historia extraordinaria que con un IP que no te da nada. La historia extraordinaria es una responsabilidad; hacer las cosas mal es “desaprovechar una oportunidad”. En la misma línea, esas historias suelen tener tantas partes geniales que una especie de FOMO (Fear of Missing Out, miedo de perderse de algo, el mal de nuestra época) se apodera de quienes las adaptan y terminan sacrificando narración, belleza, profundidad e inteligencia en el altar de la completud. Es un poco lo que le pasa a Nolan con Oppenheimer, pero ni esa voluntad enciclopédica ni la solemnidad grandilocuente ni la falta de frescura son los problemas que me interesan. O sí, en realidad, porque estos problemas están conectados con el problema que interesa, aunque sean más efectos que causas.

Lo que me dejó pensando es que el problema de esas películas de superhéroes que algunos nos la pasamos denostando no son las películas de superhéroes, es decir, no es que esas películas existan, ni siquiera que sean las películas más vistas: sino que el hecho de que sean las películas más vistas genera una especie de efecto contagio sobre el resto de las películas, del mainstream y quizás más allá. Quintín lo desliza en su crítica excelente y demoledora: “...esa gente que hace películas también maneja la tecnología actualizada de los guiones, en los que no hay héroes sino superhéroes o antihéroes y por eso en Oppenheimer, a diferencia de los viejos biopics solo hay personajes turbios”. De la estética de los superhéroes que se ha derramado sobre tantas producciones que no tienen nada que ver con esos universos a Quintín le molesta lo turbio. Tiene razón, pero a mí me molesta más la teoría de la subjetividad que leo en los armados de los superhéroes, y el modo en que eso influye sobre películas que, como Oppenheimer, se tratan de otra cosa; básicamente, de gente de verdad.

Unos días después de ver Oppenheimer empecé a leer Caja 19, de Claire-Louise Bennett, en una traducción preciosa de Laura Wittner. Me atrapó de inmediato porque tiene unas técnicas bastante curiosas para narrar el nacimiento sedimentario de la subjetividad de una escritora: digo sedimentario porque justamente, no es un nacimiento construido a partir de grandes acontecimientos puntuales, ni tampoco hecho completamente de talentos y excentricidades traídas desde la cuna. Entendí que eso era lo que me había molestado de Oppenheimer: la construcción del superhéroe que se convierte en quién es a partir de una combinación de dotes divinas que vienen de nacimiento y eventos trascendentales en los cuales el (super)héroe, en lugar de descubrir algo con genuina sorpresa, descubre en realidad algo que siempre estuvo dentro suyo. El (super)héroe, a diferencia del héroe, no se deja afectar por lo que lo rodea, salvo por “su única debilidad”, que siempre es una debilidad con significado, nunca algo que no se pueda explicar. El (super)héroe, igual que toda la película de Nolan, tiene “contradicciones”, pero no tiene cabos sueltos. Su personalidad se hace con líneas rectas, sin borrones, sin dibujitos.

En Caja 19, en cambio, vemos nacer a esta escritora adolescente en el modo en que reflexiona sobre la materialidad del acto de leer; en la angustia que le produce escribir con otros, ofrecer en el trabajo en grupo del secundario las más aburridas de sus opiniones porque defender las más inteligentes le daría demasiada fiaca. La vemos titubear, la vemos tomar direcciones impensadas, la vemos ir a lugares que no la conducen a ninguna parte. Me hizo pensar en el Retrato de un artista adolescente de James Joyce, pero sobre todo, y más que nada, en la Odisea, el ejemplo paradigmático de la construcción de un héroe que cree que sabe adónde va pero en realidad no sabe, y en el fondo sabe que no sabe. Es eso, finalmente, lo que más me molestó de Oppenheimer: el modo en que encarna una teoría de la subjetividad completamente basada en la conciencia y en la certidumbre, una teoría de la subjetividad que, por supuesto, tiene todas las chances de ser bien recibida en esta época en la que lo único que interesa de la subjetividad es lo que se puede controlar, y lo que se puede elegir. Es curioso porque empecé pensando que el problema de Oppenheimer era su solemnidad, es decir, su falta de sensibilidad para la comedia; y es verdad, pero la otra cara de ese problema es la falta de sensibilidad para la tragedia, para contar las historias de héroes que no son responsables de todo los que les pasa. En el fondo es lo mismo: los superhéroes no son cómicos ni trágicos porque no son humanos.

Supongo que la debilidad por lo humano, en una época que quiere ser posthumana, es una nostalgia tan retrógrada como cualquier otra: pero ver esa falta de humanidad en una película ubicada en el cénit del siglo XX, en el epicentro de las historias de guerra y de amor y de carne eminentemente humana, no puede no dar un poquito de melancolía.

TT

Uno. Oscar usa mucho la palabra crocante. Cuando le suena el cuerpo en algún movimiento, se ríe y dice “hoy estoy crocante”. Oscar es un compañero de pilates con el que me cruzo una vez por semana en un estudio barrial sin sofisticación ni pretensiones, en medio de un barrio porteño que se va poniendo cada vez más sofisticado y pretencioso. Tal vez porque ya no existan los barrios, o porque sean como eso que dicen de las estrellas que vemos a la noche: el resplandor de algo que murió hace muchos años y que capturamos tímidamente con la mirada (también lo desdicen, ojo). Oscar vive ahí, en esa contradicción, en esa galaxia propia hecha de palabras como crocante, en su evanescencia. También en las palabras de los otros: es de esas personas que agarran lo último que dijiste para empezar sus propias frases en un tono que nunca se termina de dilucidar si es de negación o de respaldo. Cuando llegamos, la profesora pregunta si alguien tiene algún dolor puntual. Yo cuento que tengo una contractura –ese no que grita el cuerpo–, digo que es un nudo. Un nudo, dice Oscar, como si dudara y al mismo tiempo tironeara de él para exorcizarlo; como si lo cargara en su propia espalda, como si le pesara cuando lo nombra. La clase arranca, los ejercicios se suceden, los resortes se alargan y se tensionan; una trama que se repite con cambios mínimos. Llegamos al estiramiento final, estamos de pie, cada uno plegado sobre sus piernas. La profesora dice lo que dice casi siempre, el mantra que nos pone crocantes, que nos lleva al límite y nos hace crujir: La cabeza cuelga, la muevo para un lado y para otro suavemente, como diciendo que no. 

Dos. Un texto sobre nudos y sobre decir que no, pienso ahora mientras vuelvo a la obra El punto de costura de la escritora y dramaturga Cynthia Edul (fue parte del ciclo que ofrece el club de artes escénicas Paraíso, vuelve en agosto y espero que puedan verla porque es muy buena). El punto de costura es una indagación teatral sobre el universo de los textiles a partir de la historia familiar de la autora, descendiente de inmigrantes sirios (de paso: otro viaje a un esplendor pasado, a la estela que dejó algún cuerpo celeste lejano). Las telas y su lenguaje, las telas y su sonido. Los textiles fueron la primera escritura que tuvo la humanidad: del quipu y sus nudos, al arte de denunciar con bordados; de las mujeres hilando en las casas o los talleres, a los pañuelos y todos sus colores en las calles. En El punto de costura una hija que debía seguir la tradición, la toma en parte: escribe. Una forma de enhebrar, de encontrar hilos, de tramar, de anudar, de decir que no o de llegar un punto. Se escribe con nudos. Se escribe con puntos.

Tres. De la vida escolar, otra vez, otro mantra: principio - nudo - desenlace. Sin nudo no hay relato. Sin nudo, nada.

Cuatro. El libro que leo (Diario de una guardavidas, de Natalia Figueroa Gallardo, editó Bosque energético) tiene a una narradora que decidió rendir el examen y trabajar una temporada como guardavidas. No describe mucho sobre su vida anterior, pero está claro que dijo que no a algo, que puso algún punto final, que renunció y ahora se metió en este mundo de boyas, algas, desasosiegos y peligros y los plasma en su diario. Me gusta la forma en que describe cómo se va metiendo al agua, cómo va aprendiendo a encarar las olas, a leerlas con sus subidones y sus rompientes. El mar y la escritura se van tejiendo a medida que avanzo en las páginas. Subrayo esto que dice la escritora Paloma Vidal en la contratapa: Escribir es un poco como nadar. Vivir también. Y más en este mundo, confrontadas a lo que no nos pertenece, y sin querer adueñarnos de ello.

Cinco. Llego a la clase de pilates. La profesora dice que Oscar va a faltar, que se enfermó –ese no que grita el cuerpo–, que le avisó hace un ratito. Después me pregunta si estoy mejor de mi nudo. Le digo que más o menos y me imagino a Oscar repitiendo más o menos como duda; más o menos, como exorcismo. La clase arranca, los ejercicios se suceden, la trama avanza con sus cambios mínimos. Llegamos al final, al estiramiento con el cuerpo plegado. La cabeza cuelga, la muevo para un lado y para otro suavemente, como diciendo que no, dice la profesora y mi espalda suena. Imagino la sonrisa de Oscar de refilón, casi que puedo escuchar la palabra crocante. Y me río yo también.

Fueron días de nudos, de palabras en barrios que hacen fuerza para no desvanecer y del gesto atronador –ante las demandas ajenas o las olas embravecidas– de decir que no. 

Una forma crujir, un límite ruidoso, una resistencia. 

Los invito a pasar por una nueva edición de Mil lianas. Esta vez hace trac trac.

1. Finalistas. En estos días se anunciaron las diez novelas finalistas del Premio Fundación Medifé Filba. Es un premio que lleva tres ediciones y que, desde su nacimiento, se convirtió en una referencia, una especie de faro que destaca libros interesantes del ámbito nacional. Por acá pueden ver el listado completo con los elegidos, todos publicados durante 2022. 

Por si se perdieron o si están buscando lecturas, quería aprovechar para recordarles que comentamos tres de estas publicaciones en Mil lianas. La primera es El ojo de Goliat (Entropía), de Diego Muzzio. Un libro elegantísimo que, como les conté por acá, se ubica entre un faro ubicado en un islote perdido del Atlántico Sur y el St. Bartholomew Sanatorium, un viejo hospicio de piedra al oeste de Edimburgo. 

Otro de los finalistas es Derroche, de María Sonia Cristoff (Penguin Random House). Como apuntamos acá, en este caso se trata de una novela de fragmentos, una secuencia de textos rotos y alucinantes, de correspondencia incompleta, para usar el nombre de uno de sus capítulos: Lucrecia, una mujer joven que trabaja en el mundo académico porteño, recibe como herencia un misterioso tesoro enterrado en algún lugar de La Pampa. Se trata del legado de Vita, su tía abuela. 

Por último, acá pueden leer más sobre Para que sepan que vinimos (Blatt & Ríos), de Marina Yuszczuk, pero les adelanto, si se perdieron esa entrega del newsletter, que este es un libro de fantasmas. La protagonista es Fernanda, una mujer joven que atraviesa un duelo por la muerte de su madre y decide encarar un viaje a Nueva York con su pareja y Rosa, su pequeña hija. Un camino posible, para un proyecto imposible: los protagonistas discuten, tienen algunas peleas, no terminan de entenderse. Mientras recorren la ciudad de las películas, de los libros y de las series, se irán sucediendo distintos episodios que inquietarán a Fernanda hasta enfrentarla con zonas oscuras, con miedos y sombras más o menos tangibles alrededor de su maternidad, de sus recuerdos y de sus propios límites.

El listado con los diez libros finalistas del Premio Fundación Medifé Filba se puede leer en este enlace.

2. ¿Cómo medir un año? El cineasta estadounidense Jay Rosenblatt se propuso una consigna muy simple y la cumplió: grabó a su hija Ella el día de su cumpleaños desde que tenía dos años hasta que la joven cumplió 18. Pero no se trata de registros con tortas, animadores infantiles y globos. En las imágenes Ella permanece sentada en el mismo sillón hogareño y responde una serie de preguntas que el padre repite año a año y se complejizan a medida que la hija va creciendo. Con ese material familiar el director armó ¿Cómo medir un año?, un conmovedor cortometraje documental de 28 minutos, que después de circular por festivales desembarcó hace poco en la plataforma de HBO. 

¿Cómo medir un año? está armado con simpleza a partir de una progresión inevitable: todo arranca cuando Ella puede hablar, es decir, cuando tiene la capacidad de responder preguntas, y cierra cuando es capaz de comunicarse sin la guía de la voz paterna.

Lo que consigue desde la edición es el recorte de una hija desde los ojos de un padre que no puede frenar la máquina del tiempo. O el retrato en movimiento de una persona que va eligiendo sus caminos y sus palabras, que duda, que se alegra, que se enoja con el mundo o con su propio padre, que tiene miedo, que insiste, que crece. La sucesión expuesta de este modo, con sus repeticiones y sus sorpresas, se vuelve un viaje íntimo, chiquito y también hipnótico.

Algo más: esta producción estuvo nominada en la última edición de los Oscar en el rubro corto documental (de paso, les recuerdo que por acá armé una guía con algunos cortos y largos documentales nominados a ese premio que se pueden ver por streaming).

El cortometraje documental ¿Cómo medir un año? está disponible en HBO Max.

3. La madre del desierto, de Ignacio Bartolone. Estrenada hace algunos años en el Teatro Nacional Cervantes, la vuelta a escena de La madre del desierto, de Ignacio Bartolone, es, por su trabajo con la lengua y por la enorme entrega de sus protagonistas, una alegría. Con la historia mítica de la Difunta Correa en el horizonte –un horizonte que se difumina, que se torsiona hasta volverse inasible– la acción transcurre en un paisaje ocre por el que deambulan La Deolinda (Alejandra Flechner) y El Bebo Pura Leche (Juan Isola). Son una madre y un bebé en una intemperie apabullante; son dos personas que, en esa soledad, dialogan; que tironean de las palabras y también de la incertidumbre que los rodea. Se vislumbra el desierto omnipresente y, con esa misma contundencia, también aparecen el pasado, los fantasmas, las pérdidas.

Con actuaciones extraordinarias de Flechner e Isola y un tono poético bellísimo (cómico a veces, conmovedor siempre) Bartolone ofrece de esta manera una obra que, con la forma sinuosa de un periplo, superpone elementos que habilitan preguntas sobre la historia nacional, los cuerpos, la identidad, los límites del lenguaje y las posibilidades de lo representable. “Si el desierto es una página en blanco, y el pasado un holograma o materia que acarrear, esta pieza se inscribe como una poderosa odisea que habilita una nueva manera de percibir la historia y la literatura; o la historia a través de la literatura o, también y al mismo tiempo, la historia de la literatura a través del teatro”, señalaron sus productores cuando se estrenó el espectáculo.

La obra teatral La madre del desierto, con dramaturgia y dirección de Ignacio Bartolone y protagonizada por Alejandra Flechner y Juan Isola, se puede ver los domingos a las 17, en El Galpón de Guevara (Guevara 326, CABA). Más información, en este enlace.

4. Oppenheimer por dos. Se refirieron a él como “una mente brillante”, como un científico “de la talla de Albert Einstein”, como un genio de la física. Pero también como “un destructor de mundos”, como el “Prometeo americano” que robó el fuego al Olimpo para dárselo a la humanidad sin pensar en los riesgos que ese gesto acarrearía, o como “el padre arrepentido de la bomba atómica”. El estadounidense Robert Oppenheimer es sin dudas uno de los personajes más paradójicos y para muchos controversiales del siglo XX.

Por estos días su figura vuelve a ser revisada en una película de gran despliegue dirigida por Cristopher Nolan y también en el libro Prometeo americano. El triunfo y la tragedia de J. Robert Oppenheimer (Editorial Debate), de Kai Bird y Martin J. Sherwin, una investigación periodística colosal que volvió a editarse. Con un repaso por la biografía de Oppenheimer, algunos materiales destacados que trae el libro y la mirada del cineasta británico que decidió contar esta historia, armé unos apuntes que pueden leer por acá.

La nota Robert Oppenheimer: la increíble vida del “padre de la bomba atómica” llega a los cines del mundo y a un libro colosal se puede leer por acá.

Banda sonora. Llegó lo nuevo de Blur, como habíamos anticipado en este rincón. Y se metió inevitablemente en mis auriculares por estas horas. Elegí un par de temas para esta banda sonora que pueden escuchar siempre acá.

Ya les conté que mi amigo Hernán dice que muchas veces necesitamos “salir del algoritmo propio” y por eso anduve pispeando selecciones musicales ajenas. Entre otras búsquedas, vi que el director teatral y dramaturgo Mariano Tenconi Blanco (uno de los más talentosos y creativos de su generación, hablamos de su trabajo por acá) compartió en Twitter una hermosa lista de canciones (les dejo acá el enlace) que inspiran La mujer fantasma, una obra de teatro que estrenará en Barcelona en septiembre. Entre 107 Faunos, Rosalía, R.E.M., Supertramp y Daniel Melero, hay de todo. Algunos de esos sonidos se colaron también entre los nuestros.

De la muerte de Sinéad O'Connor, nada que decir: una tristeza enorme, un nudo –otro– en la garganta. Su voz también se suma a nuestra lista compartida.

Bonus track. Lo contamos el año pasado cuando se estrenó: basada en una popular saga de novelas gráficas juveniles de la británica Alice Oseman, Heartstopper es una de las series más entrañables que ofrecen las plataformas. Por suerte vuelve y a partir del 3 de agosto van a estar disponibles ocho episodios nuevos de la historia. Según anunció Netflix, en esta segunda temporada “Nick y Charlie navegan su nueva relación, Tara y Darcy enfrentan desafíos impredecibles, y Tao y Elle intentan resolver si pueden ser más que simplemente amigos”. Según adelantaron, además, en estos capítulos habrá un viaje a París, vaivenes amorosos, tensión por una serie de exámenes y los preparativos para la fiesta de graduación. Les dejo el tráiler entre suspiros.

Bonus track II. Los concursos literarios pueden ser trampolines, incentivos con fecha límite para las personas que vivimos postergando cosas, empujoncitos para sacudir la inercia. Por eso suelo compartirlos en este espacio. Esta semana abrió la convocatoria para postularse al Concurso de Letras 2023 del Fondo Nacional de las Artes, uno de los más tradicionales del rubro. Como todos los años, se recibirán obras inéditas de escritoras y escritores de todo el país en los siguientes géneros literarios: novela, cuentos, novela gráfica, ensayo/no ficción y poesía. Hay tiempo para las inscripciones hasta el 17 de agosto y el organismo ofrece reconocimientos para cada una de esas categorías que van desde los 350 mil pesos hasta las menciones honoríficas. Más información (¡manden, vamos!) por acá.

¡Hasta la próxima!

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Se refirieron a él como “una mente brillante”, como un científico “de la talla de Albert Einstein”, como un genio de la física. Pero también como “un destructor de mundos”, como el “Prometeo americano” que robó el fuego al Olimpo para dárselo a la humanidad sin pensar en los riesgos que ese gesto acarrearía, o como “el padre arrepentido de la bomba atómica”. El estadounidense Robert Oppenheimer es sin dudas uno de los personajes más paradójicos y para muchos controversiales del siglo XX, y su figura vuelve a ser revisada por estos días en una película de gran despliegue y también en un libro colosal de investigación periodística que volvió a editarse.

Julius Robert Oppenheimer nació en Nueva York, en 1904, un año antes de que el mismísimo Einstein publicara su teoría de la relatividad. Eran tiempos en los que la ciencia emprendió una especie de “segunda revolución” que llevaría una oleada de impactante progreso a la humanidad.

“En todas partes del planeta se comenzó a celebrar a los científicos como una nueva suerte de héroes que prometían encaminarnos a un renacimiento de la racionalidad, la prosperidad y la meritocracia social”, describen los periodistas Kai Bird y Martin J. Sherwin en su destacado libro Prometeo americano. El triunfo y la tragedia de J. Robert Oppenheimer (Editorial Debate), la biografía más completa del científico, que en 2006 obtuvo el Premio Pulitzer y por estos días volvió a reeditarse.

Hijo de Julius S. Oppenheimer, un adinerado importador textil que había emigrado de Alemania hacia los Estados Unidos en 1888, y de Ella Friedman, una artista plástica siempre en tensión con el mundo mercantil de su esposo, Robert recibió una educación privilegiada. Por su enorme interés en la lectura y por su destacado desempeño escolar, tanto su padre como su madre sabían que tenían “un genio en casa”, según destacan distintos testigos de aquellos días.

Primero hizo sus estudios de grado en Química en la Universidad de Harvard, donde se recibió con honores en 1925, y luego un doctorado en la Universidad de Gotinga, epicentro de la física teórica de aquellos tiempos. Siempre entre los Estados Unidos y Europa, su nombre empezaba a sonar en los ámbitos científicos como alguien que se destacaba.

Armado a partir de una investigación que llevó casi tres décadas y para la que realizaron un centenar de entrevistas, entre allegados, amigos y colegas del científico, el libro de Bird y Sherwin recorre minuciosamente la vida de Oppenheimer y repone con precisión todos los contextos.

El arco narrativo de la publicación va de aquellos días de juventud y brillantez hasta llegar al momento en que Oppenheimer, una figura cada vez más rutilante en su terreno, es convocado para dirigir el llamado Proyecto Manhattan, el plan de investigación y desarrollo del gobierno estadounidense durante la Segunda Guerra Mundial que produjo las primeras armas nucleares. 

Con apoyo de Reino Unido y Canadá, el Proyecto tuvo su pata militar y su costado científico, a cargo del destacado físico, quien dirigió el Laboratorio Nacional de Los Álamos, donde se diseñaron las propias bombas nucleares.

La madrugada del 16 de julio de 1945 fue un hito: ese día Oppenheimer y los científicos que trabajaban con él llevaron adelante la primera prueba de una bomba atómica de toda la historia. Lo hicieron con una detonación programada bajo el nombre de Trinity que se realizó en las arenas del desierto Jornada del Muerto, en Nuevo México.

Tal como reconstruyen los biógrafos del científico en su publicación, en un documental de la NBC de 1965, Oppenheimer recordó sobre aquella jornada histórica marcada por un rugido y una nube con forma de hongo que se elevó en el cielo de aquel desierto estadounidense: “Sabíamos que el mundo dejaría de ser el mismo. Había quien reía y había quien lloraba. La mayoría guardaban silencio. Recordé un verso de las escrituras hindúes, el Bhagavad Guitá. Vishnu trata de convencer al príncipe de que debería cumplir con su obligación y, para impresionarlo, toma la forma de un ser de muchos brazos y dice: ‘Ahora he devenido muerte, el destructor de mundos’. Supongo que todos, cada uno a su manera, pensamos algo así”.

El impacto de aquella explosión dejó traslucir, de a poco, los primeros dilemas éticos para el científico y algunos de sus colegas. Eran hombres del progreso, pero también tenían en sus manos armas que los convertían en poco segundos en verdugos. Sin embargo, apenas unas semanas después de la detonación de Trinity, el grupo encararía los ataques nucleares estadounidenses sobre Hiroshima y Nagasaki, en Japón, que dejaron más de 200 mil muertos, además de miles de heridos y un impacto ambiental que se sigue investigando hasta la actualidad.

Lejos del orgullo inicial y una especie de fervor patriótico, Oppenheimer empezó a arrepentirse del proyecto que había comandado y a sentir remordimiento por el horror que había provocado su máxima creación. Entonces intentó llevar a la reflexión a las autoridades y también a proponer moderación en el avance nuclear desde los ámbitos en los que se movía.

“Oppenheimer trató con valentía de desviarnos de esa cultura de la bomba intentando frenar la amenaza nuclear que él mismo había contribuido a desencadenar. Su empeño más impresionante fue concebir un plan para el control internacional de la energía atómica, que se conoció como el Informe Acheson-Lilienthal (aunque en realidad fue Oppenheimer quien lo ideó y escribió en su mayor parte). Constituye un modelo singular en favor de la racionalidad en la era nuclear. Sin embargo, las políticas de la Guerra Fría llevadas a cabo tanto en Estados Unidos como en otras naciones condenaron su plan”, apuntan los biógrafos en la introducción de su libro.

“Nadie hizo caso de las advertencias del físico, y al final acabaron por silenciarlo. Como aquel rebelde titán griego, Prometeo, que robó a Zeus el fuego y se lo entregó a la humanidad, Oppenheimer nos dio el fuego atómico. Pero cuando quiso controlarlo, cuando trató de hacernos conscientes de los terribles peligros que entrañaba, los poderes fácticos, como Zeus, reaccionaron con furia y lo castigaron”, concluyen.

Con el correr de los años, por su mirada nueva sobre la energía nuclear, el físico fue víctima de una campaña de desprestigio: en la década del ‘50 lo acusaron de colaborar con el bloque soviético, de traficar información, de ser un peligro para la seguridad nacional.

Sin embargo siguió trabajando en el prestigioso Instituto de Estudios Avanzados, de Princeton, donde continuó investigando y reuniendo a intelectuales de distintas disciplinas, mientras su temida carrera armamentista de las potencias mundiales ya era una realidad imparable. Oppenheimer murió a causa de un cáncer de garganta en 1967.

 Nolan y una superproducción

Basada en el libro de Bird y Sherwin, por estos días llegó a los cines de todo el mundo Oppenheimer, la película protagonizada por Cillian Murphy, junto a Matt Damon, Robert Downey Jr., Emily Blunt, y Florence Pugh y dirigida por Christopher Nolan.

“El material original me dio confianza para abordar un tema histórico tan complicado. Les llevó 25 años de investigación escribirlo y es muy completo. La adaptación era muy complicada porque es un libro enorme con mucha información, pero fue el trampolín que me dio confianza. Esta fuente autorizada fue la que me liberó para comenzar a usar mi imaginación para tratar de producir algo que no fuera un documental, sino mi interpretación de su vida”, señaló recientemente el cineasta en una rueda de prensa con medios españoles.

Al ser consultado por su aproximación a la controvertida figura del científico, el director apuntó:  “Se trataba de estar en su cabeza y experimentar lo que él experimentó y, por lo tanto, llegar a comprenderlo en lugar de juzgarlo. Es una persona que se enfrentó a dilemas éticos reales de una magnitud que pocos de nosotros podemos imaginar. Situaciones muy paradójicas. Cuando comienzas a investigar la historia, queda claro que estos científicos no tuvieron más remedio que desarrollar esta arma. Se había establecido la división del átomo y los nazis estaban tratando de desarrollar una bomba. Todos lo sabían, por eso no me interesaba contar una historia sobre científicos que eran tan estúpidos que no podían prever el impacto negativo de traer algo así al mundo”.

Sobre su interés en las consecuencias del desarrollo de armas nucleares y las motivaciones que lo llevaron a narrar esta historia, el director de Memento afirmó: “Cuando tenía 12 o 13 años, mis amigos y yo estábamos convencidos de que en algún momento todos íbamos a morir en un holocausto nuclear. He tenido conversaciones con, por ejemplo, Steven Spielberg, que es de una generación anterior a la mía, que creció a la sombra de la crisis de los misiles en Cuba y tenía exactamente la misma sensación de pérdida. Así que nuestro miedo como sociedad y nuestra preocupación por este tema tiende a ir y venir”.

“Parece como si no pudiéramos preocuparnos demasiado por solo una cosa en particular y tuviéramos que tomarnos un descanso y preocuparnos por una forma diferente de armagedón, como el cambio climático. Pero la verdad subyacente, y esto pesa mucho sobre la película, es que la amenaza de las armas nucleares nunca desaparece, decidamos preocuparnos por ello o no. Eso es algo me atormenta a mí y creo que a muchas otras personas”, concluyó Nolan.

AL/MG

Christopher Nolan es uno de los pocos directores cuyo apellido es la marca que vende sus películas. Da igual quiénes actúen en ellas, que sea un drama bélico como Dunkerke o un thriller de acción como Tenet. La gente quiere ir a ver ‘la nueva de Nolan’. Es un privilegio que tienen muy pocos realizadores, y también una presión que se vive con cada estreno. A Nolan parece que se le exige que siempre repita lo que se espera de él. La gente quiere un nuevo Origen, una nueva peonza que no se sabe si cae o no. Un nuevo truco de magia temporal que haga pensar y sentir al espectador que ha visto algo tan divertido como diferente. 

Los intereses de Nolan, sin embargo, son mucho más diversos de lo que parecen, aunque siempre se acaben definiendo por su particular obsesión por el tiempo. Es el tiempo lo que tiene en común su nuevo filme, Oppenheimer, con el resto de su carrera. Sin embargo, cuando se anunció que su nueva obra sería un biopic sobre Robert Oppenheimer, el científico que creó la bomba atómica y basado en la obra ganadora del Pulitzer Prometeo americano, muchos creyeron que se trataría de un thriller trepidante sobre la guerra.

Puede que tenga algo de ello, pero seguramente los que esperen al Nolan de los giros y las sorpresas se vean algo desconcertados; porque, aunque están todos sus sellos estilísticos, aquí apuesta por una película que bebe más del JFK de Oliver Stone que de cualquier otra película. Un thriller de pasillos. Una película donde se habla mucho, pero donde Nolan logra meterte en la cabeza de Oppenheimer gracias a su apuesta visual e inmersiva.

Es curioso que una película que muestra las contradicciones de Oppenheimer y cómo llegó a creer que la bomba atómica podía provocar que las guerras terminaran, se estrene en medio de otra guerra, la de Ucrania, que sigue teniendo en vilo a todo el mundo. Aquella frase de “ahora me he convertido en la Muerte, el destructor de mundos”, que se escucha en el filme tiene más sentido que nunca, y hace que el visionado de Oppenheimer se convierta también en un análisis de la geopolítica del último siglo y sus consecuencias en el presente.

Cuando Nolan comenzó a escribir el guion, tuvo una conversación con su hijo y le contó la historia en la que estaba trabajando. “Me dijo que pensaba que las armas nucleares no le importaban a nadie”, recuerda en un encuentro internacional con periodistas en el que se participó elDiario.es. “Mi respuesta fue que quizás esa podría ser una razón para hacer esta película, pero la triste ironía, lo terrible, es que dos años después ya no hace esa pregunta y nadie la hace. Creo que eso es sintomático de nuestra relación con las armas nucleares y el miedo al armagedón nuclear. Yo crecí siendo un adolescente en los años 80 en el Reino Unido, y fue una época de gran controversia y miedo en torno a las armas nucleares. Era el momento del apogeo y de la Campaña por el Desarme Nuclear”, explica.

Nuestro miedo como sociedad y nuestra preocupación por este tema tiende a ir y venir. Parece como si no pudiéramos preocuparnos demasiado por solo una cosa en particular

Christopher Nolan — Director de cine

Fue una de las muchas generaciones que sufrieron las consecuencias de la bomba creada por Oppenheimer. “Cuando tenía 12 o 13 años, mis amigos y yo estábamos convencidos de que en algún momento todos íbamos a morir en un holocausto nuclear. He tenido conversaciones con, por ejemplo, Steven Spielberg, que es de una generación anterior a la mía, que creció a la sombra de la crisis de los misiles en Cuba y tenía exactamente la misma sensación de pérdida. Así que nuestro miedo como sociedad y nuestra preocupación por este tema tiende a ir y venir. Parece como si no pudiéramos preocuparnos demasiado por solo una cosa en particular y tuviéramos que tomarnos un descanso y preocuparnos por una forma diferente de armagedón, como el cambio climático. Pero la verdad subyacente, y esto pesa mucho sobre la película, es que la amenaza de las armas nucleares nunca desaparece, decidamos preocuparnos por ello o no. Eso es algo me atormenta a mí y creo que a muchas otras personas”, añade.

Una película que, en sus idas y venidas temporales y narrativas, aborda mucho más que la simple construcción (y explosión) de la bomba nuclear. Oppenheimer es una película que señala de forma clara a EEUU, un país que usa a sus héroes y los tira a la basura. Un país donde se teme más al socialismo que al fascismo y donde el propio científico fue cuestionado por sus vínculos con el comunismo, viviendo una especie de juicio sumario para retirarle su credencial como investigador. “¿Es que nadie va a decir la verdad?”, se pregunta el protagonista con los rasgos de Cillian Murphy.

Para Nolan, su contribución al legado de Oppenheimer ya es mayor que la de aquellos que le auparon y hundieron. “Creo que lo estoy haciendo mejor que el gobierno de EEUU, que este año anuló la decisión que se tomó contra Oppenheimer. Les ha costado 76 años hacerlo, aunque afortunadamente finalmente lo hayan hecho y el Departamento de Energía anulara la decisión que se tomó en 1954”, dice de forma crítica el director de El caballero oscuro, que lleva años obsesionado con hablar del personaje, pero que cree que hasta ahora no había “desarrollado las habilidades necesarias para contar esa historia en particular”. 

Con cada película intenta aplicar lo que aprende con sus otras cintas, y solo ahora se sintió “listo para asumir esta historia”. Ya en Tenet había una referencia muy concreta al Proyecto Manhattan, pero no fue hasta que leyó la obra de Kai Bird y Martin Sherwin que ha adaptado cuando sintió que había llegado el momento: “El material original me dio confianza para abordar un tema histórico tan complicado. Les llevó 25 años de investigación escribirlo y es muy completo. La adaptación era muy complicada porque es un libro enorme con mucha información, pero fue el trampolín que me dio confianza. Esta fuente autorizada fue la que me liberó para comenzar a usar mi imaginación para tratar de producir algo que no fuera un documental, sino mi interpretación de su vida”.

Se trataba de estar en su cabeza y experimentar lo que él experimentó y, por lo tanto, llegar a comprenderlo en lugar de juzgarlo

Christopher Nolan — Director de cine

Una película “basada en el principio de subjetividad”. “Se trataba de estar en su cabeza y experimentar lo que él experimentó y, por lo tanto, llegar a comprenderlo en lugar de juzgarlo. Es una persona que se enfrentó a dilemas éticos reales de una magnitud que pocos de nosotros podemos imaginar. Situaciones muy paradójicas. Cuando comienzas a investigar la historia, queda claro que estos científicos no tuvieron más remedio que desarrollar esta arma. Se había establecido la división del átomo y los nazis estaban tratando de desarrollar una bomba. Todos lo sabían, por eso no me interesaba contar una historia sobre científicos que eran tan estúpidos que no podían prever el impacto negativo de traer algo así al mundo”, subraya Nolan.

Le interesaba ese dilema ético, el sentir que no tenían otra opción. Ahí ve el “verdadero drama” de esta historia. “Creo que no hay respuestas fáciles a las preguntas inquietantes y creo que el cine es mejor cuando no pretende responder a estas preguntas, cuando acepta las ambigüedades y las contradicciones de las personas. Nuestro viaje con Oppenheimer en esta película es de comprensión más que de juicio”, concluye.