Una fuerte polémica se desató en Tucumán luego de que Enzo Ferreira, referente de La Libertad Avanza en la provincia y coordinador de Radio Nacional local, lanzara agravios contra Mercedes Sosa, una de las figuras más emblemáticas del folklore argentino. Las declaraciones generaron un inmediato repudio y motivaron una dura respuesta de su familia.

A través de sus redes sociales, el funcionario se refirió a la cantora fallecida en 2009 con expresiones como “gorda comunista” y aseguró que “esta gorda fue un cáncer”. Lejos de retractarse, defendió sus dichos al calificarlos como “humor negro” y una “descripción física e ideológica”.

La reacción no tardó en llegar. La periodista Maby Sosa, sobrina de la cantante, calificó los dichos como un “acto de profunda cobardía”, al tratarse de insultos dirigidos a una persona fallecida que no puede responder. “Es patético, terrible, violento y estigmatizante”, afirmó, al tiempo que cuestionó el uso del aspecto físico o de una enfermedad como forma de agresión.

En ese sentido, advirtió que el episodio trasciende lo personal y constituye “un ataque contra la cultura tucumana”, al recordar que Mercedes Sosa es la principal representante de la provincia a nivel internacional. “Les guste o no, ella siempre se presentó como tucumana con orgullo”, sostuvo.

La periodista también puso el foco en el rol institucional de Ferreira, al remarcar la contradicción de que ocupe un cargo en una emisora que lleva el nombre de la artista, ya que la denominación completa es Radio Nacional Tucumán Mercedes Sosa. “Lo más desagradable es que esto venga de un funcionario público y, además, de la radio que se llama como ella”, señaló.

En la misma línea, cuestionó los criterios de designación en cargos públicos y denunció una falta de “ética” y “conocimiento”, al sostener que se prioriza a “influencers del odio”. Según planteó, este tipo de nombramientos contribuye a “denigrar la democracia” y a vaciar de contenido las instituciones.

Por su parte, Claudio Sosa, también sobrino de la cantante, expresó su indignación y vinculó los ataques con una larga historia de agresiones contra la figura de su tía. Recordó que durante la última dictadura fue incluida en listas negras y debió exiliarse, y sostuvo que los discursos actuales retoman esa lógica de estigmatización.

“No son nuevos estos insultos”, afirmó, y consideró que la vigencia de Mercedes Sosa genera “impotencia” en quienes buscan deslegitimar su legado. “Sigue siendo tan grande que no pueden borrarla”, agregó.

Entre la inercia y las ganas genuinas de repasar, de ver de qué estuvo hecho un año o un determinado período de tiempo. Entre la imposición y la ñoñada. Entre la falta de originalidad (¿originaliquéeee?) y la última migaja de entusiasmo restante. Cada vez que llega este momento del año –el de los balances, el de las listas, el de “lo mejor de”– me siento un poco ridícula. Por ahí porque, como conté alguna vez acá, las obras artísticas que más me interesan son aquellas que justamente se corren de cualquier temporalidad. Las orgullosamente anacrónicas, las huidizas.

Sin embargo, acá estoy otra vez, revisando, obligándome a recortar con culpa, viendo qué poner en una selección personal del año, que como todas, implica sesgos, omisiones, arbitrariedades, decisiones que no le hacen justicia a todo lo que ocurrió en 2025.

También lo escribí hace un tiempo por acá (¿originaliquéeee?): tal vez en este momento tan ensordecedor del año lo mejor sea parar la oreja para escuchar algún eco, quedarse en las resonancias más que en lo estridente. Porque el eco no es ruido, ni estorbo, ni invasión, ni lo opuesto al silencio. Es sonido que aparece como una luz que titila a lo lejos; una reminiscencia muy fugaz, un recordatorio, una forma de la memoria que insiste. Sin eco, no hay presente, ni un lugar transitorio al que volver –somos, también, aquello sobre lo que insistimos o lo que las insistencias hacen de nosotros–. Por eso las obras o los momentos más luminosos de un año –o de cualquier tiempo que decidamos recortar arbitrariamente– vienen con una pregnancia adherida. Con ese perfume conocido que reverbera aunque no lo hayamos usado nunca, que busca el camino para que su sonido se vuelva a oír aunque sea un instante.

Arranca una nueva edición de Mil lianas. Viene con libros, series y algunas cosas de 2025 que siguen haciendo eco en mí. Para aferrarse, más que nunca, en medio del desconcierto.

1. The Pitt. Es una de las series más reverberantes de las que se estrenaron y pude ver este año (para los amantes de los rankings, mi podio deforme y personal lo completan Pluribus, Task y El Eternauta y la segunda temporada de Severance).

The Pitt –algo así como un pozo, un lugar bajo, una fosa– es el nombre despectivo que le pusieron los propios empleados al hospital estadounidense en el que trabajan. Se trata de un centro de salud que recibe todo el tiempo personas con emergencias de lo más diversas ubicado en Pittsburgh, Pensilvania. Estrenada este año por HBO Max, The Pitt acude al clásico género del drama médico para contar el vértigo que viven tanto los pacientes como los trabajadores en cualquier hospital con falta de recursos.

Clásica, sencilla y atrapante a la vez, la serie tiene como protagonista a Michael Robby Robinavitch (encarnado por Noah Wyle, quien hace varios años también participó de otro enorme referente del género, ER Emergencias), un experimentado médico que tiene a su cargo el sector que recibe pacientes en estado grave o con cuadros extraños que debe dilucidar. Al frente de un grupo que incluye otros colegas, enfermeros, asistentes sociales y pasantes que aspiran a ser médicos en el futuro, se cruzan así las intrigas personales, los amores, los secretos del protagonista, con los dramas de quienes llegan a la guardia en busca de soluciones. Entre los asuntos que los médicos deben resolver, pese a la escasez de dinero en la institución, hay consumos problemáticos, conflictos de salud mental y las heridas que padecen familias arrasadas por la pobreza. 

Algo que distingue a The Pitt de otros programas del rubro es su ritmo: cada episodio cuenta en tiempo real, como hacía la serie 24, una hora del turno de los protagonistas. La primera temporada, que tiene 15 capítulos, refleja así las quince horas de trabajo de corrido que tienen que hacer los empleados de The Pitt. Por los tiempos que narra, además, otra característica particular de la serie es que refleja con crudeza las consecuencias y las heridas que dejó la pandemia de Covid 19. Por suerte HBO ya anunció que a partir del 8 de enero llegará la segunda temporada a las pantallas. Les dejo el tráiler para que vayan poniéndose a tono.

La serie The Pitt está disponible en HBO Max. Más sobre otras series destacadas de 2025 en los siguientes enlaces: Pluribus, Task, Severance, El Eternauta.

2. Libros argentinos de 2025. Se va un año más en el que pude leer y entrevistar a escritores y escritoras contemporáneas. Una tarea que, más allá de las condiciones cada vez más precarias e inciertas que nos corroen a quienes trabajamos en los medios argentinos –o, peor, con ellas encima– me resulta muchas veces gratificante. Por estos días armé un balance con algunos libros destacados de 2025 que incluye, en algunos casos, las entrevistas que hice con sus autores. Lo encuentran por acá (para los amantes de los rankings, mi podio deforme y personal en este rubro sigue la lógica de la lista con los seis primeros que van a ver ahí: López López, de Tomás Downey, Historia natural, de Marina Yuszczuk; Terminal 2020, de Osvaldo Baigorria; Poesía y errancia, de Alicia Genovese; Mi niñera de la KGB, de Laura Ramos y Argentinos, ¡a las cosas!, de Martín Kohan).

También armé otro repaso (lo encuentran acá) con grandes rescates literarios de libros argentinos que hicieron algunas editoriales locales. En ese caso, el libro que tuvo más eco para mí –y lo sigue teniendo– es Cuentos completos, de Diego Angelino.

El balance 2025 con libros destacados de autores y autoras de Argentina se puede leer por acá. Y, en este enlace, el repaso por grandes rescates literarios del año.

3. Lo que es mío, de José Henrique Bortoluci. “Hacerse adulto es acercarse y alejarse de ese dialecto familiar, de la lengua viva de la infancia. No es una tarea fácil. Ejecutamos el lento trabajo de elegir palabras, ser elegidos por otras, prescindir de muchas, revolvernos contra términos y usos, construir un archivo personal y, con el tiempo, producir un relato intermedio, vacilante, entrecortado, como un coro siempre desentonado en el que graves y agudos, palabras nuevas y viejas no dejan de producir una curiosa disonancia”, apunta el brasileño José Henrique Bortoluci en este libro y luego agrega: “Solo podemos hablar nuestra propia lengua cuando ajustamos cuentas con la lengua de nuestros padres”.

Como comenté en esta edición de Mil lianas, Lo que es mío –sin dudas una de las lecturas que caló profundo en mí este año– está escrito por un hijo que quiere retratar a su padre, Didi. El hombre es un camionero por más de cinco décadas en un Brasil que se mece entre el genuino anhelo del progreso, la desigualdad y una violencia arrasadora. Jubilado ahora, con el diagnóstico de un cáncer que pone en tensión a un cuerpo que ya arrastraba una gran cantidad de heridas, Didi revisa algunos episodios de su vida mientras que su hijo observa sus palabras, escucha a los médicos, sigue con atención las noticias que azotan a un país en conflicto y a un mundo en pandemia.

Bortoluci es un académico –el primero en acceder a la universidad en una familia de las clases populares brasileñas– que sabe que las grandes biografías, por lo general, no reparan en las vidas como las de este hombre que atravesó miles y miles de kilómetros para ganarse el pan y volver cada tanto a la casa familiar. Este hombre que, con sus propias palabras, con sus deseos, con sus historias ruteras –todo lo que es suyo–, es, ni más ni menos, que su padre. Sin embargo, con nobleza y la mirada de un hijo que se acerca y se aleja de la estirpe, intenta escribirla convencido de que “no hay texto sin filiación”.

En un gesto similar al de Didier Eribon con su Regreso a Reims y con el perfume de algunos textos de Annie Ernaux, aunque desde una mirada latinoamericana profunda y un poco más luminosa, Bortoluci desanda el camino paterno para ofrecer un relato inteligente, repleto de lecturas, doloroso, radiante y poéticamente conmovedor. 

Lo que es mío, de José Henrique Bortoluci, salió este año en Argentina por Random House con traducción de Antonio Sáez Delgado.

4. Apostilla. Varias películas también dejaron este año huellas resonantes. En el caso del cine nacional, incluso con los ataques por parte del gobierno, los recortes y la incertidumbre imperante para ese sector castigado, ofreció grandes estrenos. Para los amantes de ránkings y listados, dejo mi podio deforme y personal, donde se ubican cabeza a cabeza Una batalla tras otra (recordatorio: ya está para ver en streaming por HBO Max, como contamos por acá); LS83, de Herman Szwarcbart (la comenté por acá, está en cartel en Malba Cine); Algo nuevo algo viejo algo prestado, de Hernán Rosselli (acá hago trampa porque se estrenó a finales del ‘24, pero estuvo en cartel buena parte de este año, pueden leer más por acá); Fue solo un accidente, de Jafar Panahi (atención que está en cartel ahora mismo) y Valor sentimental, de Joachim Trier (ídem, está llegando a algunas salas por estas horas).

Banda sonora. Cuando el año empezaba a apagarse, apareció un material maravilloso que permanecía inédito. Se trata de Mercedes Sosa tocando en vivo en el exterior (el año pasado, si se les pasó, comentamos por acá las grabaciones que aparecieron de ella en un show que tuvo lugar en Nueva York en 1974). Esta vez es una presentación que la artista argentina grabó en la televisión de Suiza, en 1980. Ese concierto acaba de ser restaurado y lanzado para escuchar en las plataformas digitales.

“A 45 años de una presentación única, un registro inédito de Mercedes Sosa ve finalmente la luz. Se trata de una actuación realizada en 1980 en un estudio de televisión en Suiza, junto al guitarrista Nicolás Brizuela, en pleno exilio, en un contexto sociopolítico marcado por la violencia, la censura y el desarraigo. Grabada originalmente en formato VHS y escuchada solo una sola vez por quienes estuvieron allí, esta presentación fue recientemente remasterizada por Conrado Silvela en Estudio Casa Rara, en un trabajo minucioso de restauración sonora que buscó preservar —más que pulir— la experiencia de escucha original. El objetivo no fue modernizar el registro, sino conservar su atmósfera, su respiración, su cercanía, permitiendo que quien escucha hoy pueda sentirse dentro de ese estudio europeo de 1980, frente a una Mercedes Sosa íntima, lúcida y profundamente comprometida”, informaron desde la Fundación Mercedes Sosa.

Una alegría volver a la más grande de todos los tiempos, a esa voz y a ese eco inconmensurable. Encuentran todo en este enlace. Aproveché para sumar algunas de esas canciones a nuestra banda sonora. Se escucha, como siempre, por acá.

Posdata. Gracias por la compañía, lectoras y lectores de Mil lianas. Este espacio fue para mí un amparo en medio de un año arrasador. Que pasen bien las fiestas y que se venga un 2026 amable con todos nosotros. Entro a boxes para refrescarme un poco, ¡nos reencontramos en 15 días!

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El fenómeno, hoy, es Milo J. No para su público, como lo revelan las inapelables cifras: 60.000 personas en un show gratuito en su Morón Natal, hace ya dos años; 10 millones de visitas para su video oficial de “Niño”, subido a YouTube hace cuatro semanas, entre muchos otros ejemplos posibles. El fenómeno es el de un artista de 18 años, que ha cantado con Silvio Rodríguez –y que, junto con él, dona los derechos a las Abuelas de Plaza de Mayo–, que toma a Mercedes Sosa como “objeto encontrado”, que en sus letras habla con naturalidad del vacío existencial y que acaba de publicar en las plataformas La vida era más corta, un disco indudablemente argentino, que va y vuelve con creatividad notable a eso que todavía se llama folklore. Y el asombro, claro, es el del público que, en principio, desprecia al trap, el género del que Milo J proviene y con cuyas reglas  entreteje una estética personal.

El trap ya no es lo que era, podría pensarse. O, más bien, que como otros géneros populares –algunos de ellos también despreciados por la inteligentsia, como el chamamé en los 50s y 60s del siglo pasado–, o como la naturaleza según una de las grandes frases de Jurassic Park, se abre camino. No es el primer dato. Las preguntas sobre el ser –y sobre la nada–, ausentes de la música popular argentina, a grandes rasgos, desde “Todo el día me pregunto” o “Informe de un día” de Manal o “De nada sirve” de Moris, reaparecen en Wos o en Ca7riel donde, por otro lado, abundan los arreglos que cruzan fronteras –la chacarera o la guitarra de Ricardo Mollo en uno; el tono jazzy en el otro– e incluso la auto ironía –“-Hashtag, que es eso? -Decí ‘tetas’”–. Y pensar que Milo J, en este último disco, hace folklore es una simplificación. Porque no se trata de una simple visita al parque temático de ese género –como aquel Julio Sosa canta folklore de 1962– sino de una verdadera re-creación, sorprendente, en todo caso, no solo para el mundo del trap y los cultores y herederos del free style sino, sobre todo, para el de las músicas de tradición rural argentina.

El uso de los silencios, esas pausas dramáticas que introduce entre las estrofas o entre las palabras de una canción, el uso de material “documental” –esa grabación casera de Mercedes Sosa o la estrofa de “Puente Pexoa”, aquel rasguido doble de Tránsito Cocomarola y Armando Nelli, aquí convertido en un lamento cargado de nostalgia que funciona como introducción a “Niño”–, las propias letras de Camilo Joaquín (de esos nombre provienen el Milo y la J) Villarruel y la fluidez con que la electrónica se integra a la composición resultan en transformaciones trascendentes para un género en el que, durante varias décadas, la única novedad había sido incorporar una cierta gestualidad rockera mientras se cantaba una chacarera.

La idea del “objeto encontrado” –ese objet trouvé de las vanguardias francesas– en el caso de Milo J es literal. La grabación cedida por la familia de Sosa de “Canción del jangadero”, de Jaime Dávalos –que ella jamás registró en estudio y no debe confundirse con “El jangadero”, de Ramón Ayala y Vicente Cidade, que fue uno de sus primeros éxitos– es, en efecto, algo encontrado (algo que, de alguna manera, había sido olvidado). Como lo es ese pedacito de “Puente Pexoa”, una canción que fue himno correntino a partir de la grabación del Trío de Cocomarola con el dúo Vera-Lucero, a fines de 1955, que entró tardiamente en el canon oficial del folklore –el del Noroeste– cuando la grabaron Los Trovadores del Norte, en 1963, pero luego fue relegada, como todo el Noreste, al lugar de los márgenes.

¿Debe gustarle Milo J a los progresistas de hoy? El Factor Silvio Rodríguez no es desdeñable en ese sentido. El hecho de que cante bien –también para el paradigma tradicional, tan diferente al del trap– es, obviamente, un argumento atendible. Pero lo fundamental está en la estructura, en los pequeños desplazamientos, en las texturas en las que el fondo, muchas veces electrónico, sumado a una percusión que remite al folklore pero no es folklórica, transmuta la figura, y en las letras, que son excelentes. O sea en la originalidad y el talento. Algo de su dicción y del sonido general (la producción), por otra parte, conserva un resto trapero. ¿Es demasiado para el paladar de algunos? Sobre eso, nada hay para decir. Sobre gustos, ya se sabe, es sobre lo único que se ha escrito a lo largo de los tiempos. Pero sigue siendo inútil. 

DF/MF

Mercedes Sosa nació el 9 de julio de 1935 en San Miguel de Tucumán, y desde muy joven construyó un vínculo único con la voz popular. Su timbre grave y su compromiso social la llevaron a convertirse en la figura central del Nuevo Cancionero, junto a Armando Tejada Gómez y otros artistas que llenaron de raíz y conciencia la música latinoamericana. Aunque partió el 4 de octubre de 2009, su presencia sigue más viva que nunca.

¿Dónde escuchar a Mercedes hoy?

Plataformas digitales: Su obra está disponible en Spotify, Apple Music, Deezer y YouTube Music. Clásicos como “Todo cambia” o “Zamba para olvidarte” suman decenas de millones de reproducciones.

YouTube: En su canal oficial y en playlists de usuario se pueden encontrar grabaciones emblemáticas y presentaciones completas —como “Acústico en vivo, Buenos Aires 2001” .

Ediciones recientes: Sony Music rescató su histórico concierto de 1974 en Nueva York, lanzándolo en CD, doble vinilo y plataformas en streaming. Además, hay álbumes póstumos clave como Ángel (2014) y Lucerito (2015), que revitalizan su voz y mensajes para nuevas generaciones.

El tesoro hallado en 2024: Mercedes Sosa en Nueva York, 1974

En febrero de 1974, con 38 años y en su plenitud, Mercedes ofreció un concierto íntimo en el Town Hall de Manhattan, acompañada solo por guitarra y bombo. En noviembre de 2024, Sony Music, junto con la familia Matus y la Fundación Mercedes Sosa, recuperó las cintas y las lanzó como álbum digital, CD y doble vinilo.

El concierto que Mercedes Sosa brindó en el Town Hall de Nueva York, en febrero de 1974, fue mucho más que una presentación internacional: fue su primer show en Estados Unidos, en un contexto geopolítico convulsionado por las dictaduras en América Latina y la Guerra de Vietnam. A casi 50 años de aquel hito, el hallazgo de las grabaciones originales permitió recuperar una joya musical de enorme valor histórico y emocional.

El registro, de carácter íntimo y auténtico, muestra a Mercedes acompañada por el guitarrista Pepete Bértiz en un repertorio de 22 canciones. Entre ellas se destacan clásicos como “Gracias a la vida”, “Cuando tenga la tierra” y una versión especialmente emotiva de “Balderrama”, donde comparte con el público su vínculo afectivo con Salta.

La publicación de este material, realizada por Sony Music junto a la Fundación Mercedes Sosa en 2024, incluyó también un documental que narra el proceso de restauración y puesta en valor del concierto. El filme cuenta con testimonios de artistas como Víctor Heredia, Soledad, Abel Pintos, Teresa Parodi y los nietos de Mercedes, Araceli y Agustín Matus, quienes aportan una mirada íntima y generacional sobre su legado.

El lanzamiento fue recibido con entusiasmo tanto por el público como por la crítica. Muchos lo calificaron como “oro en polvo” y lo consideraron uno de los mejores registros en vivo de toda su carrera.

A 90 años de su nacimiento, el país celebra a Mercedes Sosa

Con motivo del 90º aniversario, distintos espacios culturales de todo el país se preparan para rendirle homenaje a la voz más profunda de América Latina. Conciertos, espectáculos, muestras y encuentros artísticos recordarán su legado, su canto comprometido y su enorme influencia en la cultura popular.

Este miércoles a las 19, el Teatro Colón será sede de “Gracias Mercedes”, un evento que reunirá a destacadas figuras de la música popular argentina como Soledad Pastorutti, Pedro Aznar, Cazzu, Nahuel Pennisi, Jairo, Sandra Mihanovich, Alejandro Lerner, Hilda Lizarazu, Ángela Torres, Lidia Borda, Jorge Fandermole, Maxi Espíndola, Ligia Piro, Fer Dente y Ahyre, entre otros. La conducción estará a cargo de Migue Granados y Lucas Fridman del canal de streaming Olga, y la entrada será solidaria.

La tradicional Feria de Mataderos también dirá presente con un tributo a las 16 en Av. de los Corrales y Av. Lisandro de la Torre, con las voces de Laura Albarracín, Chiqui Ledesma, Carolina Cohen, Pedro Furio y Pablo Fraguela.

CRM

Qué bello es vivir (It’s a Wonderful Life), la película que Frank Capra dirigió en 1946, es el cuento de navidad perfecto. Transcurre en el primer diciembre posterior a la Segunda Guerra Mundial. Hay un buen hombre, George Bailey, encarnado por James Stewart, y un malvado banquero, Henry Potter, personificado por Lionel Barrimore. Bailey ha logrado permanecer fuera de las garras de Potter hasta que un préstamo impagable lo pone frente al abismo y lo decide a suicidarse. Su ángel de la guarda, en la víspera navideña, lo disuade al mostrarle –película dentro de la película– lo que hubiera sido la vida –o la muerte– de sus personas queridas y de su comunidad de no haber sido por él. El film está basado en el relato “El regalo más grande”, publicado por Philip Van Doren Stern en 1943 y este a su vez es una adaptación de la novela Una canción navideña, escrita por Charles Dickens cien años antes.

Hans Christian Andersen era un admirador de Dickens. Como él estaba preocupado por las condiciones de vida de los más pobres y, como él, fue un estudioso y un defensor del folklore, ese conjunto de costumbres y producciones populares a las que esa nueva palabra –saber del pueblo– acuñada en 1846 por el coleccionista y escritor William John Thoms, había dado entidad propia. Dickens tuvo entre sus preocupaciones la de la recuperar, defender y promocionar la fiesta –y el espíritu– navideño. Andersen lo visitó en dos oportunidades. En la primera, en 1947, todo anduvo bien. En la segunda, diez años después, el danés vivió en la casa del inglés y se instaló allí cinco semanas provocando el odio de toda su familia y del escritor mismo, que lo satirizó en Uriah Heep, uno de los personajes de David Copperfield y el nombre que, en 1969, tomaría para sí una de las bandas precursoras del heavy metal.

Andersen, huérfano de padre y abusado repetidamente por uno de sus maestros “para forjar su carácter”, había llegado a ser famoso como autor teatral y, sobre todo, por sus colecciones de “Cuentos de hadas”. Uno de ellos, publicado en 1845 –y allí no había hadas aunque sí una intervención fantástica, como en Qué bello es vivir–, fue el más perfecto anti cuento de navidad jamás escrito. Una niña pobrísima, vendedora de fósforos, moría de frío en la calle viendo tras las ventanas la fiesta de una familia feliz (y rica). Había, en el final, una suerte de redención feliz. La niña encendía todos los fósforos que tenía y en esa luz veía a su abuela muerta, erguida como nunca, que la llamaba para que fuera con ella y la abrazaba. “Pero en el ángulo de la casa, la fría madrugada descubrió a la chiquilla, rojas las mejillas, y la boca sonriente… Muerta, muerta de frío en la última noche del Año Viejo. La primera mañana del Nuevo Año iluminó el pequeño cadáver, sentado, con sus fósforos, un paquetito de los cuales aparecía consumido casi del todo. «¡Quiso calentarse!», dijo la gente. Pero nadie supo las maravillas que había visto, ni el esplendor con que, en compañía de su anciana abuelita, había subido a la gloria del Año Nuevo”, concluía el cuento pero lo de la gloria divina pasaba bastante desapercibido frente a la miseria mundana.

Hubo una película en 1928, dirigida por Jean Renoir, La petite marchande d'allumettes. Se la puede ver en Youtube pero se recomienda hacerlo sin volumen pues la música que le agregaron es totalmente inadecuada (el Blues de la segunda Sonata para violín y piano de Maurice Ravel, estrenada en 1927 y con la duración casi exacta del film, puede ser una mejor opción).

Y hay dos óperas sobre ese cuento infantil –o de terror, tal vez sea lo mismo–, creadas por dos de los compositores más importantes de la actualidad y desde estéticas poco menos que opuestas –ambas fueron representadas en el Teatro Colón hace unos años, una en el CETC en ese entonces dirigido por Miguel Galperín y la otra en el Ciclo Contemporáneo creado por Martín Bauer–. Helmut Lachenmann compuso en 1997 Das Mädchen mit den Schwefelhölzern una pieza en gran escala, en la que el cuento de Andersen es intervenido por textos de  Leonardo da Vinci y Friedrich Nietzsche entre otros, y donde los personajes son más bien los sonidos. El norteamericano David Lang, parte del colectivo Bang on a Can, creó en 2007 The Little Match Girl Passion, para voces y percusión: una Pasión a la manera bachiana –aunque sin nada de Johann Sebastian Bach– en la que también el texto original es interpelado por otros. Y los dos cuentan la historia como si se tratara de un sueño. O una ensoñación, en todo caso, es la que da cuenta de ese universo de sonidos subdivididos, espejados y proliferados hasta el infinito, en Lachenmann, y de esa suerte de letanía que cuenta sin pasión la Pasión de una niña golpeada por su padre, tratando de vender fósforos en una noche de navidad, viendo la alegría detrás de las ventanas ajenas mientras muere de frío en la calle. Como en sueños, pasado y presente, el propio mundo y el ajeno, el sufrimiento y la esperanza transitan por ese relato sin fronteras, con la misma naturalidad con que, en los sueños, la habitación conocida se transforma en un pasillo sin final, en una caída interminable.

En la navidad se canta, por lo menos en la Europa protestante –y en el mejor heredero de su cultura, los Estados Unidos de América– y existe una larga tradición de canciones navideñas. Las clásicas son las que cantan específicamente temas relacionados con el nacimiento de Jesús. Están las que simplemente se refieren al espíritu festivo, las que apenas mencionan la navidad como telón de fondo y, créase o no, largas listas –y varias en Spotify que dan cuenta de ellas– de canciones tristes de navidad. Historias de soldados que no pueden llegar a sus casas, de personas ausentes, de pérdidas irreparables y amores abandonados. En ninguna de esas listas falta “River”, de Joni Mitchell y muchos aseguran que es la más triste de todas. No sé si es así pero, con certeza, se trata de una de las mejores. Mitchell la incluyó, acompañada sólo por su piano, en el álbum Blue, de 1971 –existe una versión con cornos en el final, incluida entre los demos de la edición conmemorativa del 50 aniversario del disco–. El acompañamiento cita “Jingle Bells” –algo que la versión del musical High School, cantada por Olivia Rodrigo, pone en primer plano– y la voz de Mitchell cuenta que “está llegando la  Navidad/ están talando árboles/ están poniendo renos” y se lamenta: “Oh, desearía tener un río/ podría patinar/ pero aquí no nieva”. Ella hizo llorar a su “chico”. Él se ha ido (y él es Graham Nash, nosotros lo sabemos). Y ella canta “ojalá tuviera un río tan largo/ enseñaría a mis pies a volar./ Oh, desearía tener un río/ podría patinar./ Hice que mi chico dijera adiós./ Está llegando la navidad/ están talando árboles/ están poniendo renos/ cantando canciones de alegría y paz./ Ojalá tuviera un río/ podría patinar”. Entre las versiones más bellas de esta canción extraordinaria, no deberían faltar la de James Taylor, que aparentemente fue el primero en escucharla, en su casa, en la fiesta de navidad de 1970, la de Linda Ronstadt con un arreglo de cuerdas à la Eleanor Rigby, la de Madelaine Peyroux en dúo con K. D. Lang y las dos de Herbie Hancock, una de 2007 con la cantante Corinne Bailey Rae, Lionel Loueke en guitarra, Dave Holland en contrabajo, Wayne Shorter en tenues pinceladas de saxo soprano y Vinnie Colaiuta en batería y la otra con la propia Mitchell, en vivo en el Festival Yahoo, nuevamente con Shorter, Holland y Colaiuta.

Casi al mismo tiempo, en 1970, se editó Navidad con Mercedes Sosa. Ella, con la voz cristalina, casi aérea, está en su mejor momento y el repertorio no incluye los previsibles villancicos sino canciones nuevas, como “Navidad en verano” de la dupla Ariel Ramírez-Félix Luna, “La cruz del niño”, de Oscar Alem y Hamlet Lima Quintana, “Negrita Martina” de Daniel Viglietti, “Navidad 2000” de Hilda Herrera y Antonio Nella Castro o la hermosa “Navidad de Juanito Laguna”, del Cuchi Leguizamón y Manuel Castilla. La guitarra de Kelo Palacios es impecable, como siempre, y los arreglos de Oscar Cardozo Ocampo a veces, solo a veces, conceden a una ampulosidad indeseable y eclipsan en algo la claridad de Mercedes Sosa.

Un clásico, en todos los sentidos posibles, es el Oratorio de Navidad de Bach. Se incluye aquí la versión completa, dirigida por Sir John Eliot Gardiner, con una orquesta que reproduce lo que se sabe de la conformación instrumental y de las prácticas interpretativas de la época en que fue compuesta (1734). Pero quienes no tengan ganas –o tiempo– de escucharla completa pueden empezar con la magníifica explosión del comienzo y pasar a la pista 8, con el aria para bajo y trompeta obligada, la siciliana con oboes solistas (pista 10) y una de las arias más perfectas y hermosas de la producción bachiana, “Duerman mis más amados” (pista 19). Menos conocidos –pero no menos valiosos– los oratorios navideños de Georg Philipp Telemann complementan el panorama de la navidad luterana y los Noëls de la corte francesa, en una magnífica producción del sello del Festival de Versailles, así como la Cantata de navidad de Alessandro Scarlatti y el Concerto Grosso para la noche de Navidad de Arcangelo Corelli permiten ampliar la visión al barroco del resto de Europa. Y, ya en el Siglo XX, “In The Bleak Mid-Winter, de Gustav Holst, y Ceremony of Carols, de Benjamin Britten son ejemplos de bellísima música inspirada en la fecha. Y, como final, una cita, la que el Modern Jazz Quartet hace de un carol anónimo, con John Lewis en clave y con el agregado de un grupo de bronces, en ”Variations on a Christmas Theme“.

Diego Fischerman es autor del blog “El sonido de los sueños”: https://xn--sonidodesueos-skb.com/

La canción figura dos veces en el registro de la Sociedad de Autores y Compositores de la Argentina (SADAIC). Y con dos títulos diferentes: “Tonada del viejo amor”, como la cantó Eduardo Falú y luego Los Fronterizos y tantos otros, y “Rastro de amor”, como la inscribió su letrista, Jaime Dávalos. “Lo que pasa es que no es una tonada, ese estilo característico de la música mendocina, sino una zamba”, explicó.

No solo se trata de una de las canciones más hermosas sino de una de las más originales y atípicas. Por sí sola desmiente la identificación fácil del llamado folklore argentino con el paisajismo –y en particular con el del Noroeste y, en menor medida, con el del Noreste–. Cuenta, como después Leonardo Favio, una historia de amor veraniega, fugaz, en la playa: el juramento de algo eterno pero escrito sobre la arena. Y contiene, de paso, la imagen más volcánicamente erótica que pudo haber dado un género más bien recatado: “se abrió tu boca en el beso, como un damasco lleno de miel”. La discrepancia acerca del título entre el autor de la música y el del texto, pone en escena, por otra parte, la discusión acerca del didactismo –y la impostación– de un estilo musical que, con matices y grados diferentes según el caso, pregonó su identificación con la patria en su versión más escolar (y hasta se convirtió en banda de sonido obligada de las “fiestas patrias”. Zamba es zamba y tonada es tonada, dice uno. Y el otro –y el tiempo, que se quedó con su título y no con el del poeta– afirma que lo que define a la canción es su gesto y no la rígida clasificación de la especie, leída además desde la rivalidad regional: la tonada es mendocina; la zamba –por lo menos la zamba lenta– es salteña.

Había diferencias. Los provincianos pobres, arribados a Mar del Plata con los hoteles sindicales del peronismo, ocupaban las playas del centro. Los más acomodados elegían las playas más lejanas, incluso las entonces casi desiertas de Punta Mogotes y Punta Cantera, junto al Faro. Allí donde había grandes extensiones de arena seca, mucho más fina que la del centro –y no se trataba de una metáfora–, donde corría el viento y donde los juramentos se borraban casi en el momento en que eran escritos. Pero unos y otros, los pobres del centro y los ricos de las amplias playas del sur, llegaban desde las provincias del norte y conformaban, como el folklore, un fenómeno de época.

Esa tonada poética, melancólica y montada sobre una zamba, fue grabada por primera vez por Falú en 1955, para el sello TK. Su voz ceremoniosa, pausada, se acompaña con una guitarra excepcionalmente florida. Los azares y desatinos de la producción discográfica argentina hicieron que esta versión circulara poco y mal. TK cerró a fines de los 50s y su catálogo fue absorbido más tarde por Music Hall, otra casa que, en este caso por una riña entre hermanos, llegó a desaparecer del mercado. Actualmente ese catálogo fue recuperado por el Instituto Nacional de la Música (INAMU) y, obviamente, su preservación vuelve a estar en peligro gracias a la selectiva motosierra gubernamental.

Falú volvió a grabar la canción, con el mismo arreglo para la guitarra, varias veces y para diversos sellos. Pero la interpretación que la hizo famosa fue la de Los Fronterizos, registrada para Philips en 1960 e incluida en el disco de larga duración Cordialmente (existe una excelente restauración sonora de los primeros LPs del grupo, realizada por Roberto Sarfati y Diego Vila para el sello Lantower). Una voz traía desde la lejanía, o desde el recuerdo, el primer verso de la canción. Y había, ya allí, una transformación del sentido del texto original. No se trataba solo de esa voz fantasmal sino del cambio de “ya nunca te olvidaré” por “y nunca te he de olvidar” que luego, en otras versiones, se transformaría a su vez –se provincianizaría– en “y nunca t’ei de olvidar”. En rigor, en esta versión el que parecía recordar su promesa de no olvidar era quien cantaba mientras que en su encarnación primigenia –mucho más interesante desde el punto de vista poético– eso era lo escrito en la arena: “Ya nunca te olvidaré/ en la arena me escribías”. Y los dos versos que seguían eran terribles: “El tiempo lo fue borrando/ y estoy más solo mirando el mar”. Luego la canción rememora la boca abierta en el beso, que interpretaciones posteriores cantarían como “un beso”, algo más coloquial pero mucho menos potente, y, en el comienzo del estribillo, dos de los versos más perfectamente quevedianos de la canción argentina: “Herida la de tu boca/ que lastima sin dolor”. Falú, con su voz grave y ceremoniosa y los contracantos y pasajes de registro de su guitarra, logra una tristeza inigualable, más poderosa aún por su aristocrática contención. Los Fronterizos, con segundas voces imaginativas y de gran riqueza melódica y, en sus guitarras, una fluidez y un empuje rítmico que no impiden ciertas sutilezas imitativas en las texturas, resumen tempranamente los postulados de ese autodenominado folklore que, no siéndolo, llegó a convertirse en él. Existen, además de esas dos versiones fundantes, muchas otras, entre ellas la muy bella de Juan Carlos Baglietto con Lito Vitale –mucho más tonada que zamba–, en el disco Postales de este lado del mundo, de 1991. Y no podría olvidarse la que el autor grabó a dúo con Mercedes Sosa en 2005 y se incluyó en el disco Corazón libre. Falú tenía entonces 82 años y la cantante 70. Si es que las voces acumulan cicatrices, las de ambos las muestran sin tapujos. No se trata de jóvenes enamorados de un verano y un amor irrecuperables sino de quienes rememoran las pérdidas de una vida entera.

Diego Fischerman es autor del blog “El sonido de los sueños”: https://xn--sonidodesueos-skb.com/

Andrea Corsini llegó a Buenos Aires a los diez años, en 1901, junto con su madre adoptiva, Soccorsa Salomone. Había nacido en Troina, Catania (en Sicilia) y nunca conoció a sus padres. Creció en Carlos Tejedor, en la provincia de Buenos Aires, dijo haber aprendido a cantar allí “de los pájaros, sin testigos” y cambió el Andrea natal, que en la Argentina se utilizaba como nombre femenino, por Ignacio.

Fue una de las primeras estrellas del cine y la canción argentinos. En 1917 filmó dos películas, Santos Vega y ¡Federación o muerte!. Como Carlos Gardel, comenzó interpretando payadas y otras canciones provenientes de la tradición rural (lo que se conocía como estilo campero) e incorporó poco a poco los tangos en su repertorio. Tuvo un éxito notable con uno de ellos, “Patotero sentimental”, que estrenó en 1922 en el sainete El bailarín del cabaret, grabó en disco ese mismo año y volvió a registrar ocho años después con la orquesta de Roberto Firpo (esa es la grabación que se encuentra en plataformas; la primera es inhallable).

Con su extraña voz nasal y su afinación imprecisa se convirtió en uno de los intérpretes más amados por el público. Fue quien popularizó “Caminito”, de Juan de Dios Filiberto, en 1927, luego de que Gardel lo grabara sin demasiada repercusión. Pero con el valsecito “La pulpera de Santa Lucía”, compuesto por uno de sus guitarristas, Enrique Maciel, junto con Héctor Pedro Blomberg –un poeta admirado entre otros por Raúl González Tuñón–, inauguró un género tan anacrónico como impensadamente exitoso: la canción rosista. A “La pulpera...”, y a sus ojos celestes que reflejaban la gloria del día, siguieron, entre otras, “La canción de Amalia”, “La mazorquera de Montserrat”, “China de la Mazorca”, “La guitarrera de San Nicolás”, “Tirana unitaria”, “El hijo del federal”, “La bordadora de San Telmo” y “Los jazmines de San Ignacio”.

Corsini grabó “La pulpera...” en abril de 1929, con Maciel, Rosendo Pesoa y Armando Pagés en guitarras, pero el año anterior lo había estrenado en la Radio Prieto. “El público reclamaba por teléfono, por correspondencia y hasta personalmente su repetición”, contaba Maciel en un reportaje realizado en 1948, pero, más allá de las anécdotas, los datos son inequívocos: 157.000 discos y 500.000 partituras vendidos ese año. La historia de la pulpera rubia del barrio (en ese entonces parroquia) de Santa Lucía, en la actual Barracas, de su huida con un payador unitario y del lamento por su partida, cantado por un mazorquero, fue capaz de seducir, a lo largo de los años, a artistas tan disímiles (y de talentos tan dispares) como Alberto Castillo, los Tucu Tucu, Luis Aguilé, Jairo, Antonio Tormo, Ginamaria Hidalgo, Palito Ortega y Andrés Calamaro (varios de ellos inigualables, en el peor de los sentidos, y cuyas interpretaciones del clásico están en su mayoría ausentes en las plataformas).

“Eterna maldición al bando odioso/ que convulso en frenéticos furores/ matanza, estragos, crímenes y horrores/ con feroz avidez ansía rabioso”, acusaba un soneto anónimo leído “en la función federal celebrada el 11 de septiembre en la Parroquia del Socorro, en reconocimiento del Todopoderoso por haber salvado la preciosa vida de nuestro Ilustre Restaurador de las leyes, del puñal alevoso de los salvajes unitarios vendidos al oro de los asquerosos franceses”, según cita el propio Blomberg en su Cancionero federal. El mismo texto podría haberse debido a los unitarios, por otra parte, y el cancionero popular, más allá de los cielitos de la época, llegó a regurgitaciones de escasa sutileza como las de Roberto Rimoldi Fraga, a la sazón yerno del dictador Alejandro Lanusse, en “Revuelo de ponchos rojos”, compuesta por él junto con Raúl Trullenque.

“Ya viene don Juan Manuel/ trayendo la paz y el orden/ Qué viva el Restaurador/ grita el pueblo y se alboroza”, cantaba en 1969, con enfático destemple, quien en 1995 fue asesor de Carlos Menem y en 2007 candidato a intendente de Pilar por la alianza que hermanaba a Francisco de Narváez y Mauricio Macri. El punto de partida de su ampulosa zamba era el asesinato de Dorrego, un episodio que unos años antes, en 1965, había originado la primera superproducción de la discografía argentina.

El Romance de la muerte de Juan Lavalle, publicado por Philips, fue el primer disco local de larga duración con tapa doble y sus nombres propios destilaban mesura y distinción: el escritor Ernesto Sábato, que leía allí la alucinada marcha de Lavalle por el Norte, perseguido por Oribe, que había formado parte de la novela Sobre héroes y tumbas, de 1961, y Eduardo Falú, el gran compositor, guitarrista y cantor que había convertido la circunspección en una de las bellas artes. Participaba también un coro, dirigido por Francisco Javier Ocampo y, en su primera grabación para Philips, una deslumbrante Mercedes Sosa, que interpretaba la vidalita “Palomita del valle”. Y que, en 1969, el año de los ponchos colorados de Rimoldi Fraga, dio voz a algunas de las canciones más bellas en otra gran producción del mismo sello. Las piezas, compuestas por Ariel Ramírez con textos de Félix Luna, hablaban de Mujeres argentinas. Y con sus historias contaban parte de la Historia. Más allá de los hits que todos recuerdas, a los que de todas maneras vale la pena volver a prestarles atención –Mercedes Sosa en estado de gracia; los arreglos modernistas de Ramírez – hay allí algunas joyas (casi) ocultas, como la exquisita “Las cartas de Guadalupe”.

Pero la canción ejemplar, en su solapamiento de la violencia como una manera de contarla, es la que narra la historia de la pulpera del viejo Barracas. Porque la de esa mujer que posiblemente se haya llamado Ramona Bustos, es una historia perfecta. Habla de una cosa, pero, al mismo tiempo, se refiere a otras. No hay ningún acento particular en la mención a los “soldados de cuatro cuarteles” que festejan su belleza y su canto “como el de una calandria”, ni a los “trompas de Rosas” –los soldados que, en los combates, transmitían las órdenes con sus clarines– y, por supuesto, a su huida. Y es esa distancia emotiva –unida a la liviandad aparente del vals– la que, al naturalizarla, convierte a la guerra civil en una sombra callada y terrible.

Diego Fischerman es autor del blog “El sonido de los sueños”: https://xn--sonidodesueos-skb.com/

Mercedes Sosa volvió a la Argentina del exilio al que la había empujado la dictadura militar en febrero de 1982 para hacer diez shows en el Teatro Ópera. Fue un acontecimiento histórico por muchas razones. En principio, porque fue una señal clara de que la democracia, que llegaría al año siguiente, estaba cerca. Pero también fue valiosísimo para la música popular, que desde entonces fue otra.

El periodista platense Facundo Arroyo se propuso en Y un millón de manos que me aplauden - Mercedes Sosa y la vuelta de la democracia (Gourmet Musical) indagar más a fondo en cómo se dieron aquellos hechos, empezando por el último show que “La Negra” dio en el Almacén San José el 20 de octubre de 1978 en La Plata, que terminó con ella detenida, y terminando con un repaso pormenorizado del repertorio de esos recitales, que quedó reflejado en el disco doble Mercedes Sosa en Argentina, publicado unos meses después ese mismo año.

Aquellas noches hubo folklore tradicional y nuevo folklore, tango, rock, trova cubana. Y sonaron canciones que se volvieron himnos como “Solo le pido a Dios”, de León Gieco, “Como la cigarra”, de María Elena Walsh, o “Canción con todos”, de Armando Tejada Gómez y César Isella.

“Un repertorio seleccionado, estudiado y equilibrado en pos de una nueva forma de ver la música popular. Una cantante que, a través de su interpretación, genera una nueva composición total. Una fundadora de la fe de que ese movimiento en el arte era posible”, escribe Arroyo.

En diálogo con elDiarioAR, el periodista, nacido en 1985, cuenta cómo fue el proceso que desembocó en este libro y analiza el presente de la música popular argentina y su grado de politización, entre otras cosas.

-¿Por qué te interesó tanto este acontecimiento que ocurrió antes de que vos nacieras?

-Es un poco una linda vuelta de la vida, porque crecí escuchando en mi casa familiar a Mercedes. Mi mamá es fanática y además es profesora de danzas y mi papá es músico de música popular. Entonces, además del seno musical en el que crecí, Mercedes era una presencia muy fuerte. Por eso también le dedico el libro a mi mamá y el cuadro al que hago referencia es un cuadro que hay en el living de mi casa de Mercedes abrazando a mi mamá en uno de sus últimos shows de finales de los 90, principios de los 2000. Siento que ese cuadro fue la primera semillita de este libro y que terminó creciendo ahora porque yo al principio, como toda mi generación, crecí al fragor del rock argentino y toda la cultura pop. Y después me fue brotando desde adentro más mi perfil popular. La idea inicial del libro nace como una nota. Me la propone el editor de Billboard, Matías Ayerza. A mí siempre me parecía que faltaba sistematizar este hecho. Se contaba muy sobre la anécdota, que es lo que pasa mucho también en el registro periodístico del folklore. Hay muchos libros de anécdotas y poco rechequeo o poca info sobre esas anécdotas. Es solo confiar en los testimonios de época. Entonces era como que ahí mi neurotismo periodístico se activó. Y cuando salió publicada le fue tan bien a la nota que me terminó llamando Leandro Donozo, el editor de Gourmet Musical, y me dijo: 'Facu, la nota es tema de libro'.

-Usaste mucho material de archivo, pero también hablaste con testigos de la época. ¿Te costó encontrarlos? ¿Cómo los elegiste? Entiendo que tu ciudad, La Plata, tuvo un papel ahí

-La verdad es que fue todo bastante fácil porque tuve buena onda con Fabián Matus (NdR: el hijo de Mercedes Sosa), que fue una de las primeras entrevistas que hice y después como que él me acompañó en el primer proceso del libro. De hecho, hasta estuvimos juntos en el 2019 en Cosquín Folklore, cuando le hicieron el homenaje a 'La Negra', que fue él a recibirlo. Y gracias a esa incipiente relación de amistad, también con Araceli (NdR: la hija de Fabián Matus), que andaba por ahí, no me fue muy difícil sumar todos los demás testimonios. Después, por otro lado, personas como León Gieco o Teresa Parodi, cuando les decís que estás haciendo algo sobre Mercedes Sosa y más o menos tienen alguna referencia tuya, no hay muchas barreras. Si es sobre Mercedes, está todo bien. En relación a La Plata, la ciudad tiene mucho peso con el foco de la historia y la historia en particular. Sobre todo porque la última vez que toca antes de exiliarse es en el Almacén San José y estaba bueno reconstruir eso. Y la mayor sorpresa del libro que es Martín Raninqueo (NdR: poeta y cantautor mapuche y veterano de la Guerra de Malvinas) como el hilo narrativo del capítulo tres fue producto de la investigación. Un día me apareció él por un privado de Facebook y me dijo dos oraciones letales: 'Hola Facu, yo lo último que hice antes de ir a la guerra fue ir a ver a Mercedes Sosa y estando en las islas, una de las únicas cartas que mandé y que llegó fue la carta en que yo le pido a mi mamá que me compre el LP Mercedes Sosa en Argentina y fue una de las maneras de sostenerme simbólicamente desde allá'. Después de esas dos oraciones letales y de encontrarme con él en su casa y que me cuente su historia -yo ya la conocía, obviamente, porque Martín acá es bastante conocido-, fue medio inevitable elegirlo como hilo narrativo. Y a partir de eso también un poco surgieron las historias paralelas que fui eligiendo para cada uno de los capítulos.

-¿Te costó dar con todo ese material de archivo que usás?

-Me encantó el proceso de hemeroteca. Estoy muy agradecido con la Hemeroteca López Merino, de acá de La Plata, chiquita, pero muy simbólica, donde encontré dos de las notas que habían salido en Clarín, que no las podía encontrar en los archivos donde está el diario histórico de Clarín, ni en la Biblioteca Nacional. Una era, de hecho, la cobertura que hace Clarín. Esa foto famosa de 'La Negra' arriba del auto saliendo de Ezeiza en el remis contratado de Clarín con el periodista arriba. Y después la otra nota en la que Grinbank da cuenta de que quiere traerla acá a Argentina. Mercedes la lee y ahí empieza a decir que quizás era posible una vuelta, etcétera. Esas dos notas me costaron un montón y cuando aparecieron fueron increíbles.

-¿Por qué decidiste analizar canción por canción en el libro?

-Tengo dos explicaciones para eso. La primera es que hace tres años hago eso con los vinilos que reseño para la colección Vinilos de La Nación. Como tenía medio aceitada esa metodología, cuando pensé ese capítulo dije: tengo que hacer esto con el disco de Mercedes. Y la otra explicación es porque considero que ese repertorio es paradigmático y muy importante para la historia de la música popular argentina, porque se genera una de las primeras uniones de la música popular argentina en términos estéticos. Y más aún, no solo estéticos. Podemos decir en forma general que hubo folklore, tango y rock, pero también una visión de esos géneros. Porque, por ejemplo, Antonio Tarragó Ros y Raúl Barboza en ese momento, en aquel contexto, estaban discutiendo con la tradición del chamamé. Hoy forman parte de la tradición, pero en ese momento discutían. Y a veces discutir con tradiciones como la del chamamé es mucho más fuerte que discutir con la del tango, que también es súper dura. Entonces, no hay que dejar de lado eso también: la incertidumbre a la hora de pensar el repertorio de Mercedes y de estar buscando todo el tiempo lo nuevo. También lo hizo con el tango. Porque si bien hace “Los mareados”, un tango abocado a la tradición del período tango-canción, lo hace con Rodolfo Mederos. Y Mederos venía de tocar con Astor Piazzola y de hacer Generación Cero. Disrupción total. Tango Vanguardia. Y así con Charly García y con los mismos intérpretes nuevos del folklore como León Gieco y Julio Lacarra. Julio finalmente no queda, pero yo lo agrego como un bonus track por todo lo que cuento en ese apartado. Es toda una postura de Mercedes a la hora de plantear un repertorio. Está también el foco de la trova cubana. No agrega cualquier canción, agrega “Sueño con serpientes”. La vuelve masiva y de alguna manera genera el puente para que la trova finalmente llegue a tocar acá por primera vez un año después. Entonces, a través de las canciones también hay un montón de cosas para decir. Estas, por ejemplo, que estoy diciendo, pero también la importancia de ese repertorio como un hecho cultural histórico de quiebre. Para mí, por ejemplo, eso generó otro hecho como Alta Fidelidad, el disco que hacen después de 15 años Mercedes y Charly García, que es un disco que en su momento no fue muy bien tratado por la prensa, porque fue bastante caótico todo el proceso de grabación, etcétera, pero a mí me parece impresionante y creo que es la única vez en la que el ego de Charly, del maestro, queda en un segundo plano. Sin ir más lejos, lo presentan en Cosquín Folklore. Después de un bardo total y mucha resistencia por parte de la comisión y del público a que Mercedes haga eso. Pero ese disco se termina presentando ahí. Es como una vuelta.

-¿Qué pasa hoy con los artistas en relación a la política? ¿Creés que hay referentes con la fuerza que tenía Mercedes?

-De ninguna manera hay una referente con el peso de Mercedes en la actualidad. Lo que sí hay son artistas con otras características de otras generaciones, otro contexto y otra obra que sí se manifiestan como Lali Espósito, una pop star, o Marina Bertoldi, desde el rock. Menciono mujeres, que eso en la época de Mercedes no existía. Había muy pocas. Hoy hay muchas. Después, en términos más generales, no soy de los que reclaman que un artista se manifieste. Sí, obviamente espero que se manifiesten. Estamos en el siglo 21 y a partir de la segunda década del siglo, inevitablemente la nueva cultura juvenil está encuadrada en la música urbana y la música urbana de por sí tiene un vacío de contenido en ese sentido tanto en su música como en referencia a sus grandes exponentes. Sí las pibas, por ejemplo, Nicki Nicole y Cazzu laburan bastante la lucha feminista. Pero después los pibes, por ejemplo, Duki -voy mencionando así como las grandes cabezas fundadoras y las que son referencia- lo que hace es como una construcción más cotidiana. Es como si fuera un referente del folklore naturalista, un chalchalero. Pero la verdad es que están bastante flojos en relación a la época. Duki, que llena cinco estadios seguidos, hace más foco en sus declaraciones y en su música, en la familia, en la amistad, en el amor. Hay poca política en sus discos.

-¿Creés que existe la posibilidad de que los jóvenes se acerquen más al folklore o lo ves como algo muy difícil? ¿Creés que tu libro aporta en ese sentido?

-Creo que en el folklore, actualmente, por más que hayan proliferado algunas carreras de música popular en grandes ciudades del país no hay una gran renovación. Sí, obviamente hay artistas, como en todos los géneros. No sé. Pienso en Nadia Larcher, en Noelia Recalde. Pero en un momento con la generación de Aca Seca, etcétera, parecía que el folklore se renovaba de una manera espectacular con la academia incorporada, pero también con el regionalismo, pero eso no proliferó. Y ahora es como que proyectos como Don Olimpio o Triángula o los mismos Duratierra, que ya tienen 15 años de carrera, si bien a veces toman al folklore como puerto de partida, son una mixtura, son algo más. Ahí está la concepción digital de la música, el pop. El mismo Chancha Vía Circuito haciendo un disco con el Chango Spasiuk son como casos aislados que no se incorporan a un circuito tradicional del folklore. No van a tocar a las peñas alternativas de ahora en enero en Cosquín. En ese sentido, me parece que el nuevo tango argentino tiene más desarrollo en términos de jóvenes que el folklore. Y aún así tampoco es algo masivo. Hay un circuito de nuevo tango argentino. Pero no deja de ser una cultura alternativa actual. Me encantaría que el libro acerque a Mercedes a nuevas generaciones. El otro día, en la presentación oficial, una de las presentadoras fue Emilia Erbetta, que además de amigos yo la respeto mucho como colega. Ella no sabía nada de Mercedes. Yo lo hice a propósito. Quería que lea el libro, que descubriera el disco de Mercedes Sosa en Argentina y obviamente su participación fue una obnubilación total con el tema y con la música de Mercedes. Ahora es una neurótica de ese disco. Y la verdad es que he visto en el último tiempo algunas reivindicaciones a Mercedes en referentes jóvenes. De otros palos, otro contexto. No sé, Malena Pichot. Marilina Bertoldi cuando ganó el Gardel de Oro lo primero que dijo fue: 'Hace 19 años ganó Merecedes Sosa, hoy lo gana una lesbiana'. Esos links son muy pocos, pero de repente vuelve la imagen de ella. Y si con este libro se genera eso, sería genial porque obviamente es uno de los objetivos. Esperemos que sirva para que nuevas generaciones conozcan a Mercedes. Para mí, además de un objetivo, sería un sueño.

“Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

CRM

El filósofo Edward Said, cofundador de la orquesta juvenil palestino-israelí West Divan, junto con Daniel Barenboim, publicó sus primeros ensayos en 1975. Y su tema eran, precisamente, los principios: Comienzos: Intención y Método. En 2003, al morir, dejó inconclusa, ­aunque casi acabada­, una serie de textos acerca de los finales: Sobre el estilo tardío (Música y literatura a contracorriente). Su punto de partida eran los escritos de Theodor Adorno sobre el “estilo tardío” de Ludwig Van Beethoven.

En 2001, al mismo tiempo que Said había comenzado a darle forma al volumen, Peter Gabriel grababa Up, el que hasta ahora había sido su último disco con material original. 22 años después vuelve a publicar un álbum nuevo. Un álbum, claro, ejemplar del “estilo tardío”.

Su título es i/o y alude a las letras que suelen verse en la parte trasera de algunos equipos electrónicos, las iniciales de Input y Output. Para Gabriel es una referencia “a lo que sale y lo que entra de uno”. El artista, de 73 años, es uno de los compositores y cantantes más importantes de la música artística de tradición popular desde que, en 1967, aún en la escuela secundaria, fundó con cuatro amigos el grupo Genesis, o, para mayor precisión, desde el genial tercer disco de ese grupo, Foxtrot, publicado en 1971. La tapa de i/o, en blanco y negro, lo muestra con la cabeza entre las manos. Es un disco que parte de una crisis y de un dilema. Y que, en lugar de tratar de ocultarlo, no solo lo pone en escena sino que lo convierte en reflexión acerca de la obra de arte.

Es que el disco no es uno sino dos –y en la edición física de lujo son tres– exactamente con las mismas canciones y en el mismo orden. Lo que cambia es el concepto de producción y mezcla, explicitando que la obra no es ya sus materiales y ni siquiera los procedimientos compositivos –o interpretativos, esa forma de la composición heredada de lo popular– sino lo que con todo ello se hace en el estudio. Como enseñaron The Beatles –y mostraron, didácticos, los volúmenes de Anthology publicados entre 1995 y 1996– una canción podría haberse convertido en muchas otras. Y el compositor, en este caso –tal vez por eso se tome la cabeza entre las manos– no elige sino que deja que la decisión corra por cuenta de quien escuche. Las cuerdas à la George Martin a partir del minuto 1:14 de “Live and Let Live”, el tema que cierra i/o, por ejemplo, puede entenderse como una pieza esencial de la estructura –en la segunda versión, bautizada Dark-Side Mix– o como un sustrato casi enmascarado – en la Bright-Side Mix–. Sobre el final de esa misma canción, en la versión “brillante” sobresale la homogeneidad de unas cuerdas casi sensibleras mientras que en la del “Lado oscuro” asoman puntuaciones y contrapuntos rítmicos y una trompeta que en la otra es parte de una bruma coral. Debo decir –cuestión de formación o de personalidad, vaya a saberse– que prefiero por lejos al lado oscuro.

En su último disco, eventualmente, Peter Gabriel canta –­como siempre– como los dioses. No hay rastro de envejecimiento ni hastío en su voz. Y entre las canciones, que a manera de auto limitación Gabriel se obligó a terminar de a una por mes, en cada luna llena de 2023, hay piezas extremadamente bellas y exactas: la melancolía minimalista de “Playing For Time”, “Four Kinds of Horses”, la mencionada “Live and Let Live”, “So Much”, las reminiscencias africanas en “Olive Tree”, “Love Can Heal” con el exquisito contraste entre la voz y el coro –que recuerda a la Kate Bush de “Dont Give Up”– por un lado y un acompañamiento obsesivamente repetitivo por el otro. La base instrumental está en manos de viejos conocidos, el percusionista Manu Katché, el bajista Tony Levin y el guitarrista David Rhodes, quienes se suma el célebre Brian Eno en teclados, programación, electrónica y diseño de sonido. Y obviamente tanto Mark 'Spike' Stent –responsible del mix “brillante”­– como Tchad Blake –que firmó el “lado oscuro”– son protagonistas.

Said y Adorno basan sus reflexiones acerca del estilo tardío en el análisis de los borradores de Beethoven. Allí aparece un procedimiento escultórico más que pictórico. El pulido de una idea no lleva a un mayor embellecimiento o una progresiva sofisticación –por lo menos no en su sentido habitual– sino, más bien a una tosquedad casi brutal. Beethoven, en sus últimas obras, saca en lugar de agregar y va quedándose con el núcleo. Con una cierta idea de desnudez. La monumental fuga del primer movimiento de su Sonata Op.106 “Hammerklavier” (teclado a martillos, el nombre alemán del pianoforte) es, en ese sentido, ejemplar. No hay complacencia alguna, ni con el intérprete ni con sus oyentes. Más bien, música pura, si es que tal cosa existe. Fuera de época –de cualquier época– (la fuga comienza en el minuto 5:13, en la extraordinaria interpretación de Ronald Brautigam en una reproducción actual de un piano de la época de Beethoven).

Los 22 años transcurridos entre Up, grabado en 2001, y el reciente i/o –22 años de pulido, o de lucha, con una idea– permiten preguntarse acerca del estilo tardío en Peter Gabriel –una renuncia al ornamento, la elección de la sencillez, letras que hasta parecen pueriles– y llegar incluso más allá. A si existe algo similar al estilo tardío en la música artística de tradición popular. Si no hay algo que une, por ejemplo, a Blackstar de David Bowie, You Wanted Darker de Leonard Cohen o, por supuesto, la trilogía de discos finales que lidian con la imposibilidad de un disco final en la trayectoria de The Beatles: el Doble Blanco ­–la dispersión de los elementos después de la explosión de Sgt Pepper y Magical Mistery Tour–, Let It Be  –el inútil intento de recoger los fragmentos– y Abbey Road –la síntesis de canciones perfectas como “Come Together”, “Something” y “Oh Darling” y la implosión de su Lado B–. O, yendo a otros géneros, el abismo entrevisto en Interstellar Space, el disco en dúo de John Coltrane y el baterista Rashied Ali, el recital de Edith Piaf en el Olympia de París en 1961 o esa descarnada “Canción para un niño en la calle” que dejó como legado Mercedes Sosa junto con Calle 13.

Diego Fischerman es autor del blog El sonido de los sueños: https://xn--sonidodesueos-skb.com/

Uno. Las fotos pueden ser refugios. El álbum propio y también ese que, con el correr del tiempo, nos vamos armando con imágenes de otros. Siempre estoy volviendo a una que tomó el fotógrafo argentino Eduardo Longoni y que muestra a Charly García con Mercedes Sosa sentados en un sillón: hay una angustia en la mirada de ella que se va cerrando, que apoya la cabeza en el brazo de él; hay una esperanza en los ojos abiertos de él, que fuma y la sostiene en su hombro. El propio Longoni contó la cocina de esa y otras de sus grandes fotos –un álbum que su mirada inmortalizó y que también es de todos: de la Mano de Dios, a las Madres de Plaza de Mayo, de La Tablada a Videla arrodillado rezando– en su excelente libro Imágenes apuntadas (Planeta, 2017). La tomó en el departamento de Mercedes Sosa, durante una noche de diciembre, en algún momento de los años ‘90. “Mercedes presidía la reunión, acomodada en el mullido sillón de su living. Su voz y su figura, como una morocha luna tucumana, transmitían paz. También una enorme autoridad moral.Charly llegó acompañado de Fito Páez. Se sentó junto a ella y empezaron a hablar (...). Eran tiempos del menemismo: la charla giró en torno a los shoppings que se construían en serie, al supuesto primer mundo al que estábamos por entrar mientras faltaban gasas y curitas en los hospitales del conurbano. Fue una noche divertida, con recuerdos, canciones a medias y a capella, un placer único. Pero también fue una noche melancólica: Mercedes estaba especialmente nostálgica por sus años de exilio”, recuerda Longoni.

Dos. Siempre es difícil ponerle fecha al comienzo de una amistad y la de ellos dos quizá empezó en soledad, cada uno escuchando los discos del otro. Hasta que empezaron a invitarse mutuamente a esos recitales que dieron cuando todavía vivíamos en dictadura: alguna de las 13 funciones de ella en el Gran Rex en 1982, el mítico Ferro de él a finales de ese año –ese que se considera “el primer show de estadio” en el país– y también la presentación de ella en ese mismo predio, pero en 1983. La cantante da alguna pista en el documental Como un pájaro libre, de Ricardo Wullicher, con guión del escritor Miguel Briante, que cuenta su regreso al país tras el exilio y recupera imágenes de cuando cantan juntos Cuando ya me empiece a quedar solo, de Sui Generis: “En el ’81 fui a ver Submarino amarillo en España, y me admiré y me dio vergüenza de mí misma, por haber tenido el prejuicio de no verla cuando se estrenó –cuenta–. De la misma manera yo no había escuchado a Charly García ni a Nito Mestre. Indudablemente a ellos les debe haber pasado lo mismo con nosotros. El ser humano está lleno de prejuicios y preconceptos, y la falta de libertad no sólo se siente en la libertad colectiva, sino en la libertad mental de cada persona”. Volver a ver esas imágenes ahora, mientras cantan tendré los ojos muy lejos y un cigarrillo en la boca, es volver a ver la foto de Longoni y a trazar una genealogía de abrazos y de hombros que se juntan: arriba del escenario en el show de sus vidas, en un living una noche cualquiera.

Tres. Sentadas en un sillón, abrazadas, están Ana (Chunchuna Villafañe) y Alicia (Norma Aleandro). Primero se ríen, fuman, toman un licor amarillo que las distiende mientras leen una carta que Ana le mandó a Alicia un tiempo atrás desde el exterior. Pero eso que les provoca carcajadas, poco a poco se va oscureciendo hasta que Ana puede poner en palabras lo que vivió. Primero en un campo de concentración y después en el exilio. Alicia se horroriza, no termina de entender hasta que entiende. Es una de las escenas más conmovedoras de La historia oficial, una película que transcurre en 1983 y que empezó a filmarse durante ese año, todavía bajo el régimen militar, con miedo y amenazas al elenco. La propia Norma Aleandro acababa de volver del exilio y también lo había hecho la guionista Aída Bortnik, co-autora junto al director Luis Puenzo. El largometraje, que ganó el Oscar en 1986, es uno de los pioneros en mostrar a Madres y Abuelas de Plaza de Mayo, hombro con hombro para reclamar la aparición de sus hijos y sus nietos. Un grito que empieza ahí, viaja por todo el mundo con éxito, se estira en otras películas y se prolonga hasta estos días de celebración de los cuarenta años de la democracia con la enorme repercusión de Argentina, 1985, de Santiago Mitre, y El juicio, de Ulises de la Orden.

Cuatro. Más abrazos y hombros juntos, en las calles, en el ocaso de la dictadura. La primera Marcha de la Resistencia, de diciembre de 1981, con Madres de Plaza de Mayo a la cabeza, con los organismos de derechos humanos, con Adolfo Pérez Esquivel. La madre y la hija que registra la fotógrafa Adriana Lestido en esa imagen memorable tomada en Avellaneda, en 1982, durante una protesta para pedir por la aparición con vida de un familiar. La de Saúl Ubaldini abrazando a un niño que hace la V con los dedos en marzo de 1982 mientras caminan hacia Plaza de Mayo bajo la consigna “Paz, Pan y Trabajo”. La Marcha por la Vida del 5 de octubre de ese año, la de la Multipartidaria de diciembre.

Cinco. Un abrazo fraguado por los militares en 1982: durante la Marcha por la Vida un grupo de Madres quiere avanzar hacia un sector de la Plaza de Mayo hasta que un uniformado las frena con violencia. El episodio queda registrado por algunos fotoperiodistas presentes que capturan la secuencia. Pero de toda la escena, trasciende una única foto en la que se ve al agente de policía que atrae hacia su pecho a una de ellas. Algunos medios locales como el diario Clarín usaron la toma para dar cuenta de una supuesta reconciliación nacional entre los argentinos sin dar cuenta que se trataba, en realidad, de una maniobra para neutralizar a la mujer y sin publicar el resto de las imágenes, que mostraban el enojo de las manifestantes. El título de tapa fue “Pacífica concentración en el centro”. Muchos años después, ya en democracia, se conocieron los nombres de los protagonistas, cuando uno de los reporteros brindó su testimonio ante la Justicia: la Madre retenida por el uniformado era Susana de Leguía, acompañada muy cerca por Nora Cortiñas. El hombre retratado era Carlos Enrique Gallone, quien murió en 2021 mientras purgaba una condena a prisión perpetua y otra a 25 años por delitos de lesa humanidad.

Seis. Después de la censura, después de las listas de artistas prohibidos, después de los exilios, los ‘80 son los años de los abrazos. Por los regresos, por las ausencias, por los recitales, por las marchas, por el encuentro de los cuerpos después de tanta desaparición y tanta muerte. Otras imágenes que sintetiza la época, en la mirada del fotógrafo Marcos Zimmerman: las de la serie Tres mujeres descontroladas, encarnadas por Batato Barea, Alejandro Urdapilleta y Humberto Tortonese en el Parakultural. El poeta Fernando Noy eligió un abrazo de a tres –travestido, cachondo, irreverente–, para la tapa de su libro Historias del under (Reservoir Books, 2015), que recorre aquellos días y sobre todo aquellas noches de efervescencia.

Siete. Este año me compré por internet un buzo con la foto de Mercedes Sosa y Charly García. Calculé mal y me queda enorme, pero fue mi abrigo en el invierno de los 40 años de democracia y lo sigue siendo. Cuando me lo pongo siento que algo de esa unión –la tucumana que nació el Día de la Independencia ahí, en su cuna, y el porteño que va de la cama al living; la mujer que sigue cantando al sol como la cigarra y él que pasa el tiempo demoliendo hoteles; la que volvió y el que siempre se está yendo– me protege. Un refugio, un lugar posible para vivir días imposibles, con sus altibajos, con sus hombros pegados, con su diversidad, con los que no tienen voz y con los que todavía cantan. Un roce que vuelve en cada canción y en cada foto: ese largo abrazo es la democracia.

Ocho. Vuelvo al recuerdo de Longoni de aquella noche que dejó grabada para siempre con un clic: “Tomé pocas fotos. Cuando Mercedes se apoyó en el brazo de Charly supe que la nota estaba resuelta. Fue un instante, cuando la geometría, los gestos y el encuadre hacen nacer una foto que, uno cree, transmitirá ternura y, de algún modo, traducirá el sentido del encuentro. Cuando logro capturar ese momento mágico me relajo un poco. Me quedo acechando con la cámara en el ojo por si algún otro supera al anterior. Pero ya casi no disparo. No tiene sentido”.

AL/MG

En el Día de la Independencia y del aniversario del nacimiento de Mercedes Sosa se lanzó Mercedes Florecida, un disco de homenaje colectivo a la cantora argentina fallecida en 2009, que contó con la participación de León Gieco, Víctor Heredia, Teresa Parodi, Nadia Larcher, Eruca Sativa, Ricardo Mollo y Abel Pintos, entre muchos otros.

El trabajo, producido por Popi Spatocco con el apoyo de la Fundación Mercedes Sosa, se lanzó en plataformas digitales, pero también en formato CD y vinilo.

El productor del célebre Cantora, reunió a más de 30 artistas, entre ellos varios internacionales, para grabar once canciones, entre ellas varias convertidas en clásicos por la interpretación de la artista tucumana como “Todo cambia”, “Inconsciente colectivo”, “Alfonsina y el mar”, “Volver a los 17” y “Razón de vivir”.

El disco también incluye tres temas nuevos y uno inédito: “A Mercedes”, de León Gieco y Luis Gurevich, “Los dos solitos”, de Teresa Parodi y Popi Spatocco, “Mercedes Florecida”, con frases de todos los que cantan en el disco, y “Alguém cantando”, de Caetano Veloso, en una versión nunca antes escuchada que la cantora grabó con su hijo Fabián -fallecido en 2019-, su sobrina Araceli Matus y su nieto Agustín.

En Mercedes Florecida participan también Bruno Arias, Nahuel Pennisi, Peteco Carabajal, José Luis Aguirre, Juan Iñaki, Milena Salamanca, Ivonne de La Delio Valdez, la Bruja Salguero, Manu Sija, Julia Zenko, Silvina Moreno, Daniela Heredia, Luna Monti y la trapera Dakillah.

Los artistas internacionales que se sumaron son Francesca Ancarola (Chile), Mónica Salmaso (Brasil), Rozalén (España), Dulce Pontes (Portugal), Berta Rojas (Paraguay) y Marta Gómez (Colombia).

CRM

Acá estamos, una semana más tarde de lo acordado. En este tiempo, entre otras cosas, escuché a Hilda Herrera en aquella charla con Roberto Calvo en el Conservatorio Manuel de Falla que les anuncié. Y fue hermoso. Me hubiera gustado que el espacio desbordara de gente. A sus casi 89 años, Herrera está más lúcida que muchos y con la memoria intacta. Deleitó a los presentes con anécdotas y sus profundos conocimientos musicales. También tocó el piano, magistralmente, como solo ella sabe hacerlo. Pero, insisto, no estaba repleto de público.

Siempre digo que a los artistas hay que ir a escucharlos en vida. Somos muy de hacer homenajes post-mortem, mientras los artistas vivos hacen esfuerzos descomunales por convocar. Pensé mucho en Nini Flores estos días porque sentí su enorme ausencia -ya se cumplieron seis años de su partida- y lamenté, una vez más, que sus últimos proyectos con su genial quinteto quedaran truncos. A Nini tampoco iban a escucharlo en masa, pero luego declararon hasta un Día del Acordeonista en su honor. Que está bien. No digo que no. Pero vayamos a escuchar y disfrutar a nuestros artistas en vida.

Festival de Arte Popular Mercedes Sosa

Este encuentro no solo es una oportunidad de escuchar música en vivo, sino también de hablar sobre algunos temas importantes y recordar, claro, a nuestra mayor cantora, de cuya muerte se van a cumplir 13 años el próximo 4 de octubre. La décimo primera edición del Festival de Arte Popular Mercedes Sosa tendrá lugar el sábado 1 de octubre desde las 15 en los auditorios Ástor Piazzolla y Mercedes Sosa del Centro Cultural Borges, con entrada libre y gratuita.

En la apertura se celebrará la tradicional “charla desde abajo”, en la cual se abordarán los ejes convocantes de este año -América latina, identidad y lucha- a 50 años del emblemático disco Cantata sudamericana, 40 de las presentaciones de Mercedes en el teatro Ópera (1982) y diez de la sanción de la Ley de Identidad de Género.

Entre las diferentes propuestas, el músico y compositor José Luis Castiñeira de Dios, Cristina Montserrat Hendrickse, Florencia Guimaraes y Facundo Ramírez integrarán la mesa “América latina, identidad y lucha”, que moderará la periodista y escritora Ingrid Beck.

Los espacios destinados a la música y las artes latinoamericanas y la mesa de la diversidad estarán a cargo de Luisa Kuliok, Lula Bertoldi, Brenda Martin, Pano Navazo, Tomi Llancafil, Experimento Escenario Teatro, Indiana Nomma, Valen Bonetto, Susy Shock, Caro Bonillo y Andrea Bazán, entre otros.

Según sus responsables, la iniciativa surge “de la profunda convicción de que la cultura es el terreno central de la lucha del pueblo por la identidad y la liberación. En este sentido, la música, las artes visuales, la danza, las artes plásticas, la poesía y todas las manifestaciones relacionadas a la cultura popular son poderosas acciones que enfrentan a un sistema que, cotidianamente, insiste en desinformar y deshumanizar a las personas y grupo sociales”.

José Luis Aguirre llega a Buenos Aires

El cordobés José Luis Aguirre, “el Jose”, sigue con su gira Suelto y este viernes 30 toca en Buenos Aires, en Niceto Club. Luego seguirá rumbo a Rosario, donde tocará el 15 de octubre en el Centro Cultural Atlas, Río Cuarto, donde se presentará el 21 en Elvis Espacio, y Córdoba, donde el show será el 4 de noviembre en el Teatro Real.

Antes, el viernes pasado, adelantó tres singles encadenados en un video en su canal de YouTube en el que combina imágenes de las sierras cordobesas y otras de estudio. Son canciones que pertenecen al disco llamado igual que la gira que terminará de grabar este año y que distribuirá Los Años Luz Discos. Se trata de “Canta Canta”, “Volvé a las Chapas” y “De la Raíz a la Piel”, todas composiciones de Aguirre, con la excepción de la letra del segundo tema, que es de Elvio Fabián Palomeque. Están recién saliditas del estudio Liverpool de Anisacate, Córdoba, donde se grabaron en agosto.

Además, “el Jose” acaba de editar su nuevo libro de poemas Libreta de Agua (2022, Cleta Ediciones) que ya está disponible en: https://mimbreyalgarroba.mitiendanube.com/

Aguirre es uno de los artistas más interesantes del llamado “nuevo cancionero”. Se maneja con destreza tanto en el escenario de un festival masivo como en la ronda íntima de un fogón. Sus canciones, que abarcan todo tipo de ritmos folklóricos, difunden siempre el mensaje de la necesidad de vivir en armonía con la naturaleza y de tender una mano al prójimo. Las canciones de Suelto nacieron durante el confinamiento al que nos obligó la pandemia. La idea es ir entregando tandas de tres temas en formato audiovisual hasta completar el disco.

Vicky Durand Mansilla presenta su primer EP

Hace unos días, el 19 de septiembre, fue el Día del Chamamé y los que me siguen saben que en esta columna tenemos una debilidad especial por ese género. Durante mucho tiempo a las mujeres les era difícil abrirse paso en esta música del Litoral. Tenemos a la gran Ramona Galarza como pionera y referente y siempre nos alegra cuando una cantante joven (o una guitarrista, una acordeonista, etc) presenta material nuevo. Y hermoso, como es el caso de la entrerriana afincada en Rosario Vicky Durand Mansilla, que sacó un EP con cinco canciones de repertorio litoraleño. Una de ellas, “Veranoité”, que además es la que da título al disco, ya tiene video. Según cuenta, Durand Mansilla, es un valseado inspirado en las siestas correntinas a orillas del río Uruguay. El tema, compuesto por ella misma, “invita a recorrer las memorias de los veranos y la infancia de cada quien y a jugar con esos niños y niñas que fuimos”.

El trabajo también contiene también los temas “Entraña de árbol”, de Carlos Pino y Armando Tejada Gómez, “Camino sin cielo”, de Mario Prieto Linares, “Anhelo costero”, de J. “El Pony” Gonzalez, y “Mujer América”, de Mario Bofill y Julián Zini. Es una belleza. Acá está enterito.

Elis Regina y un libro biográfico

Desde hace unas semanas está en las librerías Elis Regina. Una biografía musical, el libro que el ensayista y músico brasileño Arthur de Faria escribió sobre quien se convirtió en una de las cantantes más importantes de Brasil, referente de muchas de las que vinieron después en toda Latinoamérica. Traducido por Martín Caamaño y prologado por Violeta Weinschelbaum (autora de ese otro libro imprescindible que es Otros carnavales. Conversaciones con músicos de Brasil), salió publicado en castellano por Híbrida Editora.

Cuenta la vida de este vendaval musical, nacido en Porto Alegre en 1945, que con su intuición para innovar y su atrevimiento se convirtió en una estrella que llegó a vender cuatro millones de discos. Habla de sus contradicciones, de sus amores, de sus enfrentamientos con otros músicos y de su trágica muerte con tan solo 36 años por sobredosis de cocaína y alcohol. Elis Regina disfrutó del favor del público en vida, sí, pero tras su muerte ascendió a la categoría de mito. De hecho, “cada día canta mejor”, dice De Faria. Como Gardel.

Manu Sija, por fin, será telonero de Pat Metheny

Por el fin el multiinstrumentista tucumano Manu Sija tendrá la oportunidad de abrir los dos conciertos que el guitarrista estadounidense Pat Metheny ofrecerá en el Gran Rex los días 8 y 9 de octubre tras más de 20 años de no tocar en la Argentina. Los shows iban a tener lugar en marzo de 2020, Metheny ya estaba en el país, Sija se había preparado un montón pero la pandemia obligó a suspenderlos con poquísima antelación. ¿Cómo llegó Sija, un músico que bebe de la raíz pero se mueve con comodidad en casi cualquier género, a esta instancia?

Todo se remonta a diciembre de 2012, cuando subió a YouTube un video casero de una versión suya de “First Circle”, tema que Metheny compuso con Lyle Mays. Lo mandó por Twitter, por Facebook, a todos los perfiles de Metheny, pero nunca recibió respuesta. Cuando en noviembre de 2015 ofreció una serie de recitales en pequeños clubes de Nueva York, Metheny estaba entre el público. Había ido por él. Le regaló un CD y el estadounidense le dio su dirección de email: “Escribíme y nos juntamos”. Pocos días después estaban zapando juntos. Desde entonces, quedó la conexión. Me contó más detalles en una entrevista que le hice poco antes de esos shows frustrados en La Agenda.

Hace poco contamos acá que Sija volvió al ruedo con su proyecto Chango Solo, en el que toca guitarra, violín, percusión, canta, usa looperas, se graba y combina todo. Seguramente será parte de ese set lo que sonará en el Gran Rex ese fin de semana.

Yapa: Luminiscencias

El Centro Cultural de España en Buenos Aires (CCEBA) cuenta con un ciclo de estrenos musicales en video con curaduría de Leandro Frías. Se llama Luminiscencias: cada martes a las 11 aparecen en el canal de YouTube del CCEBA videos nuevos. Desde las 11 de este martes se puede disfrutar de “Lamentándome”, del entrerriano Abelardo Dimotta, interpretado por su compatriota Maru Figueroa en guitarra y la correntina Belén Arriola en violín.

“Entre el desasosiego y el alivio se sucede el universo sonoro de Abelardo Dimotta, que prescinde de la palabra y vibra en el acordeón entrerriano. Su chamamé 'Lamentándome' trasciende los tiempos y se instala en el presente, en esta versión intimista que logran Maru Figueroa y Belén Arriola entramando un diálogo de violín y guitarra”, señala la descripción.

Les recomiendo que echen un vistazo a todo el ciclo, ya que están:

¡Nos vemos en dos semanas!

“Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

CRM

¿Y dónde no la hay esa sangre caída de los 16/ fusilados en Trelew?/ ¿y no habría que ir a/ buscarla?/ ¿y no se la habría de oír en lo que está diciendo/ o cantando?/ ¿no está esa sangre acaso diciendo o cantando? El poema “Glorias”, de Juan Gelman, convertido en canción y manifiesto por el Cuarteto Cedrón en 1972, invita, medio siglo más tarde a escuchar aquel terrible 22 de agosto en todos sus pliegues: ruido y furia, pero, también sus muy escasas y olvidadas simbolizaciones musicales.

Hasta el preparativo de la fuga de la unidad penitenciaria de Rawson tuvo su premeditada banda sonora. Se cuenta en La patria fusilada, el libro que reunió las entrevistas que Francisco Urondo realizó en la cárcel de Devoto con los tres guerrilleros que se salvaron de milagro, que había un preso a quien le gustaba cantar boleros. Para disimular la fuga le pidieron que desplegara todo su repertorio. La extendida vocalización debía servir para que no se “escuchara ni viera los movimientos raros, lo que estaba pasando a su alrededor”. Fue así que “lo tuvieron toda la noche cantando boleros hasta mucho después, cuando la gente ya se habla ido y el penal ya estaba rodeado”.

Aquel 15 de agosto, como se sabe, Marcos Osatinsky, Fernando Vaca Narvaja, Roberto Quieto, Mario Roberto Santucho, Enrique Gorriarán Merlo y Domingo Menna, lograron consumar su huida después de un accionar que dejó un guardia muerto. Otros diecinueve insurgentes estuvieron a cinco minutos de subir con ellos al avión que los llevó a Chile. Tomaron el aeropuerto, pero solo a los efectos de obtener garantías para su rendición. A través de la televisión llegaron a Buenos Aires los rostros y las voces de Pedro Bonnet y Mariano Pujadas. Pocas horas después de que retornaran al penal, en Buenos Aires, el Teatro Colón abría sus puertas para una velada inusual. El 17 de agosto de 1972 se presentaron Horacio Salgán, Aníbal Troilo, el Sexteto Tango y el noneto de Astor Piazzolla. ¡El grupo abrió nada menos que con “Fuga y misterio” !, cuando, más que misterio, había temores fundados sobre el modo en que el Estado quería resolver el intento de la otra fuga. Esa misma noche, el Partido Justicialista envió un telegrama al ministro del Interior Arturo Mor Roig: “reclamamos respeto a los derechos humanos de los presos políticos de la unidad carcelaria Rawson responsabilizándolo por su integridad física”. 

No deja de llamar atención a la distancia el contrapunto entre esos dos territorios, la cárcel y el teatro. Historias de dos ciudades y algo más. El disfrute despreocupado y la tragedia en ciernes. Algo, sin embargo, las conecta, como se enlazan cultura y barbarie. El sábado se habían intensificado los interrogatorios de los guerrilleros, así como los primeros escarceos de crueldad. Unos 1350 kilómetros al norte, el Colón recibía a las estrellas del folclore. Eduardo Falú, Los Chalchaleros, Jaime Torres, Ariel Ramírez a Ramírez y Torres. “Yo no voy a saludarlo”, dice Sosa. “Porque no me da la gana”, insistió ante los pedidos de cortesía de sus colegas. Y ella cantó, mejor dicho, le cantó al mismo Lanusse, nada menos que “Juana Azurduy”, de Ramírez y Felix Luna. Predijo que la revolución venía “oliendo a jazmín” cuando, en rigor, entre bambalinas, la contrarrevolución diseñaba su primer ensayo letal en Trelew. Dos augurios opuestos, entonces. “Mercedes, al Colon”, le gritaron lo que tomaban al pie de la letra su aromático vaticinio. El público parecía ser una sola garganta. Llegó el cierre, y fue la “Canción con todos”, de César Isella y Armando Tejada Gómez. “Libera tu esperanza con un grito en la voz”. ¿Y Lanusse? ¿Qué hace? Se levanta. ¿Canta obedeciendo el estribillo? ¿Podía cantar esa canción? “No sé si canté, realmente... En realidad, movía los labios, porque si llegaba a cantar me sacaban a patadas. De algo más me acuerdo: una mujer de la platea, mirándome, gritó: ¡Abajo la dictadura!”, le dijo, años más tarde, a Rodolfo Bracelli, el autor de La Negra. Esa mímica en el palco…  ¿Era acaso (mover los labios) el reverso asimétrico del bolero que sonó en la cárcel? ¿Mueca y ardid como caras de una misma equivalencia? 

El drama no contemplaba simulacros. Cuando Mercedes abandonó el teatro dijo, jocosa. “Quedó sanito el Colon? Vieron que nuestra gente no vino con los martillos a romperlo”. Tres días más tarde, casi dos, en rigor, las ejecuciones.

El oído de los sobrevivientes permitió recomponer algunas de las situaciones tras la balacera. “Ya escucho que empiezan a arrastrar cuerpos; y al final vienen y me llevan al hospital… Escucho simultáneamente que comentan que Bonnet se acaba de morir”, le contó María Antonia Berger a Urondo. “Y simultáneamente empiezo a escuchar tiros aislados que empiezan de adelante hacia atrás. Me doy cuenta de que están dando los tiros de gracia…sigo escuchando balazos basta que, en un determinado momento terminan; a esa altura yo pienso que ya me queda poco…después escucho que hacen toda una orquestación diciendo: Bueno, vos tenías una metra y Pujadas intentó quitártela”. Orquestar: la preparación de algo –una obra, una trama, un engaño- que debe ser interpretado. En este caso, los primeros bocetos de la “ley de fuga” que la dictadura siguiente convertiría en protocolo sumario en varias cárceles. 

La oreja de Alberto Miguel Camps recibe informaciones similares: “cuando paran se escuchan entonces quejidos, estertores de compañeros, incluso puteadas. Y empiezan a sonar disparos aislados. Me doy cuenta que están rematando, incluso alguien dice: Este todavía vive … y ahí me tira, a mí primero, y cuando estoy cayendo escucho otro tiro y veo que cae Marlo Delfino”.

Pronto se sabrá la verdad. Los cuerpos de las víctimas llegaron a la capital. La sede del Partido Justicialista, situada entonces en el barrio de Caballito, recibió los ataúdes. “Al latero, a la lata, que velen a los muertos en avenida La Plata”, se reclamó en la calle. La capilla ardiente apenes pudo funcionar. El comisario Alberto Villar puso fin a la ceremonia con tanquetas y la policía montada. ¿Quién recuerda esos relinches, el golpe de los cascos contra el adoquín, el motor del armatoste metálico de la infantería, las sirenas y los gritos? En sus memorias, Lanusse comentó: “una constante amenaza de venganzas masivas fue coreada en las calles durante las manifestaciones”.

 Trelew también se estremeció. Tomás Eloy Martínez definió el alzamiento de la ciudad entera como “la instauración de una comuna que duró tres días”. Había sido despedido de la revista Panorama por presión del capitán de navío Emilio Eduardo Massera. Decidió entonces viajar al sur para ser testigo de la protesta. “La gente sentía en sus cuerpos la incomodidad de la culpa, y no sabía dónde ponerla”, escribió en La pasión según Trelew. Estamos ante algo más que una crónica excepcional. Quizá sin proponérselo, su autor realizó un inventario sonoro de aquellas jornadas: expresiones colectivas de desahogo que, primero se percibieron “con sordina” pero luego adquirirían otra intensidad. “¡Abajo las botas! / ¡Trelew tiene pelotas!”. O: “Milicos, milicos, por qué nos piden votos/ y nos mandan a Devoto/ ¡Abajo los marinos! / ¡Que rajen los marinos/ cobardes y asesinos!”. 

Tamara Smerling y Ariel Zak reconstruyen en Un fusil y una canción, la historia secreta de la banda que grabó el disco oficial de los Montoneros, cómo se gestó el primer homenaje musical a los hechos que conmovían a parte del país. Hurque Mapu, el grupo que integraban Hebe Rosell, Ricardo Munich, Tacún Lazarte, Naldo Labrín, Lucio Navarro, Juan Chango Sosa, Manuel Picón y Olga Manzano, con los chilenos Quilapayún como modelo, se iba a presentar en el Aula Magna de la Facultad de Arquitectura de la UBA. La función buscaba recaudar fondos para los presos políticos. Ahí se enteraron de lo ocurrido en la base Almirante Zar. La reacción de Sosa en el escenario fue la de cambiar la letra de “La tonada de Manuel Rodríguez”, que pertenecía a Pablo Neruda. Que se apaguen las guitarras/ que la Patria está de duelo/ Nuestra tierra se oscurece/ Mataron a los guerrilleros. Huerque Mapu editó a fin de ese año su primer disco. El noveno corte se tituló “Trelew”. Se trató de una pieza instrumental, con aire de réquiem “Sentíamos un dolor profundo, imposible de traducir en letra”, explicó en su momento Navarro. La Opinión la definió como un “canto fúnebre”.

La radicalización política de Huerque Mapu los conduce primero a presentar una versión de la Cantata Santa María de Iquique, de Quilapayún, uno de los objetos de culto de lo que se conocía como la Nueva Canción chilena en los años de la Unidad Popular, y que también se relacionaba con una masacre de 1000 obreros del salitre, para luego componer la Cantata montonera. Nicolás Casullo fue el intermediario entre Mario Firmenich y Roberto Quieto y los músicos. La conducción guerrillera quería un cancionero propio. Y fungió de curadora. “Siguieron los avances y retrocesos en la elaboración del disco. Y aprobaron los arreglos musicales introducidos por los Huerque Mapu”, cuentan Smerling y Zak. Y el disco cobra interés desde este presente solo a los efectos de que la novena pista se llama “Patria Trelew”. Su letra nombra a todos los fusilados el 22 de agosto de 1972, peronistas y guevaristas. Resuenan ahí ciertas gestualidades de la Misa Criolla, de Ariel Ramírez, pero, también, del primer Les Luthiers, donde afloraba la experticia del barroco italiano. Los préstamos estilísticos funcionan como soporte de cada invocación, a la que se responde con el grito de “Presente”. “La historia del pueblo cantada por el pueblo”, tituló El Descamisado, sobre la presentación del disco en el Luna Park, en diciembre de 1973, cuando nuevos peligros acechaban en el aire y esas canciones despedían cierto anacronismo por el peso de las incesante de nuevas muertes. Leonardo Bettanin, uno de los diputados de la Juventud que desafiaría a Juan Perón por la reforma al Código Penal, pensó “que tendría que haber sido un álbum con una vertiente más popular, de cánticos ligados a la JP, como los que se escuchaban, por ejemplo, en las manifestaciones y que provenían de las canciones de Palito”.

Y eso en parte sucedió. El objeto insólito de esa época lo aporta, sí, Ortega. En Un muchacho como aquel, una historia política cantada por el rey, que escribí con Pablo Alabarces, exhumamos “El camino de la libertad” que, con su perfume folk, fue compuesta en homenaje a los guerrilleros muertos. Los hombres buscan el camino donde el sol alumbre a todos por igual/ y van buscando el camino donde nadie pueda callar la verdad/ hay muchos que dieron su vida, que dieron su sangre por la libertad/ dejaron vivo el pensamiento nunca morirá. Un curioso lazo sanguíneo une en 1973 a Gelman y Palito. Su canción ha cambiado de dedicatoria (fue ofrendada al ecuménico, Martin Luther King). Nos queda una constatación: se trata del Palito más osado e irrepetible, que complejiza más su figura. Un nuevo día está naciendo luces de esperanza vuelven a brillar, vislumbraba, antes de ponerse al servicio de los futuros verdugos. En declaraciones a Noticias, el diario de Montoneros, Ortega relató qué lo había empujado a escribirla. “Cuando ocurrió lo de Trelew yo me desperté espantado esa mañana. Yo sabía que vivíamos bajo una dictadura, pero jamás pensé que pudiera ser tan violenta, tan feroz, que pudiera ocurrir algo así en la Argentina”. Noticias quiso saber si, teniendo en cuenta de que se trataba de Ortega, no había cruzado un umbral de audacia. “De su aceptación o rechazo podré saber si lo que se espera es que siga presentando una visión positiva de las cosas o que mis temas cambien. Yo, lo único que hago es transmitir lo que todos sentimos”. 

¿Qué queda de todo ese módico esfuerzo representacional alrededor del 22 de agosto de 1972? Tal vez la Cantata del gallo cantor, que el Cuarteto Cedrón compuso sobre la base de una serie de poemas de Gelman. “Juan Solía darme los poemas que estaba escribiendo. Entre ellos había uno que se refería a Trelew, los otros no. Enseguida quise hacer una cantata”, recordó Juan Cedrón. La obra, que el guitarrista definió como una traducción musical de El 3 de mayo en Madrid, el cuadro en el que Goya expresó su horror por los fusilamientos ordenados por el Ejército bonapartista, fue escuchada incluso en aquella ciudad del sur argentino sacudida todavía por los hechos. Se grabó de inmediato en París. El disco comienza con “Ruidos” que, según el autor, habla de manera elusiva sobre la masacre. Esos pasos, lo buscan a él/ ese coche, para en su puerta/ esos hombres en la calle ¿acechan? / ruidos diversos hay en la noche/ sobre esos ruidos se alza el día. A pesar de las muertes, Gelman creía vislumbrar un amanecer de victoria. Nadie detiene al sol/ nadie detiene al gallo cantor/ nadie detiene al día/ habrá noches y días/ aunque él no los vea/ nadie detiene a la revolución. El optimismo histórico carecía en parte de asidero (no existía un todos como postulaba la canción que hizo gesticular a Lanusse). Dicho de otro modo: no se había podido escuchar la carga ominosa de Trelew, allí donde había comenzado metodológicamente El Proceso antes de concluir la era de Lanusse. “Cuando un Estado elige el lenguaje del terror, destruye todo lo que le da fundamento”, había escrito Martínez, con ojo avizor. “La destrucción de la Argentina empezó entonces, en aquella madrugada aciaga de 1972, y fue sucia, sorda, canallesca, como una pesadilla de fin de mundo”. 

Cedrón se exilió, igual que Martínez y los Hurque Mapu. En su casa alojó al sobreviviente Camps. “Lo preparamos cuando volvió, con una peluca, unos bigotes…él era uno de los personajes centrales, era uno de los sobrevivientes, nunca le pregunté lo que había pasado, cómo había ocurrido y nunca le dije que yo había hecho la cantata. Creo que ni siquiera se la hice escuchar…después conocí a la Berger. La vi varias veces en París. A (Ricardo) Haidar también. Después nada”. 

Los tres desaparecieron durante la dictadura.

AG

Volvemos después de unas semanas de descanso y nos encontramos con un montón de noticias hermosas para compartir. Conciertos, viajes, discos, documentales, homenajes. La música está viva y fluye y hace del mundo un lugar mejor.

Duratierra crece y se renueva

Este grupo maravilloso en torno a Micaela Vita y Juan Saraco anunció su ampliación: pasaron de ser cuatro a ser siete. A Vita, Saraco, Nicolás Arroyo y Tomás Pagano, se sumaron Valen Bonetto, Silvia Aramayo y Martín Beckerman. La banda ya anunció tres fechas en este nuevo formato, en las que presentarán las canciones que nacieron durante todo este tiempo que no tocaron.

Ya se agotaron las entradas para el 20 de agosto en el Teatro Margarita Xirgu de CABA y se espera que agreguen una fecha además. Antes, el 5 de agosto, tocarán en Córdoba en el Studio Theater, y el 6 de agosto en Rosario en Distrito 7.

“Fuimos y vinimos, nos agarró la pandemia a contramano, hicimos terapia y nos descascaramos un poco. Nos corrimos de las sillas y nos volvimos a mirar. Migramos”, explicó el grupo en sus redes. “Aprendimos a trazar deseos y canciones en la distancia, refundamos el amor y nos regeneramos. Dolimos abruptas despedidas y lloramos lo que había que llorar”.

“Nos volvimos a elegir, crecimos, lo celebramos. Un día soñamos con fuego azul y dicen que eso es un buen presagio. Quisimos agrandar la mesa e invitar nuevxs amigxs. Donde comen 4 comen 7. Se agrandó la familia Duratierra”, añadió.

“Pronto habrá fiesta en teatros y baile en los patios. Habrá encuentros arcoíris donde sea que nos convoque la tribu (...) Traemos una intensa ilusión en las manos y adentro del pecho. Tiene forma de música nueva que queremos regalarles. Venimos con nuevas canciones nuevas para encontrarnos en la trinchera que supimos construir con ustedes. La trinchera nuestra es ahora una turba del bien”.

El grupo, fundado hace trece años, toma influencias del rock, el pop, el jazz y el folklore para dar a luz canciones nuevas, frescas. Su tercer disco, Cría, del 2017, fue considerado uno de los mejores de ese año.

Aquí Vita y Saraco en una transmisión en plena pandemia.

Estrenan documental sobre Cafrune

Jorge Cafrune, uno de los referentes más importantes del folklore argentino, es el protagonista del documental Cafrune, de Julián Giulianelli, que se estrena este 7 de julio en el Cine Gaumont donde permanecerá en cartel hasta el 13. “Se trata de una película que aborda al músico no desde el orden biográfico sino a partir de sus mayores paradigmas. El rol del juglar en la cultura, la forma del intérprete, la historia”, señalan sus realizadores.

El documental parte del último viaje del llamado “cantor del pueblo” a caballo a Yapeyú luego de su actuación en Cosquín en 1978, cuando una camioneta lo atropella y muere, aunque las circunstancias del accidente nunca fueron del todo esclarecidas. Cuenta con entrevistados como Yamila Cafrune (su hija y heredera del canto), Sergio Pujol (periodista especializado en música), Luis Nogues (histórico sonidista de Cosquín), Guillermo Byrne (historiador y testigo de las primeras 15 actuaciones de Cafrune en Córdoba), Mario Perrota (Marito, el niño que grabó y giró junto a Cafrune), entre otros. Los testimonios que están acompañados de imágenes, videos, reportajes y recitales inéditos del músico.

La producción ejecutiva está a cargo de Nastassja Bischitz, la producción periodística de Facundo Arroyo y la dirección de fotografía de Alejo Maglio. La idea es que la película recorra luego todo el país.

Cafrune nació el 8 de agosto de 1937 y fue un músico de enorme popularidad.

Pueden ver el trailer aquí:

Esta es una playlist con las canciones del documental y una selección curada por Facundo Arroyo.

Las guitarras de Gardel

El guitarrista Rodrigo Albornoz investigó como nadie a los guitarristas de Gardel, sus técnicas, sus maneras de arreglar, sus trucos, con el fin de revalorizar su labor. Con todo ese material grabó un disco, llamado justamente Las guitarras de Gardel, que reúne once obras, conocidas y menos conocidas, en las que, bajo dirección de Albornoz, tocan las guitarristas Lina Agrima, Andrea Zurita, Elisa Sandá, Laura Zilber y Pablo Suárez. En el papel de Gardel cantan Esteban Riera y Martín Prestía.

La presentación fue el viernes 24 en el Museo Casa Carlos Gardel.

La meta de Albornoz es evidenciar la evolución técnica, interpretativa y arreglística que tuvieron los guitarristas de Gardel, que fueron José Ricardo, Guillermo Desiderio Barbieri, José María Aguilar, Domingo Riverol, Julio Vivas y Horacio Pettorossi. Cada uno de ellos aportó algo al tango canción. Fueron introduciendo en el conjunto de guitarras elementos que en la orquesta típica se venían dando desde hacía tiempo, compositivos y después arreglísticos: el marcato, la síncopa a tierra, la melodía articulada. Pusieron todos esos recursos al servicio de la necesidad expresiva de Gardel. Si quieren leer más sobre los guitarristas de Gardel, los invito a visitar esta nota que escribí sobre el tema en otro medio.

Albornoz también recreó la forma de grabar de los primeros años, el llamado período acústico, que era más o menos así:

Les recomiendo seguir a Rodrigo Albornoz en redes para ver más sobre esta investigación, que aún está en marcha.

Homenaje a Mercedes Sosa en su cumpleaños

Se acerca otro 9 de julio, que no solo es el Día de la Independencia, sino el cumpleaños de la cantora nacional Mercedes Sosa, nacida en 1935 y fallecida en 2009. Este año se celebrará un concierto homenaje llamado Traigo un pueblo en mi voz, con la Orquesta Sinfónica Municipal de Avellaneda en el Teatro Roma de Avellaneda, con la dirección de Popi Spatocco.

Cantarán parte de su repertorio Luna Monti y Bruno Arias, el Coro IMMA y los artistas locales Lorena Leal, Alicia Vignola, Gabriela Novaro y Pablo Olivares.

Yapa: Cuchi Recóndito e Inédito

Ya les hablamos de este disco del dúo Palo Blanco hace poco. Se trata de un trabajo maravilloso llamado Cuchi Inédito y Recóndito en el que las cantoras Laura Princic y Guadalupe González Táboas interpretan acompañadas por el guitarrista Roberto Eduardo Almerida y con invitados especiales obras hasta ahora desconocidas o poco conocidas del gran compositor salteño Gustavo “Cuchi” Leguizamón. Son veinte canciones que muy pronto serán editadas por el sello Shagrada Medra, de Carlos “Negro” Aguirre y Luis Barbiero. Pero, mientras, pueden escuchar los temas subidos a YouTube o a Soundcloud.

“Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

CRM

A través de ocho capítulos, “Mercedes Sosa. La voz de Latinoamérica” recorre la vida de la cantora según las distintas etapas de su vida. Desde su infancia y sus primeros pasos en la música hasta el legado que dejó en el mundo artístico, la serie propone conocer en profundidad a Sosa mediante archivos y voces de quienes la conocieron.

El documental recupera imágenes y entrevistas de la artista. Además, participaron personas de su círculo más cercano, como su familia o maestras de la infancia, y otros músicos, como Charly García.

Cada capítulo dura alrededor de 25 minutos y se puede acceder a ellos a través de dos formas. Una es el catálogo de la página oficial de Canal Encuentro. Allí se pueden ver desde el sitio web o descargarlos para tenerlos disponibles off line. Si no, se pueden encontrar en la plataforma Cont.Ar, disponible desde Internet o como aplicación en televisores o celulares. Para esta segunda opción es necesario estar registrado.

Además de “El Origen”, que retoma la infancia de “La Negra”, los otros capítulos son: “Nuevo Cancionero” –movimiento musical y literario del que ella fue fundadora-; “La expansión”, que recorre su proyecto artístico-; “Los Ideales” y “El Exilio” (en dos partes), que dan cuenta de sus ideales y la lucha que llevó adelante por ellos; “La Soledad”, que relata el estado de Sosa durante el exilio y “El Legado”, donde se revisa lo que dejó como artista “la voz de Latinoamérica”.

Mercedes Sosa nació un 9 de julio de 1935 y murió un 4 de octubre, a sus 74 años. Se cumplen 12 años del fallecimiento de la cantora, como ella pedía que la nombraran. Fue una de las voces más reconocidas en América latina y pionera y referente en Argentina.

MGF

Las músicas de tu corazón es un podcast muy original del medio digital feminista argentino LatFem y la plataforma chilena Ruidosa que se acaba de estrenar. Se basa en una encuesta realizada en marzo de 2021 entre unas 50 periodistas, productoras, mánagers y músicas sobre los discos producidos por mujeres, lesbianas, trans o personas no binarias de Latinoamérica que marcaron sus vidas.

El primer episodio está dedicado a Mercedes Sosa, a la que Romina Zanellato y Camila González, las periodistas que conducen el podcast, presentan como “la voz que funda nuestra identidad”. “Cantora del mundo, folclorista de lo humano, Mercedes Sosa traspasó fronteras para ser sinónimo de nuestra tierra, de Latinoamérica entera”. 

Cuentan con testimonios de la manager argentina Margarita Bruzzone, la periodista uruguaya Belén Fourment, la periodista ecuatoriana Carla Vera y la sobrina de la cantora, la periodista argentina Maby Sosa.

También incluyen la voz de la propia Mercedes tomada de un especial de la Televisión Española de 1979, donde ella misma se presenta. El podcast se estrenó el 9 de julio, día en que la cantora tucumana fallecida en 2009 hubiera cumplido 86 años, y pueden escucharlo acá:

Continuará con las otras músicas que más fueron nombradas en esa encuesta. “Los discos personales para una chilena son casi los mismos que para una colombiana o una mexicana. La historia de este extenso y rico continente siempre fue regada por música popular interpretada, compuesta y escrita por mujeres, lesbianas, trans, travestis y no binaries”, explica LatFem. Además de Mercedes Sosa, integran este top five: la colombiana Shakira, la mexicana Natalia Lafourcade, la chilena Javiera Mena y los colombianos Aterciopelados con Andrea Echeverri a la cabeza.

Preparan documental sobre Teresa Parodi

Y seguimos con otra mujer potente en la música. El cineasta chaqueño radicado en Corrientes Marcel Czombos acaba de ganar el “Concurso Federal de Desarrollo de Proyectos Documentales Inéditos” del INCAA para hacer un documental sobre la chamamecera correntina Teresa Parodi. Con Teresa en el otro país, el director de la serie El chamamé y sus mujeres concentra su mirada en la creadora de Apurate José y Pedro Canoero, de 73 años, considerada una gran innovadora de ese género del noreste argentino, sobre todo por haber incluido en él letras con contenido social. Como en El otro país, canción al que hace referencia el título de la película. “Es un proyecto que tiene mucho de documental pero también ficción. Y el núcleo es el proceso creativo”, contó Czombos a elDiarioAR. “Será un viaje de Teresa a Corrientes y Misiones, donde estaba la escuela donde dio clases. Y volveremos a sus lugares de la infancia”. El cineasta se encuentra en plena fase de investigación.

Parodi, exmaestra y exministra de Cultura, en tanto, presenta en los próximos días su nuevo disco, Después de todo, del que ya se conoce el primer single, Distinto.

Reapareció Landriscina con una canción dedicada al mate junto a Nahuel Penisi y Hernán Crespo

Parece que el cuentista y humorista chaqueño Luis Landriscina, del que hace mucho no sabíamos nada, escuchó una melodía del acordeonista y compositor bonaerense Hernán Crespo y le propuso escribirle una letra, lo que sorprendió al músico, que, como muchos de nosotros, creció escuchando los cassettes con las historias de Landriscina viajando en el coche de sus padres. Así fue como surgió Como un cisne, una canción dedicada al mate que encontró su cuerpo en la dulce voz de Nahuel Penisi. El video del tema sobre esta costumbre tan rioplatense -que de comunitaria pasó tristemente a individual a causa de la pandemia- superó ya las 10.000 visitas en su primera semana.

“El mate te ayuda tanto que cuando estás agotado, te saca el sueño y te anima. El día que no lo tomo siento que algo me faltó”, describe el humorista de 85 años los efectos de esta bebida en el recitado final de la canción.

Se habla de música argentina en la UNSAM

La Licenciatura en Música Argentina de la Universidad Nacional de San Martín (UNSAM), que dirige el pianista, compositor y director de Don Olimpio, Andrés Pilar, organizó una serie de charlas abiertas a todo el mundo bajo el lema Pensar la música sobre diferentes temas relativos a la música argentina. Comienza este lunes con la presencia de Pablo Cirio que hablará de los orígenes afroamericanos de nuestros sonidos bajo el título “El tango afroporteño de los siglos XVIII y XIX como microquilombo. Una perspectiva newtoniana”. En la segunda charla, Pilar y Diego Boris analizarán pasado, presente y futuro del INAMU, el Instituto Nacional de la Música, el organismo de fomento de la actividad musical argentina. La tercera, el miércoles, girará en torno al tango en la actualidad con la presencia de dos de sus referentes, Julián Peralta y Ramiro Gallo. La cuarta será sobre la nueva plataforma de streaming de música nacional Musica.ar y la quinta y última reunirá a Teresa Parodi y Juan Falú en torno a un tema en el que ambos tienen bastante experiencia: “Música y gestión pública”. Las charlas serán por Zoom y se pueden inscribir aquí.

Revuelto de Radio convoca a la fiesta de sus 20 años

El sábado 17 de julio tendrá lugar el primero de una serie de encuentros para celebrar los 20 años del programa Revuelto de Radio, que conduce Ale Simonazzi y es uno de los espacios que más difunde la música de raíz que se hace en Argentina y alrededores. En esta primera fecha la cantante Verónica Condomí y el stickista Matías Betti compartirán músicas de autores argentinos y composiciones propias del disco “Verdeado dulzor”.

“La voz, el stick, la guitarra, la kalimba, la caja y el bombo fluyen a través de canciones que fusionan las raíces folclóricas con el rock de nuestro país, revisitando temas de Spinetta, Yupanqui, García, Divididos y Cerati, entre otros”, prometen. Se entremezclarán charlas y canciones en un clima íntimo en el Teatro El Alambique, con todos los cuidados que impone el protocolo contra el coronavirus. “Estamos muy felices de convidar a la música y la palabra mirándonos a los ojos”, señaló Simonazzi. Revuelto de Radio se emite por Nacional Folklórica (98.7) los jueves a la medianoche y luego es retransmitido por más de 30 emisoras comunitarias, alternativas y universitarias. Las entradas ya están a la venta.

Yapa

Les dejo para que escuchen con calma este bellísimo Concierto para Violín y Orquesta compuesto por Sebastián Gangi, discípulo de la gran Hilda Herrera, con un sublime Pablo Farhat en el violín. Se trata de una obra integrada por tres movimientos, inspirados en ritmos del noroeste argentino: vidala, zamba y chacarera. Esta presentación se hizo en el Teatro El Círculo de Rosario en diciembre de 2019 y además de la Orquesta Sinfónica Provincial de Rosario acompañan al santiagueño Farhat Sebastián Henríquez en la guitarra y Horacio Cacoliris en el bombo. Esperamos que cuando pase la pandemia la podamos disfrutar otra vez en vivo muchas veces.

¡Espero que hayan disfrutado! Nos reencontramos en dos semanas con más novedades musicales.

“Raíces” fue un programa radial dedicado a la música de raíz de Argentina y Latinoamérica que la periodista entrerriana Blanca Rébori condujo durante más de 30 años en diferentes emisoras. Titulamos esta columna con ese nombre en homenaje a su labor.

CRM

“Cantora” fue el último trabajo discográfico de la gran Mercedes Sosa. Y en el que resume el alcance internacional de su voz y el respeto de artistas de todos los géneros musicales, no sólo el folklore argentino. Así es como hay dúos con Joan Manuel Serrat, Caetano Veloso, Shakira, Jorge Drexler, René Pérez (de Calle 13), Lila Downs, Joaquín Sabina, Julieta Venegas, Franco de Vita y Daniela Mercury, además de argentinos como Gustavo Cerati, Gustavo Santaolalla, Charly García, Fito Páez, Diego Torres, León Gieco, Pedro Aznar y Vicentico.

Hasta hoy lo que se podía ver en YouTube eran sólo tramos parciales, en el documental “Un viaje íntimo”, con escenas de las grabaciones del álbum “Cantora”. De ese material fílmico original, se pudieron realizar estos 21 videos con las canciones completas, junto a cada invitado. Hoy se estrenó el video de Zona de promesas, la canción que cantó junto a Gustavo Cerati y que fue compuesta por el líder de Soda Stereo en 1993, inspirada en su madre, Lilian Clark.

Mercedes Sosa fue una cantante única, con una bellísima voz y con una expresividad singular. Nació en la provincia de Tucumán, en el seno de una familia humilde, y se convirtió en una verdadera figura internacional, capaz de llenar auditorios en Europa, Australia, Estados Unidos y toda Latinoamérica.

Su carrera se desarrolló en el terreno del folklore argentino, donde le puso voz al boom del llamado Nuevo Cancionero y luego a la canción latinoamericana en general, con versiones exquisitas de composiciones de Violeta Parra, Milton Nascimento y Silvio Rodríguez.

Durante la dictadura militar de los años 70 sufrió el exilio y vivió en Madrid y París, pero al regresar en 1982 su figura se agigantó y logró la admiración de una nueva generación de fans. Incorporó canciones de artistas del rock argentino, como Charly García, y hasta se animó a cantar tango. Ahí comenzó una magnífica etapa, con temas de autores de prestigio de todo el mundo y uniéndose a grandes figuras como Luciano Pavarotti y la concertista clásica Martha Argerich.

A lo largo de los años tuvo muchos reconocimientos y recibió todo tipo de premios y menciones de honor, por ejemplo, el Premio UNIFEM de las Naciones Unidas, o ser Embajadora de UNICEF. Fue ganadora de 4 Grammys Latinos y un Grammy a la Excelencia Musical.

Los otros videos que se irán estrenando:

Desarma y sangra – Charly García

La luna llena – Rubén Rada y La Chilinga

Zamba para olvidarte – Diego Torres y Facundo Ramírez

Nada– María Graña y Leopoldo Federico

El ángel de la bicicleta – Gustavo Cordera

Zamba del cielo– Fito Páez y Liliana Herrero

La maza– Shakira

Y así y así – Luciano Pereyra

Aquellas pequeñas cosas – Joan Manuel Serrat

Jamás te olvidaré – Marcela Morelo

Sabiéndose de los descalzos – Julieta Venegas

Himno de mi corazón – León Gieco

Razón de vivir – Lila Downs

Deja la vida volar – Pedro Aznar

Novicia – Víctor Heredia

Canción para un niño de la calle – René Pérez

Esa musiquita – Teresa Parodi

Barro tal vez – Luis Alberto Spinetta

Coração vagabundo – Caetano Veloso

Agua, fuego, tierra y viento – Soledad Pastorutti

DA

El guitarrista y compositor argentino Ángel “Kelo” Palacios, hijo de la cantautora Margarita Palacios y quien por una década se desempeñó como arreglador de Mercedes Sosa, falleció la noche del viernes a los 88 años en la ciudad bonaerense de 9 de Julio donde vivía desde la emergencia sanitaria por la pandemia.

Un tuit de la Fundación Mercedes Sosa con el mensaje “El 'Kelo' Palacios fue arreglador y guitarrista de la Negra durante diez años. Se fue ayer. Abrazamos a su familia y a todos sus seres queridos”, puso en esa red social la noticia publicada por el portal cadenanueve.com.

Palacios nació en Tucumán el 5 de junio de 1932 y estaba desde marzo de 2020 en 9 de Julio de donde es su esposa, Silvia de la Plaza, ciudad del noroeste bonaerense en la que el hijo de ambos, Ignacio “Nacho” Palacios, acaba de asumir la conducción del comité distrital de la Unión Cívica Radical.

Formado por su propia madre, la popular artista catamarqueña Margarita Palacios, quien lo integró a su conjunto, además estudió con grandes como Félix Dardo Palorma, Carlos García y Juan Carlos Cirigliano.

Además de sus diez años junto a Mercedes Sosa (lugar al que accedió después de ser convocado por Oscar Matus, esposo de la cantante, para que le aporte nuevas herramientas guitarrísticas), “Kelo” grabó y actuó con Waldo de los Ríos, Lucho Gatica, Horacio Guarany, el jazzman Leandro “Gato Barbieri”, Ariel Ramírez, Zamba Quipildor, Los Quilla Huasi, César Isella, Jaime Torres, Julia Elena Dávalos, Lolita Torres, Amelita Baltar, Jorge Cafrune y El Trío junto a Dino Saluzzi y “Chango” Farías Gómez, del que no queda registro.

Autor de más de 80 canciones grabadas por diversos artistas y hacedor de álbumes propios entre los que se contaron “Tiempo de Kelo Palacios”, “Para Sudamérica”, “Kelo por Kelo”, “Guitarras de América” (junto a Ricardo Domínguez) y “Recuerdo de mis valles”, fue uno de los pilares de la Escuela de Música Popular de Avellaneda (fundada, entre otros, por Manolo Juárez) y donde se desempeñó como profesor de guitarra folclórica.

CRM con información de la agencia Télam