De la clandestinidad local y los temores por rodar en plena dictadura de Juan Carlos Onganía, a los aplausos en festivales europeos. Del anonimato y el trabajo publicitario a codearse con Jean-Luc Godard. Del rechazo al justicialismo a la intimidad de Puerta de Hierro para hablar cara a cara con Juan Domingo Perón. Del brillo a la censura. De las dudas iniciales, a las certezas escritas en manifiestos sobre el cine político de intervención que se volvieron referencia para toda una generación de cineastas. De los rodeos interminables para encontrar una manera de decir a las convicción más férrea: hacer una película para cambiar el mundo.

Una serie de saludables ambivalencias se tejen detrás de las vidas de Fernando Pino Solanas y Octavio Getino y del rodaje de su película La hora de los hornos, un hito insoslayable para la historia del cine argentino. Una referencia internacional para el rubro, también, desde su estreno en 1968 en el festival de Pésaro, Italia.

Con inteligencia, con un rastreo incansable por archivos, con la recuperación de los diarios personales del propio Solanas y de buena parte de los intercambios epistolares del cineasta, en su flamante libro La hora de los hornos (Paidós, 2025) el periodista Felipe Celesia reconstruyó la historia de una epopeya, del encuentro de dos hombres con orígenes disímiles y también de una época efervescente hecha de ideas, ambiciones y contingencias.

– Todos tus libros tienen elementos en común: indagaste en historias de militancia, en crímenes cometidos por la última dictadura, en grupos como el Equipo Argentino de Antropología Forense, en vidas de compromiso como las de los abogados que fueron víctimas del terrorismo de Estado en “La Noche de las Corbatas”. En este, por primera vez creo, entrás a ese universo, pero a través de un artefacto cultural, una película. ¿Por qué decidiste dar este paso?

– Sí, siempre estuve con la mirada más puesta en la militancia y la dirigencia política del pasado reciente, de los 70 sobre todo. Pero de un tiempo a esta parte empecé a ver que en los 70 había una clave cultural que de alguna manera empezaba muy fuertemente en los 60 y que ayudaba a explicar los 70. Parece un trabalenguas, pero tiene una lógica. Yo creo que son los cambios profundos que hubo en materia política, pero sobre todo cultural en los '60, lo que permite pensar mejor la posibilidad del surgimiento de esos '70 tan revolucionarios. Lo que pasa es que no encontraba un recurso para contar esos 60. Y me parecía que ir a rascar sobre las organizaciones políticas previas a las grandes organizaciones políticas de los 70 era algo insuficiente y que ya estaba muy transitado. Este recurso de contar a través de un artefacto cultural una época tiene una larga tradición en la no ficción europea y americana, pero me pasó esta vez que en particular me entusiasmé con un libro que se llama Shooting Midnight Cowboy (N. de la R: salió en 2021 y lo escribió el periodista Glenn Frankel) que habla sobre la trastienda de una película que acá se llamó Vaquero de medianoche, que tiene en el elenco a Dustin Hoffman y Jon Voight. Leyendo el libro vi que aparecen un montón de rupturas de fines de los 60 que tienen que ver con lo cultural, que tienen que ver también con el género, con las identidades sexuales, con Vietnam: ahí hay como un caldo de cultivo muy amplio. Cuando leí eso y en plena búsqueda de pensar esos '70 en los '60, imaginé qué podríamos asimilar para la experiencia doméstica. Y, de inmediato, apareció La hora de los hornos. A diferencia de esa película, acá se sumaba que era un documental de intervención política, con una historia un poco más amplia. Un proyecto un poco más ambicioso y con efectos más perdurables. 

– ¿Recordás cuándo viste La hora de los hornos por primera vez?

– Sí, fue a finales de los 80, principios de los 90. Para mí fue una experiencia cinematográfica extraordinaria porque la película tiene un ritmo y unos recursos que eran muy nuevos, y aún hoy lo siguen siendo, hay algo de su tensión que sigue estando vigente. Es una película que envejeció muy bien. Sobre todo la primera parte. En términos cinematográficos, estrictamente, claro. Después, ya en el terreno de los planteos ideológicos y políticos, también encontré que tenía una actualidad enorme y convocaba a cambiar las cosas, con espíritu revolucionario en su origen. Con su idea de un despertar, del cine en estado de revolución. Y eso me entusiasmó mucho. Claro que para pensar en un libro tenía un problema bastante serio y era que la mayoría de los involucrados en La hora de los hornos estaban casi todos muertos. Yo habitualmente trabajo con testimonios de protagonistas. Esta idea conllevaba esa dificultad. La película había sido empezada a ser pensada a principios de los 60, filmada en el 66 y estrenada en el 68, o sea que quien en ese momento tenía veintipocos y participó de alguna manera hoy tiene alrededor de 80 años. Por otra parte, los dos directores, Fernando Pino Solanas y Octavio Getino, ya murieron. Apenas quedaba algún miembro del equipo cuando empecé a investigar. Pero supuse, y agradezco no haberme equivocado, que iba a haber algún reservorio documental: un intercambio epistolar, documentos, diarios de rodaje. Aposté a eso de una manera un poco inconsciente. Por suerte todo eso lo encontré en los archivos de Solanas que fue un hombre muy metódico, muy prolijo. Alguien que pese a los vaivenes de su vida pudo conservar buena parte de sus papeles. 

Los cambios profundos que hubo en materia política, pero sobre todo cultural en los '60, lo que permite pensar mejor la posibilidad del surgimiento de esos '70 tan revolucionarios

– Algo interesante que reconstruís en el comienzo del libro tiene que ver con los orígenes bien diferentes de Solanas y de Getino y cómo ocurre que esas dos personas tan distintas confluyen para encarar el proyecto de La hora de los hornos. ¿Los une la época, se tenían que juntar dos personas así para hacer un trabajo tan contundente y disruptivo?

– La diferencia de origen y de clase de ellos realmente me fascinó: Solanas, un privilegiado de zona norte, con una infancia relativamente idílica, con una vida en un caserón enorme con música, entretenimientos, sin mayores contratiempos económicos contrapuesto con la infancia de Getino después de la Guerra Civil española, con recuerdos muy vívidos de toda esa violencia, con una pobreza franciscana espantosa, alguien que nunca había tenido un baño propio ni se había sentado en un café hasta que fue muy grande. Hasta que se viene a Argentina y con el tiempo se convierte en obrero industrial del Conurbano junto a su padre y a su tío. Ahí Getino sigue un recorrido muy peronista aun sin ser peronista. Me pareció que parte de las claves eran esas diferencias de orígenes de los directores, diferencias que pudieron crear ese artefacto que es La hora de los hornos, tanto en su estética como en su contenido. Eso se ve rápidamente en el intercambio epistolar entre ellos, en sus discusiones previas, donde queda clara más o menos cuál era la visión de cada uno. Lo que le había sumado Getino a la película era una reflexión política más formada. Y, en el caso de Solanas, como había trabajado mucho todos los recursos cinematográficos por su trabajo anterior en publicidad, le había dado una estética poderosísima con muchísimo gancho y con muchísimo atractivo visual. Esa conjunción me pareció fascinante y dice mucho de la película: dos clases diferentes, dos suertes distintas que convergen. Por otra parte, siempre pensé también en la vida de ellos dos y el hecho de haber trabajado en la película como una de esas novelas de aprendizaje. Como un coming of age; ellos se transforman en quienes son a través de esta película. Y los encuentra en ese camino, pese a no tener demasiadas afinidades en un principio, el deseo de querer hacer algo importante de verdad. Algo que era un compromiso muy de la época y que en ellos tenía un plus. Ellos querían realmente ser parte de ese proceso histórico. Claro que después todo aquel clima de época los empuja porque obviamente los ‘60 fueron disruptivos como pocos. 

– Algo notable que mostrás tiene que ver con la paulatina “peronización” de ellos, en especial de Pino Solanas, este chico de zona norta que no veía con buenos ojos al peronismo. ¿Cómo pensás esto?

– Bueno, esa también fue una característica interesante que fui viendo porque ellos dos se “peronizan” a través de la producción y la realización de La hora de los hornos. También hay ahí un factor que tiene que ver con la época y lo dicen muy claramente tanto (Roberto) Pajarito Grabois, el padre de Juan Grabois, como Julio Bárbaro: a mediados de los ‘60, cuando empieza la filmación de la película, el peronismo no era un paradigma nítido para la juventud. No era un proyecto político a revisar. No era nada o era parte de este fracaso de la resistencia, y con fracaso me refiero a que no se había logrado el retorno del líder. Hasta que en algún momento se empiezan a mirar y a tratar de encontrar un sujeto revolucionario de la historia. Ahí el peronismo aparece como una de las vertientes posibles mientras en paralelo había también opciones más por izquierda o por el socialismo. Pino para entonces era afiliado al Partido Comunista y Getino estaba en una agrupación sindical de una vertiente trotskista. El que los “peroniza” o por lo menos es quien les despierta cierta pregunta sobre qué era el peronismo para ellos es Rodolfo Ortega Peña. Uno de los vanguardistas en eso de “peronizar” a las capas medias, también. Uno de los que, para usar un término actual, “la ve” primero. Vaya casualidad mi primer libro es sobre Ortega Peña y entonces pude estudiar muy bien cómo fue un proceso histórico de gran envergadura y muy interesante a nivel generacional que tiene que ver con, para decirlo rápido, cómo los hijos de gorilas terminan “peronizándose” y desembocando después en las organizaciones revolucionarias. Ahí hay algo de lo colectivo que se produce y tanto Solanas como Getino son parte de eso. Pero es notable cómo empiezan la película rechazando el peronismo o parte de sus prácticas, y terminan haciendo una película sobre el peronismo, en gran medida en la segunda y tercera parte. Pero hay grados. Ninguno de los dos era exactamente un gorila y a los dos el bombardeo de Plaza de Mayo los sacude de una manera definitiva.

– Por los intercambios de cartas y de opiniones que mostrás, la forma de la película parecía ser un conflicto central para los directores. ¿Fue siempre tan ambiciosa? Por momentos hablan de “un manifiesto épico”, una película que se parezca a una asamblea. 

– Sí, ahí creo que hay un sesgo más artístico en el caso de Pino, una pregunta existencial en la creación. Y hay algo más programático que tiene que ver con ese perfil más político o de dirigente que tenía Getino. Estos perfiles logran ecualizarse y terminan haciendo este balance. Pero es cierto, de Pino aflora en todo momento una pregunta por la forma, por el estilo, por cómo expresarse, por interrogarse sobre si el género documental era suficiente o insuficiente. En el caso de Getino creo que pensaba más en un juego de opciones, en qué se descartaba y en qué no podía faltar. Pero siempre hay un intercambio intenso y continuo entre ellos. O sea, no era solo el hacer sino también el reflexionar cuando un largometraje, hecho en las condiciones en las que se hizo La hora de los hornos, implica un trabajo tremendo. Pero incluso en esa adversidad, ellos siempre se cuestionaban cosas, los dos tenían esa necesidad de hacer una puesta en común por vías diversas, pero sobre todo a nivel epistolar. Así es que dejan por escrito sus reflexiones y se las intercambian como una manera de ayudarse mutuamente, darse pie y dejar un registro. No lo sabemos en el caso de Getino porque no queda casi material, pero Pino producía también sus diarios personales. Era famoso porque llegaba al lugar de rodaje a hacer una escena, y enseguida sacaba su maquinita y se ponía a escribir mientras montaban el equipo. Algunas veces estaban todos esperándolo a que terminara. 

– Con ese ímpetu salen a rodar ni más ni menos que durante una dictadura.

– Sí, y lo hacen con recursos muy limitados. Por supuesto que no cuentan con ninguna clase de apoyo oficial o de crédito alguno. Así que financian la película con el trabajo publicitario que hacían en la productora de Pino. Y es admirable comprobar que los dos dedican todos sus recursos y toda su energía a ese proyecto, aparece un compromiso absoluto. Algo también muy notable fue descubrir cómo Pino, siendo uno de los publicistas más exitosos en el momento en el que se habían abierto los canales privados y había una demanda de cortos publicitarios enorme, dice “no, no voy a quedar preso de esto, si sigo así voy a construir un castillo tan rico que me va a dejar preso adentro”. Entonces convoca a todos sus empleados y les dice: “cierro en unos meses la productora” y les pasa sus clientes. Primero se va a hacer un viaje iniciático a Europa. Él invierte todo, arriesga todo, lo da todo por esta película y por esta idea de convertirse en un artista total de la época. ¡Y lo más maravilloso es que lo logra! Los dos lo logran de algún modo, porque después de esta película les rinden pleitesía en los lugares de la élite cinematográfica de autor de Europa y de Estados Unidos. Pasan a ser la vanguardia del cine de autor en esta propuesta que ellos del llamado “tercer cine”: ni un cine comercial, ni un cine de autor, un tercer cine para el pueblo y para la gente.

Es notable cómo Solanas y Getino empiezan la película rechazando el peronismo o parte de sus prácticas, y terminan haciendo una película sobre el peronismo

– El estreno de la película en Italia, en el Festival de Pésaro de junio de 1968, los lleva a una Europa de revueltas, con el Mayo Francés cerca. Ahí son celebrados y a la vez cuestionados porque desde allá, como señales en el libro, no se terminaba de entender al peronismo. ¿Cómo viven ellos esas ambivalencias?

– Creo que estando allá pueden tomar dimensión de parte de un proceso histórico de rupturas culturales y políticas muy importantes. Los famosos largos 60 del siglo pasado, que son un punto de gran ruptura. En ese momento un Pino Solanas o un Getino rompía con las tradiciones familiares o las convenciones sociales mucho más de lo que pudimos haber hecho nosotros con respecto a nuestros padres. O lo que harán nuestros hijos respecto de nosotros. Es un momento muy revulsivo y ellos llegan desde un sur lejano, sin prácticamente nadie que creyera en ellos, sin ningún apoyo, sin ser nadie en términos ni simbólicos ni materiales, y logran invertir todo eso. De un momento a otro se convierten en parte de ese proceso y van un poco a contarles a los europeos cómo había que seguir. Eso es maravilloso. Y realmente es una epopeya que a ellos les cambia la vida. Después les toca volver al país y a las dificultades del pago chico.  

– Claro, legalmente acá no se podía ver la película aunque se multiplicaban las proyecciones clandestinas.

— Claro, oficialmente La hora de los hornos no se pudo ver hasta el ‘73. Y eso fue después de haber pasado más un momento difícil también en el exterior porque no siempre lograron convencer del todo a la intelectualidad europea y americana de que el peronismo era una fuerza de izquierda que buscaba la justicia social. Getino fue el que llevó adelante los argumentos más formales y más exitosos en esas discusiones. Recibieron cuestionamientos muy duros y yo creo que se defendieron muy bien y apuntalaron muy bien por qué entonces el peronismo era el sujeto revolucionario de la historia. Después la juventud les diría que algo de eso había. O por lo menos las organizaciones de la izquierda peronista. Pero en aquel entonces fue bastante complejo. 

– ¿Cómo se vincula Perón con la película y con los dos directores?

– Bueno, esto comienza cuando ellos se constituyen en esa vanguardia estética y política en Europa y también, paulatinamente, en una referencia para el peronismo y para la juventud en Argentina. La película empieza a circular de forma clandestina y se convierte en una piedra de toque de todo aquel que tenía inquietudes políticas y se empieza a masificar. Se empieza a “viralizar” en términos de nuestra época. Realmente hay un acceso muy popular: va todo el mundo a ver La hora de los hornos: va el barrio, va la fábrica, va la Unidad Básica clandestina. Empieza a ser un momento clave de la vida y la militancia para muchos porque tenía un impacto muy fuerte. También para muchos es el momento en que deciden comprometerse más políticamente. Con densidad política un poco inesperada y convertidos los directores en dos referentes dentro del amplio espectro del peronismo, Perón recibe las noticias de que había una película que reivindicaba sus gobiernos, y reivindicaba al peronismo como una fuerza popular. Entonces, a través de interpósita persona, lo convocan a Pino a Puerta de Hierro a charlar con Perón. Y ahí Pino se va con un as en la manga. Lo recibe Perón y le agradece por la película, se fascina con la perspectiva ideológica de Pino, y Pino le dice: “general, ahora hay que hacer algo con usted, porque hay una generación que nunca lo vio hablar, usted manda los casetes pero eso ya está perimido, es antiguo”. Ahí lo entusiasman a Perón que estaba un poco aburrido viendo qué pasaba allá en Puerta de Hierro, solitario con sus caniches, con sus autitos, y les da el ok. Ahí empieza un proceso bastante engorroso porque estaba (José) López Rega de por medio, pero logran terminar con Getino dos documentales que serían un poco la avanzadilla de Perón en la construcción de su retorno en los '70. 

– Con la película ya estrenada en Argentina en el ‘73, tanto Solanas como Getino se convierten en referentes del cine de intervención, les piden escribir manifiestos, se vuelven a cuestionar sobre las formas. 

– Sí, creo que esto es un reflejo de toda aquella época y todos esos momentos convulsos. Por otro lado, es insoslayable un eje programático que tenía que ver con que había que tomar las armas porque la convocatoria era esa: hay que hacer la revolución y no hay que desdeñar para nada la violencia. Por el contrario, la violencia, en sus términos, es un poco el objetivo principal que nos va a liberar. En esta cosa de liberación o dependencia que ellos trabajan tan bien y que viene de vieja data, de algún sector del peronismo, del tercer mundo como propuesta política y todo eso. Pero a Pino se le ocurre que la efectividad de esta convocatoria a la acción y lo mucho que pudieran interpelar esas imágenes dependía de cuánto él pudiera hacer con las escenas. Entonces en algunas situaciones, y él lo admite, hacen falsos documentales. Recrean situaciones. De una manera bastante acotada, hay que decirlo, no es que convocan extras ni arman escenografías. Es un poco inevitable desde el momento en que hay una cámara y el proyecto de registrar una determinada porción de la realidad y surge una decisión en la puesta de cámara. Desde el qué se cuenta y qué no, qué se dice y qué no, hay siempre una postura y un recorte. Este dilema nos atraviesa a todos los que contamos historias del pasado, preguntarnos hasta dónde lo nuestro es ficción, hasta dónde es un reflejo cabal. Objetivo no es, eso lo sabemos, algún artificio necesitás, pero sí lo que hacés puede ser honesto. Yo creo que ese es el límite.

– ¿Qué claves, después de haber investigado La hora de los hornos, deja una experiencia así para este presente del cine argentino, por un lado desfinanciado desde el Estado e incluso atacado por el gobierno y, por el otro, celebrado muchas veces en festivales internacionales? ¿Hay continuidades, rupturas, puntos de contacto?

– Bueno, en principio todas las representaciones del pasado son un puente entre pasado y presente. Si no, no tendrían sentido. Después, sí, creo que hoy vivimos un momento de similitudes y cosas que no son iguales a aquella época. La similitud se da en una gran crisis del cine nacional por distintos motivos, aunque en aquel momento había algo de desfinanciamiento pero, sobre todo, una censura muy férrea. En nuestra actualidad hay un desinterés absoluto por parte del gobierno y existe un ataque frontal. Pero yo creo que el cine es indestructible. Lo que sí puede ocurrir y ocurre es que se van deteriorando las condiciones de producción. Pino con La hora de los hornos se dispuso a embargar todo su capital, que no era poco, su capital social y su capital simbólico. La verdad es que no tengo claro si ahora un Pino de hoy podría triunfar o hacer algo parecido. Pero mantengamos las esperanzas en que sí. Después, desde otra perspectiva, creo que es inspiradora la experiencia de esta película porque es la historia de dos personas con compromiso social y político que se animan a producir algo complejo. Que no escuchan el canto de las sirenas de “hacer algo más fácil”. Que tienen algo adentro que quiere salir y buscan su camino. Hoy hay una generación, entre los 20 y los 30 años, con muchísima vocación cinematográfica y yo la celebro. No sé si en gran medida alguno piensa en romper todo, como pensaba Pino. Y está bien, Pino no tenía espacio prácticamente, entonces no le quedaba otra que romper con lo dado, lo establecido. Pero también podría haberse quedado con sus cortos en plan nouvelle vague, quedarse como un director de alguna de las grandes productoras y ver qué pasaba ahí. Probablemente hubiera hecho una carrera digna como un director industrial más. Pero prefirió hacer otra cosa. Bueno, de alguna manera esa experiencia nos está diciendo que siempre se puede hacer otra cosa. 

– La bajada del libro habla de “un país que ya no existe”.

– Sí, yo creo hay cierta cuota de nostalgia en el libro que tiene que ver con un espíritu de cambio que ahora por lo menos masivamente no estamos viendo. O por el contrario: hay una crítica despiadada sobre cualquier intento de cambiar las cosas aunque la desigualdad siga siendo el principal problema de este mundo. Hoy no es el momento del paradigma de celebrar a quien trabaje en favor de los más desposeídos y contra los poderosos. Pero sí lo fue para la generación de Getino y Solanas. Y yo creo que, más allá de sus más y sus menos, esa generación hizo un aporte central a este país, a nuestra condición, a cómo nos vemos a nosotros mismos y cómo nos podemos mostrar hacia los otros. Y bueno, también es una generación que, entre muchas otras cosas, dejó grandes piezas para el cine nacional. Yo no sé si sin La hora de los hornos, sin el cine de oro de los ‘40 y ‘50, se puede concebir el Nuevo Cine Argentino de los ‘90 y los 2000. Algunos dirán que sí, otros dirán que no. A mí me resulta difícil sustraerse de una tradición tan fuerte como esa.

AL

En la primera escena de L’età sperimentale, una cámara capta desde un plano aéreo a un hombre delgado, de piernas y brazos largos, que está escalando sin cuerdas una imponente pared de roca caliza que emerge desde el bosque. Aunque parece una hormiguita en la inmensidad de ese paisaje, no hay misterio acerca de su identidad: ese tipo atlético, seguro, paciente, no es otro que el escritor italiano Erri De Luca, quien descubrió la escalada a sus treinta, cuando todavía trabajaba como obrero y no existía ni uno solo de los más de cincuenta libros que años más tarde publicaría y serían traducidos a más de treinta y cinco idiomas. Lo sabemos porque el corto documental está escrito y protagonizado por él, y porque ahí mismo promete compartir algunas reflexiones en torno a la vejez. La suya propia, pero también la de sus coetáneos. “En el último siglo, la edad promedio se duplicó. Ninguna generación antes que la mía llegó a vieja de forma tan masiva. La vejez se convirtió en mayoría. Por eso se trata de un experimento”, recita, desde una voz en off que acompaña las imágenes.

Casi medio siglo después de aquel inicio en la escalada, De Luca es un experto en el deporte. Se las ingenió para dedicar su vida a cultivar su pasión por el montañismo, junto a la escritura y la contemplación de la naturaleza, que ejercita siempre que puede en largas caminatas al aire libre. Hace décadas se mudó a la campiña romana, a un paso del bosque, cerca de unas cuantas cadenas montañosas y a unos poco kilómetros del mar. No demasiado lejos, por otro lado, del aeropuerto de Roma, que todavía frecuenta para volar a festivales y eventos literarios de todo el mundo, que se desviven por tenerlo en su line up. Su último gran viaje internacional fue, justamente, a la 49ª Feria Internacional del Libro de Buenos Aires, donde el domingo pasado presentó su último libro, coescrito junto a la modelo y estilista francesa Inès de la Fressange, que lleva el mismo título del documental dirigido por Marco Zingaretti, inspirado en ese ensayo. Aunque todavía no cuenta con una versión en español, el colmado auditorio Victoria Ocampo estaba lleno de asistentes que habían conseguido su ejemplar del libro en italiano y esperaban ansiosos el final de la charla para llevárselo firmado por el autor, uno de los más celebrados de su país.  

Con su tono sereno, casi de monje zen, y el humor pícaro que caracteriza su escritura, De Luca se preguntó ante el auditorio cuándo uno empieza a notar que está envejeciendo. La epifanía, en su caso, llegó de la mano de las palabras: “Cuando los más jóvenes empiezan a hablar de lo que hacés con un todavía, es ahí cuando tenés que darte cuenta de que estás viejo. ‘¡Todavía escala!’, dicen, ‘¡todavía escribe!’”. Lejos de angustiarlo, De Luca eligió abrazar ese adverbio con un resabio de optimismo y entenderlo como una ventana abierta que indica que uno, todavía, está en condiciones de hacer. “El problema vendrá cuando empiece a ser reemplazado por un ‘ya no’. El ‘ya no’ es un certificado de defunción. Mientras tanto, sigue habiendo chances de seguir aprendiendo”. 

A sus 74 años, el autor de Montedidio, Napátrida y El peso de la mariposa sigue escribiendo pero sobre todo leyendo (“Soy mucho más lector que escritor: paso más tiempo haciendo lo primero que lo segundo, leo en varias lenguas, puedo escribir solo en una”), inspirando lectores, cautivando a quienes van a verlo a sus charlas y explorando el mundo con mirada curiosa. En resumen, sigue llevando a la práctica todo eso que predica en L’età sperimentale: que la vida, incluso en la tercera edad, puede ser una zona activa de descubrimiento.

Exobrero de la Fiat, aprendiz autodidacta de varias lenguas, traductor del hebreo bíblico, exmilitante de izquierda y deportista, De Luca volvió su biografía materia literaria, y logró siempre rehuir el lamento o la autoconmiseración. ¿Cómo no iba a hacerlo ahora, pisándole los talones a la última etapa de su vida? “El hecho de no imaginarme en el futuro me permite verlo o imaginarlo de un modo más límpido”. Dijo que no le gusta dar consejos —“la vejez de quienes me precedieron no me sirve de modelo; para el cuerpo de uno, cuando sucede, es la primera vez”—, pero cerró con uno: “Después de los 70, conviene tener más años que kilos”. Quienes no leen italiano deberán esperar con paciencia el lanzamiento de la traducción. Y disfrutar, mientras tanto, de sus obras previas y del brevísimo pero potente documental. 

L’età sperimentale, el documental escrito por Erri De Luca y dirigido por Marco Zingaretti, se proyectará en el stand del Instituto Italiano de Cultura de la Feria del Libro de Buenos Aires hoy y mañana a las 17.

NL/JJD

El reciente lanzamiento de American Murder: Gabby Petito a través de Netflix volvió a poner en primera plana un caso policial de alto impacto que conmovió a los Estados Unidos. De hecho, la historia de la joven estadounidense que contaba su supuesta vida idílica en las redes sociales hasta que desapareció misteriosamente mientras recorría con su novio el país en una camioneta ya había sido narrada, con distintos recursos, en numerosas producciones audiovisuales. Este estreno reciente de la plataforma pone de relieve una tendencia que se sostiene en el mundo del streaming: la apuesta por contar, en formato de docuserie o unitario, casos reales de alto impacto que conmueven a multitudes. 

A continuación, un repaso por algunos lanzamientos de producciones de true crime recientes disponibles en Netflix, Amazon Prime Video, Max y Disney+.

1. American Murder: Gabby Petito. Después de algunos especiales televisivos como The Murder of Gabby Petito: Truth, Lies and Social Media (disponible en Prime Video), Gabby Petito: un crimen viral y Detrás del engaño: Gabby Petito (disponibles los dos en Max), Netflix acaba de sumar a su menú la serie documental American Murder: Gabby Petito, quizá el trabajo audiovisual más completo de este caso.

En 2021, la joven Gabby Petito, de 21 años, decidió cambiar el rumbo de su vida y emprender un viaje por los Estados Unidos en camioneta con su novio, Brian Laundrie. La intención de la pareja, que en el medio se comprometió y planeaba casarse, era hacer videos de sus andanzas y subirlos a las redes sociales. 

Tal como quedó registrado en el canal de YouTube de la joven y también en Instagram, los primeros días de julio de 2021 se lanzaron a la aventura. Sonrientes, despreocupados y llenos de planes, hablaban a cámara para contar qué hacían cada día. Hasta que un mes después, los problemas empezaron a aflorar. De hecho en una oportunidad la pareja fue demorada por la policía cuando un transeúnte vio una actitud violenta de parte del joven hacia su novia. Poco después, cuando la familia de Gabby intentó comunicarse con ella no hubo caso: la joven había desaparecido. Los ojos de todos, con razón, se posaron sobre Brian.

Con entrevistas a la familia de Petito, a sus amigos, a policías e investigadores, American Murder: Gabby Petito reconstruye con delicadeza el caso, desde los comienzos de la relación de Petito con Laundrie hasta el estremecedor desenlace.

La docuserie American Murder: Gabby Petito está disponible en Netflix.

2. ¿Quién es Luigi Mangione? . Lanzado en febrero, a menos de dos meses de que se conociera el caso, este documental unitario se concentra en la figura de Luigi Mangione, el joven detenido en los Estados Unidos acusado de asesinar en diciembre de 2024 a Brian Thompson, el CEO de United Healthcare.

Con el foco puesto en la historia de vida del joven, a lo largo de una hora se combina material de archivo con entrevistas. Hablan expertos y también algunos allegados de manera lateral a Mangione con la intención de retratarlo y, sobre todo, de preguntarse qué llevó al joven, de una supuesta posición privilegiada, a cometer un crimen tan atroz en las calles de Nueva York. Lo que se logra con esta producción, aunque todavía no haya pasado tiempo suficiente y queden varios cabos sueltos en el caso, es un perfil provisorio de Mangione, quien es retratado como un estudiante aplicado y de gran inteligencia.

En la mañana del 4 de diciembre de 2024, Brian Thompson, CEO de United Healthcare, recibió un disparo frente a un hotel en Manhattan. El ataque conmocionó al mundo y desató un intenso operativo policial para capturar al asesino. El 9 de diciembre, Luigi Mangione, de 26 años, fue finalmente detenido en Altoona, Pensilvania. Sin embargo, a medida que surgen nuevos detalles tras su arresto, las dudas sobre el caso no hacen más que multiplicarse.

El documental ¿Quién es Luigi Mangione? está disponible en Max.

3. Cacería implacable. O. J. Simpson. Un doble crimen en manos de una de las figuras más populares de la historia del deporte de los Estados Unidos. Uno de los primeros juicios ultra mediáticos de ese país. Una conmoción que se mantiene hasta la actualidad. A poco más de 30 años de los crímenes de su ex esposa Nicole Brown y de un amigo de ella, Ronald Goldman, Netflix acaba de estrenar una serie documental de cuatro episodios dedicada a uno de los casos más impactantes y con un protagonista saliente: el ex jugador de fútbol americano O.J. Simpson. 

Como parte de una saga de especiales que lleva como título Cacería implacable (ya salió una producción dedicada al atentado que tuvo lugar durante una maratón en Boston en 2013 y fue anunciada una nueva entrega sobre Osama Bin Laden, que está programada para el próximo 10 de marzo), la plataforma se metió con Simpson, un personaje y una investigación criminal que ya fue objeto de distintas producciones audiovisuales. Es el caso del documental O. J: Made in America, un riguroso especial de ESPN dedicado a reconstruir minuciosamente la vida del deportista y la serie de ficción American Crime Story: The People vs. O. J. Simpson. Los dos están disponibles en la actualidad de Disney+.

En la reciente producción de Netflix, lo que se destaca es la reconstrucción de los asesinatos de Brown y Ronald, un repaso por las fallas en la investigación del caso y, una vez más, como ocurre con este tipo de figuras públicas, el rol central que tuvieron los medios, especialmente durante el juicio que enfrentó el deportista. Para esto, los realizadores entrevistaron a ex investigadores y peritos que actuaron en la causa desde sus primeras instancias.

Los cuatro episodios de Cacería implacable. O.J.Simpson están disponibles en Netflix.

4. La desaparición de Melissa Witt. Este documental narrado en cuatro capítulos intenta reconstruir el espeluznante caso de Melissa Witt, una joven estudiante universitaria de 19 años que desapareció del estacionamiento de un local de bowling en Fort Smith, Arkansas, el 1 de diciembre de 1994. Su cuerpo fue hallado el 13 de enero de 1995 por dos cazadores en un bosque cercano, con signos de estrangulamiento.

Producida por ABC News para Hulu y disponible en Latinoamérica a través de la plataforma Disney+, la docuserie fue lanzada a finales de 2024, cuando se cumplieron 30 años del asesinato, una historia que impactó y sigue siendo comentada en Estados Unidos porque todavía permanece impune.

Con entrevistas exclusivas a periodistas que cubrieron la noticia, detectives locales, agentes del FBI y representantes del poder judicial, a lo largo de los cuatro episodios se reconstruyen las distintas líneas que fueron siguiendo los investigadores a lo largo de todos estos años.

La docuserie La desaparición de Melissa Witt está disponible en Disney+.

5. Lorena. “Pasé por este infierno y hoy digo a las mujeres: no están solas, pueden huir de la violencia si quieren y tomar las riendas de su vida, tal como yo hice”, dice a cámara una mujer conmovida. Quien habla lo hace veinticinco años después del caso que la llevó a hacerse conocida por haberle cortado el pene a quien era su esposo en una circunstancia que hasta la actualidad sigue siendo debatida, recordada e incluso parodiada. Tanto quedó ella en el centro, que su nombre de casada es el que se instaló mundialmente en los medios: Lorena Bobbitt. O “la mujer que hizo lo impensable”, como señala un presentador de noticias en un archivo rescatado por la excelente docuserie Lorena, lanzada en 2019 por Amazon Prime Video y disponible en la plataforma para América Latina.

Dividida en cuatro episodios, la serie realiza un serio repaso por la historia del matrimonio de Lorena Gallo y John Bobbitt y también por todo lo que ocurrió después de la noche tristemente célebre de 1993 en el pequeño pueblo estadounidense de Manassas del estado de Virginia. Sin caer en simplificaciones ni morbosidades, esta producción audiovisual ayuda a armar el rompecabezas con elegancia y datos precisos. Entre otras cosas, se hace un análisis riguroso de las denuncias por violencia y violación marital que hizo la propia Lorena y los cambios en la legislación estadounidense a lo largo del tiempo para este tipo de delitos.

La serie ofrece una cantidad notable de material de archivo de noticieros de la época y entrevistas. De hecho, a lo largo de los capítulos hablan la propia Lorena, su ex esposo, los primeros policías que se acercaron hasta el lugar de los hechos, el cirujano que le hizo a Bobbitt el reimplante de su pene poco después del incidente, los abogados, distintos periodistas que cubrieron los juicios y algunos expertos y expertas en violencia doméstica que ayudan a poner en contexto algunas características particulares del caso. Entre otras, el desbordado interés del periodismo por esta historia, la revolución que generó en el pueblo donde tuvo lugar y una suerte de estigma que pesó sobre una mujer que estuvo en el centro de la escena mediática a mediados de los ‘90.

La docuserie Lorena está disponible en Amazon Prime Video.

AL

Del 19 al 23 de febrero tendrá lugar en Buenos Aires la quinta edición del Festival Internacional de Cine Cannábico (FICC), un evento que en esta oportunidad contará con más de 30 películas que se podrán ver gratis en distintas sedes porteñas. Además, la programación estará disponible para ver online durante algunas semanas a partir del 24 de febrero.

La quinta edición del FICC tendrá entre las películas participantes largometrajes de distintas partes del mundo. Habrá representantes argentinas y también de Francia, Chile, Estados Unidos y Uruguay, entre otros países. 

“El FICC surge con la necesidad de ampliar las perspectivas culturales desde un enfoque social y comprometido hacia la temática del cannabis a través del audiovisual como herramienta poderosa de transformación social, generadora de conciencia, reflexiones y comportamientos”, señalan los organizadores del festival en su página oficial, quienes destacaron que en esta oportunidad “habrá una selección de 32 títulos de 14 países del mundo compitiendo en 4 categorías”.

“Desde 2019 el FICC, a través del cine y la cultura, contribuye a derribar prejuicios sobre el cannabis. Brinda información para contribuir en el acceso a más derechos de las personas usuarias sin promover el consumo”, agregan.

En la competencia internacional de largometrajes de ficción, fueron elegidas, entre otras, las argentinas Al impenetrable, de Sonia Bertotti, El placer es mío, de Sacha Amaral y Vera y el placer de los otros, de Romina Tamburello y Federico Actis.

Además, hay secciones dedicadas a cortometrajes y material documental, provenientes de Brasil, Chile y Estados Unidos. 

Entre los documentales destacados habrá una proyección el 20 de febrero de Fuck You! El último show, de José Luis García, un increíble registro de los preparativos y el desarrollo de un concierto histórico de Sumo: la presentación de su último disco pocos meses antes de la muerte del líder del grupo, Luca Prodan.

Las sedes elegidas para las proyecciones son el espacio cultural Woki Toki (Tacuarí 905), la casa central de la Alianza Francesa (Av. Córdoba 946), el espacio La Paz Arriba (Callao 1082), Casa Brandon (Luis María Drago 236) y el bar Cave Canem (Chile 308). Los días y horarios de las funciones se pueden encontrar en este enlace.

Una vez terminado el festival, la programación estará disponible del 24 de febrero al 10 de marzo para ver online desde todo el país a través de la plataforma Octubre TV, según informaron los organizadores.

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Del 19 al 23 de febrero y con entrada gratuita, tendrá lugar en Buenos Aires la quinta edición del Festival Internacional de Cine Cannábico. Más información, en este enlace.

Con una variada programación que incluye 80 largometrajes y 50 cortos, del 1 al 6 de octubre se llevará adelante una nueva edición del FIDBA, el Festival Internacional de Cine Documental de Buenos Aires en seis sedes porteñas y una en la localidad de Vicente López.

Según adelantaron desde la organización en un comunicado, habrá en esta oportunidad cuatro competencias oficiales (Órbita, Hemisferio y Austral con largometrajes y cortos internacionales, iberoamericanos y argentinos, respectivamente, y una nueva: Cruz del Sur, con obras que abordan la temática de derechos humanos). 

Además, el festival contará con cuatro focos: uno dedicado sobre la filmografía de Luis Ospina, otro a la de Raúl Ruiz, otro sobre cine colombiano contemporáneo y uno titulado 35 años de la caída del Muro: ¿Y AHORA?). Además, habrá una nueva sección pensada para las infancias. Lleva como nombre FIDBITA, y presentará, según la organización, “tres filmes que fueron elegidos para estimular la imaginación y la curiosidad de los nuevos espectadores”.

El FIDBA tendrá en esta edición siete sedes en Buenos Aires y Vicente López. Los lugares elegidos son el Centro Cultural San Martín (Sarmiento 1551, CABA), Caras y Caretas (Sarmiento 2037, CABA), el Centro Cultural Borges (Viamonte 525, CABA), el Centro Cultural Conti (Libertador 8151, CABA), el CCK (Sarmiento 151, CABA), la sede de Amigos del Museo de Bellas Artes (Figueroa Alcorta 2270, CABA) y el Cine York (Juan Bautista Alberdi 895, Vicente López).

Para las funciones de las competencias oficiales las localidades podrán adquirirse en la página de Alternativa. Fidbita y los Focos (Luis Ospina, Raúl Ruiz, cine colombiano contemporáneo y cine de la RDA) se ofrecerán con entradas libres y gratuitas hasta agotar la capacidad de cada sala.

Además de las proyecciones, durante el festival tendrán lugar distintas actividades paralelas, con charlas y encuentros alrededor de la producción documental. 

“Del lunes 1 al viernes 6 de octubre tendrá lugar #LINK, un espacio pensado para impulsar la producción de cine documental de Argentina y Latinoamérica y su conexión regional e internacional. A través de pitchings, laboratorios, conferencias, seminarios y work in progress este programa pone énfasis en realizadorxs y productorxs emergentes de cine de no-ficción que desarrollan sus futuros films, consiguen socios, reciben feedback y establecen redes de trabajo para impulsar sus documentales”, informaron desde el festival.

Además, este año tendrá lugar el llamado FIDBA: CAMPUS, un espacio en el que se presentará “El Método Pampero”, una conferencia a cargo de Laura Citarella, Mariano Llinás, Agustín Mendilaharzu y Alejo Moguilansky. Tendrá lugar el 3 y 4 de octubre.

“Este año FIDBA CAMPUS ofrecerá un espacio de encuentro con El Pampero Cine, un colectivo de cineastas que ha revolucionado la forma de hacer cine en Argentina cuyo enfoque se centra en la experimentación y la renovación de los procedimientos cinematográficos, lo que les ha permitido innovar en prácticamente todos los aspectos de la realización audiovisual. Con 24 films en su haber, la influencia de El Pampero alcanza también las formas de producción y exhibición”, apuntaron sobre esta actividad desde FIDBA. 

Estreno internacional

La Apertura del FIDBA se realizará el martes 1° de octubre en Caras y Caretas (Sarmiento 2037, CABA) y ofrecerá en estreno para nuestro país el nuevo filme de Eryk Rocha y Gabriela Carneiro da Cunha, A Queda do Céu (The falling sky), que tuvo su estreno mundial en la Quincena de Realizadores en Cannes.

“El filme sigue al líder y chamán del pueblo indígena Yanomami de Brasil, Davi Kopenawa en su lucha por devolver el equilibrio al mundo a través de rituales observados de cerca y comentarios mordaces sobre la lógica despiadada de una cultura exterior materialista”, adelantaron los programadores del festival.

AL

Toda la programación del FIDBA 2024, los horarios de las proyecciones, las sedes y las actividades pueden consultarse en este enlace.

Uno. Dos mujeres en una cocina. La hija, en este caso la actriz y dramaturga argentina Lorena Vega, le dice a su madre que tiene para leer, si quiere, los bocetos de su próximo libro. No es cualquier libro –¿cuál lo sería?–, es el libro donde se cuenta, en parte, la historia de su familia. 

La madre, con la firmeza del que por alguna misteriosa razón elige mantener el personaje de imperturbable –un clásico de cualquier elenco familiar: el que está cerca pero parece vivir en otra galaxia, el que se pone el traje de impasible– acepta la lectura con displicencia. “A ver si hay algunas mentiras ahí”, dispara por lo bajo.

Escucha la hija, que es la narradora de la familia, la que juega en varios frentes y recibe los comentarios, que a veces son dardos, de los demás –otro clásico de cualquier elenco familiar: el personaje frontón, el que se pone el traje de equilibrista–. Hace una pausa, como si quisiera mantener el balance de la escena y responde entre risas: “No escribo mentiras, escribo versiones”.

Dos. Una mujer en una casa, en un jardín, en medio de una tormenta o en un taller mecánico. Poemas que evocan al equilibrio y a las caídas en distintas versiones. La poeta argentina Alicia Genovese recuerda una serie de escenas que parecen familiares, cotidianas, rebosantes de eso que ella misma nombra como el dictum de lo vivo. Sin embargo, no se trata de una memoria que va en línea recta: las palabras se posan entre la reincidencia de lo de todos los días y el olvido (quién podría cada vez que se para/o camina, cada vez que trepa/un escalón pensar que es peligroso, escribe), ese segundo en el aire, el instante en el que el cuerpo se desautomatiza para desplomarse. Las imágenes se vuelven poderosas y magnéticas gracias al encanto de Genovese, se engarzan a partir de trastabilleos (así en la vida como en la poesía: una escalera mal apoyada abre un poema hacia lo incierto de cualquier tropiezo). 

Tres. Imprenteros (que es obra de teatro, libro y ahora también película) nace de un traspié: Lorena Vega y sus hermanos Sergio y Federico no pueden entrar al taller gráfico que tenía su padre en Lomas del Mirador. Lo supieron cuando el hombre murió: los hijos del segundo matrimonio cambiaron la cerradura de la imprenta familiar. Imprenteros, en sus tres versiones, evoca a partir de ese tropiezo inicial aquel espacio conocido que ahora se convirtió en recuerdo. Con el arrebato, lo familiar se vuelve memoria, entonces, se desautomatiza entre los procesos repetidos de las máquinas que imprimen y los silencios paternos; entre el ruido y la furia, entre tinta, cuerpo y signos de interrogación (la propia Lorena Vega recuerda que cuando tenía diez años escribió en su diario íntimo “¿qué es una familia?”). Y ahí donde insisten los interrogantes, habrá arte porque en lugar de romper un portón a patadas los hermanos Vega prefieren hacerlo a palabras. Al final de la obra y de la película, Lorena Vega y su elenco, que es una versión de su familia, balancean sus cuerpos haciendo la mímica de los imprenteros. El simulacro se vuelve un baile hipnótico. Tal vez no haya una única respuesta a la pregunta de su infancia, tal vez una familia sea algo así como esa coreografía destartalada, como ese equilibrio inventado.

Cuatro. A cada día entrar/como quien tropieza/por primera vez con el color/de cada cosa, lo liso/y lo áspero, la luz,/entrar como quien se abre/en un abrazo,/esa caída, anota Alicia Genovese en uno de los poemas de La invención del equilibrio.

La película Imprenteros, de Lorena Vega y Gonzalo Javier Zapico, se estrena a partir del 1 de agosto (se podrá ver, entre otros espacios, en la Sala Lugones, del Teatro San Martín, y en el Malba). El hermoso libro La invención del equilibrio, de Alicia Genovese, salió por Fondo de Cultura Económica.

Arranca, ahora sí, una nueva edición de Mil lianas. Llena de versiones, llena de tropiezos.

1. La Circunstancia, de Jorge Consiglio. Una mujer larga una carcajada en una comisaría. La acaban de detener por un delito que todavía no se revela. La risa la retuerce, la hace mirar a su alrededor y también hacia atrás, hacia su pasado. Se ríe como si lo insólito de la escena presente –los agentes que van y que vienen, el olor a comida que ella describe como “comida de pobre”, el perfume atolondrado de algún policía y la acusación en su contra– imantara otras escenas previas de su historia igual de insólitas. Un hilo disparatado que la llevó hasta ahí, un misterio que necesita desentrañar y, para eso, volver relato. Lo inoportuno, entonces, se hace sucesión; lo inaudito se abre paso como signo vital.

La protagonista de La Circunstancia (Eterna Cadencia, 2024), del escritor argentino Jorge Consiglio, fue una niña mimada, hija de un hacendado, una figura inquietante que se mueve entre la estancia de su familia en un pueblo de la llanura pampeana y el barrio porteño de Recoleta. Con una narración repleta de peripecias, de detalles encantadores y una voz construida a la perfección, la novela –uno de los mejores lanzamientos editoriales de los últimos tiempos– sigue los pasos de esta mujer por momentos cruel, por momentos hilarante, y su vínculo con los demás. Una vida que, como buena parte de la literatura argentina en la que se inscribe con firmeza y lucidez esta obra de Consiglio, se ve tironeada entre dos zonas que se atraen y se repelen: el campo y la ciudad.

Entrevisté hace unos días a Consiglio para hablar sobre su excelente libro y sobre algunos otros asuntos más. Pueden leer la nota por acá.

La novela La Circunstancia, de Jorge Consiglio, salió por Eterna Cadencia Editora. En este enlace una entrevista con el autor.

2. Premio de novela. Por estas horas se anunciaron los diez títulos finalistas que compiten por el Premio Fundación Medifé Filba que todos los años elige entre las publicaciones de autores argentinos la más destacada dentro del rubro novela. 

Pueden leer por acá el listado completo y algunos detalles de esta edición del premio. Aprovecho también, por si tienen ganas de saber más, para recordarles que comentamos en este espacio algunas de las publicaciones candidatas. Es el caso de Las niñas del naranjel, de Gabriela Cabezón Cámara (en esta nota tienen una reseña y una entrevista con su autora), La reina del baile, de Camila Fabbri (lo mismo, por acá) y El amor es un monstruo de Dios, de Luciana De Luca (salió una reseña en esta edición pasada de Mil lianas)

El listado con las diez novelas finalistas del Premio Fundación Medifé Filba se puede leer en este enlace.

3. FED 2024. El tic tac de la cuenta regresiva parece sonar más fuerte. En unas semanas comienza en Buenos Aires una nueva edición de la Feria de Editores, más conocida como la FED, el encuentro literario que reúne a los sellos de libros independientes más importantes de la región. En un contexto económico tan complicado, que haya gente que sigue apostando a este tipo de proyectos es de alguna manera un reparo.

Para ir calentando motores, esta semana asistí a una conferencia de prensa virtual en la que Víctor Malumián y Hernán López Winne, los organizadores de la FED, contaron algunos detalles (pueden leer todas las novedades de esta edición por acá). Siempre con entrada libre y gratuita, además de los stands con ventas de libros, este año hay quince charlas programadas a lo largo de los cuatro días de la feria de las que participarán escritores locales y también visitantes internacionales. Por mi parte, ya me agendé un encuentro que promete ser memorable: el de la autora estadounidense Debora Eisenberg con el escritor argentino Federico Falco.

Del 8 al 11 de agosto tendrá lugar en Buenos Aires la Feria de Editores 2024. Más información, en este enlace.

Apostilla. Hablábamos arriba de familias y de equilibrios y recordé una película argentina que me encanta. Se llama Las siamesas, la dirigió Paula Hernández y hasta el 29 de julio, quienes se encuentren en Argentina, la pueden ver online gratis en la plataforma Lumiton. 

En un momento del año en el que no hay mucha gente y hacia una localidad improbable de la costa atlántica argentina viajan Clota y Stella, las protagonistas del largometraje que está basado en un cuento del escritor Guillermo Saccomanno. Son madre e hija, son dos mujeres que viven juntas, un poco hartas y en fricción. Por acá les cuento más de esta historia y en este enlace pueden mirar la película gratis.

Banda sonora. Arrancamos hablando del documental de los hermanos Vega y se me ocurrió agrupar canciones que interpretan o compusieron algunos hermanos célebres de la música. Así que esta semana entran sin ton ni son a nuestra banda sonora compartida temas de The Carpenters, Jackson Five, Haim, Mi Pequeña Muerte, The Bangles, y Virus, entre otros y otras. Se escucha, como todos los viernes, por acá.

Bonus track. Hace un tiempito les comenté en este espacio que estaba por salir Los cuidados, un libro de cuentos que escribí y publicó en junio Paripé Books (con mucha amabilidad, la colega Claudia Regina Martínez me entrevistó acá en el diario y también Alexandra Kohan comentó el libro en una columna armada, como todas las veces, a partir de ese tipo de lectura siempre reveladora que nos suele regalar). El viernes 2 de agosto, a partir de las 18.30, voy a presentar el libro en la librería Dain, de Palermo, rodeada de amigos y grandes lectores. Si andan por Buenos Aires y tienen ganas de darse una vuelta, aunque sea para chusmear un rato, dejo los detalles por acá.

¡Hasta la próxima!

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DM/AL

De la imponente gira de Taylor Swift a la recuperación de un clásico de los Beatles. De una historia emotiva y repleta de archivos sobre Los Beach Boys a una investigación sobre los hermanos Nick y Aaron Carter, que incluye juicios por abusos sexuales y un final dramático. De un show remasterizado de Queen en Montreal a un retrato por entregas sobre la sorprendente vida de Bon Jovi o la reconstrucción de la historia de canciones míticas para los melómanos.

Las plataformas de streaming apostaron algunas fichas a la música durante los primeros meses del año y sumaron a sus catálogos series, unitarios y registros de recitales de grandes bandas y solistas.

A continuación, un repaso por algunas de las producciones y lanzamientos más destacados de lo que va de 2024.

1. Let it Be, Los Beatles. Después del gran éxito de la docuserie The Beatles: Get Back, lanzada en 2021 de la mano de Peter Jackson, Disney + recuperó Let it Be, el clásico crepuscular de la banda que retrata sus últimos días como grupo.

A más de cinco décadas de su estreno, y luego de que circulara aunque con restricciones entre los fanáticos, la película original de 1970, dirigida entonces por Michael Lindsay-Hogg y con los propios músicos como productores ejecutivos, fue meticulosamente restaurada por el equipo de Jackson y se puede ver en formato hogareño.

“Let it Be contiene material que no está incluido en la docuserie Get Back, llevando a los espectadores al estudio y a la azotea de la sede de Apple Corps en Londres en enero de 1969 cuando The Beatles, junto con Billy Preston, componen y graban el álbum Let it Be y actúan en vivo por última vez como grupo”, apuntaron desde Disney + en un comunicado.

Según informó la plataforma, lo que se ve en pantalla es producto de una restauración meticulosamente realizada a partir del negativo original de 16mm, lo que incluyó la remasterización del sonido utilizando la misma tecnología que se utilizó en la docuserie Get Back.  

El largometraje Let it Be, de Los Beatles, está disponible en Disney +.

2. La gran noche del pop. Dos elementos siempre atractivos se combinan en este documental que lanzó Netflix a comienzos de 2024: la historia detrás de una canción súper conocida, como We Are The World, y el rescate de personajes, escenas y objetos del corazón del siglo XX (cantantes y músicos de lo más populares, teléfonos de línea, productores que corren por llamar a las figuras que tienen agendadas en las fichas de sus rolodex, expectativas alrededor de la idea de ayudar al prójimo y una forma de comunión entre colegas que se perdió o mutó). La gran noche del pop (en el original, The Greatest Night in Pop) reconstruye cómo se produjo la reunión de las estrellas más importantes de la música de Estados Unidos, en enero de 1985, con una finalidad solidaria: entregar todo lo recaudado a partir del lanzamiento de un single a las víctimas de una hambruna despiadada que tenía lugar entonces en África. Los primeros pasos los dan el mítico productor y compositor Harry Belafonte junto a los cantantes Lionel Richie y Michael Jackson, quienes a las apuradas se proponen componer una canción que luego cantaría un grupo selecto de artistas (con el tiempo se supo que We Are The World se convirtió en uno de los singles más vendidos de la historia de la música pop, con más de 20 millones de copias).

Con el relato de Richie como testimonio central (¡y su carisma infinito!), la primera parte del documental está dedicada a la previa: desde la composición del tema en sí, a la búsqueda de los participantes, entre el pop, el rock y el soul, y una fecha para la grabación en la que todos tuvieran disponibilidad. También hablan productores y músicos. Por supuesto que hay muchísimas imágenes de archivo que completan la narración.

En la segunda parte, el documental se concentra en la noche de la grabación del tema, el dream-team que finalmente participó (sí, todos paraditos en un mismo salón, compartieron varias horas Bruce Springsteen, Tina Turner, Stevie Wonder, Bob Dylan, Diana Ross, Dionne Warwick, entre los más de 40 artistas convocados, además de los anfitriones Richie y Jackson, bajo la guía de Quincy Jones). Además de los registros que se hicieron con cámaras especialmente para la ocasión, el documental ofrece testimonios de algunos de ellos y también chismes sobre esa jornada extensa, insólita y memorable.

El documental La gran noche del pop está disponible en Netflix.

3. Hallelujah: Leonard Cohen, un viaje, una canción. Aunque fue lanzado en 2021, este documental llegó a Amazon Prime Video este año y permite hacer un viaje triple. Por un lado, ofrece una sucinta biografía del cantautor canadiense Leonard Cohen mientras que traza también un recorrido por los vaivenes del proceso creativo del artista cuando compuso su célebre tema Hallelujah y a la vez repasa el camino posterior que hizo por sí misma la canción.

Con entrevistas y buen material de archivo, la película se posa en las curiosidades detrás de un tema que apareció por primera vez casi oculto en un disco y se convirtió en una suerte de himno extraño y deslumbrante.

El documental Hallelujah: Leonard Cohen, un viaje, una canción está disponible en Amazon Prime Video.

4. The Beach Boys. Dirigido por Frank Marshall, el realizador de algunas películas de ficción y del excelente documental The Bee Gees: How Can You Mend a Broken Heart, The Beach Boys es un un largometraje lanzado en mayo por Disney+. Con la intención –por momentos un tanto fallida– de homenajear a la banda que revolucionó en los ‘60 a la música pop y se encargó, según señalan los expertos, de ponerle los cimientos al llamado “sueño de California”, este documental narra la historia del grupo desde sus orígenes. Con imágenes inéditas y entrevistas con los integrantes de la banda Brian Wilson, Mike Love, Al Jardine, David Marks y Bruce Johnston y la opinión de expertos de la industria musical, The Beach Boys intenta mostrarles a las nuevas generaciones el legado de un sonido eterno.

El documental The Beach Boys está disponible en Disney+.

5. Nick y Aaron Carter: Ídolos caídos. A lo largo de cuatro episodios lanzados durante los últimos días de mayo, esta miniserie documental intenta profundizar en la vida personal de Nick Carter, emblema del grupo pop Backstreet Boys, y su hermano menor Aaron, también cantante, quien murió ahogado en su bañera en 2022.

Tres mujeres se animaron recientemente a demandar a Nick por presuntas agresiones sexuales ocurridas entre 2001 y 2003, cuando se encontraba en el pico de su popularidad. Esta producción cuenta con sus testimonios y también busca desentrañar los complejos vínculos íntimos de la familia Carter, marcada por las muertes trágicas (otra de las hermanas de los artistas también falleció en extrañas circunstancias, posiblemente por sobredosis) y la ambición desmedida de sus padres por llevar al estrellato a sus hijos.

Los cuatro episodios de la miniserie documental Nick y Aaron Carter: Ídolos caídos están disponibles en Max.

6. Taylor Swift, The Eras Tour (Taylor’s Version). Mientras sigue batiendo récords en cada país que se presenta (en estos momentos, de hecho, su enorme gira mundial la llevó hasta Europa), en marzo llegó a Disney + el largometraje Taylor Swift, The Eras Tour (Taylor’s Version), una versión con material único y exclusivo de la película que la cantante lanzó a finales de 2023 y que registra un recital de más de tres horas de duración.

“Por primera vez mostraremos el concierto completo (incluyendo ”Cardigan“ más 4 canciones adicionales de la sección acústica!) y lo llamaré, gran sorpresa, Taylor Swift | The Eras Tour (versión de Taylor)”, había anunciado en febrero la artista en sus redes. Apenas desembarcó en formato hogareño, el largometraje se convirtió en un hit: obtuvo 4,6 millones de visualizaciones y 16,2 millones de horas de reproducción en Disney+ en su fin de semana de estreno.

El recital Taylor Swift, The Eras Tour (Taylor’s Version) está disponible en Disney+

7. Thank You, Goodnight: La historia de Bon Jovi. Con una carrera sostenida a lo largo de cuatro décadas y grandes hits como It’s My Life, Livin’ on a Prayer, Runaway, Bed of Roses y Blaze of Glory, Bon Jovi es una de las bandas más populares de la música estadounidense.

A lo largo de los cuatro capítulos que integran esta miniserie documental, se puede ver el enorme recorrido que hicieron Jon Bon Jovi, líder del grupo, y sus compañeros de ruta mediante archivos personales inéditos, fotografías y entrevistas. Una trayectoria que comienza en pequeños clubes nocturnos de Nueva Jersey con algunas dificultades y llega hasta que consiguen alcanzar la fama mundial.

Los cuatro capítulos de la serie documentalThank You, Goodnight: La historia de Bon Jovi están disponibles en Star+.

8. June. Lanzado en enero a través de Paramount+, este documental magnético tiene como protagonista a la cantante, compositora y actriz June Carter Cash. Con la intención de echar luz sobre su rol y recuperarla como una auténtica pionera de la música country, esta película relata con justicia la carrera de esta mujer, muchas veces eclipsada por su esposo, el legendario Johnny Cash.

Con material de archivo de gran valor, el documental recorre los días de la artista en la música, en la actuación y en la composición. Una mujer adorable, inquieta y también muy graciosa, que por el peso del vínculo que tuvo con el hombre a quien amó quedó un poco olvidada.

El documental June está disponible en Paramount+.

9. Queen Rock Montreal. Luego de su paso por los cines en numerosos países del mundo con la tecnología de las salas Imax, Disney + lanzó en mayo Queen Rock Montreal, un registro remasterizado de una hora y media de los conciertos que Freddie Mercury, Brian May, Roger Taylor y John Deacon brindaron el 24 y 25 de noviembre de 1981 en Canadá. Se trató de recitales especialmente preparados para ser documentados en vivo, por lo que el armado y el despliegue de cada tema luce especialmente impactante. Lo particular del registro es que fue tomado en un momento de especial sintonía de la banda y a lo largo del espectáculo se pueden ver y oír grandes versiones de clásicos del grupo como Save Me, Love of My Life y Bohemian Rhapsody.

El recital Queen Rock Montreal está disponible en Disney +.

AL/DTC

Las sillas de plástico, un canario enjaulado sobre la mesa, la penumbra de la recova fastuosa, la claridad del fondo que, incluso entre la bruma, habilita un horizonte. Ese lugar común, de todos, una maravilla de piedra, un ícono: una de las estatuas con forma de lobo marino. No quedan dudas; la escena transcurre en una Mar del Plata solitaria y misteriosa, con el mar y la lluvia de fondo.

–Qué ciudad tan increíble, ¿no?

–Dicen que Mar del Plata es uno de los lugares más lindos del mundo.

En ese breve diálogo de Silvia Prieto, la película del cineasta argentino Martín Rejtman protagonizada por la artista marplatense Rosario Bléfari, se condensa de alguna manera todo el magnetismo de la ciudad balnearia argentina que cumple por estas horas 150 años. Una mujer abrumada, Silvia, que elige a Mar del Plata para escapar por un rato de su vida habitual; un turista extranjero maravillado y de paso, construcciones que dan cuenta de un esplendor pasado, lo insólito encarnado en esa mascota enjaulada, la implacable presencia del mar. 

Elegida por millones de turistas a lo largo de su historia como un gran sueño argentino, Mar del Plata es la ciudad de la pausa, de las vacaciones, de la ilusión, de los famosos –con sus brillos y con sus tragedias–, de las mansiones, de los hoteles sindicales, del festival de cine, de la oportunidad, de hacerse “la temporada”, de Alfonsina Storni, del casino, de La Noche de las Corbatas, de la arena que quema, de las piedras, de los sweaters baratos, del agua marrón, de la euforia, de resaca, del terror, de las clases altas, de las masas.

Con tantas capas y tantos universos metidos entre sus construcciones y sus playas, a lo largo de los años la ciudad se convirtió también en una enorme inspiración para escritores, cineastas, fotógrafos y todo tipo de artistas maravillados por este balneario peculiar. Por las complejidades de su historia la academia lo eligió, además, para convertirlo en su objeto de estudio.

A modo de homenaje por este aniversario, se ofrece a continuación un recorrido arbitrario por libros, películas, publicaciones académicas recientes que transcurren en Mar del Plata o que de algún modo oblicuo la tienen como paisaje.

1. Mar del Plata, un sueño de los argentinos, de Elisa Pastoriza y Juan Carlos Torre. “Vistas retrospectivamente, las mutaciones de Mar del Plata condensan, en forma ejemplar, la eficacia de una de las principales fuerzas que gravitaron sobre el desenvolvimiento del país en el siglo XX: la creencia de que ninguna persona es por nacimiento inferior a otra y que, por lo tanto, todas están en un mismo pie de igualdad y de aspiraciones sociales. Esa creencia nutrió al impulso igualitario que movilizó a sucesivas generaciones y dio sostén a una experiencia social fuera de lo común en el mundo: un balneario de todos, donde los más diversos sectores sociales pudiesen compartir el verano en las mismas playas”, proponen en las palabras preliminares los autores de este libro. 

Con la mirada puesta en las particularidades de Mar del Plata, pero también en las transformaciones sociales que acompañaron la evolución de la ciudad y sus protagonistas, la historiadora Elisa Pastoriza y el sociólogo Juan Carlos Torre ofrecen en el deslumbrante  Mar del Plata, un sueño de los argentinos (Edhasa, 2019) un recorrido extraordinario por la historia del balneario desde sus inicios hasta finales de la década del ‘60. Una investigación excepcional que ayuda a pensar, con un trabajo exhaustivo en el que no faltan imágenes y documentos históricos reveladores, de qué materiales está hecha ese destino onírico argentino que va desde los hoteles majestuosos de las élites de finales del siglo XIX hasta las playas accesibles y cada vez más populares de mediados del XX.

Mar del Plata, un sueño de los argentinos, de Elisa Pastoriza y Juan Carlos Torre fue publicado por Edhasa.

2. El derecho a las vacaciones. Historiar es un interesantísimo podcast producido por la Asociación Argentina de Investigadores en Historia (ASAIH). En cada entrega, distintos historiadores e investigadores se proponen desandar algún asunto vinculado con sus objetos de estudio. Y lo hacen con mucha claridad, sin ponerse solemnes, con ganas de conversar de algún modo. Hay capítulos, por ejemplo, dedicados a la historia de la industria argentina, del peso como moneda nacional o de los juguetes más emblemáticos del país, entre muchos otros.

Casi como un complemento del libro de Elisa Pastoriza y Juan Carlos Torre –y con la propia historiadora como una de las voces cantantes–, en 2023 ASAIH publicó El derecho a las vacaciones, un capítulo especial del podcast dedicado a Mar del Plata. Y lo hicieron desde una perspectiva muy especial. Pastoriza y la historiadora Débora Garazi expusieron sobre la historia de la ciudad y sobre la llamada “democratización del bienestar” en tensión con la experiencia de quienes sostienen cada temporada de verano con su trabajo.

Todos los episodios del podcast Historiar, producido por la Asociación Argentina de Investigadores en Historia (ASAIH) se pueden escuchar en este enlace.

3. Instantáneas de mundo, de Alfonsina Storni. “Como si fuera una ironía o una de esas bromas que le gustaba hacer, Alfonsina Storni necesitó, para instalarse en el campo literario y en el imaginario poético, desplazarse. Y no solo lo hizo respecto de su lugar de origen, de su entorno familiar, de su ambiente social, de las convenciones de género, sino que también lo hizo físicamente, emprendiendo, entre otros, dos viajes que fueron constitutivos e implicaron mudanzas irreductibles”, apunta la investigadora y docente Alejandra Laera en el prólogo de este libro y agrega: “La suya es, en definitiva, una historia de vida marcada por esos desplazamientos, el de los comienzos y el de la muerte. Ambos la signaron, a través de sus versos y más allá de ellos, como una mujer especial a la que reconocemos por su solo nombre: Alfonsina”.

Bajo el título Instantáneas de mundo (Fondo de Cultura Económica, 2023) Laera compiló un conjunto que reúne notas periodísticas, poemas, entrevistas y cartas escritas por Alfonsina Storni alrededor del viaje, en sus distintas formas. El libro incluye, entre otros materiales destacados, las transcripciones de los artículos en distintos medios gráficos donde es entrevistada y se da cuenta del pasaje que implicó haber nacido en un cantón suizo hasta instalarse en Buenos Aires y convertirse en una de las escritoras más importantes de América Latina. En todos ellos aparece cierta fascinación por cómo circulan las personas –y en particular, las mujeres– por esos días, hay destellos de efervescencia, hay imágenes muy filosas en poemas memorables. Hito insoslayable para su vida y para su obra, varios de los escritos de Storni sobre Mar del Plata y sobre la Costa Atlántica en general aparecen en la sexta sección del reciente libro, que se llama Hacia el mar. Se trata de un excelente primer paso para quienes quieran indagar en esa zona de la obra de Storni, en esa ciudad y en ese paisaje. Un lugar al que volvería cada vez más frecuentemente hasta encontrar allí la muerte, en 1938.

Instantáneas de mundo, de Alfonsina Storni, con selección y prólogo a cargo de Alejandra Laera, salió por Fondo de Cultura Económica.

4. Amancio Williams, de Gerardo Panero.  Este notable documental, que se puede ver de manera gratuita en la plataforma CineAR Play, repasa la vida y la obra de Amancio Williams, una de las figuras clave de la arquitectura moderna argentina, admirado por sus pares en todo el mundo y reconocido por su célebre “Casa sobre el arroyo”, diseñada por él en un barrio residencial de Mar del Plata. Como dice uno de los entrevistados en la película, la increíble construcción, pensada como una vivienda y también como un estudio para que su padre Alberto Williams se pudiera dedicar a la música, es vista en a mediados de la década del ‘40 como una suerte de “plato volador” incrustado en la ciudad de los chalets.

El relato, de hecho, muestra todo el tiempo testimonios de destacados arquitectos y estudiosos de la obra de Williams (entre otros, Clorindo Testa, la arquitecta Delfina Gálvez, esposa de Williams, y sus hijos, entre muchos otros investigadores marplatenses) que se van mezclando con imágenes de la casa, de sus planos y de los magníficos árboles que la rodean.

El documental Amancio Williams, de Gerardo Panero, está disponible para ver gratis a través de la plataforma CineAR Play en este enlace.

5. Las fotos de Martin Parr. Martin Parr es un célebre fotógrafo británico integrante de la agencia Magnum desde mediados de los '90 y reconocido en todo el mundo por su sagaz mirada sobre la sociedad con un afilado sentido del humor. Irónico pero siempre exhibiendo cariño con sus retratados, su ojo está generalmente puesto en los comportamientos de las personas comunes, en su forma de moverse en el mundo.

Con muestras y publicaciones que circularon por todo el planeta, uno de sus colecciones fotográficas más conocidas tiene a distintas playas de todo el mundo –y por ende, a los veraneantes– como objeto de estudio y fascinación.

En 2014, el fotógrafo llegó hasta Mar del Plata y, más específicamente, a Playa Grande y la Bristol, donde sacó una serie alucinante de fotografías para su colección “Playas”, que se pueden observar por acá. En su página oficial, Parr afirma que se sintió especialmente atrapado por el lugar y por las multitudes que acuden allí año tras año.

Algunas de las fotografías que tomó el fotógrafo británico Martin Parr se pueden ver en este enlace.

6. La feliz. Aquel verano del '88, de Camilo Sánchez. Los comienzos de 1988 no serían nada fáciles para los veraneantes que hacían fila en los restaurantes clásicos de la ciudad, pretendían ver a las celebridades en los teatros o disfrutar de la noche de un balneario en plena ebullición. En principio, se trató de un año en el que la inflación complicó los bolsillos de los argentinos (tiempo después, las cifras oficiales indicarían que se incrementó del 174.8% en 1987 al 387.7% en 1988, lo que derivó en la traumática hiperinflación de 1989). Y el panorama político, luego de los levantamientos carapintadas, tampoco era de lo más alentador. El 15 de enero de 1988, de hecho, Aldo Rico se rebeló y tomó el Regimiento de Infantería de la localidad correntina de Monte Caseros. Con ese panorama, la temporada de todos modos parecía fluir. Hasta que el domingo 14 de febrero tendría lugar el primero de los episodios del llamado “verano negro” de Mar del Plata, el femicidio de Alicia Muñiz, en manos del boxeador Carlos Monzón, su pareja de entonces. Pocas semanas después, llegaría el segundo hito que marcaría aquella temporada marplatense: la todavía misteriosa muerte del humorista Alberto Olmedo.

Aunque se aclara desde el comienzo que el punto de partida “alude a ciertos personajes históricos” pero es ficción “de punta a punta”, la novela La feliz, aquel verano del 88 (Edhasa, 2017) del escritor marplatense Camilo Sánchez recrea la atmósfera de aquellos días de la ciudad y los protagonistas (El Claun, El Campeón y El Langa) pueden ser fácilmente reconocidos por los lectores. 

Con sutileza y descripciones magnéticas, Sánchez reconstruye una forma de circulación –la fama, las expectativas, la violencia, las drogas, la crisis inminente– que empieza a mostrar el costado más feroz en forma de resaca, en un país que, al mismo tiempo, se aproxima cada vez más hacia un abismo.

La novela La feliz. Aquel verano del '88, de Camilo Sánchez, fue publicada por Edhasa.

7. Danubio, de Agustina Pérez Rial.  “Danubio es una película sobre el Festival de Cine y la ciudad de Mar del Plata o, mejor dicho, sobre lo oculto en esa ciudad. Un collage hecho a base de materiales de archivo heterogéneos: legajos desclasificados, fotografías, materiales televisivos y fílmicos en diferentes formatos y de distintas procedencias. Es un film con el que busqué hablar sobre mi ciudad natal, Mar del Plata, un territorio que oscila entre el verano y el invierno, lo lleno y lo vacío, lo aristocrático perdido y lo popular degradado, lo real y los fantasmas que la habitan”, señaló en una entrevista la directora argentina Agustina Pérez Rial.

Danubio es, en efecto, una película impactante que tensiona cualquier registro porque tiene una voz en off que cuenta una historia (tan plausible como incomprobable) y, al mismo tiempo, que expone documentos de inteligencia policial desclasificados, fotografías e imágenes de diversos archivos que la realizadora rescató con meticulosidad. 

La narradora del largometraje, a quien nunca se ve pero todo el tiempo se escucha, es una inmigrante rusa que desembarca en Mar del Plata con su familia atraída por la figura de Eva Perón –quien muere poco antes de su llegada al país–, que aprende español leyendo La razón de mi vida y que se va haciendo amigos, muchos de ellos también provenientes de Rusia, mientras crece en la ciudad balnearia. Con los años, todos ellos se interesan por la política porque sueñan con cambiar el mundo, se afilian al Partido Comunista y forman una sociedad cultural llamada Danubio.

La acción central del largometraje se concentra en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata de 1968, que transcurre durante la dictadura de Juan Carlos Onganía, quien interviene el evento y lanza un control furibundo sobre las delegaciones internacionales de cineastas y artistas que llegan a la ciudad. Los documentos que recupera la directora, de hecho, dan muestras de la persecución de la que son víctimas los cineastas y actores provenientes de los países que la policía local tilda en sus documentos de inteligencia como aquellos “de la cortina de hierro”. Una edición atípica del festival, además, porque los actores argentinos se encuentran llevando adelante una medida de fuerza contra unas modificaciones del gobierno a la Ley de Cine y deciden no participar.

La protagonista consigue un trabajo como intérprete en el Festival y la actividad del Club Danubio se cruzará de un modo especial con los visitantes que llegan a la ciudad.

Atrapante, original en su forma y con la clarísima intención de hacer un homenaje muy sentido al cine y a la ciudad, Danubio es una película muy singular que muestra un trasfondo sombrío de Mar del Plata. La película participó de la edición 2021 del festival marplatense y la realizadora Agustina Pérez Rial se llevó el premio a la Mejor Dirección en la Competencia Argentina.

Después de un recorrido por distintos festivales internacionales y diversos ciclos de cine, el documental Danubio, de Agustina Pérez Rial, llegará pronto al streaming. Más información, en este enlace.

AL/DTC

Una vez más, la música tuvo un lugar destacado entre los estrenos audiovisuales y, a lo largo de todo 2023, se lanzaron en cine y en plataformas documentales con la historia de bandas y grandes solistas. Algunos por el escándalo, otros por declaraciones novedosas, otros con hallazgos o reconstrucciones de episodios poco conocidos, se destacaron, entre muchísimos otros, series y unitarios que repasan la obra y la vida de Donna Summer, Elvis Presley, Michael Jackson, entre otros.

A continuación, un recorrido por estas producciones, que además ya están disponibles para ver por streaming en América Latina.

1. Love to Love You, Donna Summer. Con la potencia de una voz impactante, la pisada firme en los escenarios y la sensualidad que desplegaba cuando se ponía frente a un micrófono, entre las décadas de los ‘70 y los ‘80, la estadounidense Donna Summer fue señalada, aunque un poco a su pesar, como “la reina de la música disco” en su país. Lanzado en el Festival Internacional de Cine de Berlín y desde mayo disponible en HBO Max, este largometraje documental dirigido por Roger Ross Williams y por la hija de la artista, Brooklyn Sudano, busca mostrar a la cantante en sus distintas facetas, a partir de la mirada de la propia Summer en entrevistas de archivo y también con el recuerdo de su familia. 

Para hacerlo, se despliegan en el relato fotos familiares, videos que la propia cantante grabó cuando se compró una cámara casera y fragmentos de recitales imperdibles, además de distintas apariciones públicas en programas de televisión.

A lo largo del recorrido a través de la vida y de la carrera de Summer, donde no faltan altibajos profesionales y personales, cuestionamientos y desafíos, participan en el documental sus tres hijas (Brooklyn Sudano, Mimi Dohler y Amanda Sudano Ramirez); su marido, Bruce Sudano; sus hermanos, Dara Bernard, Mary Ellen Bernard y Ric Gaines. También aparecen su primer esposo, Helmuth Sommer, la empresaria Susan Munao y el reconocido productor Giorgio Moroder.

La película es también una excusa para hacer una expedición por los sonidos que fue transitando Summer, por los secretos de  algunas de sus canciones más recordadas y también por las adversidades que debió enfrentar por algunas de sus decisiones artísticas.

El documental Love to Love You, Donna Summer está disponible en HBO Max.

2. Reinventando a Elvis: El regreso del 68. Uno de los hitos profesionales de la vida de Elvis Presley fue su regreso musical en 1968. Después de varios años retirado de los escenarios, la cadena estadounidense NBC convocó al cantante para llevar adelante un especial televisivo. Con testimonios de testigos y protagonistas, material de archivo y una interesante búsqueda por reponer el contexto de lo que ocurría en los Estados Unidos ese año, el documental Reinventando a Elvis, de John Scheinfeld, reconstruye aquel episodio con imágenes impactantes y un Elvis encantador en cada escena.

Inicialmente planeado como un simple y rutinario programa de Navidad por Tom Parker, alias El Coronel –el histórico e inescrupuloso manager de Elvis– gracias a la tenacidad del productor Steve Binder y de las autoridades del canal aquel episodio sirvió como combustible para la carrera de Presley y para dar cuenta de su enorme talento cuando todos lo daban por acabado. Uno de los hallazgos de Reinventando… es que cuenta con el testimonio de Binder, quien relata de primera mano las tensiones con Parker, su proximidad con Elvis y las negociaciones que debió llevar adelante para poner en marcha una empresa difícil.

Además de usar los registros del programa, en este cuidado y muy didáctico documental hay entrevistas con otros productores, actores y músicos que lo hicieron posible, además de un repaso por sus grandes canciones. El especial de Elvis de 1968 se convirtió en un éxito rotundo y revitalizó la carrera del músico. En la actualidad se lo considera uno de los especiales de televisión más importantes de la historia.

El documental Reinventando a Elvis: El regreso del 68 está disponible en Paramount+.

3. Wham!. Este documental, además de enfocarse en la música y la explosión de un grupo pop, se centra en una amistad entrañable. En julio de este año llegó a través de Netflix Wham!, un largometraje documental dedicado a contar la trayectoria del dúo que integraron George Michael y Andrew Ridgeley en la década de los ‘80. Un proyecto audiovisual sofisticado y muy conmovedor que con honestidad en su relato y una edición elegante se vuelve irresistible incluso para quienes no suelen escuchar este tipo de música.

Creado a partir de archivos personales y material nunca visto antes, a lo largo de sus 92 minutos Wham! intenta retratar a estos dos amigos del colegio que, en apenas cuatro años, se convirtieron en estrellas mundiales del pop a fuerza de canciones pegadizas y también de una búsqueda muy particular de aquellos años en los que no existían las redes ni los algoritmos que predijeran el éxito. 

El documental Wham! está disponible en Netflix.

4. Thriller 40. A propósito de los 40 años de Thriller, de Michael Jackson, Paramount+ subió este año a su plataforma un documental muy completo sobre la creación de ese gran disco y también sobre su influencia enorme. Se llama Thriller 40 y recorre, con buen archivo y lindas entrevistas, la historia de todas esas canciones y todos esos videoclips memorables.

Un rescate especialmente impactante de la película es que a lo largo de sus 90 minutos revela, entre otros materiales, los demos de Michael Jackson, una suerte de cocina de lo que vendría después. Esas grabaciones de material en bruto demuestran la claridad que tenía el artista desde el inicio de su trabajo, con la voz y los sonidos casi calcados a los que se conocieron después en sus discos más célebres.

El documental Thriller 40 está disponible en Paramount+.

5. Robbie Williams. Se trata de una producción oficial y atrapante sobre la vida del cantante británico. Williams habla a cámara y lo aclara de entrada: “Soy ermitaño, si no estoy sobre un escenario estoy en la cama”. Avisa y no traiciona: a lo largo de los cuatro episodios de la serie el artista aparecerá sobre su cama, a veces en calzoncillos, la mayoría del tiempo con ropa de entrecasa, mirando su vida pasar en una laptop. 

Un bien preciado de esta producción, que tiene en bambalinas a Asif Kapadia (el responsable de otros documentales notables sobre grandes estrellas, como Ayrton Senna, Amy Winehouse y Diego Maradona) son las imágenes de archivo. Esas escenas caseras que Williams y su entorno registraron desde sus primeros pasos en el mundo del espectáculo –ahí, cuando era apenas un tímido miembro de la boy band noventosa Take That– hasta la cúspide de la fama, con cientos de miles de personas viéndolo en estadios repletos por todo el planeta y paparazzis haciéndole la vida imposible.

Lejos de la idea de un hombre extrovertido que encantó a multitudes, lo que se ve en la serie es un hombre tímido que se anima a revisar sus vulnerabilidades a lo largo de una carrera con demandas interminables y multitudes que gritan su nombre. En el recorrido, no faltan sucesos extraordinarios, canciones indelebles y también derrumbes en un Robbie Williams íntimo, permeable, emotivo. De hecho habla de miedos, de temporales arrasadores, de “una tormenta perfecta” para su salud mental justo ahí, en el pico de su popularidad. 

La serie documental Robbie Williams está disponible en Netflix.

6. Milli Vanilli. Lanzado mundialmente en el Festival de Tribeca en junio, a partir de octubre aterrizó en Paramount+ este atrapante documental dedicado al dúo pop ochentoso Milli Vanilli. Creados por el productor alemán Frank Farian –un hombre implacable y cerebro detrás de varios proyectos musicales de la época–, Milli Vanilli estaba integrado por Rob Pilatus y Fab Morvan, dos jóvenes con ganas de triunfar en el mundo del espectáculo que hacia finales de los ‘80 llevaban una vida un tanto precaria en Alemania. A partir de un encuentro con Farian, y de un contrato que rápidamente firmaron sin pensar, comenzaron una carrera musical imparable en el universo del pop y de las melodías pegadizas.

De a poco la fama empezó a crecer, trascendieron los escenarios de Europa y en 1989, su primer álbum ganó seis veces la categoría platino en los Estados Unidos, mientras que su principal hit, Girl You Know It’s True, vendió más de 30 millones de sencillos a nivel mundial. Sin embargo, detrás de las estridencias de sus trajes y del fenómeno popular que volvía locos a sus fans se escondía una de las mayores estafas de la industria musical.

Con entrevistas a productores, a expertos y al mismísimo ex Milli Vinilli, Fab Morvan, la película revela algunos secretos de aquellos años, las presiones que sufrían los artistas, los manejos non sanctos de algunos miembros del sistema, los claroscuros del éxito efímero y el doloroso final que tuvo uno de los protagonistas de esta historia.

El documental Milli Vanilli está disponible en Paramount+.

AL/MG

Se suele repetir que el trabajo periodístico es una especie de aventura diaria, llena de sorpresas, de vértigos, de días que nunca se saben cómo pueden llegar a terminar. Puede haber algo de eso a veces, claro. Pero, por lo general, las jornadas de los periodistas –como las de cualquier otro trabajador, no esperen por acá un espacio de épicas o de idealizaciones, al menos no en este terreno– están llenas de repeticiones, de redundancias, de duplicaciones y, sobre todo, de rituales.

El Loco –un apodo que se impuso como un tren de frente para alguien que te aturdía a puro ojo saltón, risa desbordante y voz arenosa– hacía todos los días lo mismo cuando llegaba a su computadora (vale la aclaración porque ahora todo cambió o eso que se supo llamar redacción ya no existe: eran tiempos donde cada cual tenía su espacio de trabajo asignado, eran días de ese otro tiempo que fue el entresiglo, o los comienzos de los 2000; era la década sin nombre). Mientras esperaba que su computadora arrancara –eran días, también, de sistemas operativos lentos y pantallas que apenas ofrecían fondos negros y letras blancas– llenaba su panza de aire, soplaba el teclado para barrer migas o pelusas con ese viento mínimo, sacaba una birome que llevaba siempre en el bolsillo de la camisa –ceremonias y fetichitos cotidianos, asunto indisoluble–, la apoyaba sobre el escritorio y miraba fijo a la pantalla. Sabía que nada nuevo iba a pasar después de ese sonido invasor de las ventanas que flotaban en la imagen que tenía adelante y, al mismo tiempo, contemplaba esperando algún tipo de desvío, alguna rareza. Hasta que, por fin, la máquina daba señales indudables de que estaba todo listo para empezar la jornada, que había llegado la hora. En ese momento exacto El Loco se frotaba las manos. Y pocos segundos después, disparaba el mantra invariable: “Bueno, a ver de qué nos disfrazamos hoy”.

“Yo no soy deforme, sólo estoy fuera de forma y no quiero curarme de nada”, dice el escritor y rapero argentino Matías Fernández Burzaco en el documental que veo por estas horas (se llama Fuera de forma, abajo les cuento más) y que lo tiene como protagonista. Lo hace desde su silla de ruedas, el espacio que lo contiene todos los días: él es una de las 65 personas en el mundo diagnosticadas con una enfermedad extrañísima que afecta su piel, le impide crecer y llena de nódulos su cuerpo. En la película va a aparecer siguiendo sus rutinas, rodeado de sus amigos en una sesión de videojuegos, preparándose para un show, arriba de un auto, paseando en la playa (“soy el quieto más inquieto”, dice al pasar y también: “quiero atravesar corazones, romperme, como en cada texto”). Casi al final, frente a una multitud que celebra sus canciones, lo vamos a ver arriba de un escenario con una capa, un collar enorme y el pelo teñido de fucsia para la ocasión. El artista fuera de forma también se calza su propio disfraz.

Prendas que se asemejan a disfraces, trajes fastuosos, departamentos llenos de mármoles y cortinados, boutiques que funcionan dentro de edificios que se parecen a palacios, dos hombres que se lanzaron a conquistar Buenos Aires, sin radar y al mismo tiempo sin pudor, y se convirtieron en modistos de lujo. Un juego de espejos, de esplendores que se desvanecen, de telones teatrales, de camuflajes desde finales de los ‘60 hasta mediados de los ‘90 (esa década que sí tiene nombre, tiene colores propios, hasta perfumes característicos). Todo eso se cruza en el libro que leo por estas horas (abajo también les cuento más). Se llama Casi nada que ponerte (Anagrama), lo escribió Lucía Lijtmaer (hablamos de otro de los libros de ella por acá y también de su podcast Deforme semanal ideal total, que me hace reír y pensar muchísimo). El libro, el primero de esta escritora, salió originalmente en 2015 y se reedita ahora con leves modificaciones. Me gusta que, para este universo donde la precisión es lo que timonea el trabajo, donde los diseños se tienen que ajustar para realzar los cuerpos de las clientas exigentes, donde todo es demanda y exactitud, Lijtmaer haya apostado por contar una historia desde los tropiezos que ella misma atravesó para dar con el tono y encontrar lo que llama “una voz narrativa” (“¿qué viniste a hacer acá?” es la pregunta con la que abre el libro y el hilo del que tironeará a lo largo de sus páginas). Me gusta, también, que ahí donde aparecen huecos, donde no hay claridad ni respuestas nítidas, la escritora haya preferido dejar los alfileres en primer plano, las costuras a la vista. Por último: me causa gracia que en la formalidad que requiere el mundo editorial en varios lugares describan al libro como una “crónica híbrida”: una etiqueta posible para eso que es imposible de amoldar. Un escondite, una fractura expuesta, otra forma del disfraz.

Son horas de incertidumbre generalizada. Hasta el tiempo está rarísimo donde vivo, en un invierno que no despega, que explota al máximo la amplitud térmica, que desarticula (por mi parte ando con unos mareos medio extraños que me desacomodan cada vez que me levanto de una silla o cuando hago un movimiento abrupto; más obviedad no se consigue). Hay personas con velocidad para las sentencias y los análisis –muchos trabajan de eso, otros tienen la habilidad de generar esa necesidad en los demás, como una voluntad propaladora de hacerse oír– . No lo digo con orgullo, lo digo con pudor: por acá no hay más que péndulos, voces que resuenan y al mismo tiempo hacen tambalear, atisbos en medio del sacudón. Pero, incluso en esa inercia rota, no queda otra que seguir con algunas rutinas. Entonces prendo la computadora –un poco más rápida que las de antes, bastante más colorida es la imagen que me devuelve– y pienso en El Loco. En su honestidad brutal, en sus pocos movimientos firmes para hacer pie en el desconcierto: la repetición, la necesidad visceral de elegir alguna máscara y la pregunta que silba bajito, hasta que perfora: a ver de qué nos disfrazamos hoy.

Empieza una nueva edición de Mil lianas. Pueden pasar.

1. Casi nada que ponerte, de Lucía Lijtmaer. Se trata, como decíamos arriba, del primer libro de la escritora Lucía Lijtmaer, que salió originalmente en España en 2015 y ahora llega a la Argentina. Con una combinación de estilos y un trabajo con las formas –hay crónica, hay una suerte de memoria personal, hay investigación clásica, hay bitácoras de distintos viajes, hay entrevistas y diálogos reconstruidos como si se formaran parte de escenas teatrales– Casi nada que ponerte tiene como protagonistas a Jorge y Simón. Son dos hombres que, después de nacer y crecer en pueblos remotos de distintas provincias argentinas, se conocen en Buenos Aires y se convierten, especialmente entre las décadas del ‘70 y del ‘90, en una dupla afectiva y comercial dedicada a la confección y la venta de ropa y de objetos de lujo para la élite porteña. 

El libro parte de una búsqueda personal de la autora, que conoció lejanamente a la pareja durante su infancia: nacida en Buenos Aires en 1977 en plena dictadura militar y exiliada junto a sus padres cuando apenas tenía pocos meses de vida, Lijtmaer creció en Barcelona, España, pero siempre tuvo vínculo con familiares y amigos argentinos. Es a partir del cruce de su propia historia con la de los modistos de lujo que el relato repasará con gran sensibilidad los vaivenes y las heridas de la historia argentina reciente y, al mismo tiempo, ofrecerá un retrato de época muy atractivo donde se suceden personajes bien diversos como los propios Simón y Jorge, modelos famosas, clientas millonarias, profesoras de declamación, mujeres con hijos y nietos exiliados, decoradoras y adolescentes como la autora, que indagan en su identidad atravesada siempre por dos orillas.

Casi nada que ponerte, de Lucía Lijtmaer, salió por Anagrama.

2. Fuera de forma: la vida imparable de Matías Fernández Burzaco. Este notable documental de 28 minutos es una producción de BBC Mundo, fue dirigido por la realizadora uruguaya Mariana Castiñeiras y se puede ver gratis en YouTube. Como les contaba al comienzo, se trata de un trabajo de observación y seguimiento íntimo de los días del escritor, músico y actor argentino Matías Fernández Burzaco. 

Sin caer en condescendencias, con momentos de humor y escenas de ternura, la cámara acompaña al protagonista desde que arranca su día en la cama y con un respirador que debe usar mientras duerme (“cada noche me pregunto si a la mañana siguiente estaré vivo”, dice) hasta que se encuentra con sus amigos para hacer música, conversa con su madre o con su padre, lo cargan en sus sillas de ruedas, se prepara para dar un show ante 800 personas. El quieto más inquieto, como se describe, compone, canta, se hace preguntas sobre la escritura, sobre su futuro y sobre sus días como una persona fuera de forma.

El relato está intercalado por la voz del propio Fernández Burzaco, que es autor de dos libros y escribió especialmente algunos textos que lee desde una voz en off para el documental. Llegué a Fuera de forma gracias al newsletter Línea Documental de Juan Pablo Mansilla (si todavía no lo siguen, pueden hacerlo por acá). Allí además hay una entrevista con la directora que brinda detalles sobre el germen y la realización de este excelente trabajo.

El documental Fuera de forma: la vida imparable de Matías Fernández Burzaco es una producción de BBC Mundo. Se puede ver gratis en este enlace.

3. Teatro por cuatro. El archicitado comienzo de la novela Historia de dos ciudades de Charles Dickens viene bien una vez más –¿para qué existen los lugares comunes si no es para arratonar palabras como remeras favoritas, a puro lavado?– para intentar capturar lo que pasa, entre otras cosas, con el teatro en Buenos Aires: “Era el mejor de los tiempos, era el peor de los tiempos. La edad de la sabiduría, y también de la locura; la época de las creencias y de la incredulidad; la era de la luz y de las tinieblas; la primavera de la esperanza y el invierno de la desesperación”. 

Tan versátil, tan agitada, tan hospitalaria en tiempos hostiles, por estos días coinciden en la cartelera teatral porteña obras que, más allá de sus estilos y mundos diversos, tienen algo en común en sus propuestas: todas ellas vienen a renovar el panorama a fuerza de textos potentes de autores y autoras locales con actuaciones impactantes. Por acá armé un repaso por algunas de ellas. El menú incluye regresos, adaptaciones literarias y nombres como los de Mauricio Kartun y Romina Paula.

La nota “El viaje de la Difunta Correa, dos regresos y un cuento de Quiroga en cuatro obras de teatro notables” se puede leer por acá.

Apostilla. Se anunciaron los ganadores de los Premios Nacionales 2022, otorgados por el Ministerio de Cultura de la Nación a escritores, científicos e investigadores destacados, entre otros. Me alegró saber que el escritor Santiago Craig fue distinguido por su libro de cuentos Animales, que salió en 2021 por Factotum.

Un recordatorio por si están si están buscando lecturas sorprendentes o planes de evasión: comentamos por acá esa publicación y el mismísimo autor dio algunas pistas sobre su trabajo: “Yo quería escribir acerca de algunas cuestiones básicas, elementales, humanas, que insisten en mí y que se le imponen a mi escritura como necesarias. Siempre, en lo que escribí, en lo que escribo, elijo un hueco, un agujero, algo que no sé, que no puedo manejar del todo. Necesito eso para ser sincero. Nunca escribo sabiendo absolutamente todo lo que quiero decir. Del mismo modo en el que nunca hago nada sabiendo absolutamente qué estoy haciendo. Y, en este caso, muchos de esos agujeros, de esos espacios que sirven para sacar al cuento de una certeza artificial que no me representaría, son esos animales”.

Banda sonora. Por estos días Sufjan Stevens, un músico que admiro y del que ya hemos hablado en este espacio, adelantó el primer single de Javelin, su nuevo disco, que se podrá escuchar completo a partir del 6 de octubre. La canción se llama So You Are Tired y se suma, junto con otras de este artista, a la banda sonora de Mil lianas que se puede escuchar por acá.

En otro orden de cosas, el 19 de agosto se celebra el Día internacional de la Fotografía y me pareció una excusa más o menos válida para reunir en nuestra playlist canciones que hablan de alguna manera de fotos. Elegí, entre otros, temas de Belle and Sebastian, The Who, Weezer, Ringo Starr, Astrud Gilberto, Leonardo Favio, Elliott Smith y Pedro Aznar.

Por último: llegó por fin el disco Labio inferior de Potra, el precioso proyecto musical de Sofía Vitola. Algunas de sus canciones se agregan también a nuestra lista compartida.

Bonus track: Llegar tarde a una columna sobre la velocidad de las cosas o la torsión ineludible en mi vida, al menos desde que tengo memoria: la paradoja. Juan José Becerra publicó hace unas semanas este texto maravilloso que leí y me acompañó por estas horas inquietantes. “Ese es el milagro de la literatura: contar con la boca cerrada”, dice entre otras cosas. Ahora o en cualquier momento: no se lo pierdan.

Bonus track II. Llegó a los cines y pronto desembarcará en Star+ la película La uruguaya, basada en la novela de Pedro Mairal y con dirección de Ana García Blaya. Si quieren saber un poco más sobre cómo se hizo, que decisiones se tomaron para la adaptación audiovisual y más, les dejo estos apuntes que armé por acá.

¡Hasta la próxima!

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Uno. Oscar usa mucho la palabra crocante. Cuando le suena el cuerpo en algún movimiento, se ríe y dice “hoy estoy crocante”. Oscar es un compañero de pilates con el que me cruzo una vez por semana en un estudio barrial sin sofisticación ni pretensiones, en medio de un barrio porteño que se va poniendo cada vez más sofisticado y pretencioso. Tal vez porque ya no existan los barrios, o porque sean como eso que dicen de las estrellas que vemos a la noche: el resplandor de algo que murió hace muchos años y que capturamos tímidamente con la mirada (también lo desdicen, ojo). Oscar vive ahí, en esa contradicción, en esa galaxia propia hecha de palabras como crocante, en su evanescencia. También en las palabras de los otros: es de esas personas que agarran lo último que dijiste para empezar sus propias frases en un tono que nunca se termina de dilucidar si es de negación o de respaldo. Cuando llegamos, la profesora pregunta si alguien tiene algún dolor puntual. Yo cuento que tengo una contractura –ese no que grita el cuerpo–, digo que es un nudo. Un nudo, dice Oscar, como si dudara y al mismo tiempo tironeara de él para exorcizarlo; como si lo cargara en su propia espalda, como si le pesara cuando lo nombra. La clase arranca, los ejercicios se suceden, los resortes se alargan y se tensionan; una trama que se repite con cambios mínimos. Llegamos al estiramiento final, estamos de pie, cada uno plegado sobre sus piernas. La profesora dice lo que dice casi siempre, el mantra que nos pone crocantes, que nos lleva al límite y nos hace crujir: La cabeza cuelga, la muevo para un lado y para otro suavemente, como diciendo que no. 

Dos. Un texto sobre nudos y sobre decir que no, pienso ahora mientras vuelvo a la obra El punto de costura de la escritora y dramaturga Cynthia Edul (fue parte del ciclo que ofrece el club de artes escénicas Paraíso, vuelve en agosto y espero que puedan verla porque es muy buena). El punto de costura es una indagación teatral sobre el universo de los textiles a partir de la historia familiar de la autora, descendiente de inmigrantes sirios (de paso: otro viaje a un esplendor pasado, a la estela que dejó algún cuerpo celeste lejano). Las telas y su lenguaje, las telas y su sonido. Los textiles fueron la primera escritura que tuvo la humanidad: del quipu y sus nudos, al arte de denunciar con bordados; de las mujeres hilando en las casas o los talleres, a los pañuelos y todos sus colores en las calles. En El punto de costura una hija que debía seguir la tradición, la toma en parte: escribe. Una forma de enhebrar, de encontrar hilos, de tramar, de anudar, de decir que no o de llegar un punto. Se escribe con nudos. Se escribe con puntos.

Tres. De la vida escolar, otra vez, otro mantra: principio - nudo - desenlace. Sin nudo no hay relato. Sin nudo, nada.

Cuatro. El libro que leo (Diario de una guardavidas, de Natalia Figueroa Gallardo, editó Bosque energético) tiene a una narradora que decidió rendir el examen y trabajar una temporada como guardavidas. No describe mucho sobre su vida anterior, pero está claro que dijo que no a algo, que puso algún punto final, que renunció y ahora se metió en este mundo de boyas, algas, desasosiegos y peligros y los plasma en su diario. Me gusta la forma en que describe cómo se va metiendo al agua, cómo va aprendiendo a encarar las olas, a leerlas con sus subidones y sus rompientes. El mar y la escritura se van tejiendo a medida que avanzo en las páginas. Subrayo esto que dice la escritora Paloma Vidal en la contratapa: Escribir es un poco como nadar. Vivir también. Y más en este mundo, confrontadas a lo que no nos pertenece, y sin querer adueñarnos de ello.

Cinco. Llego a la clase de pilates. La profesora dice que Oscar va a faltar, que se enfermó –ese no que grita el cuerpo–, que le avisó hace un ratito. Después me pregunta si estoy mejor de mi nudo. Le digo que más o menos y me imagino a Oscar repitiendo más o menos como duda; más o menos, como exorcismo. La clase arranca, los ejercicios se suceden, la trama avanza con sus cambios mínimos. Llegamos al final, al estiramiento con el cuerpo plegado. La cabeza cuelga, la muevo para un lado y para otro suavemente, como diciendo que no, dice la profesora y mi espalda suena. Imagino la sonrisa de Oscar de refilón, casi que puedo escuchar la palabra crocante. Y me río yo también.

Fueron días de nudos, de palabras en barrios que hacen fuerza para no desvanecer y del gesto atronador –ante las demandas ajenas o las olas embravecidas– de decir que no. 

Una forma crujir, un límite ruidoso, una resistencia. 

Los invito a pasar por una nueva edición de Mil lianas. Esta vez hace trac trac.

1. Finalistas. En estos días se anunciaron las diez novelas finalistas del Premio Fundación Medifé Filba. Es un premio que lleva tres ediciones y que, desde su nacimiento, se convirtió en una referencia, una especie de faro que destaca libros interesantes del ámbito nacional. Por acá pueden ver el listado completo con los elegidos, todos publicados durante 2022. 

Por si se perdieron o si están buscando lecturas, quería aprovechar para recordarles que comentamos tres de estas publicaciones en Mil lianas. La primera es El ojo de Goliat (Entropía), de Diego Muzzio. Un libro elegantísimo que, como les conté por acá, se ubica entre un faro ubicado en un islote perdido del Atlántico Sur y el St. Bartholomew Sanatorium, un viejo hospicio de piedra al oeste de Edimburgo. 

Otro de los finalistas es Derroche, de María Sonia Cristoff (Penguin Random House). Como apuntamos acá, en este caso se trata de una novela de fragmentos, una secuencia de textos rotos y alucinantes, de correspondencia incompleta, para usar el nombre de uno de sus capítulos: Lucrecia, una mujer joven que trabaja en el mundo académico porteño, recibe como herencia un misterioso tesoro enterrado en algún lugar de La Pampa. Se trata del legado de Vita, su tía abuela. 

Por último, acá pueden leer más sobre Para que sepan que vinimos (Blatt & Ríos), de Marina Yuszczuk, pero les adelanto, si se perdieron esa entrega del newsletter, que este es un libro de fantasmas. La protagonista es Fernanda, una mujer joven que atraviesa un duelo por la muerte de su madre y decide encarar un viaje a Nueva York con su pareja y Rosa, su pequeña hija. Un camino posible, para un proyecto imposible: los protagonistas discuten, tienen algunas peleas, no terminan de entenderse. Mientras recorren la ciudad de las películas, de los libros y de las series, se irán sucediendo distintos episodios que inquietarán a Fernanda hasta enfrentarla con zonas oscuras, con miedos y sombras más o menos tangibles alrededor de su maternidad, de sus recuerdos y de sus propios límites.

El listado con los diez libros finalistas del Premio Fundación Medifé Filba se puede leer en este enlace.

2. ¿Cómo medir un año? El cineasta estadounidense Jay Rosenblatt se propuso una consigna muy simple y la cumplió: grabó a su hija Ella el día de su cumpleaños desde que tenía dos años hasta que la joven cumplió 18. Pero no se trata de registros con tortas, animadores infantiles y globos. En las imágenes Ella permanece sentada en el mismo sillón hogareño y responde una serie de preguntas que el padre repite año a año y se complejizan a medida que la hija va creciendo. Con ese material familiar el director armó ¿Cómo medir un año?, un conmovedor cortometraje documental de 28 minutos, que después de circular por festivales desembarcó hace poco en la plataforma de HBO. 

¿Cómo medir un año? está armado con simpleza a partir de una progresión inevitable: todo arranca cuando Ella puede hablar, es decir, cuando tiene la capacidad de responder preguntas, y cierra cuando es capaz de comunicarse sin la guía de la voz paterna.

Lo que consigue desde la edición es el recorte de una hija desde los ojos de un padre que no puede frenar la máquina del tiempo. O el retrato en movimiento de una persona que va eligiendo sus caminos y sus palabras, que duda, que se alegra, que se enoja con el mundo o con su propio padre, que tiene miedo, que insiste, que crece. La sucesión expuesta de este modo, con sus repeticiones y sus sorpresas, se vuelve un viaje íntimo, chiquito y también hipnótico.

Algo más: esta producción estuvo nominada en la última edición de los Oscar en el rubro corto documental (de paso, les recuerdo que por acá armé una guía con algunos cortos y largos documentales nominados a ese premio que se pueden ver por streaming).

El cortometraje documental ¿Cómo medir un año? está disponible en HBO Max.

3. La madre del desierto, de Ignacio Bartolone. Estrenada hace algunos años en el Teatro Nacional Cervantes, la vuelta a escena de La madre del desierto, de Ignacio Bartolone, es, por su trabajo con la lengua y por la enorme entrega de sus protagonistas, una alegría. Con la historia mítica de la Difunta Correa en el horizonte –un horizonte que se difumina, que se torsiona hasta volverse inasible– la acción transcurre en un paisaje ocre por el que deambulan La Deolinda (Alejandra Flechner) y El Bebo Pura Leche (Juan Isola). Son una madre y un bebé en una intemperie apabullante; son dos personas que, en esa soledad, dialogan; que tironean de las palabras y también de la incertidumbre que los rodea. Se vislumbra el desierto omnipresente y, con esa misma contundencia, también aparecen el pasado, los fantasmas, las pérdidas.

Con actuaciones extraordinarias de Flechner e Isola y un tono poético bellísimo (cómico a veces, conmovedor siempre) Bartolone ofrece de esta manera una obra que, con la forma sinuosa de un periplo, superpone elementos que habilitan preguntas sobre la historia nacional, los cuerpos, la identidad, los límites del lenguaje y las posibilidades de lo representable. “Si el desierto es una página en blanco, y el pasado un holograma o materia que acarrear, esta pieza se inscribe como una poderosa odisea que habilita una nueva manera de percibir la historia y la literatura; o la historia a través de la literatura o, también y al mismo tiempo, la historia de la literatura a través del teatro”, señalaron sus productores cuando se estrenó el espectáculo.

La obra teatral La madre del desierto, con dramaturgia y dirección de Ignacio Bartolone y protagonizada por Alejandra Flechner y Juan Isola, se puede ver los domingos a las 17, en El Galpón de Guevara (Guevara 326, CABA). Más información, en este enlace.

4. Oppenheimer por dos. Se refirieron a él como “una mente brillante”, como un científico “de la talla de Albert Einstein”, como un genio de la física. Pero también como “un destructor de mundos”, como el “Prometeo americano” que robó el fuego al Olimpo para dárselo a la humanidad sin pensar en los riesgos que ese gesto acarrearía, o como “el padre arrepentido de la bomba atómica”. El estadounidense Robert Oppenheimer es sin dudas uno de los personajes más paradójicos y para muchos controversiales del siglo XX.

Por estos días su figura vuelve a ser revisada en una película de gran despliegue dirigida por Cristopher Nolan y también en el libro Prometeo americano. El triunfo y la tragedia de J. Robert Oppenheimer (Editorial Debate), de Kai Bird y Martin J. Sherwin, una investigación periodística colosal que volvió a editarse. Con un repaso por la biografía de Oppenheimer, algunos materiales destacados que trae el libro y la mirada del cineasta británico que decidió contar esta historia, armé unos apuntes que pueden leer por acá.

La nota Robert Oppenheimer: la increíble vida del “padre de la bomba atómica” llega a los cines del mundo y a un libro colosal se puede leer por acá.

Banda sonora. Llegó lo nuevo de Blur, como habíamos anticipado en este rincón. Y se metió inevitablemente en mis auriculares por estas horas. Elegí un par de temas para esta banda sonora que pueden escuchar siempre acá.

Ya les conté que mi amigo Hernán dice que muchas veces necesitamos “salir del algoritmo propio” y por eso anduve pispeando selecciones musicales ajenas. Entre otras búsquedas, vi que el director teatral y dramaturgo Mariano Tenconi Blanco (uno de los más talentosos y creativos de su generación, hablamos de su trabajo por acá) compartió en Twitter una hermosa lista de canciones (les dejo acá el enlace) que inspiran La mujer fantasma, una obra de teatro que estrenará en Barcelona en septiembre. Entre 107 Faunos, Rosalía, R.E.M., Supertramp y Daniel Melero, hay de todo. Algunos de esos sonidos se colaron también entre los nuestros.

De la muerte de Sinéad O'Connor, nada que decir: una tristeza enorme, un nudo –otro– en la garganta. Su voz también se suma a nuestra lista compartida.

Bonus track. Lo contamos el año pasado cuando se estrenó: basada en una popular saga de novelas gráficas juveniles de la británica Alice Oseman, Heartstopper es una de las series más entrañables que ofrecen las plataformas. Por suerte vuelve y a partir del 3 de agosto van a estar disponibles ocho episodios nuevos de la historia. Según anunció Netflix, en esta segunda temporada “Nick y Charlie navegan su nueva relación, Tara y Darcy enfrentan desafíos impredecibles, y Tao y Elle intentan resolver si pueden ser más que simplemente amigos”. Según adelantaron, además, en estos capítulos habrá un viaje a París, vaivenes amorosos, tensión por una serie de exámenes y los preparativos para la fiesta de graduación. Les dejo el tráiler entre suspiros.

Bonus track II. Los concursos literarios pueden ser trampolines, incentivos con fecha límite para las personas que vivimos postergando cosas, empujoncitos para sacudir la inercia. Por eso suelo compartirlos en este espacio. Esta semana abrió la convocatoria para postularse al Concurso de Letras 2023 del Fondo Nacional de las Artes, uno de los más tradicionales del rubro. Como todos los años, se recibirán obras inéditas de escritoras y escritores de todo el país en los siguientes géneros literarios: novela, cuentos, novela gráfica, ensayo/no ficción y poesía. Hay tiempo para las inscripciones hasta el 17 de agosto y el organismo ofrece reconocimientos para cada una de esas categorías que van desde los 350 mil pesos hasta las menciones honoríficas. Más información (¡manden, vamos!) por acá.

¡Hasta la próxima!

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En París era visto como una persona que trabajaba para construirles casas a los ricos y en el ámbito artístico en el que se movía era tildado frecuentemente de burgués. Hacia finales de la década de 1920, el arquitecto Charles-Édouard Jeanneret- Gris –más conocido como Le Corbusier y décadas después considerado el padre de la arquitectura moderna– se encontraba en una meseta: quería demostrar que no era sólo un hombre dedicado al diseño de viviendas sofisticadas, que lo suyo estaba más relacionado con pensar las ciudades y las formas en las que los seres humanos podían habitarlas.

Cuando, en 1929, recibió de parte de una escritora argentina llamada Victoria Ocampo un ofrecimiento para visitar Buenos Aires y brindar allí una serie de conferencias sobre su trabajo no lo dudó un segundo: le había llegado, desde una ciudad entonces pujante y en constante crecimiento, la oportunidad para demostrar sus teorías, ampliar la influencia de sus ideas y obtener nuevos clientes para llevar adelante proyectos a gran escala. Tanto fue el entusiasmo que no tardó en empezar a delinear un ambicioso plan urbanístico para cambiar para siempre Buenos Aires.

Este curioso episodio histórico es el centro del notable documental Plan para Buenos Aires, del cineasta argentino Gerardo Panero, que luego de circular por festivales con buena repercusión y pasar por los cines, llegó en estos días al streaming y se puede ver en la plataforma gratuita CineAR Play.

“Todas las ciudades del mundo están enfermas”, se escucha al principio del largometraje, una idea que el mismísimo Le Corbusier solía repetir. Apenas vio desde el barco en el que viajaba que la capital argentina estaba ubicada en medio de dos líneas infinitas –de un lado la pampa, del otro el Río de la Plata– el arquitecto percibió que él podía transformarse en una suerte de médico. Eran tierras con enormes posibilidades y riqueza. No pasó mucho tiempo hasta que esa apreciación incipiente cobrara la forma de una obsesión.

La convocatoria

Le Corbusier, que nació en Suiza y en su juventud se nacionalizó francés, llegó a la Argentina en septiembre de 1929. Su misión, en principio, era brindar diez conferencias organizadas por la Asociación Amigos del Arte, una entidad que, con un ojo en las vanguardias europeas, quería renovar las ideas que circulaban en los ámbitos culturales. La principal impulsora de estas iniciativas era la escritora Victoria Ocampo, una mujer que, desde los primeros encuentros que mantuvieron, impactó a Le Corbusier. Es que el arquitecto vio en ella a una posible mecenas con dinero, contactos en la aristocracia y la mirada artística necesaria para cualquier tipo de emprendimiento que le quisiera ofrecer.

“Victoria Ocampo es parte de una familia que forma parte de la élite porteña, de las familias más destacadas de la Argentina, y pone todo su capital material y simbólico al servicio de la difusión de la modernidad”, señala ante las cámaras del documental la historiadora e investigadora Sonia Sasiain.

A medida que los días pasaban, el entusiasmo de Le Corbusier se incrementaba. Primero trazó algunos bocetos informales, con dibujos pequeños en los que ya proyectaba una Buenos Aires moderna y efervescente. 

Tal como sostiene el documental a partir de distintos testimonios de referentes de la arquitectura y el urbanismo que estudiaron la obra del europeo y sus ideas para aplicar en la Argentina, la intención de Le Corbusier era la de “un demiurgo”: a partir de trabajar con los elementos preexistentes, iba a organizar la totalidad.

En su diagnóstico inicial, propuso que la ciudad recuperara su vista al río e incluso proyectó una “Ciudad de los negocios” aprovechando una parte del sector costero. Como gran visionario, además de considerar que se debían incrementar los espacios verdes en todos los barrios, destacó que era importante darle prioridad al sur porteño, una zona que, en su mirada, estaba deteriorada. Por esos días, la capital argentina se había convertido, junto a Chicago y Nueva York en los Estados Unidos, en una de las ciudades con mayor recepción migratoria en todo el mundo y el urbanista también consideró que era necesario controlar el crecimiento de la población.

Sin embargo, no había una oferta formal de las autoridades locales para llevar adelante el plan para Buenos Aires que Le Corbusier seguía tramando. Él de todas maneras se reunía con personajes influyentes, mientras daba sus conferencias e incluso llegó a proyectar la publicación de un libro con el material que fue recolectando.

La última de sus presentaciones públicas tuvo lugar el 19 de octubre y al poco tiempo volvió a París. Desde allí, obsesionado, continuó enviando cartas a Buenos Aires para que su plan urbano no fuera olvidado. Pero los tiempos no lo acompañaron: el mundo se asomaba a la Gran Depresión y en la Argentina tenía lugar el primer golpe de Estado, que el 6 de septiembre de 1930 derrocó al presidente constitucional Hipólito Yrigoyen.

Le Corbusier, sin embargo, no desistió. Primero intentó trabar relaciones con las autoridades de facto, que en su visión contratarían sus servicios por formar parte de las élites y entender las necesidades de una modernización general.

En 1937, dos jóvenes arquitectos argentinos –Juan Kurchan y Jorge Ferrari Hardoy– llegaron a París con ganas de conocer a Le Corbusier, quien para entonces seguía en ascenso con su carrera. El europeo no tardó en reclutarlos y convencerlos de que debían ayudarlo a avanzar con el plan para la renovación de Buenos Aires. Kurchan y Ferrari se quedaron en Francia un año y desde allí recolectaban información, mediante sus nexos con Buenos Aires, para avanzar con las tareas. Tanto era el entusiasmo, que se encargaron de armar una presentación para la prensa en el estudio parisino de Le Corbusier: invitaron a las autoridades diplomáticas argentinas que vivían en Francia y también a periodistas de distintas agencias internacionales. 

Tiempo después se sumó a la iniciativa el arquitecto catalán Antonio Bonet que también se proponía llevar el modernismo europeo hacia distintos países latinoamericanos. Para eso conformó una agrupación de vanguardia que llamó Grupo Austral, que tomó el plan de Le Corbusier y decidió ampliarlo. Sin embargo empezaron a aflorar diferencias hasta que perdieron contacto.

Un nuevo impacto para los sueños de Le Corbusier en Argentina llegaría en la década de 1940, con Juan Domingo Perón en el poder. En 1946 se conformó un organismo que tenía como finalidad estudiar la traza urbana porteña y repensarla. Se llamó Estudio del Plan Para Buenos Aires (EDBA) y contó con la participación de Ferrari, uno de los discípulos argentinos con los que Le Corbusier había trabajado en París. Pero el europeo quedó rápidamente afuera del proyecto y terminó recibiendo, tal como destaca el documental, “uno de los gestos más desagradables que recibió en su vida profesional”. Sus propuestas innovadoras, de todos modos, jamás llegaron a implementarse ni entonces ni hasta la actualidad.

Ya convertido en una especie de mito de la arquitectura, Le Corbusier tuvo su revancha en el país. En 1949 fue convocado para diseñar la vivienda familiar de un prestigioso cirujano, Pedro Curutchet, en la ciudad de La Plata. Las obras concluyeron en 1952 y el arquitecto, que mandó su propuesta desde París, nunca llegó a ver su creación terminada.

En 2016, la Casa Curutchet, única construcción de Le Corbusier en toda Latinoamérica, fue declarada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco, junto con otras 16 obras del urbanista desplegadas por todo el mundo.

Un documental argentino

El director Gerardo Panero llegó a la historia de los días agitados de Le Corbusier en la Argentina mientras trabajaba en otro largometraje sobre la arquitectura, dedicado a Amancio Williams (N. de la R: esta película también está disponible en CineAR Play). Buscando material se encontró con el cortometraje documental La ciudad frente al río, de 1950, que es el que da inicio a su película. Allí se habla de las ciudades “enfermas” y se proponen posibles curas.

Con una estructura clásica, Plan para Buenos Aires está armado a partir de material de archivo, pero también con testimonios de expertos y con imágenes actuales de la ciudad infinita que sirven como referencia para entender la fascinación de un urbanista encendido y visionario que soñaba con verla florecer.

AL

Plan para Buenos Aires se puede ver de manera gratuita en CineAR Play.

Desde fines de mayo, Netflix anunció una modificación progresiva en sus condiciones en México, Colombia y Argentina y dejó de permitir que una misma cuenta se pueda ver desde distintos hogares, algo que se hizo más visible en los últimos días, con la llegada de julio. Con estos cambios, los que compartían un mismo usuario en hogares diferentes, solo lo podrán hacer creando un nuevo usuario y abonando una suma extra por cada casa adherida.

La comunicación oficial de Netflix dice: “A partir de hoy, enviaremos el siguiente email a nuestros miembros en Argentina que comparten su cuenta de Netflix fuera de sus hogares. Las cuentas de Netflix están diseñadas para usarse en un mismo hogar. Todas las personas que vivan en ese hogar pueden acceder a Netflix desde dondequiera que estén (en su casa, de vacaciones o de viaje) y hacer uso de nuevas funciones como «Transferir un perfil» o «Administrar accesos y dispositivos». Sabemos que nuestros miembros tienen muchas opciones de entretenimiento. Por eso, seguimos invirtiendo en una amplia variedad de películas y series nuevas, de manera que siempre encuentres algo que ver en Netflix, de acuerdo a tus gustos, tu estado de ánimo o idioma”.

En su cuenta de Twitter, indicaron que la cuenta de Netflix “es para ti y para las personas con las que vives. A partir de hoy, ofrecemos nuevas funciones que te ayudarán a administrar mejor los accesos a tu cuenta. Podrás seguir viendo Netflix fácilmente cuando viajes o estés fuera de casa”.

A partir de esta actualización, si compartís tu cuenta en distintas casas, en la pantalla de Netflix te aparecerá un aviso para que decidas cómo continuar tu membresía. Uno de los perfiles creados se quedará con la “cuenta hogar” y, para el resto, las opciones son dos:

Asimismo, Netflix aclaró en sus comunicados que las personas “que viven en una misma casa sí podrán usar la cuenta en sus distintos dispositivos (televisores, tablets, celulares) y también cuando viajen, en el televisor de un hotel o en una casa de vacaciones”.

Los planes de Netflix y los precios

Netflix ofrece varios planes para que elijas el más adecuado para tus necesidades.

Como miembro de Netflix, se te cobrará una vez por mes en la fecha de suscripción. Las cuentas de Netflix están pensadas para personas que viven juntas en el mismo hogar. Aprende más sobre cómo compartir Netflix.

Básico

Estándar

Premium

Precio (pesos argentinos)

Aclaración: Los miembros extras tienen su propia cuenta y contraseña, pero la membresía la paga la persona que los invitó a compartir su cuenta de Netflix. Tu plan determina la cantidad de cupos de miembro extra que puedes agregar.

Según el lugar en el que vivas, es posible que se te cobren impuestos, además del precio de la suscripción.

Cómo cambiar tu plan

Puedes cambiar tu plan de Netflix en cualquier momento si sigues estos pasos:

NOTA: Si tu cuenta está suspendida, no se pueden realizar cambios de plan hasta que se resuelva la suspensión.

El cambio de plan por uno de mayor precio se aplica de inmediato para que puedas disfrutar de todas las nuevas funciones. Como Netflix es un servicio prepago, tu fecha de facturación variará en función del saldo restante del último pago que hiciste. Para volver a tu fecha de facturación anterior, consulta Cómo cambiar tu fecha de facturación.

El cambio de plan por uno de un precio menor se aplica en la siguiente fecha de facturación. Puedes continuar usando las funciones del plan de mayor precio hasta la siguiente fecha de facturación.

Puedes cancelar el servicio de Netflix en cualquier momento.

Cómo usar Netflix

¡Te damos la bienvenida a Netflix! A continuación, encontrarás información para empezar a disfrutar de Netflix. Si no encuentras el tema que te interesa, búscalo en nuestro Centro de ayuda. Si aún no te suscribiste y quieres obtener más información, visita ¿Qué es Netflix?Cómo iniciar sesión

Una vez que hayas abierto la app o el sitio web de Netflix, selecciona Iniciar sesión para acceder a tu cuenta y comenzar a ver series y películas. Puedes iniciar sesión en cualquier dispositivo que admita Netflix y en muchos dispositivos compatibles. Si experimentas problemas, consulta los pasos para la solución de problemas en No se puede iniciar sesión en Netflix. Si no tienes la app de Netflix, visita Cómo descargar la app de Netflix.

Creación de perfiles

Puedes crear perfiles para otras personas que vivan contigo. Así, ellos también podrán disfrutar de una experiencia de Netflix a su medida. Tu cuenta puede tener hasta cinco perfiles individuales, y tendrás la posibilidad de establecer el nivel de clasificación por edad de cada una. Cada perfil tendrá recomendaciones propias basadas en sus clasificaciones y preferencias individuales.

Búsqueda de series y películas

Puedes buscar los títulos que te interesan o explorar las sugerencias de Netflix. Una vez que comiences a ver y calificar contenido, Netflix te mostrará recomendaciones. También podrás activar subtítulos, subtítulos ocultos o pistas de audio alternativo en varios títulos o explorar contenido que tenga subtítulos o audio en el idioma que prefieras.

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Puedes actualizar la información de tu cuenta en cualquier momento. Para cambiar tu email, número de teléfono o plan, selecciona la opción Cuenta del menú de Netflix. Con Perfil y controles parentales, también puedes configurar los controles de contenido, como preferencias de reproducción, idioma y subtítulos. Los artículos mencionados a continuación pueden ser de gran utilidad a la hora de configurar tu cuenta.

Membresía y facturación

·        Cómo actualizar la información de tu cuenta de Netflix

·        Preguntas sobre facturación y pagos

·        Cómo usar las tarjetas de regalo de Netflix

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Cómo ver en streaming en distintos dispositivos

Si tienes más de un dispositivo compatible con Netflix, puedes cambiar de dispositivo cuando lo desees. El plan al que te hayas suscrito determinará la cantidad de pantallas en la que puedes ver Netflix al mismo tiempo, pero no limita la cantidad de dispositivos que puedes asociar con tu cuenta. Para ver Netflix en un dispositivo distinto, inicia sesión en ese nuevo dispositivo. Visita devices.netflix.com para obtener más información sobre los dispositivos compatibles o consulta el artículo sobre la descarga de la aplicación de Netflix para obtener consejos respecto de la configuración de un nuevo dispositivo.

Cómo ver títulos desde cualquier lugar

Puedes acceder a Netflix desde más de 190 países de todo el mundo. Si sabes que no vas a tener conexión a internet, puedes descargar series y películas en Netflix. Si vas a ver contenido en otra latitud o zona horaria, consulta qué puedes esperar en los viajes o las mudanzas.

Antecedentes

Netflix comenzó por primera vez a restringir el intercambio de contraseñas en Canadá, Nueva Zelanda, Portugal y España a principios de este año para frenar a aproximadamente 100 millones de personas que comparten cuentas, según la empresa.

Es uno de los primeros servicios de streaming importantes en poner límites al intercambio de contraseñas, una medida que se produce después de que Netflix experimentara su primera pérdida de suscriptores en una década, perdiendo casi un millón durante el verano de 2022, aunque recuperó esas disminuciones en la segunda mitad del año.

Inicialmente, se esperaba que la represión de contraseñas comenzara a principios de 2023, pero se pospuso hasta la primavera, lo que llevó al gigante del streaming a reducir los gastos en US$300 millones durante el primer trimestre del año.

Datos clave, según la revista Forbes:

Con información de Netflix.

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