La organización Film Workers for Palestine anunció que más de mil profesionales de la industria cinematográfica, entre los que se encuentran nombres como Javier Bardem, Mark Ruffalo, Emma Stone, Susan Sarandon, Tilda Swinton y Olivia Colman.

En total, 1.200 cineastas, actores y trabajadores del mundo del cine han firmado la carta, entre los que también aparecen los argentinos Cecilia Roth y Nahuel Pérez Biscayart y el mexicano Gael García Bernal.

“Inspirados por Filmmakers United Against Apartheid, que se negaron a proyectar sus películas en la Sudáfrica del apartheid, nos comprometemos a no proyectar películas, aparecer o colaborar de cualquier otra forma con instituciones cinematográficas israelíes —incluidos festivales, cines, emisoras y productoras— que estén implicadas en el genocidio y el apartheid contra el pueblo palestino”, reza la carta que han publicado.

Entre los ejemplos de complicidad, resaltan que “se incluyen el encubrimiento o la justificación del genocidio y el apartheid, y/o la colaboración con el gobierno que los comete”. “Como cineastas, actores, trabajadores de la industria cinematográfica, reconocemos el poder del cine para moldear las percepciones. En este momento urgente de crisis, en el que muchos de nuestros gobiernos están permitiendo la matanza en Gaza, debemos hacer todo lo posible para abordar la complicidad en ese horror implacable”, ha señalado el comunicado.

“El tribunal más alto del mundo, la Corte Internacional de Justicia, ha dictaminado que existe un riesgo plausible de genocidio en Gaza y que la ocupación y el apartheid de Israel contra los palestinos son ilegales. Defender la igualdad, la justicia y la libertad para todas las personas es un profundo deber moral que ninguno de nosotros puede ignorar. Por eso, debemos alzar la voz ahora contra el daño infligido al pueblo palestino”, continúa la carta, que busca responder al “llamamiento de los cineastas palestinos, que han instado a la industria cinematográfica internacional a rechazar el silencio, el racismo y la deshumanización, así como a 'hacer todo lo humanamente posible' para poner fin a la complicidad en su opresión.

Lee la carta completa:

Como cineastas, actores, trabajadores de la industria cinematográfica e instituciones, reconocemos el poder del cine para moldear las percepciones. En este momento urgente de crisis, en el que muchos de nuestros gobiernos están permitiendo la matanza en Gaza, debemos hacer todo lo posible para abordar la complicidad en ese horror implacable.

El tribunal más alto del mundo, la Corte Internacional de Justicia, ha dictaminado que existe un riesgo plausible de genocidio en Gaza y que la ocupación y el apartheid de Israel contra los palestinos son ilegales. Defender la igualdad, la justicia y la libertad para todas las personas es un profundo deber moral que ninguno de nosotros puede ignorar. Por eso, debemos alzar la voz ahora contra el daño infligido al pueblo palestino.

Respondemos al llamamiento de los cineastas palestinos, que han instado a la industria cinematográfica internacional a rechazar el silencio, el racismo y la deshumanización, así como a “hacer todo lo humanamente posible” para poner fin a la complicidad en su opresión.

Inspirados por Filmmakers United Against Apartheid, que se negaron a proyectar sus películas en la Sudáfrica del apartheid, nos comprometemos a no proyectar películas, aparecer o colaborar de cualquier otra forma con instituciones cinematográficas israelíes —incluidos festivales, cines, emisoras y productoras— que estén implicadas* en el genocidio y el apartheid contra el pueblo palestino. * Entre los ejemplos de complicidad se incluyen el encubrimiento o la justificación del genocidio y el apartheid, y/o la colaboración con el gobierno que los comete.

Llevo varios días pinchada. Tironeada por ese loop: un montón de escenas se van apelmazando en el cuerpo y no tienen límites muy definidos. Esa boca de lobo íntima donde nada alcanza: ni el tiempo, ni la plata, ni el amor, ni los esfuerzos, ni las palabras. Esa corriente que arrasa y hace esfumar las paredes entre el cansancio acumulado, las urgencias, las preocupaciones terrenales, los desvelos, una cuota de angustia, otra de tedio. Esa fuerza que estruja, que no es nítida y que, al mismo tiempo, pesa. Y pesa una tonelada. En la espalda, en la cabeza, en la mirada del chico que tengo sentado al lado en el colectivo. Ahí estoy, en el colectivo, en esa soledad compartida y a cuestas, puro desamparo rodante. Sin imágenes claras para este espacio y con una neblina generalizada que atraviesa otros terrenos vitales.

En días así vuelvo a algo que dijo Mauricio Kartun en una entrevista que le hice en 2017 (pude entrevistarlo una vez más por acá y, cada tanto, tengo la alegría de cruzarlo por el barrio en el que vivimos). Ese día estaba rodeado de sus plantas, de sus fotos, de esos rejuntes que suele hacer cuando camina (creo que me mostró una maderita a la que él le había visto la forma de un personaje que después pasaría a formar parte de una de sus obras). Le pregunté por qué siempre destaca los concursos literarios como una energía que motoriza la escritura. “Es que todos somos resultado del deseo. Todos los seres humanos somos resultado del deseo del otro. El otro es el que de alguna manera establece una demanda. El otro, como interlocutor, es el que pide, el que demanda, el que crea una vía para que hagas y también el que te propone una forma. Yo creo mucho en la energía de la interlocución. ¿Para quién? ¿Cómo? ¿Cuándo? ¿Dónde? (...) Uno con el tiempo descubre que es una energía salvadora. Que cada vez que uno está bajoneado, decepcionado, con poca energía para crear, el surtidor al que debe ir a cargar combustible es el deseo del otro. Nunca dentro de uno. Dentro de uno las cosas siempre están un poco mezcladas (...) Todas esas posibilidades del otro demandando son una generación, en principio, de un canal de energía y después también de una forma”, respondió.

Vi que esta semana Kartun presentaba en la Feria del Libro su novela Salo solo. El patrullero del amor (Alfaguara, 2023) y un poco tomada por cierto pensamiento mágico (“el pensamiento es mágico”, carraspeó un amigo por estas horas) voy a escucharlo como quien entra a un templo con desesperación, a cortarse el pelo triste o a una curandera. Con esa urgencia, con esas ganas de que todo pase rápido y cambie después de un abracadabra.

Durante la presentación Kartun cuenta que el libro nació durante los días más duros del confinamiento por la pandemia. Pasó más de un año aislado con su esposa en una casa que tienen cerca del mar. “¿Cómo voy a escribir teatro si no sé cuándo voy a volver a ensayar?”, se preguntaba. “¿Qué hacemos con la escritura? ¡Qué hacemos con el deseo! Porque de alguna manera uno siempre escribe on demand. Porque hay una expectativa del otro lado, porque vas a publicar, porque viene un concurso o porque vas a estrenar. Si no, la verdad, esto de escribir durante un largo tiempo algo a lo que uno no le conoce el destino es muy difícil”, dice ante un público que lo escucha con mucha atención.

Entonces relata que salía a caminar y que en sus recorridos pasaba por la casa de un amigo que había muerto hacía poco, una de las personas más graciosas que conoció. Recuerda una conversación que había tenido cuando ese amigo se había divorciado y la soledad le pesaba: un día le comentó que había empezado un curso de filosofía. A Kartun le hizo un poco de ruido el interés repentino de su amigo por Spinoza hasta que apareció la revelación: ¡un curso siempre es un lugar en el que se puede conocer gente! 

Ahí Kartun pescó algo así como un perfume: “En ese gran impulso hay una fuerza. Los que escribimos teatro sabemos que necesitamos un conflicto, una energía que mueva todo. ¿Hay una fuerza más grande en el mundo que salir a buscar amor y sexo? ¡No hay! ¿Hay algún impulso que haya creado más cosas que la búsqueda del afecto?”.

Como si fueran piedras para hacer fuego, esa imagen y ese amigo surtidor hicieron chispa contra una forma, que fue la de pequeños relatos que Kartun fue subiendo a Facebook y que provocaron carcajadas en cientos de lectores en esa red social durante aquellos días de incertidumbre global. El protagonista: Salomón Goldfarb, el viudo desvelado que por consejo de su psiquiatra salió a patrullar. Sus aventuras y desventuras amorosas –todas divertidísimas, todas llenas de imágenes incandescentes– se podrían multiplicar al infinito. Por ahora integran este libro que Kartun presenta con todo su don, con toda su gracia. “Creo mucho en la belleza del que ríe”, dice más adelante.

Después se refiere al humor, ese lugar al que siempre vuelve: “Para mí es vital, no terapéutico”. Hacia el final, directamente nos hace entrar en estado de hipnosis, entre risotadas y aplausos. En algún momento lee una aventura de Salo, en otro retoma la archicitada frase de Sartre y la remienda con una sonrisa: “El infierno son los otros, sí, pero también el paraíso”.

Empieza una nueva edición de Mil Lianas.

1. Victoriosa, de Yishai Sarid. Abigail es brillante, directa y brutal. Hija de un psicoanalista y de una ama de casa que pretendía para ella “una vida normal”, terminó cursando sus estudios en una escuela a la que llama “de superdotados” y luego se formó en Psicología. Pero lejos del anhelo familiar, ella entró por una puerta distinta a la disciplina paterna y tuvo una carrera destacada en el ejército israelí como psicóloga militar. ¿Su especialidad, su campo de investigación, su práctica? Preparar a las personas enviadas a las batallas para enfrentarse con la muerte. Como ejecutores, como testigos, como posibles víctimas.

En ese terreno, entre la frialdad, la estrategia, la deshumanización, el deber, las tensiones, las atrocidades y los estragos que deja cualquier guerra, se mete la novela Victoriosa (Sigilo, 2023), del escritor israelí Yishai Sarid para ofrecer una historia contundente y sobria. Un libro que deja traslucir contradicciones más que certezas. Es que, llegando a los 50 años Abigail se convirtió en una especie de asesora sobre estos asuntos, mientras que en su propio consultorio se multiplican los pacientes que fueron enviados a combatir en otros tiempos –probablemente arengados por ella misma o sus colegas– y le exponen todo tipo de traumas y heridas. Así, todas las convicciones de la protagonista, que circula en un mundo de varones con desparpajo y solvencia, empiezan a tambalear y crujen todavía más cuando es su propio hijo adolescente el que es reclutado para combatir mientras se cocina una nueva contienda bélica.

El escritor Yishai Sarid nació en Tel Aviv, en 1965. Antes de su carrera literaria llegó a ser oficial del ejército y tiene experiencia en inteligencia militar. Su novela El poeta de Gaza fue traducida a ocho idiomas y ganó el gran premio de Novela Negra Extranjera en Francia (2011). Victoriosa, recientemente traducida al español por Ana Bejarano para Sigilo, es su sexta novela.

La novela Victoriosa, de Yishai Sarid con traducción de Ana Bejarano, salió por la editorial Sigilo.

2. Olivia Colman por dos. La actriz británica es una favorita absoluta de este espacio. De hecho, hace un tiempo hice este compilado con algunas series y películas que la tienen como protagonista y se pueden ver por streaming. En los últimos días se sumaron dos. Por un lado, llegó al catálogo de Netflix la película El padre, que tuvo un estreno en cines un poco acotado en 2021, y por la que Anthony Hopkins se llevó el Oscar a mejor actor. 

El largometraje sigue los días de Anne (interpretada de una manera muy sutil por la propia Colman), la hija de Anthony (Hopkins), quien busca reclutar a una persona para cuidar a su padre, un hombre grande que empieza a mostrar signos de pérdida de memoria. 

El relato, que juega con los desvaríos del protagonista, hará que los espectadores, a veces un poco perdidos como él, se vayan metiendo en su cabeza. Una película que, pese a algunos desajustes en la narración, cuenta con grandes actuaciones y una historia tan desgarradora como universal. En la crítica de algunos medios internacionales el largometraje tuvo reseñas desparejas: algunos denostaron la teatralidad en la puesta, otros rescataron justamente esa decisión de su director francés Florian Zeller. Por las dudas, un recordatorio: El padre está basada en la obra de teatro Le Pere, del mismo director.

Por estos días también se sumó a la plataforma Star+ la película Imperio de luz, que también tiene a Colman como protagonista y a Sam Mendes como director. En este caso se trata de una historia de amor que transcurre alrededor de un cine antiguo en la costa sur de Inglaterra, en la década de 1980.

La película El padre está disponible en Netflix. El largometraje Imperio de luz se puede ver por Star+.

3. Viedma, la capital que no fue, de Jorge Leandro Colás. “Esta no es una voluntad presidencial. Esta es, gracias a Dios, la decisión de un pueblo que por fin se ha convencido de la necesidad de cambiar su rumbo”. Raúl Alfonsín habla en la Patagonia desde un balcón. Lo hace frente a un grupo de ciudadanos que, entre la sorpresa, la ilusión y algunas resistencias, se prepara para un movimiento radical que cambiará sus vidas. Luego de que se aprobara en el Congreso de la Nación la llamada Ley de Traslado de la Capital, los poderes del Estado iban a dejar de estar en Buenos Aires para instalarse en un nuevo y ampuloso distrito federal que se construiría en las localidades de Viedma, Carmen de Patagones y Guardia Mitre, entre lo más austral de la provincia de Buenos Aires y el norte de Río Negro.

Con ese discurso de 1986, con otros grandes rescates de archivo, con testimonios de vecinos y autoridades, con las voces de periodistas locales que tuvieron la primicia y con los arquitectos convocados para trazar el plan, el cineasta argentino Jorge Leandro Colás armó el notable documental Viedma, la capital que no fue que, después de su estreno en el BAFICI, llegó por estos días a salas de cine en todo el país.

A partir de una narración detallada y muy sobria en los recuerdos de quienes vivieron de cerca aquellos días, el largometraje se detiene en la sorpresa inicial de los habitantes de Viedma, en las cuestiones técnicas que implicaban entonces una empresa tan ambiciosa y un poco extravagante y, finalmente, en todo lo que llegó a planificarse y quedó trunco. Si tienen ganas de leer un poco más, en esta nota armé algo un poco más extenso sobre la película, que vale la pena ver en pantalla grande si tienen la posibilidad de cruzarse con alguna función.

Viedma, la capital que no fue, de Jorge L. Colás, llegó a varios cines de todo el país. Más información, por acá.

Banda sonora. Imposible no recordar a Rita Lee aquí esta semana. Una reina de verdad y una pionera. Elegí algunas canciones de Os Mutantes, otras de ella en solitario y otras en participación con otros músicos de Brasil, que se suman ya mismo a nuestra banda sonora compartida.

Estuve escuchando bastante el disco Secret Life, que acaban de lanzar el productor británico Fred Again y el legendario Brian Eno (de pie, señoras, señores, ¡de pie!). No me decido: por momentos los sonidos que proponen me envuelven y esa música entre la electrónica y el ambient me lleva, por momentos de tan etéreo lo que escucho me expulsa. Así que elijan ustedes. Sumé los temas que más me gustaron a nuestra lista y también les dejo el disco completo acá abajo.

Bonus track. Me animo a decirlo así, rimbombante. La chica del sur, de José Luis García, es uno de los mejores documentales argentinos de la historia (abajo les dejo el tráiler, si no me creen). Pero hay un problema: salvo cuando lo pasan cada tanto en cable por I-sat o en algún lugar non sancto, es medio difícil de ver.

El domingo 14 de mayo, Juan Pablo Mansilla, autor del newsletter Línea Documental (quiero creer que ya están suscriptos, pero si todavía no lo hicieron, es por acá) y uno de los mayores expertos en el rubro –y no digo más de Juan por pudor y porque, lo aprendimos del Chino Darín cuando una quiere referirse a su pareja: si lo defino, lo limito– lo va a proyectar en el bar Yunta de Almagro. Si están en Buenos Aires, es una linda oportunidad porque, además, al finalizar la película habrá entrevista con el director. Más detalles, por acá.

Bonus track II. Se va terminando la Feria del Libro de Buenos Aires 2023, como ya dijimos, ese te amo, te odio dame más anual de quienes trabajan en la industria editorial y sus barrios aledaños. Por acá algunos editores me comentaron sus impresiones de esta edición, por si quieren pispear. También les dejo un recordatorio por si van a La Rural y tienen ganas de buscar los libros que comentamos Mil Lianas: los encuentran en este link.

¡Hasta la próxima!

AL

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Criticados, celebrados, abucheados, discutidos, los premios Oscar llegan cada año para poner algo de condimento al mundo del espectáculo internacional. Como viene ocurriendo desde que la situación sanitaria global se vio trastocada por el Covid-19, muchas de las películas en competencia pasaron brevemente por los cines y luego recalaron en las distintas plataformas de streaming.

elDiarioAR presenta un listado con algunas de ellas, las plataformas en las que se pueden ver y las categorías por las que compiten. Una suerte de precalentamiento para la ceremonia, que comenzará este domingo 27 de marzo a partir de las 21 en la Argentina.

1. Coda (Amazon Prime Video). Se trata de una de las candidatas que más se mencionan entre las favoritas a llevarse más de un premio. El título de esta película es, en realidad, una sigla. Tal como señalamos en esta edición del newsletter Mil lianas, la que se usa para hijos oyentes de personas sordas (child of deaf adults, en inglés). La historia de Coda está centrada justamente en la vida de Ruby Rossi, una adolescente que, además de ir a la secundaria, debe ayudar a su familia de pescadores –padre, madre y hermano sordos– en el trabajo. Sobreadaptada y siempre intentando resolver problemas en un mundo hostil para las personas con cualquier discapacidad, Ruby se levanta al alba, va hasta el puerto, se embarca con los suyos, hace de traductora entre sordos y oyentes, negocia la venta de sus productos y por fin va a clases.

Cuando está por definir su futuro, por decidir qué quiere hacer con su vida una vez que termine la escuela, empiezan las dudas. Porque Ruby, que vivió y creció en lenguas de señas, que escuchaba mientras los demás no, ama la música y ama cantar. Además tiene una voz que llama la atención de uno de sus docentes, un hombre que la incita a seguir perfeccionándose. Pero, para que eso ocurra, su familia deberá entender que ya no podrán contar con ella.

Calificada por varios críticos como una suerte de crowdpleaser –esas películas que están hechas para que la amen las multitudes–, Coda es efectiva en su búsqueda. Principalmente por el encanto de las fórmulas, con todo lo predecible que puede ofrecer un largometraje en plan coming of age hecho y derecho: es emotiva y tiene personajes entrañables, además de una banda sonora amable, que se puede escuchar por acá.

Con una actuación muy destacada de Emilia Jones, la protagonista, Coda tiene varias nominaciones –entre ellas compite en el rubro Mejor película– y ya cosechó algunos premios internacionales. Según los expertos, y tal como señala por aquí esta nota de Javier Zurro, esta película tiene muchas chances de ganar por el método que utiliza la Academia a la hora de la elección.

2. La hija oscura (Netflix). Con nominaciones en las categorías Mejor Actriz para Olivia Colman, Mejor actriz de reparto para Jessie Buckley y Mejor guión adaptado, esta versión cinematográfica de la novela de la autora italiana Elena Ferrante fue una de las películas más comentadas de los últimos meses. Con dirección de Maggie Gyllenhaal y lanzada a finales de 2021, tuvo su estreno mundial en el Festival Internacional de Venecia y más adelante llegó a Netflix, donde se convirtió en poco tiempo una de las películas más vistas de la plataforma.

Con sutileza, Colman encarna a Leda, una académica especializada en letras que se toma unas vacaciones de verano solitarias. Durante ese viaje, observa a diario a otra mujer y a su hija pequeña, algo que la lleva a recordar su propia experiencia con la maternidad. Hay desvelos, obsesiones, momentos de epifanía y algunas heridas que vuelven. En esta columna dominical, Tamara Tenenbaum analizó algunas de esas escenas.

Colman, una de las actrices del momento, por su notable trabajo en series, películas de ficción y animaciones (por aquí hay un resumen con sus participaciones más destacadas), fue señalada como una candidata firme a llevarse el premio en una categoría que para muchos en esta edición resulta “una gran incógnita”.

3. El método Williams (HBO Max). Tal como señala nuestra colega española Mónica Zas Marcos en esta nota, todas las apuestas “señalan a Will Smith como ganador del Oscar por su interpretación de Richard Williams en El método Williams. Aunque la película pretende lo contrario, la figura del padre de las tenistas Venus y Serena tendría rasgos de sobra para convertirse en el villano”. 

El largometraje, disponible en la Argentina en HBO Max, “alterna escenas bucólicas de familia bien avenida y discursos enérgicos con una obsesión malsana por convertir a sus hijas en tenistas profesionales desde pequeñas y trazarles ‘un plan’”, describe la periodista.

Controvertido, criticado duramente por algunos medios estadounidenses, el largometraje que recrea algunas escenas de la vida de las grandes tenistas estadounidenses es uno de los más nominados en esta edición de los Oscar. Compite en las categorías Mejor película, Mejor actor (Will Smith), Mejor actriz de reparto (Aunjanue Ellis), Mejor guión original, Mejor montaje y Mejor canción original.

4. Being the Ricardos (Amazon Prime Video). En los últimos meses, como apuntamos por acá, aparecieron dos grandes excusas para revisar la historia de una de las grandes parejas del mundo del espectáculo: la de Lucille Ball, la pionera de la comedia televisiva en los Estados Unidos con su mítico I Love Lucy, y su esposo y productor del ciclo, el actor Desi Arnaz. 

Una de ellas fue el reciente documental dirigido por la comediante Amy Phoeler. Se llama Lucy & Desi y recorre, como una biografía doble, las vidas y las carreras de Ball y Arnaz, primero en solitario y luego como matrimonio, cuando fueron los protagonistas de uno de los programas de televisión más vistos de todos los tiempos.

Pero un poco antes, en diciembre, había llegado a las pantallas esa misma historia, contada desde la ficción, con Nicole Kidman en el rol de la comediante y Javier Bardem como su esposo. Con dirección de Aaron Sorkin, esta versión recupera varios momentos complicados de la pareja y se muestra comprimida de manera arbitraria como una semana en la que les pasa de todo a los artistas.

Con buenas actuaciones, aunque por momentos un poco embarullada en el relato, tiene el espíritu de una narración en plan apogeo y caída de la dupla.

Being the Ricardos compite en los rubros Mejor actriz (Nicole Kidman), Mejor actor (Javier Bardem) y Mejor actor de reparto (J.K. Simmons).

5. El poder del perro (Netflix). Este drama, dirigido por la cineasta Jane Campion, figura en prácticamente todas las categorías centrales de los Oscar, con nominaciones a mejor película, dirección, fotografía, banda sonora y, por supuesto, interpretación masculina para su protagonista, Benedict Cumberbatch. Además, están las candidaturas de Jesse Plemons y Kodi Smit-McPhee, por sus papeles secundarios.

Campion, que en 1994 se convirtió en la segunda mujer candidata a mejor dirección en la historia de los premios por The Piano, tiene, de acuerdo a algunas predicciones, varias chances para llevarse dos de las estatuillas más esperadas: la de mejor película y la de dirección.

Estrenada en el Festival de Venecia, El poder del perro es un western curioso ambientado en los Estados Unidos de principios del siglo XX. Desde ese género explora el alcoholismo, la masculinidad y la homofobia.

La película llega a esta entrega de premios con una destacada cosecha de galardones entregados por asociaciones de la crítica, festivales internacionales y sindicatos. Si finalmente se hace con el premio al mejor largometraje, Netflix, plataforma que lanzó la producción, conseguiría el ansiado Oscar que se escapó en ediciones anteriores con Roma, The Irishman y Mank.

Quienes tengan ganas de conocer más sobre esta película y sobre su música, Diego Fischerman escribió por aquí un artículo muy interesante.

6. Ascensión (Paramount +). Este documental de la cineasta chino-estadounidense Jessica Kingdon se mete en uno de los países más fascinantes: la República Popular China. 

Con un recorrido por 50 puntos de ese territorio, la directora se propone dar a conocer el presente de un país que es una potencia y a la vez un misterio para los demás gigantes del mundo. Y lo hace exhibiendo las desigualdades en la sociedad china contemporánea, enfocándose en el mundo del trabajo y la explotación en un lugar que es la factoría del planeta y que, al mismo tiempo, alberga a una ascendente clase adinerada con consumos de lujo.

Sin ponerse machacona, la película intenta bucear en las paradojas. O, como apuntó el crítico Diego Brodersen en el diario Página 12, “Ascensión describe a una sociedad llena de contradicciones que ha abrazado el capitalismo extremo sin abandonar las normativas y objetivos del comunismo”.

Disponible desde hace unas semanas en la Argentina a través de la plataforma Paramount +, Ascensión compite en el rubro “Mejor documental”. 

7. Dune (HBO Max). Aunque en algunas partes del mundo persisten ciertas restricciones por las medidas sanitarias impuestas desde que se desató la pandemia, Dune es una de las mayores apuestas cinematográficas de los últimos tiempos y llegó a recaudar en cines más de 40 millones de dólares a pesar de que al mismo tiempo tuvo su estreno en la plataforma de HBO Max.

Es que la propuesta, con dirección de Denis Villeneuve y las actuaciones de Timothée Chalamet, Zendaya, Javier Bardem, Stellan Skarsgård y Rebecca Ferguson, es un verdadero tanque. Una historia de ciencia ficción que transcurre en un planeta desértico llamado Arrakis, único proveedor de una sustancia que se tornará clave para el futuro de la humanidad.

Los críticos cinematográficos coinciden en señalar que uno de sus grandes atractivos de Dune está en su banda sonora: su creador fue Hans Zimmer, el hombre detrás de la composición musical de otras grandes películas como Gladiador, Interstellar y Batman.

En esta edición de los premios de la Academia de Hollywood, Dune tiene 10 nominaciones y compite en los siguientes rubros: Mejor Película, Mejor Banda Sonora, Mejor Diseño de Vestuario, Mejor Guión Adaptado, Mejor Montaje, Mejor Sonido, Mejores Efectos Visuales, Mejor Maquillaje y Peinado, Mejor Fotografía y Mejor Diseño de Producción.

8. Madres paralelas (Netflix). Con un estreno muy acotado en las salas locales, la reciente Madres paralelas llegó a la plataforma de Netflix junto con una retrospectiva de películas que recorre la carrera de Pedro Almodóvar. 

Discutida por el tema y su abordaje, en este largometraje el director se mete en una historia de cruces que rodean la maternidad y las mujeres. Janis (Penélope Cruz) y Ana (Milena Smit) se encuentran en una sala de hospital tras haber quedado accidentalmente embarazadas ambas. El director indaga en el pasado de ellas, en su vínculo y las redes que se forman a partir de ese encuentro casual.

En este artículo, Florencia Angilletta retoma parte de lo que propone Madres paralelas, además de la mirada de Almodóvar sobre el amor y el deseo. Por aquí, esta nota invita a espiar cuánto tienen de reales las casas donde transcurren algunas historias del director español.

Madres paralelas compite en los rubros Mejor actriz (Penélope Cruz) y Mejor Banda de sonido original.

9. West Side Story. Amor sin barreras (Disney +). Aunque nada se compara con la experiencia de ver esta película en el cine, este musical dirigido por Steven Spielberg llegó al streaming en los últimos tiempos y vale la pena darle una oportunidad –¡aunque sea en una pantalla casera!– para dejarse deslumbrar con una historia de amor conmovedora y trágica. 

Como ocurría en la versión anterior de esta película, que llegó a los cines en la década del ‘60, en el largometraje de Spielberg hay pandillas callejeras, peleas, amores y disputas en una Nueva York despiadada durante los años ‘50.

Los jóvenes Tony y María intentan, como pueden, sortear esas barreras que los separan. En el medio, hay canciones, baile, trajes coloridos, lealtades, intrigas y mezquindades. 

West Side Story conquistó a la crítica internacional y tiene en esta oportunidad siete nominaciones al Oscar.

10. La familia Mitchell vs. las máquinas (Netflix). Lo señalamos hace un tiempo por aquí en Mil lianas: “Parece una ley: todo lo que se pudre forma una familia”. De tan ajustado, de tan insoslayable y de tan repetido –también– ese verso de Fabián Casas, que forma parte del poema Hace algún tiempo y aparece en su libro Tuca (1990), se volvió universal.

Algo de ese perfume, de eso que dejó de ser pero se ve obligado a convivir pese a su inevitable fermentación, se respira en La familia Mitchell vs. las máquinas, la película animada que estrenó Netflix en mayo de 2021 y que arrasó en su momento entre lo más visto de esa plataforma.

Sin embargo, pese a que cuenta una historia de enfrentamiento generacional en un mundo que podría llegar a su fin ante una especie de rebelión de las máquinas, la película está llena de humor en los diálogos, de guiños pop, de citas a otras películas, de cuartas paredes que se rompen, de ironías sobre los gigantes tecnológicos y sus mecanismos muchas veces perversos.

El tipo de animación, además, presenta tantas capas, figuras y detalles súper atractivos que demuestra que esa forma narrativa pareciera no tener límites a la hora de explorar. Quienes vean el largometraje con su el audio original van a notar que Pal, la villana de la historia, está interpretada por Olivia Colman.

Este largometraje compite en el rubro “Mejor película de animación”. Quienes quieran leer algo más, pueden pasar por este artículo de Pablo Plotkin que indaga en cómo, en tiempos de crisis sanitaria, el cine y la literatura imaginan apocalipsis desatados por inteligencias artificiales hartas de todo.

11. No miren arriba (Netflix). Entre la sátira y la ciencia ficción, esta película protagonizada por un elencazo que tiene, entre otros a Leonardo DiCaprio, Jennifer Lawrence, Meryl Streep y Jonah Hill, fue de las más comentadas en los últimos meses, desde su estreno a finales de 2021. No hay consenso ni término medio: algunos la celebraron con alegría, otros la detestaron de punta a punta.

En elDiarioAR salieron algunos artículos que buscan analizar el fenómeno y todas las discusiones que rodearon a la película. Por acá, Natalí Schejtman apunta que en tiempos de Covid y crisis climática, la película estrenada por Netflix propone a científicos como héroes desoídos por los sospechosos de siempre: los políticos y los medios. “Pero en tren de endiosarlos en una guerra del bien contra el mal, se olvida de que el quehacer científico implica discusión, corrección y construcción a partir de hallazgos de otros”, dispara.

Y hay más: en esta crónica en primera persona, un científico dio sus impresiones al diario británico The Guardian y por acá Juan José Becerra ofrece su mirada en una de sus columnas.

12. Summer of Soul (Apple TV+). Este documental explora el legendario Harlem Cultural Festival celebrado en los Estados Unidos en 1969, del que participaron, entre otros, Stevie Wonder, Nina Simone, B. B. King, The Staple Singers y los Chambers Brothers a pocos meses del asesinato de Martin Luther King.

Se trata de un hito musical que rindió homenaje a la cultura afroamericana y que se mantuvo casi oculto: las 40 horas de grabaciones de estos recitales estuvieron más de cinco décadas archivadas en un sótano. Hasta que el músico y director Ahmir Khalib Thompson, conocido como Questlove, decidió rescatar el material.

The Summer of Soul se estrenó, con gran recepción de la crítica, en 2021 durante el prestigioso Festival de Cine de Sundance. En esta edición de los Oscar compite en el rubro Mejor documental.

13. Cruella (Disney +). Basada en la historia de Cruella de Vil, la villana del clásico infantil 101 dálmatas, esta película fue dirigida por Craig Gillespie y tiene como protagonista saliente a Emma Stone. Se trata de una especie de precuela en una franquicia de Disney que tiene varias adaptaciones.

Aquí, la actriz estadounidense encarna a Estella Miller o Cruella de Vil, una ambiciosa estafadora y aspirante a diseñadora de moda, que terminará convirtiéndose en una villana de temer.

Esta versión de Cruella, que en algunos países se pudo ver en las pantallas de cine y luego llegó al streaming por la plataforma de Disney, compite en dos rubros: Diseño de Vestuario y Maquillaje y Peinado.

14. La tragedia de Macbeth (Apple TV+). Una apuesta arriesgada, que cosecha elogios en varias partes del mundo. Escrita y dirigida por Joel Coen y basada en la obra Macbeth de William Shakespeare, La tragedia de Macbeth es el primer largometraje de uno de los hermanos Coen sin la participación del otro. 

La película está protagonizada por Denzel Washington y Frances McDormand, quien también trabajó como productora.

Esta versión de Macbeth tuvo su estreno mundial en el Festival de Cine de Nueva York de 2021 y luego pudo verse en algunos cines, con un lanzamiento limitado. Este año llegó al streaming de la mano de Apple TV+ que la subió a su plataforma el 14 de enero.

Por su notable actuación, Denzel Washington está nominado en la categoría Mejor actor, mientras que la película compite también en los rubros Mejor fotografía y Mejor diseño de producción.

15. Encanto (Disney +). Aunque sigue disponible en algunas salas de cine del país, Encanto llegó hace poco al streaming. Esta película de animación y canciones cuenta la historia de los Madrigal. Según anuncia Disney en su plataforma, se trata de “una familia extraordinaria que vive escondida en las montañas de Colombia, en una casa mágica, en un pueblo vibrante, en un lugar maravilloso conocido como un encanto”.

El largometraje compite en tres rubros: mejor película de animación, mejor canción y mejor banda sonora original.

AL

No hay consensos tampoco en esto. La 94 edición de los Óscar sacará de dudas a críticos y expertos que no logran coincidir en sus pronósticos acerca de quién será la ganadora en la categoría de mejor actriz este año. Una disputa muy reñida entre Jessica Chastain (“Los ojos de Tammy Faye”), Olivia Colman (“La hija oscura”), Penélope Cruz (“Madres Paralelas”), Nicole Kidman (“Ser los Ricardo) y Kristen Stewart (”Spencer“).

La terna final de la Academia de Hollywood dejó fuera de la terna definitiva de cinco candidatas a Lady Gaga por su papel en “La casa Gucci”, una decisión que causó notable controversia entre el público.

Jessica Chastain, firme candidata

La actriz californiana Jessica Chastain, con su tercera nominación tras optar con “Criadas y señoras” (2011) y “La noche más oscura” (2013), es la única de las actrices en la lista que concita un cierto consenso de la crítica como merecedora del Óscar 2022. Y lo ha conseguido por “Los ojos de Tammy Faye”, en la que interpreta de forman brillante a esa telepredicadora evangelista muy popular entre los años 70 y 80.

La intérprete se mimetizó con Faye en una película que es un proyecto muy personal en el que se agarra con fuerza a un personaje que sobrecoge al espectador tanto en escenas cómicas como dramáticas.

Chastain lidera la carrera por esta disputada estatuilla después de ser galardonada por su interpretación en los premios del Sindicato de Actores (SAG Award, en inglés) y, recientemente, en los Critics Choice. Pero el primer premio que consiguió por este trabajo fue la Concha de Plata del Festival de San Sebastián.

Penélope Cruz, la apuesta española

Penélope Cruz vuelve a los Óscar con su cuarta candidatura gracias a “Madres Paralelas”, que ha gustado especialmente a la Academia de Hollywood pese a no haber sido la elegida por España como representante en la categoría de mejor película internacional.

Cruz se estrenó en los Óscar en 2007 con “Volver” y en 2009 se hizo con el premio a mejor actriz secundaria de la mano de su papel en “Vicky Cristina Barcelona”, dirigida por Woody Allen. Su tercera nominación llegó en 2010 por el musical “Nine”.

A caballo entre el género de suspense y el drama, la madrileña exprime al máximo el personaje de Janis, una fotógrafa embarazada que conecta de manera especial con una adolescente en un hospital.

Un recorrido por parte de la psique femenina por el que Cruz ganó la Copa Volpi en el Festival de Venecia y, entre otros, el premio a mejor actriz de la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles.

Olivia Colman busca su segunda estatuilla

La británica Olivia Colman es una de las mayores figuras femeninas de la interpretación actual y su nominación ya no sorprende a los más avezados, pues ha logrado consagrarse en el universo Hollywood.

Colman buscará su segunda estatuilla, tras ganar el Óscar con “La favorita” (2019) y ser candidata por “El padre” (2021).

Bajo la dirección de Maggie Gyllenhaal en su debut tras las cámaras, la británica protagoniza “La hija oscura” como Leda, una profesora de literatura que conoce en una isla griega a una madre joven que le llevará a viajar a sus recuerdos y a reflexionar sobre la maternidad y los tabús que la rodean.

La actuación de Colman en “La hija oscura” le llevó a conseguir el triunfo en los premios Spirit, uno de los galardones de cine independiente más prestigiosos del circuito, y nadie descarta que pueda repetir en los Óscar.

Nicole Kidman, el valor de la experiencia

Nicole Kidman ha estado presente en la ceremonia de los Óscar previamente con “Moulin Rouge” (2002); “Las horas” (2003), con la que se alzó con la estatuilla; “Los secretos del corazón” (2011); y “Lion” (2017).

Ahora se convierte en Lucille Ball, uno de los grandes iconos de la televisión estadounidense, en “Ser los Ricardo”, una cinta que se sumerge en los conflictos y entresijos de la relación de pareja que mantiene con su marido, el cubano Desi Arnaz (Javier Bardem).

Kidman aúna el valor de la experiencia y haberse embolsado el reconocimiento de los -venidos a menos- Globos de Oro 2022. No parte como favorita, pero tampoco sería una sorpresa supina si logra su segundo Óscar.

Kristen Stewart, única baza de “Spencer”

El filme “Spencer” solo ha logrado colarse en esta edición de los Óscar devueltos a la normalidad con la candidatura de Kristen Stewart a mejor actriz principal.

La actriz se pone en la piel de Lady Di en este biopic, dirigido por el chileno Pablo Larraín, que narra los momentos en la vida de Diana de Gales desde que, en la residencia de Sandringham (Reino Unido), decide que su matrimonio con el príncipe Carlos está acabado.

Pese a ser su primera nominación, Stewart sabrá lidiar con la responsabilidad, después de haber reorientado su carrera con notorios papeles en los últimos tiempos, que le han alejado del papel de Bella Swan que le dio la popularidad en la saga “Crepúsculo”.

Guillermo Azábal/Agencia EFE

Con recursos como la toma recurrente y metafórica de una naranja pelada en forma de serpentina, diálogos breves calcados de la novela para preservar su potencial, pero también con ciertas libertades respecto de la letra impresa para garantizar la tensión audiovisual, La hija oscura (The Lost Daughter), la ópera prima como realizadora de la actriz Maggie Gyllenhaal, es una adaptación a la pantalla grande de una de las novelas de la misteriosa escritora Elena Ferrante y se convirtió en una de las más vistas en Netflix a fuerza de algoritmo y de recomendaciones de boca en boca.

La hija oscura recrea el viaje de una mujer a una playa en Grecia (Italia en la novela), donde su encuentro con una joven madre le dispara recuerdos y sensaciones de sus años al cuidado de sus dos pequeñas hijas y la decisión drástica de abandonarlas; vive el presente estival marcada por los dolores y las incertidumbres del pasado.

La figlia oscura, el título original en italiano, es la tercera novela de la serie de textos reeditados en 2011 como Crónicas del desamor y Gyllenhaal no solo contó con la aprobación de Ferrante para emprender la adaptación al cine sino que también recibió algunas indicaciones y pedidos de la autora.

El contacto entre ambas fue por correo electrónico y la autora insistió en que la actriz no sólo dirigiera la película, sino que también arriesgara y pusiera su impronta en el material original. Aclaró, además, que esa propuesta jamás se la hubiera hecho a un director hombre.

“El contrato estipulaba que yo debía ser la realizadora o el contrato quedaría nulo. Ese gesto me tocó mucho y le propuse que leyera el guion una vez que estuviera terminado”, contó Gyllenhaal en la conferencia de prensa del lanzamiento de la película sobre cómo fue el proceso de adaptación.

Tras leer el guion, Ferrante -autora de La amiga estupenda, Un mal nombre, Las deudas del cuerpo y La niña perdida- respondió con pocos comentarios y con un gesto simbólico de respaldo: su visto bueno para que la película modificara detalles del final de la historia.

Más allá de las correspondencias entre el texto original y la película, hay sintonía entre los dos formatos. Las dos versiones dan cuenta de los claroscuros de la maternidad, de lo arduo e intransferible del trabajo de cuidado en los primeros años de la infancia y de la problematización del deseo y de la vida profesional de la madres.

“Qué estupidez pensar que una pueda confesarse ante los hijos antes de que cumplan al menos cincuenta años. Pretender ser vista por ellos como una persona y no como una función. Decir: yo soy tu historia, saliste de mí, escuchame porque podría servirte”, asume la protagonista en la novela de Ferrante y se autodenomina “una madre desnaturalizada”.

“Leí la novela hace muchos años. Y la primera sensación fue que la protagonista estaba realmente jodida. Pero después me di cuenta de que me sentía identificada. Entonces, ¿la que estaba jodida era yo o tal vez había allí una experiencia que muchas lectoras podíamos compartir? Una experiencia de la cual casi nadie habla: la experiencia femenina en el mundo, una verdad oculta sobre la cual debería ser posible hablar en voz alta”, contó Gyllenhaal sobre qué la sedujo del texto.

Fueron, más precisamente, los días en los que la madre decide abandonar a sus hijas los que la interpelaron para pensar una adaptación al cine. “Estaba como quien está conquistando su existencia y siente un montón de cosas a la vez, entre ellas un vacío insoportable. Me di cuenta de que no era capaz de crear nada mío que pudiese equipararse a ellas”, sostiene la protagonista de La hija oscura.

“Es una historia acerca de muchas de esas cosas sobre las cuales las mujeres hemos decidido permanecer en silencio de manera colectiva”, reflexionó Gyllenhaal sobre ese tramo de historia. Contó, además, que la posibilidad de filmar la película le generaba una ilusión muy específica: salir de la experiencia solitaria de la lectura y llevarla a la pantalla grande para que así exponer el tema a la discusión familiar, entre amigas o en el marco de la pareja.

La actitud que Ferrante asumió frente a la adaptación de Gyllenhaal tiene un correlato en lo que sostiene sobre el rol de las mujeres en las distintas disciplinas. En un artículo que escribió para The New York Times en 2020, la autora resaltó la importancia de que las mujeres le den voz a sus historias: “Nosotras, las mujeres, hemos sido empujadas a un segundo plano, hacia la sumisión, incluso cuando se trata de nuestro trabajo literario. La historia femenina, contada cada vez con más habilidad, cada vez más extendida y sin complejos, es lo que debe asumir ahora el poder”.

Tal vez sea paradójica esta defensa del rol de las mujeres en la literatura y de la necesidad de que esta agenda esté presente con su propia decisión de esconderse detrás de un seudónimo. Ferrante, en cambio, cree que es justamente ese alejamiento el que le permite sostener la idea de autoría y el valor de la obra por sobre el de los caprichos de la industria editorial.

La frantumaglia, un libro editado en 2018, recopila las entrevistas que concedió Ferrante en los últimos años y varios de los emails que ha enviado a sus editores. En las entrevistas, el tema de la identidad está siempre presente. La autora argumenta que en un comienzo se trató de mera timidez, pero que a partir del éxito de sus textos decidió que debían hablar por sí mismos y no contaminarse con la presencia del autor. Hace alusión a su deseo de intangibilidad, critica a los medios y a las editoriales por su afán de pretender que el autor se convierta en una mercancía y arremete contra aquellos libros mediocres de autores que por tener fama merecen mayor atención que los libros de calidad de aquellos que no la tienen.

En uno de los artículos “Mujeres que escriben”, Ferrante expresa: “En el imaginario, el valor de recorrer el mundo luchando con la palabra y las acciones sigue siendo cosa de intelectuales de sexo masculino. Por una serie de reflejo condicionado de la cultura, a las mujeres se les sigue asignando el balcón desde el que contemplan la vida que pasa para después contarla con palabras indefectiblemente trémulas”.

“Leer y escribir ha sido siempre una forma de apaciguarme”, confiesa la protagonista de La hija oscura, en una línea que bien puede ser el punto de confluencia con Ferrante, Gyllenhaal y la lectora-espectadora de esta historia.

Ana Clara Pérez Cotten (Télam)

Tuve que volver a ver los primeros minutos de La hija oscura, de Maggie Gyllenhaal, para chequear si empezaba con una escena parecida a la que abre la novela homónima de Elena Ferrante. La respuesta es que sí, pero como se trata de una escena brevísima y sin texto que la película tarda en retomar es fácil olvidarla; y así y todo, es un momento clave en el texto de Ferrante que Gyllenhaal hace bien en dejar al principio, porque es parte de lo que marca el tono y el dilema central de la película. En las primeras páginas de la novela, Leda, una profesora universitaria divorciada de cuarenta y ocho años, decide tomarse unas vacaciones sola después de atravesar una situación extraña: llevaba manejando menos de una hora cuando empezó a sentirse mal, y sin entender cómo se despierta en una cama de hospital. Los médicos le dicen que su auto chocó contra una baranda en la ruta sin consecuencias críticas. Leda les dice a sus amigos y a su familia que le dio sueño, pero sabe que está mintiendo. “En el origen”, escribe Ferrante y narra Leda, “estaba un gesto mío carente de sentido del que, justamente por su insensatez, decidí enseguida no hablar con nadie. Las cosas más difíciles de contar son las que nosotros mismos no llegamos a comprender”.

Gyllenhaal hace bien en no contar un accidente. En el cine, una mujer que cierra los ojos y choca no nos habla de un gesto sin sentido: es una escena que estaría en cambio cargada de sentido, cargada de peso, de alusiones a una relación con la pulsión de muerte o con cierto estado decadente de la mente o el ánimo. Pero la escena que elige Gyllenhaal es parecida a la de novela porque sí capta, justamente, lo importante, que es la insensatez: Olivia Colman, Leda en la película, se acuesta en la playa como haciéndose la dormida o la muerta, en un gesto que sí nos habla de una búsqueda que no se entiende, y que la propia protagonista no entiende.

Ese nadar en el sinsentido es quizás el hallazgo principal de la película, y la recorre toda. Situaciones que parecen ir hacia un lugar extraño y terminan yendo a uno más extraño todavía, o más aún, hacia ninguna parte. Lo pienso como un hallazgo no solamente en términos de esta película sino también haciendo una línea con otras obras que narraron quizás uno de los tabúes más importantes de nuestra cultura, la madre abandónica. Pienso particularmente en dos, solo porque las tengo muy vistas: Casa de muñecas, de Henrik Ibsen, versión pionera y emblemática del relato de la madre que se va, y Kramer vs. Kramer, la película de Robert Benton de 1979 que venía a contar un divorcio paradigmático y termina contando uno bastante poco común, en el que una madre, después de abandonar a su hijo por un año, decide entregarle al padre la custodia completa (pensé que quizás había algo sobre el sistema legal norteamericano que yo no entendía, pero no; en internet hay varios artículos de abogados escribiendo sobre la película y comentando lo raro que hubiera sido ya en esa década que una corte no buscara algún tipo de solución intermedia en un caso como el de los Kramer). Sea por lo que sea, tanto en Casa de muñecas como en Kramer vs. Kramer la decisión de la madre de irse se enmarca como drástica, pero no como una decisión irracional, más bien todo lo contrario: en el contexto en el que vivían esas mujeres, al menos por lo que cuentan sus ficciones, el conflicto entre la maternidad y la libertad era un conflicto externo antes que un conflicto interno. Especialmente en el caso de la Nora de Ibsen en pleno siglo XIX, no parecía haber en el horizonte ningún camino en el cual ella pudiera intentar encontrarse como persona libre e independiente mientras permaneciera en esa casa, con ese marido y esa familia. Irse podía ser terrible, pero desde la lógica de la todavía joven subjetividad moderna —joven, sobre todo, en tanto que subjetividad habitable para una mujer— era el curso de acción más lógico. En Kramer vs. Kramer, hasta el marido personificado por Dustin Hoffman entiende por qué se va su mujer: entiende que por años no la escuchó mientras ella estaba encerrada en su casa, siendo casi tan madre sola como le tocaba ser a él ahora que ella se había ido.

La película de Gyllenhaal, en cambio, está situada en la actualidad, en un mundo en el que sostenemos una fe —sensata o insensata— en la posibilidad de la resolución y hasta la disolución del conflicto. Nadie le diría a una mujer que está agotada que se vaya de su casa: pensamos que hay formas, que hay estrategias, que hay discusiones y conversaciones para tener antes de dar un paso como ese. La decisión de Leda en La hija oscura, justamente, no aparece como una decisión racional, sino como el momento en que te toma el sinsentido; el punto en el que la vocación por el absurdo que desde que naciste te muerde los talones finalmente te alcanza. Esa sensación de querer irse de todo, o ni siquiera de quererlo, la sensación de disolverse sin poder evitarlo, es para mí el tema más importante a lo largo de toda la obra de Ferrante. En la mayoría de las conversaciones que leí o escuché se habla de esta película como tratándose sobre “el lado oscuro de la maternidad”: en algún sentido supongo que es cierto que habla de eso, pero he visto y leído mil relatos sobre cómo la maternidad no es solo color de rosa, y siento que a estas alturas es algo que ya se ha dicho muchísimo. Si esta historia resuena de manera diferente es porque da un paso más, no solo en lo que su protagonista está dispuesta a hacer sino en la investigación de lo que el agotamiento con una cotidianeidad perfectamente tolerable —la vida de casada de la joven Leda no es particularmente terrible: tiene dos hijas sanas y un marido no demasiado peor ni mucho menos colaborador que la mayoría de los maridos de la gente— puede hacerle a una persona, y sobre todo a ciertas personas, las mujeres que le interesan a Ferrante, mujeres que tienen una relación con la fuga del sentido un poco más cercana que otra gente. Los factores externos que hacen que ser madre sea más difícil que ser padre siguen ahí: hace bien, la película, en subrayar cómo los varones pueden hacer exactamente lo mismo que hizo Leda (Lyle, el casero de su departamento, dejó a sus hijos con su ex; el mochilero que para en su casa tiene dos hijos de los que no parece ocuparse demasiado sin que a nadie le moleste) sin que eso los convierta en excepciones ni en parias. Sin embargo, la película no se concentra en eso: no se concentra en cómo el mundo podría ser distinto o mejor, y ese es un acierto también. Leda no es celebrada como una heroína feminista, pero tampoco censurada: la pregunta de si ella podría haber hecho las cosas distinto (mejor) casi no aparece. Lo que sí aparece, al menos desde mi punto de vista, en el personaje de Nina que encarna Dakota Johnson, es la idea de una generación que cree que sí va a resolver el problema, una generación que confía en que no va a ser engullida por el huracán de la emoción porque ha encontrando la llave del mandala. Nina parece pensar, al menos por un rato, que alcanza con un amante para tenerlo todo: la libertad, el sexo, la familia, la maternidad, la paz mental. No parece que vaya a durarle mucho, pero nunca se sabe; a cierta gente esa fantasía puede sostenerla por décadas.

Después de un largo paseo por la insensatez, la película termina con una escena muy parecida a la del principio que me recuerda el otro gran hallazgo de esta adaptación, un hallazgo formal: la novela de Ferrante está escrita en primera persona, pero la película no hace ningún esfuerzo por recrear esa perspectiva más allá del punto de vista. Leda no narra: no tiene voz en off, no escribe, no manda mensajes de audio en los que podamos escuchar su versión de los hechos. Yo siempre había pensado en esta cuestión de la fuga en relación con la tetralogía napolitana, los cuatro libros de La amiga estupenda, en los que Ferrante desarrolla el concepto de smarginatura: algo así como sentir que una se desborda del margen, una urgencia incontrolable por disolverse. Es difícil leer esto en la novela La hija oscura, porque un narrador en primera necesariamente tiene que mantener algún tipo de relación con el sentido para poder empujar el texto hacia adelante: tiene que tener un discurso sobre sí mismo para contar su historia. En La amiga estupenda, en cambio, la de la vocación por la disolución es la amiga, no la narradora, y por eso ese flirteo permanente con la locura brillaba tanto, no en un discurso en primera persona sino en la voz de una amiga que mira con preocupación y curiosidad. En algún sentido, siento que aunque por muchas razones me hubiera encantado otra fidelidad con la novela —Italia, el universo de la mafia napolitana, una madre tana yéndose de su casa con todo lo que eso implica en esa cultura— Gyllenhaal encontró en esa Leda sin voz algo que cuenta lo que quiso contar Ferrante incluso mejor que ella; una protagonista que no puede hablar de lo que ella misma no entiende ni sabe estrictamente por qué hizo.

TT

El reciente estreno en Netflix de La hija oscura, con dirección de Maggie Gyllenhaal y una actuación deslumbrante de Olivia Colman, volvió a poner en primer plano la figura de la actriz británica. Una intérprete sobria que, desde que se llevó el Oscar por su participación en La favorita (2018), no paró de trabajar y de lucirse: mientras la pandemia frenó rodajes y postergó planes artísticos alrededor del planeta, Colman apareció en numerosos proyectos audiovisuales, en los que hizo de todo: fue varias veces reina, encarnó a una mujer irritante, le puso la voz a largometrajes animados, interpretó a una madre que se hace preguntas, se puso en el rol de hija junto a Anthony Hopkins.

Fue durante aquella ceremonia de 2019, en la que se llevó el premio en el rubro mejor actriz por su participación en la película de Yorgos Lanthimos, cuando llamó la atención global con su discurso, entre lágrimas y risas. Miles de televidentes alrededor del mundo vieron sobre el escenario a una especie de anti-diva que no podía creer lo que estaba viviendo.

“Solía trabajar como empleada de limpieza y me encantaba ese trabajo mientras pasaba bastante tiempo imaginando esto”, recordó durante su intervención y saludó a sus hijos, que la veían desde el Reino Unido. Sorprendida por haber sido la elegida, en un rubro en el que competía con Glenn Close, remató: “Esto no va a volver a pasar”.

Colman nació en 1974 en Norwich, una localidad al este de Inglaterra. Con pocos recursos, quiso formarse para ser maestra de primaria en Homerton, una de las casas de estudios de Cambridge. Sin embargo, según informó el diario The Guardian, la propia actriz desistió y años después aseguró que hubiera sido “una docente terrible”.

Fue entonces que, mientras trabajaba como empleada de limpieza y más adelante como secretaria, empezó su formación actoral. Al poco tiempo, comenzó a participar en obras de teatro amateur y hasta que en el año 2000 cuando finalmente hizo su debut de manera profesional. Por esa época, también, conoció a su marido, el escritor Ed Sinclair, con el que tuvo tres hijos.

Primero fueron roles pequeños, en la televisión británica, y luego llegaron papeles más destacados. Entre los más salientes –y uno de sus primeros grandes protagónicos– está su interpretación de Ellie Miller, una agente policial en Broadchurch, uno de los mejores thrillers de la TV británica, donde se lució entre 2013 y 2017.

Mientras tanto, su carrera también empezó a hacerse notar en el cine. Colman interpretó a tres reinas de Inglaterra. Primero fue la reina Isabel madre, en el largometraje Hyde Park on Hudson (2013), y años después interpretó a la reina Ana de Gran Bretaña, o Ana Estuardo, en La favorita (2018), papel por el que se llevó el premio de la Academia de Hollywood y por el que su carrera se hizo imparable. A partir de 2019, Colman fue Isabel II en la serie The Crown, de Netflix.

Aunque por su trabajo llegó a conocer palacios y residencias de la realeza, la actriz aseguró que prefiere el anonimato y que considera “una persona de izquierda” que llegó a encarnar a una reina que es, en realidad, la versión creada por el director de la serie, Peter Morgan.

“Lo cierto es que, como siempre he sido de izquierdas, nunca había pensado demasiado en su figura, tan misteriosa, tan noble. Pero desde que me metí en esto, me he obsesionado con ella”, concluyó.

Dónde ver a Olivia Colman

En los últimos tiempos, los diferentes servicios de streaming subieron a sus plataformas series y películas en los que trabajó la actriz. A continuación, un repaso por algunas de ellas, disponibles en la Argentina.

1. Fleabag (Amazon Prime Video). Aunque en un papel pequeño, Colman se destaca interpretando a una madrastra irritante en esta serie de dos temporadas que tiene como cabeza, autora y directora a la británica Phoebe Waller-Bridge. 

En este papel, una especie de artista plástica bohemia bastante particular, Colman rivaliza con la protagonista y juntas logran escenas memorables con los diálogos más picantes de la serie.

Las dos temporadas de Fleabag están disponibles en Amazon Prime Video.

2. El padre (Paramount +). Por esta película, que llegó a los cines argentinos con un estreno un poco acotado, Anthony Hopkins se llevó el Oscar a mejor actor. En la crítica especializada tuvo reseñas desparejas: algunos denostaron la teatralidad en la puesta, otros rescataron justamente esa decisión del director francés Florian Zeller. Es que El padre está basada en la obra de teatro Le Pere, también del director.

El largometraje sigue los días de Anne (interpretada de una manera muy sutil por la propia Colman), la hija de Anthony (Hopkins), quien busca reclutar a una persona para cuidar a su padre, un hombre grande que empieza a mostrar signos de pérdida de memoria. 

El relato, que juega con los desvaríos del protagonista, hará que los espectadores, a veces un poco perdidos como él, se vayan metiendo en su cabeza. Una película que, pese a algunos desajustes en la narración, cuenta con grandes actuaciones y una historia tan desgarradora como universal.

El padre, con Anthony Hopkins y Olivia Colman, se puede ver por Paramount Plus.

3. The Crown (Netflix). “Yo llego al personaje en un momento en que todo está asentado, en especial, su matrimonio. Evidentemente, sigue cometiendo errores, pero resulta precioso la manera en que lo hace y es consciente de ello”, dijo en varias entrevistas cuando le consultaron por su papel“, dijo la actriz al referirse a la etapa que le toca interpretar en su rol como Isabel II en la serie The Crown.

Colman debió sustituir a Claire Foy, la actriz a cargo interpretar a la reina durante su juventud, a partir de la tercera temporada de la serie. Por su papel, la artista obtuvo múltiples nominaciones a varios premios internacionales y se llevó, entre otros, el Globo de Oro.

The Crown está disponible en Netflix.

4. The Night Manager (Amazon Prime Video). Miniserie de televisión británico-estadounidense lanzada en 2016, The Night Manager es una historia basada en la novela homónima del escritor John Le Carré. Mezcla de intriga internacional con novela de espías, sigue los pasos del gerente de un hotel europeo y ex soldado que es reclutado por agentes de inteligencia para infiltrarse en una red de distribución internacional de armas.

Aquí Colman se pone en el papel de Angela Burr, una mujer que regentea una modesta  agencia de seguridad en Londres que tiene como misión  destruir al traficante de armas Richard Roper (Hugh Laurie).

The Night Manager está disponible en Amazon Prime Video.

5. La familia Mitchell vs. las máquinas (Netflix). Lo señalamos hace un tiempo por aquí en Mil lianas: “Parece una ley: todo lo que se pudre forma una familia”. De tan ajustado, de tan insoslayable y de tan repetido –también– ese verso de Fabián Casas, que forma parte del poema Hace algún tiempo y aparece en su libro Tuca (1990), se volvió universal.

Algo de ese perfume, de eso que dejó de ser pero se ve obligado a convivir pese a su inevitable fermentación, se respira en La familia Mitchell vs. las máquinas, la película animada que estrenó Netflix en mayo de 2021 y que arrasó en su momento entre lo más visto de esa plataforma.

Sin embargo, pese a que cuenta una historia de enfrentamiento generacional en un mundo que podría llegar a su fin ante una especie de rebelión de las máquinas, la película está llena de humor en los diálogos, de guiños pop, de citas a otras películas, de cuartas paredes que se rompen, de ironías sobre los gigantes tecnológicos y sus mecanismos muchas veces perversos.

El tipo de animación, además, presenta tantas capas, figuras y detalles súper atractivos que demuestra que esa forma narrativa pareciera no tener límites a la hora de explorar. Quienes vean el largometraje con su el audio original van a notar que Pal, la villana de la historia, está interpretada por Olivia Colman.

La familia Mitchell vs. las máquinas, dirigida por Michael Rianda y Jeff Rowe y producida por Chris Miller y Phil Lord (las mentes detrás de películas animadas como Spider-Man: Un nuevo universo, LEGO, la película y Lluvia de hamburguesas, entre otros) está disponible en Netflix.

6. Landscapers (HBO). Cuando se terminaba 2021 se estrenó esta miniserie basada en una historia policial que a finales de los ‘90 ocupó durante mucho tiempo las páginas de los diarios y los minutos de la televisión del Reino Unido. 

Desde el principio un cartel lo advierte: “Basado en una historia real. En 2014, Susan y Christopher Edwards fueron condenados por asesinato a un mínimo de 25 años de prisión. Hasta la actualidad ellos aseguran que son inocentes”. 

Landscapers sigue las peripecias de los protagonistas, interpretados por la propia Colman y David Thewlis, una pareja de británicos que en el primer episodio pasa sus días radicada en Francia, en condiciones muy precarias. Él intenta buscar trabajo, pero el idioma resulta un obstáculo. Ella, mientras tanto, gasta dinero que escasea en pósters de películas y fotos de estrellas del cine clásico de Hollywood, que conforman una especie de altar en el departamento donde vive.

Un llamado telefónico los va a poner en boca de todos: los cadáveres de dos personas de la familia de Susan aparecen enterrados, después de años de misterio, en el jardín del que era su casa familiar. Con ingredientes de comedia negra y buenas dosis de intriga, Landscapers resulta atrapante a lo largo de sus cuatro episodios.

Landscapers, con Olivia Colman y David Thewlis está disponible en HBO Max.

7. La hija oscura (Netflix). El largometraje, dirigido por Maggie Gyllenhaal, está basado en una novela de Elena Ferrante. Lanzado a finales de 2021, tuvo su estreno mundial en el Festival Internacional de Venecia y más adelante llegó a Netflix, donde se convirtió en poco tiempo una de las películas más vistas de la plataforma.

Con sutileza, Colman encarna a Leda, una académica especializada en letras que se toma unas vacaciones de verano solitarias. Durante ese viaje, observa a diario a otra mujer y a su hija pequeña, algo que la lleva a recordar su propia experiencia con la maternidad. Hay desvelos, obsesiones, momentos de epifanía y algunas heridas que vuelven.

La hija oscura está disponible en Netflix.

AL